黄虹宾论文发表

艺术感染力能发挥让观众喜怒哀乐，消极和积极暴发力，比如用射影录像绘画都能体现这个作用。比如用在战争动员它可激发战士为保卫国家去作出最大努力，用在学习上激发全国人民为国强民富而发奋学习，用在各行各业专业，可干好本职工作，用美化室内外环境，可使人们赏心悦目陶冶情操，心情舒畅。用打击敌人坏人，可勇敢出击打击敌人，伸张正义，用在爱国教育，可使国民有凝聚力，为祖国而贡献自己力量唯护保卫国家。它是以美的图画形势发挥它的作用。

浅析“奇正相生”在国画章法布局中的释放及运用1．1 背景黄宾虹提出了太极图是中国书画的秘诀。1.2 “奇正相生”一词的概念及由来太极图的阴阳鱼阐述了社会自然宇宙。。。。。是在不断变化发展，此图变化发展，生生不息。黑中有白，白中有黒。相互依存，变化发展。“奇正相生”一词渊于其有变化无穷生生不息之意。1.3 研究现状在中国画章法布局中变化与统一是构图学中的重要法则，“奇”是变化，“正”是统一应使画面中的物象变活，这就需要如何适当的经营位置怎么布局使物象活起来。二奇正相生一词在国画章法布局之中的联系及运用.2．1其词浅说懂得“奇”字，“正”字，也就是大小，长短，上下，高低，黑白，虚实，奇偶，动静的一些对比，一幅作品里面又两个相同的场景时就要注意上下，大小，高低，黑白的一些对比，是相对来说它的大与小，长与短，上与下……把它相对的前者定格为“正”的，那么后者就为“奇”的了，黑的定格为“正”的，白的则为“奇”的了，只有使其有相互对比，才能使画面活起来，使画面动起来，画面才能活。2．2其词与章法之间的关联章法要先看四条边线所构成一个整体的画面，通盘筹划“置阵布势”，不能从一边、一角、一点堆积起来，先确定对全局起作用的几个大面积的东西，再逐渐打碎，以小面积的东西配搭进去。“大幅看气势”更须要树立全局观点。所谓章法，不单指构成画面的形象轮廓，色彩、墨色、浓淡、位置、经营、虚实都要计算在内，题字印章所占地位更不能遗忘，这样构图才能完整。 章法，千言万语，不外虚实、疏密、轻重、浓淡、大小、长短、横竖，同理，可体味音乐的节奏，当实则实，当虚则虚，虚不是不画，是有计划的不画，不画处仍有画，譬如音乐的休止，休止不是“怠工”，而是一支曲子的组织部分，即是“多样的统一”，也是自然法则的“矛盾统一”。为了形式上的需要，实处当虚，可以虚之，例如：山石本实，云一遮就虚；虚处当实，可以实之，例如：水本空明，添些蘅藻、舟楫、岛屿、倒影之类就实，虚虚实实，即成画面节奏。画面节奏要和主题内容思想感情紧密的结合一起，节奏是画面形式，也是作者的情感表现。章法上的“相成相破”，含有矛盾统一的意义，“成”相当于统一，“破”相当于矛盾。“统一而不变化是呆板，变化而不统一是杂乱。要统一中有变化，变化服从于统一。”整个构图以此为基本规律，多采取均衡取势，而避免对称。“画三不画四”，三是奇数，四是偶数，画偶数的物象易流于匀韵整齐，奇数即可以打破这个局面，奇和偶也是相辅相行的。“惨淡经营”方可成形式语言的美感首先来自于构图的处理上，构图受“意”的统领，发挥独特的思维想象，创造出富有“意味”的构图形式，使观赏者乐意去揣测其中的味道和意境。中国古代绘画的构图上极讲“势”的存在，如造险绝之势、造祥和之势、造平稳之势、造动荡之势、造大度之势等等，“势”乃布局之阵势也。同时，中国画特有的散点透视之长盖使中国画气度雄浑、法式独特、妙趣横生。因此，不同及相同形状的结合，物类的对比、态势、节奏、排列、凝集、分割、疏散等态势，都是构图呈献的不同方式。2．3其词在章法布局中的运用如何安排画面的问题。作画有了题材，通过画面传达给观众，使观众接受了你的想法和美感，从构思到画面，遇到的第一关即是构图。明代谢肇润税：'市故事便立意结构。同时代的另一画家李日华说：大都画法以布置意象为第一。可见取得好的题材，还不算万事大吉，紧跟着要研究主体部分放在哪里，次要部分如何搭配得宜，甚至空白处、气势、色彩、题词等等的细节都要反复推敲，宁可没有画到，但不可没有考虑到，这种推敲布置的过程即是一种经营。画家常常不是通过一两张草图便能达到理想构图的，特别是中国画的构图，要考虑民族形式的特点，要考虑到便于发挥笔墨，便于物象的展开，既要多变化、多次层，又要求统一。北宋郭熙在所著《林泉高致》一文中提出山有三远，自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山．谓之平远。一、高远在《芥子园画传》的山水部分，总结有构图学上的一个普遍问题，就是高远、深远和平远的三远法，实际上是如何表现山水境界中的高、宽、深三度空间的方法。《芥子园画传》中所说的高远，是从下面向上仰视，才觉得高远，我们今天应用透视学的观点，即把物象放在视干线上，就显得做岸兀立。在这部书中提出用泉水以助其势之高，如画雁荡山的龙激飞瀑，即应有高远之气势才好。但是书中的措泉助高，并不能把问题说得十分清楚，因为你把山画得再高，泉水画得再长，还是不及真山的千分之一高。怎样把象千例之高的大山画在尺幅之内呢？刘未对宗炳在《历代山水序》中指出，眼与山只要有了相当的距离，按照比例来画就行了，'坚划三寸就有千例之感；'舱里数尺即可体现百里之遥。比如为了夸大山之高峻，可以把人物、房屋、树木画得很小，如范宽的《溪山行旅图》，沈周的《庐山高图》，都是人小山大。有时也可把峰顶推出画外或隐入云层，使人不知山有多高多大，可以把下部虚起来，如画山头用云虚断山脚也有崇峻之感，即郭熙所说山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰则高矣。反之，如画极远的平川，可把上面虚起来，也会造成平川万里之势。二、深远由前面往里画出深奥之感觉叫深远。画中进深大，造成一种具有深远空间的意境。《芥子园画传》解释加强云气有深远感，宋代郭熙在《林泉高致》中也有所论述，水欲远足出之则不远。掩映断其脉则远矣。这种处理方法在表现云核秦岭'汽断巫峡时可以使用。有经验的山水画家，都觉得三远之中深远最难于体现。元代王蒙的《具区林屋图》，使用了四面环山，把幽深之溪谷层层透措，画出了难度较大的纵深之感。三、平远景色要画出前后左右辽阔的空间。平远画法大体上有两种：一种是矮山及丘陵的平远山水；一种是只有田园河流的平原大地。对于前一种画法《芥子园画传》强调用烟气加强平远之感，有了烟'气，便觉得苍茫辽阔。实际上无论高远、平远，这一点都是适用的。黄子久的《富春山居图》就属于平远山水的类型。对于描绘平原景色的辽阔地貌，也可以用一些类似的手法，但主要还是应当利用景物的透视，如林带、田埂的透视，河流的纵横带来加强平远效果。一马平川的大地原是国画中难于奏效的画题，近代画家有用稻田波影来衬托白帆片片，也有用树木和房屋层层推远的。所谓空白处不是无话可说，没有画意可寻了，它正是为了衬托密安部分增强空象，使它更能以少胜多，就象音乐中的休止符，使人有更多的泪旋浮想的余地，正是此时无声胜有声。要善于借虚以见实，前人曾提出大抵实处之妙，皆因虚处而生是很有道理的。密处在构图中要更集中，更精密地刻画，使墨、色、线充分发挥效果，对比下感到白的更白，密处更密，更突出，更加强烈地给观者留下印象，从而发挥造型艺术的特长。虚与实不可分割，是构图法的两个方面，孤立强调任何一个方面都是不恰当的。疏密聚散与前一节意思相近，这种变化有时也可以用疏、密、聚、散四个字来形容。密与聚是画面上的实处，疏和散是指画的虚处，正如疏可跑马，密不通风一样，观者能在画面上看出大的节奏感来。但空不是简单的空白，而是三中也有象，我们试看八大山人的花与画，常常只画一花～鸟，单纯之极，纸上留出了大面积的空白，整幅．画面空虚处，让读者自己去发挥想象，可以想象为天空，为白云，为水波，造成极大的边旋余地。但只有空白不能成画，所以还要有密处说明问题，最忌的是平均布置，如清吴历《棚天春色图》人与柳树，有聚有散，其土坡按一根S线布置，画的中部和远山，又尽量展开，以求舒散，引起观画者有山曲水幽之感，同时也为我们展示出如何处理疏密聚散的手法。计白当黑这句话也是来自清代书法家邓石如，是由邓的弟子包世臣记录在《艺舟双辑》中。常计白以当黑，奇趣乃出，因为这一规律可通画理，国画家又把他的道理转用在绘画上，与此相近的说法还有，清代华琳在《南宗抉秘》画评中所说：于通幅之留空白处，尤当审慎。中国画强调运用空白，对空白经营很用心，把它当有画的部位，同样费心思去考虑。为什么要留下一些空白呢？这好比戏剧、电影中人物的潜台词，如果把话都说尽了，没留下一点潜台词，这叫做平铺直叙。画面上展现一片空间，我们会感到画家的思想在这段空间里驰骋，这在米氏的云山画中是常见的手法，一片白云横在山腰，山随云活。但邓石如的深意还不止于此，他是要求没有笔画处的白，当和有笔画处的黑一样引起重视，认真经营，让白中也有内容，有画意，而不是一块闲置没有画到的白纸。这就要斟酌白与黑的措趁和呼应，如画一条长桥卧波，桥身是黑，水便是白，桥身如何布置便很重要，讲的位置合度，可以感到桥下的流水，引起对水的联想，类似这种空白，不是可有可无，也不是无话可说了，这是言外之言，物外之趣，意味无穷。艺术贵在含蓄，空白也是诸种含蓄手法之一。布置之法势如清代画家邹一挂在他所著的《小山画谱》里，提出了一个国画的构图原理，这就把画面的布置，安排为三角形的勾股方为得势。勾股的三角形，也可以是直三角和斜三角。勾股的三根线，分别称为勾、股、弦．2．4现代国画章法布局的创新与发展现代中国画对构图的开拓与理解有着极大的发展，呈现出几种类型的构图法。如重视写生，一些画家更加重视人物的具体环境的结合，在人物、事物和环境的典型性和视觉的真实性上下功夫。另一些画家的作品则努力开拓传统的章法技巧，打破时间、空间的限制，在意象空间的表现上下功夫，继承传统的长卷、立轴、屏风、扇面等各种传统构图形式。还有一些画家则从现代西方艺术的创造中得到启发，采用分割、构成、重叠的手法，表现出新的意态和新的审美追求。这三种构图法都有自身美感的因素，我们应相互吸收运用，反复推敲、精心组织、苦心经营，力求创造出新的构图形式在一幅作品的章法布局之中怎样使画景中的物象活起来，这就需要适当的经营布局各个具体物象的位置。古人有:计白当黑疏可走马密不通风具体言的虚与实，疏与密，开与合宾与主，大与小……都是奇与正之间的关系，在黄宾虹老先生的思想中体现，其依据太极的理念，又开创出新的章法，面貌，尤其是他依靠画家所具备的空间组织能力，以画理去打通书理，在章法布局中让其有错让，又起伏，又呼应。其中讲究的虚实结合，并发现实处取法难，虚处更难，虚实相应相生，节节有呼吸，也就犹如太极鱼黑白相应相生。黄宾虹老先生把太极图几乎完全融入他的绘画生活之中，甚至于举手投足无不合太极图，他是现代中国画家之中将太极图原型“道成肉身”最杰出的一位，也是最自觉的将其纳入思性和创造活动中的集大成艺术家。欧洲的西画大师如荷蒙特里安爱用方格式构图，而中国画家之所以爱用三角形构图原理，可能更符合于中国画的表意性，便于表现山水花鸟构图的上轻下重，上小下大，引力向下的心理因素。避免板到。这是就总体而言，当然构图是无限丰富的，很难作执一之论，不应使它束缚每一画家的独创性。正和偏、板和活、齐和不齐、均衡和不均衡、对称和不对称都是艺术表现形式的对立统一规律，在构图时要随时注意它辩证相互对立的关系，从主题出发，从主要的构思去寻找主要的构图之路。新的构图方式。三实例列举进行分析并对其做阐述3.1举出案例进行分析国画构图比其他形式的绘画作品更讲究随意性和个性化，画家在作画过程中常常是随手挥洒而不落俗套具体我们可以从以下几个方面去分析：虚实：如吴作人的《奔》为了强化黑白的对比关系画家省略牛四周可有可无的众多琐碎事件只留下几根淡淡的似有似无的线条曾托墨色浓重的牛，一实一虚赢得了虚实相应生趣的艺术性。黑白：如八大的《鱼石图》为了强调石头和鱼的关系，在石头鱼的创作过程中巧妙地运用黑与白的关系，白中有黑，黑中有白，黑白相生使石头显的沉重,鱼赋予了生命，整个画面活起来。3.2阐述奇正是自然界绝对运功与相对的静止，两种状态的对立与统一运动富于变化而有生气，静止显的统一安定，变化与统一是构图学中的重要法则，“奇”是变化，“正”是统一。在创作中求奇正是国画章法布局不可缺少的方面。构图布局需要我们在万象纷纭，变化万千的复杂事物中找到头绪，理出脉络，分清主次，使画面主题鲜明，内容突出，有节奏感和自然的美感。“奇”“正”的对立与统一更应如此在对立中寻求统一，在统一中求得对立，经过提炼取舍，才能创作出新的好的奇活的构图来。四结论奇正也就是大小，长短，上下，高低，黑白，虚实，奇偶，动静的一些对比，在创作中求奇正是国画构图的主导方面。在对立中寻求统一，在统一中求得对立，经过提炼取舍，才能创作出新的好的，奇的，活的构图来。作品资料

刘墨，1966年生于沈阳，中国美术史硕士、文艺学博士、历史学博士后。现为北京大学历史文化资源研究所研究员，中国艺术研究院研究生院客座教授。2011年7月1日，被聘为“2012（伦敦）奥林匹克美术大会”艺术指导委员会主任委员。主要著作有：《中国艺术美学》《生命的理想原始儒家与中国人格》《国画门诊室》《书法与其他艺术》《禅学与艺境》《中国画论与中国美学》《石涛》《龚贤》《八大山人》《传统的延续与演进》《乾嘉学术十论》《20世纪中国画名家批评》《现代国学思潮与人物》《在学术与艺术之间：刘墨对话艺术名家》等。另主编图书40余种，400余篇论文发表。先后在北京、沈阳、厦门、福州、淄博、太原、成都、哈尔滨、长沙等地举办画展。

我们如何理解艺术，这是我在十多年前中国艺术研究院研究生院上的讲课笔记。翻出旧文，也给自己做一个备忘。

我们今天所说的“艺术”这一概念，原来是译自于文艺复兴以后的西欧文明。西欧文明共有九大领域：宗教、政治、产业、经济、科学、哲学、教育、军事、艺术。从这个角度说，西方的艺术一开始就是独立的。

与此相对照，中国文明体系中却只有经学、军事、民业、宗教、技艺五大类，一比较就看出来了，这里面没有西方文化中称之为“艺术”（Art）的一类，所以它就会依附于某种东西。

古典文献中关于“艺术”的观念

从中国古典文献的角度看，与Art相似的，大概应属于“艺”、“工”、“能”或“巧”这一类的概念了。《后汉书赵典传》注引《谢承书》：“典学孔子七经，河图、洛书、内外艺术，靡不贯综，受业者百有余人。”这可能是把“艺术”并称之最早见于文献者了。但是这种“艺术”，无论在范围上还是在内涵上都与西方现代意义上的“艺术”这一概念有着相当大的差异。

艺术的“艺”，含在心灵的内在种子之意。“种”是“_”，“种”是“_”，二者区分非常明显。在中国，最早有了通过艺术而培养内心道德之义。当这个意义完成，就将最初包括卜筮、占候、射箭、制作、投壶、驾驭等在内的“艺术”排除在外了；尤其当文人艺术在11世纪兴起之后，“德成而上，艺成而下”这一概念就更加纯粹，人们只将琴、书、画作为正统的艺术，而将其它如雕塑、建筑、戏剧、工艺等视为匠人的技巧而被排除在雅艺术（fine arts）领域之外。

这个过程，是按照经验－技术－学问－智慧而逐层递升的。

虽然在近,现代以来人们不断地把艺术从道德伦理、哲学、历史之中摆脱出来，从而以此作为艺术自觉的象征，然而，中国传统艺术及其美学却从不曾离开深厚的人文传统与文化传统。因此，中国艺术之伟大，乃等同于人生境界之伟大；中国艺术之深邃，乃等同于哲学境界之深邃。

艺术至少是三种主要“价值”的结合体：

(一)形式的价值。就主观的感受言即“美的价值”。

(二)描象的价值。就客观言为“真的价值”，就主观感受言，为“生命的价值”(生命意趣之丰富与扩大)。

(三)启示的价值。启示宇宙人生之意义之最深的意义与境界，就主观感受言，为“心灵的价值”，心灵深度的感动，有异于生命的刺激。

匠人和艺术家的区别最大之处，就在于有无人格的渗透。比如匠人所做的瓷器，他是不敢将自己的任何痕迹留在器物上的，但是艺术家却敢，他坚持要把属于自己的印记加到器物里去。

我曾这样写道：“从传统艺术的角度说，一幅绘画并不仅仅是一幅画而已，它是一种象征，一种暗示，就像一扇半开的门，一面擦得干干净净的明镜，它可以帮助我们恢复自己本来的美妙清净之天性，甚至恢复深蕴在我们心灵深处的乐与山水亲近的自然天性。它更是我们在寒冬雪、黄昏燕、漫长夜或快乐或郁闷或孤寂间述说自己无声而又最富于华彩的心境的一种展示之道。

宗炳说画山水要“澄怀味道”或者“澄怀味像”，范宽也说与其师于人不如师于物，与其师于物不如师于心，原来都把“心”作为创作的根底。心的状态应该是怎样的？应该是庄子所说“纯白之心”！有此纯白之心，方能见天地之大美，而此纯白之心，却最难护持。近代大儒马一浮觌貌知人，每谓某人“心多奸杂”，都是从“心”的角度来衡量艺术品格之高低。

艺术像诗一样也要靠语言来诉说诗探求的是日常语言所不能抵达的性灵之域；艺术则更向前一步，它不能言说，只能意会，将玄妙、朦胧、虚幻提供给视觉。

欧阳修说：“有以乐其心，不知物之为累也”（《学真草书》）；苏东坡说：“笔墨之迹，托于有形，有形则有弊。苟不至于无，而自乐于一时，聊寓其心??”（《东坡题跋题笔阵图》）其目的是指向于人的情怀或性灵的。

因为书迹除了显示自身的“存在”之外，也彰显人的“存在”。

所以书法虽然是由线条所组成的轨迹，但它不是几何学意义上的“线”，甚至也算不上符号，而是实实在在地彰显了人的存在，线条也变为人的心智的证据：它们，是有灵魂、有生命、有血有肉的。

而这灵魂、这生命、这血肉，却是以人的灵魂、生命、血肉为根柢。当我们漫步在书家的居室，当我们或低吟或玩味书家笔下例如“检书烧烛短，煎茗引杯长”、“芝馔延狂客，松龛兀酒禅”、“流水断桥芳草路，澹云微雨养花天”或者“矮纸斜行闲作草，晴窗细乳戏分香”之类的语句时，我们所沉浸的，实在是一种生命格调、一种生命韵味，这是书法？是艺术？还是人生？“拾薪汲涧煎茶外，倚杖闲看云去留”，此是禅境，又是艺境。

西哲海德格尔说，艺术家不过是一个“通道”：是艺术本原与艺术作品之间的通道，艺术家最终的目的，是使“真理”进入作品之中，使作品成为无蔽之真理的一种现身。

这与禅颇有相通之处。东方思想中称为顿悟、澄明、去蔽、剥落的，无非是要排除一切障碍物、障眼物，以达到一切皆明的自由境界，此亦是我所常说的艺术家之所以成为艺术家，取决于其对“本质”之追寻。

画意画境是可以到古典诗词里去寻求的。

中国人在面对自然万物时，都是将自己融入自然之中，直看得山水草木花鸟都与自家性情相通相适，相亲相近间充分体现人世的贞亲。这样的意境在今天已是一种奇迹与梦想，但在前人那里，却只是寻常岁月里的梅花消息，寻常人家屋檐前后的鸟叫虫鸣。于是鸢飞鱼跃间，无不是生机流荡。

表现主义”

把中国文人艺术当做是一种“表现主义”，也许不会有太大的问题。康丁斯基(W.Kandinsky,1866-1944)说现代表现主义艺术所以产生的根源，乃出自于一个人的“内在需要”——所谓内在需要，是指无言的洞察力、不可名状的直觉、基本的感情，以及所有组成精神生活的东西。当艺术考虑的主要是人的内在需要之表现的时候，人们首先所考虑的就不仅是一个视觉图像，而更是人的精神状态方面，即它是由一个人的内在精神生活所决定的。

艺术是调解矛盾以超入和谐。所以艺术对人类的情感冲动有净化的作用。中国的思想家充分地意识到了艺术在人生中净化人格的效用。

宗炳在《画山水序》中就说艺术的创造关键之处乃在于“澄怀味像”或“澄怀观道”，所以宗炳虽然也强调了“以形写形，以色貌色”，然而更重视的却是人的精神与心境——与其说他是求得外在的客观知识，毋宁是探究内在生命之真际。在他看来，艺术家必须先在自己的内心葆有灵明的觉心，此心韶然灵明，澄明无滞，然后引此心以化外物，使艺术的创作乘人灵之动而成。

为什么中国艺术会特别强调艺术中的“道德”？

当一位艺术家越是提升他的精神生活，就越会发觉内在于他的某种障碍。中国的哲人将它称为“不诚”之意——例如私欲、习惯性之物质主义倾向、固执之意见与乖戾之脾气等——而祛除这种种的劣根性，则必须避免做某事以便于制伏、调整或转化它，使一个人的精神生活趋向于净化。

《东坡题跋》卷五《跋文与可墨竹》：吾乃学道未至，意有所不达而无所遣之，故一发于墨竹，是病也。今吾病良已，可若何？

艺术中强烈的表现意欲被严格意义上的宗教家所不允许，因为它也是欲望自我的一部分，和超越欲望自我的意志相矛盾。人，必须在这种矛盾之中找到一条排解的途径，否则就会强烈地感到“不适”，是一种“病”，而“遣”的意思则是净化。

“道”、“艺”相涵

在“道-艺”相涵的模式下，艺术的价值始终都是以指向道的最高实在为指归，从而发现艺术的意志乃存在于一更伟大的、更实在的意志与情绪之中。他们是以一个“审美的人”的身份返回存在的本质，如果“存在”(exist)一词是指包括了生命情境中所有的一切——它提示、呼唤、超越；而且更主要的，是它会痛苦、会愉快、会迷惘、会了悟、会沉冥、会狂喜；它可以把一切看出个底细，尝个透彻；从他们的艺术中看见生或死，人性或灵性，这才是他们的艺术。

潘天寿在写给黄宾虹画集的序里面，表示了他对中国艺术的理解：

先生习画之步骤，先从法则，次求意境，三求神韵。习法则；须入严处入、繁处入、密处入、实处入，道古循今，极力锻炼，入而能出，然后求脱。求意境：须入高处入、大处入、深处入、厚处入，要窥见古人之深心，使意与法会，景随情生，而得圆融无碍之妙谛。求神韵；要从读万卷书入，行万里路入，养吾浩然之气入。在元气混茫间，纯任一片天机，冥心玄化，自然神情气韵都来腕底。

艺术应该从“大处”、“深处”“高处”、“繁处”、“密处”入之类的话，不是对中国传统绘画有非常非常深刻认识的人，是不会写出的。回头看我们自己，是从严处入/繁处入/密处入/实处入/高处入/厚处入的吗？如果不是。赶紧改变！（作者：刘墨）

每个人对艺术的理解，来源于自己的多方品质而论。欣赏理解一件作品，角度不同，结果大不相同。例我们在欣赏吴昌硕作品中，如书画之人究其笔法、墨法及墨与纸的碰撞生成，再气质与书品，取法秦汉之神髄等重要因素。与书画者神经产生意合，让经历过笔墨之人，彻骨振神！相反不谙书画之人，也只能通过别人的评论之词，重复述之。感染我们的作品很多，只是深浅罢了！

关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。推荐内容关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。最佳答案浅谈对中国画的认识首先我想说对于我们建筑学来说，对国画的认识是更有裨益的。各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼在着我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。

艺术就是一种能够促进人们感官世界更有灵感的一种体会，在面对艺术的时候，人们的内心一般都会沉浸在感性与浪漫的氛围中，可以让自己看时间的眼睛都变得不一样，这是一种对生活美好的追逐和联想，可以将生活中最美好的事物提炼出来，以最富激情的方式去激发创新思维，并让懂艺术的人融入到其中，从而产生更多艺术心声的方式。

在艺术的世界里，人们不会感觉到难过与彷徨，也不会让自己处在一种庸俗的角度，而是会让自己处在最有喜悦的人生状态里，只要人们动动头脑和嘴巴，或者挥挥自己的手臂，就可以带起一片艺术气息，能够让自己全身上下充斥着艺术韵味。

艺术面前，人人都是平等的，它可以用最精准的魔法棒点醒人们内心隐含的艺术思维，并且用极为精致的打磨手法去提炼精华，塑造出最打动人心的成果。