关于琴声论文范文资料

随着中国民族声乐的发展，相关的理论研究成果也日益增多，其研究也在不断拓展、深化和创新的过程中更显其丰富性。下面是我为大家推荐的声乐论文，供大家参考。

声乐论文 范文 一：音乐论文发表-平湖派

摘 要：在中国琵琶艺术众多的传统流派之中，平湖派陶染着中国传统音乐的典雅风韵，以较强的艺术生命力世代流传，极具研究价值。但在当下，其传承现状并不乐观，流派概念日渐淡化、承人的稀缺以及传谱的缺失等原因致使其艺术影响力甚微。本文基于田野调查，试图从平湖派琵琶艺术的历史起源、历代传人、发展过程、演奏风格和美学特点等方面入手，探究其传承现状并分析该流派的发展前景，进一步把握平湖派琵琶的艺术价值。

关键词：平湖派;琵琶;传承

在中国传统民族乐器中，弹拨乐器琵琶具有极为悠久的历史，因其所代表的 文化 内涵典雅深厚、演奏技法独特多元、艺术作品华美丰富而长久流传于世。自魏、晋时期，琵琶首次传入中国以后，乐器本身所具有的西域色彩与东方文化特点，交融凝结为现今中国民乐中不可或缺的一个“角色”。在琵琶艺术不断发展的历史进程中，各大传统流派的产生与演进可谓是异彩纷呈。

在琵琶艺术众多的传统流派中，平湖派隶属近代琵琶四大流派、江南地区琵琶五大传派之一，与之同具艺术影响力和研究价值的琵琶流派还有无锡派、浦东派、崇明派、汪派、瀛洲派。平湖派琵琶艺术曾在我国具有极高的艺术地位，甚至曾一度名扬海外。

但近年来，平湖派琵琶艺术的传承现状并不乐观，流派本身所具有的艺术影响力日渐削弱，流派的概念也渐趋于淡化，民众普及度较低，甚至在流派的发源地平湖，也是少人问津。琵琶艺术最直观的传播方式即口传心授的教学，教学对象主要针对青少年人群，然而目前各地音乐院校或艺术 教育 机构所开设的琵琶课程，层次高低不等，但大多都以常规性的教学为主，根据难易程度开展教学活动，基本没有以流派为主的教学。在普通民众间，社会新兴文化日趋直上，对 传统文化 的承袭产生了一定的冲击，当代青少年对传统文化的关注日趋淡化，平湖派的传播途径又相对较为狭窄，在这样的社会环境下，流派的传承与发展随之遇到了较大的阻碍。从流派本身传承条件来说，传人严重稀缺，传谱在发展过程中也未得到完整的保存，一些传统独特的演奏技巧无成文记录可考，难以承袭。如此历史悠久的民间流派若最终走向陨落，将是艺术领域的一件憾事。我们有责任也有义务为平湖派琵琶艺术的承袭与发展献出自己的一份绵薄之力，将具有百年悠久而深厚积淀的平湖派琵琶文化继承下来，帮助古老的民间传统流派，拂去旧尘，重放光彩。

一、平湖派琵琶的历史脉络

明清时期，由于方兴未艾的戏曲艺术的持续发展，促使多种乐器从伴奏地位不断向独奏艺术演化。而随着市民音乐艺术的崛起，器乐独奏艺术逐渐在城市节日庙会以及各种游乐场所中迅速地兴盛了起来。民间器乐别树一帜，各领域乐者演奏技艺超凡。在此时期内迅速兴盛起来的民间器乐艺术中，琵琶演奏艺术无疑代表了这一时期器乐独奏艺术的最高成就，开创了了器乐独奏艺术发展前所未有的崭新局面。①

在这一时期，琵琶演奏领域虽是名家辈出，琴技绝伦，但是却未曾出现成文的琵琶 曲谱 ，也未曾有古书文籍专门对特定的琵琶演奏风格进行记录与区分，因此在当时未产生清晰的各家流派。清末，琵琶演奏家李芳园(1850—约1901年)，将家中流传的所有琵琶乐曲进行系统地归纳整理，谱写成《南北十三套大曲琵琶新谱》，该曲谱的刊印，也代表着琵琶演奏流派，“平湖派”的诞生。

早在清乾隆年间，浙江平湖李氏家族就是琵琶艺术世家。自李延森起，开启了李氏家族琵琶世代相传的历史。李延森(约1771年生)为平湖琵琶有史可考的最早的起始者，他“举业之暇，性耽音乐，而尤爱琵琶，研究古曲，各极其妙”②。在此之后，李延森又传于其子李煌，李煌实则子承父业，以此而尽孝行，使双亲可听其琴音，取乐于此。在李煌之后，又传于其子李绳墉。后又传于其子李南棠，据《南北十三套大曲琵琶新谱》记载，李南棠素嗜琵琶， 同时也非常地擅长琵琶演奏。但囿于当时的文化环境，旧俗所限下，李氏前三代都仅限于家中承袭，不可外传。因此，李氏琵琶也并未扬名于社会。直到传至李南棠后，才开拓了崭新的、更为广阔的承袭局面。到了李南棠的青壮年时期(1850—1876年)，正值第二次鸦片战争(1856—1860年)，外国资本主义势力侵入中国疆土。以经商为业的李氏，经常来往平湖、上海之间。他见多识广、思想开明。愿交乐友，广师求益。1850年，李南棠与张子房、俞芝山“携谱奉访，杯酒论交”，1856年与故友郁谷园、姚飞泉、姚松斋等进行切磋。“先世遗谱相与参考，按节挥弦各有心得”。1876年，与陈子敬、周厚卿、黄梅汀、周蓉江等“见访”。③而陈子敬即当时极有名望的一位琵琶名家，颇受清光绪皇帝生父醇亲王的赏识，还曾受其“天下第一琵琶”的封号。在与众多琵琶演奏名家切磋琢磨的过程中，李氏琵琶开始摆脱原本封闭的、家族内部承袭的局面，同时，李南棠在此交流借鉴之中，也吸收了许多新的元素，更加丰富了家传演奏技法。

在李南棠之后，又传于其子李芳园(1850—约1901年)。李芳园出生于如此几代相传的琵琶艺术世家，从小积久陶养，兴致浓厚且天赋过人。他在对于李氏琵琶的承袭有着极大的贡献。他不仅自身琴技过人，而且善于博采众长，对民间各家琵琶演奏流派都有吸收借鉴，很大程度上丰富了李氏琵琶的演奏风格与曲目。对于社会文化领域风气不佳的时局，李芳园欲为琵琶艺术的发展寻求新的方向，故而整理归纳了家中流传的曲谱，并融合民间各派的演奏特点，同时吸收了一些优秀的民歌作品，将其系统地谱写，最终编撰成《南北十三套大曲琵琶新谱》。

该曲谱的刊印，也代表着中国近代琵琶四大流派，“平湖派”的正式诞生。

二、平湖派琵琶的主要传人

(一)第六代传人朱英

朱英(1889—1954年)字荇青，号杏卿，浙江省平湖市当湖镇(今当湖街道)人，据相关研究者考证，在五十年代，他曾居住于原城关镇骑塘浜十号。朱英是平湖派琵琶艺术继李芳园之后的第六代传人。朱英儿时师从平湖派琵琶第五代传人李芳园。在李芳园私塾学习期间，最初是李芳园的学生吴柏君为其授课，经过一段时间的学习，李芳园本人才开始为其授课，在此期间，朱英勤学苦练，深得李氏琵琶的精髓。1927年，朱英受到北大校长蔡元培的举荐，到成立不久的上海国立音乐学院(现为上海音乐学院)任职。受时局所迫，1948年，爱国的朱英不愿为日本人演奏琵琶，毅然决定回到家乡，在平湖县(今平湖市)初级中学教授语文。朱英在其工作期间，仍坚持学习琵琶以及专业音乐理论知识，这也为原本狭窄的民间流派创造了更多对外发展的空间与可能性。

朱英先生对平湖派琵琶的演奏技巧和教学都具有自身独到的一面，他为继承和发展平湖派琵琶艺术做出了不可磨灭的贡献。他创立的许多琵琶演奏技巧至今仍为琵琶演奏家所使用。朱英首次将平湖派琵琶艺术引入高等学府的课堂，1927年，他任教于上海国立音乐学院(现为上海音乐学院)民乐系，教授琵琶。第一，在这期间，朱英第一次把流传在民间的平湖派琵琶艺术引入到高等学府，在任教的十七年间，培养了一大批优秀的平湖派琵琶继承人：谭筱麟、丁善德、蒋凤之、樊伯炎、陈恭则、杨少彝、江容琛、程午嘉等。第二，朱英提倡“文武合套”的演奏理念，他在平湖派琵琶的演奏风格中提倡“文武合一”，打破了文曲、武曲的界限;第三，创新琵琶演奏技法，首创左手五指并用;第四，他继承和发展了记谱特色，在原本的李氏工尺谱中，用短线标注节奏，并标出详细的演奏标记;第五，创作了一批平湖派琵琶的演奏作品，《五卅惨案》、《难忘曲》、《秋宫怨》、《长恨曲》、《枫桥夜泊》、《海上之夜》等数首作品。④

(二)第七代传人杨少彝

朱英的学生杨少彝(1913—1974年)，我国著名的平湖派琵琶演奏家、音乐教育家。1931年开始师从朱英，学平湖派琵琶，琴技绝伦，深得老师朱英的认可，为平湖派琵琶的第七代传人。在1958年以“民间艺术家”的身份被西安音乐学院引进。

他在西安音乐学院任教期间，培养了任鸿翔、何明威、王天建等一大批优秀的琵琶演奏家。在杨少彝毕生的教学过程中，他并不墨守成规，而是勇于为传统艺术开拓发展的新局面，为古老流派的传承做出了许多努力。后为时局所害，蒙难弃世。

(三)第八代传人杨毓荪

杨少彝之子杨毓荪(1950- )，自幼师从其父，学平湖派琵琶。在父亲早逝后，更加坚定了承袭父亲夙愿的决心。此后师从中央音乐学院浦东派琵琶演奏家林石城。杨毓荪不仅精于琴艺，还坚持致力于提高平湖派琵琶艺术地位的工作，整理并出版其父杨少彝生前所留曲谱，为平湖派琵琶的研究者和学习者提供了极具参考价值的理论依据。在移民后，他也未曾停止对平湖派琵琶艺术的传播工作。

三、平湖派琵琶代表传谱

《南北十三套大曲琵琶新谱》的刊印标志着琵琶演奏流派“平湖派”的诞生，该曲谱融合了平湖派的主要代表作品、演奏技法、演奏符号等，是流派学习的重要理论依据，也是平湖派琵琶保存相对完整的传谱，由清代平湖派琵琶艺术的创始人李芳园整理编辑家传琵琶乐曲编撰而成。“窈念家君究心于此四十余年，方参透其中三味，尝因时尚艳曲淫声，风气愈趋愈下，欲著斯谱，为指南要法。自慨有志未遂，棻承先业，惟湮没是虞。于是发奋朝夕，汇集古曲十三套，按节寻声，一一参考默识”

(一)代表曲目《阳春古曲》

全曲共计十个段落，根据《南北派十三套大曲琵琶新谱》所记，十个部分分别为“春景阳和”、“锦园小憩”、“遍地花开”、“独占鳌头”、“风摆荷花”、“玉版参禅”、“道院琴声”、“一轮明月”、“东皋鸣鹤”、“铁策版声”。

(二)代表曲目《淮阴平楚》

该作品是平湖派典型武曲套曲的类型，全曲风格雄壮伟岸，大气磅礴，演奏者须表现出战争史诗般地宏伟场景。在演奏中，多使用满轮、绞弦、扫弦、轮拂、并弦、拍等技巧。⑤

(三)代表曲目《平沙落雁》

该曲由“雁阵横空”、“霜天雁叫”、“平沙扑翅”、“高翔千仞”、“衡阳万里”、“逐队分飞”、“一行归影”七部分组成。为表现文曲悠远淡泊的艺术意境，演奏中应注意运用弹挑、滚奏、双弹、轮指、扫弦以及推、拉、吟、揉的技法。

四、平湖派琵琶的演奏风格

平湖派琵琶的演奏极富地方特色，也正是因为它独具匠心、丰富多元的演奏技法，才使得它清晰地有别于其他民间流派，以较高的艺术影响力长久流传于世间。本文在此，将进行简短论述。南北派十三套大曲琵琶新谱中的手法、指法备载仿刻华君秋苹谱，惟有新增手法每曲详注逐段工尺旁。其中，右手的轮指技法是平湖派琵琶演奏特点的主要体现。轮指，是指琵琶或吉他的一种典型演奏指法。在琵琶演奏中，几乎所有的乐曲都要使用该演奏指法，由轮指汇成的指法特别繁多，例如带轮、扫轮、满轮等等，在此不一一详述。

轮指主要分为上出轮和下出轮两类。上出轮即食指、中指、无名指、小指顺时针依次弹下，后接拇指挑上;下出轮即是无名指、中指、食指顺次弹下，后接拇指挑上。在平湖派琵琶的演奏中，多用下出轮手法，偶尔根据乐曲需要兼用上出轮手法。如代表作品《满将军令》的弹奏技法为先以食、中、名、禁四指，此第弹下，然后大指挑上，其声缓且长而易圆，须要连而勿断，断不可用上出轮。⑥平湖独创的演奏技法有“蝴蝶双飞”、“抹复扫”、“七操”、“马蹄轮”、“挂线轮”，上述技法演奏难度颇大，掌握者甚少。

平湖派琵琶艺术最初起源时，属于文人音乐，供具有一定文化修养的知识阶层人士自娱自乐。“古之学问为己，今之学问为人”，也许当今社会人们习音律，一般是为学习掌握一种演奏的技巧，但对于先者来说，怡养性情、修身静心。由此可见，平湖派琵琶艺术所蕴藏的文化内涵是极为深厚的，耐人寻味的。自古文曲宜静，以平湖派代表曲目《青莲乐府》为例，此曲由“举杯邀月”、“雨打芭蕉”、“风入松”、“石上流泉”四段联缀而成，犹如以泼墨画式的笔触，描绘出古代文人墨客“起舞弄清影”一般的古朴典雅之景，给人以空灵舒畅、意境深远之感。中国古典音乐文化多倡导悠然心会，超乎功利，象征着高洁、寂寥、含蓄、典雅的君子品质。曲中始终激荡着一种至高的审美情趣，让听者在袅袅琴音中，洞悉艺术的真谛所在。

声乐论文范文二：校园音乐剧;创新实践

摘 要：社会在不断发展变迁，人们对高雅艺术展开追求同时，还希望艺术可以是通俗易懂的，音乐剧中流行音乐元素大胆实践创新，也恰好满足大众这种审美情趣，也使得一部又一部的经典作品横空出世。作为音乐剧中一类独特创作特征的流行音乐元素，也需要我们不断进行学习与研究，本文对校园音乐剧中流行音乐元素该特殊创作特征加以深入分析，希望为促进校园音乐剧向可持续的方向发展作出一份贡献。

关键词：流行音乐元素;校园音乐剧;创新实践

音乐剧对流行音乐元素作用是深远的，本文主要围绕校园音乐剧和流行音乐元素关系展开，而流行音乐是当前覆盖面最广，比较流行歌曲表达形式，容易获得大众接受通俗演唱 方法 ，同音乐剧两者有机融合，促使音乐剧与流行音乐两者都获得了源源不断的生机与活力。特别当今科技突飞猛进发展，新兴事物逐渐涌现出来新时期，人类各方面均已取得质的飞跃，时代发展同大家坚持不懈努力存在密切关系，科技发展与艺术创新二者互相影响、互相促进，也更带有新时代的气息。

一、校园音乐剧概述

校园音乐剧为一类小型音乐剧，音乐剧是一种有机融合了歌唱、舞蹈和戏剧表演的综合性表演。历经一个世纪发展阶段，音乐剧在发达国家备受追捧，让人感到满意却又不置可否缔造艺术和商业间统筹兼顾的双重利益，但是在我国存在的历史并不是很久。顾名思义，音乐剧表演应该具有的特征是戏剧性、整合性、风格化差异化和三项全能特征。正是这些特征使音乐剧从诸多表演艺术门类中脱颖而出，成为当代舞台剧美学综合性的最高标准。相对来讲，音乐剧这一名词还比较新鲜时髦。最近几年，伴随音乐剧持续升温，国内音乐剧相关文字，乐谱还有音像材料等量日益增加，而且我国诸多校园也开始让师生尝试音乐剧编排与创作。音乐剧一大特征便是通俗性，这也是它同歌剧间最大差异①。绝大部分歌剧对于受众审美水平有极高要求，但音乐剧则恰好相反，其大众性特征异常鲜明，掌握起来也更为容易，从多角度考虑，音乐剧较歌剧都更容易让学生接受，学生学习热情也会更高。另外，艺术与娱乐两点音乐剧中均具备，所以对学生课余生活也起到很好丰富作用。特别是当今，综合素质教育在我国大行其道，众多中小学也陆续开展艺术综合教学，音乐剧这一良好载体备受瞩目，对音乐剧中流行音乐元素这一独特创作特征加以研究，对我国全面开展综合素质教育意义重大。

二、流行音乐元素在校园音乐剧中的创新与实践

首先，震撼人心视听效果。很多音乐剧成功之处便在于在音乐剧作品中不单融入法国大型歌剧，浪漫主义还有英国民谣等古典音乐元素，还融入大量流行音乐元素，这些音乐节奏平稳、旋律简单。配合旋律特征方面，作曲家偏向流行歌曲创作风格特点，促使受众可以单纯由音乐当中体会音乐真谛;配器特征方面，把流行爵士音乐、电声等元素融入管弦乐中，制作出使人眼前一亮音色效果。各类形式流行元素有机融合，创作出无与伦比动人曲调，让观众享受一场别开生面视听大餐②。其次，寓教于乐大众情趣。将流行音乐元素融于音乐剧中，对所有学生受众都具有不可替代重要作用。音乐剧中侧重流行风格作品，因其优美动人，朗朗入口特征变成学生生活娱乐重要组成，也成为其情感寄托与生活写照，让广大师生学习生活变得多姿多彩，为一种不可多得的调味剂。该类音乐对压力较大及学业繁重学生来讲，也不失为一类娱乐消遣好办法;音乐剧中各类西洋乐器伴奏，促使音乐渲染力加强，对学生陶冶情操及拓宽视野非常有利;另外音乐剧中多一些比较夸张的呐喊、尖叫等声音异化处理，充分调动其学生们的好奇心，让他们由精神与心理双方面得到刺激快感。再次，雅俗共赏审美品质。校园音乐剧会沿用很多古典歌剧段落，采取宣叙调、咏叹调或古典音乐背景，也说明其在追求通俗性和娱乐性同时，仍然要维系其自身高洁品质。优秀音乐剧作品需要充分打破雅俗对立状态，拉近雅俗间距离，达到雅俗共赏交融情境③。相比 其它 古典音乐剧来讲，校园音乐剧桥段融入更多流行音乐元素，这不仅是为了让学生感到更亲切，更容易接受，另外学生审美水平与音乐素养也会在不知不觉中，或在音乐剧享受过程中不断得到培养。

三、 结语

假使说八二年由中央歌剧院《我们现在的年轻人》视作富有我国特色音乐剧，定义成我国当代自创音乐剧，则中国音乐剧也不过短短二十来年时间。但通过国人不断摸索，我国文艺与教育工作者的持之以恒，近年来我国自创剧目越发增多， 经验 积累也越发丰富。无论歌剧话剧，舞蹈影视，亦或是戏曲艺术，都有对音乐剧的不断考量，音乐剧越发让人欲罢不能，尤其年轻受众，尤其是近些年开展的如火如荼的校园音乐剧，更是让青少年在欣赏音乐的同时不断成长，让流行音乐元素融入于校园音乐剧当中，并不断加以创新与实践，这势必会让我国校园音乐剧未来呈现出一幅更加美好的画卷。

声乐是音乐专业学生的一门选修课，学好声乐有很大的作用。下面是我为大家推荐的声乐 毕业 论文，供大家参考。声乐毕业论文 范文 篇一：《民间音发展趋势》 摘 要：民间音乐一直是传统音乐中的重要组成部分，而当今许多的民间音乐被列为世界非物质 文化 遗产，这不禁引起了人们对它的关注，同时它的传承与保护也变的尤为重要。通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。 关键词：民间音乐;传统音乐;发展趋势 中华民族有着广阔的疆域，众多的民族，丰厚的文化底蕴，传统音乐这种世代相传、具有民族特色的本土音乐也是我国悠久历史文化的一部分。民间音乐是传统音乐中不可缺少的的部分，民间音乐是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分。 一、中国传统音乐与民间音乐 中国传统音乐指的是中国人运用本民族固有的 方法 ，采取本民族固有形式创造的，具有本民族形态特征的音乐，其中不仅包括在历史上产生的、历代相传至今的古代作品，也包括当代中国人用本民族固有形式创作的，具有本民族固有形态特征的的音乐作品。民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。伍国栋老师对其作如下界定“民间音乐是当今世界各国、各民族传统音乐文化中存见的一部分既古老又现代的音乐文化类型，是创造于人民大众又供人民大众在日常生活中通过口传心承方式来共同操纵、共同享用、共同演绎和共同传承的一种非专业的社会音乐文化产品。”①如此一来更有效地认证了民间音乐的地位。 二、民间音乐的独特价值 民间音乐是人类音乐中最丰富的宝藏，也是世界非物质文化遗产的重要成员，它随着历史进程的发展，是人类历史的见证，具有独特的价值，如人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值。(1)人文价值，是指民间音乐反映的历代各族人民的社会生活、历史事件、生活习俗等人文资料。如在编写地方志时，民间音乐是不可或缺的部分。(2)学术研究价值是指民间音乐自身的发生、发展、演变及其规律，如五声性调式的特点、多声部民歌的研究等都可作为世界上的中国音乐文化符号。(3)审美价值则体现在民间音乐积累了优秀的曲目，它们是以中国人民的审美和要求而流传下来，在流传中千锤百炼、凝聚成为高度艺术感染力的音乐形象，有的催人泪下，有的令人心旷神怡，具有高度审美价值和欣赏价值，是人们精神生活中不可多得的艺术。(4)民间音乐具有音乐创作的素材价值，民间音乐作为民族音乐的基础，曾哺育了历代的文人音乐家和宫廷音乐家;同样也启发了中国新音乐的专业创作和通俗音乐创作。 三、民间音乐的发展趋势及思考 1.民间音乐的传承与保护。“民族音乐文化是民族本质最完美的音乐表现”②。民间音乐不仅是中国传统音乐的瑰宝，更是世界民族文化的骄子，因为它不仅代表着一种艺术，更诠释着一个民族的本质，也是人类精神文化交流的一种媒介。于此，保护和传承民间音乐是我国经济环境下的一项重要的文化策略，而人民也应根据各民族音乐的特点做出适当的保护 措施 ，以便更完整的保留住它的本质。然而民间音乐内容形式的多样化使得保护工作变得困难，它不仅是一种文字或影像上的保护，更是一种无形的深入人们内心的认可与保护。于此，音乐工作者应该注重民间音乐的传承和发展，做好这项艰巨的任务。深入民族地区进行田野考察，立足于国际，各地区各民族等全方位，多角度的学术视角，采取科学的研究和论证。在尊重民族、尊重传统的基础上对民间音乐文化进行传承与发展，是我国更多的民间音乐走向国际化的舞台。 2.民间音乐的传承与发展。民间音乐是中国传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有活力的部分，它在在历史的长河中紧随着人民生活，既延续又演变的流动着。世界上每个国家都有自己的民族和他们独特的音乐文化，也是这种音乐文化代表着当地人们的一种生活环境和精神上的审美。也正因为如此，世界才呈现出多元化，而随着社会全方位的发展，各个国家对自己音乐文化的保护也上升到一个重要的阶段。中国作为一个多民族的国家，有着有着辉煌灿烂的民族文化，民间音乐作为一种丰富多彩的文化，对中国音乐的发展起着极其重要的作用。同时，在国际音乐中，他们也渐渐代表着一种中国独特的音乐形象。“传承发展是延续传统的动力，是传统音乐的生命力。只有建立传承人保护机制和抓好传承措施，中国民族民间音乐作为一种非物质文化遗产，才能随着物质文明和精神文明的不断传承发展而日益繁荣。”③ 四、结语 民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。民间音乐具有独特的人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值，通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。 注释： ①伍国栋.中国民间音乐[M].杭州：浙江 教育 出版社，1995. ②杨立梅.柯达伊教育体系中传统音乐传统的继承与发展[J].中国音乐，2000(01). ③冯光钰.传承发展是对非物质文化遗产———中国传统音乐的最好保护[J].音乐研究.2006(01). 声乐毕业论文范文篇二：《音乐论文发表-音乐游戏》 摘 要：在音乐游戏教学中教学生听辨音乐的音高、节奏、强弱、节拍、速度、情绪等基本要素，并在训练听觉的同时引导他们用身体动作来表现这些要素。使自己的身体与音乐默契配合成为一个整体。 关键词：音乐游戏;音乐教育 一、游戏的定义 拉夫·科斯特：(索尼在线娱乐首席创意官)游戏就是在快乐中学会某种本领的活动。辞海这样描述游戏：以直接获得快感为目的，且必须有主体参与互动的活动。这两个定义说明了游戏的两个最基本特征：(1)以直接获得快感(包括生理和心理的愉悦)为主要目的。(2)主体参与互动。主体参与互动是指主体动作、语言表情等变化与获得快感的刺激方式刺激程度有直接关系。 二、音乐游戏的概述 首先是由音乐作为主导的游戏活动，音乐是一门培养 儿童 创造能力的重要学科，在教学中教师要善于运用各种直观的 教学方法 ，如生动有趣的 唱歌 游戏，律动自编舞蹈表演，加入伴奏乐器等，这些方法的灵活运用是音乐教学当中是直接有效吸引小朋友的办法，让他们在一节课四十分钟内感兴趣，专注聆听和学习的动力。针对小学生儿童的生理特点心理特点，应特别重视设计音乐游戏活动，对发展儿童的音乐 想象力 ，引导有意识的进行创新。儿童往往年龄小，好动的本性比较强，对于音乐学习来说，知识也好，技能也好，整体音乐素质也好，均离不开音乐兴趣与 爱好 这个根本源泉。美国著名音乐教育家穆塞尔和格连在其《学校教学心理学》中写道：“假如我们能在一个孩子身上唤起对音乐的一种强烈的热情，假如我们能把这种兴趣延长若干年并且缓步地把它提到更高水平的话，那么，即使他永远成不了一个技艺名家，他也将通过音乐找到他的个人幸福…….这是音乐教育的主要任务。” 三、奥尔夫音乐教育的特点 1.以人为本，突出音乐教育人性化。奥尔夫的音乐教育是以学生为中心、一学生的发展为本的，可以这样说，在奥尔夫音乐课堂上，学生在真正意义上“走进了音乐”。这种音乐与他们的生活息息相关，并能充分表达自我的情绪情感，体现出人文关爱。 2.在“做”中学，突出音乐教育游戏化。教育学家罗杰斯提出了活动学习理论，即有意义的学习都是在“做”中进行的，在做的过程中，新旧知识逐渐形成了自然地本质联系。对于年级较小的学生更是如此，以他们理解，“做”就是玩，就是游戏。高尔基说“儿童通过游戏，非常简单，非常容易的去认识周围的世界”。儿童他们的兴趣还不稳定，因此当他们从事某一项活动时，一遇到外界的一些干扰，就容易发声兴趣转移，但是，他们为不会变的兴趣是游戏。只要我们在音乐环节中加入游戏，加入合理儿童感兴趣的活动，他们就会专注，有兴趣去了解音乐带给他们的欢乐。德国音乐教育家奥尔夫主张，儿童音乐教育应该从孩子的生活天地里取材，让孩子在玩乐中学习音乐。音乐游戏具备了将音乐听觉表象体现在行动之中的功能。让儿童从音乐中来——感受音乐(听音乐)：到音乐中去(音乐游戏)：再回到音乐中去——达到音乐教学的目的(掌握音乐)。 四、游戏在儿童课堂中的实践 1.音乐游戏在音乐教育中具有承上启下的作用。课堂中的每一段引言、每一项教学活动，每一个音乐游戏都要有连贯性。有些课例我们可以通过这样去做的：通过用身体姿势创造形成各种图形，培养群体协作能力。 老师：我今天给大家出一道难题，你们会写阿拉伯数字吗? 学生：当然我们上幼儿园时就会写了。 老师：那你们会用身体写吗? 学生：……… 老师：你们现在笔直的站起来，就是一个“1”字，你们还可以躺在地上用身体摆出阿拉伯数字1—9来。现在你们讨论一下，看看怎么摆又准确又有创意。当学生遇到困难时，比如摆不出“2”的造型时，教师应该给与必要的提示，可以两三个同学合作完成这个造型。 让学生一同商议如何合作摆出图形，其他组可以评价哪些地方有创造性，哪些地方还不够准确，应如何改进。如果学生顺利完成任务，教师可以进一步加大游戏难度，在黑板上画出各种教学需要的图形，用打击乐器进行声音造型。当学生掌握声音造型的基本方法后，启发学生以组为单位，从生活中提炼可以用声音表达的图形。先将图形画出来，再用各种方法创造声音造型。 2.教师在音乐游戏中起贯穿作用。教师在运用游戏激趣法时必须注意四点：第一、游戏目的要明确。第二、游戏的规则要叙述清楚。第三、游戏纪律要张弛得当。第四、游戏道具提前准备，这样才能让游戏真正成为课堂中的“闪亮点”和“兴奋点”。点燃学生心中的音乐火花。另外，在运用游戏时除了向学生讲清楚游戏的规则和注意事项外，还要求儿童必须遵守规则，服从教师的指挥，掌握游戏的步骤和方法，如有歌曲的游戏一定要唱好歌曲，训练音准的游戏一定认真聆听琴声等，否则就会妨碍游戏的进行。 总之音乐游戏是一项很好的音乐实践活动。希望大家重视它的价值，走出自己教学中的一些教学误区，充分发挥音乐游戏教学的巨大作用。不仅要挖掘音乐教材中美的各种因素，而且还要善于启发诱导学生以美执行，使他们在学校美育教育活动的实践中，自己去认识美，体验美，掌握美、表现美、创造美。 声乐毕业论文范文篇三：《高校声乐教师如何提高声乐教学效率》 摘要：声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，教师要掌握科学的 发声方法 、全面的文学以及音乐素养，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。 关键词：声乐 高校声乐教师 教学效率 “音乐是人生最大的快乐，音乐是生活中的一股清泉，音乐是陶冶性情的熔炉。”这是我国著名的音乐家冼星海的 名言 。音乐是一种情感的艺术，而在音乐艺术中，最古老而又最受欢迎的音乐形式当属声乐，它能够具体的表达出演唱者的感情，引起欣赏者的共鸣，是一门传情的艺术。声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，需要长期的训练、实践才能看到效果，不是一蹶而就的课程。更不是一门简单的学科，需要在长期的训练中，掌握其中的方法，并且坚持进行反复的练习、深入的研究，才能够逐渐熟练地掌握演唱的方法及规律，达到较为理想的演唱效果。当前高校声乐教师肩负着提高声乐教学效率的重担，因此仅仅是掌握科学的发声方法、全面的文学以及音乐素养是不够的，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。 高校现行声乐教学中有存在着不少问题，如教学效率低、学生成才速度慢、学生声乐水平停滞不前以及学生声乐水平倒退甚至会有导致学生坏嗓的教学失误。而导致这些教学失误的原因主要有：部分高校声乐教师不能真正掌握歌唱艺术真谛、缺乏正确的歌唱艺术观念，无法正确引导学生进行声乐学习;很多高校声乐教师不懂得遵循声乐教学心理，没有很好的行之有效的教学方法及训练手段;学习声乐要有好的嗓音条件以及较强的乐感和良好的心理品质，而部分学生并不具备这些条件。因此，要正视现状并且结合高校学生的年龄特点，着重研究和提高声乐教学的方法及效率，提高高校声乐教学效果。 1.高校声乐教师要不断提高自身素质 一名专业的高校声乐教师应具备较强的专业技能水平，使学生信服于自己的专业素质，充分调动起学生学习声乐的兴趣。因此在声乐教学的过程中，就要求声乐教师要不断地提高自身素质，并且不断更新教学观念、改革教学方法，提升教学魅力，做一名德才兼备、“技”“艺”兼通、教研相融的声乐教师。 2.高校声乐教师应具备良好的乐感与文化艺术修养 要增加自己歌唱的自信、放飞自己的歌声，更好地表达歌曲的内涵就要有良好的音乐感觉。好的演唱是建立在科学的发声技巧、丰富的情感体验以及浓厚的文化底蕴的基础上的。作为高校声乐教师只有具备了良好的乐感以及全面的文化艺术修养，才能使技艺完美结合，更好地表达优秀的声乐艺术作品，才能够为祖国培养出更多优秀的声乐演唱艺术人才。 3.高校声乐教师应具备较强的声乐演唱能力和范唱能力 教学注重言传身教，而声乐教学尤其如此。只有具有较高声乐演唱水平及较好的范唱能力的教师才能在声乐教学中起到很好的言传身教的作用。声乐教学中最为直观的教学方式方法就是范唱，它可以通过直接的耳濡目染激发学生的学习兴趣，提高学生对歌曲的理解以及艺术表现能力，通过聆听教师的范唱学生还可以直接模仿教师的歌唱方法。而不具备良好舞台演唱及范唱能力的声乐教师，只是讲解理论，不管讲得多好，但是如果缺乏技能的实践操作，还是不能够使学生很好的理解，这样的教学就不能够起到应有的作用，可以说是失败的教学。声乐是一门复杂的技巧技能课程，不具备范唱能力的声乐教师会使学生学习起来感觉到迷茫，而一些教师的错误的范唱，就是误人子弟了。 4.高校声乐教学应遵循教学规律 高校声乐教师应遵循循序渐进得教学规律来进行教学活动。有浅入深、由易到难、由简到繁地进行教学，是学生循序渐进地掌握所学到的知识与技能。声乐教师在教学过程中要目的明确，每一堂课都必须做到能承上启下和前后呼应：当天所教授的内容与要求，应作为第二天所讲授内容的基础;而第二天的教学内容与要求，又是当天所教授内容的延伸与发展。 5.高校声乐教师要科学的组织课堂教学 水平不同的声乐教师就会带来不同的课堂效果。教师要科学有效地组织课堂教学：首先要熟悉教学大纲和教材并且掌握每一节课的训练意义及方法，对每一节课的每一个环节，例如练声、歌曲、节奏、停顿、高潮等做好周密的考虑和设计;其次要明确每一节课的训练目的和意义，确定达到这一目的的手段。 ① 教学过程要彰显民族化及个性化 声乐教师应不能用高高在上的威严姿态来面对学生，而应以民主平等的态度来跟学生进行心理上的交流，建立起民主的师生关系;以平等的、合作者的态度来创造课堂上轻松和谐的教学氛围，建立起课堂上的民主气氛。只有这样才能培养学生良好的歌唱情绪，在轻松的心理状态下歌唱。歌唱是一种二度创作的过程，学生的性格、文化素养以及理解能力和嗓音条件不同，就会有不同的演唱个性以及审美个性，声乐教师应充分尊重学生的审美个性，维护学生的主体地位，鼓励学生个性化处理。 ② 运用现代化的教学 传统的声乐教学几乎是凭借教师个人 经验 和感觉，教学效果不是很理想。现在可以引进现代化的科学技术，尽量减少主观因素，使教学更加直观。使用多媒体电脑和数字音频卡(或者能够录音的声卡)及音频软件，在声乐教学中利用数字化技术对声音的波形进行分析，使声音能够看得见，使声乐教学直观化。学生还可以在老师的指导下，以自己的声音为参照切实感受声乐学习中的点滴，比如声音的位置、咬字及音准等。教师还可以把上课的情况进行录音录像，让学生在课后观看练习，使课堂教学延伸到课外，提高学生的自主学习能力，从而提高声乐课的教学效率。 参考文献： [1]王岱超，胡郁青.如何提高高师声乐集体课的教学效果.西华师范大学学报(哲学社会科学版)，2005年.第4期. [2]蒋娟全.高师声乐集体课教学探讨.湖南科技学院学报，2008年.第10期. [3]陈晓鹏.浅谈高校声乐课的有效教学.佳木斯大学社会科学学报，2000年.第4期. 猜你喜欢： 1. 音乐学院声乐系毕业论文范例 2. 音乐系毕业论文题目 3. 音乐学院本科毕业论文范例 4. 音乐声乐教学毕业论文 5. 大学音乐论文的范文

我最喜欢听弹钢琴的声音。因为弹钢琴的时候会弹出有高、有低的旋律，非常好听。

我最喜欢弹钢琴的声音。因为在弹琴的时候有一些音符弹的很重，有一些音符弹的很轻，所以就有此起彼伏的感觉，而且也非常的柔软，就像又回到了妈妈的肚子里，又安全、又柔软。但是世界上没有任何人实现了这个愿望。所以钢琴的声音就是那么舒服，那么温柔。

我最喜欢弹钢琴，因为弹钢琴的时候，妈妈和爸爸常常来听我弹钢琴，和我一起唱着好听的歌，我还叫我们家为：快乐音乐家园。

我喜欢弹钢琴，因为当我在听老师弹琴的时候，仿佛在沉睡中，当钢琴声一停，在沉睡中的我忽然醒了。

所以弹钢琴是我的爱好，也是我的特长。

尘缘中琴声，月皎波澄.人们神怡心旷之际，耳边一阵微风忽起伏.远远传来缕缕琴声，悠悠扬扬，一种情韵却令人回肠荡气.虽琴声如诉，所有最静好的时光，最灿烂的风霜，而或最初的模样，都缓缓流淌起来.而琴声如诉，是在过尽千帆之后，看岁月把心迹澄清，是在身隔沧海之时，沉淀所有的波澜壮阔.在懂得之后，每一个音符下，都埋藏一颗平静而柔韧的心灵.相遇的甜蜜、孤单的苦涩，都是你我的回忆.缤纷、透明，令人玄感沉醉的诗调，属于你的音乐情歌！带你梦回初恋、梦回家园、梦回那生命的朝露，在琴音的怀抱中甘甜休憩——纯美的钢琴声、诉尽无限的爱恋.优雅的钢琴演奏，能唤回你对那些曾经爱过的地方的美好回忆。

钢琴声如天籁，奏出心中最柔软的歌谣；钢琴声如涧溪，蜿蜿蜒蜒、百折千回；钢琴声如自然，不经雕琢、质朴浑然；钢琴声如美玉，温润柔和，贴近心灵；钢琴声如心声，它诠释着弹奏者内心的波澜起伏和心路历程；钢琴声如泉水，行云流水般从指间倾泻而下，配合着心的律动，静默地溶入血液 .钢琴世界，用行云流水般的音符阐释浪漫情怀.完美的音效、优雅的演奏，给你纯净浸心的音乐享受。

钢琴的前身是拨弦古钢琴，也称作羽管琴键。

它与钢琴的内部原理大致雷同，都是在琴体内部装有音板和许多拉紧并列的琴弦。不同的是钢琴的弦槌击弦发音，拨弦古钢琴用羽管制的拨子拨弦发音。

此外，还有一种与它们同一血统的键盘乐器——击弦古钢琴，它同样是一种装有击弦装置的乐器，用铜制的形槌击弦发音；它的利用领域不如拨弦古钢琴广泛，重要用在当时的贵族家庭中演奏。 17世纪到18世纪间，拨弦古钢琴在当时的音乐生活中有着相当显赫的地位，可以说是它的全盛时代。

至18世纪初，欧洲大陆音乐迅速发展，音量弱小的拨弦古钢琴已不能满足当时音乐家们的需要，因而逐渐被音量洪大的钢琴所代替。 钢琴的创造者是巴尔托洛奥·克里斯托福里，他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。

1709年，他以拨弦古钢琴为本相，制作出一架被称为具有“强弱音变更的古钢琴”他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管波动琴弦发音的机械装置。从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接把持声音的变更。

在克里斯福里的第一架钢琴涌现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所利用，但更多地是为演奏特定作品而应用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的重要特点，亦是钢琴的标记与象征。

1709年后，克里斯托福里又进一步改革了本来击弦机的结构，他在这部机械中安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完整一致的起动杠杆，使击弦速度比本来加快了10倍，而且可以快速持续弹奏；音域也增长为4组；可以说这就是现代钢琴的雏形。他的这一创造为以后的钢琴制作事们打开了通往成功之路的大门。

但遗憾的是，克里斯托福里的创造并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的注意，却在异乡得到了继承和发展。 懂得钢琴的发音原理和特点是研究钢琴演奏声音技巧的必要前提。

触键，通过机械传导的 泥榔头击弦而发音---这就是钢琴发音原理最简略的陈述。如果对钢琴的发音原理作进一步的研究，我们便能够创造，机械传导系统制动的 泥榔头的运动轨迹是直接的，并且其运动情势仅有快慢之别，这一点非常重要。

因为，钢琴的声音变更---包含音质、音色、音量的变更，实际上都只产生于击弦瞬间榔头推动速度的变更。 泥榔头的推？速度是受制导？动的键盘作用影响的，而键盘作用是受钢琴演奏者触键方法、方法来决定的。

因此，归根到底，钢琴演奏者的触键方法，把持和影响着榔头的击弦速度，声音的变更取决于制导的泥榔头击弦速度的变更。 如何运用这简略的原理研究出可操作性的技巧规律，这是我们研究的重要问题。

什么是指触的变更情势，即触键方法？简略地说，触键方法就是触键的用力情势。触键的用力情势包含两个方面：用力方法和传力方法。

用力方法重要体现于形成不同的触键速度；传力方法重要体现于触键手指或手部的支撑情势。这都是决定击弦速度的要害的因素。

传力方法。可以这么说，没有手指的支撑传力，就没有钢琴弹奏可言。

事实上，支撑方法的转变，非常直接地影响到音质、音色、音量。换句话说，仅仅转变弹奏的手的支撑强度就可以转变声音。

从技巧手段上讲，弹奏的手的支撑重要体现于三个方面：触键手指指尖的软硬程度；手指各关节的坚固程度；手段以何种方法施展富有弹性的支撑调节作用。 将上述原理利用于弹奏，可以列出以下可操作、并可用于转变支撑方法的一些重要技巧手段。

1 转变手指尖的坚度---从相对放松的指尖到相对坚固的指尖，每一种变更层次作为触键技巧熟练运用，都可以转变键盘动作速度和击弦速度，对声音的变更产生影响。 2 转变手指触键面---从指尖较直立的情势到指面较平坦的情势。

每一变更层次又可以形成指尖坚度的转变，从而引起声音的变更，例如：在弹奏歌颂性的连音句时，可用手指肉垫较厚的指面，以发出柔和细腻的声音效果；在弹奏清楚、颗粒性强的乐句时，可用指尖进行弹奏。 3 转变手指第一关节或第三关节的牢度---从第一、第三关节较柔顺到较坚固坚挺可以转变手指传力的支撑强度，也是寻求声音变更的有效手段。

4 转变手段的支撑调节---手段像一只弹簧，其功用是支撑调节，弹簧的软硬度在不同程度上既施展支撑作用，又施展调节作用，影响声音变更。用力方法。

用力方法是影响触键速度的最直接的因素，也就是最直接操作键盘动作速度的技巧手段。作为触键技巧，重视讲究触键速度的变更具有十分重要的意义。

1 调节运用手的不同部位，从手指、手到肘部，大臂乃至全身材，运用不同力量来转变下键的速度。 2 通过训练有素的手指肌肉力的运用，以及与重力运用的适当配合，来转变下键速度。

3 利用手指离键的不同高度触键，供给转变下键速度的条件来转变声音效果。手指离键越高，触键的力度也越大。

4 变更手指离键速度，对声音的延续及共鸣产生影响，也会带来声音效果的变更。 5 转变触键的用力方向，如垂直纵向，程度横向，斜向，或往里推，往外拉等等，来转变下键的速度。

钢琴演奏是一个复杂的过程，它既请求演奏者在技巧上达到完善无缺，又请求演奏者完整懂。

1.琴声感动我心

西沉的红日，把缕缕落寞的桔红涂满天际。夕阳下，苍桑古老的小道上充满着迷离的格调，显得格外的幽静。天地万物似乎都酣醉在这片凝固着却极短暂的美丽之中，止住了一切声响。

我拖着长长的影子，在宁静的古道中漫步，心中翻滚着万千的思绪，为连日的挫折、不顺而忧伤着。忽然，一阵悠扬的琴声夹杂着徐徐清风轻轻送入我的耳朵。那美妙的钢琴声似乎很远，遥不可用，又似乎很亲近，缭绕耳际。我止住了脚步，让这一串串灵动跳跃的音符轻轻滑过心田，快乐地舞动着。

琴声依旧回旋在苍照暮色中的小道上，却犹如一股清泉为每个途人洗去心灵的污垢，洗去疲倦的尘埃。我的思绪渐渐地与这灵动美妙的琴声融为一体，有超脱红尘，“心凝形释，与万化冥合”之感。

我沿着声音的痕迹，来到了一间破旧的小屋前。这悠扬的琴声正是从里面传出来的。我正要屏住呼吸纵情赏乐时，琴声骤然止住了。一个稚嫩的童声传进我的耳中：“爷爷，我累了。弹琴真快乐，虽然我看不见，但也可以用心去感受，是么？”

一个苍老的声音：“是的，小丫，你弹得十分动听。我看见你的手指多么灵活，就像在那些琴键上跳舞一样。”我的心猛然像触电似的，脑海中升起了许多问号，难道……难道他们是……我悄悄透过那积尘已久的玻璃窗往里张望，只见一位七八岁的小女孩正用双手比划着什么，对着一位老人讲话。只是小女孩的眼睛虽然失去水灵灵的光彩，却透出一种快乐的自信感。她是一位盲人！而那位坐着的老人竟是位聋人！我的心再次被深深地感动着，两行温热的泪竟悄然滚落。这泪，是甘甜的！

夕阳收起了最后一缕余晖。在我转身离去的瞬间，那美妙的琴声再一次响起，也再一次让我莫名的感动。古道间回荡着这爷孙俩的欢声笑语和感动人心的琴声。我前行的脚步变得坚定了，因为在这个黑黝黝的夜晚，那感动人心的琴声，便是我前进的明灯。

2.声音

清晨，太阳醒了。早起的公鸡伴着朝阳开始打鸣，欢快的小鸟叽叽喳喳地在窗边唱歌，小狗汪汪地叫着，蜜蜂嗡嗡地飞舞着……所有的动物都迎着朝阳发出不同的声音，赞叹着美丽的清晨。

新的一天开始了。

早晨的声音是热闹的。汽车声、喇叭声、孩子的喧闹声，大人们的吆喝声，我感觉这才是真正的城市交响曲。

晚上的声音是轻柔的。除了马路上少许汽车驶过的声音，大人小孩都进入了甜美的梦乡，许多声音在深夜之中慢慢消失，整个城市睡着了。

春天的声音是欢快的。动物醒了，草儿绿了，花儿开了，小鸟叽叽喳喳地唱个不停，发出悦耳的声音。春雨细细地下个不停，“沙沙”声在耳边回荡，无数的雨点打在窗户上，噼噼啪啪的，形成一颗颗晶莹的雨珠，顺着房檐往下掉，发出啪啪啪的声音，好像小朋友们在拍手，树上的枝叶也跟着发出哗哗的响声。

夏天的声音是雷雨交加的。雷电来临时，轰隆隆的声音让我好害怕，总感觉雷电要把楼房劈开似的，孩子们哭喊着躲进妈妈的怀里。

雷电过后，是清新的空气、干净的城市、出浴的花草树木、美丽的彩虹。噢，我的心情多么舒畅！

秋天的声音是丰收的交响曲。收割机声、镰刀割稻声、小孩的欢叫声、大人们的谈笑声，各种声音汇成一片，悦耳动听。秋天，树叶沙沙飘落，就像一只只金色的蝴蝶在空中飞舞，飞一会儿累了，落在我们的头上、身上、脚下，给大地铺上了厚厚的地毯。

冬天的声音是寒冷的。耳边是呼呼的风声，脚下是吱吱的踩雪声。脸变得通红通红，手也变得通红通红。可寒冷的风吹醒了水、吹醒了草、吹醒了树……吹来了温暖的春天。

声音真美！

从上幼儿园起，我就特别喜欢听老师用电子琴弹曲子。

那叮叮咚咚的琴声有时清脆如小溪流淌，有时欢快如小鹿奔跑……真让人沉醉呀！回到家，我常对着那架玩具琴，摇头晃脑，十指翻飞，自得其乐，缠着妈妈要学电子琴。终于，妈妈在星海艺校给我报了名。

从此，拉开了我学习电子琴的帷幕。那一年我三岁半。

很快，一台黑色的“雅马哈电子琴”成了我家的一员。当我喜出望外，迫不及待地打开电子琴，翻开乐谱，站在五线谱上的一个个音符，却像陌生人似的，用异样的“眼光”看着我。

什么是音符、休止符、升降号，我一概不认识，更别提视五线谱了。我就这样带着对电子琴的兴趣，走进了陌生的音乐世界，踏上了艰苦的学琴之路。

在我九年漫长的学琴生涯里，有酸、有辣、有苦、也有甜。你可别小看这61个琴键，要想把它们配合起来，演奏出优美动听的乐曲，可真不是一件容易的事。

现在，就让我摘几朵“琴花”谈谈吧！酸——记得那是我学弹电子琴的第一天。刚到家，妈妈就半开玩笑地说：“妍妍，快过来，让我看看乖女儿第一次弹琴的水平怎样？”“没问题。”

我兴奋地说。于是我打开电子琴，调好音色，坐在凳子上，端好弹琴姿势，按照老师的要求，像模像样地弹了起来。

可一弹，就觉得哪儿不对劲似的，那声音时断时续，还互相串了门，难听极了，连我自己都觉得不堪入耳。我索性停下来，不好意思再弹了。

妈妈依然笑眯眯地看着我，抚摸着我的头，耐心地鼓励我：“万事开头难，你要想真正把电子琴练好，不能光靠三分钟热度，一定要有恒心，肯下苦功。”妈妈的鼓励让我找回了信心，但刚弹了一会儿，就又错音百出，我心里好着急，鼻子陡然一阵酸，眼泪夺眶而出。

我抬起头，眼前模模糊糊，全是乐谱上密密麻麻的音符，酸啊！辣——在刚学钢琴的那段时间，由于手指头还不太灵活，我每弹一组音阶练习都要花很长时间，左右手总是不同步，不搭调。琴键把我的手指头都磨掉了一层皮。

摸着 *** 辣的手指，我把琴合上不弹了。但妈妈的话不断地在耳边响起，于是我又重新打开电子琴，全神贯注地练起来。

“指尖要立起来，不能折指。”妈妈坐在我旁边，耐心地为我指导。

可好动的我，在电子琴前，偏偏一坐就要两三个小时。在妈妈的陪伴和鼓励下，我坚持着，努力地把手指抬到最高。

曲子越练越长，节奏越弹越快，难度越来越大。从音阶到即兴，从单指 *** 到多指 *** ，还有那上百个音色，常常使我眼花缭乱——要记要练的实在是太多太多了，辣啊！苦——七年的练琴时光，经历了多少个寒冬酷暑，春夏秋冬。

在妈妈的陪伴下，不管大雨倾盆，还是风雪交加，上琴课我从来没迟到过，缺勤过。不管是生病初愈，甚至有一次发烧，为了不影响演出前的合奏排练，我带病去上课，得到了老师和同学们的赞扬。

不管我的功课有多紧，我都要挤出一定的时间来练习电子琴，做到“琴不离手，曲不离口”；同时按照老师的要求去用心练习和演奏每一首乐曲，细心琢磨乐曲内容——只有完全领悟，才能把它演奏得淋漓尽致。在学琴的苦中，是美妙的音符与我作伴！弹钢琴真是苦中有乐，苦中取乐。

甜——现在我已经10岁了，演奏水平也有了明显的提高。三年级我就获得了社会艺术水平考级九级证书；今年又以一曲优美欢快的《傣家欢庆泼水节》分别获得天津市、和平区学生文艺展演二等奖。

电子琴这件乐器，在我的世界里已经不再是一种工具，而是我多年来的好朋友。她让我快乐，让我开心，让我磨练了意志，学会了坚持，体验了人生百味。

经过了几年的磨砺，我终于品尝到了那沁人心脾的甜，渗透人心的甜。如今，当一个个音符在我手臂伸缩间跳跃时，当我在舞台上演奏时，当我在班上为同学们的演唱伴奏时，让我感到这是一种享受，更是一种自豪！电子琴那优美的旋律，美妙动听、丰富多彩的音色，那为了学琴酸甜苦辣的生活，永远印在我的脑海中。

电子琴已经和我结下了“不解之缘”，成为我生活中不可缺少的一部分。同时，我也从琴这件事中悟出了一个道理：梦想离我们并不遥远，只要努力去奋斗，去坚持，就会很简单。

牵动我心灵的声音是什么。

打动了我那颗幼小的心灵。 是什么。

拨动了我那丝尘封的琴弦。 是什么。

牵动了我那缕明媚的忧伤。早早地起了床。

朦胧的睡眼依稀在镜子前不停地眨着。看着镜子里的我。

迷茫、耀眼。曾经那个幼稚的孩子哪里去了？消失了、不见了。

曾经那个天真的孩子哪里去了？离开了、逝世了。是的。

我的生活已经没有了阳光。剩下的，只是那无尽的黑暗与彷徨。

大自然的一切都是有灵性的。鸟鸣声、虫叫声、细雨声、打雷声。

都缱绻在我们的身边。

那各种绝妙的声音，都传达到我们的内心、以至灵魂。那些声音。

总是那么美妙绝伦。可与贝多芬的音乐作比，不，甚至比贝多芬的音乐更加空灵。

我经常听着这些声音出神。然后。

让这些如梦如幻的声音烙在我的心里。一遍一遍地温习。

每天都是如此的过。伴随着缤纷炫杂的声音，沉浸在一个人的世界里。

那个夏晚，坐在窗台前，感受和煦的风迎面吹来的气息。我似乎听到了什么。

对。没错。

是一种声音。是一种我一直都听过，却从来未注意的声音——风声。

很模糊。很渺茫。

只是依稀听得见而已。我肯定，这是我这一生中听到过的最美的声音。

听着听着，情不自禁地感伤起来。幼年，我还很幼稚。

不知道什么叫别离。那年，枫叶正红，飞雁又南迁。

母亲绝情地带着有关她的一切东西离开了家。她狠心地抛下我一个人。

看她远去的背影。眼泪放肆地从眼眶里涌出。

那一抹浅灰色的天空，弥漫了我全部的悲伤。自那以后，我很少再说话。

总喜欢一个人。听遍世界各种声音。

希冀能找到母亲在寒冬时抚慰我的声音。是的。

我找到了。风的声音。

虽然来时踮起了脚尖。虽然走时一掠而过。

那声音，却轻轻的，不会残留下任何一点残缺的声音。我喜欢这声音。

风吹树叶的沙沙声，风过沙漠的呼啸声。一切都因风而起。

曾经那个天真、爱幻想的孩子，已经不复存在。现在，只钟爱风的声音。

无心干扰尘世的是是非非。这声音。

牵动了我的心灵。也抚慰了我的心灵。

这是母亲离开后，唯一给我带来温暖的声音。这是幸福溜走后，唯一给我带来安慰的声音。

那流逝的、经过的，都已经消失殆尽。我不再挽留。

百转千结，诉说着我和风声的羁绊。

音响世界 声音是无处不在的，但是我们却常常忽略了它.如果我们用 心去聆听一下周围的声音：雷声、风声、动物的叫声，人的说话声、笑声、脚步声，物体的撞击声、摩擦声……“丁冬—丁冬—”是谁在弹琴？啊！原来是一股清泉从山里流出来啦！丁冬的泉水声如此动听.和我阿姨女儿弹出的琴声一样动听、优美.突然叽叽喳喳地叫声让我一下子吓了一大跳.原来是一群小鸟在枝头上大声歌唱，好像在枝头说：“欢迎来到音乐世界.”再说画眉鸟吧！对我来说它是让我头脑清醒的神鸟.蟋蟀的叫声——啯啯、啯啯……夏天来了，这位音乐家在田野上快乐地唱歌.它还是田野上最有名的歌手.。

弹钢琴可以冲刷一切烦恼；可以令人振奋精神；还可以陶冶人的情操……

众所周知，弹钢琴有许多好处，当我还是个黄毛丫头时，望女成“钢琴家”的妈妈把我送进琴行学琴。这可把我勒得几夜睡不着觉，心中编织了一个个美梦：我在听众的掌声中登上领奖台，被誉为“小钢琴家”……

刚开始，我信心十足，但不久，就觉得弹钢琴既单调又十分辛苦，天天就练那几个音，常常练得手指发酸发麻，又不能休息。我对爸爸说：“爸爸，我不想学钢琴了饿。”爸爸脸一沉，意味深长地说：“小孩子做事怎么能虎头蛇尾？世上无难事，只怕有心人。”我听了，心悦诚服地点点头。

那是一个寒冬腊月。那天，北风呼啸，太阳公公像怕冷似的迟迟不肯起床。我想，天这么冷，爸爸妈妈应该会“大发慈悲”，让我在家歇着。谁知，妈妈把眼睛一瞪，劈头盖脸地说：“还不赶快去琴行让老师指点指点！”我不敢违抗“母令”，穿着大棉袄，裹着围巾，全副武装。刚踏出门，一阵刺骨的寒风迎面扑来。我不禁打了个寒颤，畏畏缩缩地走到琴行。

“来！先贴键弹音阶。”老师说到。我拖着那双肿得像面包的手弹起来。“不对！不对！要指间发力。”我这回憋足了气，使劲地弹。“错了，要你指间发力，不是用推。再来！”要求严格的老师不时指出我的缺点，不厌其烦地辅导我。“好，接下去弹练习曲。”就这样，我弹了一个多小时，老师才让我休息。

回到家，我失望地对妈妈说：“妈，弹钢琴好辛苦。”“人家贝多芬双目失明，还能把钢琴弹得那么好，你应该学习他，千万不能半途而废。”我听了妈妈的话，决定坚持到底，继续走我的“钢琴路”。

工夫不负有心人，经过我这些年来的努力，我的演奏水平提高了不少。许多人听了我弹琴后，总是对我赞不绝口。是啊，不经一番彻骨寒，怎的梅花扑鼻香！

三年前，我参加了学校的电子琴兴趣小组，学会了弹琴。在我的百般恳求下，家里添了一台雅玛哈电子琴。它很精致，很豪华，每一个琴键所发出的声音都是那么令你舒畅。大大小小的功能几十个，当时我就认为它是艺术与科技的完美结合。

在开始的一段时间里，我几乎是手不离琴，甚至连在梦中都重复着对琴的爱不释手。我学琴，并不是为了把它发展为自己值得骄傲的特长之一，也不是为了参加什么比赛，考什么级，只是为了给自己机械的生活增添一丝甜蜜的陶醉；只是为了宣泄自己的感情；只是为了给麻木的心灵寻回一片纯净。那段时间，心情如五线谱一般，奏出的，是流光溢彩的轻松旋律。本以为这种人不离琴、琴人合一的流畅生活会一直持续下去，但我没有做到。

渐渐得，我开始厌烦它，总觉得弹琴也成了一种机械的运动，只是一种应付麻木的行为而已。我开始疏远它，躲避它。有时候在妈妈的催促下，才抬起手僵硬得与琴键接触。而那架琴，在没有了主人的关爱与呵护下，往日的光彩竟也消失得一干二净。它如同行尸走肉立在墙边，了无生机。

琴音不再

也不知过了多久，忽然又重新恋起那架已经退出我的生活的电子琴。当琴音再次响起的时候，琴也人的心境都与三年前大不相同了。

那架琴，它的生命由人控制，没有人的弹奏，它就算具有再多的功能也是无声无息。没有了人的弹奏，琴仿佛苍老了许多。我想，琴肯定在心里无止尽得哀怨，哀怨自己的主人这么不怜悯自己的命运，既然买了它，却又冷冷地把它搁在一边。

我的心底涌起一连串自责与愧疚。揭开琴罩，轻轻地弹下去，此时的琴音在我听来已不是三年前单纯的琴音，似乎每一个音色都成熟了许多。就像人一样，经历了许多，就注定要成熟。而我，也不再把琴当成一个舒畅心情的工具，我只想多弹弹它，赋予它新的生命。

琴不再年轻，不再崭新；人不再幼稚，不再自私。擒音变得成熟、悦耳；人懂得关爱，哪怕关爱一架在别人看来无生命可言的琴。琴音袅袅，人与琴再一次完美地结合在一起，相信这次，不再短暂