第1篇：关于钢琴音乐美学的思考
音乐美学是一门年轻而又古老的学科。什么是音乐美学呢？简言之，音乐美学就是“研究音乐美的规律问题”的学问。其中包括音乐的起源、音乐表现的基本形式、音乐发展的历史过程、音乐的基本规律等多方面的问题。
音乐的社会作用是多方面的。概括地讲，主要体现在审美、认识和教育三个方面。首先是审美作用。如果音乐不能使人产生美感，不可能产生聆听的欲望，也就不可能仔细辨别其中的各种深意，其他两种作用就会落空。因此，音乐的主要魅力在于审美作用。正因如此，音乐作品以塑造完美的形式，表现极为概括性的内容，以一定的情感、气质、情境为主，供人们自由联想。
音乐的教育作用体现在音乐家在作品中对现实做出的情感、政治、道德、伦理方面的评价，如果这些评价被听众所接受，就能影响听众、教育听众。音乐艺术的一大特点是，听众对于作品中的感情表现不是以纯客观被动方式来接受的，他们总是以直接主观能动的态度来体验的，音乐的教育作用主要来自这种可引起听众情感变化的力量。
应该说，音乐在帮助人们认识时代精神和人的内心世界方面，具有特殊功能。音乐正是通过饱含联想的音乐形象，突破了声音的范围，是音乐同样具有认识作用。当听众具有一副“音乐的耳朵”时，便会感到音乐中，时代的思潮和民族的风格留下了多么鲜明的印记，使人们能够真切地体验到人民的心声和民族的气质。音乐与其它艺术结合时（例如舞蹈、戏剧、电影、电视），其认识功能达到最强。这时两种艺术相互补充，音乐成为另一种艺术的感情体验，这种艺术则成为音乐的具体化，可以使人们得到生动而相当准确的印象。
毋庸置疑，在钢琴演奏中，对于作品文本自身风格内涵的诠释和表现，是钢琴演奏家们极为关注的问题。不同的演奏家，因为个人音乐修养、艺术修养、人文修养及生活经验和艺术旨趣的差异，使得对同一作品的理解也常常是各执己见的。以巴赫作品的演奏为例，有的演奏家严格遵循当时的历史情景，尊奉理性与审慎的审美取向，剔除个性化的激情演奏方式，比如兰多夫斯；有的演奏者则追求神韵，力求传达出巴赫音乐的本质，从而又有了自由而富有活力的巴赫（古尔德）、优雅而高贵的巴赫（谢霖）、激情澎湃的巴赫（加第纳）、清明淡雅的巴赫（古尔达）。凡此种种，都迫使演奏者以及聆听者们思考钢琴演奏中的一个关键问题：何谓正确的演奏？亦或正确的演奏必定就是一种理想的演奏吗？笔者认为，理想的演奏，绝非仅仅只是稔熟的指法、如机械或野兽般强大的击键技巧等纯技艺的绚烂展演所能回答的。
一、钢琴作品诠释中的/真实性问题
所谓/真实性（authenticity）演奏，在音乐史中一般意指使用仿古乐器，并严格依据古老原始的音乐文献来重建已然逝去的表演风格。这个问题在美学上便是同一性问题。英国一位著名分析哲学家阿伦#瑞德莱在其著作音乐哲学中，对该问题有着精妙的论述，不过瑞德莱显然并不认同所谓忠实性演奏的存在，而是认为演奏是对一部已被演奏过的音乐作品的改编或演绎，它本身就像艺术品一样，可供评价和审美欣赏。瑞德莱在这里显然认为演奏与文本具有相同重要的价值，/演奏具有审美价值上的独立性和超越性。笔者在此非常赞同，因为承认演奏中超越性的存在，并不意味着对原作的轻视和否定，而是意味着演奏家必须在/传统表现惯例中，寻找充分客观的证据以支撑自己的演奏意图，且同时不妨害音乐演奏时由表演者自身风格所带来的/超越性，就如同前文提到的强调文化背景对于演奏诠释的重要性的霍罗维兹。音乐在哪里？音乐在音符的后面。音乐的意义在于：当你翻开乐谱时，你从它的后面而不是从它的这一面揭示出它的精神所在。
二、钢琴演奏诠释的主体性何在
著名钢琴家克劳迪欧阿劳曾指出，技巧只是阐释艺术的手段。首先，你必须通过研究早期的版本、手稿和摹本来做到绝对忠实于作曲家的意愿。如果作曲家注明这一段应该弹奏得强有力，那它就应该被弹奏得强有力，而不是被弹奏得极其微弱。另一方面，这种对作曲家原意的忠实又仅仅是一个基础，在此基础上，钢琴艺术家建立起他自己的幻觉和对作品的理解。阿劳在此，显然论及到了任何一个成熟的钢琴演奏家都将重视的一个关键问题：对原作的解释，其自由的尺度究竟止于何处？事实上，演奏的自主性问题，归根结底是对音乐作品这一概念的理解问题。在此，笔者将联系音乐现象学中对音乐作品同一性的相关理论，对其展开思考和讨论。首先，同一性之所以不足以成为演奏的诠释依据或起点，乃是因为人的主观意图总是贯穿于整个演奏过程。演奏即是一种理解（这是多数演奏家的硬性立场），无论是对原作的歪曲还是印证，都能带来某种审美意义上的体验和价值。其次，虽然同一性不足以成为演奏的起点，但是这也不能证明演奏没有一个可以依托的价值标准，用以衡量演奏内涵的深度与丰富性。赋予演奏以/深度，这或许只能由音乐文本之外的个人经验来承担；如果意欲获得/异乎寻常的深刻性，更是需要/洞见的觉察。
综上所述，钢琴的演奏诠释和作品本体之间的关系应该是经验式的。所谓/正确的演奏，绝非机械僵硬地遵从谱面或时代氛围，而更应以虔敬和热情，揭示人类的心灵和情感境域。音乐绝非与世隔绝的/外星来客，它在呈现形式的同时也将迸射出感情；演奏家应该关注个人体验在音乐诠释中的决定效力，当然体验的重塑必须以尊重乐谱为前提。
作者：乌黎
第2篇：李斯特钢琴音乐美学特征探析
弗朗茨·李斯特（匈牙利文：ListFerenc，1811年10月22日~1886年7月31日），匈牙利伟大的钢琴家、演奏家和作曲家，19世纪浪漫主义艺术氛围造就了李斯特的钢琴音乐。李斯特以其敏感的思维、高超的技巧，汲取音响领域之外的情感基调，把音乐与文学、音乐与绘画交融在一起，最大程度地强烈地体验到各种感受。他的钢琴作品中的技巧性和文学性成功地实现了完美的抒情表达方式。
一、强烈的文学性、戏剧性和抒情性
19世纪是一个强调突出自我感受的时代，它强烈地感染着李斯特的心灵。蜚声乐坛的《降E大调第一钢琴协奏曲》（1830-1849）、《A大调第二钢琴协奏曲》（1839年）、《匈牙利狂想曲》（1851-1886）等作品是具有划时代意义的。在那个以人及其命运为主题的时代里，艺术家在揭示人和命运的真谛时，又被人和命运所摆布。李斯特的钢琴音乐是浪漫主义顶峰时期的精彩典范。《帕格尼尼大练习曲》（1838年）、《3首演奏会用练习曲》（1848年）、《12首超凡练习曲》（1851年）、《2首演奏会用练习曲》（1862年）等许多高级钢琴练习曲，快速的音阶、琶音、双音、八度音、装饰音和长时间的震音、颤音交织成一个绚丽多彩的世界。在这些近似于神话魔力的练习曲中，李斯特突破了传统练习曲中单调、冗长的纯技巧训练，将技巧融于一首田园小诗、一幅风景画之中，听到的是景色的变幻和情感的流动。
李斯特对大多数练习曲都附加了标题，如《钟》、《叹息》、《狩猎》、《幻影》、《鬼火》、《玛捷帕》、《侏儒之舞》、《森林细语》等等，这位伟大的钢琴家通过各种演奏来刻画音乐形象。蜚声乐坛的《降E大调第一钢琴协奏曲》（1830-1849）、《A大调第二钢琴协奏曲》（1839年）、《死之舞蹈》（钢琴与乐队变奏曲，1849年）、《匈牙利狂想曲》（1851-1886）等作品，是具有划时代意义的作品。
李斯特的许多钢琴小品的构思有些是来自某首诗歌或某首歌曲的歌词、旋律，带有强烈的文学色彩，诗化一般的技巧。所以，乐曲的和声、织体、旋律、技巧，如同绘画的颜色和诗歌的语言，这些作品不仅生动准确地表现了作品原创的文学内容，而且以悦耳的音响沁人肺腑。这些钢琴小品有：《爱之梦》（1847年）、《威尼斯船歌》（1849年）、《裴德拉克的第104首十四行诗》等。
二、突破传统勇于创新
在李斯特的钢琴作品中，不仅主题结构法和新颖的和声语言使人耳目一新，而且他对匈牙利等国家民族民间音乐素材的运用也达到了出神入化的程度。《匈牙利狂想曲》在世界乐坛久盛不衰，就是李斯特充分发掘和进一步发展匈牙利民族民间音乐的成功典范。他真正将匈牙利民族民间音乐经过提炼、加工集中、升华，介绍给了全世界。在这部伟大的作品中，李斯特深情地讲述了匈牙利民族古老而光荣的历史，表现了匈牙利民族坚强性格和威武气慨，揭示了匈牙利人民的抒情性和反抗性。李斯特指出：吉普赛音乐在匈牙利音乐中发挥了重要作用。在《匈牙利狂想曲中》，恰尔达什舞曲是其构成要素之一。他采用了恰尔达什结构、类似恰尔达什结构和非恰尔达什结构。在他那流淌着优美的艺术之声的作品中，我们还可以领略到俄罗斯、波兰民族民间音乐的旋律，西班牙的凡丹戈舞曲和霍塔素材，还可以倾听到意大利的塔兰泰拉和威尼斯的船歌，甚至他对来自东方的印度、爪哇音乐也有大胆的运用。
对于和声语言的运用，李斯特钢琴作品首创了同中音关系转调，在《第一首被遗忘的圆舞曲》（约1881年）中，以升F大调的六级音升d音为中介音，转到g小调，其效果非常富有色彩。还有，李斯特的钢琴作品也呈现出十分具有新的、开创性的音响意义上的和声结构，他开拓了更广的和弦稳定领域。在传统的乐中，通常采用协和和弦结束，达到全曲的稳定，而李斯特却在这稳定的部位使用了不和协和弦。比如：以主音与属七和弦的复合结构终止的《第四首被遗忘的圆舞曲》（约1885年），李斯特把稳定领域的和弦从协和和弦扩充到不和协和弦。另外，由复合和弦、复合调性所组成的复合结构也被李斯特大胆运用。比如在《恰尔达什舞曲》（1884年）中，D大调的旋律由b和声小调音型伴奏。优美的《森林的细语》是李斯特呈现给他的弟子普鲁克纳的《两首演奏会用练习曲》之一，这两首乐曲作于1862-1863年。热爱大自然，崇拜大自然是浪漫主义作家创作的一大特征，而写作此曲的李斯特已经洞悉人世荣则极盛、逆则难逾的真谛。他于罗萨利奥圣母修道院所在的山冈俯瞰俗世，写出了这首富于哲理的名曲，有其个人感受。李斯特把音乐从近乎耳语的声（pp--极弱），发展到飓风般地撼天摇的气势（fff--最强），表现了鬼斧神工的大手笔。
李斯特的作品是伟大的，李斯特的影响是巨大的。法国著名作曲家德彪西（CiaudeDebussy，1862-1918）、俄罗斯的亚历山大尼古拉耶维奇斯克里亚宾（AiexandtrNikoiaievichScria，1872-1915），这是19世纪末20世纪初俄罗斯最杰出的音乐代表之一，也是无调性音乐的先驱；奥地利作曲家、二十世纪音乐巨匠阿诺尔德勋伯格（AmoidScnoebeog，1874-1951）；美籍俄罗斯作曲家、指挥家斯特拉文斯基（IgorFeodro-ovichStravnky，1882-1971）等等世界各地的优秀作曲家、指挥家无不受到李斯特的影响。
作者：俞文日
第3篇：试析肖邦钢琴音乐的美学意义在电影《钢琴家》中的运用
一、肖邦钢琴音乐的艺术魅力及价值
1.1肖邦其人及其在音乐史上的地位
弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（F.F.Chopin1810─1849）是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，是欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。肖邦一生的创作大多是钢琴曲，被誉为“钢琴诗人”。肖邦的钢琴作品有着超然的个性和独创风格，大多富有优美、文雅、富有歌唱性。他的作品充满幻想、隐秘，并深深根植于波兰民族、民间音乐的沃壤之中，充分体现了波兰的民族精神，对后来的作曲家产生了重要的影响。
1.2肖邦钢琴音乐的美学特征
现代钢琴被众多的音乐家们誉为是“乐器之王”，钢琴音乐在现代艺术表达上有着独特的魅力，具有丰富的蕴含和情感表现。在电影艺术的动态构成中，钢琴音乐占有着重要的地位。自然界中的风景和音响以及人类社会中的喜、怒、哀、乐等人生情感和现实中的世间百态都能通过钢琴音乐的艺术形式表现出来。电影是一门可以容纳文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈、文字、雕塑、建筑等多种艺术的现代艺术，钢琴音乐在电影中的成功运用，充分体现了钢琴音乐宽广的艺术表达能力。钢琴音乐在电影中实现了声与影、音与画的完美结合，体现出了较高的艺术审美情趣和美感，
肖邦一生创作了大约两百部作品，其中大部分是钢琴曲，其中包括了大量的体裁：华尔兹舞曲、玛祖卡舞曲、波洛涅兹舞曲、叙事曲、前奏曲、夜曲、练习曲、奏鸣曲、幻想曲等。夜曲是肖邦自己创新的一种形象丰富、富于诗意的钢琴音乐体裁，它冲淡平和、寂静幽澜，轻缓的节奏中时常含有忧郁的情绪。肖邦创作中最富于抒情性和诗意的部分就是他的21首夜曲，因此肖邦的夜曲被称为是“肖邦钢琴音响的百科全书”。如在他的升c小调夜曲中，使用了大量的紧张性段落，有着强烈的、戏剧性的发展，冲突性效果明显，这首夜曲在肖邦的作品中占了特殊的地位，电影《钢琴家》中就引用了这首夜曲。肖邦的叙事曲是在浪漫主义文学的影响下产生的，具有深刻的思想性和艺术性。他的第一首叙事曲《g小调叙事曲》Op.23在构思上受了密茨凯维支的长诗《康拉德·华伦洛德》的影响，这首叙事曲充分体现了人们争取民族自由和国家独立的不屈精神和民族气节。总之，肖邦音乐的创作充满了幻想与浪漫，节奏上鲜明有力又极其灵活自由，在风格上他是一位真正的钢琴诗人。
二、对电影《钢琴家》的探讨
电影《钢琴家》是波兰导演罗曼·波兰斯基的作品，题材来源于波兰犹太钢琴家弗拉迪斯拉夫·什皮尔曼的回忆录。电影通过描写二战时期一名犹太钢琴家的遭遇，充分反映了战争中人类真实的情感与人性的主题。影片在叙述过程中抛开了回忆录的主观色彩，采用了第三者的客观视角，摆脱一般回忆性影片的倒叙方式，按时间顺序直叙了大历史中的一段个人的故事。这部电影没有天长地久、不舍你我的友情，也没有惊天地泣鬼神的爱情，甚至连亲情都不得不在生存的残酷面前被轻描淡写，一切都真实到普通，然而正是这种普通的战争逃亡点点滴滴渗透到人心中，饥饿，寒冷，离别，孤独，愤怒，痛苦，恐惧，爱莫能助，摧毁了一个生性自由的艺术家全部的追求。没有尊严，没有浪漫，甚至没有未来，“食品比时间更重要”，不顾一切为的是要生存。电影所表现出来的脆弱和顽强、残忍和同情、狂热与冷静、邪恶与善良都值得去探讨和挖掘。
电影中，钢琴家什皮尔曼最终活了下来，而支撑他历经艰难生存下来的，就是音乐。钢琴和音乐赋予了什皮尔曼顽强的意志，在逃亡的三年多的时间里，他依然被音乐的力量所鼓舞，他的双手依然在无意识地在空气中做着弹奏的动作！当多次游走在生命的尽头的主人公在战争废墟中弹响肖邦的《g小调叙事曲》时候，电影已经达到了高潮，音乐在此刻改变了什皮尔曼的命运，这首钢琴曲挽救了什皮尔曼的生命，同时也唤醒了那名德国军官人性中的善良和美好，德国军官在那一刻得到了全人类最真诚的谅解和谢意。文明的共鸣最终战胜了杀戮和残暴，这一刻排除了种族、主义、国家、仇恨、命令种种种种世俗哲学，世界仅留下了两个纯粹的人，这一刻透过废墟射进阁楼的白光照亮了斯皮曼，照亮了德国军官，也照亮了人类的希望。最终在这名德国军官的帮助下，钢琴家得以生存。在整部电影中，导演罗曼·波兰斯基通过这种极度克制之中克制的表达，冷静而似乎客观的叙述，重现了真实的二战犹太史，向我们呈现了一部闪现着人性光辉的优秀作品。
三、肖邦的钢琴音乐在电影《钢琴家》的运用
电影是一种视听结合的现代影视艺术，而音乐在电影中的运用，则可以关系到一部电影成功与否。钢琴音乐既能主导环境背景的艺术美感，给观众以艺术感染力和渲染力，而且在很大程度上又能与电影有机相结合，达到“乐中有景，乐中有情”的效果，使观众得到“以情动情”的最佳艺术认知。肖邦的音乐饱含着对生命的呐喊、对命运的抗争和对祖国的炙热情感，在电影《钢琴家》中，先后选用了11首肖邦创作于不同时期、不同风格题材的作品，其中重点引用了肖邦三首著名的乐曲：《升c小调夜曲》、《g小调叙事曲》Op.23和钢琴与乐队《大波罗乃兹舞曲》Op.22。这三首乐曲与电影的故事情节紧密结合，诗意浓郁，充满震撼人心的戏剧性力量。借助电影主人公什皮尔曼的双手，使得肖邦音乐中这种对命运的抗争和对祖国的炙热情感得到了充分的诠释。
3.1钢琴音乐对电影情节的推动作用
音乐的力量是电影中的一个象征，脆弱的生命却拥有无穷的力量，音乐是男主角在生命承受这样大的残酷经历后维持自己生命最重要的支撑。音乐本身就有推动电影剧情发展的作用。在电影的后半段，当什皮尔曼逃到了一个战争的建筑废墟里，为了打开一瓶罐头而被那个德军军官发现时，他们之间发生了这样的对话：
“whatareyoudoinghere？whoareyou？doyoulivehere？doyouworkhere？”
"no.."
"whatdoyoudo？"
"Iam...apianist.."
在这段对话后，主人公什皮尔曼来到钢琴前，开始弹奏起了Chopin的《g小调叙事曲》。这样的镜头就构成了电影本身的一部分。这首《g小调叙事曲》Op.23是肖邦在1835年前后创作的，它取材于密茨凯维支的叙事诗《康拉德·华伦洛德》，《康拉德·华伦洛德》歌颂了十一世纪的立陶宛人民英勇斗争的精神。《g小调叙事曲》Op.23概括了《康拉德·华伦洛德》这个故事的精神并具有史诗般的气概，舒曼赞扬肖邦这首乐曲是“最粗犷而又最富有独创性的作品”。肖邦的《g小调叙事曲》Op.23和密茨凯维支的叙事诗《康拉德·华伦洛德》在精神气质、爱国思想等方面有很多相通之处。肖邦在听到他祖国的华沙起义失败的消息后创作了这部作品，可想而知，有很多奋起的心态和强烈的爱国热情融于其中，在音乐的深层表现了一种悲剧性的命运动机和对生命对胜利对自由强烈渴望的冲突。电影中的《g小调叙事曲》开始舒缓而沉重，蕴含着深刻的内心感情。伴随着铿锵有力的低音，像在咆哮，充分表达了灾难深重的波兰民族的呼声。这首《g小调叙事曲》Op.23表现了肖邦对祖国的热爱，成为了鼓舞当时波兰民族斗争的强大精神力量。导演在电影进行到关键时刻选用了这首乐曲，不仅达到了电影故事的需要，渲染了情节，更深刻地点明了电影的主题。
在电影的最后，当《升c小调夜曲》的旋律再一次从录音棚里的什皮尔曼手中响起时，说明了《g小调叙事曲》胜利了——民主公平战胜了种族歧视，自由战胜了压迫，生命战胜了死亡！
3.2钢琴音乐对电影气氛的烘托作用
钢琴音乐通过对电影气氛的烘托，强化了电影的叙事功能。电影开始背景逐渐响起了肖邦的钢琴音乐《升c小调夜曲》。夜曲是十九世纪浪漫派作曲家所常用的一种独特的乐器题材，其形式高雅，充满诗意。影片中的《升c小调夜曲》体现出了肖邦音乐的典型风格，曲调平静而深情，华美而细腻。肖邦《升c小调夜曲》第一部分从断断续续的旋律开始，音调富于语言的表现力，象悲伤的独白。庄重严肃而节奏均匀的伴奏，渲染出一种悲壮的气氛。中间部分庄严缓慢的旋律象一首宗教颂歌，最初是温和的，平静的，象是对心灵的抚慰和祝福。后来逐渐变得刚毅豪迈，雄伟有力，象一首壮丽的进行曲，其中颂歌的旋律不时和半音阶平行八度的快速音群相交替，象在一种宏伟的力量的推动下前进。这股力量逐渐在壮大，半音阶的音群气势蓬勃地展开着，达到了高潮，终于变成了嘹亮的、强劲的、振奋人心的号角之音。最后，音乐回到第一部分，但已改变了原来的形象，速度加快了一倍，伴随着原来的旋律的，是丰满的分散和弦和急促的节奏型；悲伤的独白变成了焦急不安的、激动人心的语言。在这首夜曲中，音乐形象的发展，是充满着动力的，富于戏剧性的。
影片中的《升c小调夜曲》极度优美又略带幽怨，富涵着灵动的动机与和谐的颤音。电影的开始，当《升c小调夜曲》响起时，透出些许的伤感和无奈，好像在向人们暗示着什么，隐喻着之后主人公自己和家国的灾难。当隆隆的炮火夹杂着尘土和石块向什皮尔曼袭来时，音乐与战争的矛盾开始了。在影片中部，当什皮尔曼逃到德军医院附近，在避难的屋子里发现了一架钢琴时，又掀起了琴盖，但是在那个环境中不允许它发出声音，于是他手指在琴键上凌空弹着空气——又是这首《升c小调夜曲》，在纷繁的战火与无情的生死中，艺术家心里仍然是那样的明澈与坦然。当战争结束远去，人们的生活又复归和平与安宁，这首《升c小调夜曲》又通过宽广舒缓的旋律抒写着曾经的磨难，这种交织着复杂情感的音乐与电影的情节配合得恰到好处，对电影的整体气氛有着很好的烘托作用。
3.3钢琴音乐对电影主题的升华作用
电影结尾处引用的是肖邦的钢琴与乐队的合奏《波罗乃兹舞曲》（Op.22），又被称为《平静的行板与华丽的大波兰舞曲》这是肖邦惟一一次在管弦乐的伴奏下演奏波罗乃兹，具有1830年巴黎特有的优雅气息。这首《平静的行板与华丽的大波兰舞曲》是作曲家爱国情怀的真实展现。肖邦的《波罗乃兹舞曲》是他的最富于优美的灵感的作品，凝聚着历史上波兰固有的、最崇高的感情，乐观积极，充分地表达了人们永不磨灭的战斗激情与意志。音乐的特征与电影的主题丝丝入扣。导演在电影中对这首乐曲的运用，充分体现了渴望和平，渴望生命，渴望尊严，渴望艺术的真挚情感。
四、结语
在这部反映人类战争、人性的电影中，音乐起着至关重要的作用。音乐是拯救灵魂的圣经，承担了人类的苦难和未来。音乐的力量是无穷的。电影《钢琴家》则试图告诉我们，当人类在经历战争与磨难时，拯救人类于水火之中的也许并不是所谓的“正义”。那个出口是音乐，是一切崇高的人类艺术。只有在这种释放中，我们才能使生命从平庸走向神圣，得到净化，获得安宁。
作者简介：侯李游美
