发布时间：
文学审美是指读者对文学作品进行的鉴赏活动,它是一种特殊的精神享受活动。下文是我为大家搜集整理的关于文学审美论文的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈网络文学的审美趋势
摘 要：网络文学近年来影响越来越大，它以网络代替传统的纸质媒介，呈现出自己独有的审美趋势。它的这种审美趋势主要体现在：审美创造的主体间性，审美态度的目的化，审美趣味的媚俗化。
关键词：网络文学;主体间性;审美态度;审美趣味
网络文学作为文坛一支异军突起的力量，从十多年前的无人问津，到现今占据文学的主流市场，即便是传统文学的销售也要冠以“著名网络小说家”、“最新畅销网络小说”等字样借以吸引读者。网络文学较之于传统文学，最大的区别在于传播媒介的不同，传统文学使用的纸张等传统的媒介，网络文学的传播媒介则是网络。网络的兴起与广泛的运用，是网络文学发展的最大推动力。网络文学的发展受到 网络技术 的发展和运用的重大影响，因此，网络文学有着自己独特的审美趋势。
一、审美创造的主体间性
对网络文学发展最敏锐的莫过于它的审美接受者，即在线读者。在线读者不同于传统的读者，他们对文学的关注依赖于网络。在线读者所阅读的作品是作家在网络上写作发布于网络的，他们所阅读的作品是很大程度上是在网络文学这个环境下所创作的。在线读者所感知的文学活动中的世界，是网络所建构的一种“拟态环境”，网络文学作家的作品所反映的世界无论是客观世界还是主观世界都受到这种“拟态环境”的影响。传播学家沃尔特·李普曼在《舆论学》中首次提出“拟态环境”的概念。所谓“拟态环境”并不是指现实环境的镜子式的再现，而是传播媒介通过对象征性时间或信息进行选择和加工、重新加以结构化之后向人们展示的环境。这也就是说，在线读者在网络作品中所感受到的世界并不是真实的世界，也不是现实世界在作家头脑所显现的主观世界，而是一种拟态的非现实的世界。
主体性是启蒙时代的产物，它肯定了人的价值。传统的文学创作是一种主体性的创作，作者占绝对的主导地位。主体性拉开了主客体之间的距离，甚至把主客对立起来。在传统文学中，由于作者与读者之间是一种非共时性沟通，也就是说作者通过写作而固定下来的意义与通过读者进行理解的意义之间存在着距离导致了这种对立。现代美学认为审美是主体间性的活动，而不是片面的主体性的活动。网络文学的发展实现了这种从主体性到主体间性的转变。传统文学的审美创造模式是作家创 作文 本，读者接受解读文本，而网络文学则改变了这种单项的模式，作家创作文本，读者接受解读并且参与文本的再创作，甚至原本的作家也会变成审美接受者。
王晓东在《西方哲学主体间性理论批判》中将主体间性的思想分为三个层次：社会学、认识论和本体论。
社会学的主体间性是指作为社会主题的人与人之间的关系，关涉到人际关系以及价值观念的统一的问题，但是仅仅限于社会关系、伦理原则的范围，没有进入哲学的本体论的层面。而且社会学的主体间性是不充分的，在现实领域不可能真正解决主体和客体之间的对立。
认识论的主体性是指认识主体之间的关系，它关涉到知识的客观普遍性问题。审美创作中作家与文本则是这样一种认识论范围的主体间性。作家创作文本，通过对日常生活的感知和想象以文字为载体形成文本，看似作家是绝对的主体。事实上在文学创作中常常会有这样的感觉，一旦当你塑造了某个人物，建构了某个叙事的线索之后，人物和情节的发展开始不受作家的控制，它们似乎有了自己的生命。并且当作品一旦完成之后，作品则成为了自行运作的主体而不受创作主体所控制。作家与作品不再是一种谁创造了谁的关系，而是一种平等的对话关系。
生存论主体上的主体间性是指主体间的存在，不仅包括人与人的关系，也包括人与自然的关系。主体间性的根据在于生存本身，生存不是在主客二分的基础上主体构造、征服客体，而是主体间的共在，是自我主体与对象主体间的交往、对话。在网络文学创作中，读者的参与创作是它独特的创作样式，互为主体的双方是双方能动的、双向的相互作用，而不仅仅是主客体的反映与被反映的关系。这种主体之间的交流首先是一种共同参与，一种主体的分有、共享或一种共同创造。
在审美创造中，作家、作品和读者之间的关系成为真正的主体间的关系，人与作品与读者的关系变成了我与另外一个自我的关系，我把作品与读者当做是有生命的、有感情的主体，我与之交往、对话、和谐相处，三方都获得了升华。
二、审美态度的目的化
人为了得到诗意和美感就必须超越主客关系的模式，为进入天人合一的审美境界准备条件。这个条件，在西方美学史上，叫审美态度。在中国美学史上，叫做审美心胸。朱光潜强调，有审美态度才能看到美。网络文学的审美态度是一种目的化的审美态度，以自身为目的追求生活娱乐般的非现实的愉悦。
传统的美学家他们都认为在审美活动中存在着一种不同于实践的、理智的、道德的态度的审美态度。叔本华的审美静观，认为审美态度就是一种从意志和欲望的束缚中获得暂时解脱的一种方式，这是一种和观察事物的普通方式迥然有别的审美观照方式;或者说就像布洛所说的在审美主体和审美对象之间要有一定的“心理距离”;或者正如康德所说，这种审美是无关利害的。一句话，这种审美就是要超越现实、超越实体，超越个人的欲望及实用的目的，超越抽象的概念思维，超越道德上的需求，而使审美主体专注于事物的形式和外表以取得一种审美观照的愉快。网络文学环境中的审美主体完全从个人的喜好出发，选择自己的审美观照的方式。也不要求审美主体与审美客体保持一定的距离，相反，正是因为审美对象与审美主体的相近，使得审美主体更愿意去关注它。传统的审美方式所要求的距离，很容易造成审美主体与审美对象的隔膜。现今，网络文学目的化的审美态度要求读者根据自己的需要选择自己感兴趣的审美对象，这种兴趣首先得建立在与审美对象能够很好的契合与共鸣。这种审美距离的拉近使得这种契合和共鸣能更好的实现。最后，无论网络文学这样的作品所带来的快感是功利的还是非功利的，都给审美主体以审美的愉悦。
审美主体的审美态度在很大程度上决定着审美对象。也就是说，审美对象的审美特质能不能为审美主体发现和欣赏，这要看审美主体采取的是一种什么样的态度，是以什么精神状态去注意和观看它。如果主体以一种实用的或是一种科学的态度去面对审美对象，那他便不可以将注意力投注到对对象的审美观照之中，当然不能发现和欣赏到美。这些都说明了主体的审美态度在审美活动中是至关重要的。网络文学中的审美对象，不同于传统的审美对象那样晦涩难懂，而是根据读者的喜好来创造审美的对象。比如网络文学的受众多为青少年，则网络文学大部分的题材都是围绕亲少年所喜爱的奇幻、爱情、青春等。再不如当下流行的穿越题材也是由于审美主体的大量关注所导致这类型的作品的大量产生。也就是说，网络文学中读者的审美态度比传统文学更打程度的决定着审美对象。 对于审美态度的总体特征，可以用一个词来概括，这就是“超越性”。审美态度所要超越的是日常生活的实利意识以达到一种暂时的超脱，简言之，就是对实用功利的超越。这种超越还包括对人的情感等官能快适的超越，对道德的超越。审美超越的最后一层含义是，是对审美快乐自身的不断超越，体现为审美快乐的不断超越提升，最后走向极致。网络文学带有某种致幻的力量，无论从文学创作者所依赖的世界还是他所创造的世界，与现实的世界都存在者很大的差距，网络文学的读者流连于这种“拟态”的世界，过分的追求对个人欲望的满足，对个人情感的宣泄。这样的审美态度并不具备超越性，反而沉溺于非现实的世界无法自拔，甚至放任自己在自我的世界中掩耳盗铃般的活着。一方面网络文学的作家也安逸于这种环境，另一方网络文学的读者把这样的世界误认为是真实的世界。
三、审美趣味的媚俗化
审美趣味就是一个人审美感知的外在表现形式。网络文学影响下的审美趣味是一种大众的审美趣味。社会学家赫伯特·布尼黙，指出大众具有规模大、分散、匿名和无限性的特点，既不同于有一定组织性的社会群体，也不同于松散的易冲动的群集，更不同于有政治自觉意识的公众。大众没有任何组织性，没有稳定的结构、规范和领导者，缺乏为实现自身目的而行动的意愿和手段，但是对那学超出其直接 经验 范围或直接控制之外的事物感兴趣，并对之关注有加。正因如此，网络文学的审美趣味呈现出从众性和盲目性。
第一，从众性。审美趣味的从众性是指，在网络文学中并不是所有的读者都知道怎样的作品是好的，而是看大家在看什么就看什么。例如，在广大读者群中有一群小资派的读者，他们看安妮宝贝，把安妮宝贝的作品看作是文学小资标志。这种从众性表明，大部分的读者追逐的是文学所指向符号而不是文学本身。在消费社会里，艺术具有了某种可消费的性质。读者对作品的消费已经不再想原来那样出于审美的需要，而是在追求一种欲望的满足。审美需要是一种对作品本身的需要，而欲望满足却只求从作品那里获得一种象征符号，这就造成了以符号消费为主要特征的现代趣味。对象征符号的需求不要求作品能给人带来某种愉悦，它只是作为一种空洞的能治而漂浮于作品之上。作为消费的符号，这些作品实际上已经丧失了其所指。
第二，盲目性。审美趣味的盲目性是指，网络文学的受众盲目跟从大众潮流的喜好选择审美对象。网络文学中所体现的审美趣味是一种虚假的趣味，它并非来自于生命内在的冲动，而是迫于外力的驱使而表现出来的趣味。这种审美趣味则具有盲目性，总是随着“潮流”而变，缺乏一定的稳定性。消费时代逻辑就是人们不再是理性地扪心自问“我”需要什么，而是盲目地跟着传媒制造出来的欲望走。在布迪厄看来，趣味是某一阶级成员通过自己的生活方式和消费行为对自己阶级归属的认同，它对分配的控制是通过消费进行的，不同的趣味就会产生不同的消费观，不同的消费观又决定了一个人在社会空间中的阶级归属。网络文学的读者盲目的与网络中相应的阶层保持趋同，借以显示自己紧跟时代潮流并带有某种炫耀性。这种盲从性，使得读者一直追逐这代表“潮流”趋势的审美趣味，他们认为只有追赶上了领跑者，自己的审美趣味才会是合法的和有意义的。但是有讽刺意味的是，追逐者跑得越快，他们离自己真实的趣味就越远，越难以表达自己真正的审美需求。
四、结语
网络文学以文学为依托，是生长在文学土壤下的一朵艳丽的花朵，它与传统文学虽然存在着如此多的不同之处，存在着如此多的独特之处，但是它还是文学的一个分支，它仍然要肩负着传统文学索要肩负的使命。当今社会经济发展迅速，一切东西都被拿来消费，我们甚至开始消费我们的文学。如若一切都是可消费的短暂的，那么总要有东西来展现它永恒的魅力，它就是文学。文学之所以长久被人喜爱在于它所具有的超越性，网络文学也该以此为使命，追求不朽与超越。(作者单位：武汉纺织大学传媒学院)
参考文献：
[1]沃尔特·李普曼.舆论学[M].华夏出版社，1989.
[2]王晓东.西方哲学主体间性理论批判[M].中国社会科学出版社，2004.
[3]叶朗.美学原理[M].北京大学出版社，2009.
[4]范玉吉.审美趣味的变迁[M].北京大学出版社，2006.
[5]张贤根.互文性：在艺术、美学与哲学之间[M].长江文艺出版社，2011.
<<<下页带来更多的文学审美论文
茶文化艺术中的美学特征论文
摘要： 茶文化，中国古老的文化艺术之一，在历史的传承中，茶文化经过了千锤百炼，正所谓风掠窗台色，茶逸自然香。我国的茶文化不仅有着独特的文化特色，而且代表了相当多的文化精神内涵，同时，其中也有一定的美学特征，并以这些基础的美学特征作为基础，形成了全新的茶文化美感。本文主要对茶文化艺术中的美学特征进行了研究，并针对茶文化的独特美学价值进行了优化，以期提升其现有的文化韵味。
关键词： 茶文化；艺术；美学特征
一直以来，茶文化都是中国推崇的主要文化之一，它所代表的不仅仅是一种文化艺术的美感，更是新时期中国传统文化的一种全新的艺术体现。现如今，国内的茶文化已然成为了传统文化当中的重要组成部分，被社会上越来越多的人们认可和熟知。但是，并不是所有人都能理解茶文化的艺术美感，尤其对于茶文化艺术中的美学特征，相当一部分人认为其是一种无稽之谈，只是对茶艺的一种渲染而已。但是，事实并非如此，我国的茶文化艺术，确实有其独特的美感，而且茶文化艺术的美学特征，并不是简单的表面美感，如果仅仅对茶艺的表面进行研究，所发现的美学特征是十分浅显的，而且并不是茶文化艺术的真正美学特征。那么，究竟什么才是茶文化艺术中的美学特征呢？笔者认为，茶文化的艺术美感，其实是一个过程的升华，也是一种意境。但是，不得不承认，茶文化艺术也有着浓厚的现实艺术美感，它所体现出来的文化艺术特色和精神最为直接，而且经常能够给人带来一定的修身养性功效。
1茶文化艺术的美学特征介绍
对于茶文化艺术的认识，大多数人的第一直觉都是简单的品茶文化，因为这是最为直观也是最为切实的感受所在。但是茶文化艺术并不是这么简单，其中还包含了一定的音乐、舞蹈、服饰、建筑等艺术特色共同形成的品饮艺术，同时，在整个品茶的过程中，不难发现，有很多的茶艺文化，具有一定的'历史文化价值，并且有着较为广阔的发展前景。现如今，艺术领域对于茶文化的评价是一种综合文化的代表，能够与多种艺术特色实现深层次的融合，而且在整个品茶的过程中，不仅仅有茶香的味道，还有一定的意境感受。在中国传统的历史文化当中，经常可以见到文人墨客，在吟诗作对的过程中，总要以茶作伴，将茶作为双方品赏的主要内容，同时很多人更是以茶为主题进行诗歌的即兴创作。而且，当有亲朋好友上门拜访的时候，主人为客人准备的，往往都是简单的茶。为什么一定要准备茶品呢？主要原因在于品茶是对客人的一种尊重，其对客人身份以及和主人关系的一种认可。通常，在相互入座以后，主人会邀请客人共同品茶，双方的品茶过程一模一样，都是简单的品尝即可，没有进行完全的饮用，否则会冲淡茶的味道，难以正确地品析出来。而这样的品茶过程，又何尝不是一种美感的彰显呢？茶虽简单，却代表了尊重，代表了友好，并给予了品茶双方一定的精神美感。
2茶文化艺术的美学表现
茶文化的综合美体现
我国的茶文化艺术，本身便是一种美的彰显，而其中的美学价值，也在人们的推崇下获得全面的提升。但是，茶文化艺术的美学特征是否有着明显的表现呢？答案是肯定的。茶香本随风，入口香三分。很多人在品茶的过程中，单纯地认为茶文化的美感主要体现在茶的味道上，味道佳的茶便是美的茶，味道较差的茶，则没有品的必要性，其本质已然缺乏一定的美感。但是茶文化艺术的美感并不止步于茶的味道上。它的整个过程，都是一种美的体现。因而，茶文化艺术的美，也被视为一种综合美。而其中的美学便体现在多样的文化艺术特征上，如音乐、书法、绘画上，都有着一定的茶文化美感，而且能够与品茶的过程衔接起来，形成综合的美。通常人们在进行品茶的过程中，还会对茶文化艺术中的美学特征，进行多方面的凝练和升华，进而形成一种全新的美学文化，不仅有中国传统文化中的宁静、平和，还有着现代文化中的流畅、静然，其中着重体现了中华文化当中的独特审美观念，凸显了中国人民最为诚挚的审美追求。
茶文化的创造美体现
除了茶文化的综合美之外，茶文化通常还被人们视为一种创造性的美。而这一美学特征主要体现在茶叶技师的表演，也就是冲茶泡茶的一种表现形式。但是这里的冲茶泡茶，并非我们想象的那么简单，不仅需要对茶叶进行一定的筛选，还必须进行一定分量的调配，整个过程十分的细腻流畅。即使是在后期的冲茶过程中，也存在一种形式美的表现，也就是长嘴的茶壶，将其最为实际地倒入杯中，需要具有较高的平衡能力，而且不能随意的晃动。同时，仔细观察可以发现，技艺精湛的茶艺师傅，在冲茶的过程中，茶水进入杯中的速度一直没有变化，保持相当稳定的状态。现如今的社会当中，茶文化也衍生出了独特的表演艺术，其中蕴含了相当多的美学特征，并且不再是一门简单的理论性质学科，开始有了以实践为主的表演形式，其中所产生的趣味十分高尚，而且很大程度上代表了人的精神追求。茶文化的创造美是一种全新的美感体现，同时也是一种意境的升华。
3茶文化艺术的美学特征
茶文化艺术的基础美学特征
在当代的茶文化艺术当中，包含了较多的美学特征，而归纳起来总共可以分为五方面的内容。首先是形式美，指的是茶文化的杯具以及茶壶等物件，细细观赏起来有着独特的美感。其次是动作美，它指的是冲茶泡茶的师傅在整个茶艺表演的过程中，所展现的一些动作，十分的优雅自然，给人一种生机盎然的向往。然后是结构美，它指的是茶文化在展现的过程中，经常需要与其他的特色文化艺术产生一定的交流与融合，整体的结构十分的富有美感。再之是环境美，在品茶的过程中，双方选择的环境一般都较为优雅，而且十分美观，与茶香进行了美妙的结合。最后是神韵美，这方面的内容主要指的是一种意境的升华，人们在品茶的时候，茶香会由口中进入神经，给人一种全身的意境美感。
茶文化艺术表演四要素
茶文化艺术的美感形成，除了需要有一定的茶文化艺术韵味作为基础，还需要表演的四要素进行充实细化。而这四要素的内容主要有最为基础的茶席布置、深层次的茶艺程式、高素质的茶艺师素养以及茶文化的主体内涵构成。在一个完善的茶文化表现过程中，首先需要对茶席进行布置，也就是对品茶环境的布置，如果整体的布置过于平淡，也会给品茗茶香造成一定的阻碍。而如果整体的布置具有一定的优雅风格，将会在无形之中深化品茶的意境。茶艺程式是一个选茶、泡茶、冲茶、品茶的过程，其中的各个环节都有属于自己的独特艺术美感。而茶艺师的修养，也可以称为茶文化艺术的灵魂，它对于茶艺的美感表演有着最为直接的影响。最后，茶文化内涵本身存在于品茶的过程中，其中的美感不言而喻。
4结束语
总而言之，茶文化艺术中的美学特征，并不是浅显的停留在茶艺的表面，许多时候还更深的存在于品茶的过程当中以及整个茶艺的展现，人们在对茶文化进行赏析的过程中，应当正确审视茶文化带来的独特文化韵味，加以合理的优化，进而塑造出独特的文化美感。
参考文献
[1]佘艺玲,杨秋娜.闽茶文化英译的美学意蕴[J].黎明职业大学学报,2015,(02):42-46.
[2]宋小娟,颜粲.茶文化中茶服的美学内涵[J].美术教育研究,2016,(06):39.
[3]丁玉霞,艾美华.纪录片:茶文化传播的美学意蕴[J].今传媒,2016,(02):110-111.
[4]董晓.中国茶文化的审美观照[D].山东农业大学,2012.
[5]孙妮娜.江南地域文化的美学特征在当代公共艺术中的应用———以南京城市公共艺术为例[J].开封教育学院学报,2014,(09):256-257.
【摘要】
艺术是现实生活中的审美艺术，是生活的美化、生活的充实、生活的发展、生活的创造等。生活之美是艺术审美的本质，是艺术审美的主色调，是艺术审美的基本要求。艺术审美与现实生活紧密联系，使得艺术审美一定散发出光彩的光芒。
【关键词】
艺术;审美;现实生活;艺术形象;艺术特征
车尔尼雪夫斯基从唯物主义观点出发提出了“美是生活”的著名美学理论，与艺术的审美观点不谋而合。车尔尼雪夫斯基认为：人感觉有趣的事情中是有一般性的，人们感觉世界上最有趣的事情是生活。第一是人们意愿、人们喜欢的这种生活：第二是任何一种生活都是活着比死去要好。活着的在本质上都是恐惧死亡的;恐惧如果不存在了，而活着就是死亡。只有这样，才能定义：美才是生活。
一、什么是艺术与审美
艺术是一种社会性的意识形态、是一种创造性的审美对象的精神意识。它是一种生产性、客观的、有目的性的社会实践;它是一种精神意识，是再现与表现的和谐统一，是一种社会意识形态，并且具有能动反作用性和一定的意识形态性的。它是一种特殊的精神意识。它是创造审美对象和满足人们的审美要求的特有目的性。它是一种通过艺术创作实践，来把现实生活中的自然加工和提取集中表现在艺术作品中的审美特性。艺术的审美是人类创造的，是人类审美实践的结晶，是现实生活的经典总结，等等。所以它比现实生活中的美更突出、更准确。艺术的`审美具有鲜明的形象性，它不仅要反映社会和自然中的美，还要显示艺术家自我内心的火花。艺术的审美源于生活之中，但是它又不等同于生活，它是艺术家内心的独特创造，是具有一定社会内容的感性思维。
二、艺术的基本特征
主体性、形象性和审美性是艺术的基本特征。主体性是艺术的基本特征之一。艺术是一种社会意识形态的产物，艺术生产是一种特殊的精神生产，它决定了在艺术生产中必然具有主体性特征。艺术运用生动的形象反映客观社会生活，但是这种具体反映绝不是单纯照搬照抄，它是融入了创作者主观欣赏的思想情感和创作特征，并体现出十分详细的能动性和创造性。它作为艺术的基本特征之一，主要体现在艺术生产活动中的全过程，即艺术的创作、艺术的作品和艺术的欣赏。
形象性是艺术的基本特征之一。哲学和社会科学都是以抽象的、概念的形式来反映客观世界的。文学和艺术都是以具体的、生动的艺术形象反映社会现实和表达艺术家的思想情感。各种艺术类别，都是因为它们所创造的艺术形象具有各自不同的特征，比如绘画、雕塑等艺术形象，大众可以通过感官直接感受到。而音乐、文学等艺术形象，大众必须通过音响、语言文字等媒介才能感受到。不管怎样，艺术不能没有形象，艺术的形象必须是客观和主观的统一、内容与形式的统一、共性与个性的统一。审美性是艺术的基本特征之一。在艺术生产中，任何艺术作品都必须具有两个基本条件：第一，必须是人类活动生产的作品，即功能性;第二，必须具有审美价值，即审美性。这两点，才能使艺术作品和其他一切非艺术作品分开。艺术的审美性是人类审美意识的表现，是真、善、美的结晶，是内容与形式的和谐。
三、艺术与现实生活的关系
(一)艺术是现实生活的反映
根据对现实生活反映方式的不同，艺术作品可以分为两类：再现性艺术作品，如写实的绘画、雕塑等，直接呈现了客观事物的形貌色彩。再现性艺术作品是人们在生活中有了情感，又把情感还原为社会生活中的客观事物表现出来：表现性艺术作品，如音乐等。表现性艺术作品是人们在生活中有了感情，不是直接还原为事物的形貌色彩，而是表现为人们的思想观念和感情。
以上两类艺术作品的前提是人们在现实生活中有了思想感情。没有现实生活就没有思想感情，也就没有再现性和表现性艺术作品。所以一切艺术作品都是现实生活中的反映。
(二)艺术反作用于现实生活
1.优秀的艺术作品能促进现实生活的发展2粗劣的艺术作品则阻碍现实生活的发展
四、艺术形象的特征
艺术形象是能够正确地反应客观社会生活的载体，是通过主观审美与客观审美的相互融合，并主动创造的艺术效果。艺术形象的基本特征体现在三个方面：个性与共性的统一、感性与理性的统一、主观与客观的统一。个性与共性的统一是艺术形象的基本特性。艺术形象应该是个别的、特殊的、具体的、历史的等，它应具备独特的个性，又要具有一定的概括性，还要具有一定的普遍性和能体现出一定范围的共性。用艺术形象的方式反映客观世界，就应体现出客观世界的本质和规律，在特殊性中展现一般性，以个别表现特殊，只有这样，成功的艺术形象才能集个性与共性的和谐、统一。
艺术形象是感性与理性的统一。艺术形象以具体的形态反作用于欣赏者的视觉。在创作和欣赏的过程中，是感性到理性和理性到感性的统一，也正是理性认识才能变现艺术的意义和具备深刻认知性。
艺术形象是主观与客观的统一。艺术形象客观地反映社会的生活、自然的心灵、情感的融合。艺术形象的情感一方面来源于作品描绘的形象，另一方面源于艺术家主观情感的投入。艺术家在进行艺术创造时，往往把客观的背景事物作为作者的感情载体来表现。艺术形象是客观事物的重现，又是艺术家的感情寄托，所以它是客观与主观的统一。
五、审美的本质
审美是感受或领悟客观事物的现象本质所呈现的美。它是人在社会生产实践活动中与客观事物的现象发生建构的一种特殊的表现形式。现实生活的美是艺术家审美认识的根源。事物只有以其形象真实的方面表现出其本质的内涵，只有以其形象的个性显示出其种类的普通。这种现象、这种具体、这种形象必须是非常突出、明确、震撼，它才是美的并具有审美本质的。
审美本质的理解在于对客观事物存在的现实世界的审美反映和艺术创造。是自然科学、社会科学和宗教伦理关系的道德比较。艺术的审美对象包括宇宙、人生、自然科学等。它在艺术创作中经常以艺术审美的方式来表现，审美的本质是艺术对象的本质属性，是人与社会现实生活的价值需求，它是在一定社会关系下的价值理解，或以审美的方式来表现。
结语
艺术的审美必须符合道德要求、必须包含道德内容才能引起美感，是美与善的统一、文与质的统一。“乐而不淫，哀而不伤”即“和”的审美标准。艺术包含的感情是一种节制、有限度的情感，符合“礼之用，和为贵”的审美情感，“中和之美”是美的最高境界。一切艺术的美，以至于人格的美，都趋向于玉的美，内部有光泽，含蓄而光彩，这种光彩是极其绚烂而又极其平静的。
参考文献：
[1]李砚祖，工艺美术概论[M].北京：中国轻工业出版社.2010.
[2]车尔尼雪夫斯基.生活与美学[M]，北京：人民文学出版社，1957.
[3][英]爱德华·露西·史密斯.艺术词典[M].北京：生活·读书·新知三联书店，2005.
[4]张玉花，王树良，艺术概论[M].重庆：重庆大学出版社，2013.
[5]凌继尧.艺术设计概论[M]，北京：北京大学出版社.2012.
以书法艺术为例，造型艺术的再现性和表现性在审美上具有以下特征：一、再现性的审美特征再现性是指艺术作品可以再现客观事物的外在形态和特征。在书法艺术中，再现性的审美特征主要表现为：字形规范、笔画遒劲有力、结体工整匀称等。书法作品的再现性，需要艺术家具备扎实的基本功和精湛的技艺，才能准确表现出每一个字形的特征和风格，让人们在欣赏中感受到字形的美感和艺术性。二、表现性的审美特征表现性是指艺术作品通过艺术手法，表达出艺术家的主观情感、思想和意境等。在书法艺术中，表现性的审美特征主要表现为：笔墨意境、气韵生动、情感表达等。书法作品的表现性，需要艺术家具备独特的审美情趣和创作能力，通过笔墨的运用和字形的组合，表现出自己的思想和情感，让人们在欣赏中感受到作品的艺术魅力和内涵。三、再现性和表现性的相互关系在书法艺术中，再现性和表现性是相互依存、相互渗透的。艺术家通过准确地再现字形的形态和特征，才能更好地表现出自己的情感和思想；反之，通过表现性的手法，艺术家也能够更好地再现字形的美感和文化内涵。因此，在书法艺术中，再现性和表现性的相互作用，不仅展示了艺术家的审美情趣和创作能力，也体现了书法艺术的独特魅力和艺术价值。
难道要现成的一篇论文啊？哪找去阿~
造型艺术的审美特征。造型艺术是指使用一定的物质材料（如颜料、绢、布、纸张。石、金属、木、竹等），通过塑造可视的静态形象来表现社会生活和艺术家情感的艺术形式。它包括绘画、雕塑、摄影、建筑、工艺美术等具体的艺术形式。其主要审美特征是直观具象性；瞬间永恒性；空间表现的差异性；凝聚的形式美。（一）直观具象性，是指造型艺术具有运用物质媒介在空间展示具体艺术形象的特性。造型艺术运用物质媒介创造出的具体的艺术形象，直接诉诸人们的视觉感官。这种直接具体的形象蕴含着丰富的艺术意蕴，把具体可视或可触的形象直接呈现在观众面前，引起观众直观的美感。造型艺术也可以把现实生活中某些难以显现的无形事物，转化为可以直观的具体视觉形象。（二）瞬间永恒性，是指造型艺术具有选取特定瞬间以表现永恒意义的特性。造型艺术是静态艺术，难以再现事物的运动发展过程，但它却可以捕捉、选择、提炼、固定事物发展过程中最具表现力和富于意蕴的瞬间， 寓动于静，以瞬间表现永恒。比如摄影艺术，摄影画面瞬间的表达，往往抓住即将抵达高潮之前的瞬间，给人的想象留下无穷延伸空间。（三）空间表现的差异性，是指造型艺术各门类内部在空间表现上具有彼此不同特性。如中西绘画运用不同的透视方法在二维平面上营造虚幻的三维立体空间，在西方油画中是用焦点透视，中国画则运用散点透视。（四）凝聚的形式美，是指造型艺术具有在艺术形象中凝结和聚合形式美的特性。形式美法则对于造型艺术各门类都具普遍性，因而运用形式美法则对物质媒介进行加工，便可以整合出凝聚着形式美的艺术符号。形式美多种多样的法则（如对称、均衡、节奏、韵律、对比、比例、主从、尺度、明暗、虚实、多样统一等）在各门类艺术的具体运用中，又凝聚成美的千姿百态。比如比例的匀称、变化的节奏韵律、明暗对比、多样统一、虚实相生等，都是形式美法则在各种门类艺术中的集中呈现。
艺术审美性 （一） 是人类审美意识的集中体现 只有那些能够给人以精神上的愉悦和快感，具有审美价值或审美性的人类创造物才能称为艺术品，审美意识的产生和发展，离不开人类的社会实践，完成实用向审美的过渡。 （二） 艺术的审美性是真、善、美的结合 1. 艺术美高于现实美，由于艺术家的创造性劳动，把现实中真善美凝聚到艺术作品中，艺术中“真”不等于生活真实，而是经过提炼和加工，使生活真实升华为艺术真实，化真为美，通过艺术形象体现；“善”也不等于道德说教，是艺术家人生态度和道德评价渗透到艺术作品中，化善为美。 2. 生活中“丑” 的东西经创造性劳动，通过审美特征将丑在艺术作品中体现，变成艺术“美”，事物本身“丑”性质没有变，但是作为艺术形象已经具有审美意义。 3. 以丑衬美：塑造艺术丑角的目的在于突出美，丑角极丑，美的形象更美 《雷雨》鲁大海的美 周朴园的丑 《杜十娘怒沉百宝箱》李甲丑 “美丑对照”是雨果的美学主张 副主教克洛德 敲钟人卡西莫多 4. 化丑为美：艺术美，不仅在真实反映生活美，也在于真实反映生活丑，同样寄寓作家的美学评价思想，通过典型化，将丑很美的表现出来，关键在于作家以先进的审美理想去观察丑，否定丑，在作品中形成对丑审判，丑就作为一种被审判被否定的对象而具有美学价值。 别里科夫《套中人》 奥楚蔑洛夫《变色龙》 真实反映丑，包含对丑的憎恶、批判鞭挞，从而使生活丑在艺术创造中转化为艺术美，以特有艺术魅力撞击人们心灵，激发人们情感，使光明、美好的事物更动人。 （三） 艺术审美性是内容美和形式美的统一 二者有机统一，随着艺术实践的发展，形式美的法则也在不断变化发展，从内容出发选择最恰当的形式以加强没的艺术表现力，使艺术形式美日益丰富 黄金分割——有机建筑 1. 对比与调和：两级对照 调和统一 2. 节奏与韵律：音响有规律长短强弱的交替组合，诗歌中声韵和格律，如作品结构颇为有序，情节安排轻重适度，逐渐变化中包含着统一 3. 对称与平衡：整体各个组成部分间对应和一致，如和谐布局，节律调和
中国的诗歌有一套独特的美学特征——意境 意境是我国古典美学及文论的重要范畴和独创的概念。在几千年的文学发展中，它被广泛运用于文学艺术领域，是中华抒情文学与理论高度发达的产物。意境在诗歌中地位尤为显著和突出。 文学意境有独到特征，情景交融的表现特征、虚实相生的结构特征和韵味无穷的审美特征，集中体现了华夏民族的美学理想。“意境”之“境”最早出于《庄子•齐物论》中有关于“自由之境”的论述。在后来的文学发展中“境”的概念开始用于诗歌中，如刘勰的《文心雕龙》等。 最早出现“意境”整词的是在王昌龄的《诗格》中，其文曰：“诗有三境，一曰物境：欲为山水诗，则张泉石云峰之境，极丽绝绣者，神之于心，处身于境，视境于心，莹然掌中，然后用思，了然境象，故得形似。二曰情境：娱乐愁怨，皆张于意，而处于身，然后驰思，深得其情。三曰意境：亦张之于意，而思之于心，则待其真矣。”王昌龄的此段话，从诗人创作诗歌的环境等角度，分析了意境创作的三个层次。 又如司马光在《续诗话》中曾论曰：“古人为诗，贵于意言在外，使人思而得之，故言之者无罪，闻之者足以戒也。”王国维说，“词以境界为最上，有境界则自成高格，自有名句，五代、北宋之词，所以独绝者在此。”更是说明中国诗歌之意境的重要及其意义。综观历代文学对意境及诗歌理论的评论和自身的实践。 可以说，诗要言志，但是不会抽象的抒情言志，它总是借助一定的物质性的东西，比如说，风、花、雪、月等通过特殊的方式来将其表达，形成一幅言有尽而情无穷的画面。正如陶渊明的《饮酒》中说“此中有真意，欲辩已忘言。” 的意境。 诗歌要创作意境，才有吸引力，没有意境的诗就不能称之为诗。诗总是要反映客观景象同思想情感的抒发紧密结合，融合在一起。“情景为二，而不可离神于诗者，妙合无垠。巧者则有情中景。” 情景二者，令人无穷遐思从而形成所谓的“意境”，体现了诗歌的形象特征。王国维在《人间词话》中把诗歌的意境分为“有我之境”和“无我之境”，“以我观物，故物皆著我之色彩；以物观我，故不知何者为我，何者为。”“泪眼问花花不语，乱红飞过秋千去。”此谓有我之境也；“采菊东离下，悠然见南山。”此谓无我之境也。的界定，文论界众说纷纭，其中我比较赞成的是“意境是文学创作中所描绘的客观图景与所表现的思想感情融合一致而形成的一种艺术境界。具有虚实相生、意与境皆、深邃幽远的审美特征，能使读者产生想象和联想，如深如其境，在思想情感上受到感染。” 中国的诗歌早就有抒情的，这就是所谓的“诗言志”，但是对景物方面的描写也从来也没有隔膜的，从诗歌的审美特征来说，这就是其中的—方面——情景交融。无论诗歌中是先抒情后写景，还是先描写景物后抒情，终归为情景交融。 论到美学的特征，第一 要说的应该是其表现特征： 情景交融，因为它是形成意境的基础，中国古典和现代文学都很关注情和景的融合。正如王昌龄曾曰，“诗一向言意，则不清及无味；一向言景，亦无味，事须景与意相兼始好。”足见情景交融对诗歌的重要性。 情景交融又可以分为：景中藏情、情中藏景、情景并茂。 首先，“情于景中”如阮章竟的《漳河小曲》：漳河水，九十九道湾/ 层层树，重重山/ 层层绿树，重重雾/重中高山云断路/ 青苍天，云霞红红艳/ 艳艳红天掉在河里面/ 水染成红花片 / 小曲过漳河沿。全写景，似乎没有个人的情感在里面，但是就在这清新、活泼具有浓烈的歌谣风景中，却流露着作者对漳河景色的壮美抒发出喜悦之情。其次，是“景藏情中”，如陈子昂的<<登幽州台歌〉〉：前不见古人 / 后不见来者 /念天地之悠悠 / 独怆然而涕下……此诗并无直接的写景，但是我们可以想象诗人给我们描绘的空间：诗人独自一人登上幽州，视目无边的天宇，沉思于历史的长河中，表现出作者壮志难酬，怆然泪下。“情景并茂”，如意大利诗人翁加蕾蒂的 〈〈黄昏〉〉：微风独栏杆 / 支撑我的忧愁 / 黄昏里。此诗虽然短短三句，却集中了情景，黄昏、微风栏杆描绘景色，“支撑我的忧愁”一语道破了情（忧愁）。 第二、虚实相生。虚实相生是意境结构方面的特征，是给读者留下广大的想象空间。以“如在眼前”和“见于言外”，构成如李戏鱼在〈〈中国画论●神韵〉〉中所言，“诗在有字句之处，诗之妙在无字句处。”⑿ 写出诗的要点，虚实之处，因此诗人创作形象，所能引起读者的想象虚实，由形象产生意象境界就是虚实结合。如柳宗元的〈〈江雪〉〉：千山飞鸟绝 / 万径人踪灭 / 孤舟蓑笠翁 / 独钓寒江上。⒀ 诗中情景交融则不必说了。诗人描绘出了一幅，大雪飘飞，一叶孤舟，一老翁独坐垂钓于风雪寒江上，四周万籁具静；然而却隐藏着作者高洁的情操，孤独的老人是诗人理想的化身。虚实相结合形成了绝妙之意境。 第三、韵味无穷 。此乃意境之审美特征，韵味为咀嚼不尽之意和效果。以王维的〈〈山居秋冥〉〉为例：空山新雨后 / 天气晚来秋 / 明月松间照 / 清泉石上流 / 竹喧归浣女 /莲动下渔舟。⒁ 此诗描绘静静、悠远的意境和安宁的氛围令人回味无穷总之意境是文学创作中所描绘的客观图景与所表现的思想感情融合一致而形成的一种艺术境界。具有情景交融、虚实相生、韵味无穷的审美特征，让人发联想，如深如其境，在思想情感上受到感染。是中华民族审美艺术高度发达的产物。[
随着方文山的素颜韵脚诗流行开来，中国诗歌的未来必将走向深受人们喜爱的现代韵脚诗之路，建议喜欢韵脚诗的朋友多朝这方面发展，这是中国诗歌发展到一定的历史时期所走出的必然趋势，谁也无法阻挡，再加上现代诗歌的不景气，人们在极力寻找现代诗歌和古典诗歌之间存在共通性的一种音乐之美，也即押韵，现代韵脚诗的出现，正是符合了诗歌发展的潮流，符合了人们对于追求古今诗歌韵律融合的一种诉求。具体内容可以百度一下“韵脚诗”词条的详细注解。
现代诗产生于白话文运动之后，首先是语言环境的转变，催生了现代诗。所以，现代诗仍然具备传统诗歌的一些审美特征，如韵律、意象均对传统诗歌有传承。作为白话文的一种文学表达形式，现代诗歌具有以下不同于传统诗歌的审美特征：1、打破传统诗歌的格律要求，形式更为自由，韵可押可不押，律也随诗人意愿随意变化；2、由于打破了传统格式的限制，对心理变化的表现形式更加多样，也更为直接；3、符合现代人民阅读习惯，更易于在群众中传播。同时，与现代社会及现代精神想切合，现代诗歌还具有以下有关时代的审美特征：1、更多关注自我、物质生活；2、涌现大量关注时代变革、反映社会变化的诗歌作品；3、价值更加多元。但是，由于过于追求自由与创新，现代诗歌也面临以下负面的审美特征：1、很多作品失去了韵律美；2、用词随意，导致精神及情感表达不准确；3、要求下降，创作普及，导致立意层次下降，意象单薄。
美是生命的高级境界，生命进化到一定程度会追求美，美通天地大化，美，妙不可言。诗与诗有对比，美是总要领，读时美多的诗是好诗。神是美，美无处不在，神无处不在，神的语言是美的符号，神用美的符号让人活得更美。诗是最美的文字符号，诗的神性是多的，写诗首要是写得美，陶醉于美的人易写出好的诗。诗让人读出美，该多好！美并不是全要外形上的美，桂英的诗《父亲》里的父亲外表并不怎么美：父亲/当你推开沉重的/木门/仿佛我们生来就认识/而你一直在老去。桂英甚至有些嫌老了的父亲外表不够美，是啊，谁不喜欢自己的父亲外表上足够美呢？父亲越美自己越有脸面。岁月不饶人，人老自有老人的美，《父亲》从怨老而不美到写老人的美，老父亲本来就美，老父亲美的地方可多了：你教我学会删减/学会卷紧那些/松散的布料/让它们有秩序地/蜷缩在狭小的空间里/父亲的言行比他的外表美多了。桂英的父亲外表也可以美的，只是合境影响他单一的追求外表美，人合境而生也是美，甚至比单一的不合境宜的外表美更美，诗人就这么认为的，她用父亲的言行证明自己的父亲是美的父亲。诗人对父亲的评价有反复，有美有不美，她还是认为自己的父亲不够美：月光穿过栅栏/照在雪地上/像银叉子/对面的窗户/是睡梦中的眼睛/父亲/来自异地的消息/使我愧疚/使我开始低声哭泣。这时的不够美的父亲在描述后已是比较美的了，只是诗人有多的好美心才产生较高层次的不满。桂英的父亲是美的父亲，桂英的父亲是一首读来顺心的诗，有些不尽人意是少之又少的，是父亲的人活得象首诗，活得象个人的诗才有桂英这首《父亲》的好诗，人面对无趣物是写不出象样些诗来的，这些物的信息差优质的关系，语言表达它们难以优品。老去的父亲依旧是好父亲，可诗人还是要用大美之物对比自己的父亲，甚至恨父亲去死：父亲/你像一只倾斜的杯子/倒下/并完整地占用了一只木箱子/看着这糟糕的葬礼/和那些浪费掉的月色/我该怎样挽留/才会使我们变得/不再陌生。诗一步的要求着父亲，从要求父亲外表美，到要求父女关系好，诗从反复向美要求努力中变得意境佳美。父亲作者：桂英父亲，当你推开沉重的木门，仿佛我们生来就认识而你一直在老去你教我学会删减，学会卷紧那些松散的布料，让它们有秩序地蜷缩在狭小的空间里月光穿过栅栏，照在雪地上像银叉子。对面的窗户是睡梦中的眼睛，父亲来自异地的消息使我愧疚，使我开始低声哭泣父亲，你像一只倾斜的杯子倒下，并完整地占用了一只木箱子看着这糟糕的葬礼和那些浪费掉的月色我该怎样挽留，才会使我们变得不再陌生
唐代是我国政治、经济高度发展，文化艺术繁荣昌盛的时代，是封建文化灿烂光辉的时代。唐统一了魏晋南北朝和隋的混乱分裂状态，建立了统一强盛的国家，对外贸交易发达，生产力极大发展，较长时间国泰民安。尤其当盛唐成为亚洲各民族经济文化交流中心的时期，更是我国文化史上最光辉的一页。这个时期吸收印度和伊朗文化，并融入我国文化之中，从壁画、石刻、雕刻、书、画、绢绣、陶俑及服饰之中，充分体现出来。 时至隋唐，中国服饰最明显的特点是双轨制。在大的祭祀场面，穿汉人的传统衣服。在平时，唐代的常服是胡服（即鲜卑装）系统，。 唐代国家统一，经济繁荣，形制更加开放，服饰愈益华丽。唐代女装的特点是裙、衫、帔的统一。在妇女中间，出现了袒胸露臂的形象。在永泰公主墓东壁壁画上，有一个梳高髻、露胸、肩披红帛，上着黄色窄袖短衫、下著绿色曳地长裙、腰垂红色腰带的唐代妇女形象，从而对“粉胸半掩疑暗雪”，“坐时衣带萦纤草，行即裙裾扫落梅”有了更形象的理解。 慢束罗裙半露胸，并不是什么人都能做的。在唐代，只有有身份的人才能穿开胸衫，永泰公主可以半裸胸，歌女可以半裸胸以取悦于统治阶级，而平民百姓家的女子是不许半裸胸的。当时，唐朝半露胸的裙装有点类似于现代西方的夜礼服，只是不准露出肩膀和后背。 唐代女服的领子，有圆领、方领、斜领、直领和鸡心领等。短襦长裙的特点是裙腰系得较高，一般都在腰部以上，有的甚至系在腋下，给人一种俏丽修长的感觉。 “罗衫叶叶绣重重，金凤银鹅各一丝”。“眉黛夺得萱草色，红裙妒杀石榴花”。唐代的裙子颜色绚丽，红、紫、黄、绿争艳斗研，尤以红裙为姣姣者。街上流行红裙子，不是现代人的专利，早在盛唐时期，就已经遍地榴花染舞裙了。 也许是受阴阳五行说的影响，杨贵妃最喜欢着黄裙，那是地位的象征。 “慢来罗裙半露胸”，从一个侧面反映了当时社会思想开放的程度。 在一定经济基础上形成的社会意识形态。是影响社会风尚、衣冠服饰的一个重要因素。服装是社会政治气候的晴雨表。唐代是中国封建社会的鼎盛时期，尤其是贞观、开元年间，政治气候宽松，人们安居乐业。唐朝的京师长安，是当时政治、经济、文化的中心，同时也是东西文化交流的中心。在古城西安，雁塔晨钟、草堂烟雾、灞柳风雪、骊山晚照、华岳仙掌、碑林石刻仿佛还萦绕着袅袅的盛唐之音。和唐朝政府有过友好往来的国家，曾经有三百多个。灿烂的中国文化，通过他们传到世界各地。时至今日，东亚地区的一些国家，仍把唐朝时期的服饰作为正式的礼服，可见影响之久。外国的友好使者云集长安，也把他们的文化的种子，播撒在八百里秦川。唐朝的绘画、雕刻、音乐、舞蹈等艺术都吸引了外来的技巧和风格。对异国衣冠服饰的兼收并蓄，使唐朝服饰的奇葩开得更加鲜艳夺目。 由于唐朝采取开放政策，对西域、吐蕃的服饰兼收并蓄，因而“浑脱帽”、“时世妆”得以流行。这就是中国古代服饰史上的第三次大变革。与前两次服饰大变革所不同的是，这一次的服饰大交流是由南北走向向东西方向流动。
1、女着男装，开放时尚
时髦成风，唐代是一个非常注重时尚的朝代"女性更是时髦成风，政治’法律道德’礼仪都不能约束这种强烈的好美之心和对时尚的追逐。贵贱、女、夷夏的界限都被冲毁了。
与今天世界范围时尚现状相似的是"唐代的时尚主要由宫中(今天是王室)、贵妇(今天是富商太太和社交名媛、部分白领)、以色技艺娱人行业的从业女性来|领风骚。男装"铟胡服之启发"因胡人本就男女同装，而更为深刻的社会原因则离不开大唐经济富足，国家极度昌盛而衍生出的宽厚与开放。
2、女性服装颜色
唐代女性崇尚红色，喜用红、绿两种色彩来装扮自己：或衣衫用红色，裙子用绿色；或裙子用红色，衣衫用绿色。从《虢国夫人游春图》及《调琴啜茗图》中都可以看到这种装扮的习好。然而就布帛的颜色而论，是绝不止于这两种的单红色类。
就有大红、正红、粉红、水红、红、桃红、梅红、石榴红、银红、红、红红、猩红、退红、红绛红等十几种,绿色类也分官绿、碧绿、明绿、柳北紫、油紫、大紫、墨紫等艳类，品蓝、宝蓝、深蓝、湖蓝、天蓝等色类以及蟹青、蛋清、粉青、天青等青类也都林林总总，应有尽有。
3、图案回归自然
唐代服饰图案，改变了以往那种以天赋神授的创作思想，镇实的花草、鱼、虫进行写生。但传统的龙、凤图案并没有被排斥，这也是由皇权神授的影响而决定的。这时服饰图案的设计趋向于表现自由、丰满、肥壮的艺术风格。晚唐时期的服饰图案更为精巧美观。
花鹤 服饰图、边饰图案、团花服饰图案在帛纱轻柔的服装上，真是花团锦簇，争妍斗盛。今天，我们看到的这些华贵优美的服饰图案，题工们在敦煌石窟用艰苦的劳动为后人们保留下来的珍贵形象的资料，唐代服饰的发展是整体上的发展。
这时服饰图案的设计趋于表现自由、丰满、华美圆润。在鞋、帽、巾、玉佩、发型、化妆、首饰的表现都说明了这一特点。
扩展资料：
服装意义
服装是社会政治气候、经济基础的晴雨表。唐代是中国封建社会的鼎盛时期，尤其是贞观、开元年间，政治气候宽松，人们安居乐业。唐朝的京师长安，是当时政治、经济、文化的中心，同时也是东西文化交流的中心。
在古城西安，雁塔晨钟、草堂烟雾、灞柳风雪、骊山晚照、华岳仙掌、碑林石刻仿佛还萦绕着袅袅的盛唐之音。和唐朝政府有过友好往来的国家，曾经有三百多个。灿烂的中国文化，通过他们传到世界各地。时至今日，东亚地区的一些国家，仍把唐朝时期的服饰作为正式的礼服，可见影响之久。
外国的友好使者云集长安，也把他们的文化的种子，播撒在八百里秦川。唐朝的绘画、雕刻、音乐、舞蹈等艺术都吸引了外来的技巧和风格。对异国衣冠服饰的兼收并蓄，使唐朝服饰的奇葩开得更加鲜艳夺目。注意，现代一般意义的“唐装”并不是唐朝服装，而是清朝以后形成的服装。
参考资料来源：百度百科——唐朝服饰
唐朝服饰的特点：形制更加开放，服饰愈益华丽。唐代女装的特点是裙、衫、帔的统一唐代妇女服饰。在妇女中间，出现了袒胸露臂的形象。在永泰公主墓东壁壁画上，有一个梳高髻、露胸、肩披红帛，上着黄色窄袖短衫、下著绿色曳地长裙、腰垂红色腰带的唐代妇女形象，从而对“粉胸半掩疑暗雪”，“坐时衣带萦纤草，行即裙裾扫落梅”有了更形象的理解。唐朝服饰主要指唐代汉服、胡服。唐代，是我国封建社会的鼎盛时期，无论是人们的思想，还是物质的生产都达到了历史的高峰。唐代开始，工艺装饰普遍使用花卉图案，其构图活泼自由、疏密匀称、丰满圆润。特别是波状的连续纹样与花草相结合后，就是唐代盛行的缠枝图案。 唐代服饰图案，改变了以往那种以天赋神授的创作思想，用真实的花、草、鱼、虫进行写生，但传统的龙、凤图案并没有被排斥，这也是由皇权神授的影响而决定的。这时服饰图案的设计趋向于表现自由、丰满、肥壮的艺术风格。中国古代服装发展到全盛时期，政治的稳定，经济的发达，生产和纺织技术的进步，对外交往的频繁等促使服饰空前繁荣，服装款式、色彩、图案等都呈现出前所未有的崭新局面，而这一时期的女子服饰，可谓中国服装中最为精彩的 篇章，其冠服之丰美华丽，妆饰之奇异纷繁，都令人目不暇接。大唐二百余年的服饰形象，可主要分为：汉服中的襦裙服、男装与胡服三种配套服饰。唐代男子服饰，在延续传统的交领、对襟汉服的基础上，多了新的款式。其一是幞头，其二是圆领窄袖袍衫。唐时以幞头袍衫为尚，幞头又称袱头，是在汉魏幅巾基础上形成的一种首服。唐代以后，人们又在幞头里面增加了一个固定的饰物，名为“巾子”。巾子的形状各个时期有所不同。除巾子外，幞头的两脚也有许多变化，到了晚唐五代，已由原来的软脚改变成左右各一的硬脚。圆袍翻领后唐代官吏的主要服饰为圆领窄袖袍衫。另在袍下施一道横襕，也是当时男子服饰的一大特点。从众多传世图画看来，这种圆领袍衫在非正式场合下流行一种“潇洒穿法”：不合颈下胸上的一段，让袍子前面的一层襟自然松开垂下，形成一个翻领的样子。这也算向胡服中的翻领靠近，也确实达到了与胡服相仿的效果。用今天的话说，大概就叫显得洋气。唐朝服饰襦裙服系指唐代女子上穿短襦或衫，下着长裙，佩披帛，加半臂（即短袖）的传统汉服装束。唐女襦裙装在接受外来服饰影响下，取其神而保留了自我的原形，于是襦裙装成为唐代乃至整个中国服装史中最为精彩而又动人的一种配套装束了。盛唐时代有袒领，即领口开得很低，早期只在宫廷嫔妃、歌舞伎者间流行，后来连豪门贵妇也予以垂青，从唐墓门石刻画和大量陶制女俑来看，袒领流行开来，或许已经遍及黎庶，因而当时艺术形象中出现的袒领女装形象为数实在不少。裙，唐代妇女下裳为裙。襦裙服是汉族女子服饰中非常基础的一种款式，即女子上穿短襦，下着长裙（俗称上衣下裳）的传统装束。唐女的襦裙装在盛世的影响下充分发展，加半臂，佩披帛，于是襦裙装成为唐代乃至整个中国服装史中最为精彩而又动人的一种配套装束了。唐代女服性汉服中有一种在贵妇间流行的款式：高腰襦裙。它将裙带高高系在腰线以上，比如胸下，甚至系在胸线上方，准确地说应称为齐胸襦裙。这种款式无论身材丰腴还是瘦削都能达到别样的飘逸效果，尤其是在以丰腴为流行的圈子中更受欢迎。说到唐代女服的代表，“女式大袖衫”可谓之一。大袖衫一词本泛指宽衣大袖的款式，比如魏晋时期的男子一般都穿大袖翩翩的衫子，风流倜傥，直到南朝时期，这种衫子仍为各阶层男子所爱好，成为一时的风尚。但我们这里讲的大袖衫，专指唐代女子的特宽大袖礼服。它比通常的宽袖外衣还要宽大，在普通中衣外或披或系，大气飘逸。充分反映了唐代繁华、恢弘、大女式大袖衫气的文化特征，呈现出当时华丽开放的审美风尚。现今很多人想象中的“超宽超大的仙女衣”基本就源自这种大袖衫。希望能帮到你。
唐装即唐制汉服，其种类多样。一种是传统的襦，裙装，这种风格一般流行在初唐时期，基本上是沿袭了自东汉以来华夏妇女传统的上衣下裳制。人们总说到的衣裳二字，其实衣是衣，裳是裳，衣是上身穿的，裳其实是指现代所说的裙子，衣与裳分开。
这种妇女的服饰不是连衣，而是分两截的穿法一直延续到明末。上衣的穿法基本上是右衽交领或对襟系上带结，下面的裙子围起来系上长长的裙带，上衣或者掖里面或者自然的松散着，后来这种松散的上衣不断加长，一直覆到膝盖部，就后来发展成了明代的褙子。
外面直接套上罩衫，罩衫一般都很华丽，基本上都是拖摆至地，有的达几余米，比如，有的袖阔4尺，裾曳地达到5尺，因此，如同后来的欧洲一样，衣摆的长短决定着妇女的身份地位。
罩衫一般都是广袖的，广袖就是人们常看到的宽大的袖子，唐代的广袖基本呈方片形，类似今天的和服袖子。另外还有一种晚唐时期的礼服，都为宫廷命妇所著，称为钗钿礼服。
到了中晚唐时期，服装中加强了华夏的传统审美观念，开始复古，从以显出女子身材为主逐步恢复到秦汉那种宽衣大袖，飘逸如仙的风格，服式越来越肥，这种风格定了型一直影响到后期华夏女装的基本理念，既宽松随体肥大，这自然在后来也成了礼教所要求的对象，柔和自然，无形无欲。
唐装指唐制汉服，为汉族服饰系统中一种款式，特征是交领、右衽、系带、无扣或布扣。代表有齐胸襦裙、唐圆领袍、交领襦裙等。
唐装中的妇女上衣种类一般分为襦，袄，衫三种。襦是一种衣身狭窄短小的夹衣或棉衣。袄长于襦而短于袍，衣身较宽松，也有夹衣或棉衣。
襦、袄有窄袖与长袖两类。汉服是中国“衣冠上国”、“礼仪之邦”、“锦绣中华”、赛里斯国的体现，承载了中华民族的染织绣等杰出工艺和美学，传承了30多项中国非物质文化遗产以及受保护的中国工艺美术。
参考资料：百度百科-唐装
什么是美如何提升审美论文如下：
审美是人类理解世界的一种特殊形式，指人与世界（社会和自然）形成一种无功利的、形象的和情感的关系状态。
审美是在理智与情感、主观与客观上认识、理解、感知和评判世界上的存在。审美也就是有“审”有“美”，在这个词组中，“审”作为一个动词，它表示一定有人在“审“，有主体介入；同时，也一定有可供人审的”美“，即审美客体或对象。
而有效地提升自己的审美观，可以考虑以下这几个方法：
1、从文学基础学起，博览群书。
同时多借鉴参考别人对艺术作品的探讨和评价，在生活和自然环境中去感受和发现美的东西。慢慢，自己的审美能力也就可以提高了。
2、想提高审美，多去一些展会。
例如画展，花展，艺术品展等等，这样对提高审美，提高品位都是会有很大的提高。
3、要有良好的学识。
博古通今，放眼全球。要有广阔的视野，丰富的情感，内在的修为。对行业有很高的认知。多学习，多经历，多观察，多比较，多体验，多了解。才能更多更好地提升自已的审美标准！
4、多留意身边细节。
审美是个人对美的看法和标准，要提高对美的认识的标准，首先要有发现美的眼睛，留意生活中的美。也可以多看看油画等等的艺术品，或者优秀的摄影作品，提高对美的认知。
5、那就花钱学习化妆，穿搭。
多去高档场所观摩众人的消费模式！如果是说提高内在的审美能力，个人觉得没有任何捷径，多看书，多运动，多旅游。做一个有规律有原则少说多做的安静人。剩下的都交给时间，沉淀下来得都是你的内涵，和审美！
6、深入观摩了解时下流行的服饰。
的美的东西，美人，美景，美的设计，研究的多了，看得多了，对时下的审美就有更好地理解了，也就提高了审美标准了！
多多观察注意生活中的美好物象和漂亮的画面，脑子里不断储存美的艺术形象和美术概念，才能提高审美的观念。
文化建筑环境艺术设计的审美研究论文
［摘要］ 文化建筑在环境艺术设计中既要强调建筑结构、功能的需要，还要突出对建筑美学的满足，为“人”设计出舒适、合理、美观的建筑环境。建筑审美是现代经济发展环境下对文化建筑环境艺术设计的基本要求，也突出了城市化进程中文化建筑的艺术价值。为此，基于审美理念视角下来探讨文化建筑的环境艺术设计，为实现建筑环境、审美视野的表达提供理论参考。
［关键词］ 文化建筑;环境艺术;审美心理
社会的发展推动了文化建筑的快速发展，各类图书馆、文化馆、展览馆、美术馆、剧院等文化建筑数量与规模也获得了飞速增长。在文化建筑自身结构与功能设计上，如何从环境艺术设计上增强文化建筑的艺术价值，需要从关注人的审美艺术需求来探讨文化建筑的艺术性表现。
1文化建筑与环境艺术设计的关系
文化建筑具有广泛性，以满足人们参与、游嘻的综合性场所。如展览厅、博物院、音乐厅、游乐园等。当然，也包括过去的历史遗迹，如一些传统学府建筑等。环境艺术设计是基于环境要素，从建筑的内部结构、使用功能上，融入环境学、艺术学理念，突出建筑环境的舒适性、美观性。文化建筑的基本功能在于满足文化教育，而环境艺术设计是发挥文化教育功能的基础。坚持以“人”为本，强调对人的实际需求的满足，实现建筑内部结构、外部环境、建筑内部、外部环境的有序性、和谐性。作为一种泛称，文化建筑在环境艺术设计中，如何从艺术审美心理上来增强建筑的文化魅力，必然需要立足文化建筑的基本载体，从环境艺术设计思路与手法上，强调不同的设计理念。如对于传统封建王朝的建筑，设计师往往通过相对独立的组墙来划分统治者与平民的领土。当然，随着社会经济文化的发展，对于文化建筑的环境艺术设计，不同建筑设计师也更加强调艺术审美与文化价值。文化建筑本身作为一个建筑综合体，其建筑内部结构、使用功能的设定，必然要与周边的自然环境、社会、文化环境相关联，而体现在美学理论中，即是建筑的`直观美学与客观美学价值。
2审美心理下文化建筑的环境艺术设计
2．1环境艺术设计中的审美创造
从审美学视角来探讨环境艺术设计，其根本在于通过环境要素的艺术化处理，使其能够满足人的审美需求。文化建筑本身是为了营造公共的审美空间，而艺术设计是基于人的审美规律、人的需求来布置的环境空间结构。马克思提出“劳动”是灵活的、而并非机械的、“死”的劳动，是基于有目的的、合规律的创造性劳动。所以，对于文化建筑的环境艺术设计，本身就是在创造审美的过程，表现为对美的追求与创造。恩格斯在《自然辩证法》中也强调“越是复杂、高级的生产劳动，越需要进行周密的艺术设计，来体现审美创造的意义”，文化建筑的环境艺术审美创造，其本身在于对美的呈现与实践，创新作为艺术设计的生命，也需要从环境艺术的公众性、流行性上，融入时代性审美爱好与审美思想，并为受众所接受。当然，在环境艺术设计中还需要倡导独创性、前瞻性，要基于社会公众对艺术审美的发展趋向，来推陈出新。如意大利设计师李斯特在设计椅子时，并非仅限于对椅子的设计，而是在设计一种坐的方式。可见，对于环境艺术设计本身的审美创造，包括对人的生活方式及其他活动的满足，更是体现艺术设计社会性的基本内容。
2．2环境艺术设计中的审美欣赏
从审美心理上来审视环境艺术设计，其本身不仅要突出艺术设计的内涵，还要体现审美心理的满足。审美欣赏是基于受众的心理体验和感知所获得的一种审美愉悦和享受。同样，在建筑环境艺术设计中融入审美欣赏，需要从建筑的设计结构、功能表现、色彩、造型等方面，来满足受众的审美爱好，增强建筑环境的审美意义。对于文化建筑中的环境艺术审美欣赏，其意义在于对文化建筑艺术形式的表达。任何文化建筑，其本身在满足使用价值的同时，通过技术手法来营造独特的审美欣赏环境，来激发人的情感愉悦，从而获得合理的、悦目的精神满足。如文化建筑外形结构美、文化建筑的内部装饰美等。
3以首都博物馆为例探析环境艺术设计与审美心理
3．1从博物馆环境艺术设计中来满足公众的审美需求
文化建筑具有自身的文化特色，从建筑环境设计上，一方面来体现文化建筑的思想性、艺术性情感;另一方面从建筑环境设计本身来传达特定的精神价值和艺术风格。如建筑结构对生活现实的贴近，建筑环境对公众情感的服务等。建筑设计师作为文化建筑的导向者，其思想与审美感受往往对建筑主题的设计影响较大，特别是在激发人与环境的协同关系上，要通过建筑环境艺术氛围的搭建来强化文化建筑所承载的独特艺术审美体验。首都博物馆作为我国优秀文化遗产的保存场馆，其所陈列的文物独具文化价值。在进行文物陈设、布置与分类管理上，按照时间、类别、内容、主题等不同进行合理划分，并结合文物自身特性来优化博物馆的内部结构，既突出了对文物的保护与收藏，又能够从博物馆环境艺术营造上，考虑到对受众内心审美的诉求。
3．2博物馆环境艺术设计中的设计思维变化
对于文化建筑环境艺术设计思维的探讨，过去的设计理念倾向于对服务功能的突出，并适度融入审美文化来增强文化建筑的艺术内涵。如通过导入一些艺术符号，借助环境艺术设计要素来提升文化建筑的审美意象。但对于文化建筑自身所蕴涵的文化要素很多，环境艺术设计无法从中反映和呈现，受众也无法从抽象的艺术符号中来感知文化建筑的设计思维。因此，迫切需要从现代设计理念与审美意蕴的融合上，突出服务性、自我性，以完成文化建筑环境艺术意蕴的增强。首都博物馆主展厅设计宽敞明亮，各陈列物品依照建筑格局进行整齐排列，表现出室内文物与室内环境的浑然一体，也增强了博物馆自身历史文化的浓重气息。
3．3博物馆环境艺术设计中对审美视野的传达
环境艺术设计与文化建筑审美理念的融合并非单纯的依靠设计来表现丰富的思想内涵，而是从提升文化建筑的服务价值、设计价值上，来充实和丰富文化建筑的审美视野的延伸，扩充文化建筑的审美意蕴传达效果。
4结语
在塑造和培养审美习惯中，设计师需要从民族文化中挖掘感官意识，丰富人文导向。同样，在文化建筑环境艺术设计中，通过主客体建筑元素的融合，从物质性、艺术性上创造审美文化，增强文物与建筑结构之间的关联性，满足观赏者在观赏过程中体味和感受博物馆空间环境的多样性，消除审美疲劳。
参考文献:
［1］陈英桦．以审美角度浅析文化建筑的环境艺术设计［J］．设计艺术研究，2011，(3)．
［2］张雅舒．审美心理与我国文化建筑环境艺术设计的关系［J］．济南职业学院学报，2015，(4).