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民族价值苗鼓是湘西苗族的圣物，自古以来，苗族鼓舞的表演包涵了苗族人民的信仰和民族精神，保护苗族鼓舞这一艺术形式，对提高苗族人民的思想文化素质，构建和谐，培养苗族人民勇于创造，顽强拼博的精神将起到一定的促进作用。艺术价值历史上苗族鼓舞产生在苗族的祭祀活动中，常与傩歌、傩戏交替表演或联合表演。更深入地对苗族鼓舞进行发掘、抢救，对中国舞蹈、中国音乐、中国傩文化的深层次研究将起到不可低估的作用。对外价值新中国成立以来，党和政府十分重视苗族鼓舞这种深受苗族人民喜爱的民族舞蹈艺术，多次派出舞蹈专业工作者深入苗寨村落，搜集、整理、传承、保护苗族鼓舞的舞蹈素材及表演艺术。1953年，凤凰县落潮井苗族艺人麻管送、麻顺太赴北京参加全国第一届民族民间音乐舞蹈汇演，表演了精湛的苗族花鼓并获奖。1955年，古丈县苗族女青年龙彩莲被选拔为中国青年代表团成员，参加了在波兰举行的第五界世界青年联欢节，表演了苗族女子单人鼓舞并获得好评。此外，苗族第一代（新中国成立以后）女鼓王龙大姐，被原中南民族学院聘为客座教授，专门传授苗族鼓舞。1991年，第二代鼓王龙菊兰赴新加坡参加国际民间艺术节，表演苗族鼓舞获得极大成功。 湘西的苗鼓有庆年、庆神两种，随着苗族人民审美情趣和鼓乐承传的变化，一般在农历四月八、每年春节前后、赶秋、椎牛、丰收喜庆、婚嫁、迎宾客等重大活动里，他们都以鼓乐相迎，以鼓乐作为抒发自已情感的特殊方式。苗鼓溯源，笔者赞同苗族学者石启贵的观点，石启贵在《湘西苗族实地调查报告》中论述：苗人在环境上，苦于种族、政治、经济之压迫，无以进展，故文化知识较落人后，而所居之地，又在荒山峡谷之间，出作入息，少与汉人接近，坐井观天，孤陋寡闻。若不寻求一种娱乐，则不足以资人生乐趣、提高思想、活跃精神、促进健康，而有裨益于人身者，仅鼓乐一项。此时，苗鼓的社会功利作用得以充分体现。
苗族鼓舞是苗族人民最有特色的艺术形式，其历史悠久，在湘西苗区代代相传。湘西苗族鼓舞的形式独特、种类繁多，包含有“花鼓舞”、“踩鼓舞”、“团圆鼓舞”等，湘西苗鼓的艺术风格十分独特。在表演上，因表演者的表达情绪不同，分打鼓、踩鼓、嗲鼓等。此外根据鼓声传递的内容，还可以展现出多种多样的舞蹈姿态。如表现生产劳动的动作有:梨田、耙田、插秧、割谷、打谷，还有纺纱、牵纱、织布、砍树、锯料、扯炉、打铁等。表现生活方面的动作有洗脸、美女梳头。模仿动物的动作有: 大鹏展翅、水牛擦背、鸡公啄米、黄牛摆尾、猴子摘桃等。这些动作在代代相传中逐步形成了苗族鼓舞基本舞蹈的动作及特点。苗族鼓舞表演形式的多样化。一般根据其表演人数不同，可分为双人花鼓舞、男子徒手鼓舞、女子双人鼓舞、女子单人鼓舞、四人跳鼓舞、团圆鼓舞、多人鼓舞、盾牌鼓舞等。 “双人花鼓舞”，即架一面大鼓横于木架上，两女各打鼓的一边，同时起舞。凤凰县就有这样的风俗：新郎在春节时去岳父家拜年，岳父家门口设有一面大鼓，新郎和新娘进门之前必须合跳一次花鼓舞，于是就逐渐形成了一男一女的双人花鼓舞。猴儿鼓舞是苗族鼓舞中较原始的一种舞蹈形式，后来的单人鼓舞、双人鼓舞或多人鼓舞都是在它的基础上发展起来的。猴儿鼓舞即是一种以摹拟猴子动作为主，围绕苗鼓而舞的鼓舞形式。它属于单、双人鼓舞的范畴，舞蹈除摹拟生产劳动以外，还要随着鼓点摹拟表演猴子摘桃、抓痒挠腮、戏鼓等动作，样子滑稽、诙谐风趣。其中夹杂着很多高难技巧 ，舞姿非常轻盈敏捷，情绪激昂。此舞既可化妆成猴相表演，也可摹拟猴儿状表演，都非常的引人入胜。女子单人鼓舞是苗族女性们最熟悉的一种舞蹈。表演时将一面大鼓斜放在鼓架上面，选出一妇女两手拿鼓棒一根，由另一个敲边进行伴奏，或敲包包锣与大锣进行伴奏。舞蹈者根据敲边的节奏，打鼓起舞。主要舞蹈动作有梳头、照镜、纺棉花、织布、插秧等等。男子单人鼓舞主要是由一人敲边伴奏，另一人击鼓表演。动作粗犷有力，节奏紧奏鲜明。打法有两种：一是拿鼓棒打鼓，另一种是赤手握拳打鼓。这种鼓舞的动作最多，有穿裆、转身、翻身、扯须、挖土、播秧、割谷、打谷、推磨、上山、下山等等。团圆鼓舞是流传在古丈县一种较古老的集体歌舞。起舞前，选一人在坪中央打鼓，众人随其节奏舞蹈，鼓停舞不停。因参加人数太多，只从其中选出几个代表性的人来，每唱完一段山歌，群喊“阿荷”，气氛异常热烈，然后又继续打鼓跳舞。主要动作有大摆、小摆、细摆三套。男的多跳大摆，女的跳小摆和细摆。团圆鼓舞的特点是节奏鲜明，动作以腰和肩的摆为主，快速时加以手的摆动。湘西苗族鼓舞艺术经过长期的发展，已经成为一种典型而独具特色的民间艺术形式，有着很深的艺术底蕴和实用价值。它与苗族人民的生活息息相关，直接反映了苗族人民热情质朴，勤劳勇敢，团结同心而富于理想、热爱生活的性格特征。它以其独特、多样的表现形式、丰富的文化内涵和强大的社会功能，展现出独特的艺术个性，成为民族艺术的一支奇葩。
苗族民间舞蹈鼓舞的表演形式分为哪些种类呢，大家想知道的话就赶紧来看看吧！
苗族鼓舞的表演形式，丰富多样，根据跳舞的人数可以分为单人、双人、群体鼓舞三类;还可以根据鼓舞的表演形式分为猴儿鼓、对跳鼓、四面鼓、团圆鼓等四类，花样繁多的表演形式，应对着不同的节庆氛围，精彩纷呈。
单人鼓舞
在苗族区域的单人鼓舞包括男子单人鼓舞和女子单人鼓舞。男子单人
鼓舞一般是男女敲边伴奏，一男子击鼓起舞，手挥步动、粗犷豪放、节奏干脆、激烈有力，苗族人民常用来庆贺节日和丰收。此舞有两种打法，一种是表演者手执鼓槌击鼓;另一种是表演者双手握拳击鼓起舞，又叫徒手鼓舞。女子单人鼓舞是苗区最常见的一种表演形式，一般在春节及各种其它节日中表演。伴奏者执槌敲边或敲锣伴奏，舞蹈者手拿鼓棒独舞，有时也有人在旁边伴舞。其舞步疾徐有次、双脚轮梭、绞踏清晰，上身亦随肢步而动、腰拧胯动，舞蹈或大方活泼或平稳文雅或奔放开朗等。
双人鼓舞
双人鼓舞可分为男子双人鼓舞和女子双人鼓舞。此两种鼓舞的形式相同，但风格有很大的区别，男的粗犷有力，女的妩媚柔美。双人鼓舞的表演形式自由，舞者可各打一边，也可同打一边，也可一人击鼓一人伴舞，动作左右移动、前后交替，配合协调统一，常在庆丰收和节日表演。
群体鼓舞
苗族将群体鼓舞称为花鼓，因为参加表演的人多。花鼓舞除四人舞、八人舞和男女混合舞等。在民间还有“团圆鼓舞”、“跳年鼓舞”、“调年鼓舞”之俗称。舞者一面击鼓、一面舞蹈。击鼓有手击、槌击两种方式。槌击舞有“美女梳头”、“穿衣整容”、“烧菜煮饭”、“挑花绣朵”、“霸王举鼎”、“古树盘根”、“美女插花”、“英雄背剑”、“挖耳”、“鸟飞”等20多
种舞法;手击舞有“狮子滚球”、“猛虎下山”、“雄鹰展翅”、“鹭鸶伸腿”、“收割打谷”、“锄荷担”、“花朝天开”、“鸡食米”等8种。花鼓有两面鼓、四面鼓之分;花鼓舞以花样繁多取胜。凤凰花鼓，是流行在凤凰县境内的鼓舞，此舞多在各种节日中表演，形式与双人鼓舞类似，即由两人手拿鼓槌，各站一头同时起舞，伴奏者则站在鼓腰击边伴奏。表演者性别不限，可以任意组合。在凤凰县还有一种鼓舞习俗叫“卡罗”，新春时，新郎必须带新娘到岳父家拜年。寨门口就设有卡子，即“卡罗”。进门前，新郎和新娘除对歌以外，还须一起跳一段鼓舞，方能进门，就形成了这种独有的双人鼓舞。此舞要求两人的动作对称，方向一致，风格开朗、愉悦，节奏稳重饱满。
猴儿鼓舞
猴儿鼓舞即是一种以摹似猴子动作为主，围绕苗鼓而舞的鼓舞形式。它别于单、双人鼓舞的`范畴，舞蹈除摹似生产劳动以外，还要随着鼓点摹拟表演猴子摘桃、抓痒挠腮、戏鼓等动作，样子滑稽、诙谐风趣。其中夹杂着很多高难技艺，舞姿轻盈敏捷，情绪激扬。此舞既可身穿服猴帽，化妆成猴相表演，也可身着便装，摹拟猴儿状表演。
对跳鼓
对跳鼓又称对鼓，是由两鼓手各站鼓的一头进行相同的对称套路动作的跳鼓表演，此种打法多用于赛鼓或“拦鼓”。表演时本家族的打一头，亲友们打另一头;或本寨的打一头，其他寨的打另一头;或甲方打乙方陪，或乙方打甲方陪。要求甲乙双方动作一致，统一对称和谐。如甲打乙陪，甲方打出什么套路动作，乙方必须跟着打出什么样套路动作;第一局结束后立即进行第二局，即乙打甲陪，乙方打出什么套路动作，甲主又必须跟出什么套路动作。对打双方，倘若其中一方陪打不当便为输，另一方则为胜。因此，对鼓即成为赛鼓式。要求鼓手既精通套路、熟练技术，又必须灵活机智，在传统的隆重聚会的赛鼓中，当棋逢对手之时，一打就是整天或整夜，“通宵达旦”而不肯罢休。
四面鼓舞
此舞流行于吉首市，是一种较特殊的鼓舞形式，它所用的鼓是四面鼓。表演者一般为两男两女，交错分开而立，各人面对各自鼓面起舞。内容一般是反映劳作动作和愉悦心情的，男子打鼓时女的陪衬，反之女的打鼓则男的陪衬，然后，四人穿插绕花舞蹈，动作一致、对称，直接反映出苗族人民的喜悦心情。
团圆鼓舞
团圆鼓舞是一种特殊的集体歌舞形式，其特点是将一面大鼓平置于鼓架上，选一人击鼓，众人和着鼓点，围着大鼓起舞，人数越多越好，其动作分大摆、小摆和细摆三种，男的一般跳大摆，站一内圈，女的一般跳小摆和细摆，站在外圈，边跳边唱并夹杂“啊嗬--”的号子声，还可边跳边交换内外圈，直接反映了人们的愉悦心情。此舞节奏明显，鼓点可任意反复，动作随鼓点而反复。以腰和手摆为主要动律，有别于其他鼓舞的特征，鼓点明显不同于其他形式的鼓舞。
出品 | 创业最前线
作者 | 李老师
在过去的一年多时间里，新国货消费品成为一股风潮。在彩妆品类上，一系列主打中国风的美妆品牌不断涌现。但在品牌众多竞争激烈的彩妆领域，多数产品标签化、缺乏创新的国货彩妆品牌逐渐被淘汰，真正拥有优秀产品力的品牌脱颖而出。
在消费品市场中，产品的口碑意味着一切。而当下的美妆领域，以“东方彩妆，以花养妆”为品牌理念的花西子已悄然崛起。
花西子成功的背后不仅是强大的产品力，其对传统文化的深刻理解也诠释了国货美妆的内涵。
在以往消费者的印象中，彩妆 时尚 与传统文化的元素相差甚远，二者的特性难以得到有效的融合。 传统文化如何与现代的 时尚 文化巧妙结合，是国货彩妆品牌面临的一个难题。
而这个难题的答案，在花西子的品牌中得以诠释。花西子品牌诞生于2017年3月8日，花西子中的“花”，是指“以花养妆”，“西子”二字，则取自苏东坡诗句“欲把西湖比西子，淡妆浓抹总相宜”。
在花西子推出的产品中，传统文化的身影无处不在。以花西子推出的“雕花口红”为例，这款口红与其他仅在外部包装下功夫的口红产品不同，将微雕工艺搬到了口红膏体上。 目前这款口红月销超过10万件，并且保持天猫分高分好评。
这款口红优异的市场表现也证明了，传统文化与 时尚 结合并不是死胡同，只是需要巧妙的创意。
在花西子的产品阵容里，雕花口红不是个例。 自创立以来，花西子已推出数十款复刻东方传统工艺的彩妆产品。而这一次，花西子又依靠其特有的创意，推出了与苗族非遗文化相融合的苗族印象高定系列产品。
据了解，苗族印象高定系列灵感取自于少数名族苗族的苗银工艺。苗族银饰，长久以来是苗族地区的重要首饰品和婚嫁用品。对于苗族人民而言，苗银就是其在 历史 长河中保留下来的“ 时尚 ”元素，具有独特的东方美。
然而，属于非遗文化的苗族银饰手工艺正处在消失的边缘，其所承载的独特东方韵味也逐渐被遗忘。
出于对传统文化传承的使命感和对“东方美”的坚守，花西子深入苗寨，探寻苗族银饰艺术，以苗族元素作为设计灵感，将苗银技艺与现代技术结合，打造了苗族印象高级定制系列产品。
在最终呈现的苗族印象系列产品中，这种独特的东方美也以新的面貌出现。 在苗族印象系列产品中，花西子将錾刻工艺与东方微雕技术结合，在产品上复刻苗族制银工艺。此外，花西子也将苗族文化中，古老神秘的图腾“蝴蝶妈妈”与花草元素刻入产品之中。
当消费者在使用苗族印象系列产品时，其独特的图腾标签和文化内涵也将让消费者眼前一新。
“苗族印象”高定礼盒，取形东方妆奁，融入苗族风情，以苗族姑娘裙摆为礼盒纹样灵感，以苗银挂坠、蜡染、苗绣为礼盒元素点缀，采用优质皮革材质制作；空气蜜粉“苗族印象”高定版，采用全新私模造型设计，取荷叶凝露之形，将苗族银饰的韵味诠释。
但让传统文化在美妆领域焕发新生绝非易事，据悉，在研发苗族印象系列产品的过程中，花西子几经波折。 它的问世，历时两年之久。中间经历了无数的配方调整，以及研究员内测、外测、体验官外测和化妆学院测评等上千次的测评之后，产品最终才得以上市。
在非遗技艺面临传承挑战的当下，选择挖掘非遗文化打造产品是非常聪明的做法。在传播非遗文化的同时，传统文化也赋予了花西子产品及品牌文化更深的内涵。通过与传统文化的结合，也让花西子在产品创意上有了出人意料的优势。这一点对于追求个性化的年轻消费者而言，无疑是具有强大吸引力的。
而在这样的赋传统以 时尚 的过程中，也使得花西子“东方美学”的品牌符号深入人心。
与传统文化元素相结合的做法并不是花西子所特有，但滥用传统文化元素及缺乏对传统文化的敬畏之心，让很多国货美妆品牌走向平庸。
在当下的国货美妆领域，产品设计同质化、概念标签化的现象依旧普遍。国货概念新鲜感消逝后，消费者对国货美妆产品的期待日渐高涨，如何让消费者接受国货美妆是国货美妆不可逃避的问题。而弘扬东方美，对于任何一个国产品牌来说，都是职责所在。
然而，这个难题并非无法解决。在解读传统文化时，花西子也着重挖掘传统元素中的“东方美”，并以独到的见解将“东方美”融入到产品的设计过程中。
以花西子的爆款产品之一空气蜜粉为例，该产品沿用唐朝太平公主专研养颜方——桃花红肤膏。在沿用古法的同时，花西子依托先进的研磨工艺，将蜜粉的颗粒细化至普通化妆品的3倍。这个工艺在继承传统养颜配方的同时，也用先进的生产技术让古老的配方焕发新生。
苗族印象高级定制系列为代表的东方文化产品，已经不是花西子的第一次尝试，作为一个诞生于2017年的东方彩妆品牌，花西子以传承东方文化、复刻东方传统工艺为使命，推出了一件件颇具创新的产品。这些产品在比肩国际大牌的同时，又以独特的文化理念拔群。
拥有好的创意足以打造一款爆品，但这不是花西子的全部追求。
在竞争日趋激烈的美妆领域，产品好看无法支撑一个品牌长远的存续。花西子在保持创意的基础上，也在产品品质上下了很多工夫。在产品制作的过程中，花西子坚持工匠精神，一遍遍打磨产品，做好每一个细节，甚至付出十倍百倍的精力研发一款产品。
比如一个控油的功效，产品经理就需要寻找几十种不同的控油成分，并在内部针对每种不同成分进行一一测试，最后找到同时兼顾控油能力且不拔干的成分，使产品实现优质的功效及舒适的肤感。
凭借着对传统文化传承的责任心、对传统文化元素的独特理解及产品品质的高要求，花西子得以在一众国货美妆品牌中脱颖而出。而花西子产品在海内外市场的火爆表现，也足以说明花西子已逐渐成为一个不可忽视的美妆品牌及国货美妆的代表。
过去多年以来，美妆领域的话语权都掌握在国际大牌手中，但情况正在发生变化。
随着90后00后年轻群体声量的壮大，消费者对审美及文化的追求逐渐多元化，主流的西方审美不再通吃。在民族自信与文化自信不断修复的过程中，消费者对于本土文化的渴求也比以往更加强烈。在这样的背景下，能够引起消费者的民族 情感 共鸣且维持良好口碑的国货品牌逐渐崛起。
依托“东方彩妆，以花养妆”的品牌理念，花西子走出了属于国货彩妆的独特路线。
纵观花西子的成名之旅，不难发现其营销路径正是锚定Z世代中，具有个性化追求的年轻女性群体，传承至中国传统文化的“以花养颜”古法，用东方魅力雕刻 时尚 属性，文化内涵与精致产品的双重魅力，实现了更多元受众的捕捉。
花西子对于产品的坚定付出，也获得了国内年轻消费者的认可。在产品及品牌的传播中，花西子也将自身的经验理念及品牌坚持传达给消费者，并以独特的产品理解向消费者诠释了国货彩妆应该是什么样子。
在征服国内消费者的同时，花西子也走出国门。 此前的2019年，花西子的西湖礼盒系列产品就曾在日本推特上引发热议。花西子的包装和质感让国际友人感受到国货美妆的魅力与中华文化的独特内涵， 部分日本网友甚至表示“愿意为了买花西子去一次中国”。
花西子在海外的爆红，印证了国货品牌崛起的一条道路—— 具有本土特色及深刻文化内涵的品牌，可以帮助民族文化的宣扬，也可以为文化自信添砖加瓦。 而花西子在国内市场的优异表现，也证明了花西子所选择的“赋传统以 时尚 ”国货彩妆品牌路线的正确性。
在内容营销时代，花西子通过对消费者需求的细致解读、传统文化的再创新及对品质的执着，为国货美妆 探索 了新的出路。而所有的这些坚持和努力，也体现了花西子品牌“扬东方之美，铸百年国妆”的品牌愿景。
苗族酒文化论文
苗族同胞能歌善舞，无酒歌三日，有酒必有歌。那么，苗族酒文化如何进一步传承呢？
一、合江五通石顶山苗族酒的类别
石顶山又名“石鼎山”，因山顶有一巨石似钟鼎而得名，石顶山，山高谷深，常年气温较低，冬季寒冷，是合江苗族的集居区。
因特殊的地理环境和气候因素，生活在这里的苗族同胞通过饮酒促进身体发热从而御寒、舒经活血、焕发精神。
此外，由于苗族同胞热情好客的性格，酒也就成了他们过节、喜日祝贺、好友相聚、欢庆丰收等必不可少的助兴饮品。
合江五通苗族饮酒几乎全是自酿自饮，家家户户都能酿制各种酒，如“米酒”、“玉米酒”、“高粱酒”、“红苕酒”等。
“米酒”，也就是用糯米发酵而成的原汁水酒，含糖量高，酒精浓度低，不易醉人，喜爱饮者会觉得香甜可口，是苗族同胞解除疲劳、清心提神的最佳饮料，他们常常将米酒作为用餐时的一种饮料，除小孩外，喝上几碗也不会醉倒。
这种米酒，除了自家饮用外，苗族同胞在家有来客时以酒招待客人，以表示欢迎之情。
除“米酒”外，苗族同胞在生产实践中，探索和掌握了用多种原料酿制酒的技术，主要用粮食生产的酒包括“高粱酒”、“玉米酒”、“红苕酒”等。
二、合江五通石顶山苗族酒具的使用
酒是一种特殊的液体，当苗族同胞有了液体的酒，为了要饮用它，就必须有一种载体、容器用来饮酒。
由于苗族同胞酿酒和饮酒历史悠久，饮酒器具纷繁复杂，形成了一部白酒器具历史，展现着丰富多彩的酒文化。
受生产力水平的限制，在不同的历史时期所采用的酒具具有明显的时代特色。
因此，在历史的早期苗族同胞在盛酒时主要用牛羊角制品、木制品、陶制品、竹编制品以及葫芦制品等，而在饮酒时器具有牛角、羊角、陶坛、陶罐、竹筒、竹制过滤酒槽、木碗、葫芦、土烧料杯等。
随着社会的发展，苗族同胞采用的酒具也与时俱进，开始采用如玻璃杯之类现代文明特色的酒具。
三、合江五通石顶山苗族饮酒的各种称谓
苗族同胞喜爱饮酒，在不同的节日、场合有着不同的称呼。
如“拦路酒”、“进门酒”、“嫁别酒”、“迎客酒”、“送客酒”、“双杯酒”、“交杯酒”、“上山酒”、“发丧酒”、“叫人酒”、“交生酒”、正堂酒”、“清明酒”、“月半酒”、“年饭酒”、“引客酒”、“恭维酒”、“交礼酒”、“媒人脱离酒”、“夫妻和睦酒”、“灯杆酒”、“卷门酒”等等。
而其中的.“拦路酒”最具特色，是苗族酒文化的重要组成部分，是苗族欢迎贵宾的隆重仪式。
每当远方的亲朋好友到访，即安排盛装苗族男女到村头寨口、设卡列队、夹道欢迎，吹苼击鼓、载歌载舞、坛装美酒、牛角为杯，拦路劝酒，体现苗族同胞热情与好客。
四、合江五通石顶山苗族酒礼苗族同胞的生活离不开酒
在生活中，他们用美酒盛情款待远方来的客人，把客人作为亲朋好友来看待，是苗族同胞至情至义的本性体现，就成了一种表达感情的手段，相应的也有很多的酒礼。
(一)拦路酒礼
苗族同胞秉性豪爽，热情好客，酒在他们的心目中是接待亲朋的佳品。
若有贵客进寨，苗族同胞则伴随着芦笙舞曲分排站于路旁，按苗家礼俗喝“拦路酒”。
不过不善饮酒的客人也不必担心，对于进寨的客人饮酒的数量并无明确规定，随着时代的发展，苗族同胞待客的习俗也开始渐渐的发生着变化，进寨的客人愿意喝多少酒就喝多少，若客人能一饮而尽当然最好。
若不能，主人虽然好客，但绝不会强人所难，这并不会影响主客之间的感情。
对于不能喝酒的客人，当热情的苗族同胞递上“拦路酒”时也须意向性喝一点，不可置之不理，否则苗族同胞会误以为客人瞧不起他们。
因为对于主人来说，即使遇到客人不喝酒，也要多少倒点酒敬客人以表示对客人的尊敬。
(二)交际饮酒礼
俗酒礼即饮酒的礼节，使饮酒成为一种庄重的活动、一种仪式，这种礼节使饮酒成为文明进程或文化氛围的一部分。
我国古代在酒宴饮酒上，主人要向客人敬酒叫酬，客人要回敬主人叫酢，敬酒时还有说上几句敬酒辞。
客人之间相互也可敬酒叫旅酬。
有时还要依次向人敬酒叫行酒。
敬酒时，敬酒的人和被敬酒的人都要“避席”，也就是起立。
普通敬酒以三杯为度。
而苗族同胞在历史长河的发展中，这样的酒礼部分沿袭了下来，同时也有了些变化。
在宴席过程中，苗族同胞的敬酒方式也颇为特别。
宴席之前先敬酒然后再吃饭，客人离开还要请客人喝一杯。
座位要安排长辈或领导坐上方，敬酒先敬长辈、领导或客人，客人接受敬酒时只能“动口不动手”，客人回敬没有特殊的规矩;但是，在此过程中其他族同胞不能称呼苗族同胞为“苗子”。
(三)婚嫁丧葬酒礼
婚嫁是人生中的喜事、大事，当然要以酒助兴，表情达意。
于是苗族同胞民间便生出许多土色土香的酒俗来。
在合江五通石顶山这个充满灵气的地方，苗族同胞的婚嫁酒礼包括“交礼酒”、“媒人脱离酒”、“转转酒”、“夫妻和睦酒”等。
与婚嫁的喜气洋洋截然不同，丧葬是凄凄凉凉的，所以前者叫红事，后者称为白事。
丧葬虽为白事，但它同样离不开酒，在苗族同胞间流传着一些丧葬时的酒俗，成为我国丰富多彩的酒文化中的重要组成部分。
丧葬酒俗名目繁多，主要的包括“进门酒”、“请魂酒”、“上山酒”、“发丧酒”、“叫人酒”、“交生酒”、“正堂酒”、“叫饭酒”等。
五、合江五通石顶山苗族酒歌
苗族同胞能歌善舞，无酒歌三日，有酒必有歌。
那抑扬顿挫的“酒歌”和高亢嘹亮、豪迈奔放的“飞歌”以及婉转柔和的芦笙曲调、欢快奔放的舞蹈，都反映苗族同胞热情好客的本性和坚韧不屈的民族精神，苗族宴饮和敬酒时都有唱歌的习惯。
唱酒歌有两种形式。
一种是双方对唱，一唱一搭，谁唱输了谁就喝酒。
另一种是敬酒人在敬酒时先唱一段歌，表示祝福和赞颂，唱给谁，谁就喝酒。
婚嫁时，所唱酒歌，最有特色，并且在各苗族地区往往形成一套传统的唱腔和歌词。
在五通石顶山这个地方，苗族同胞所唱的敬酒歌包括《欢迎歌》、《赞美歌》、《留客歌》《割草歌》、《除草歌》、《放牛歌》、《求爱歌》等。
但因演唱时所用的民族语言的特殊性，除了能懂语言的人能明白其意思外，其他人则只能通过其动作、神态、表情去了解、感受其中的深意。
此外，与酒有关的歌曲还包括《情歌》、《圏门酒歌》、立灯杆和倒灯杆时所唱的歌曲等。
但遗憾的是这些歌曲有些有歌名但无歌词记载，还有些既无歌名也无歌词记录，只能通过族人之间口口相传的方式流传下来。
这无疑不利于苗族酒文化的传承与发展，亟待相关部门采取相应的措施予以保护。
苗族同胞的生活离不开酒，他们的酒文化已经渗透到生活的每一个角落。
苗族同胞热情的性格以及淳朴的民风正如他们的酒一样甘冽而醇美。
然而，合江五通苗族酒文化流传至今已发生了一些变化，苗族酒文化受外来文化的影响逐渐呈现出民族性与包容性并存的特点。
这需要采取相应的措施对健康、积极的苗族酒文化予以保护、传承和发展。
就以个人经验做个总结。仅供各位参考，希望能帮的上大家。开题报告主要包括以下几个方面：（一）论文名称论文名称就是课题的名字第一，名称要准确、规范。准确就是论文的名称要把论文研究的问题是什么，研究的对象是什么交待清楚，论文的名称一定要和研究的内容相一致，不能太大，也不能太小，要准确地把你研究的对象、问题概括出来。第二，名称要简洁，不能太长。不管是论文或者课题，名称都不能太长，能不要的字就尽量不要，一般不要超过20个字。（二） 论文研究的目的、意义研究的目的、意义也就是为什么要研究、研究它有什么价值。这一般可以先从现实需要方面去论述，指出现实当中存在这个问题，需要去研究，去解决，本论文的研究有什么实际作用，然后，再写论文的理论和学术价值。这些都要写得具体一点，有针对性一点，不能漫无边际地空喊口号。主要内容包括：⑴ 研究的有关背景(课题的提出)： 即根据什么、受什么启发而搞这项研究。 ⑵ 通过分析本地（校） 的教育教学实际，指出为什么要研究该课题，研究的价值，要解决的问题。（三） 本论文国内外研究的历史和现状（文献综述）。规范些应该有，如果是小课题可以省略。一般包括：掌握其研究的广度、深度、已取得的成果；寻找有待进一步研究的问题，从而确定本课题研究的平台(起点)、研究的特色或突破点。（四）论文研究的指导思想指导思想就是在宏观上应坚持什么方向，符合什么要求等，这个方向或要求可以是哲学、政治理论，也可以是政府的教育发展规划，也可以是有关研究问题的指导性意见等。（五） 论文写作的目标论文写作的目标也就是课题最后要达到的具体目的,要解决哪些具体问题，也就是本论文研究要达到的预定目标：即本论文写作的目标定位，确定目标时要紧扣课题,用词要准确、精练、明了。常见存在问题是：不写研究目标；目标扣题不紧；目标用词不准确； 目标定得过高, 对预定的目标没有进行研究或无法进行研究。确定论文写作目标时，一方面要考虑课题本身的要求，另一方面要考率实际的工作条件与工作水平。（六）论文的基本内容研究内容要更具体、明确。并且一个目标可能要通过几方面的研究内容来实现，他们不一定是一一对应的关系。大家在确定研究内容的时候，往往考虑的不是很具体，写出来的研究内容特别笼统、模糊，把写作的目的、意义当作研究内容。基本内容一般包括：⑴对论文名称的界说。应尽可能明确三点：研究的对象、研究的问题、研究的方法。⑵本论文写作有关的理论、名词、术语、概念的界说。（七）论文写作的方法具体的写作方法可从下面选定： 观察法、调查法、实验法、经验总结法、 个案法、比较研究法、文献资料法等。（八）论文写作的步骤论文写作的步骤，也就是论文写作在时间和顺序上的安排。论文写作的步骤要充分考虑研究内容的相互关系和难易程度，一般情况下，都是从基础问题开始，分阶段进行，每个阶段从什么时间开始，至什么时间结束都要有规定。课题研究的主要步骤和时间安排包括：整个研究拟分为哪几个阶段；各阶段的起止时间。差不多就这些，一回生二回熟，写一遍就知道怎么回事了。好累。。。我的胳膊。
在近日举行的北京大运河文化节中，国货美妆品牌花西子将苗银非遗技艺融入到美妆产品中，吸引了央视新闻在内的多家媒体报道。
作为一个主打“东方美学”的彩妆品牌，花西子一直在 探索 民族文化与商业的融合，借产品让 历史 深处的非遗文化走进大众视野。除了走进央视，更是点亮了纽约、日本、泰国等 时尚 巨幕，在国际舞台上崭露头角。
在高曝光的加持下，花西子在双11节日中也取得了不错的战绩。天猫旗舰店销售额达5亿元，在天猫美妆类目整体排名第2，是去年同期的259%。
更值得一提的是，花西子位居国货美妆出海榜第一，共有100+国家和地区的消费者购买了花西子彩妆产品，总成交额达1400万，较去年增长286%。
从一个新锐国货品牌到走红海外，花西子有哪些非同寻常的营销哲学呢？
01
以“东方美学”差异化定位
构建品牌竞争壁垒
纵观几年前的美妆市场，多数中国消费者热衷于追逐国际大牌美妆产品。
后来随着“国潮”兴起，完美日记、玛丽黛佳、COLORKEY等新国货品牌应运而生，但由于产品同质化严重，很难让新的消费者在一众品牌中分辨出它们的区别。
而提出“东方彩妆，以花养妆。”作为品牌定位的花西子，从创立之初，就一直在不断挖掘中国文化中的美学元素，带有强烈的国风属性，深深扎根于“中国风”与“东方美学”，致力于做出适合中国人的彩妆，带有强烈的品牌特色。
品牌形象上， 花西子以粉黛色为主、采用东方美学视觉体系的设计，赋传统元素新活力，使得其在一众彩妆产品中脱颖而出。
产品方面， 花西子主打以花养妆，妆养合一，不同系列的产品都萃取了花卉精华或中草药成分，并且有一个“中国传统小故事”。
如四色眼影背后代表着“一城一景”的东方古城；玉容气垫复制了慈禧太后的养颜秘方。这些小故事赋予了产品古色古香的韵味，表达出不一样的 情感 张力。
比起完美日记、COLORKEY等品牌看重流量，打造爆品的思维，花西子更注重“品牌塑造”，从品牌的形象、产品、以及内容传播上无不演绎着东方之美，以极高的传播性和辨识度占领消费者心智，构建其品牌的竞争壁垒。
02
瞄准直播风口
与李佳琦个人IP深度绑定
从2019年至今，直播逐渐成为最流行的销售渠道和营销阵地。电商直播的红利期，也成就了花西子的首次爆发。
花西子在其他品牌还是观望时，以其精准的眼光选择了直播带货这条新渠道，占尽了头部主播的流量红利，后期更通过与李佳琦的深度绑定实现价值共创。
1. 合作初期，抢占头部主播的流量红利
直播带货是大趋势，从兴起到全民参与，只用了不到1年的时间。在很多品牌还在观望时，花西子看到了这个风口，抓住机会频频与李佳琦进行合作。
在花西子首次进驻李佳琦的直播间后，销量便迅速暴涨，空气散粉也成为花西子的第一个明星产品。通过这次直播试水成功，更加坚定了花西子与李佳琦长期合作的营销玩法。
据数据显示， 2019年1月-7月，在李佳琦的118场卖货直播中，花西子参与了45场，在1、2月的上播率均超过50%；同期完美日记只进入24次。
从销售额看， 2020年“618”，花西子收获超亿销售额，一举超越完美日记，在天猫彩妆类目排名第一；
而在首波双11预售中，花西子在李佳琦直播间内独占4个坑位，最终销售额达5亿元，在天猫美妆类目整体排名第2，是去年同期的259%。
正是借助了直播风口与李佳琦的业务能力，花西子在短时间里销量暴涨。
但是，在头部网红或明星直播间这类公域流量做直播带货，很难为品牌进行引流，形成自己的私域流量池。于是花西子决定与李佳琦进一步合作，形成强绑定，放大IP的力量。
2. 合作升级：与推荐官进行价值共创，实现产品赋能
去年9月份，花西子赋予了李佳琦一个新身份——品牌首席推荐官。
在成为品牌首席推荐官后，李佳琦参与拍摄了花西子明星产品“雕花口红”的广告，这也是李佳琦的广告首秀。
在两年前，花西子开始筹备“民族印象”系列产品，希望通过挖掘丰富多彩的民族文化，复兴濒临失传的民族工艺，李佳琦作为首席推荐官也加入了这个项目。
合作项目的第一站是我国的苗族。作为一个古老的民族，苗族一直给人神秘之感。苗族银饰，历来是苗族地区的重要首饰品和婚嫁用品，不仅是财富的象征，也贯穿着苗族人生命中的每个重要节点。
然而因为困于深山，传承困难，作为苗族重要的传统工艺之一，苗族银饰锻造技艺已经被列为国家级非物质文化遗产之一，逐渐面临失传的风险。
所以，花西子此次便希望通过“苗族印象”系列产品，传承非遗文化，向大众呈现出苗族工艺之美。
为了将苗银的匠心精神真正地融入到“苗族印象”中，花西子联合人民日报新媒体《非一般非遗》栏目组、非遗 探索 员李佳琦一起走进了银饰传承基地——贵州麻料银匠村，他们寻访苗银匠人， 探索 苗银锻造技艺的独特价值与魅力。
以传统技艺赋能产品，“苗族印象”系列经过两年的打磨终于上市，一经推出就圈粉无数。
礼盒上的苗绣和蜡染元素、粉饼盒上的苗银錾刻工艺，无论从内在艺术性还是外在设计感，都具备了东方美学的神韵，也给人们带来了个性化的消费体验。
花西子与李佳琦的深度合作，已经成为品牌KOL营销中的一个典型示范。除了李佳琦的带货能力和IP力量，花西子对产品不懈的打磨也是促成合作成功的关键。
通过这次合作，李佳琦和花西子共同设计研发，真正实现了内容共创、产品共创和价值共创。
03
精细化运营
多维度触达消费者圈层
在这个消费力升级的时代，品牌的更新迭代也开始加快，想要获得更长的产品周期，做好产品本身是第一步，后期的推广与用户方面的运营，同样需要“惊喜”与“精细”。
花西子通过精细化的营销方式，深入触达不同圈层群体，增加了其品牌的影响力。
在今年10月底的西塘汉服文化周上，花西子作为活动的彩妆指定合作伙伴参与，设置了展位和活动市集。更带着全线彩妆品助力古装师，在描眉点唇间，复现各色东方美人。
同时，在抖音、快手、B站多个平台开启直播，力求最大程度的曝光，吸引汉服圈层的消费者。
除此之外，还设置了游园礼，带话题#在西塘邂逅花西子#，在微博、B站、抖音、快手、小红书中的任意平台晒出西塘游园现场与花西子展位现场的视频或图文并@花西子官号，就有机会收到游园礼一份。
借助“西塘汉服文化节”的影响力，花西子不仅收获了大量的曝光，还给目标顾客现场试用品牌产品的机会，体验感满满、可谓用实力种草。同时，在汉服圈层中进一步扩大了品牌的影响力。
除了拥抱汉服圈层，花西子更是把中国传统之美推向了国际时装界。
在刚结束的中国国际时装周2021春夏系列的发布会开幕现场，花西子携手顶级国风品牌盖娅传说惊艳亮相。
在此次活动中，花西子将「苗族印象」高定系列彩妆改造为饰品融入华服中，蜜粉饼摇身变成了 时尚 配饰。除了联名高定服饰与妆容，花西子携手盖娅传说共同打造的「洛神赋联名礼盒」也首次出现。
一个品牌形象要想立体饱满，真正深入人心，并不是单一维度就能实现的，需要更多营销场景的叠加效应，提升品牌的传播力和渗透力。 可贵的是，花西子在一系列的营销动作中，一直保持着品牌初心，践行着“东方彩妆”的品牌理想。
04
结语
问世不过4年时间，花西子一次次引领着国货彩妆界的新风尚。品牌与营销两手抓的打法使其完成了从“0“到”1“的蜕变，更是在世界舞台之上崭露头角，展现东方之美。
花西子在海外的走红，也印证了国货崛起的一条道路——做具有民族特色及传承文化内涵的品牌，将国风变成潮流，推向世界舞台。
舞蹈的开题报告范文
开题报告是学位论文的一个总体规划和设计，是学位论文工作的重要环节，下面是我搜集整理的舞蹈的开题报告范文，欢迎阅读参考。
论文题目： 浅谈芭蕾舞剧天鹅湖中群舞的功效
(一) 天鹅湖的创作背景
一部芭蕾史，上下五百年。在这漫长的历史中，《天鹅湖》是自15世纪文艺复兴以来芭蕾艺术的集大成者。同时，它也是当今世界上改编版本最多、演出场次最多、观众人数最多、传播范围最广的一部芭蕾舞剧。《天鹅湖》因其如泣如诉的爱情童话、诗情画意的舞蹈段落、沁人心脾的交响音乐、圣洁典雅的天鹅形象，代表着古典芭蕾的最高成就。
在世界芭蕾舞蹈的历史中，俄罗斯芭蕾起步较晚，而且看起来好像是被统治者作为一种“先进的白色文化”，强行从西欧引进一样的不情愿。不过，俄罗斯人一旦建树起自己在文化艺术方面的精神家园，就充分地体现出本民族特有的大气磅礴、凝重深厚、气势昂扬、热情四射的意蕴，更开创出一片崭新的天地。尽管迟至16世纪初才形成统一的俄罗斯国家，1721年才定名为俄罗斯帝国，1922年才由15个加盟共和国组成苏联，但是他们左顾右盼、东西借鉴的外国遗产更为丰富多彩，发扬自己民族传统的精神更为执着，作为世界大国的霸气在文艺方面体现得更为强悍。不管从哪个层面上来看，俄罗斯的文化艺术都发育得非常健全，其中的芭蕾艺术，尤其是古典芭曹，颇为令人瞩目。
(二) 天鹅湖的发展历程
芭蕾舞是西方文化艺术皇冠上一颗璀璨的明珠，一部芭蕾史，上下500年。在灿若星辰的经典剧目中，古典芭蕾舞剧《天鹅湖》可以说是家喻户晓。从古典芭蕾到现代芭蕾经过了一百年时间的洗礼、社会的变迁，审美需求的变化，《天鹅湖》也发生了巨大的改变，一部是古典的经典之作，一部是现代的惊人作品，它们同样经历了百年发展与变化，让人们从中看到了一百年间芭蕾发展、变化的轨迹。
“古典芭蕾”是芭蕾发展史上的“鼎盛时期”，在舞蹈技术、编导技法以及演出形式等方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等舞剧的产生，成就了一批芭蕾人才和经典作品。芭蕾舞剧《天鹅湖》，故事取材于德国古老的童话，作品经过多次改编，直到1895年，在俄罗斯杰出的音乐家柴柯夫斯基和编导彼季帕与伊万诺夫的共同努力下，终于散发出惊人的光彩。剧中强烈表现的生与死、善与恶、信任与背叛的主题与音乐融洽地交织在一起，互相辉映。终于成为了世界芭蕾舞经典的、最具代表性的剧目。
20世纪初，当“古典芭蕾”在俄罗斯达到鼎盛时期后开始下滑时，其内部有一批不满于保守现状的精英们开始摩拳擦掌。他们在自己的国家无法实现芭蕾改革的种种理想，只能随着俄国芭蕾经纪人谢尔盖佳吉列夫，以“俄国芭蕾舞团”的名义向巴黎进军，用大批清新别致的新作品，为整部芭蕾史开拓出了一个“现代芭蕾”的崭新纪元。
英国动画冒险舞蹈团于1996年推出新编舞剧《天鹅湖》，由清一色的男演员出演所有的天鹅。此剧一经推出就在伦敦引起轰动，之后陆续在美国洛杉矶和纽约等地上演，其新颖的构思、充满阳刚和活力的表演一下子抓住了成千上万的观众的心、演出盛况空前，经久不衰。马修伯恩的《天鹅湖》可以说是最大胆、最出格的一个版本。这个新编舞剧表现现今时代的故事，天鹅全部是男性担任，音乐虽然是柴柯夫斯基的原曲，但人们所熟悉的古典芭蕾人物形象已荡然无存，呈现在观众眼前的是全新的现代城市背景。
这出《天鹅湖》上演后引起了巨大反响，在几年里获得了英国和美国的无数奖项，新版《天鹅湖》能够取得如此巨大的成功最主要的原因在于保持了音乐的精髓。伯恩保留并发挥了经典《天鹅湖》成功的秘诀，那就是对天鹅形象的抽象化，只穿羽毛短裤的男舞者裸胸赤足，用健美的肢体来表达“天鹅”的神韵。即使有这番标新立异，它仍然在情节上尊重原创，在情感上忠实于音乐，是一出不折不扣创新版的《天鹅湖》。
男版《天鹅湖》的幕布设计得颇为别致，幕布上画着“Swan酒吧”的砖墙，看上去十分厚重，然而灯光一打便立时成为透明薄纱。而原剧中群天鹅优雅舞蹈的竖琴音乐，在男版《天鹅湖》中用一群天鹅休憩的片段。灯光变暗，刚才气势汹汹攻击王子的天鹅们已经安静下来，进入梦乡;王子登场，望着无垠的月色，美丽的天鹅，完全心醉神迷。
女版的'《天鹅湖》“鲜明的仙凡场面”与男版《天鹅湖》的舞美相比则是另一个看点。故事发生的地点，服装和布景的色彩，不同幕次间的基调和节奏诸方面，均富于鲜明的对比。其中的一、三幕都是宫廷场面，前者是花园，后者是舞会，都是火红热闹、充满人间烟火气的现实世界;二、四幕是天鹅湖畔，都是朦胧月色下扑朔迷离的虚幻世界。灯光设计上，通过高科技的手段，更加渲染了对比鲜明的仙凡场面，使宫廷的华美舞会场景与天鹅湖畔朦胧凄美的场景转换更加炫目。
经过了一百年的洗礼《天鹅湖》发生了巨大的变化，这不仅印证了时代的变迁，同时也证明芭蕾舞编导的创编思维的进步。如果说彼季帕和伊万诺夫的《天鹅湖》是19世纪末的一个经典之作，那么英国编导马修伯恩的男版《天鹅湖》就是20世纪末一个颠覆经典的“经典”。与以往的女版《天鹅湖》相比，马修伯恩的《天鹅湖》是当下时代背景和社会环境下的必然产物，他顺应了时代的发展与审美的变化。这也是推动芭蕾发展的必要因素之一。作为又一新版的《天鹅湖》，马修伯恩的《天鹅湖》是成功的，它没有“古典芭蕾”原有的那份与生俱来的高雅，也没有那过于迷人的古典童话故事。他突破了华丽而又代表着纯洁的芭蕾服饰，赤裸着上身，把一切都放在了现代的故事背景中。从1885年到1996年，一百多年来芭蕾史的辉煌可谓是璀璨不灭的，经典芭蕾舞剧《天鹅湖》无论是在世界其他国家还是在中国都是观众耳熟能详的作品。女版《天鹅湖》可以说是第一个成功的版本，也是古典芭蕾的经典之作。然而在百年之后，马修伯恩的新编之作男版《天鹅湖》的成功更加说明了《天鹅湖》这个剧目本身对观众的吸引力以及观众审美需求的变化，马修伯恩的《天鹅湖》可以说是现代社会和文化的必然产物。“天鹅”的成功变身和剧情的大胆设计让观众的眼前一亮，耳目一新。两版《天鹅湖》的成功不仅仅是证明了芭蕾的发展，还更加说明了当代社会人们思维和需求的变化与进步。
(三) 本课题的研究对象
群舞是一种舞蹈形式，一般指3人以上表演的多人舞。从表演的性别上可分为男子群舞、女子群舞和男女大群舞，从内容构成上可分为情节性群舞和抒情性群舞，群舞也可以是一个独立的舞蹈作品。而笔者的选题是芭蕾舞剧《天鹅湖》中群舞的功效，其中还包括了舞剧段落的分析以及芭蕾的发展史等等研究。笔者之所以会选择《天鹅湖》这部舞剧，是因为这部舞剧对笔者来说意义非凡，笔者第一次观看天鹅湖全剧时是在中专二年级的时候，老师带着我们到北京大学百年纪念礼堂，观看中央芭蕾舞团演出的《天鹅湖》，那时的笔者还不清楚芭蕾舞剧到底是什么概念，只是知道“四小天鹅”就是芭蕾舞，穿着脚尖鞋立起来就是芭蕾了。而当笔者真正观看了《天鹅湖》全剧时，笔者就被他深深吸引，一直到今天《天鹅湖》
仍然是笔者最喜欢的一部舞剧。就算是不从事艺术的人，对于“天鹅湖”的名字也算是如雷贯耳了，虽然真正看过这部舞剧的人没有多少，但是这足以证明它在人们心中的地位，“天鹅湖”就是芭蕾的代名词。本文主要研究第二四幕中的群舞。
(四) 本课题的框架和研究方法：
本文绪论将是研究的背景，其中包括了芭蕾舞蹈史，对于天鹅湖作品的简单介绍，分析芭蕾舞的特定审美等等。文章的主轴部分主要是对于天鹅湖中二幕和四幕的群鹅舞段和三幕中的代表性的舞段等等群舞舞段进行分析，分析的内容将包括：群舞的作用，群舞舞段的动作设计，动作的细节和表现力，舞段在全剧中所处的地位等方面，通过这些分析得出群舞舞段对于整部舞剧诗意氛围的构成，丰富舞剧风格元素等方面的功效。本文主要采用科学分析法对文章进行研究。
结语
在19世纪的芭蕾舞剧史上，1895年首演于圣彼得堡的《天鹅湖》可谓达到了辉煌的顶峰，同时又开启了20世纪世界芭蕾历史的崭新篇章。原因不仅仅在于这个版本留下了许多优秀的舞蹈片段，还因为在整个20世纪里，所有致力于芭蕾舞剧《天鹅湖》复排、改编的编导们都以它为基础:或是发扬光大，或是背道而驰，或是把它的成功经验同现代的编舞技法联系起来，从而为整个世界大舞台，创造出一道又一道的美丽风景。凭借更新的观念和独特的创意，1895年版的《天鹅湖》无可争议地成为古典芭蕾的扛鼎之作、舞蹈艺术的至尊经典。即便是在对它大肆批评和完全否定的年代里，人们也无法抹杀它对《天鹅湖》史、芭蕾舞史所做出的卓绝贡献。因此，1895年不仅是《天鹅湖》的重生之日，也使全世界每一位芭蕾观众能对它耳熟能详、如痴如狂。
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瑶族舞蹈审美特征探析基本内容、主要思路和方法都是全的
热巴鼓，就是表演热巴用的铃鼓。热巴是一种由卖艺为生的流浪艺人班子（一般以家庭为基本单位组成）表演的，以铃鼓为主，融说唱、谐（歌舞）、杂技、气功、热巴剧于一体的综合性艺术。它有一套相对固定的程序，由12个节目组成，全套演出需要5个小时。
热巴鼓是热巴舞中用到的鼓 迪庆可称得上是歌舞的海洋，有句俗话说得好藏族人“会说话就会唱歌，会走路就会跳舞”，也正是这得天独厚、歌舞蕴生的环境里，我爱上了锅庄、弦子、山歌还有热情洋溢的热巴舞。相传热巴舞的产生约在公元十一世纪，由藏传佛教噶举派第二代祖师米拉日巴所创建。也有人认为是由佛学家当巴桑杰传下来的，有较浓郁的宗教色彩，一般在庆丰收，驱鬼神的日子里舞蹈。在云南藏区卡格博峰脚下斯农村的热巴舞最具特色。集铃、鼓、舞为一体，锣伴奏的集体大型歌舞，男子右手持铃，左手持黑白相间的牦牛尾毛，腰间拴紧多条彩绳，技巧性较强，初时舞姿轻捷，高潮时感情奔放，动作粗犷有力。女子右手持鼓，左手持柄，弦子舞步为基础，以旋转、敲击鼓点的快慢来变幻动作，初是轻盈，高潮时热情奔放。 2004年建国55周年大庆之际，斯农热巴、西盟佤族代表云南省优秀民间舞蹈在京巡回表演，分别在畅春院、玉渊潭、北京交大、北京林业大学演出，由我和康巴大地主持并参演，受到了观众的热烈欢迎。由于当时是两个民族表演队分别上台，支持藏族与支持佤族的同学们各分两派，欢呼声与鼓掌声一浪压过一浪；当时,在台上舞蹈是一种被幸福与热情溶化的飞翔者。
如何跳好藏族舞蹈
藏族舞蹈是我们民间舞课程中的必修课，在学习的过程中怎样才能跳好藏舞？以下是我收集整理的创新的，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。
一、肢体训练到藏族舞蹈的基本体态和动律特征。
中国民族民间舞是我国传统舞蹈艺术的源泉。每个民族、每个地区都有着自己的历史文化、宗教信仰等方面的特点，就形成了中国民间舞形式多样、风格各异、动律有别的鲜明特色。藏族民间舞种类繁多，因地区的不同而风格各异，其中弦子舞、锅庄、踢踏是具有代表性的。不同的艺术表演形式，但是外部形态和动律特点在结构上是具有统一性的。就藏族舞蹈这一体态特征来讲，它不仅和自然环境、民族性格、生活服饰有关，而且还带有宗教心理痕迹。但是，从舞蹈角度来看，则具有艺术性的创造，具有浓郁的地方色彩。
1．肢体训练的目的，就是让我们具备藏族民间舞的基本素质，全面掌握舞蹈的基本动态。藏族舞蹈学者阿旺克村用五个字归纳了藏族舞蹈的动律特征，即：颤、开、顺、左、绕。因此肢体训练着重要求了膝部的颤动和屈伸。藏族舞蹈有程式化的舞蹈动作和节奏，它的特点是以下肢活动为主，下肢动作又以膝颤动为核心。“颤”就有大颤、小颤、柔颤、硬颤、扭颤、摆颤等，如：弦子舞中“颤”贯穿在“扭腰”、“拖步”及“点步翻身”等典型舞姿中。故，藏族舞蹈有“无屈不成功，欲动必行先屈”。“顺”“左”、“绕”是藏族上肢舞袖的动律特征。 “顺”是藏族舞蹈特有的协调方式，它来自连臂踏歌中“起歌抬手，踏脚甩手”的运动方式；舞袖有；甩、摆、撩、绕等多种形式，但以“绕”为核心，有：大绕、小绕、臂绕、肘绕、内绕----。这些不同的舞姿动态中都有一致的规律性。艺术家要用身体动作把字面含义完好的表达出来，就是演员肢体训练的目的。
二、艺术化的处理动作节奏是舞蹈表演技术的升华。
舞蹈是人体x术。以经过排练、组织和加工的人体节奏动作为主要表现手段，表达人的思想感情，反映社会生活。动作、节奏是主要表现形式。由于舞蹈是动态的艺术，它的训练主要放在动作的姿态、节奏和质量的感觉上。也就是说，舞者身体的任何部分或某个部分造成了或长或短的节奏，动作的幅度、节奏的力度及进行移动的速度大小、强弱和快慢的.不同而形成了舞蹈动作技巧。在韩芙莉的舞蹈哲学中：加强学生身体的力量、柔韧性、控制力和耐力—即训练为演出所必须具备的动作技巧。那我们通过对节奏、动律和姿态具有的潜力进行体会，创造性的运用和处理，就能在舞蹈表演中增强了动作的表现力。高尔基曾经说过：“艺术家不掌握技巧，就是最丰富的感情也会陷于瘫痪。”
在舞蹈中，节奏是舞蹈的力度，感情是舞蹈内容的补充。能恰当好处的处理动作节奏，标志着舞者对肢体的把握能力达到一定的水准。如大型乐舞〈〈珠穆朗玛〉〉，其中的热巴鼓舞，整个乐舞就是在女子鼓舞和男子辫子鼓舞表演时推向高潮，女演员的热巴鼓动作技巧简直达到炉火纯青的境界，不管是顶鼓旋转，还是鼓旋转和击鼓翻身，都是那样的迅速、利落、干净、漂亮。男演员们的辫鼓舞跳的更有气势，更有一种野性的美，他们甩辫击鼓，动作挥洒自如，节奏由慢至快，气氛高潮时的男子特技“躺身绷子”、“单腿吸跨转”、“虎跳拧身平转”等等。气氛极为热烈，正是精湛的鼓舞技艺加上浓郁的雪域风格所产生的艺术感染力。这里包含着一连贯均衡的动作，而这些动作造型的连续是有规则、有很强的节奏性，在急速的运动过程中，要有绝对的力量控制身体。演员们正是通过处理运用这些动律、节奏和姿态来体现自己独特的艺术风格和舞蹈表演技能。
艺术化的处理节奏动作还能够在感情色彩极其强烈的舞蹈中，极其自然地表现出相同的以及不同类型的感情。动作，是与宣泄生命情感和烘托气氛紧密结合的，是舞者内心激情的物化。舞者通过节奏的强弱、长短、来表现内心的情感。优秀的舞蹈艺术家就会通过动作节奏的变化把内心的情感间接表现出来。如：《母亲》运用藏族那沉缓、凝重的形体语言特点，通过艺术化的动作节奏、舞蹈造型与动态，成功的塑造了一位伟大而又平凡的母亲形象。另外，表现情感也能体现出演员自身的情感素质。如：由西藏军区文工团表演的舞蹈〈〈酥油飘香〉〉。在欢快、轻巧的音乐节奏下，一群勤劳的藏族姑娘，将西藏传统的前倾身体动态改成了挺胸抬头的身体动势，有节奏地跑了出来。在无音乐伴奏的那段，通过身体夸张的扭动，人声和语言不仅传达意义，还作为一种节奏和情绪溶入舞蹈中，把劳动场面演绎地很火爆。动作节奏经过肢体艺术化的处理，既不失藏族舞蹈特有的动律，又充分显示出富裕起来的西藏人民的精神风貌更在民族个性展示上，演神了藏族姑娘自由、奔放鲜活形象，既继承了藏族传统的风格，又注入了新的动作、节奏元素，把内心的情感直接表现在舞蹈中，成为一个极富有时代气息的舞蹈。艺术化的处理动作节奏是我们对肢体动作技巧地把握，通过节奏、动作、表情有机的结合在一起，就构出不同视觉意象和心理情感内蕴。这样，我们在舞蹈表演中才能焕发感人的艺术魅力。随着语言的形成和交流，每个民族都产生了最适宜本民族特点的起舞节奏和曲调，并形成了最适宜表现其性格风貌的舞蹈动律。锅庄：动律节奏铿锵有力，有连续、有停顿。躯干、上肢随步伐而动，幅度大，上下挥动双袖激荡有力。脚步以抬、跳、跺、踏为主，具有很强的节奏感，表现憨厚、深沉的藏族性格。所以在学习藏族舞蹈时，必须不断体会力量、动作的对比与动作幅度的快慢、高低不断修饰舞蹈动作。通过节奏，把各种动作按照舞蹈内容的需要有机地组织、联系在一起，来增强舞蹈动作的表现力。舞蹈是一种娱乐、一声呐喊、一种自我超脱的方法。它像表现所有节奏，所有人类脉搏那样体现着美的生存。
舞蹈离不开节奏，正如生命离不开呼吸。以恰当好处的处理动作节奏去构造舞蹈，就如调整了呼吸，使生命稳健而顺畅。另外处理节奏，不仅要从舞蹈本体下功夫，还要增强对音乐理论素质的培养、对充满节奏韵律生活的关照。正如于平老师强调的“别忘了功夫在舞外”。
综上所述，作为一名专业的舞蹈演员，要跳好藏族舞蹈并达到一定的艺术水平，必须经过三个阶段：首先，刻苦努力的进行肢体训练。好的舞者是从肌肉开始训练的，是身体与意志的战斗；其二，把握舞蹈风格特征是肢体动态特征地提升。演员是作品的二度创造者，只要我们不断学习、不断积累知识，那我们的动作所具有的表现力才“入乎其内”。其三，在动作节奏处理的把握上。我们不仅要具有精湛的技术来表现舞蹈内容，而且还要把感受贯穿到技术中去，这样我们的表演技术就得到了升华。通过以上的分析，三个过程是层层推进的关系，后者是前者的升华，前者则因为具有基础性对后者的训练形成一个实践规范。因而三个方面的学习都要稳扎稳打，不可偏废。“不受一番冰霜苦，那的梅花放清香”。我们只要肯下功夫，按照科学的方法进行训练，都能成为舞台上的“天之骄子”。
三、把握舞蹈的风格特征是肢体动态特征的提升。
在掌握了藏族舞蹈的基本动态后，就需要对此种只具备形式意义的外壳注入内涵了。我们常注意在动作上下功夫，而不太强调动作内在的根据，处在一种无目的、机械空白的状态，也就是说，没有很好地把握舞蹈的风格特征。歌德有一句名言：“现实比我的天才更富于天才”。我认为体味古老的藏族民间文化，最好能把自己置身于青藏高原上去生活、去体验。只有这样，民族文化意识在我们的思维内部扎根，才有可能在舞蹈中表现出藏族的风格内涵。舞蹈本身就是一种文化，我们跳某个民族的舞蹈，就是演绎某个民族的文化。那样把握藏族舞蹈的“风格”呢？首先，我们必须加强对藏族文化地了解，感受他们的生活环境、民俗民风、宗教信仰，了解与该民族生存意识相关的东西。如：藏舞的动作一般都是从左到右顺时针方向绕圈进行，这与其教仪轨中的“转经”的方向一致。“锅庄”仍保留着模拟禽兽、踏足为节、绕圈而舞。
在肢体的训练中，还应该注意自身对舞蹈本体的肢体体验，从而在心里产生美感效应。如：我们在跳弦子舞时的审美体验应该是：动作柔美、长袖轻佛、舞姿舒展、延绵连贯。踢踏舞是：节奏鲜明、情绪欢快、动作热情、脚下灵活的审美意识。这就要求我们，不仅要把握好舞蹈具有的风格形式，还要在平常地训练中注意对动作美的把握。另外，多欣赏演出，研究一些作品、文学以及一些发展着的舞蹈语言等。在自己的心理构筑一个藏族文化的实体，体会舞姿、造型所象征的意义，这样我们在把握藏族舞蹈的风格特征就容易得多了。
扩展资料：
藏族舞蹈的特点
“颤”、“开”、“顺”、“左”、“绕”是各种类不同藏舞的共同特点,或称为藏族舞蹈的五大元素,从而构成了它区别于其他兄弟民族舞蹈的美学概念。
这五大元素的形成,是同藏族人民的历史条件、社会制度、风俗信仰、地理环境、生产方式、文化传统等有着密切联系的,是长期在人民群众中凝成的审美标准。
在琳琅满目、繁花似锦的不同类型和不同风格的藏族舞蹈中,虽然它们都具有各自独特的个性和固有的审美要求,但它们又都包含共同的精髓元素,以及共同的动作规律。这种精髓元素和规律构成了整个藏族舞蹈的审美概念。
藏族舞蹈中除上述共有的主要特点外,在舞蹈的动律上还普遍存在着最基本的“三步一变”、“后撤前踏”、“倒脚辗转”、“四步回转”的共同规律。在这种共同规律的基础上产生出种种不同的变化,再加上手势的运作、腰身的韵律、音乐的区别而构成不同的舞蹈风格。
藏族舞的文化特征
1、探讨藏族舞蹈的文化特征,要搞清楚历史上如何看待舞蹈,以及如何定位舞蹈艺术在藏族文化中的地位。在藏族传统文化典籍“大小五明学”中,把舞蹈归于“工巧明”,这就表明舞蹈艺术在理论上被定位于大文化范围之内,并形成具有成熟理论依据的艺术形式之一。
2、藏族人民都在他们的社会生活中创造了一整套反映民族生活、思想情感并具备一定审美特征的艺术表现形式,并且顺应自然规律和文化发展规律,结合民族所处地理环境、政治历史、宗教信仰、民俗民风的不同,又形成了具有藏民族地方特色风格的“藏舞”。
3、藏族是一个宗教信仰非常普及的民族,以至于全民信教。我们在观看藏舞表演时,可以注意舞者双手的动作,双手在藏族舞蹈中尤为重要。从对双手的基本要求看,除灵活多变外,手势还要如同“莲花印”,即双手要像盛开的莲花瓣,要有层次地旋转,在旋转中产生优美的想象,这充分展现了藏族人民对宗教的虔诚和信仰。
《浅谈中国民族民间舞的发展》我国的民间舞源远流长,十分丰富,一般又可分为汉族民间舞和少数民族民间舞两类.民族民间舞流传于民间、受民俗文化制约、即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创作不可或缺的素材来源。由于我国各民族社会结构、经济类型、生产方式等方面的不同，千百年来民间舞蹈都是在特定时空、特定群体中传承的，“特定时空”大多包括宗教仪式、祭祖祈神、年节聚会、生产劳动、婚丧嫁娶、谈情说爱等民俗事项；“特定群体”指地处边疆的少数民族人民，他们大都喜爱用本民族的民间歌舞来表达自己喜、怒、哀、乐的情感，就是日常生活中的劳动小憩或亲朋相聚时，他们也要唱唱跳跳歌舞一番，民间歌舞是他们精神生活的重要组成部分。我国舞蹈家对原生态的舞蹈进行整理，从纯民间风格、动态中提取了大量可以单独使用的动作素材并使其“元素化”，成为能够遣词造句的语素。很显然，这个过程必然造就一个不同以往的结果，民间舞被“肢解”了，但是民间舞的功能被扩大了，虽然看上去似乎离“民俗”远了些，但离舞台却更近了。一：民族民间舞蹈的文化结构民间舞蹈是一种文化现象，它用人类自身的形体动作和思想情感来表现社会生活、体现民族历史和传情达意、抒发情怀。民间舞蹈与物质文明和精神文明紧密相连，早在史前时期，我们的祖先就用“手之舞之、足之蹈之”来表达他们激动时的感情，舞蹈活动几乎渗透到劳动、狩猎、争战、祭祀和性爱等一切领域。人类进入阶级社会后原始舞蹈也随之发展分化，一部分成为为奴隶主表演的舞蹈，以后发展为宫廷舞蹈；另一部分是奴隶们的舞蹈，从祭祀性或其他功能的舞蹈逐渐发展成为民间舞蹈，由于各民族历史发展不平衡，一些少数民族没有本民族文字，因此很少在史书中留下其踪迹。然而极为宝贵的是植根于人民生活沃土中的民间舞蹈，经过数千年的传承演变，至今仍流传于各民族群众生活中，尤其是地处边疆交通不便的一些少数民族地区，直至20世纪五六十年代，仍较多地保留着原生态的舞蹈特征，具有史前舞蹈的性质。它们的表演形式、风格特色及其内容所折射出的文化内涵，涉及到民族历史、宗教信仰、生产方式、风土民情、道德伦理、审美情趣等各个方面，可以说民间舞蹈是社会文化交织融合的总汇演。二：民族民间舞蹈发展的多元、多样和复杂性民族民间舞蹈文化的变迁，首先表现在其内涵和功能的大包容量，在当代社会多元文化的相互渗透浸染下，使其古今交错、新老混杂。青海玉树草原的赛马会是康巴藏区远近闻名的草原盛会，每年水草丰美、牛肥马壮的七八月，都要在玉树结古镇草滩上进行民族歌舞、格萨尔说唱、赛马、射箭等表演，以及贸易交流等。90年代初，玉树的藏传佛教各教派寺院，把法舞《羌姆》搬上民俗节日赛马会进行展演，数百年来《羌姆》作为藏传佛教法事活动的重要组成部分，其传承方式始终恪守传内不传外的原则，即遵循在寺院内由喇嘛僧侣表演的规则。现在寺院的活佛和喇嘛自愿地把法舞和群众性民间歌舞联合演出，从而使《羌姆》冲出了寺院的禁锢，增强了表演性、娱乐性，淡化了佛法的神秘感、威慑感，把宗教和世俗的关系拉近了，这一做法在全民信教的藏区很有积极意义，可以说，这是新时期党的民族政策落实的结果。《羌姆》法舞的变化，不仅体现在表演时空的移位和表演程序的简化，更重要的是加强了宗教世俗化的发展。三：民族民间舞蹈文化建设中国民族民间舞蹈文化建设的定位是，以中国各民族民俗舞蹈文化为基础、本土文化特征为依据，以加强中国民族民间舞蹈本性建设为目标，同时在比较其他民族民间舞蹈文化发展研究的基础上，完善当代中国民族民间舞蹈的学科体系。我们在研究中国各民族民间舞蹈的历史及其继承和发展的同时，还要继续研究完善中国各民族民间舞蹈学科的师资队伍建设、教材建设、课群建设、实践教学交流建设和教学管理建设。更要继续研究民族民间舞蹈动态的本质特征，在民族、民俗、民间文化的基础上，深入探讨，走到民间，挖掘整理和提炼当前未纳入教材的民族民间舞来完善现有教材体系。培养出民族民间舞蹈尖子人才（一是培养演员尖子人才，一是培养教师尖子人才），针对不同学员给予不同的学习侧重，因为不同的民族民间舞蹈有其完全不同的风格特性。我们知道，一个学员不可能在短短的四年中将民间舞蹈学习面面俱到。所以，学员必须在全面学习基础教育的同时对某一、两个舞有所作为、有所精通、有所成绩。实践、教学、交流、实习是教育过程中的重要环节，是验证获取的知识或教学成果及学生能力的重要步骤。如果抓好舞蹈实践、教学、交流的建设，就能使学生在学习期间提早得到社会实践的机会，真正将理论联系实际。其实，民族民间舞蹈创作无论怎样的表现和发展，都必须在“民族民间”四个字上下功夫，否则必将在舞蹈的海洋中失去个性，失掉性别，消失在人为的、主观的舞蹈臆造中。研究民间舞，必须从本质出发到现象，再从现象出发回归本质，这样才能形成良性循环。当然，我们并不固守，我们要以开放的胸怀拥抱世界，变革、创新永远是继续生存的标志，发展才是硬道理。四：民族民间舞蹈技巧1.技巧风格化中国古典舞技巧追求能力素质的极限展示，而中国民间舞技巧追求的是审美风格的完美体现。古典舞中的技巧同身韵可以是各自独立的，而民间舞中的技术技巧是同舞蹈风格紧密相融、难以分开的。也就是说民间舞的技巧不是纯技巧，而是风格化的技巧。中国民间舞的技巧发展趋向，应该是风格化技巧的强化与发展。风格化技巧既包括民间舞蹈中的各种道具性舞蹈技巧，又包括各民族民间舞蹈中特有的旋转、跳跃、翻身等技巧。中国民间舞系副教授明文军在《由厦门班毕业课想到的》一文中，曾提出过将道具的运用往极限上发展而构成民间舞技巧的教学设想。实践证明，这种教学设想是科学的、可行的。我们的民间舞有许多极富特色的道具舞蹈形式，是可以去挖掘、研究和发展的。比如汉族的手绢、扇子、鼓、伞、棒；藏族的热巴鼓、辫鼓、背鼓；蒙族的筷子、盅碗；朝鲜族的长鼓、象帽等等。还有民间舞中的各类旋转，也是风格性很强的技巧。比如维族舞蹈中的各种跪转、夏克转、空转、平转，讲求快速、多姿、戛然静止，犹如鹰隼迎风回旋。而朝鲜族民间舞蹈中的旋转则讲求平稳，优雅，犹如仙鹤悠然自得。2.技巧情感化民间舞中的技巧是与渲泄生命情感和烘托场面气氛紧密结合的，是民间舞者内心激情的物化。如果没有情感的投入，再高难、再精湛的技巧形式在民间舞中也会变得苍白无力，毫无光彩。我曾经从电视录像中看过一些民间舞剧目，现在虽已记不起它们的名儿了。但让我记忆犹新的是，它们的“技巧性”都很强，表演中动则旋子3600，静则控腿1800……。但这些技巧成了游离于舞者情感和舞蹈风格之外的“无情之举”，因而毫无艺术感染力可言，反倒让人感到莫名其妙。对此而言，我比较欣赏的是云南省歌舞团创作的男子三人舞《小伙、四弦、马樱花》，其热情风趣、朴实无华的风格让人百看不厌、回味无穷。这个剧目也安排了诸如倒踢紫金冠、小翻、抢脸等一些技巧，但这些技巧是在演员们情感的自然流露中，是在舞蹈情绪的层层推进中恰到好处地完成的。这种情感化了的技巧，极大地丰富了舞者的艺术表现力，增强了舞蹈的艺术感染力。3.技巧艺术化随着时代的发展，随着民间舞从广场向剧场的转化，民间舞技巧的功能已不仅限于渲泄情感和渲染气氛了，它将逐步向塑造舞蹈形象、表现人物心理、营造舞台意境的艺术化方向发展。有人说，杨丽萍表演的民间舞根本没什么技巧，为什么能获得大众的普遍喜爱和专家的如潮好评呢?其实仔细分析起来，杨丽萍那独特的动作语汇的运用就是民间舞的艺术化技巧的最高体现。《雀之灵》中的舞蹈造型与动态，已不同于广场原生态的傣族孔雀舞了。它通过艺术化地夸张与变形，将孔雀那高洁、超然的灵性进一步升华，创造出了一个似真似幻、虚虚实实的艺术仙境。正如于平教授所评价的那样：“《雀之灵》的过人之处，在于它以‘技’成‘形’却又不为‘技’和‘形’所累。当你在欣赏杨丽萍的《雀之灵》时根本发现不了技巧的痕迹，因为“杨丽萍是用‘技以求道’的生命意识在创造‘生之灵光’。在那翩跃翔舞的孔雀中，杨丽萍倾注了自己全部的人生感兴、人生悟觉、人生意趣和人生睿思，使这一舞蹈独白充溢着恬静的生命和谐感与坚毅的生命自信心。”因此，我认为民间舞技巧运用的最高境界就是将之艺术化，让技巧的全过程完全隐匿在舞蹈表演的情理、律动之中，而不“显山露水”，刻意为之。民族民间舞的继承和发展的关系，有如地基和房子。“继承”，是一幢房子的地基，“发展”，则是建筑于地基上面的房子。如果缺少这个地基，就无法谈得上建造什么房子；同样，如果不是为了建房子，那么光是打下一个地基，那又有什么意义呢？所以说，对民族民间舞的继承，就是为了发展，而发展却有赖于继承，它们之间的关系是相辅相成的。下面就这一问题分别谈谈我们的一些看法。五：继承我们在上面把继承比作一幢房子的地基，那么说，继承便是根本了。这个基础打得怎样？是否牢固？直接影响着房子。我们搞舞蹈、戏剧、体操的不是常有这样一句“七分键子三分提”的口诀吗？若想以后的“提”翻得好，翻得高，就得下苦功练好这“七分键子”。基础打好了，以后要如何“翻”，建什么房子，那就能驾轻就熟，水到渠成了。继承既是根本，在比分上，它也应该是“七分”了，因此，其重要性是可想而知的。尤其在当今而言，我们认为更应着重这一工作。为什么这样说呢？原因有四。文化大革命的十年浩劫，我们的民族民间艺术之花，被摧残至雕零枯萎的境地。民间艺人，有的已死去，剩下的年纪也相当大了，只能口授不能身教，鉴于这种情况，如不及时挖掘、整理，就有失传的危险。由于“四人帮”出于反革命的需要，在文艺领域中提出“文艺必须为当前的政治服务”，作品主题思想必须“以阶级斗争为纲”，在创作方法上必须遵循“三突出”。使得文学艺术走上了一条形而上学的创作道路，一切被概念化的口号所代替。舞蹈的内容不是“献苹果”，就是“献香茶”、“献披肩”等等，家乡有什么就献什么。要不然就是毛主席来到我家乡，来到我边寨；好象毛主席看过的麦穗不用施肥也能长得好，毛主席看过的牛羊不用料理也能长得肥又壮。这种没有真情实感的概念化的舞蹈，怎会受群众的欢迎？我们的民族民间舞蹈本来是多姿多彩的，但那时在舞台上只能运用那么几个为数不多的、作为一种政治术语的舞蹈语汇。只要你稍微越出这条界线，就说你是资产阶级低级庸俗的情调，不健康的表现等等。就是这种所谓“革命文艺”，使得我们宝贵的民族遗产失去了原有的光彩。我们的演员虽也穿着各民族的服装，但跳的不再是群众喜闻乐见的民族舞蹈。在这样的局面下，我们的演员不爱演，观众不爱看，编导不知所措。要尽快扭转这种局面，就有必要从温祖先给我们留下的遗产。虽然我们的一些老专家，老编导曾经掌握了一些传统的东西，但他们在十年浩劫中给“四人帮”的“棍子”打得晕头转向，现在多少还有些“脑震荡后遗症”，原来熟悉的东西变得生疏或遗忘了，曾收集到的民族民间素材被烧毁或丢失，而我们年青的一代和民族民间艺术又隔绝了十年之久。这些都说明了继承民族民间传统艺术，是当务之急。然而，要继承和发展民族民间艺术，必须要有深厚的民族感情——民族的自尊和自豪感；而这种自尊和自豪感，也只有在向民族民间艺术学习、不断地了解、熟悉民族民间丰富多彩的艺术的过程中，逐步得到增强的。在大连的单项舞蹈比赛中出现了一些优秀的民族民间舞，如《水》、《追鱼》、《金山战鼓》等节目，同时也涌现出一大批反映自然景物和花鸟虫鱼的节目，我们认为这是一个非常可喜的现象，我们的民族本来就是最擅长于通过描写大自然和大自然的生灵来表达和寄托自己的理想和抱负的。“触景生情，寓情于景”，素来就是我们民族民间艺术的特色和传统手法，这在我们的古典文学、民间传说中尤为盛行，在我们的诗歌、词赋及国画中就更为突出。而这些成功的艺术珍品，在世界的艺术宝库中也永远闪烁着其夺目的光彩。本来，在舞蹈艺术上采用这一传统的艺术手法，是无可非议的。但为什么会有一些同志指责这次单项舞蹈比赛中出现太多的“花鸟虫鱼”？我们认为，这主要是因为质量不高。这正如：好花虽多还嫌其少，恶草虽少却厌其多。这种质量不高的现象，进一步说明了我们必须尽早老老实实地向优秀的民族民间艺术学习，从中吮吸其丰富的营养，才能不断地充实和提高我们的创作内容和质量。这几年和外界加强了文化交流，西方文化涌进来，在文化交流中，我们开阔了视野，吸取了不少有益的东西，对我们的创作实践有很大的促进作用。如《割不断的琴弦》、《刑场上的婚礼》、《希望》、《再见吧！妈妈》等节目，在借鉴和吸收外来东西方面做出很大成绩，相形之下，我们觉得民族民间舞的创新就不够。原因是我们的根子在民间中扎得不深。就拿广东省来讲，打倒“四人帮”至今已好几年了，但对广东的民族民间舞的重视仍然停留在口头上，编导还是浮在上面（这不是编导的责任，而是没钱下去）。这也是造成这次广东参加单项舞蹈比赛的节目质量不高的原因之一。去年我观看了“英歌会”，发现专业编导掌握的素材远不如群众。这几年群众已把他们的“英歌”发展得更为健壮有力了。后来我们去粤北汉族地区看“舞狮”，群众也把它发展了，而我们手头上的素材还是五十年代的。据说汕尾一带的“钱鼓”，也有丰富的队形和动作，但我们都没有很好的去继承、去挖掘，就忙于创新，创不来就生吞活剥地加几个现代派舞蹈动作进去谓之创新。这不是好办法。要真有所创新，就得老老实实地，认真地，在挖掘、继承和整理我们民族民间舞的工作上下功夫。文章有点零乱，尽供楼主借鉴参考。
麦积山的行不？
莫高窟——雕塑、壁画、洞窟三位一体的艺术殿堂[摘 要] 莫高窟是集雕塑、壁画、洞窟三位于一体的艺术殿堂,它吸收了外国宗教艺术的精华,并将其民族化、世俗化,成为具有中国特色的艺术精品——雕塑为东传佛教造型艺术之精品,洞窟是中西宗教建筑艺术之合璧,壁画则达到了唐宋绘画艺术的极致。[关键词] 莫高窟;雕塑;壁画;洞窟在祖国西部戈壁瀚海中有一片绿洲,驰名中外的文化名城敦煌就在这里。敦煌之所以闻名中外,主要是在它东南25公里处鸣沙山东段的崖岩上有着蜂窝状的上千洞窟,即莫高窟。莫高窟是一个宝藏富赡的文化艺术宝库,是集雕塑、壁画、洞窟三位一体的艺术殿堂,是一个巨大的历史陈列馆,其现存492个石窟中保存着北魏至宋元明清千余年间的彩雕塑像2415身、壁画3000余堵,共45000平方米,木构建筑5座;还有许多绢画、佛雕、法器和5万多卷文书、经卷的写本和印本——这是具有高度文艺价值和研究古代社会的极为珍贵的历史文献。研究莫高窟的这笔遗产不仅对研讨我国文化艺术、弘扬爱国主义主旋律大有裨益,而且也是研究人类文明所不可缺者。一莫高窟今存2415身塑像,按时代计:魏塑318身;隋塑350身;唐塑最多最精而今余670身;五代24身;宋塑74身(含西夏如第234窟和第400窟);元塑7身;清塑970身,虽多而粗滥。这些塑像的时间跨度已逾千年,各个时期的塑像都融进了那一时期艺术家的美学情趣和理想,展现出不同时代不同的艺术风格,从这些塑像上可以窥见中国雕塑艺术发展演进的痕迹,可见出佛教艺术传入之后所引起的中国雕塑艺术变化,这些雕塑本身就是一部形象直观的中国雕塑艺术发展史。在北魏、西魏、隋、唐、五代、宋、元、清8代的塑像中,最有代表性的要算魏雕和唐雕了。故仅对魏和唐的塑像作一简要分析。魏塑(以第254、259、260窟为代表)多为站像,其特征是额宽鼻隆、眼细眉长,嘴唇薄而面颊瘦削,发髻卷曲似波,体格清瘦劲挺,而缺乏柔和的曲线美。佛身裹着拖地的长袍,菩萨袒露着上身,从紧紧贴身而多褶皱的丝绸服装下隐约可见瘦削的躯体,给人以刚从水中走出的感觉,故后人以“曹衣出水”来比况。这时的塑像无论从面相、体格、衣着来看,并非中国的神像,而是中国与印度犍陀罗艺术的混血儿,尽管衣服式样已中国化了。隋代时间很短,仅37年。但与文学史上由南北朝向唐代过渡的情形相似,在造型艺术方面隋塑正体现了由外国人(主要是印度人)的模样向中国人模样的过渡特征。促成这一转变的基因在于中国人(其实世界各民族亦然)需要创造出自己的神这种心理。固然,各民族的文化艺术都不可能排除他民族文化艺术的影响,但也绝不会生吞活剥地吸收外来的形式,而总是在吸收其养分的同时加以改造,融进本民族的特色,使其民族化。从隋代的第275号、283号、427号等窟的塑像来看,已开始追求雍容华丽的气度,不再是隆鼻削颊的清癯形象,鼻梁低了,面相丰满而轮廓线条柔和了。但亦有缺点:头大、上身长、下身短,体形比例虽不甚匀称,却给人以亲切憨敦之感。这个转变应该说是一个进步,它表明塑像向着中国化演进。唐代,随着文学艺术的全面繁荣,造型艺术也达到前所未有的高峰。塑像经历了初唐盛唐的发展,至中唐已趋炉火纯青的胜境。其演进趋势沿着从外国的神佛向中国的神佛、从神佛向人的路子——亦即造型艺术的民族化、世俗化。如果说以第77号、322号、332号等窟为代表的初唐塑像主在改变隋塑头大身短、比例失调的缺点,发展了追求衣饰华丽、线条柔和的特征,塑造出宝冠霞帔、璎珞垂胸、手与足腕带有环钏、衣裙着彩、面庞丰满、体形匀称的菩萨像和戴盔被甲、英气勃勃的天王像的话,那么盛唐雕像(以第45号、126号、217号窟为代表)则在此基础上使之定型和精巧化。到了中唐,塑像则臻精妙入神的境界,充分体现出中华民族造型艺术的鲜明特色。第35号、194号、285号、320号等窟正证明了这一点。今举285号窟右侧的菩萨像为例便见一斑。此像“肌体细腻,眉清目秀,富有绸质感的衣裙似要被清风漾起,尤其是那安详而恬静的微笑极为动人,充分体现了女性的美丽、善良和尊严。这尊菩萨比起达·芬奇的名画‘蒙娜丽莎’并不逊色,然而却要比这幅名画早1000年”[1]。莫高窟的菩萨像千姿百态,或沉思冥想,或微笑静观,眼神和嘴角极为传神;丰腴的面庞,袒露的手臂,极富柔嫩的弹性——这一切均给人以和蔼可亲之感,应该说,她们是唐代美女的标本。应该指出的是,印度千千佛、万万菩萨均属男性,而唐代的菩萨显然女性化了,这可能是因为女性的温柔形象更使人觉得可亲可近,更便于“普渡众生”的缘故吧。与女性阴
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