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家居产品，厨房用品，时尚服装包包，鞋子，化妆品；现在的人们为了让产品有更好的销售，他们会将很流行的插画或者很有意义的图案印在各种产品上头，给他们的产品增加噱头，增加销售点。
可以在家装设计的时候加入这种元素，也可以在服装设计里面加入这样的插画，也可以在发饰或者是耳环里面加入这样的插画，加入这样的元素之后非常时尚。也可以搭配发箍或者发圈，可以在画壁画的时候加入这种流行元素。
Veja ——来自巴西的时尚生活杂志 The American Magazine ——来自美国的生活休闲杂志 Breed 07——来自美国的艺术、时尚、音乐、创意综合类电子杂志. ELLE ——来自美国的著名时尚杂志 Fitness Management ——一本来自美国的健身杂志 DIF #54——来自葡萄牙的前卫时尚生活电子杂志. Dot to Dot ——来自俄罗斯的休闲时尚电子杂志. Actitudes Issue 14——来自西班牙的流行时尚杂志 You Are Here Issue 52——来自泰国的青年时尚杂志 The American Magazine 03 2007——来自美国的生活休闲杂志 Seventeen 05 2007——来自美国的女性时尚杂志 参考网址: 上面还有很多,其他娱乐 时尚 设计 插画类的杂志,都可以下载的 也可以在上面查询到相应杂志的官方网址!
cd是Christian Dior，克里斯汀·迪奥品牌，档次高，值得购买。
迪奥公司成立于1947年，至今有72年的历史。72年的企业历史对于奢侈品行业来说，并不值得骄傲。很多大家耳熟能详的奢侈品牌，其历史要远远大于迪奥。在全球“老来创业”的著名人士中，克里斯汀·迪奥算得上是一位。42岁时，迪奥先生才创立以自己名字命名的品牌。但是10年之后，这位伟大的法国时装设计师却不幸猝死于心脏病。
在这10年中，他所留下的优美典范与卓越贡献却是久远的，成为一道穿越时光隧道的永恒时尚。这期间他创造的艺术形象都一一成为经典，那种非常女性化的设计风格一直影响着时装界的设计师。他在时装中对肩、胸、腰部等细节的处理，至今仍然是设计师创作所惯用的设计语言。
迪奥首秀革命性时装引起业界巨大震动。发布会后，由Dagmar绘制的迪奥服装插画登上Vogue杂志封面。
时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。 接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。 一. 时尚插画的开始 时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。 在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。 十七世纪的艺术家雅克·卡洛（Jacques Callot）和亚伯拉罕·博斯（Abraham Bosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。 这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括Le Mecure Gallant，The Lady's Magazine，La Gallerie des Modes，Le Cabinet des Modes和Le Journal des Dames et des Modes。 在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。 二. 十九世纪的时尚图样（The fashion plate) 时装图样(The fashion plate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如Horace Venet的《 Incroyables et Merveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-Jacques Gatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。 法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。 高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。 到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。 时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。 三. 二十世纪的时尚杂志和插图 二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。 随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。 时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。 法国奢侈杂志《宪报》（Gazette du bon ton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的领军人物，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（Charles Martin），爱德华多·加西亚·贝尼托（Eduardo Garcia Benito），乔治·巴比耶（George Barbier），乔治·勒帕佩（Georges Lepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（Umberto Brunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。 在美国，大众市场时尚杂志《 Vogue》和《 Harper's Bazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。 Harper's Bazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。 从1910年到第二次世界大战爆发，《 Vogue》杂志的封面始终带有插图。 Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（Helen Dryden），乔治·沃尔夫·普朗克（George Wolf Plank），乔治·勒帕佩（Georges Lepape），莱恩德克尔(. Leyendecker)创作的艺术品。 第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（Eduardo Benito），查尔斯·马丁（Charles Martin），皮埃尔·布里索（Pierre Brissaud）和安德烈·马蒂（Andre Marty）。 四. 时尚插画的黄金时代 1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。 每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。 摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。 随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women's Journal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。 Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。 据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。” 迪奥在1940年代后期的“New Look”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。 五. 时尚插画的毁灭与复兴 到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章，或从事广告活动。 1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。 安东尼奥·洛佩兹（Antonio Lopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。 在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如La Mode en peinture（1982），Conde Nast’s Vanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。 六. 今天的时尚插画 介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。 摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。 在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。 1990年代，先驱插画师Ed Tsuwaki，Graham Rounthwaite，Jason Brooks和Kristian Russell等在计算机绘图领域开始兴起。 这一时期见证了计算机设计程序Adobe Photoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。 最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。 随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。 欢迎围观公号『绘实践』，可免费领取插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格行情。
可以在家装设计的时候加入这种元素，也可以在服装设计里面加入这样的插画，也可以在发饰或者是耳环里面加入这样的插画，加入这样的元素之后非常时尚。也可以搭配发箍或者发圈，可以在画壁画的时候加入这种流行元素。
我觉得普通人根本不可能拍出这样的风格，因为周迅有自己独特的风格魅力。
她这次的妆容造型我觉得非常的耐看。把她的优点全部凸显出来了。时尚感也非常的强。
还是挺不错的，可以说是底子非常好，所以能够驾驭得到任何的造型。
不得不说他在封面中的造型以及妆容真的非常漂亮，我个人非常的喜欢给人的感觉，特别的大气上档次，而且也比较时尚潮流。
随手翻开一本 时尚 杂志，呈现在我们眼前的是一幅又一幅绝美的摄影作品。但是 在百年前， 时尚 杂志从封面到内页都是以插画的形式为我们呈现当时的时装风貌 。
Vogue直到1932年才出现了第一张全彩摄影封面，也就是说，在此之前， 时尚 杂志中的图画是由插画师用画笔勾勒而成。
所以 时装插画往往是画一些已经被设计出来的衣服 。
时装插画师有自己的创作风格，同一件服装，不同插画师所描绘出的效果是不同的。
在摄影技术日渐发达的今日，我们已经很少有机会看到时装插画了。
今年国内的Vogue五月号中有一个关于“时装插画”的话题，采访到了时装插画师Jacky Marshall。上世纪90年代，Jacky在CK、DKNY等品牌担任设计师，后来他毅然决然转向插画，成为社交媒体时代时装插画的领军人物。
时装插画是一种艺术形式，虽然现在已经不是 时尚 领域的主流，但由于网路的发达、社交平台的崛起，时装插画师们的作品也有了更多的展示机会，以及让更多人看到的可能。
如今时装插画不再是刊登杂志，为人们讲解时装风格，所以创作时可以更加随意、随心。
如果你热爱 时尚 、热爱绘画，那将两者结合起来创作不失为一个很好的选择，做一名自由 时尚 插画师，将作品发布到社交平台上，相信你的才华会得到认可。
服装设计比 时尚 插画更复杂，与绘画也有一定的联系。
服装设计师在 设计服装时，会先用画笔把想法呈现在纸上，即设计草图 。
设计草图是为接下来的设计过程而服务的 ，不用像 时尚 插画那样考究和规范，甚至可以有些抽象，重点是展现出设计的要点。
当然也不乏一些绘制精美的草图。
设计草图绘制完成之后还有立裁、打版、制作样衣等等一系列复杂的工序，这过程中还要和各相关部门进行商讨、反复修改，达到理想效果之后才能投入成衣制作。
进行上述工作的基础是要掌握大量专业知识，外行人难以想象设计师工作的复杂。
服装设计是设计师对衣服的设计，把自己的设计想法用色彩画在纸上，即时装效果图，是在做成成衣之前的一种效果展现和预想。
时装插画是在时装效果图的基础之上发展而来的。最早的插画大多出现在 时尚 的Look Book中，相比摄影这种能用色彩和黑白展现任何一个幻想的表达手段， 时尚 插画，更像是一种徘徊于时装设计与非时装设计的间隙中的另一种对流行时装的即兴描绘方式，正如法国著名的插画家Jean Philippe Delhomme所说： 时尚 插画更像是一种接近于“街头诗歌”的艺术。
他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人 大卫.唐顿David Downton，1959年生于伦敦。 从孩提时代开始， 对他最好的款待就是一大页白纸。 然而， 大卫没有想到的是， 很久以后他可以依靠画为生。 ▲大卫.唐顿年轻时在画画 ▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。 ▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。 大卫最初学习的是平面设计专业， 他的第一幅作品是20世纪80年代早期， 为Which Computer 杂志设计的封面。 ▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。 ▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。 曾有15年时间， 大卫一直是自由职业插画师。 无论有什么事情发生， 他都很享受这种自由插画师的生活。 ▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。 ▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。 ▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画Paloma Picasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。 ▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。 大卫的作品线条简洁流畅， 很有质感，风格也不矫揉造作， 可以很好地展现出人体的优美体态。 因为这种独特的绘画风格， 有一些人开始邀请他制作时装插画。 其中，就包括 85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯， 她也是大卫的缪斯之一。 ▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由Thierry Mugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。 ▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！ ▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。 他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、 Eric这些艺术家心存景仰。 因此， 在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。 1996年他为杂志制作过高级时装展的插图， 1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。 最开始他眼花缭乱完全没有准备， 但是， 巴黎时装秀实实在在地， 激发出一个艺术家的灵感。 巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。 而这里的一切都让人神魂颠倒。 在模特走秀的时候， 大卫从来不作画。 因为他发现那根本无法进行， 他仅仅是摄影或者在一旁观看， 并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。 他抓住其他的任何机会来画， 模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。 比如：试衣的时候， 有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间... ▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。 大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。” ▲草稿也动人 大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉， 然后才是比例、颜色等一些细节， 然而，这一点是较难做到的。 ▲草稿也动人 大卫画无数份的设计草样， 然后从中挑选出最好的， 画得差不多的时候他就开始剔除， “分解—重建”它们。 他持续地画， 一直到它们看起来自然为止。 他为世界各地的知名媒体， 如《泰晤士报》《独立报》， 以及Harper’s Bazaar(a澳洲版）等， 撰写时装的相关报道。 并在伦敦举行过三次个展， 在纽约也举行过一次个展。 近年来， 他还为香港的购物中心设计视觉图像， 以及为Vogue女性时装系列绘制插画。 ▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。 ▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。 ▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画Valention F itting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。 ▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。 ▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。 ▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。 ▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。 ▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志Pourquoi Pas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。 大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~ 要想功夫深铁杵磨成针～ 想拥有超越别人之外的能力， 就要将能力修炼到极致！
记忆中好像没有特别有名的插画杂志，你可以去插画中国论坛上看看约稿函。这好像是国内最大的插画论坛了。
一般就两个途径，一个是去培训班找个老师带带你，还有一个是自学（有点废话。。。）我自身经验觉得，培训班是非常贵滴，但是自己学，学到一定情况是好难进步的。。。所以先自学，再上个好的培训班，最好是花田，火神之类滴（向往，没钱）。。。或者插画中国上的培训班也不错。。。自学方面，首先 ，不管是画什么 ，美术功底是一定要有的， 就像素描以及色彩， 然而对于插画来说，最重要的还是速写，不说达到这些基础要达到出类拔萃 ，但起码也要拿得出手，也就是多临摹，多注意观察，经常画画速写，还有就是看您个人偏爱纯手绘，还是数码绘啦~~~一般是有三种情况：一，纯手绘。二，手绘草稿，扫描或拍照，输入电脑，电脑加细。三，纯电脑。三种绘画方式各有利弊。。。纯手绘不仅功底要十分强悍，还要很有自己的坚持和态度，夏达，阮庭筠，翁子扬等等都是坚持纯手绘的插画师~~数码绘的强者挺多，俺就不例举了，您可以买块板子（数位板啦，刚开始不用太好啦，我用的是友基的RAINBOW，性价比高，便宜好用，又支持国货，多美。。）数码绘的好处除了省去买材料的麻烦外，就是可以模仿超级多的笔刷。。。一般画的好可以做游戏。。。不过现在大多数插画师采用手绘草稿，电脑上色。这样既方便在构图的时候更加整体，也方便上色的时候，继续深入和修改。不同的出版社有不同的要求，有些出版社出版绘本类型的书籍是，更注意追求手绘的效果，可能会更喜欢手绘，不过，大多数的商业插画比较倾向于电脑绘画。方便传输和修改。 “正所谓冰冻三尺非一日之寒 如果你只是一时兴起想画的话 也就先练练基本功 再去临摹临摹 时间久了 也能画出几张 要是真想入这个行列的话 就要考虑去学习专业的各种专业的绘画基础 如果能去什么培训班那对速成是最好的了 画插画非常考究人的各种知识水平 什么样的领域你都要涉及 最重要的是要一直保持热爱的心情最后 想画好插画可不是什么会点基本功就可以开始的 也不是什么突然有了兴趣就可以画的 这是一条漫长的道路 准备好了之后才能启程”这是引用某网友的话。。。讲的吧错滴。。。
插画杂志啊，彩绘不错。24格是动画的，也有很多插画。目前杂志就这两个办的非常好了。尤其推荐24格，内容很实际。不过这两本价格都有点小贵。不过印刷质量都是没的说的。我个人常常买的和插画有关的杂志还有艺术家和青年视觉，不过这两本都太泛了，主要是跟设计艺术有关的。网上有很多做的很好的电子书插画志，可以多去去相关的论坛求地址下载。
当红 时尚 插画师Helen Downie作品
时尚 插画作为元老级视觉传达媒介，在新时代不仅没有停止发展，更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的 时尚 插画师及其作品，你知道几个？
时尚 插画的黄金时代
早期， 时尚 插画与 时尚 杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收 时尚 、艺术、品位等信息的。可以说，那时的 时尚 杂志与 时尚 插画是互相成就的关系。
Harper's Bazaar杂志封面
时尚 插画与 时尚 品牌的碰撞
到了数码时代，摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以 时尚 插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结，但 时尚 插画行业并未因此沉睡，而是朝着新方向不断发展、进化着。
时尚 插画与 时尚 品牌合作，便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌，经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。
以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师Helen Downie创作的。值得一提的是，这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇，她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似，让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。
Helen Downie作品
虽然已是一位母亲，但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛，奇特又充满童趣。
Helen Downie作品
然而，这并不是Gucci第一次与 时尚 插画师合作了。早前，此品牌还曾邀请另一位插画师Alex Merry展开过一次更“艺术式”的合作。
从纽约到伦敦、米兰到上海，凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的 时尚 插画作品所占据。这样巨型 时尚 插画作品如此呈现，实属罕见，所以当艺术墙面的图片一发布，立刻就引起了网络上的一阵骚动。
Alex Merry作品
除此之外，Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖，让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面，观者从这些浪漫主义风格的 时尚 插画作品可以看出， 时尚 插画的风格早已不再单一。
Alex Merry作品
说起 时尚 插画与品牌的跨界合作，那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上，品牌就邀请了插画师James Jean进行二度合作，可见他作品的受瞩目程度。
James Jean与Oliver Schrauwen作品
此次，James Jean与比利时涂鸦艺术家Oliver Schrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品，就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。
与此同时，作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格，与Prada未来感的时装风格相结合，显得相得益彰。
James Jean作品
同年在Prada的女装秀上，品牌同样选择了与 时尚 插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师：Stellar Leuna、Trina Robbins、Brigid Elva、Joelle Jones、Giuliana Maldini、Natsume Ono、Emma Ríos和Fiona Staples。
她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外，还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给 时尚 注入活力的同时，也增加了 时尚 插画作品走向风格化的可能性。
时至今日， 时尚 插画作品早已不再墨守成规，只要你愿意动笔，人人皆可创作出属于自己的插画作品。
Grace Coddington作品
先锋 时尚 插画
除了与 时尚 品牌跨界合作外，还有一些职业 时尚 插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时，将 时尚 插画的绘画形式进行延展、探究，揣摩出了自成一派的风格。
先锋 时尚 插画师Velwyn Yossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条，与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出，他一直奉行着现代主义的美学理念。
Velwyn Yossy作品
而另一新星 时尚 插画师Ernesto Artillo则将 时尚 插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对 时尚 插画表现形式的传统认知。
他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合，用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大，赋予了静态为主的 时尚 插画几分动势。
Ernesto Artillo作品
他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上，而且还时常在世界各地展出。Ernesto Artillo说：“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样，我会寻找当中的平衡，也会找寻怎么可以打破现有的状态。”
Ernesto Artillo作品
纵使 时尚 插画的黄金时期已逝去，但不可否认的是， 时尚 插画依然在 时尚 领域占有一席之地，并同时饱含极高的艺术价值。
时尚 插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业，而当下受到追捧的插画作品的不断涌现，更是增添了 时尚 插画继续前行的可能。
James Jean动态 时尚 插画作品
了解完这些最红、最引人注目的 时尚 插画作品，大家皆可提起笔去尝试发掘 时尚 插画新道路。下一个当红炸子鸡，也许就是你。
精彩回顾：
[编辑、文/陈卓]
漫画名：神様はじめました （《元气少女结缘神》）作者：铃木ジュリエッタ（铃木JULIETTA）作品：人造人欧朵、恶魔甜蜜召唤这套漫画的宣传海报：
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给你点《读者》签约 画家 李晨的资料青年画家李晨构筑沈从文笔下的湘西风情在日前举办的2006东北首届连环画交流会上，刚刚由人民美术出版社推出的连环画册《黑猫》、《红嫂》受到了人们的关注和好评，这几本连环画册均出自我省青年画家李晨之手。在那一笔一笔细腻灵动的绘画中，浸润着画家的才气和激情。他将沈从文笔下湘西的宁静、自然及对人性美的追求淋漓尽致地展现在画纸上，他也将那战争的硝烟、英雄的质朴、英雄母亲的光辉呈现在人们面前。李晨的素描侧重对人物内心的揭示，意境的烘托中带有浓郁的文学性，他用绘画向读者讲述一个个动人的故事，透过那一道道苍老的皱纹、清澈如水的目光、惟妙惟肖的神情，带给人们深深的感动和心灵的震撼。以乡村真实场景为背景创作的连环画《戏迷》是他创作的第一部作品，靠着这套画，李晨敲开了《中国连环画》、《连环画报》等知名刊物的大门。李晨喜欢自己深有所感的故事，并用素描表现出来。他曾远涉白山黑水，深入沂蒙老区，又走进湘西的大山，寻觅着那些平凡背后感人至深的故事，在创作欲望的驱使下，不停地画着，把他的激情倾注到一幅幅图画中。他的连环画《你永远是最可爱的人》荣获“建党七十周年全国美展”铜奖、辽宁省美展一等奖，被中国美术馆收藏；《红嫂》获中国连环画“十佳”作品奖并被收入《中国现代美术全集》；《萧萧》入选第七届全国美展，并获“第二届连环画报”金环奖。从连环画《萧萧》到近几年编绘的《雨后》、《黑猫》和即将开始创作的《边城》，李晨的作品主要以沈从文的湘西小说为题材，将沈从文所描绘的景致与他的绘画充满诗意与想象完美地结合在一起。他说：“一个画家要找到适合自己的绘画语言，我的个性气质比较喜欢沈从文的作品，画风比较细腻，清新淡雅。”为了创作，他先后7次到湘西，在那里，他每时每刻都能感受到沈从文先生的存在，感受到他用语言构筑的湘西世界，寻觅着湘西旧日的风情。李晨告诉记者，创作《边城》一直是他的一个夙愿，他把一次次的湘西之行看作是为《边城》热身。为了看到小说中举办丧事的场面，他坐着当地的一种“蹦蹦车”，打着手电连夜赶了40多公里山路到一个小村；看到人们坐渡船的场景，他毅然从返回沈阳的火车上下来……他想在《边城》中对素描技法进行一些探索，尝试用素描画出每一块鹅卵石的光洁细致，水的波光粼粼及月光的柔美等。他不认为连环画是通俗、快餐文化，也没有把它当作快餐来做。他为《读者》杂志画插图已有两年，作品可谓千人千面；他受邀为《世界名著典藏》画插图，已完成了《安娜·卡列尼娜》、《雾都孤儿》、《远大前程》、《城堡》等名著的插图。创作中，李晨很少考虑市场，只是画那些他喜欢的，能够打动他的东西。他不喜欢现代画家的一些让人难以理解的观念性的东西，“作品能与读者交流，以写实来感染人们”就是他的艺术追求。