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还是挺不错的，可以说是底子非常好，所以能够驾驭得到任何的造型。
不得不说他在封面中的造型以及妆容真的非常漂亮，我个人非常的喜欢给人的感觉，特别的大气上档次，而且也比较时尚潮流。
随手翻开一本 时尚 杂志，呈现在我们眼前的是一幅又一幅绝美的摄影作品。但是 在百年前， 时尚 杂志从封面到内页都是以插画的形式为我们呈现当时的时装风貌 。
Vogue直到1932年才出现了第一张全彩摄影封面，也就是说，在此之前， 时尚 杂志中的图画是由插画师用画笔勾勒而成。
所以 时装插画往往是画一些已经被设计出来的衣服 。
时装插画师有自己的创作风格，同一件服装，不同插画师所描绘出的效果是不同的。
在摄影技术日渐发达的今日，我们已经很少有机会看到时装插画了。
今年国内的Vogue五月号中有一个关于“时装插画”的话题，采访到了时装插画师Jacky Marshall。上世纪90年代，Jacky在CK、DKNY等品牌担任设计师，后来他毅然决然转向插画，成为社交媒体时代时装插画的领军人物。
时装插画是一种艺术形式，虽然现在已经不是 时尚 领域的主流，但由于网路的发达、社交平台的崛起，时装插画师们的作品也有了更多的展示机会，以及让更多人看到的可能。
如今时装插画不再是刊登杂志，为人们讲解时装风格，所以创作时可以更加随意、随心。
如果你热爱 时尚 、热爱绘画，那将两者结合起来创作不失为一个很好的选择，做一名自由 时尚 插画师，将作品发布到社交平台上，相信你的才华会得到认可。
服装设计比 时尚 插画更复杂，与绘画也有一定的联系。
服装设计师在 设计服装时，会先用画笔把想法呈现在纸上，即设计草图 。
设计草图是为接下来的设计过程而服务的 ，不用像 时尚 插画那样考究和规范，甚至可以有些抽象，重点是展现出设计的要点。
当然也不乏一些绘制精美的草图。
设计草图绘制完成之后还有立裁、打版、制作样衣等等一系列复杂的工序，这过程中还要和各相关部门进行商讨、反复修改，达到理想效果之后才能投入成衣制作。
进行上述工作的基础是要掌握大量专业知识，外行人难以想象设计师工作的复杂。
服装设计是设计师对衣服的设计，把自己的设计想法用色彩画在纸上，即时装效果图，是在做成成衣之前的一种效果展现和预想。
时装插画是在时装效果图的基础之上发展而来的。最早的插画大多出现在 时尚 的Look Book中，相比摄影这种能用色彩和黑白展现任何一个幻想的表达手段， 时尚 插画，更像是一种徘徊于时装设计与非时装设计的间隙中的另一种对流行时装的即兴描绘方式，正如法国著名的插画家Jean Philippe Delhomme所说： 时尚 插画更像是一种接近于“街头诗歌”的艺术。
他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人 大卫.唐顿David Downton，1959年生于伦敦。 从孩提时代开始， 对他最好的款待就是一大页白纸。 然而， 大卫没有想到的是， 很久以后他可以依靠画为生。 ▲大卫.唐顿年轻时在画画 ▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。 ▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。 大卫最初学习的是平面设计专业， 他的第一幅作品是20世纪80年代早期， 为Which Computer 杂志设计的封面。 ▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。 ▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。 曾有15年时间， 大卫一直是自由职业插画师。 无论有什么事情发生， 他都很享受这种自由插画师的生活。 ▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。 ▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。 ▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画Paloma Picasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。 ▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。 大卫的作品线条简洁流畅， 很有质感，风格也不矫揉造作， 可以很好地展现出人体的优美体态。 因为这种独特的绘画风格， 有一些人开始邀请他制作时装插画。 其中，就包括 85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯， 她也是大卫的缪斯之一。 ▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯，服装由Thierry Mugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。 ▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！ ▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。 他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、 Eric这些艺术家心存景仰。 因此， 在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。 1996年他为杂志制作过高级时装展的插图， 1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。 最开始他眼花缭乱完全没有准备， 但是， 巴黎时装秀实实在在地， 激发出一个艺术家的灵感。 巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。 而这里的一切都让人神魂颠倒。 在模特走秀的时候， 大卫从来不作画。 因为他发现那根本无法进行， 他仅仅是摄影或者在一旁观看， 并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。 他抓住其他的任何机会来画， 模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。 比如：试衣的时候， 有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间... ▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。 大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特.摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。” ▲草稿也动人 大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉， 然后才是比例、颜色等一些细节， 然而，这一点是较难做到的。 ▲草稿也动人 大卫画无数份的设计草样， 然后从中挑选出最好的， 画得差不多的时候他就开始剔除， “分解—重建”它们。 他持续地画， 一直到它们看起来自然为止。 他为世界各地的知名媒体， 如《泰晤士报》《独立报》， 以及Harper’s Bazaar(a澳洲版）等， 撰写时装的相关报道。 并在伦敦举行过三次个展， 在纽约也举行过一次个展。 近年来， 他还为香港的购物中心设计视觉图像， 以及为Vogue女性时装系列绘制插画。 ▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。 ▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。 ▲大卫.唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画Valention F itting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。 ▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。 ▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。 ▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。 ▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。 ▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志Pourquoi Pas绘制的插画，模特为蒂塔.万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。 大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~ 要想功夫深铁杵磨成针～ 想拥有超越别人之外的能力， 就要将能力修炼到极致！
时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。 接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。 一. 时尚插画的开始 时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。 在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。 十七世纪的艺术家雅克·卡洛（Jacques Callot）和亚伯拉罕·博斯（Abraham Bosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。 这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是第一本时尚杂志，其中包括Le Mecure Gallant，The Lady's Magazine，La Gallerie des Modes，Le Cabinet des Modes和Le Journal des Dames et des Modes。 在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。 二. 十九世纪的时尚图样（The fashion plate) 时装图样(The fashion plate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如Horace Venet的《 Incroyables et Merveilleuses》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-Jacques Gatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。 法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。 高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。 到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。 时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。 三. 二十世纪的时尚杂志和插图 二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。 随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。 时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。 法国奢侈杂志《宪报》（Gazette du bon ton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的领军人物，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（Charles Martin），爱德华多·加西亚·贝尼托（Eduardo Garcia Benito），乔治·巴比耶（George Barbier），乔治·勒帕佩（Georges Lepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（Umberto Brunelleschi）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。 在美国，大众市场时尚杂志《 Vogue》和《 Harper's Bazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。 Harper's Bazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了独家合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。 从1910年到第二次世界大战爆发，《 Vogue》杂志的封面始终带有插图。 Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（Helen Dryden），乔治·沃尔夫·普朗克（George Wolf Plank），乔治·勒帕佩（Georges Lepape），莱恩德克尔(. Leyendecker)创作的艺术品。 第一次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（Eduardo Benito），查尔斯·马丁（Charles Martin），皮埃尔·布里索（Pierre Brissaud）和安德烈·马蒂（Andre Marty）。 四. 时尚插画的黄金时代 1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。 每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。 摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。 随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计，而诸如Vogue和Women's Journal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。 Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。 据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。” 迪奥在1940年代后期的“New Look”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。 五. 时尚插画的毁灭与复兴 到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章，或从事广告活动。 1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。 安东尼奥·洛佩兹（Antonio Lopez）是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。 在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如La Mode en peinture（1982），Conde Nast’s Vanity（1981）和Visionaire（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。 六. 今天的时尚插画 介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。 摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。 在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。 1990年代，先驱插画师Ed Tsuwaki，Graham Rounthwaite，Jason Brooks和Kristian Russell等在计算机绘图领域开始兴起。 这一时期见证了计算机设计程序Adobe Photoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。 最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。 随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。 欢迎围观公号『绘实践』，可免费领取插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格行情。
可以在家装设计的时候加入这种元素，也可以在服装设计里面加入这样的插画，也可以在发饰或者是耳环里面加入这样的插画，加入这样的元素之后非常时尚。也可以搭配发箍或者发圈，可以在画壁画的时候加入这种流行元素。
我觉得普通人根本不可能拍出这样的风格，因为周迅有自己独特的风格魅力。
她这次的妆容造型我觉得非常的耐看。把她的优点全部凸显出来了。时尚感也非常的强。
家居产品，厨房用品，时尚服装包包，鞋子，化妆品；现在的人们为了让产品有更好的销售，他们会将很流行的插画或者很有意义的图案印在各种产品上头，给他们的产品增加噱头，增加销售点。
可以在家装设计的时候加入这种元素，也可以在服装设计里面加入这样的插画，也可以在发饰或者是耳环里面加入这样的插画，加入这样的元素之后非常时尚。也可以搭配发箍或者发圈，可以在画壁画的时候加入这种流行元素。
Veja ——来自巴西的时尚生活杂志 The American Magazine ——来自美国的生活休闲杂志 Breed 07——来自美国的艺术、时尚、音乐、创意综合类电子杂志. ELLE ——来自美国的著名时尚杂志 Fitness Management ——一本来自美国的健身杂志 DIF #54——来自葡萄牙的前卫时尚生活电子杂志. Dot to Dot ——来自俄罗斯的休闲时尚电子杂志. Actitudes Issue 14——来自西班牙的流行时尚杂志 You Are Here Issue 52——来自泰国的青年时尚杂志 The American Magazine 03 2007——来自美国的生活休闲杂志 Seventeen 05 2007——来自美国的女性时尚杂志 参考网址: 上面还有很多,其他娱乐 时尚 设计 插画类的杂志,都可以下载的 也可以在上面查询到相应杂志的官方网址!
cd是Christian Dior，克里斯汀·迪奥品牌，档次高，值得购买。
迪奥公司成立于1947年，至今有72年的历史。72年的企业历史对于奢侈品行业来说，并不值得骄傲。很多大家耳熟能详的奢侈品牌，其历史要远远大于迪奥。在全球“老来创业”的著名人士中，克里斯汀·迪奥算得上是一位。42岁时，迪奥先生才创立以自己名字命名的品牌。但是10年之后，这位伟大的法国时装设计师却不幸猝死于心脏病。
在这10年中，他所留下的优美典范与卓越贡献却是久远的，成为一道穿越时光隧道的永恒时尚。这期间他创造的艺术形象都一一成为经典，那种非常女性化的设计风格一直影响着时装界的设计师。他在时装中对肩、胸、腰部等细节的处理，至今仍然是设计师创作所惯用的设计语言。
迪奥首秀革命性时装引起业界巨大震动。发布会后，由Dagmar绘制的迪奥服装插画登上Vogue杂志封面。
《VOGUE》杂志创刊于1892年，这个杂志创办的时间已经非常悠久了，同时社会的影响力也是非常大的。
vogueme杂志的单人封面和双人封面里面内容一样。上封传统是双人/多人刊单封或单人双封，常与超模合拍。两版封面，一版双人封面，一版单人封面，内容相同。
引言：时尚杂志对于时尚界的重要性是非常高的，因为他们通过自己杂志的创办可以向更多的人去介绍最新的时尚风向，也可以通过自己的影响力来为许多年轻的时尚设计师提供平台和帮助。而且有一些时尚杂志，它的创办历史比较的悠久，所以对于时尚圈有着举足轻重的作用。而《VOGUE》就是一个世界闻名的时尚杂志，那么《VOGUE》杂志创刊于什么时候呢？
《VOGUE》杂志，它是来自于美国的一个时尚杂志期刊，它创办时间是1892年。是世界上一个历史悠久而且非常受推崇的综合性时尚杂志，杂志的内容涵盖比较多，有时装，美容、化妆、健康等等，所以包含的项目也很广泛。同时《VOGUE》k杂志还在各个地区和国家都陆续的进行发行自己的杂志，其中比较重要的英国版《VOGUE》是创立于1916年。法国版《VOGUE》是创立于1921年。
《VOGUE》杂志的地位是非常高的，而且它的主编在时尚圈的话语权也很强。《VOGUE》杂志也是历史上第一本用彩色拍摄来表现时装的一个杂志。同时每一版的《VOGUE》封面中的选取也是很重要的，有时候会选取一些模特，有时候也会选取一些名人名流，每一期某个杂志对于很多人的影响力都非常的大。
值得注意的是，很多时尚杂志都在中国进行了发行和创刊。中国版的《VOGUE》虽然说它创刊时间相比于有一些地区要晚很多，但是发行量是非常大的。而且有很多人都会去关注，到底是谁上了封面，从而来判断这个明星或名流的时尚影响力。
我认为他们的形象非常好，他们的衣服很适合夏天穿着，这些衣服很可能会成为爆款。除此以外，他们佩戴的手表也很好看。
在一次节目采访里，有人问刘亦菲喜欢什么样的男生，或者男生喜欢什么样的女生，会因为这个而改变吗。而刘亦菲霸气回应我不会管他们喜欢什么。
《VOGUE服饰与美容》2020-10期封面 杂志名称 ：VOGUE服饰与美容 出刊类型： 月刊 期数： 12 国际刊号 ：- 国内刊号： CN 11-4563/G0 语种： 中文 适读人群： 年轻时尚女性读者... 类别： 时尚 更多优秀杂志，请关注【越读党订阅】
最近娱乐圈真的非常热闹，各家的粉丝总是能有点由头就吵闹一场，比如李宇春和刘雯完全不搭边的两个人，他们的粉丝却在网上吵的不亦乐乎，撕的那是一个“惊天地、泣鬼神”，那么她们之间到底发生了什么呢？感兴趣的小伙伴们快跟着小编一起去了解一下吧。
事件的起因其实就是一本杂志的封面。话说VOGUE这个杂志原定的3月期刊封面为名模刘雯，可是在2月中旬，VOGUE却突然宣布3月份的期刊封面换成李宇春，这就是两家粉丝互撕的导火索。
VOGUE的3月期刊封面改成李宇春的消息一出瞬间在刘雯的粉丝群中激起千层浪，刘雯的粉丝认为是李宇春抢夺了刘雯的工作资源，所以对李宇春充满敌意，更为刘雯抱不平。
很多人都说刘雯的粉丝在这件事上太过激，他们恶意P改李宇春的封面照片、对李宇春进行人格侮辱，这让李宇春的粉丝难以接受，于是一场对撕大战就此拉开帷幕。
对于这件事，小编想说VOGUE的3月期刊为什么突然改成李宇春我们作为公众不得而知，也许是刘雯工作行程出现冲突才临时更改为李宇春，也许是杂志要求临时有变才更改明星，也有可能是原定刘雯的公告信息有误，总之其中内因种种我们还是要理性看待这种情况，至于两家的粉丝，小编只能说互撕互损大放厥词真的是对自己爱豆好吗？这样的品性言论自己的爱豆会支持喜欢吗？即便不在乎自己的素养也要顾及一下爱豆的形象，小伙伴们说是不是呀。
这就是看似不搭边的两个明星突然让粉丝们互撕的原因，小伙伴们对于这段纠葛是怎么看的呢？对于她们粉丝互撕的现象又作何感想呢？欢迎给小编留言，大家一起文明讨论吧。
刘雯和李宇春平时交集也不多，这次粉丝能吵起来是因为时尚杂志封面的事，不过最后还是握手言和了。