陈丹青写论文题目叫什么

持续混乱的事故现场历史不是一架计算机。它在心灵和想象中展开。他体现在一种民族文化的多种多样的表现中。他本身是物质现实、其背后的经济现实和坚实的客观实际的微妙的中介物。——巴西尔-戴维森《现代非洲》中国当代新绘画语言表征暗合了混乱与过渡的中国当代艺术和社会的潜流，从80年代的伤痕绘画、乡土绘画 、理性绘画、90年代的泼皮和玩世现实主义、政治POP、艳俗绘画等。中国当代艺术随着中国社会结构的变化，由80年代的现代化理想到90年代市场和消费的全球化商业时代和信息化、网络资讯时代的来临，资本和市场成了新的神话。经济制度的深刻改变也同时深刻的改变了我们的政治、文化、生活、艺术。要解读在这个动荡而热烈的混乱现场里的中国当代艺术变得复杂和困难起来。集体主义的物质化欲望诉求，传统文脉的崩溃，当代人精神的普遍失落，以及全球化市场和后社会主义政治和经济转型期的混合，给每个中国人带来巨大的震荡和变化，呈现了荒芜的废墟和繁荣的工地交织的壮丽景象。这些构成了今天中国社会的基本特征。本文试图从2000年以来中国当代新绘画视觉语言的表征来揭示中国当代社会的精神症候和美学特征在艺术本体语言中所呈现的转换。80年代“宏大叙事”的现代主义诉求和90年代的符号化的政治神话的远去，集体主义潮流的不复存在，发生了从集体主义经验到个人经验的转换。生命的个体差异取代时代、国家、地域的“宏大叙事”的历史经验。“大众文化与微观政治”(1)时代的来临，谁也把握不住这个时代的整体，我们只是成为无数的碎片中的一环。“微观叙事”的到来，剩下的是艺术家的个人和个案，那些从现场里生长的具有普遍性的当代艺术经验和方法论，越来越具有国际性品质。以往的中国当代艺术过多强调社会学和“东方学”(Orientalism)特征，从而丧失艺术语言的本体诉求。本土现实中生长出来的文化经验和艺术语言变得越来越重要，当代艺术进程也由学习和参考国际艺术潮流资讯，发展到自我发现，清理和总结。这反映出中国当代社会进程和文化演变的自觉，经济的高速增长和文化荒芜的悖论。让知识界文化界重新思考我们的现代化道路、历史文脉和本土化经验的联系，只有无数的有价值的艺术家个案才会汇成艺术历史的洪流和当代文化的深度。但是国家一直没有关于当代艺术的赞助和扶持制度，当代艺术的状况一直是处于民间与地下状态。全球化时代的瞬间到来，有不少的海外学术和商业机构，如美术馆、基金会、画廊等，为中国当代艺术的推广和传播做了大量的介绍工作。国际资本和中国民间资金大量介入，艺术空间和艺术生态变得立体而丰富。当代艺术空间和机构在蔓延，使得艺术市场持续增温。如北京798从2002年以来逐渐引起大众和国内外媒体广泛关注，成为北京新的文化时尚前沿阵地和当代艺术潮流的地标。这些文化景观已经构成了今天的文化事实，它们正在点滴的改变我们的文化进程。尤其是一些国际性的画廊全面的进入中国，为艺术市场生态的国际化开辟了新的道路。今天的中国当代艺术舞台是新自由秩序和全球化经济和文化的战场。无论是商业，还是学术，每个人都逃离不了时间无情的审判和考验。推动今天艺术的发展到底是泡沫市场，还是艺术内部的动力呢？艺术在今天如果还有意义的话，或许是我们对这个崩溃和迷狂时代的质疑和追问，是我们用视觉编码这个混乱时代的信息，告诉后来者我们今天的种种精神痕迹…… 但是有谁还在追问历史、现场、个人的心灵呢？艺术依然还有穿透时空的神奇力量吗？究竟当代艺术发生了什么？90年代中后期全球性双年展“竞赛制度”让装置、行为、录像、摄影、多媒体等的迅猛发展，一时间绘画受到了空前的压力。绘画被排斥在前卫艺术之外，工具先进论是那个时期最主要的话题之一。“绘画死亡”的诊断书宣判了很久，存活下来的绘画产生了“抗体”。新绘画已经广泛的吸收了当代艺术中的装置、摄影、录像、网络、多媒体，以及其他媒介的元素，变异成另外一种新的图像工具。绘画已经不再是静态的观看和冥想，而是和今天的媒介发生了广阔的联系。今天的绘画已经成为一种普遍的当代艺术媒介。就像摄影术诞生曾经对绘画纪实性功能的颠覆，导致绘画走向语言结构的观念化和超现实主义和心理学的变化一样，当代也有不少的艺术家用摄影来模仿绘画，如加拿大的杰夫•沃尔(JEFF WELL)的观念摄影作品是对西方绘画中经典图像进行重新阐释和解读。我们看到了更多的画家把绘画当成独立的图像制作工具，绘画也在重新整合其他媒介的视觉经验和图像、观念的叙述方法，建立一种新的图像修辞学，或者在历史文脉中寻找到新的方法论。从课题和语言都在进行全面的绘画本体的实验，或者打破绘画的边界之后的延伸，多重特征的观念叠加，变得晦涩同时更赋有视觉侵略性。绘画不再是像伟大的思想和哲学那样静态的在博物馆里让人沉思冥想，今天的绘画和这个时代一样，呈现了空前的混乱，绘画表面的皮肤和内在的细胞都在变异。信息和网络化时代改变了我们观看图像、绘画的基本方式，图像的视觉化的表达代替了伟大的思想和哲学。我们看到绘画边界的延伸和拓展，新绘画变得未知、不确定性、充满了陷阱。这是今天绘画呈现的最基本特征，尤其反映在新绘画的语言中。今天绘画的边界在延伸，从结构到语言都在发生变化，从单一的线索演变成多重空间和叙述线索的重叠，要解码今天绘画的密码是困难的，我们无法再用符号化和政治化元素来粗暴的阐释今天的绘画。九十年代英国YBA一代关于颓废、战栗、耸动、暴力化的末世美学，对80年代经典的当代艺术美学产生了强烈的震荡！德国新莱比锡画派(NEW LEIPZIG SCHOOL)呈现的社会主义学院的语言特征，在他们的新绘画语言中，POP化，日常化，图案和凌乱空间的交织，新旧的冲突，现实和图像叙事的混杂，这和新表现主义的历史性的宏大叙事的语言特征相去甚远。中国当代新绘画中也在经历着这样的变化：远离宏大叙事、反符号化、反政治化，进入了个人化、微观化、碎片化的解构性的图像时代。我想通过对今天中国当代新绘画的语言表征来揭示和呈现，在图像和语言下的方法论和美学转向，以及中国当代社会的精神症候。新绘画吸收了装置、影像、多媒体、大众传媒等媒介的视觉经验，它们从社会学、历史文脉、当代现场、像素图像时代、网络、动漫、卡通、流行文化等方面延伸，绘画的边界在打破，绘画以他者的身份重新回到当代艺术的现场了。

没有生活原形或者现象就没有艺术创作的源头和灵感.也就是说生活中的所有点滴小事或者发生过的事是艺术素材的提供者和原形.而作家通过艺术手段的加工,精练的语言描述,有序的故事情节排列,渲染,夸张,集中矛盾等故事情节的等等描绘,就使一本小说或者是其他的文学作品更加的生动,耐人寻味.所以说,艺术来源于生活而又高于生活. 艺术源于生活有高于生活的例子:艺术就是生活的浓缩与提炼,它有时会把一些生活中的东西做的更纯粹,更极致。它是美的，纯粹的，带着创作者的个人倾向，必定是展现，提取他认为有价值的东西。就这一点说，比起日常的纷繁复杂，良莠不齐是高了。或许不是很准确，但举个例子 ，文学上各种修辞手法的运用，就使得作品与现实有了差异，更强烈，更震撼，等等。 艺术来源于生活而又高于生活 ————由参观淞博美术画社而想到的内容提要：本文以参观淞博美术画社小写意画——麦子的感想为导索，由此引发一系列联想，先是自己的漫画《工厂的烟囱》，源于对现实生活的观察与体验，受现实生活场景的震撼与惊悚。再是陈丹青的《西藏组画》，宋代《清明上河图》，进而又联想到姐妹艺术电影——《龙须沟》《本命年》；音乐二胡《二泉映月》流行歌《寂寞沙洲冷》；以及文学中鲁迅的《阿Q》，唐诗《江雪》，外国画家《女贵族莫洛卓娃》集立体主义、现实、超现实主义熔于一炉的毕加索的《格尔尼卡》最后以齐白石的《虾》源于其长期对虾的生活习性，形态的观察，进一步阐述艺术来源于生活，又高于生活做结束。关键词：小写意、四条屏、惊悚、借景抒情、立体主义、超现实主义、感性、理性、意象、并列展开式正 文一走进淞博美术画社，里面古朴的艺术根雕桌椅，磨砂紫茶壶、茶杯，以及色彩斑斓的国画花鸟山水，用大小写意表现的各种珍奇异兽……艺术之气扑面而来，我留恋往返了许久，其中尤其一组“四条屏”，用四种植物表现的“春、夏、秋、冬”中的“一条屏”——描绘的夏的代表象征物——“麦子”深深的吸引了我。麦子是我们平常人司空见惯的，可在这里艺术作者却于常人熟视无睹的“麦子”中发现美、表现美。作者对麦粒的表现，着实费了一番心思，对麦粒的精心排列与组合，每个麦粒于统一形态之中却又形态各异、姿态万千。对麦叶的概括与虚实穿插处理，对麦秆的艺术夸张与拉长，以及用色用墨的匠心独运，用线的轻淡、虚实、明暗、焦湿之变化，整幅画面清新、整洁、平静、俊秀、挺拔，这绝对是摄影所不能取代的，比起那些脏、乱、怪的所谓艺术，这才是真正的艺术。这说明作者只有对现实生活中“麦子”的深刻观察与体验，再加上较高的绘画技能才能画出如此之杰作，从而说明“艺术来源于生活，而高于生活”。再是我画的一幅漫画——《工厂的烟囱》，画的是一组工厂的烟囱正在喷着浓浓的黑烟，一股股黑烟蜿蜒扭曲着升腾，最后演变成一个个面目狰狞，圆睁着铜铃般大眼，张着血盆大口，龇着獠牙的妖魔，张牙舞爪的迎面扑来……这幅画源于我对现实生活的观察，是晚上我下了晚自习，正当走出校门时，突然间抬头看到校对过工厂的烟囱正喷着黑压压的浓烟，如妖魔般蜿蜒扭曲着升腾，使我为之惊异与震撼，给我一种惊悚，从而创作了这幅漫画。由此我还进一步联想到汽车、摩托车排出的尾气（内含硫化氢等致癌有害气体）他们如一个个隐形的蓝色妖魔悄悄得不知不觉得啃食着人类……由此我可以画一系列漫画叫《烟囱系列》。陈丹青就读中央美术学院研究生班时的毕业创作《西藏组画》源于他在西藏的生活体验。作品采用了极为朴素的写实主义手法，描绘了毫无戏剧性或文学主题性的普通生活场景，作品的清新与质朴在中国美术界引起了很大的轰动。当然，作者更多地借用了西欧古典绘画的技巧而不是苏式的绘画技巧。随后在中国各美术院校的毕业创作中，我们都能见到贴近我们生活的普通人和平凡的生活场景；院校的艺术创作开始走向了艺术的本真，即视觉语言上来了，对作品的阐释，还给了阅读者——观众。陈丹青如是说：“如果观众能够不期而遇地被作品的真实描写所打动，感到这就是生活，那就是我最大的愿望了……有人叫好，说我揭露并谴责否定了这种可怕的落后愚昧现象，我的回答是否定的，我讨厌用绘画去揭露什么，有人说我对他们抱着深切的同情和怜悯，也未必……”为人熟知的宋代张择端的《清明上河图》，表现了北宋京都汴梁（开封）清明时节的繁荣景象。画面以汴河为构图中心，详尽地描绘了各阶层人们的生活状态及民风民情。作品显示了艺术家对社会生活惊人的熟悉和独特的把握能力，不仅是古代写实主义绘画的突出代表，而且为后人研究宋代政治、经济、科技、文化、民俗等方面的情况提供了详实的形象史料。就绘画的姊妹艺术——电影，在排演老舍先生的剧本《龙须沟》时，导演就经常带着演员们到旧北京城这条臭水沟的居民区里深入生活，诸多电影的拍摄也都是如此，强调深入生活，其目的就是为了在艺术创作的过程中有真切的感受。著名导演谢飞在1989年拍的《本命年》不少观众对此提出非议，以为这是描写都市痞子青年的普通影片,但经批评家的分析，这部影片有大量的而且非常深刻的时代色彩，它表现的是在八十年代末期九十年代初,中国在生活、文化上都面临着一次大的转型,在这次转型中,不同的人会有不同的反映，影片的主人公李慧泉没有能适应这次社会的转型,因而在日渐激烈的社会竞争中变的越来越不适应，从而走向最终的死亡，(现实生活中如果有李慧全此人的话99%的是不会死的，这就是艺术来源于生活而又高于生活,提炼于生活的生动例证)他的死是有深刻的现实意义的,我们可以通过李慧全这样一个小人物,来体会到谢飞这样一位知识分子在社会转型中所承受的巨大的社会压力,从而也就能够把握当代知识分子在经济社会和消费时代的人文心态。千古绝唱《二泉映月》表现了对月光、泉水的经验而期待着清冷、凄凉的音乐形象，借景抒情，这源于阿炳对现实下层劳动人民凄凉生活的深刻体验与观察，从而创作了如此惊世之作。现代青年人爱唱的通俗歌曲《寂寞沙洲冷》，我认为写此首歌词与谱曲的人很可能与这歌有相同的生活经历，才能写出能引起某些人共鸣的如此感人之作。艺术中的情感来源于人们日常生活中的情感，而又不同于日常生活中的情感,后者的产生有相当明确的现实原因和功利色彩,即根据自己的利害而决定情感倾向,前者则和现实有一定的距离,艺术创作是以一种审美的态度审视和体会着世界，这种情感更持久、更深刻。比如，我们在看到一个游手好闲、好吃懒做的无业游民时，大都会生出厌恶的情感，而鲁迅从这些人身上发现了阿Q，再加上其他类型国民的劣等形象，综合创造了一个不朽的艺术典型形象，他对阿Q的情感是对中国国民的怜悯、难过和痛恨。俄国画家苏里科夫创作的名画《女贵族莫洛卓娃》，就是有一次他看到雪地上站着一只乌鸦，一只翅膀向下垂着……一个黑点停在雪地上……在好些年里，他说他不能忘记这个黑点……后来，他就画了《女贵族莫洛卓娃》。西班牙著名画家毕加索的代表作《格尔尼卡》（此画目前价高达千万美元），这幅画把立体主义、现实主义和超现实主义风格熔于一炉，在这幅画中，毕加索调动了各种技法，运用了立体主义的变形和任意组合的手法，也采用了超现实主义的夸张、象征等造型手法，全面只用黑、白、灰三色，强调悲剧的气氛和复杂的象征。毕加索创作这幅画，是为了抗议第二次世界大战期间，德国法西斯野蛮轰炸西班牙小城镇格尔尼卡的暴行，据画家自己解释，这幅画中心形象是一匹受伤的马，正在发出痛苦的哀鸣，这是惨遭法西斯血腥屠杀的西班牙人民的象征，画面左上角一只正在狞笑的牛头，是兽行、残暴与黑暗的象征。此外为了表现人民的苦难和法西斯的暴行，画面上还有被杀的战士，手持断剑，有妇女抱着死去的孩子，还有各种象征的形象，如一个头部，一只手臂把灯盏伸向前方，以及像眼睛的太阳等等。显然，毕加索是在这幅画的感性形式中蕴藏着深刻的理性内容，它强烈地体现出画家鲜明的爱憎情感。据说，当德国法西斯占领巴黎之后，一位德国军官在看到这幅画之后问毕加索：“这是不是你画的？”毕加索愤怒的回答道：“这是你们的作品！”唐代柳宗元的《江雪》，全诗仅四句：“千山鸟飞绝，万径人踪灭。孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪。”寥寥二十个字，诗人通过群山、小径、寒江、孤舟、一位头戴斗笠、身披蓑衣、手持钓竿的老翁、白雪这些感性的意象表达出清高、孤傲、敢于抗争的理性精神。联想到柳宗元写此诗时正遭贬低，就可以看出诗人是借景抒情、寓情于景，以次来抒发自己压抑苦闷的情感和倔强不屈的性格。再如齐白石的《虾》，主要运用淡墨，层次多变、富有透明感，生动地表现出虾在水中浮游的动势，以及虾外硬内柔、透明如玉的身躯。这幅画之所以能达到这样高的艺术水平，是与齐白石长期观察虾的生活习性，以及他对国画艺术语言的熟练运用分不开，因而，齐白石所画的虾享誉中外，具有独特的艺术魅力。由上述并列展开式论述可以看出，艺术是来源于生活的观察或感受、或体验，并以此为基础进行提炼、分析、取舍、概括、综合等艺术加工，进而形成于生活的艺术作品的。

读完某一作品后，大家一定对生活有了新的感悟和看法，这时就有必须要写一篇读后感了！是不是无从下笔、没有头绪？以下是我为大家整理的陈丹青纽约琐记读后感范文，仅供参考，欢迎大家阅读。 把《纽约琐记（修订版）》翻完后，终于确认了陈丹青在这书再版序言里的话——他出过这么三五本书，也就这么一本尚可读。大致原因，这虽是陈丹青先生第一回写书，但写得扎实，写得用功，特别那洋洋一大篇《回顾展的回顾》，读得出学生认真作论文的傻而珍贵的劲头。文字技巧，也不像之后那些书里捻熟得有些油滑。之后的书，批驳教育的文字，狂风一样刮着，刮完了，弱下去，只剩下不流动的空气。虽是不断再版着，那也只是畅销书的畅销罢了。 论阅读感，我其实很喜欢《退步集》，那是我读陈丹青的头一本书，也吸引我读掉他所有的书。因为文字好看，又是在骂人——好看的骂人，读起来很爽快的。《退步集续编》，凑数文章多，论及鲁迅的那几篇还可看，其余的不值书钱。《音乐笔记》谈的什么，不记得了，大致是借音乐谈他自己比借他自己谈音乐的文章多。至于《多余的素材》，题目也真恰当的，确是不成品的素材，确是多余出版，也许不如不出版的。 学生的时候，看到过原先两卷本的《纽约琐记》，觉得贵，舍不得买，似乎那个版本没彩图。这回的修订，定价比原先两本还贵，但我见到里面缤纷的彩页，大师画作与珍贵照片堆叠书页，即刻买下来。 我美术眼界的开窍，多亏李泽厚的那本《美的历程》，虽然那本书说的不全然是美术，但让我晓得美不是“好看”那么简单，就像我读过余华那本谈古典音乐的书，看过一些涉及摇滚历史的电影，晓得音乐不是好听那么简单。后来读朱光潜先生的《西方美学史》，如坠云雾，美的历史变成满篇满眼的哲学用语，读到康德那一章，终于读不下去，读不懂，放下了。后来明白，应该先看些哲学书的。这读了半本的书让我好歹明白，美不是漂亮那么简单，而是可以升华性命的。 《纽约琐记》的好，我想是对一个个画家的个性，一幅幅画作的`气质进行对照的罗列与陈列，让我明了美的概念里有着美学概念之下实在而生活的一面。陈丹青写画家们的平常日子，比如他写他的画家朋友奥尔，如何一边给人油漆广告牌忙生计一边自顾画着卖不出的崇古画。他也会写画家的逸事，比如他写德加画画的斤斤计较，会将许久之前送给朋友的画拿回来重新修改。他甚至单单描述画家的样貌。他也提出自己的观点，乐意颠覆往常的看法，比如他说毕加索的画人物肖像其实没有夸张，也没有变形，只是以儿童的视角，企图在画布上画出它所见的全部，所以将立体的面画成一个平面而已；比如他说夏加尔到晚期的画是假天真，天使飞得太久了。 我不知道他对不对，我并不懂得画。但我知道他说的好，因为那全然是一个阅画无数的画家看画的真切感受，是喜爱，是憎恶，是敬而远之，是远之且不敬——怎样感受，陈丹青便怎样说出来，丝毫不掩饰的。这是这本书最具价值的地方了，因为这些感受，叫我意识到，学会如何感受一幅画，是懂得画为何美的第一步。 我原先去美术馆看各种展览，只是硬生生盯着一幅幅画，盯着画里不动的景象，盯着色块，盯着笔触，盯着水早已干了的墨，看完了，好像没有看。 相比《回顾展的回顾》的严肃较真，书里有趣的，是一篇《我的画室》。画室是画家的中心，连接着怎样生存与生活。陈丹青讲了自己画室的租金，讲了怎样从一间空屋很快“摊得一塌糊涂”，讲了画室的被拆迁以及为拆迁而打的官司。那是一个留洋中国画家的生活自描了，陈丹青文字好，不乱抒情，读来轻松不轻巧。 书里也有对画论的辩论，对历史的翻检，有些是我不能理解，不能全懂的了。须得再多看些书，多看些画，再去读。 读完这书，按照书里提及的画家，又去城里一间卖美术书的小铺子里淘了几本画册，都是多年前出版的次等货色，印刷粗糙。我只买的起这些便宜货，不过这不大的城里真想买好图册，也买不到的。至于美术馆，有小小的两座，有一些省内当代画家的展览——和没有一样。只能眼巴巴再翻翻书里《美术馆》这篇文章，借陈丹青描绘，再幻想一把国外那些琳琅满目挂着珍贵画作的美术馆。