关于策展人不是谁都能当论文范文

“ 艺术并没有在政治领域发挥它的力量。 例如，艺术不能阻止世界各地民族主义运动和威权政府的兴起，也不能缓解全球各地流离失所者的悲惨命运。但是，艺术或许可以以一种间接的方式，为人们提供一些如何在“有趣的时代”生活和思考的指导。

Ralph Rugoff

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拉尔夫·鲁戈夫（Ralph Rugoff）自2006年以来一直担任英国伦敦海沃德画廊（Hayward Gallery）的总监。 海沃德画廊于1968年开业，被认为是英国最著名的公共艺术画廊之一。它是南岸艺术中心系统的一份子，这个欧洲最大的艺术中心曾获得英国艺术委员会的大量资助。2015年，拉尔夫·鲁戈夫曾任里昂双年展的艺术总监，策展主题名为La vie moderne。1985年至2002年期间，他为众多期刊撰写了大量艺术和文化批评文章，并出版于艺术杂志和报纸，包括Artforum，Artpresse，FlashArt，Frieze，Parkett，Grand Street，《金融时报》，《洛杉矶时报》，洛杉矶周报。在论文集“马戏团美国人”（1995）中，他探讨了美国西部的文化现象。同一时期，他开始担任独立策展人，组织“Just Pathetic”（1990）和“犯罪现场”（1997）等展览。曾任旧金山加州艺术学院（CCA Wattis Institute）董事（2000-06），他曾在海沃德画廊（Hayward Gallery）策划过多次群展，其中包括“现代生活的绘画”（2007），“心理学” “建筑物”（2008），展览包括了Mike Nelson，Gelitin和Do-ho Suh等艺术家的互动和沉浸式装置作品，和The Infinite Mix展览（2016）;他还策划了Ed Ruschka，Jeremy Deller，Carsten Holler，Tracey Emin和George Condo等重要的回顾展和个展。

“当你观看这样一场展览时，会意识到你看到的不过是一幅更大图景中的一部分。这也揭示了在看似越来越狭隘的信息环境下，艺术的存在变得更加模糊，包含更多的矛盾性”。2019年威尼斯双年展艺术总监拉尔夫·鲁戈夫（Ralph Rugoff）接受《艺术新闻/国际版》采访，以矛盾和悖论的艺术回应“有意思的时代”

鲁戈夫希望通过自己大胆的构想打造一届具有内聚力的双年展，他将整场展览拆分为军械库（Arsenale）和绿城花园（Giardini）两处展馆中的两场独立的部分，各自以相同的79位/组艺术家展示不同作品。他在3月公布展览细节时表示，他选择的作品是“多样的、含混的，可能引发矛盾和悖论的，希望通过不同形式的演绎与观众产生千丝万缕的联系。”

▲"Lee Bul: Crashing" 展览现场，伦敦海沃德美术馆（Hayward Gallery），2018

尽管主题在于解决“社会和社会话语中的强烈分歧”这一主要问题，鲁戈夫仍然希望展览可以是充满乐趣的。他表示，造成分歧冲突的一部分原因是当前“假新闻和所谓‘另类事实’（alternative fact）”的现象，“这对艺术提出了一个有趣的命题。当政府采取捏造或混淆事实的手段时，我认为艺术家们需要重新定义并采取新的形式提出质疑。简单的反对批评是不够的”。在展览筹备的最后阶段，他接受了《艺术新闻/国际版》的采访。

▲go Rondinone，《THANX 4 NOTHING》，2015年，于"The Infinite Mix: Contemporary Sound and Image" 展览现场，伦敦海沃德美术馆，2016U

Q：关于展览的主题，它的意义是什么？

A：我反思了过去两三年间发生的一些恐怖的政治事件，思考如何去策划这样一场展览，让它能够反映出我们所生活的时代，但又不会令人感到沮丧。我想到了这句我从小就听到过的话：“愿你活在有意思的时代”。关于它的含义，答案是开放的，它可能是构建一场反映时代的展览的方式，也可能是一种看待生活的视角：把这样的时代视作“有意思的时代”，而不是危险、恐怖、令人毛骨悚然的人类历史时期。实际上，关于这一主题也存在着假新闻的层面：这句话被当作是古老的中国咒语，在过去的100年里被不断重提。从战前的英国政客到希拉里·克林顿；从阿尔贝·加缪到亚瑟·查尔斯·克拉克，他们都引用过这句话，都认为这是古老的中国诅咒——尽管事实并不如此。现在我们生活在网络时代，我们可以发现，从来没有哪一句诅咒能像这样引发与时代相关的有意思的问题。

▲ 拉尔夫·鲁戈夫著作《Circus Americanus》封面

Q： 有多少艺术家的作品与假新闻或另类事实的概念直接相关？

A：一些艺术家非常直接地参与到这一概念的探讨，另一些关注的是社交媒体。我不想说这是关于假新闻和另类事实的展览。事实上，这场展览反对那种认为一场展览是与某些东西直接相关的观点，艺术之外的任何东西都可能是“关于”这一点或那一点。展览更多地希望能让观众感受到艺术作品的复杂性，通过自己的体验与作品产生不同的联系；作品能与观众进行对话，最终提出问题。对我而言，这就是展览的目的所在：为大家提供一些有趣的问题，日后可以随时拿来思考。对于这场展览来说，最重要的不是展厅内发生了什么，而是展览中所收获的体验如何在展览之外可以为观众所用。

▲刘韡，《微观世界》，2018年 铝板，尺寸可变

Q： 你将军械库和绿城花园的展览分成了两场展览，这是为什么？

A：有两个原因：一是为了回应一个极端分化的社会中愈演愈烈地分歧。英国脱欧就代表了这样一种分裂。此外这也是唤起人们对于艺术实践多样性关注的一种方式。有意思的艺术家会以不同的方式进行创作，他们的作品跨越各种形式和类别。当你观看这样一场展览时，会意识到你看到的不过是一幅更大图景中的一部分。这也揭示了在看似越来越狭隘的信息环境下，艺术的存在变得更加模糊，包含更多的矛盾性。

▲ARSENALE/军械库

Q： 艺术家往往被限制在某一类别里，而你却说： “艺术家可以去往任何方向，在这里，每个人都有两套工作方式。 ”

A：绝对是这样的。而且这其中的每种方式又是多维的。如果你足够近距离地去观察，就可以打破以往的那些束缚。这场展览中的许多作品可以体现这一点。这类作品总是让我感到兴奋，如果我在评价艺术作品时有质量标准，那这个标准就是艺术作品让你产生共鸣的程度，它如何让你感受到一种意义与另一种意义间的联系，并且永远不会有终点。这是一种无与伦比的体验。

▲Zanele Muholi, Bona, Charlottesville, Virginia, 2015   明胶银盐打印，80 x

Q： 你的展览中只邀请了在世的艺术家，而上一届威尼斯双年展中有很多已过世的艺术家。

A：卡塞尔文献展也有很多已故艺术家。重新关注那些被遗忘或未曾得到应有关注的艺术家已经成为了一种策展的新风尚。对我来说这样的项目是很了不起的，能带领大家认识理应被铭记尚且被忽视的人。我喜欢双年展是“一次性的”——我知道这个词用得并不恰当。双年展每两年举办一次，带来一种短暂的融合，双年展着眼于当下，而不是必须解决历史书里应该记录哪位艺术家的问题。作为策展人，对于已故艺术家的作品会有更多控制权，但是对我来说更有意思的是与合作的艺术家进行对话。这一次所有艺术家都很高兴可以展示两种不同类型的作品。没有人对此有所抱怨，我们当然可以期待大家是真的热切地支持这个想法的。

▲片山真理（Mari Katayama） Cannot Turn the Clock Back #005, 2017

Q：你说过如果是一条一望无际的通道，军械库的展览会是一场“死亡之旅”，所以你用了透明的隔板作区分。双年展可能会让观众看得筋疲力尽——你好像很清楚这一点。

A：是的。作为观众，我觉得双年展基本上是很辛苦的体验。我对于建筑对艺术品的影响一直很敏感，并且我对艺术作品被放置的方式以及其周围环境也非常敏感。在海沃德美术馆的12年工作经历让我更深刻地意识到建筑在策展中所产生的影响。军械库和绿城花园可以说是整个威尼斯区别最大的两处场所：一个是19世纪后期新古典主义的展馆，另一个原来是制绳厂，可以追溯到14世纪。可以说他们已经给每年的威尼斯双年展带来了一种分裂感，所以如果能有意识地处理这个问题应该会更好。

▲ARSENALE/军械库，威尼斯双年展主展馆之一

军械库是300米长的矩形，通常是被从头到尾分为两列；感觉有点像消化道：你从一头走进去，然后到另外一头被吐出来。通常大家都是按照建筑物的长度造隔离墙，但对我来说这样太像艺术博览会，你能俯看这条长长的走廊，两边都有艺术品，能看到太多的东西。因此，我们把这个长矩形空间垂直地平分成很多部分。这样比较像迷宫；我希望这样观众最终不会只是觉得很疲惫。可能还是会。但我认为至少可以让你在观看作品的时候集中注意力，因为你身后不会有其它15件艺术品的干扰。

回顾 | 2019年威尼斯艺术双年展

Jimmie Durham Various works, 2017 Mixed media

Photo by: Andrea Avezzù

Jimmie Durham

1940年生于美国的艺术家Jimmie Durham是这一届金狮奖终身成就奖得主。

此次展览中，Durham呈现了一系列为欧洲最大的哺乳动物而做的雕塑，这些哺乳动物中有许多正濒临灭绝——它们被屠杀，用于制造家具、工业材料和衣服。

在他的艺术研究中，Durham感兴趣的是“语言之外”发生了什么，以及形式和概念之间的关系。他反对西方理性主义，他的实践植根于不确定性和悖论之中。策展人Ralph Rugoff评价Durham的雕塑作品经常伴随着“幽默但深刻点评欧洲中心主义观点和偏见的文本内容……（他）对艺术领域的贡献在于其形式与概念的创意性、对不和谐和另类观点的巧妙融合，以及高度的游戏性，因而脱颖而出。”

影像 Arthur Jafa The White Album, 2019 Video

Photo by: Ben Davis

Arthur Jafa

美国艺术家Arthur Jafa为本届金狮奖最佳艺术家奖。

他在此次双年展中展出的影像作品《The White Album》聚焦种族的腐败性和脆弱性。这是一件不断发展的、一直在变化的作品，Jafa将现成的网络视频与自己的视频来回切换，画面在不同的镜头之间摇摆不定。现今，Youtube、Spotify等平台为艺术家提供不断重新创作素材的机会，这种混合输出是网络文化作为人类大脑延伸的一部分，“在线思维连续体”可能是描述Jafa作品的一种方式，随着文化在互联网上的生存与成长，它本身正日益与我们人类的神经系统纠缠在一起。

铁轮子 Arthur Jafa Various works, 2018

Mixed media

Photo by: Andrea Avezzù

George CondoDouble Elvis, 2019

Acrylic, gesso, metallic paint and pigment stick on linen

Photo by: Andrea Avezzù

Zanele Muholi  Various works, 2015-2018

Wallpaper

Photo by: Italo Rondinella

Haris Epaminonda VOL. XXVII, 2019 Mixed media installation

Photo by: Italo Rondinella

Haris Epaminonda

1980年出生于塞浦路斯的艺术家Haris Epaminonda是本届银狮奖最具潜力年轻艺术家奖的得主。

她的艺术是缝合、折叠和奇怪的对称。作品试图融合不同的东西，现实是由过去、日常生活和未来调和而成，通过积累物体和图像，将它们混合在一起，创造出一种视觉情感，让观众陷入其中。当代艺术并不回答逻辑问题，而是回答每种问题所特有的情感和敏感。

Tavares StrachanVarious works, 2018

Mixed media

Photo by: Liang Xiao

链 子  Yu Ji  Various works, 2013-17

Mixed media

Photo by: Italo Rondinella

灰色雕塑Yu Ji  Flesh in Stone series, 2013-18

Mixed media

Photo by: Italo Rondinella

Alex Da Corte ，Rubber Pencil Devil, 2019

Mixed media

Photo by: Andrea Avezzù

Nabuqi，Do real things happen in moments of rationality?, 2018

Mixed media

Photo by: Francesco Galli

Jean-Luc Moulène，Various works, 2009-2019

Mixed media

Photo by: Italo Rondinella

Yin Xiuzhen，Various works, 2012-2017

Mixed media

Photo by: Italo Rondinella

Martine Gutierrez，Body En Thrall from Indigenous Woman, 2018

C-print mounted on Sintra

Photo by: Italo Rondinella’

Jon Rafman，Dream Journal 2016-2019, 2019

Single channel HD video, colour, stereo sound

Photo by: Liang Xiao

Jon Rofman

在影片《Dream Journal》中，两位年轻的女主人公因不同原因踏上了一段但丁式的旅程，经历了Jon Rofman一系列荒谬的反乌托邦景观。这部影片支离破碎的故事线将深层的网络意象与经典史诗般的比喻和压抑的性欲幻想交织在一起，创造了一个网络成瘾者潜意识的噩梦般的景象。Jon Rofman的艺术关注人、互联网、机器之间关系强度所产生的模糊性和软病态。

Margaret Wertheim and Christine Wertheim

Pod Worlds – Beaded, 2005-2016

Embroidery beads, thread, sand, and rocks

Photo by: Francesco Galli

Sun Yuan and Peng Yu ,Dear, 2015

Air pump, air tank, hose, sofa

Photo by: Italo Rondinella

Gabriel Rico,Various works, 2016-2017

Mixed media

Photo by: Francesco Galli

END.

作为当代艺术策展人需要具备哪些本事？这是前不久我给沃什（Victoria Walsh）教授提的问题。沃什女士是英国皇家美术学院当代艺术策展人研究生培养项目主管、艺术史与策展专业教授，她曾任英国泰特美术馆公共教育部主任和策展人，既有实践经验，又有教育经验。在她看来，作为当代艺术项目策展人最需要具备的是“策展意识”。这话听起来有点抽象。但是如果我们结合该校当代艺术策展人研究生培养项目来讨论，就容易理解了。1992年，英国皇家美院开设了策展人研究生培养项目。从那时到今天，该专业已培养了308位硕士和6位博士。这些学生来自40多个国家，有丰富多元的文化背景，而学校提供的课程在全球化的文化氛围中，持续引领学科潮流，让学生真切理解策展的要义，在国际专业领域得到了高度尊崇。同时该校也在持续20多年的探索中形成了一套行之有效的策展人培养理念与完备的教学规划。从手头拿到的最近一届（2015到2016学年）策展人硕士研究生培养资料看，该校强调了这样一种理念：策展专业的学习要注重理论与实践的结合以及协作与适应能力。这是一种基于实践的学习和以研究为主导的教学。也就是说，要将知识的传授与研究和创造性的激发结合起来，在参与策展的实践中学习并研究“策展”理论。为此，该校在相关课程的设置上不设学科藩篱，在教学中强调与艺术家和公众的互动，在互动过程中，通过主动学习、协作沟通，来创新发展“策展”理念与方法。在沃什教授看来，皇家美院的策展人教育要让学生充分认识并理解理论与实践关系的重要性，要了解“策展”不只是一种“实用技能”，而是理念的展现形式，是一种实践形式。要通过思考与实践，进行反思与创新，从而超越现有的策展模式。为此，他们在专业与学术领域充分利用艺术院校的特殊背景和公共资源与环境优势，引导学生制订自己的策展议程，采用独立或合作策展的方式进行策展实践，以培养学生具有跨学科的研究能力和探索当代艺术策展本质的求真精神与策展能力。也就是说，作为一个合格的策展人，理论思考和策展实践是两翼并举的，超越表象的理性思辨与接地气的策展实践一个都不能少。这是推动策展活动不断创新的前提。除此之外，策展人的精神状态也很重要。一个充满自信，能够积极投身于当代艺术的策展实践、具有冒险精神和突破陈规、把握创意的掌控能力，能够形成让人信服的策展思想、清晰地架构既定的策展项目，找到方案的准确定位，这样的策展人便是他们所期待的。而要造就这样的人才，在教学环节主要是通过课程设置、教学框架与教学重点的确定来体现的。从课程设置看，该校的一个主要目标是培养学生成为具有创新意识的策展人，在当代艺术策展领域，能有效而又充满自信地开展工作。为了达到这个目标，在课程设置上他们细分出若干要求。一是培养学生具有社会、文化与政治意识，要有自我反思能力以及对艺术伦理的实践能力；二是培养学生具有批判性思维以及解决问题的能力，通过自信实验激发创新思维，寻求创新发展；三是培养学生的适应能力，能在各种情况下以灵活的方式找到资助、开展工作；四是培养学生具有清晰的沟通能力、制订合适的指标以及明确的目标定位；五是培养学生的协同能力，能够主动积极地协助策划。显然，这样的课程设置既有思想性又有操作性。再看他们的教学框架与教学重点，总体上他们试图通过对当代艺术的展览、展示，对艺术收藏品展开的讨论，以及对公共领域公共项目的讨论，来锻炼学生的观察能力、解释能力和批评分析能力，强化对这三种能力的培养。为此，他们也细分出若干要求。一是要求学生将自己掌握的理论模型和知识观念应用到对当代艺术的理解上；二是要求学生运用清楚的口头表达能力和专业的书面表达能力与合作对象进行有效沟通；三是要熟悉美术馆、博物馆、画廊以及其他艺术委托机构，开展策展实践；四是要提升对策展事务的行政管理能力和展览制作能力；五是要增强职业道德和策展人的责任感。协调好与艺术家和社会公众的关系。六是要处理好与资助人和资助机构的关系。从培养目标到课程框架以及设置要求，从抽象的原则到具体量化的教学指标，英国皇家美院对策展人的培养是有系统考虑的。不过，仅仅看教学这一面还不够，皇家美院对策展人的培养还有研究的一面。注重研究并将研究成果迅速转化为策展实践，是该校在国际策展人领域持续保持其权威地位的“秘诀”。事实上，皇家美院的策展人培养计划不仅包括硕士研究生的培养，还包括博士生的研究工作。在他们看来，研究工作也是一个重要的、综合性的实践活动，是知识不断更新循环的过程。将研究型教学与实践性学习结合在一起，不仅令理论常新，而且令策展活动更有深度。目前，该校在基础研究和教学创新方面已经形成了良性互动的格局。学生所做的策展项目，不仅有校内研究成果的支持，还可以与国际伙伴进行合作，这就大大拓展了研究视野和实践机会。这一点可以从他们对研究课题的选择上得到印证。比如，他们以跨学科的综合研究方法，对视觉艺术在全球范围内的相互激荡以及当代社会的热点问题，予以了极大关注，通过学术研究和策展实践，一方面回应了社会关切，深化了策展选题，另一方面也推进了策展理论与方法的发展，使研究、教学、策展实践三方面受益。那么，他们是怎么做到这一点的呢？在下一篇文章中，将通过对策展研究生培养项目在第一学年和第二学年的不同课程与教学方法的细致解析，来透视其中的奥秘。

“策展人”一词源于英文“curator”，全称“展览策划人”(或“策划展览的人”)，是指在艺术展览活动中担任构思、组织、管理的专业人员。在西方语境中，“curator”通常是指在博物馆、美术馆等非赢利性艺术机构专职负责藏品研究、保管和陈列，或策划组织艺术展览的专业人员，也就是常设策展人。与之相对应的则是“independent curator”，通常译作“独立策展人”或“独立策划人”。[1]中文“独立策展人”一词，20世纪80年代或更早开始在香港、台湾等地区及海外华人范围内使用，20世纪90年代开始引入中国大陆艺术界并在近年广为采用。“独立策展人”特指根据自己独特的学术理念来策划组织艺术展览、但其策展身份不隶属于任何展览场馆的专业人士。独立策展人在身份上不同于在美术馆、博物馆等艺术机构的常设策展人，当然更不同于通过组织商业性艺术展览赢利的画廊主(gallerist)或经纪人(dealer)。本文中，“当代”是一个时间概念，特指20世纪80年代至今。“艺术”特指视觉艺术和由视觉艺术发展起来的综合艺术(包括绘画、雕塑、书法、装置、摄影、录像、行为、网络等传统和现代形态的艺术形式)，本文研究的主要是在观念和形式上比较具有探索性的当代艺术。“展览”特指在一定空间内，按照一定的主题、序列和艺术形式将作品组合成群，通过供人观赏和参与来传播信息和直观教育的方式。展览一般短期展出、经常变换，与博物馆或美术馆长期展出、比较稳定的陈列有所区别。[2]本文所讨论的展览主要是非赢利性的艺术展览。“艺术展览体制”特指与这些艺术作品的展览相关的管理制度和操作规范。西方语境中的策展人与独立策展人策展人(curator)的产生与西方博物馆、美术馆体系的建立密切相关。英文“curator”一词在英汉词典中以前通常被翻译成“博物馆馆长”、“掌管者”、或“监护人”等，和艺术关系最为密切的大概是“博物馆馆长”。事实上，在西方语境中，“curator”作为职业最早也主要是指16世纪以来随着私人博物馆的兴起而出现的在馆内负责藏品研究、保管和陈列的专职人员。在某些情况下，curator可能也就是馆长(director)，亦需负责博物馆的行政管理、资金筹集和社会关系等。后来，随着艺术品在馆藏中数量增多和重要性上升，出现了专门负责馆藏艺术品研究、保管和陈列的人员。17世纪以后，私人博物馆开始向公众开放。博物馆经常按时代或主题组织一些专题艺术展览或陈列，这样就出现了早期的“策展人”。18世纪以后，在欧美等地出现了众多的国家博物馆，特别是专业的艺术博物馆或美术馆，如英国大英博物馆、丹麦哥本哈根国立美术馆、美国大都会艺术博物馆、法国卢浮宫国家艺术博物馆等。[3]在这些规模宏大的艺术博物馆或美术馆中，又进一步按照地区或时代细分，出现了专门负责某个地区或时代艺术藏品的研究、保管和陈列的专业人员，他们也负责相关领域的临时性展览，但一般不负责整个博物馆或美术馆的经营管理。这就是我们现在所说的艺术机构常设策展人。日本的博物馆、美术馆也参照西方的策展人制度，建立了学艺员制度。这些策展人或学艺员的专业背景通常是艺术史和博物馆学，其工作也主要侧重历史。 [4]最近20年左右，西方一些博物馆或美术馆开始设立当代艺术策展人职位，这些人员专业背景五花八门，有艺术史、博物馆学、艺术批评、艺术管理，也有专门的艺术展览策划学。其工作内容主要是策划组织各种具有探索性的当代艺术展。独立策展人(independent curator)在西方的源头可以远溯到19世纪末、20世纪初欧洲前卫艺术的兴起或更早。美国学者布鲁斯·阿尔什那(Bruce Altshuler)在其著作《展览中的前卫：20世纪新艺术》(The Avant—Garde in Exhibition：New Art in the 20th Century)中就提到几个较早的例子。在一战以前的法国巴黎，独立沙龙和秋季沙龙相继成立，追随印象派先驱开创的举办另类展览的传统，展出被当时官方沙龙评审委员会排斥的新绘画，并提出了“不要评委、不要评奖”的口号。以马蒂斯(Henry Matisse)为代表的“野兽派”的首次群展，就于1905年举办。展览的策划人实际上是马蒂斯的朋友、时任秋季沙龙副主席的乔治·德瓦里尔(Georges Desvalli ères)。[5]在后来的超现实主义流派中，法国作家、艺术批评家安德鲁·布勒东(Andr é Breton)作为该流派的主要发言人于1942年在纽约策划过大型展览“超现实主义的最初文本(First Papers of Surrealism)”。[6]美国艺术批评家克莱门特·格林伯格(Clement Greenberg)也曾于1950年在纽约策划“新天才(New Talent)”展。[7]尽管这些人在展览策划方面已经具备了独立策展人的某些特点，他们当时并不以“独立策展人”自居，人们也没有把他们当成“独立策展人”。严格意义上的独立策展人则是20世纪后半期，尤其是60年代左右才开始在西方社会出现的。一个较为明显的证据就是国际独立策展人协会(Independent Curators International)于1975在美国纽约成立，该机构旨在通过国际巡回展览等相关活动促进对当代艺术的理解和欣赏。[8]有文章认为瑞士人赫拉德·史泽曼(Harald Szeemann)是目前艺坛热门行业“独立策展人”的鼻祖宗师。他于1969年在纽约策划的展览“当态度成为形式：作品一过程一观念一情境一信息(When Attitudes Become Form：Works-Processes-C0nceDts—Situa—tions—Information”为当代艺术史创下重要坐标，其独特的策展理念和手法同时为“独立策展人”这一新兴专业领域奠立了基本的雏形。[9]史泽曼后来曾任第48、49届“威尼斯双年展”(1999年、2001年)总策展人。20世纪80年代以后，独立策展人在西方当代艺术展览策划中已经开始扮演主角，影响力越来越大，权力也日渐膨胀。这些“独立策展人”，游走于艺术家、美术馆、赞助人之间，运用他们的智慧、能力和关系，策划出不少颇具创意和影响的艺术展览。目前在国际上比较活跃的西方独立策展人有赫拉德·史泽曼(Harald Szeemann)、汉斯一沃里奇·奥布里斯特(Hans—Ulrich Obrist)等人。