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音乐有陶冶情操，促进人的身心健康的功能;下面我给大家分享关于音乐的科技论文1500字，大家快来跟我一起欣赏吧。
将流行音乐有效地带进音乐课堂之我见
摘要：将流行音乐带进中学音乐课堂，是中学音乐教育的迫切需要，也是中学音乐教学的必然趋势。音乐教师要正确指导学生欣赏和学唱流行歌曲。要发掘流行音乐中的古典元素，丰富音乐课堂教学，不断增强学生学习音乐的兴趣;要有选择性地让学生欣赏并学唱流行歌曲, 不断增加音乐教学的“流行元素”、“健康元素”;要注意把握流行音乐与传统经典音乐的比重,突出教学重点。
关键词：流行音乐 音乐教学 选择性 健康元素
流行音乐具有歌词通俗易懂、曲调朗朗上口等优势。20世纪90年代中期以来，流行音乐受众迅速低龄化。现在的中学生可以说没有不喜欢流行音乐的，有的甚至到了痴迷的程度。面对这样的状况，作为一名中学的音乐教师，笔者认为，合理地将流行音乐带进中学音乐课堂，是中学音乐教育的迫切需要，也是中学音乐教学的必然趋势。客观来讲，有些流行歌曲的内容、格调不太适合中学生，会对他们的人生观产生消极的影响。我们将流行音乐引入课堂，目的正是在于加强对流行音乐的正确引导，帮助学生们仔细分析流行歌曲，引导他们在音乐教师的正确指导下有选择地欣赏和学唱流行歌曲。具体而言笔者有以下几点粗浅的见解。
一、发掘流行音乐中的古典元素，丰富音乐课堂教学
目前，中学音乐教育中普遍存在着这样一个现象：学生喜欢音乐，但是不喜欢音乐教材上面的音乐，而是特别钟爱那些耳熟能详的流行歌曲。其实现在很多的流行音乐都运用了古典音乐中的音乐主题，因此我们在给学生上课时，可以抓住这个特点，适当的引出与之相关的古典音乐供大家学习、鉴赏、提高。这样的教学形式应该比单纯的学习古典音乐效果要好。
例如：在一次音乐课中，笔者向学生教授“音乐作品的个人风格”，教材列出的内容是莫扎特和他的《第四十交响曲》。笔者刚介绍完作曲家，准备让同学们先完整试听音乐时，教室里面立刻传来一阵阵“唉···唉···”、“真没劲···” 的声音。于是笔者灵机一动说：“同学们，今天我们学习的音乐里面的音乐主题是大家都很熟悉的。因为在大家都非常熟悉的流行音乐里面运用了这首作品的音乐主题。这首流行音乐到底是什么呢?为了让大家更清楚这首音乐的出处，请你们跟随老师的思路。首先听老师试唱音乐主题一。”当我还没有唱完音乐主题一时，底下已叽叽喳喳地讨论开来。学生们有说是SHE的《不想长大》的音乐，有说是韩剧《My girl》的插曲，气氛十分热烈。我充分把握住学生们情绪热烈、精神兴奋的有利时机，趁势引入莫扎特的《第四十交响曲》，让学生们用对比的方法分析、比较了作品与流行音乐的异同。同学们积极思考、讨论热烈，得出“莫扎特的作品与那两首流行音乐虽然旋律相同，但在情绪上有很明显的差别”的结论并具体分析。一节课就这样在很愉悦很融洽的气氛中结束了，很好地达到了教学目的，更重要的是拉近了学生和音乐老师之间的距离，增强了学生们学习音乐的浓厚兴趣，进一步调动了学生们上音乐课的积极性。
二、有选择性地让学生欣赏并学唱流行歌曲
当前，我们的音乐教科书特别是初中的教材里已经开始出现一些流行音乐。但教材里的音乐经过编写、定稿、出版再发到学生的手中需要一定的时间，而且教材不可能年年都在重新改编，因此教材里的流行音乐有些滞后甚至是落后，学生们普遍觉得书中的音乐不太符合现在的时代特点，于是便出现了学生喜欢唱歌而不喜欢音乐课中的歌曲的尴尬场面。但必须认清一点，流行的不一定都是好的。流行音乐的发展良莠不齐，并不是所有的流行音乐和歌曲都适合学生、适合音乐教学。笔者所在学校每年的文艺汇演、卡拉OK或生命教育展示周的节目筛选时，很多学生首选都是像《死了都要爱》、《爱情买卖》这样的情爱歌曲。可见，音乐教师在课堂上引入流行音乐的一个重要职责，就是要选择一些和时代相结合的音乐并配合音乐教材中的音乐供学生欣赏或学唱，如北京奥运会前群星演唱的《北京欢迎你》，5·12汶川大地震后成龙演唱的《生死不离》等等。还有一些有利于学生身心健康发展的歌曲，比如臧天朔的《朋友》，孙楠的《红旗飘飘》，陈红的《常回家看看》，欧阳菲菲的《感恩的心》等等，不断增加音乐教学的“流行元素”、“健康元素”。
总之，在音乐教学中积极引入流行音乐是适应教学相长的有效措施，同时要注意对流行音乐、歌曲的“健康选择”，避免让学生不辨善恶的听，要“取其精华，去其糟粕”，只要是健康的、积极向上的流行音乐和歌曲，就可以让学生接触、了解和学习。学生们在音乐教师的引导下有选择的去欣赏、去学唱流行音乐和流行歌曲，要比回避或强行制止的效果好的多。
三、注意把握流行音乐与传统经典音乐的比重
将流行音乐引入音乐教学只是手段而不是目的。笔者从事音乐教学时，除了用流行音乐来带古典音乐和有选择性的加入流行音乐在课堂中进行欣赏和学唱外，每节音乐课还会留出一点时间让学生听听教师为他们选择、准备的流行音乐，极大的提高了学生学习音乐的兴趣，同时也有效地规范了音乐课堂的纪律。但是要注意的是，在留时间给学生欣赏流行音乐和歌曲时，一定要注意时间的把握。不要让学生听流行音乐的时间多过了我们上音乐课的时间，这样的教学就没有任何意义了。要清楚，我们将流行音乐带进音乐课堂是为了让学生更好、更多的学习和了解传统的、经典的音乐，而不是喧宾夺主，把整节课或者是大部分的时间都用于听流行音乐和歌曲。如果本末倒置，这样的音乐课随便叫什么人都能上下来，哪里还需要专业的音乐老师?学生们哪里还需要接受什么专业的审美教育?因此，一定要把握好播放流行音乐和歌曲的时间。笔者在音乐课堂上一般都只留几分钟的时间让学生听听适合他们听的流行音乐，效果很好。
综上所述，音乐教师应该发挥自身主观能动性，适当的、合理的将流行音乐有效地带进中学音乐课堂，为音乐课的普及、学生素质的全面提高起到积极的作用。音乐是美的艺术，音乐教师是美的传播者，让我们音乐教师用一切有效的手段带领学生走进音乐的殿堂，在轻松、活泼的音乐气氛中感受美吧!
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音乐，是人类时代进步的象征，每个时代都有反映这个时代的音乐，音乐永远都是人们追宠的物件。下文是我为大家蒐集整理的关于的内容，欢迎大家阅读参考!
浅析计算机音乐创作的作曲方式
随着科学技术的发展，计算机在音乐创作中也发挥着重要的作用，计算机音乐创作已经成为了一种音乐风格。计算机不仅改变了音乐技术手段，也改变了创作方式，丰富了计算机音乐创作的形式，提高了创作的范围。计算机音乐创作对于突破现有的音乐风格具有明显的优势，这也是计算机创作研究的重点。
一、作曲流程一体化
在传统的音乐创作中，主要是作曲家使用乐谱编码音乐资讯，演唱家和演奏家按照作曲家的编码进行解码，这就是还原演奏真实的效果。在这个过程中，乐谱的过程非常重要，因为乐谱并不能完整地记录整个过程，所以作曲家的编码有可能会出现差距，演唱家和演奏家在进行解码的过程中就会加入很多创新因素或者是理解上的因素，造成了实际的歌曲和作曲家展示出来的并不相同。
使用计算机创作音乐则没有这些差异，首先计算机能够让作曲家的编码过程更加简便，能够真实详细地记录作曲家的资讯。同时，计算机还降低了演唱家和演奏家的解码难度，这个过程的转换都由计算机来完成。作曲家只需要在琴键上完成常规的演奏，这些演奏资讯就能够在计算机上进行自动编码，这也是数字编码的真正内涵。计算机能够实现自动解码，这个过程中就是数字讯号转向了模拟讯号。在进行计算机作曲的时候，作曲家要将构思、创作和演奏形成一个统一的整体，能够对音响效果进行及时处理，能够有质量地安排最好的成品。
二、融合听觉和视觉的感受
计算机接收到了作曲家的讯号之后，能够及时地将资讯转化成为声音讯号，作曲家就可以通过耳机或者是音箱进行歌曲的感知。计算机会将这些声音讯号呈现在音序器软体介面中，显示和音响一致的多种图形，有MIDI事件表、多轨图形、乐谱、声音讯语、时间码以及其他的指标，这些会让作曲变成一种动态的过程，多个介面能够单独或者是同时显示各个引数，实现了视觉和听觉上的结合。作曲家可以直接看见无形的音乐，同时对曲子进行编制，通过合并、复制、剪下、删除、复制等工作，实现了和文书处理一样的功能，不需要像传统作曲一样凭借著记忆预想声音，而是在视觉和听觉的体验中完成作曲。
***一***拼格组合音乐图形
作曲家在传统的作曲过程中大多是枯燥的，为了创作一首音乐歌曲需要写出成千上万的音符，不满意的音符还要不断调整修改。很多作曲家在枯燥和繁重的工作中失去了创作的灵感，也失去了创作的兴趣。相对而言，计算机创作歌曲则是转变了了声音繁重枯燥的工作，作曲家只需要在这个过程中将自己的灵感及时记录在计算机中，就能够得到一定的音乐效果。作曲家可以根据音箱或者是耳机展示出来的效果进行修改，在调整中提高作曲的效果。在演奏结束之后，作曲家还能够随意地编制音乐，进行重组和删除，改变原来的播放模式，实现音乐的移位、调转、变形、倒影、缩短、拉长等，给一首音乐选择很多的音色，让乐器演奏出来不同的曲调，让单调的音乐变得更加有意义。这个在计算机上的编辑过程就像是拼图游戏一般生动有趣，作曲家的灵感层出不穷，作品的质量不断提高。
***二***立体化安排线性思维
观众在听音乐的过程中，一般都是按照时间的顺序欣赏音乐，在脑海中呈现了线性的思维模式。计算机作曲就打乱了这种欣赏模式，可以使用拼图的方法进行音乐片段的拼接，打乱现有的顺序，使用立体化的顺序展示。计算机实现了立体化的线性思维，可以在图形拼接中完成作曲，打破了时间的装置。作曲家在计算机软体上对看不见的音乐片段进行切换重组，将顺序性的顺序打乱之后立体安排，提高音乐的立体感。
***三***扩充套件了素材的可能性
传统作曲一般都是将表现力、音域、音色作为主要是的创作方式，这是书面创作和口头创作的方式。计算机进行歌曲的创作则是打破了这种创作模式，可以模仿常规的乐器音色，使用非乐器的声音素材作为创作的灵感，创作和发明创作的音色。作曲者可以在大自然中进行声音的采集工作，可以是动物的鸣叫和吼叫声，也可以是风声、流水声、海涛声音甚至是工业上的嘈杂声等，这些都是内容丰富的素材。使用计算机合成器能够将各种各样的声音素材收集起来，然后将各种模拟音色制作成为失真音色，打破了时间和范围的限制。只要是作曲家能够想到的音乐，都可以使用合成器创作出来。作曲者还可以使用广播电视、VCD、CD等的音乐拼接起来，形成自己的音乐素材。作曲者通过实际的模拟之后，能够找到最想要的声音效果，打破了传统的歌曲创作模式，提高了音乐的无限性。
在歌曲创作中，计算机音乐创作是重要的组成，并且占据着更加重要的地位。计算机打破了原有的创作模式，提高了音乐的可塑性和无限性，让音乐的创作更加灵活，是重要的创作方式。
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你好业余作曲者可以将自己的作品发往音乐制作公司，若被选上可以出手版权获利。业余作曲者还可以通过各种媒体传播自己的作品，以达到原创推广。希望能帮助你音乐与作曲技术-旋律霄霄
当我们把音乐作为文化来看待的时候，对于音乐的研究就已经开始了，音乐类的文章就涵盖了各个方面，音乐教育、音乐表演、音乐曲艺、歌曲、乐器，西方音乐、民族音乐等等。那么这些关于音乐方面的研究成果能刊登、或者是需要刊登在哪些的期刊上，我在这里想谈一下我了解的期刊。 《中国音乐教育》 这本杂志在1989年创刊，多年来来承蒙各界专家学者及广大音乐教育工作者的厚爱，如今已成为我国颇具影响的惟一一本国家级音乐教育期刊。 这个期刊主要刊登是的是音乐教育教学类的文章，积极推出在基础教育音乐课程改革实践中的教学经验和成果，配合音乐教育新课程的深入实验和全面实施。内容涵盖从基础音乐教育研究到高校音乐教育研究，以及对音乐教学方法的研究，是一本适合学校音乐教师发表音乐教学类学术成果的期刊。 《黄河之声》： 黄河之声主要以关注音乐人事，探讨音乐理论，挖掘音乐新人，展示音乐成果为宗旨，内容涵盖了有关于音乐的方方面面。其中包括作曲技术理论、民族音乐学、中国音乐史、西方音乐史、音乐美学、音乐表演、音乐教育、音乐探索、影视音乐、戏曲音乐、宗教音乐、舞蹈理论、音乐治疗、音乐与文学、音乐产业、书评与述评、艺术管理、艺术研究的内容，可以说是音乐期刊中比较权威，也比较全面的期刊。 《北方音乐》： 北方音乐主要刊登的是音乐作品、音乐理论和音乐教育等专业方向的文章，这个期刊不仅可以刊登音乐理论型的文章，也可以刊登音乐作品，实践或者是理论型的文章都可以投稿。其中还专门设置的有戏剧戏曲栏目，专门来发表传统曲艺的研究成果。 ………… 投稿的文章格式：标题(20字以内) ->作者->工作单位(院系处室)->摘要->关键词->正文->参考文献->作者简介(性别，出生年月，籍贯，职称，学历，研究方向，从事工作)->联系方式(电话) 以上都是音乐类专刊，还有一些综合期刊也可以发表音乐类文章， 具体应该如何投稿和发表 ， 可以根据下方的联系方式找期刊编辑吧，了解更多的论文发表详情吧！
中国青年音乐家协会副主席、湖北省音乐家协会理事和理论委员会主任、湖北省政协委员、武汉市政协常委、民进湖北省委委员和 武汉市委主委、湖北省有突出贡献的中青年专家、湖北省高校跨世纪学术带头人，享受国务院特殊津贴专家，人民音乐出版社主办的《音乐研究》季刊和中国音乐家协会主办的《音乐创作》季刊编委。教育部本科教学工作水平评估专家；湖北省政府第三届学位委员会委员。担任人民音乐出版社“研究生教育丛书”主编。彭志敏教授常年从事作曲与作曲技术理论的教学和研究，特别是关于20世纪西方新音乐作品分析及其方法论研究。先后发表了《音乐数控理论导言》、《论音乐进程中的第一完全数现象》等专业学术论文和各类音乐评论近百篇；独自与合作出版了《音乐分析基础教程》、《新音乐作品分析》、《简明曲式学教程》、《柴科夫斯基交响曲》、《中国传统乐理教程》（合著）等各种专业著作多部；创作发表了《山民印象》、《风景系列》、《八山旋读》等有特色的探索性音乐作品，其数理特性与逻辑方法已进入国际同行的研究视野，是国内有影响的中青年音乐理论家。 2006年9月21日，在中国民主促进会武汉市委员会第十次代表大会上，彭志敏当选为市民进主委。彭志敏出生在教师世家。1974年考进武汉音乐学院作曲专业学习，1978年毕业，留校任教。1979年，他出席了“全国首届和声学学术报告会”；1985年，他又出席了“全国首届青年作曲家年会”；1982年，他的散文诗配乐在中央人民广播电台播出；1985年，他创作的钢琴弦乐三重奏《山民印象》，获全国第四届音乐作品比赛三等奖。同年，他用数学方法创作的钢琴作品《风景系列》，在国外引起广泛关注并正式进入国际同行的研究视野。1997年他出版了国内同课题第一部专著《音乐分析基础教程》。1999年至2004年期间，他又出版了《柴科夫斯基交响曲》和百万字篇幅之巨的《新音乐作品分析教程》(上下册) 等7部专著。1998年，他创作了钢琴独奏《八山旋读》，这是一部有特色的探索性作品，2001年在国家级刊物《音乐创作》上发表。他创作的《晨雾》1991年获湖北省艺术歌曲比赛一等奖；他制作的音乐节目“回旋曲的历史回顾”、“钟信明的《第二交响曲》”、“世界乐坛漫步20讲”等，1991年相继在湖北人民广播电台播出；由李岚清同志倡导的“走进交响音乐·勋伯格、贝尔格和威伯恩”，2002年在中央电视台第10套节目多次播出，2004年由湖北教育出版社出版全套DVD和同名教科书。1987年—2001年，彭志敏担任音乐学院省级重点学科所在的作曲系系主任，从事作曲与作曲理论的教学与研究，主讲“曲式与作品分析”、“音乐分析学”、“音乐名作欣赏”等课程。他撰写了论文《传统作曲技术理论内容的科学延伸与学科综合：关于赵晓生<传统作曲技法>及有关的问题》，在《音乐艺术》2004年第1期发表，并获湖北省2005年文艺评论评选一等奖、2005年全国第五届文艺评论评选二等奖。他多次出席音乐报告会、学术研讨会，访问了德国、法国等国家的音乐学院，不仅开阔了他的视野，而且可以让他用冷静理智的眼光来审视音乐、构造音乐。他先后发表了学术专业论文和各类音乐评论文章100余篇，创作和制作了数十部音乐作品和音乐节目，是国内有影响的中青年音乐理论家。2001年至今，他担任了武汉音乐学院副院长兼东方交响乐团团长。曾起草了《武汉音乐学院教育发展与改革第十一个五年规划纲要》； 撰写了《关于我院〈乐理〉课程建设与改革的几点思考与建议》及《无形的变化，有限的更新：关于〈曲式〉或〈曲式与作品分析〉课程内容的拓展与选择》等多篇论文。他还负责了一些科研项目，2005年结题的有：文化部“全国艺术学科规划项目·20世纪作曲技术发展史”； 湖北省教育厅“社会科学研究项目·现代作曲技术理论研究”等，主编了湖南文艺出版社“现代作曲技术理论丛书”和人民音乐出版社“研究生教育丛书”等。2006年10月25日，由于他在2005年—2006年度讲授的《新音乐导读》受到学生的广泛好评，因此被武汉音乐学院授予“最受学生欢迎的集体课教师”称号。同日，他由于指导的学生获得中国音乐家协会颁发的第五届中国音乐金钟奖铜奖，而被武汉音乐学院授予“专业比赛指导教师奖”。2011年当选为湖北省音乐协会第八届主席，新一届的主席团还聘请谢功成、赵德义为湖北省音协第八届名誉主席。2012年9月25日，在湖北省文联第九次文代会上当选湖北省文联副主席。
在2022年4月24日凌晨2点45分我国著名的作曲家、音乐理论家、教育家姚恒璐在家中去世，享年71岁。姚教授的去世我国作曲与作曲技术理论界的重大损失。姚恒璐目前担任中央音乐学院作曲系教授，博士生导师。姚教授曾在1989至1994年英国利兹大学留学并或得了作曲专业音乐硕士及作曲专业哲学博士学位。再1995年回国后便在中央音乐学院任教。先后担任系讲师、副教授、教授及硕士、博士研究生导师，曾任作曲系作品分析教研室主任。
在二十多年的教学生涯中培育出了大量的优秀的作曲人和作曲理论人才，促进了中国高等音乐教育事业的蓬勃发展。可以说桃李满天下！
姚教授在教授育人的过程中同样也专注学业研究，他研究的学业著作有《 20 世纪作曲技法分析》、《鲁托斯拉夫斯基偶然作曲的技法研究》、《研讨：现代音乐分析》、《从曲式原则到结构逻辑：音乐结构与作品风格演变的有机关联》等著作都被上海音乐学院和中央音乐学院指定为博士研究生、硕士研究生阶段研究作曲与作曲技术理论制定参考图书。
另外姚教授不但有研究学术研究的著作还有他自己的著作。就总结姚教授自己音乐作品就有近百部。其中包含钢琴套曲、室内乐、现代合唱曲、第一交响曲、管弦乐等等。还有民族器乐作品，还创作了数十首艺术歌曲等。
姚教授一生专注学术研究，将自己一生都奉献给热爱的音乐事业。总是以平易近人的态度和自己的学生交流探讨。他用他的学术热情影响着其它人。是一位德艺双馨的老艺术家。
长期开设《20 世纪作曲技法分析》《鲁托斯拉夫斯基偶然作曲的技法研究》《研讨：现代音乐分析》等专题作曲理论课程，为作曲系的学术建设做出了重要贡献。在其二十多年的教学生涯中，他培育的大量优秀作曲及作曲理论人才成为了全国各大音乐高校的教学研究岗位上的中青年主力军，推动了中国高等音乐教育事业的蓬勃发展。基于长期的学术研究与教学，他重要的出版论著影响了中国的作曲理论的学术发展， 这其中包括《现代音乐分析教程》《鲁托斯拉夫斯基的偶然音乐作曲技法研究》《作曲的基础训练》《乐海探象——姚恒璐学术论文选》《从曲式原则到结构逻辑：音乐结构与作品风格演变的有机关联》等，均被中央音乐学院 、上海音乐学院等许多音乐学院列为博士研究生、
不算，作品和论文时有着严格区别的。
论文是属于知识产权的，论文作者对论文享有著作权。论文著作权实行自愿登记，论文不论是否登记，作者或其他著作权人依法取得的著作权不受影响。我国实行作品自愿登记制度的在于维护作者或其他著作权人和作品使用者的合法权益，有助于解决因著作权归属造成的著作权纠纷，并为解决著作权纠纷提供初步证据。一、我国《著作权法》明确规定了不予保护的对象。本法不适用于：（一）法律、法规，国家机关的决议、决定、命令和其他具有立法、行政、司法性质的文件，及其官方正式译文；（二）单纯事实消息；（三）历法、通用数表、通用表格和公式。二、我国《著作权法》规定的合理使用情形有：（1）为个人学习、研究或者欣赏，使用他人已经发表的作品；（2）为介绍、评论某一作品或者说明某一问题，在作品中适当引用他人已经发表的作品；（3）为报道新闻，在报纸、期刊、广播电台、电视台等媒体中不可避免地再现或者引用已经发表的作品；（4）报纸、期刊、广播电台、电视台等媒体刊登或者播放其他报纸、期刊、广播电台、电视台等媒体已经发表的关于政治、经济、宗教问题的时事性文章，但著作权人声明不许刊登、播放的除外；（5）报纸、期刊、广播电台、电视台等媒体刊登或者播放在公众集会上发表的讲话，但作者声明不许刊登、播放的除外；（6）为学校课堂教学或者科学研究，翻译、改编、汇编、播放或者少量复制已经发表的作品，供教学或者科研人员使用，但不得出版发行；（7）国家机关为执行公务在合理范围内使用已经发表的作品；（8）图书馆、档案馆、纪念馆、博物馆、美术馆、文化馆等为陈列或者保存版本的需要，复制本馆收藏的作品；（9）免费表演已经发表的作品，该表演未向公众收取费用，也未向表演者支付报酬，且不以营利为目的；（10）对设置或者陈列在公共场所的艺术作品进行临摹、绘画、摄影、录像；（11）将中国公民、法人或者非法人组织已经发表的以国家通用语言文字创作的作品翻译成少数民族语言文字作品在国内出版发行；（12）以阅读障碍者能够感知的无障碍方式向其提供已经发表的作品；（13）法律、行政法规规定的其他情形。三、除承担民事责任，行为严重的，还可能需要承担行政责任甚至刑事责任的侵权行为：1.未经著作权人许可，复制、发行、表演、放映、广播、汇编、通过信息网络向公众传播其作品的，本法另有规定的除外；2.出版他人享有专有出版权的图书的；3.未经表演者许可，复制、发行录有其表演的录音录像制品，或者通过信息网络向公众传播其表演的，本法另有规定的除外；4.未经录音录像制作者许可，复制、发行、通过信息网络向公众传播其制作的录音录像制品的，本法另有规定的除外；5.未经许可，播放、复制或者通过信息网络向公众传播广播、电视的，本法另有规定的除外；6.未经著作权人或者与著作权有关的权利人许可，故意避开或者破坏技术措施的，故意制造、进口或者向他人提供主要用于避开、破坏技术措施的装置或者部件的，或者故意为他人避开或者破坏技术措施提供技术服务的，法律、行政法规另有规定的除外；7.未经著作权人或者与著作权有关的权利人许可，故意删除或者改变作品、版式设计、表演、录音录像制品或者广播、电视上的权利管理信息的，知道或者应当知道作品、版式设计、表演、录音录像制品或者广播、电视上的权利管理信息未经许可被删除或者改变，仍然向公众提供的，法律、行政法规另有规定的除外；8.制作、出售假冒他人署名的作品的。法律依据：《中华人民共和国著作权法》第二条中国公民、法人或者其他组织的作品，不论是否发表，依照本法享有著作权。外国人、无国籍人的作品根据其作者所属国或者经常居住地国同中国签订的协议或者共同参加的国际条约享有的著作权，受本法保护。
1、首先论著分类是著作、专著、编著、教材、文艺作品。2、其次是作曲、书法、绘画、摄影、报告。3、最后是论文、发表论文、会议论文。
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87年11月，在“上海国际音乐比赛1987·中西杯中国风格钢琴创作比赛”中，赵晓生的钢琴曲《太极》脱颖而出，获得小型作品一等奖。同年，他在《音乐艺术》上发表的《太极乐旨》一文也引起音乐界的极大兴趣。从1988年底开始，赵晓生的“太极作曲系统”系列论文（《阴阳乐理》、《音集技法》、《音场作用》、《太极乐旨》）相继在《音乐艺术》、《黄钟》、《中国音乐》等音乐学术期刊上发表。①1990年，赵晓生将其1986年发表的“合力论”②，与上述“太极作曲系统”中的“音集论”、“太极论”三者合为一体，形成《太极作曲系统——赵晓生音乐论集》，并由科学普及出版社广州分社出版。在后来的十几年间，赵晓生运用“太极作曲系统”理论创作了各类体裁形式的音乐作品多部，并围绕“太极作曲系统”做了数十场学术报告。2006年，新编的《太极作曲系统》由上海音乐出版社再度出版，成为中国第一本较为完整的“自创型”作曲技法理论著作。 一 赵晓生的钢琴曲《太极》是一部现代风格钢琴曲，从立意到构思，从作品的“音高组织”（pitch organization）的控制到调式调性、曲式结构、织体形态的设计，都体现出了其“太极作曲系统”的核心思想：“以阴阳之间互相依存、排斥、渗透、转化之变易发展与音集所含之音数和音程涵量之有规律增减变化相对应，以揭示音乐结构固有之内在力度。”③从技巧的层面看，《太极》构成了一个完整的“太极图谱”。这就在于，作曲家运用其“转卦”理论，从“坤”出发，经一个“轮回”，再回到“坤”，将“六十四卦音集”完整呈示一遍，实现对全曲“音高组织”的理性控制。从思想的层面看，《太极》则展现出了《周易》的哲理，揭示了“太极为天地万物之本原”，“万物始于一而归于一”及阴阳互动的哲学思想。然而，作为一部9分30秒的钢琴曲，钢琴曲《太极》并非完全诉诸理性和逻辑，而是将理性与逻辑转化为诗意与审美。全曲由“破、承、起、入、缓、庸、急、束”八节构成，作为一个典型的“板式－变速结构”④，与中国传统音乐（包括唐大曲、古琴曲、民间戏曲唱段等）中的“散－慢－中－快－散”的结构相吻合。⑤更重要的是，作为一首现代风格的钢琴曲，《太极》的“音高组织”虽受到“八卦”严密的理性控制，其节奏、节拍、速度、力度、音乐织体复杂多变，更不用说调式变化的频繁，但整部乐曲仍不失“可听性”，仍给人一种美的享受和基于阴阳哲学的文化想象。正如一位论者所说的：“钢琴曲《太极》的艺术特色，还在于其音响的可接受性。尽管《太极》有鲜明的现代音乐特点，但对于听众而言，只要听众明确作品‘万物始于一复归于一’的意旨，其在审美层面一般都能在其音响中‘找到’音乐的意趣，从而实现审美心灵的‘对话’，获得独特的美感，并能有所‘悟’。”⑥总之，《太极》虽然是一首受到数理逻辑控制的现代钢琴曲，体现出了中国古代的阴阳哲学，闪烁着古老“术数文化”的光辉，但作为一个内容与形式的统一体，仍符合19世纪钢琴音乐中所蕴涵的那种“艺术哲学”。这就在于，这部钢琴曲既充满着来自《周易》的理性与逻辑，又充满着那种来自“新浪漫主义”的诗意与美感，不愧为中国钢琴音乐中的精品，1979年以来中国现代风格钢琴曲中的经典。 赵晓生的“太极作曲系统”由“合力论”、“音集论”、“太极论”三论构成。这也正是《太极作曲系统（新编）》一书中的三篇。该书“绪论”中说：“第一篇‘合力论’是对20世纪乃至21世纪音乐的总体性观察与本书所阐述之作曲理论的出发点；第二篇‘音集论’是本书作曲系统的技法基础；第三篇‘太极论’是广阔无边的‘音集运动’的一种特殊形态，是以《周易》六十四卦象运动形态为逻辑规律所制约的一种特定作曲系统。”⑦正是如此。在第一篇“合力论”中，赵晓生基于对20世纪音乐及其历史发展的文化与美学思考，提出“新浪漫主义合力论”（Neo Romanticombinism）。所谓“‘合力论’，即作曲家可在理念与情感，控制与反控制，中心与无中心，协和与不协和，民族性与世界化等等互为相对立的诸范畴中，以一特定基点为出发点，综合应用其他各种与之对立的因素，为作品寻找恰当的‘综合点’或曰‘凝集中心’，围绕这一中心将多重因素同时复合，从而形成新颖风格特征。”⑧接着，赵晓生还论及“合力”的原则（风格的复合、组接、叠置、凝聚及“风格复调”）、“合力论”的“产生的缘由及其内核”。第二篇“音集论”由“音集技法”、“音场作用”、“音集运动”三部分组成。在“音集技法”部分，赵晓生首先从霍华德·汉森（Howard Hanson）和阿伦·福特（Allen Forte）理论中“杰出思想及基本的理论出发”，建立起了“音集的基本概念”，并描述了“音集的四种基本形态”（移位、倒影、涵体、补体）；建立“音集的音程涵量”的概念，提出“音集的音程涵量强度基率之计算公式”；以巴赫、贝多芬、乔治、克拉姆等人的作品为例，论证了“音集对创作思维细胞结构的控制”。在“音场作用”部分，赵晓生首先提出“音场”概念及“决定音场作用的五个因素”，并论述了“音场作用对于音乐创作实践的意义”。在“音集运动”部分，赵晓生提出“音集的聚合与离散”，描述了“音集运动”的各种形态与可能性。第三篇“太极论”是“太极作曲系统”的核心。在第一部分“太极乐旨”中，赵晓生基于《周易》、符号、音乐三者之间的关系，以符号为桥梁，建立《周易》与音乐的联系。接着，设定“太极和弦”，并根据“易有太极、是生两仪，两仪生四象，四象生八卦”的逻辑，规定和推演出了作为控制其“音高组织”的“六十四卦音集”，并对其进行“详解”。此外，还将“六十四卦音集”中三十二对互为“补体”的音集分别合在一起形成“《太极》三十二组十二音音列”；论证“《太极》三十二组十二音音列与十二音序列结构之异同”及根据“太极乐旨”规则处理“十二音音列”；建立“转卦”概念及“转卦”系统。第三篇第二部分是“太极作曲系统”。这里，首先叙述了“阴阳乐理”，并集中论述了“阴阳律”和“《周易》六十四卦图生成之调式音阶与和弦结构‘互换圈’”，规定和推演出“阴阳调式系统”和“阴阳和弦结构三式”。整个“太极作曲系统”可以理解为“阴阳哲学、合力观念、音集技法三者合一的结晶。”⑨
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音乐理论与常识外国音乐的主要流派西欧音乐在古希腊时曾一度兴盛，但到中世纪，音乐被教会和封建统治阶级所垄断，成为他们宣传宗教、麻痹人民、巩固封建统治的工具，专业作品大多是教堂用的圣咏曲。到十六、十七世纪随着资本主义的兴起，器乐曲、歌剧相继出现，音乐才开始进入剧场，转向市民。到十八世纪，音乐逐渐摆脱宗教的束缚，作曲家受文艺复兴思想的影响，作品逐渐着重人性的体现和人民生活的反映，创作技法也日趋丰富和精深，遂开始西欧古典音乐黄金时代。随着资本主义工业的发达，乐器也逐步改进和完善，广大群众成为演出的对象，加上资产阶级革命思想的影响，音乐艺术获得很大发展。从十八世纪到二十世纪的今天，短短二、三百年间，对世界音乐具有深远影响的大音乐家辈出，闻名世界的优秀的音乐作品（名著）也大量产生。在创作思想和音乐风格的先后变化方面，则形成不同的流派。主要有古典乐派"（十八世纪），浪漫乐派（十九世纪），民族乐派（十九世纪下半叶），和二十世纪起至今的现代乐派（包括十九、二十世纪之交的印象乐派与二十世纪的表现主义、原始主义、新古典主义、十二音体系、序列音乐、具体育乐等形形色色的流派）。历史上著名的音乐家基本上分属于各个不同的流派，但也有兼具不同流派的特点或先后进行不伺流派音乐的创作的。即便是同属于一个流派的作曲家，他们的作品也是各有其民族特点和个人音乐风格特色的。（一）古典乐派出现于十八世纪初到十九世纪二十年代。主要作曲家有亨德尔、巴赫、海顿、莫扎特、贝多芬及歌剧作曲家格鲁格等人。他们受资产阶级启蒙运动和资产阶级革命思想的影响，其音乐创作力图摆脱教会和封建宫廷的束缚，倾向自由、民主和人造主义。作品着重体现新兴的市民阶层的精神面貌。创作方法讲究乐曲的结构严谨、形式完美、昔响和谐与逻辑严密。曲风大都淳朴、严肃、稳重，崇尚理性，而对情感的表现较含蓄内在，器乐曲多是无标题音乐。赋格曲、奏鸣曲式、交响曲、室内乐以及歌剧等体裁和曲式均于此时期奠定了完美的基础。其中巴赫主要进行复调音乐写作；亨德尔用主调与复调；海顿、莫扎特与贝多芬则着重主调音乐的写作，其中贝多芬更着重主观激情的表现，重视器乐的标题性，他是古典乐派向浪漫乐派发展的先驱。海顿、莫扎特与贝多芬被称为"维也纳古典乐派"。（二）浪漫乐派“浪漫”（Romance）二字是译音，它源于中古时期描写神话、英雄与美人的文艺作品。十八世纪德国文学常以此为题材。到十八世纪未法国资产阶级革命失败，封建君主复辟，音乐家对现实不满，又找不到明确的出路，精神苦闷，于是在文学的影响下，十九世纪的作曲家也走向浪漫主义。作品倾向于以古代传说和神话、幻想故事为题材，或着重于生活现象的描绘、个人生活感受的细致体现。音乐着重感情的抒发和心理的刻划，而不象古典主义着重理性。他们认为文艺有共性，廊以提倡诗歌、戏剧与音乐的结合和音乐的标题性，注重音乐中的诗情画意，而对曲式结构则较灵活。浪漫乐派音乐家们，根据内容表现的需要创造了很多秤体裁形式，如：无言歌、夜曲、叙事曲、小品套曲，音乐会序曲、交响诗、抒情歌曲、声乐套曲等。他们在创作手法方面则重视民族、民间音调的运用，音乐节奏比之古典主义更加复杂而细致，和声手法更加丰富，管弦乐队的编制及配器法到柏辽兹、瓦格纳手中更加发展。浪漫主义乐派的代表人物，前期有舒伯特、门德尔松、舒曼、肖邦和歌剧作曲家韦伯、罗西尼、威尔第等人；同时期和中期的作曲家有柏辽兹、李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯等人，俄国的柴可夫斯基也属浪漫乐派；在近、现代（十九世纪末一二十世纪）的现代乐派中，还有马勒、理查•施特劳斯、拉赫玛尼诺夫等人，他们可以说是浪漫乐派的最后几个代表人物。浪漫乐派著名的作曲家还有去诺、比才、约翰•施特劳斯、圣－桑等人。（三）民族乐派十九世纪中叶，东欧、北欧和俄罗斯作曲家在吸取西欧浪漫主义音乐创作经验的同时，着重民族音乐的建立和发展。他们努力创作既具有本国民族音乐特色，又能表现本民族的性格、愿望和生活的音乐作品。这些民族乐派的作曲家主要有俄罗斯的格林卡与，“强力集团”（以发展俄罗斯民族音乐为主旨的作曲家集团，包括有：巴技基列夫、居伊、鲍罗丁、里姆斯基一柯萨科夫、穆索尔斯基等五人）及捷克的斯美塔那、德沃夏克；挪威的格里格5芬兰的西贝柳斯等。波兰的肖邦和匈牙利的李斯特则兼属浪漫乐派与民族乐派。（四）现代乐派“现代乐派”这个名称是十九世纪未到现在的音乐艺术的各种流派的总称。其中除了仍有继承古典--浪漫音乐传统进行创作（包括“社会主义现实主义”）的作曲家外，专业创作出现许多反浪漫主义的新流派。“xx主义”、“xx音乐”，名目繁多，总的趋向是从多调性走向无调性，以至否定乐音和音阶，只用自然音响，完全脱离古典的美学传统。如果将它们按出现和流派的先后分类，可以分为历史的三个时期。现将各时期的主要流派和各流派的代表作曲家罗列如下，以便了解二十世纪欧美音乐概况：1．从十九世纪末一第一次世界大战前后（可称"近代音乐"时期）（1）晚期浪漫主义。主要作家有：理查•施特劳斯（德）、马勒（奥）、拉赫玛尼诺夫（俄）。（2）印象主义（主张用音乐描绘从外界得来的瞬息印象，重视和声色彩）。主要作家有：德彪西（法）、拉威尔（法）、杜卡（法）、雷斯庇基（意）。（3）表现主义（主张用音乐表现人们内心的下意识冲动或欲望、幻觉、梦魇等）。主要作家有：勋伯格（奥）、贝尔格（奥）、威勃恩（奥）、巴尔托克（匈），斯克里亚宾（俄）。（勋伯格与威勃恩又是无调性音乐的创始人，他们与贝尔格被称为"新维也纳乐派"）。2．从第一次世界大战--第二次世界大战（可称"新音乐"时期）（1）原始主义（重视民间音乐，追求原始性的神秘色彩和野蛮风格，而和声则是现 代的）。主要作家有：巴尔托克（匈）、斯特拉文斯基（俄）。（2）新即物主义（强调“音乐即音乐”，，可以用音乐表现客观事物，但反对用音乐表现主观思想的感情）。主要作家有：米约（法）、兴德米特（德）。（3）新古典主义（反对着重感情表现的浪漫主义，主张回到右典主义，着重音乐自身的形式美，乐曲结构简朴、内容清晰，和声与复调很新颖，音乐富于客观性）。主要作家有：斯特拉文斯基（俄）、兴德米特（德）。（4）六人团（法国青年革新派、反印象主义和反浪漫主义）。作家有：萨蒂（法）、奥涅格（法）、米约（法）、弗朗克（法）、奥里克（法）、泰勒费（法）。（5）十二音主义（又名“十二音体系”，十二个音同等重要。无所谓“调式”、“调性”和“主音”，十二个音任意先后排列，但不得重复。再次出现时，有严格的顺序原则。其和声用音也依此序列原则，无所谓"三和弦"）。作家有：勋伯格（奥）、贝尔格（奥）。（6）社会主义现实主义（基本继承古典音乐传统而加创新，主张用音乐反映社会主义）。主要作家有：普罗耳菲耶夫（苏）、肖斯塔科维奇（苏）。3．从第二次世界大战结束至今（“先锋派音乐”）（1）序列音乐（序列主义，除十二个音序列化外，，乐曲的节奏力度等也序列化）。主要作家有：梅西安（法）、布列（法）、诺诺（意），施托克豪森（德）、斯特拉文斯基（俄）。（2）偶然音乐（“不确定音乐”、“机会音乐”）。主要作曲家有：约翰•凯奇（美）、布朗（美）、施托克豪森（德）。（3）具体音乐（初期的电子音乐）。主要作家有：谢飞尔（法）、布列兹（美）、贝里奥（意）。（4）电子音乐。主要作家有：艾默特（德），施托克豪森（德），瓦列斯（美）、约翰－凯奇（美）。（5）磁带音乐。作家有：贝里奥（意）。（6）图谱音乐（反序列主义）。（7）电子计算机音乐。主要作家有：希勒（美）、布列兹（美）、施托克豪森（德）。音乐小常识,不能不知道1、什么是音乐？ 这是一个见仁见智的问题，说法很多。笔者认为音乐是一种声音艺术而非视觉或其它什么感觉的艺术。把乐音（有时也适当使用噪音）按一定的规律组织起来，使人听之产生美感，这种艺术就叫音乐。2、 什么叫噪音？什么叫乐音？ 声带、琴弦、木头板、马达等物体振动时会发出声波，声波通过空气传播进入我们的耳朵，就使我们听到了声音。声音有噪音和乐音之分：振动无规律的声音，如木头板声、马达声等，叫噪音；振动有规律，如人声带发出的歌声，由琴弦发出的琴音等，叫乐音。音乐中所用的音主要是乐音。3、什么叫音高？ 乐音听起来有的高，有的低，这就叫音高。音高是由发音物体振动频率的高低决定的，频率高声音就高，频率低声音就低。比如女人唱歌时声带振动频率高，男人唱歌时声带振动频率低，所以男声比女声低。4、音乐中所用的乐音范围有多大？ 音乐中所用乐音的范围从每秒种振动16次的最低音到每秒钟振动4186次的最高音，大约97个。现代最大的钢琴可以奏出其中的88个音，是乐音范围最大的乐器。人唱歌时因受生理限制，所能唱出的乐音仅是乐音范围中的一小部份。5、什么叫音名？什么叫唱名？ 不同音高的乐音，是用C D E F G A G 来表示的，这七个拉丁字母就是乐音的音名，它们一般依次唱成DO RE MI FA SOL LA SI，即唱成简谱的1 2 3 4 5 6 7 ，相当于汉字“多来米发梭拉西”的读音。DO、RE、MI .......是唱曲时乐音的发音，所以叫唱名。6、什么叫音列？音列是如何分组的？ 把上面所说的90几个高低不同的乐音按顺序排列起来，构成一个序列，这个序列就叫音列。音名只有七个，而音列中的音却大大超过这个数量，如何把音名相同而音高不同的音区别开来呢？方法就是分组。人们把音列中的音划分成几个组。把音列中处在中央位置的一组（即钢琴、电子琴等键盘乐器中由中央C开始，向上的七个音）叫小字一组，把比小字一组高一倍、高两倍、高三倍的音分别叫小字二组、小字三组、小字四组。乐音中当然有比小字一组低的音，它们的分组是：比小字一组低一倍的叫小字组，低两倍的叫大字组，低三倍的叫大字一组，低四倍的叫大字二组。这样一来，音列中的分组由低到高的顺序是：大字二组 大字一组 大字组 小字组 小字一组 小字二组 小字三组 小字四组乐音的范围音乐术语叫做音域。人声的音域大约是：女声由小字组的f到小字二组的a，男声由大字组的F到小组一组的a。那么，你的音域有多宽呢？有机会时无妨在钢琴上试一试。从你能唱出来的最低的那个音起，到最高的那个音止，这个范围就是你的音域。7、 哪一个音是标准音？ 国际上规定小字一组的a音每秒振动440次，这个音就是标准音。由于音列的各音之间都存在着一定的数量关系，例如比某一音高一倍的音（又叫高一个八度），其频率一定比某音高一倍，比它低一倍的音（又叫低一个八度），其频率一定比某音低一倍，所以规定了标准音的音高，也就等于规定了其它各音的音高。有了这个标准，人们在制造乐器时，在奏乐、唱歌时，定音就有了根据。8、什么叫全音？什么叫半音？ 把C D E F G A B 这一组音的距离分成十二个等分，每一个等分叫一个“半音”。两个音之间的距离有两个“半音”的 ，就叫“全音” 。在钢琴、电子琴等键盘乐器上，C-D,D-E,F-G,G-A,A-B,两音之间隔着一个黑键，它们之间的距离就是全音；E－F，B－C，两音之间没有黑键相隔，它们之间的距离就是半音。9、什么叫自然音？什么叫变化音？ 通俗地说，我们唱歌的时候，那些唱成1 2 3 4 5 6 7 的音，叫自然音；那些在它们的左上角加上#号（如#4、#1）或者b号（如b7、b3）的，叫变化音。#叫升记号，表示把音在原来的基础上升高半音；b叫降记号，表示把音在原来的基础上降低半音。10、什么叫音阶？ 把C、D、E、F、G、A、B 等各音中的某一个音作为中心，由它开始由低至高（或由高到低）按顺序排列起来，这个音的序列由于象梯子一样，逐级向上或向下，所以叫音阶。下面的两个序列都是音阶，前者是大音阶，后者是自然小音阶：c d e f g a b c a b c d e f g a11、什么叫记谱法？ 一首曲子一般都包含高低、长短、强弱等要素。把这些要素用各种记号、符号记录在纸面上的方法叫记谱法。古今中外使用过和正在使用中的记谱法是有很多的。拿我国来说，古今使用过的记谱法就有多种。据说早在战国时代，卫灵公手下的音乐师叫师涓的，就能用某种记谱方法记谱了。据文字记载，我国隋唐时期就产生了工尺谱、减字谱（古琴用），宋代又又产生了俗字谱。工尺谱几经沿变，至今仍有民间艺人使用。不过近、现代在我国使用比较普遍的是简谱和五线谱，尤其以使用简谱的人最多。从世界范围来看，使用最普遍的是五线谱。12、什么是简谱？ 简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法，读过书的中国人几乎都认识它。这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂1665年提出来的。后来，将它加以改进和积极推广的竟然是法国著名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐，在欧洲几乎从未普及过。1882年前后，美国人梅森到日本讲学时把它传入日本，19世纪曾有一度在日本学校通用过，不过后来他们也不用了。清朝末年，简谱通过留日学生传入我国。1904年，沈心工先生编写的“学校唱歌法”一书出版，曾风行一时，从此简谱便在我国普及开来。笔者认为，简谱作为一种大众化的记录方法，在我国普及和推广音乐方面曾经而且仍在发挥很大的作用。不过由于它记谱有不少局限，而且现在世界上绝大多数国家又都不用它，我们应当创造条件推广、普及五线谱，以利于提高音乐水平及与世界各国进行音乐文化交流。13、什么是五线谱？ 五线谱是世界上使用最广泛的记谱法，在目前的记谱法中，五线谱相比较而言最为严密、准确、科学。它用五条平行横线记录声音的高低，用空心（或实心）椭圆或在它一侧加竖线（有的还在竖线的一端加“尾巴”）的图形作音符，表示音的长短（实例请见本站登载的曲谱）具有立体感，便于记录多声部音乐。它17世纪末正式传入我国，在清朝康熙年间宫廷编撰的“律吕正义续编”中，对它有详细介绍，可见传入我国之久。1930年，音乐家刘天华先生将梅兰芳唱的戏曲用五线谱记录下来，出版了“梅兰芳歌曲谱”，该书是我国第一部记录戏曲音乐的专集。 有些人认为五线谱比简谱难学。有这种观念是容易理解的。其实主要原因并非五线谱难，而是改变从小养成的读谱习惯难。你从小接触的乐谱都是简谱，已经习惯于简谱那一套，现在要改当然难了。如果从幼儿园开始就用五线谱，小学、中学音乐教科书也一律如此，平常所见的谱都是五线的，旷日持久，就习惯成自然了。现在有不少孩子三、四岁就开始学钢琴（学钢琴就非用五线谱不可了），由浅到深，由简到繁，读谱练琴齐头并进，所以不少孩子年纪虽小，视读线谱的能力却比许多成年人强得多。什么道理？熟能生巧嘛！14、什么是小夜曲？ 文章有各种体裁，如记叙文、议论文、诗歌、散文等，都是文章的体裁。音乐也有各种体裁，如小夜曲、摇篮曲、奏鸣曲、圆舞曲、小步舞曲、波尔卡、玛祖卡......都是音乐的体裁。 小夜曲是音乐体裁的一种，是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学，流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初，小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱，倾诉爱情，旋律优美、委婉、缠绵，常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展，其形式也有所发展。“中外著名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲，都在世界上流传甚广。15、什么叫波尔卡？ “波尔卡”这个标题不是起概括和提示音乐内容的作用，而是表明它的体裁属于一种男女对舞用的舞曲。起源于捷克民间，曾经风行全欧，西洋不少著名作曲家都用过这种体裁写过音乐作品。它一般为二拍子，节奏活泼、欢快。16、什么叫玛祖卡？ 也是属于男女对舞用的舞曲。起源于波兰，也曾在欧洲风行一时。它与波尔卡最大的区别是前者为二拍子，而它却是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小节的第一拍，而玛祖卡却常落在第二或第三拍。比如“浅易琴谱”中所登的汤姆生《玛祖卡》，多数小节的重音就是如此。玛祖卡所表达的情绪一般都活泼热烈，演奏时需掌握这个特点。17、什么叫小步舞曲？ “浅易琴谱”里已登了两首由巴赫作曲的小步舞曲，其实巴赫写这种体裁的作品并不止两首，而且许多古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等也都写过以“小步舞曲”命名的作品。 小步舞曲起源于欧洲的宫庭，曾在法国宫庭流行一时。它是一种三拍子的舞曲，速度缓慢，从容典雅，颇具贵族的风格。18、什么叫圆舞曲？ 圆舞曲又名华尔滋，也是一种三拍子的舞曲。起源于奥地利的一种民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会上，十九世纪风行欧洲。以斯特劳斯的佳作《蓝色多瑙河》最为著名。它有快步和慢步两种。与同样也是三拍子的玛祖卡不同，它的重音一般都落在小节的第一拍上。也与同样是三拍子的小步舞曲不同。圆舞曲的特点是节奏鲜明，旋律流畅，不象小步舞曲那么温文尔雅。不过必须明确，音乐不是数理，不是逻辑，这种区别只是就一般情况而言，并非是绝对的。不知是不是你需要的资料呢 你自己也在“文发网”或者（59168）上找相关的资料 祝你顺利
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1.关于论文格式一篇格式清晰，层次分明的文章，也会让人比较愿意读下去。而一篇思路混乱的文章，就不免让人生厌。所以，写作论文，一定要按照一定格式来，这样才能看清你的论文的条理和思路。简单说一下，论文格式的注意事项。简略格式如下：( 论文题目) 大学××方法刍议(单位)某大学 (姓名)李某某 (邮编)25×××摘要：本文主要对……(摘要适文章长短而定，可以是简短几句概括性的话，也可以是点题的几句话，如果文章内容比较长，摘要字数也可以相应增加，但一般字数一般控制在220字以内)关键词 ：英语教学 ××× ×× (关键词控制在3-8个，一般是4-5个是最佳)正文：(正文开始就按照条理进行展开，应列出一二三，分条目阐述，文章结尾，再进行简单总结，标题字体应加粗以与正文进行区分)参考文献：(一篇完整的文章，应该有有据可查的参考文献，应确保参考资料数据来源的可靠性)作者简介：李××(1976-05——)男，籍贯：广东广州，学历：本科，职称：××，研究方向：×××2.关于论文写作在论文写作过程中，应该注意的问题。那么我们也是从论文写作的顺序谈起，咱们先看一下论文写作该是怎样慢慢开展的。首先，我们是出于某种目的，或者大多数为了评职称才发表论文，写作论文。那么当我们确定是必须开始动笔了，我们就面临这样的问题：到底写什么呢?尤其是这个“到底要写什么呢?”，想写的，发现别人都已经写了，或者脑袋根本就是一张白纸，根本抓取不到可以进行写作的东西。相信这是大多数作者开始写作时候所遇到的问题，关于写什么，这个问题，该怎么解决呢?其实写什么，无非就是寻找节点的一个过程也就是说，我们得先确立自己文章的“核”，确立之后我们才能根据这个“核”展开。那么怎么确定文章的“核”呢?其实无非是从两方面下工夫，一个是我们自己的工作经历，我们的职称论文，就是要写我们工作本身的一些问题，所以，要迅速的对自己工作这段时间的经历进扫描，去发现问题，也就是说，寻找“核”的过程，就是发现问题的过程，当我们发现了一个具有代表性，典型性，独特性的问题时，我们的写作就成功了一半，显然，发现一个典型性而又独特性的问题，是非常困难。从工作中发现问题，找到文章的“核”这只是一方面，另一方面，我们要查阅大量的数据，我们可以登录知网或者万方数据库查阅，搜索相关文章，或者一些省级期刊，国家级期刊。去参考优秀的论文是如何写的，不要挑灯夜战赶完一篇文章，结果却发现是早被别人淘汰了观点，这也是要特别注意的。要多参考优秀的文章。关于“到底写什么?”。我们要进行的是“怎么写?”的问题，那么我们找到“核”了，到底怎么写呢?我们也谈两个方面，一方面是角度问题，我们要采用最好与众不同的角度来写，只要变化一个角度，我们看到的问题就会明显不同。另一方面，就是数据。我们应该尽可能的提供足够详实，足够可靠的数据，当我们把这些数据列上，一些问题，就一目了然。数据就自己说话了，甚至当我们把一些数据进行对比时，我们还会发现新的问题。关于职称论文的写作，请作者记住上面我们谈的几点，多练习，多实践，一定会有帮助。3.关于期刊职称的评定，对于期刊的要求各个地方单位都有不同，所以不能一概而论。现在又出现了很多假刊，套刊。我们要仔细辨别，避免掉入假刊的陷阱里。4.关于职称评定时间如果确实时间太紧张，应尽快问清单位要求，是否可以先把录用通知单及刊物的论文清样报上去。所以，作者应该更加注意职称评定时间，因为还有一些不可控的因素，起码也为这些不可控因素留出时间，这样才能确保万无一失。
1.首先搞清楚为什么发论文, 一般都是为了保研,学位, 评奖，评职称加分等等, 然后就要了解对应事项对论文方向和所发的杂志(有的会给出一个目录)的要求, 以免发非所要做无用功2.确定的论文方向, 自己应该要有充分的了解, 可以多看看知网上相关文章, 也可以找老师指导一下, 尽量能写出比较独到的逻辑完整的观点, 还要有充分的论据和比较丰富的论证方法3.确定目标杂志, 可以先大致圈定几个意向进行详细了解, 包括杂志的周期(有些杂志出刊太慢排队太久等不起), 杂志对作者的偏好(有些较好的杂志只接受一定级别的作者, 本科生不在考虑范围), 投稿审稿或版面费用(一般越好的杂志可能不收费但上稿难度很大), 有可能的话可以在官网或杂志上找到编辑部联系方式, 直接咨询, 不要轻易相信网络上的中介4.投稿要注意符合杂志社的投稿格式规范, 要检查好文字不要出现低级错误, 那样会严重影响编辑对稿件的印象, 投稿投到官方的邮箱, 然后可以打个电话提醒一下编辑查收, 需要付费的一般是杂志出了用稿通知后才付费, 如果是上来就要钱说包发的十有八九是