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修拉素描毕业论文

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修拉素描毕业论文

后期印象画派代表人物。修拉是诞生在科学革命中的最早的新型艺术家--艺术家兼科学家。把文艺复兴传统的古典结构和印象主义的色彩试验结合起来。把最新的绘画空间概念、传统的幻象透视空间、以及在色彩和光线的知觉方面的最新科学发现结合起来。对二十世纪几何抽象艺术有很大的影响。 修拉生活在印象主义画派的初期,而且推动了了印象主义的发展。他对色彩的专门研究,使得他的作品层次分明,而他自己也成为新印象画派“点彩派”的代表。修拉为了制作《大碗岛星期日的下午》这一幅巨作,修拉整整花费了两年的时间。他每天早上到海边写生,下午回到画室里研究构图和色彩。为了摄取正确而且逼真的写实效果,他还对当时流行的服饰和发型等进行了深入的研究。比如为了真切表现画面前景一个妇人用鲸骨支撑而高高隆起的裙子,他曾经买来同样的实物拆开来观察,作了大量的黑白写生和笔记。据统计,为创作"大碗岛星期日的下午"一画,修拉共制作了400幅素描稿和颜色效果图。在画面中,共有40个人物,每一个形象都是画家经过千锤百炼概括而成。他们好象彼此毫无关系地被摆放在一起,画面上却洋溢着一种宁静而幽雅的秩序美。 卜好意思..本來想髮圖片德..這樣更容易理解! 但是因爲卜支持功能! 我就給你一個網站..上面有更準確德圖片..^_^ 麻烦采纳,谢谢!

孩子乔治修拉作品文案极具个性,摒弃传统。乔治修拉素描作品在1882至1883两年内,修拉主要致力于素描,以黑、白二色熔炼出,极具个性的绘画语言。摒弃了传统的素描,不讲线,而讲形,熟练地给予平衡的对比,经常吞没了一切细节的明暗。

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印象派又称为“外光派”,产生于19世纪60年代的法国。1874年莫奈创作的题为《印象•日出》的油画,遭到学院派的攻击,评论家们戏称这些画家们是“印象派”,印象派由此而得名。一 色彩的影响 十九世纪的法国作为世界艺术中心,艺术流派百家争鸣,百花齐放,流派与流派之间的艺术论战也是异常激烈,这些艺术争论为当时法国的艺术发展起到了巨大的推动作用。以新古典主义为首的学院派和浪漫主义艺术家的争论把艺术家的创作意识从古典的冷冰冰拉回到了个人感性认识主导画面的创作方式;19世纪30年代,现实主义与非现实主义(古典主义,浪漫主义)的争论让艺术家放弃对虚幻缥缈的理想世界的憧憬,回到现实生活当中,在艺术创作上要反映出时代特色。这些艺术流派之间的碰撞造就出了一批年轻的艺术叛逆者,他们不再把学院派把守的沙龙展作为自己艺术创作的唯一目的,他们开始重新审视艺术,在前辈的精神鼓励下,他们走出画室放眼自然,放弃落后的创作方式,利用工业革命带来的新的科学技术成果,揭开了一场影响巨大的艺术革命,印象派就是这场革命的成果。任何一个画派都没有印象派这么多元,前印象派,新印象派,后印象派,它带给现代艺术的是一次前所未有的革新。十九世纪开始,美国经济迅速起飞,国土从大西洋到太平洋的扩张,广袤洪荒的自然激发了美国人强烈的民族自豪感,也催生了描绘美国本土风景画的发展。更多的美国艺术家走出国门,融入了全球化的进程,印象主义在美国的流行毫不亚于当时的世界艺术之都巴黎。技术性影响主要主要体现在色彩作为艺术创作的主要表现语言 色彩做现代艺术中最常用的艺术表现语言,色彩的独立对于古典绘画体系是一种革命性的创新。从法国史前岩洞壁画到凡艾克时代,以至油画因材料的改进而诞生之后的几百年间,色彩的作用就是辅助素描更加真实的呈现物体本来的面貌,我们切把这段时期称作固有色时期,固有色顾名思义就是物体本身的颜色,这一时期的画家是不会考虑光线对物体色彩的影响,原因有这样几点,首先古典主义画家的工作地点通常处于室内一般情况下光线十分稳定,即使在一些阴雨天气,画家也能够根据自己在日常创作中所掌握的规律来完成所描绘物体的色彩。其次一幅完整的古典主义作品的制作消耗的时间是很长的,制作过程也十分复杂,从素描稿拓到画布或着画板上,再一层一层的罩染(类似于中国工笔画),一直到完成最少也要半年甚至更长时间,所以艺术家在描绘物体的色彩时,基本上把物体在稳定光源下的色彩作为物体的固有色,这种观察方式与绘画方式十分类似于中国谢赫提出的六法之一的“随类赋彩”比如画一块红色的衣服,通过在红色颜料当中调和白色与黑色,来区分其明暗变化,分别涂到衣服的亮部和暗部,色彩并没有自己独立的一套系统而是依附于素描关系。当然在这一时期并不是没有艺术家关注色彩,还是有很多天才级艺术家在长期的艺术实践过程中,逐渐地发现色彩是有冷暖关系和补色关系的存在的,比如我在一本印刷质量非常精致的外文画册中就看到米开朗基罗天顶壁画中的《先知》,他穿的黄色袍子的暗部明显存在大量的紫色成分,但当时这些艺术家并没有过多地去研究出现这种现象的原因,只是在大量创作的过程中的经验,认为只要加上些补色画面就会鲜亮些,仅仅是为了看起来舒服些。固有色系统的创作方式一直持续到印象派之前。美国建国之初,美国的艺术基本上是沿续着欧洲古典的绘画的模式。大量的欧洲移民所带来的只是些以实用功能(装饰房屋,纪念先祖)为主的绘画形式,是欧洲学院派的风格与美国本土风俗画的结合产物,所以这时期的美国绘画也是属于古典色彩系统。 法国浪漫主义特别是热里柯和德拉克罗瓦十分重视色彩的表现,他们“强调浪漫主义艺术家强调感情和幻想,不重视理性,个性重于共性,色彩重于素描,要推翻所有古典形势与法则。”[[1] 引自《西方美术史教程》李春著第258页 第7行 陕西人民美术出版社][1]他们重视光在画面中的运用,但是他们并没有把光与色彩联系起来,并没有考虑到光对色彩所产生的影响。只是在相比以往的古典绘画他们对色彩开始更加重视。古典色彩系统,不是不重视光线,只是他们是通过素描的明暗关系来表现光线,并没有通过色彩来表现光线。印象派认为物体的固有色是理想化的,因为物体是随着光变化的,而光是在无时无刻的变化当中的,完全打破了古典主义所描绘得再理想状态下的固定光源下的物体色彩,。色彩的运用第一次被提到前所未有的高度,色彩成为艺术家主要表现光线的手段。成为独立于素描体系之外的艺术语言。 在绘画的诸多因素中(构成因素,素描因素,色彩因素),色彩本身是最具抽象性的,康定斯基说:“颜色是直接对心灵产生影响的一种方式,色彩是琴键,眼睛是音槌,心灵是绷满弦的琴。颜色经由视觉通道拨动心灵的琴弦。那么色彩的和谐只能以有目的地激荡人类灵魂这一原则为基础。”[[2] 引自 《康定斯基论点线面》康定斯基著 罗世平 魏大海 辛丽 译 中国人民大学出版社][2]他在谈到“形与色的关系”时说:“二者的基本关系是颜色受形的规范,同时强化形的视觉效果。”例如在古典写实绘画当中,画一个苹果,通过明暗的对比度强调苹果的空间站位,边缘线的虚实强化了苹果的前后关系,也就是说素描因素已经可以表现出苹果的特征,那么填上颜色后更加强化了“苹果”的视觉效果,就好比“苹果”的黑白照片与彩色照片,哪个更能影响我们的视觉需求呢?肯定是彩色照片,一个红润的苹果是可以引起我们的食欲的,食欲通过视觉观感引起我们的精神需求,我们宁愿吃形状难看的“苹果”也绝对吃不下颜色乌黑的“苹果”,因此色彩关乎人类的精神世界,比形更具备抽象性。在打个比方来说一块“红色”色块我们很难说它具体是什么东西,但它可以带给人以“血腥的感觉”,如果要单纯的用“形”该如何表现“血腥感”呢?康定斯基把绘画分为两种“一种是为物质的,一种是为精神的。物质绘画是通过视觉的神经刺激来感动观者,这是外在的;精神的绘画是通过心灵的激荡所产生的内心共鸣,他把前者归于写实艺术的特点,把后者看作抽象艺术的核心”。在我们看到印象派的作品时首先应该是被他们所画出的颜色所感动,物体的具体形象已经被色彩所包含。他们通过改变物体色彩的明度与纯度来表现素描关系,通过冷暖来表现物体的空间,补色关系被用来表现虚实。莫奈在形容自己作画状态时说:“我看到的景物,不再是房子、树木、山丘,而是由不同颜色不同形状的色块所组成的画面”。[3] 色彩的独立并不完全归功于印象派艺术家,而是这些艺术家利用当时新的科学研究成果,把这些光学理论运用到自己的艺术创造中去,可以说是科学与艺术的完美结合。他们验证了“光”是物体被人眼所感知的真正原因。十八世纪末牛顿通过三棱镜把白色光分出7色,并认为颜色是有不同波长的光引起的。著名的文学家歌德在一次偶然的机会下发现了补色的存在,他在《颜色论》中不完全同意牛顿的理论,他认为颜色只与明暗有关,牛顿的观点是孤立的来看待色彩,排除了观察主体的作用,而歌德却看到了另一种关系。歌德说:“在我所有计划当中,最使我感兴趣的就是一种新的关于光、阴影、颜色的理论,如果我没有弄错的话有时甚至自然和艺术研究中也必须出现革命。”歌德的色彩理论一直没有受到人们的主意,直到爱因斯坦的相对论,特别是后来的普朗克的量子理论与海森堡的测不准原理的出现使得光学研究成为一门独立的学科。 印象派艺术家在进行创作的过程中,采用纯度和色彩倾向十分明显的颜色,尽量的使色彩的饱和度达到最高,但也并不是完全采用直接从颜料管中挤出的纯色,而是适当的进行调和,冷色与暖色的对比成为它主要表现物体体积与空间的主要表现手段,形成了一个基本的绘画规律:冷光下的物体暗部呈现暖色。暖光下的物体呈现冷色,靠前的物体要比靠后的物体要暖。古典画家与印象派在创造自己的画面时所依靠的画面因素是不一样的,古典画家依靠黑白调子,解剖,透视关系在二维的平面中创造出三维的错觉,印象派画家似乎抛弃了古典画家这一套被传承了几百年的模式,而是从新采用光学理论,把色彩冷暖与颜色的互补关系创造出了新的绘画语言。除了光学研究,工业颜料的生产使得画家可以很方便的直接采用颜料管装的工业颜料进行绘画创作,锡管装的颜料方便了画家的携带,使得他们可以更好的进行户外写生。而且工业生产的颜料品种也十分丰富,多达上百种,这在古典时期几乎是不可想象的,由于古典时期颜料生产技术的限制,并没有专门生产颜料的作坊和工厂。颜料的制作与调和都是艺术家做学徒期间在作坊式的艺术工作场所从老师那里学来的,可以说是学习绘画前的必修课。而制作颜料的材料大部分以非常稀少的矿物质颜料为主,所以艺术家在制作颜料时只能根据自己的创作内容和喜好来调制品种有限的几种颜色。这在一定程度上也限制了当时画家对于色彩的关注。在整个西方艺术史中,科学始终影响着艺术。解剖,透视等要素构成了古典写实绘画的根基,但这些科学要素并没有形成独立的学科,画家对于这些要素的认识主要来自在老师的经验传授以及自己创作过程中积累下来的经验。解剖、透视不是画家的表现对象,而是为了使所画的物体更加真实的工具。与其说印象派画家描绘的是景物,不如说他们在描绘光线,科学理论与成果成为他们的表现对象。二、工业革命成果的支持 光学理论的建立、化学颜料的工业化生产革新了艺术家看待世界,表现世界的方式。照相机作为19世纪科学技术另一重大成果,也深刻的影响当时的艺术家。 照相机的发明使得当时画家产生了巨大的恐慌,这种恐慌应该更多的存在于当时学院派画家中。照相机所创造的画面,从写实性超越了手工绘画的艺术家,而且完全可以取代古典绘画的功能性。但印象派画家更多的是把照相机当作自己创作中的工具,“印象派画家把曾经被认为是粗俗不堪的生活情景快速的捕捉下来,因为他们发现了平凡事物之美,到户外对景物直接写生。他们对题材选择一般都很随意,画面的内容并不刻意要传达什么思想,他们明显受到摄影中‘街头抓拍’的影响,构图也不像传统绘画那样去严谨的经营。”[[4] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第47页 天津人民美术出版社][4]对于照相机的运用最明显的就是德加,他所画的大量的歌舞少女的形象大部分都是先用照相机抓拍下来然后画速写创作稿或者直接用于创作中。可以从他所拍摄的照片中可以找出他画的一系列色粉画中的人物动作原型。照相机特殊构图形式也对德加产生了很大的影响,如他的《舞蹈教室》和《浴女》系列都可以看到这种影响,画面就像照片,“摄影者”与“被摄影者”被放置到同一个空间当中,看到他的画面就像从相机的观景器看到的画面一样,带有“现场感”。作为直接受德加指导的美国印象派女画家卡萨特,题材和德加一样关注现实社会中的人物形象,她所创作的《母与子》系列作品就受益于德加的粉笔画表现技法,并且采用了与德加一样的摄影式的构图,看起来就像是日常的生活照片。除了德加,高更也十分喜爱用照相机为自己收集创作题材。在他创作的一系列关于土著人的油画中,有些就是直接用他拍摄的照片作为原型的。 印象派艺术家是第一批运用照相机的艺术家,他们使工业革命的成果与艺术产生了又一次碰撞。在20世纪60、70年代,美国流行的照相写实,风格高度的写实冷静、客观。艺术家的创作直接采用照片作为描绘对象的工具,“在没有人为摆设、敢于的情况下捕捉现实”。[[5] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第49页 第1行 天津人民美术出版社][5]最著名的美国照相写实画家安德鲁怀斯,以其精湛的绘画技术描绘了美国本土的风情面貌,形成了美国乡土主义。还有美国照相写实艺术家克洛斯常喜欢借助照相机的短景和焦点以外朦胧的摄影效果,描绘肉眼无法看清楚的细节,呈现出摄影才能不找到的机械真实。 莫奈于1877画了一系列冒着浓浓蒸气烟雾进站的火车,画中高耸坚硬的玻璃钢铁车站建筑显示出进入现代的欧洲城市的生活面貌,艺术家所喻示的不仅是工业革命中的巴黎 “机械美学”已形成,同时也揭示了一种新的绘画方法,而这个画法的观念自始一直就紧跟着机械文明。20世纪美国抽象主义画家波洛克是深受莫奈影响的艺术家,从他的《薰衣草之雾》就可以看出与莫奈《睡莲》的相似性,这种相似性并不单指朦胧的跳动的画面效果。更多的是“绘画”作为一种行为得到波洛克的发扬,前面我们已经提到莫奈在画《大教堂》系列时的创作状态,在运动中不停的调换着画布,放到今天莫奈当时是在表演行为艺术。波克洛在绘画时更加夸张身体跳动,油漆桶的泼洒都是一种激情下的艺术行为。这样的画风所创作出的作品使观看者很自然的在联想他们在创作作品时的心理状态。 光的动感在印象派作品中也是一个重大的贡献,在他们眼中物体色彩是处于运动状态下的,他们所描绘的是一个动态光下物体的色彩。印象派这些年轻的艺术家在摆脱固步自封的学院派沙龙展时,受到巴比松画派影响,风景画成为他们艺术追求上的突破口。他们和巴比松画家之间带着一种师徒般的传承。柯罗是年轻的印象派画家的朋友和导师,他们一起在枫丹白露森林中一起作画,在生活上一直支持和他们,比如西斯莱莫奈和柯罗就是忘年交,在他的绘画风格上更是受到柯罗的影响,银色的色调经常出现在他的画面上。但是不同的是印象派的风景与传统风景画的界限划分得更加明显,这一点不像柯罗依然延续着古典风景画的特点,描绘长时间稳定光线下,静止的景物,唯一不同的是色彩更加绚丽丰富,游离在学院与前卫之间。莫奈他们更加关注的是短时间内光线对于景物的影响,着力表现景物在不同时间环境下的色彩变化,因此印象派的风景画都是带有动感的,即使是梵高他笔下的星空也是像河流的一样的笔触在闪烁流动。他们对恒定不动的光线不感兴趣,莫奈在画卢昂大教堂时通常都是10几幅画同时开始,不同的时间不同的天气状况在不同的画布上描绘,他也因此被称为“光的奴隶”。莫奈的画不像是在描绘他所看到的物体,而是通过描绘物体的色彩变化来描绘光线,莫奈是彻底的印象派,也是最执著的印象派画家,最能代表其艺术追求的表现光的流动感的作品无疑是他晚年的巨制《睡莲》系列,通过水面的波光粼粼把早晨,傍晚的光线变化表现到了极致。古典风景画如同古典肖像画,静态与永恒成是画家主要的表现方式,光在他们画面中是稳定的永恒的,带有宗教性,象征着上帝。在印象派画家笔下光不代表上帝,他代表着真实真理,代表着科学。印象派色彩的视觉冲击力十分的爆炸,鲜艳的颜色统治着整个画面,光影的跳动感被抢调到极致,完全没有宁静之感。光的流动性所产生的现象作为工业时代的产物,被运用到了艺术创作当中。机械文明与现代艺术的关系也逐步的从艺术家作画的方式,笔触到所用的材料一点点的影响画家看世界的观点态度。他们对于科学理论及工业成果采取认同的态度并加以利用。 反叛精神的诱惑 印象派的反叛精神也极大的鼓舞了美国国内的年轻艺术家。这种反叛主要有两个方面 1、东方感性认识对西方理性认识的反叛 印象派对东方的艺术(主要指中国日本)的运用更加直接的运用到自己的画面中。莫奈创作了《穿和服的姑娘》明显的透漏出他对东方艺术的喜爱。《睡莲》是莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下创作的,恣意的笔触带有十分强烈的中国书法写意风格,画面色彩洋溢着东方的感性色彩。中国人之所以十分乐于接受印象派的作品,就源于印象派画家与中国书法绘画中的“写意”性十分相似。波洛克说“当我画画前,我不知道自己要画什么,只有画了以后,我才看到我画了什么。”这和中国书法绘画的创作状态基本一致。 凡高临摹了大量日本浮世绘,把这些画创作为油画。浮世绘平面化的构图形式,消解透视,我们可以从凡高的《向日葵》中看出,装向日葵的花瓶与后面的墙壁基本没有空间关系,桌面与墙壁只是协调整幅画面色调的两大块冷色的平涂。凡高非理性艺术风格一定程度上都是受到东方感性世界的影响。也影响到了二战后美国的抽象表现主义,特别是热抽象表现主义。 像卡萨特一样的大批思想先进的美国年轻艺术家在涌入到巴黎留学期间,通过印象派艺术家了解到了东方艺术品,所以当时印象派画家的东方情结一定程度上影响到了美国艺术家。深受德加影响的卡萨特,和德加一样迷恋着东方艺术,因此她的画带有极强的东方装饰感,在她的油画中,对于女性人物的衣着地描绘可以看出日本浮世绘般的平面装饰画的影响。 东方的感性艺术与西方原有的理性艺术碰撞通过法国艺术家传递给了美国。为美国艺术家后来的抽象表现主义作了启蒙式的教育。美国抽象画家克莱因和马瑟韦尔在20世纪60年代所创作的抽象艺术作品就带有很强的东方书法意味。 2、非主流艺术对主流艺术的反叛 印象派引导了近代艺术史上,第一次对传统艺术反叛的艺术革命。他们的这种叛逆精神,刺激着传统艺术现代化的进程。印象派成了19世纪末反叛的代名词,不仅他们绘画理论的产生源于对传统的反叛,即使印象派的内部反叛精神也使得印象派更加多元化。印象派在发展的过程中,逐渐被社会大众所接受,而以莫奈为首的前印象派也逐渐发展成为印象派中的“学院派”,塞尚成为第一个退出印象派的艺术家,他认为莫奈过分的关注“光”对画面的影响,完全看不到画家个人与所被描绘的景物之间的关系,忽视了个人感受,他在给伯尔纳的信中说“光线对于绘画来说本质上是不存在的。”随之而来印象派分裂为新印象派和后印象派两大流派,这两大各流派是对前印象派的两种极端发展方式。 新印象派把艺术家科学的理性态度运用到自己的创作中去,数学的计算方式影响到了他们的创作方式。例如新印象派的代表艺术家修拉,在作画的时候,常常用数学公式计算出一块色彩区域所应该包含的颜色成分以及该颜色成分的含量,并且把莫奈那些前印象派的“写意式”的笔触转化为均匀的、规则的点状笔触。修拉的画面减弱了画面的空间感,人物与背景呈现浮雕式的效果。他和莫奈有些相似,都是把画布作为一种艺术实验,把科学家般理性的思维模式融入到自己的艺术创作当中; 后印象派艺术家排斥理性,认为前印象派过分的重视客观世界的描绘,只是停留在表面现象上。他们强调主观世界,注重自我表现,主动地把所描绘的事物进行夸张、变形。这两个画派都是由前印象派派生出来的画派,他们使得印象派的艺术表现形式更加现代。高更笔下的人物形象稚拙单纯,平涂的色彩,明暗在他的画面上完全被忽略,带有极强的装饰风格,他也是第一个开始关注“原始世界艺术”的人。塞尚应该说是个人成就最大的一个艺术家,他不论从色彩还是造型上都给现代艺术带来一次巨大的革新,颜色成了画面的构成因素,形体也被他主观的进行夸张,增强了物体的体积与重量感。他对色彩与素描的创新原则分别影响到了毕加索为代表的立体主义和以马蒂斯为代表的野兽派。因此塞尚被称为“现代主义之父”,说明现代艺术的根源在印象派。新印象派和后印象派代表了当时艺术的两个发展方式,冷抽象与热抽象。 印象派对美国艺术的精神影响,就好比库尔贝、马奈对印象派的影响一般,使他们对传统负有极强的反抗精神。在1908年前后,美国也形成了一个与法国学院派沙龙性质相似的艺术机构——国家设计学院。一位艺术家是否能够在艺术界取得成就完全看他们是否获得国家设计院的会员资格。1908年2月,把为美国艺术家在纽约的麦克贝思美术馆举办了一次类似于“法国沙龙落选作品展”的八人画展。这八位美国艺术家分别是:罗伯特亨利、格莱肯斯、卢克斯、希恩、斯隆、戴维斯、劳森、普伦德加斯特,这八人中罗伯特亨利是他们的领军人物,他早年多次留学巴黎,十分喜爱马奈的作品,并把这些作品介绍给年轻的画家格莱肯斯,这使得格莱肯斯受到了极大的影响,如格莱肯斯创作的《切兹蒙昆》无论从构图还使色彩完全与德加的《苦艾酒》一致。还有普伦德加斯特受到新印象派的影响,画面多采用平面性的色彩图案。这个八人画派就是美国的“垃圾箱画派”。阿纳森在《西方现代艺术史》中这样评价“垃圾箱画派”:“1908年的八人画展的重要意义,大概在于它是美国艺术史上一块孤立的里程碑。……然而却又一批艺术家和学生,汇入亨利创立的独立艺术画派,他们以不同的方式,继续探索美国绘画新思想。这些人包括美国重要的抽象艺术家麦克唐纳-赖特、布鲁斯和斯图尔特戴维斯,以及致力于探索各种不同形式的现实主义和浪漫主义的贝洛斯、霍伯。……这把个人以及他们最紧密的追随者们的活动,在美国现代绘画史上具有十分重大的意义。”[[5] 引自《西方现代美术史》 阿纳森(美)著 邹德侬 巴竹师 刘珽 译 天津人民美术出版社][5] 印象派作为美国现代艺术的启蒙导师,传递给美国艺术家与传统反叛的精神,这种反叛精神使得美国的艺术风格风起云涌,逐渐在二十世纪后美国接替了法国成为世界现代艺术的领军者。小 结 法国印象派通过技术革新与精神的支持对美国现代艺术产生了巨大影响,在这两种影响使得美国艺术逐步摆脱了欧洲艺术学徒的身份,逐步探索出一条美国独立的艺术道路。20世纪美国成为世界头号经济强国,商业艺术与大众文化的兴起,博物馆与新的传播媒体的普及,使得美国现代艺术引领了世界范围内的艺术的发展方向。

论素描毕业论文

我劝你还是自己写得好,这样的东西他们能搜到,你的老师一样搜到。好自为之吧。

素描是一门独立的艺术门类,除了素描是绘画造型训练的基本功因素外,另外一个角度就是我们更加关注其具有独特魅力的素描肖像艺术,中外有很多经典的素描肖像艺术的作品,这个内容值得一写,好写又易深入。素描肖像艺术,此内容也显示了论文的艺术品位和不凡的格调,你应该如我一样心动了吧?

1,整体特征:脸型、五官比例2,骨骼结构特征:每个人骨骼结构特征都不同,男性一般眉弓较粗壮、女性眉弓形状柔和,额骨上又两个额结节。脸宽者一般颧骨突出要着重表现。兜齿者下颌骨前突,男性下颌骨较女性粗壮,结节明显,龅牙者吻部整体前倾,口部会形成一个整体突出的体积。鼻骨高低因人而异,西方人眉弓和鼻骨突出,造成眼窝处的投影,亚洲人鼻骨通常不太高,但鼻梁硬骨与软骨衔接处有形体上的微妙转折,不要画成飞机跑道,鞋拔子脸者通常额头和下颌前倾,上颌与鼻骨后退。3,肌肉特征:面部肌肉特征通常可表现人物内心及性格,多思考者与忧愁者皱眉肌发达纠结,会形成纵向皱纹或沟壑。爱笑者口轮匝肌发达,脸颊与鼻翼处易有皱纹,口宽阔。咬肌发达者消化能力旺盛,在绘画训练时要多观察这些特征。4,五官:女性五官常小巧柔美,男性五官常棱角分明而阳刚。眼睛的表现与人物性格有关,眼窝深陷且瘦弱者给人病弱感,易联想到死亡,眼球暴突者给人愚蠢感,眼球被眼睑的投影遮掩,视线向下容易给人智慧及沉思感。5,发型:不论什么发型,画时必须要结合头骨形体的转折来画,要分组,画出立体感,头发的边界处要处理得讲究,不可过实或过虚,要有变化。我个人认为,提出此问的画者依然还处于初级阶段。这个问题其实从本质上反映此人对“整体”作画中的“整体”不是很理解。我们在画画是都在强调要整体作画,注意画面的大关系,要统一。然而,在头像中,骨骼是最基本的结构,而肌肉只是依附在骨骼上的。那么在绘画时,就因该明白什么是主要的,什么是次要的。当然,这个概念是相对的。其实,本人建议此提问人换一个角度对待头像的表现方法:一是,无论怎么画,无论花到哪步,一定要考虑“整体”,“大关系要统一”二是,画画有时要相信自己的“感受”,要去用心感受模特的特征。上述只是我个人的一些看法,若有不对之处及语言上的冒犯,请多多包含。本人也是学美术专业的,曾遇到与此提问人同样的问题,我先你一定是一个刻苦的学者,所以,如本人以后有能力给与帮助,可共同探讨绘画上的问题,本人QQ是1009599600。素描:素描是造型艺术领域中的一门基础科学。素描使用单一的色彩来描绘对象的一种绘画形式。素描具有其独立的艺术价值。她是通过对物象的形体结构、比例关系、明暗变化等造型因素的综合手段来表现对象的。世界万物的形体变化,实际上都是基本形体的复化、变形和组合。一简单的石膏几何形体写生为石膏半面像写生的基础,比较容易观察和理解其造型的基本规律——结构规律、透视规律、明暗规律及其表现规律。素描的表现方法大体可以分两大类。一类是根据形体的结构,一线为主,准确的表现出物体的内部结构和透视变化,这种方法叫做结构素描。另一类是根据物体在光源照射下出现的明暗变化,以块面为主,注重表现形体的立体感、空间感和质感,这种方法叫做明暗素描。“排线”是在钱币素描练习中,处理与表现被画物象形体结构和明暗关系的一种绘画方法。素描步骤:一、定位置、量比例、画出辅助线【注】●量姿要正确,测量要准确二、概括画出所画对象的体面关系【注】●要熟练的掌握用浅线、长线、直线和复线起形的方法●学会用深线不同和宽窄不同的复线表现所画对象的素描关系●起形和检查形体关系的几种方法:1、长宽比例法 2、单位长度比较法 3、垂直(水平)测量法 4、斜线平移法 5、几何形定位法 6、长度反证法 7、二分之一点起形法三、涂大面,区分明暗两大部分【注】●用概括的方法去涂大面四、加强明暗交界线【注】●应把明暗交界线的深线、宽窄和虚实变化充分表现出来●画出与结构关系密切的灰面五、在保持明暗大关系的基础上进行深入刻画【注】●深入刻画的一般顺序:1、丰富暗面 2、区分出暗部反光的侧面和底面 3、画出灰面 4、画好所画对象的投影与背景●从整体出发进行调整统一素描练习中的几个要点:1、宁长勿短 2、宁多勿少 3、宁方勿园 4、宁慢勿快 5、宁赃勿净 6、宁欠勿过 7、宁稳勿躁 8、宁拙勿巧色彩:这里以水粉为例,水粉画既是一种独立的绘画形式,也是青少年学以色彩知识、进行色彩训练的必要途径。水粉画颜料是一种色泽鲜明艳丽、遮盖力较强的粉质绘画材料。所以水粉画既可以吸取水彩画技法,又可以结合油画技法来作画:湿画朦胧、干画苍劲、薄施明亮、厚涂凝重,点、勾、摆、擦、甩无不显示出水粉画颜料的特性与美感。色彩的分类原色称为第一次色,即红、黄、蓝三色。原色使眼色中不可能有其它颜色调和出来的,也不能再分解为其它颜色的基本色,因此它们具有鲜明、纯净、强烈的特点。间色称为第二次颜色,即橙、绿、紫三色。间色是有两个原色混合而成,他们具有鲜明、纯净、强烈的特点。复色称为第三色,是由两个间色或三个原色混合而成。复色呈灰,色彩不鲜明,但具有和谐、优雅之美感。事实上,在生活中我们常见到的色彩大多呈现的是复色。色彩三要素:色相 色相是指色彩的相貌特征明度 明度是指色彩的明暗程度纯度 纯度是指色彩捍联的饱和程度色彩的冷暖称为色性,即色彩的感觉属性影响色彩关系的三因素:固有色、光源色、环境色色彩关系的四个对比:明度对比、纯度对比、冷暖对比、补色对比

既然是论文,个人觉得以素描的一些现象问题入手比较好,,,学美术或艺术教育的,应能感觉到现代的素描艺术已不同以往了,素描已不单纯是所谓的‘纸上描绘’或写实记录,或艺术成品的前期工作,现在的许多素描已变成表达个人情感,思想的艺术,并且素描已开始与其他种类的描绘方式相互结合,亦更加丰富了,,,现在也许有人认为素描就随便乱涂抹几下,或画几根线,也是艺术,,因此可以谈‘当前表现性素描的价值或意义 ,或其个性表现的方式,手段’(通过例举一些名家画素描,以及其素描产生的社会效益或对艺术的影响)当然,也可以谈一下‘当代表现素描与传统写实素描的比较,异同点’还有一些由此引发的问题,如当代表现或抽象素描中的美,或素描如何创新等等,都可以为选题,个人觉得这些素描问题或现象能谈的稍微深入点,当然,前几位也有道理,也可以说说某具体门类的素描或画家的特点或其价值,,,

素描专业的毕业论文

不是吧?你连个题目都没想好,快点写完交差好早点找工作。

在美术学专业论文的写作过程中, 毕业 论文的选题是否恰当,对于撰写一篇起点高、质量好的美术毕业论文而言尤其关键。下面是我带来的关于美术学专业毕业论文题目的内容,欢迎阅读参考! 美术学专业毕业论文题目(一) 1. 浅谈中 国画 的气韵生动 2. 试谈当代油画的写意特征 3. 浅谈自然色彩写生 4. 浅谈中国古代 人物画 ——敦煌壁画“飞天” 5. 水墨画的美学特色 6. 中国水墨画的现状与出路 7. 浅谈中国人物画 8. 浅谈对 山水画 的认识 9. 浅谈中国画“线”的艺术 10. 面对未来的中国水墨画 11. 浅谈色彩写生 12. 中西绘画色彩比较 13. 浅谈中国画的构图特点 14. 浅谈中国传统绘画的造型观念 15. 浅淡“书画同源” 16. 浅谈中国画的空白 17. 头像 素描 学习的要求是什么 18. 简论中国画与书法艺术的关系 19. 浅谈文人画对中国画之影响 20. 中国画贵在创作 美术学专业毕业论文题目(二) 1. 谈徐渭的杂花图卷 2. 如何对待西方现代派美术 3. 线描艺术的魅力 4. 传统水墨与都市水墨 5. 浅论山水画写石 方法 6. 论"线"在素描绘画中的作用 7. 浅谈中国画空间的创新 8. 论白描仕女画 9. 谈中国画的现状和出路 10. 浅谈国画百年之变迁 11. 浅谈色彩与人的心理 12. 论白描 13. 笔精墨妙与意趣心契 14. 浅谈__对米勒的影响 15. 古代书法论所涉“道”“理”“法”三者关系 16. 论写生与创作的关系 17. “线条、色彩、构图”——绘画美的本质 18. 散谈中国画的特点----作为阅读符号的中国画 19. 线——造型艺术的独特语言 20. 谈临摹 21. 对中国水墨画传统技法的几点认识 22. 油画之我见 美术学专业毕业论文题目(三) 1.中国画创新的道路探索 2.浅谈中国工笔人物画的“传神写意” 3.浅谈素描写生 4.简论书法用笔与中国画笔墨 5.谈画好素描的窍门 6.浅谈艺术中的“目视”与“神遇” 7.浅谈中国山水画的意境 8.论水粉画写生“水”和“白粉”的运用 9.素描作为独立的艺术形式的魅力 10.浅析中国画的美学理念 11.中国画设色中的变色 12.重视眼、脑、手的训练 13.浅论中西绘画中的线条艺术 14. 浅谈美术的功利价值早于审美价值 15. 浅谈中国山水画 16. 浅谈中国画的”形“与”神” 17. 浅谈素描创新——造型、审美、感知能力 18. 略论中国画的构图 19. 浅谈写意花鸟的赋彩 20. 如何看待“笔墨等于零” 猜你喜欢: 1. 美术系毕业论文范文 2. 美术学毕业论文题目 3. 美术学毕业论文范文参考 4. 艺术毕业论文题目大全 5. 美术学毕业论文范文 6. 艺术类专业毕业论文范例

美术教学论文撰写过程中,论文的题目,是做研究和写论文的第一个步骤,但是对于如何选好题目,一直都是许多人相当的头痛问题。下面是我带来的关于美术教学论文题目的内容,欢迎阅读参考! 美术教学论文题目(一) 1. 中 国画 贵在创作 2. 浅谈中国画中的“气韵生动” 3. 谈徐渭的杂花图卷 4. 如何对待西方现代派美术 5. 线描艺术的魅力 6. 传统水墨与都市水墨 7. 浅论 山水画 写石 方法 8. 论"线"在 素描 绘画中的作用 9. 浅谈中国画空间的创新 10. 论白描仕女画 11. 谈中国画的现状和出路 12. 浅谈国画百年之变迁 13. 浅谈色彩与人的心理 14. 论白描 15. 笔精墨妙与意趣心契 16. 浅谈__对米勒的影响 17. 古代书法论所涉“道”“理”“法”三者关系 18. 论写生与创作的关系 19. “线条、色彩、构图”——绘画美的本质 20. 散谈中国画的特点----作为阅读符号的中国画 美术教学论文题目(二) 1.装饰美在中国古代雕塑中的作用 2.试谈对古典建筑艺术的认识 3.数字媒介与艺术融合 4.室内景物的光与色处理 5.论装饰性书法 6.论居室设计空间分割 7.浅谈职业学校开设艺术设计课程的重要意义 8.平面构成教学中的情智培养 9.浅谈现代中国城市雕塑 10.雕塑时空 11.浅论标志设计特征和表现方法 12. 现代装饰艺术——装饰画 13. 浅谈绿色包装设计 14. 浅谈图案的创作与应用 15. 艺术与环境 16. 浅谈色彩与室内设计的关系 17. 建筑装饰中空间划分的设计探究 18. 小户型住宅装修设计方案探讨 19. 手绘墙在现代室内装饰设计中的应用 20. 影视动画后期特效制作分析 美术教学论文题目(三) 1. 虚拟城市开发技术的探讨 2. 浅析影视动画后期特效制作 3. 标志在打造企业品牌中的战略地位 4. 浅谈文字在平面设计中的应用 5. 浅谈中国 传统 文化 对平面设计的影响 6. 视觉形象识别系统在企业中的作用 7. 浅谈白色在艺术设计中的应用 8. 浅谈现代商业展示空间设计要素 9. 视觉传达在网页设计中的表现 10. 商业插画的市场发展 11. 高师美术学专业全程化 教育 实习模式研究 12. 生态理念下高师美术学专业交叉课程设置调查研究 13. 高师美术学专业基础课程设置的现状与对策研究 14. 当代语境下高等师范院校美术学中国画创作教学模式研究 15. 高师美术教育专业工作室制教学模式探析 16. 面向美术教育中的学习困难生 17. 美术学(教师教育)《设计与制作》试点课程研究 18. 人脸识别技术在数字视频网络监控系统中的应用研究 19. 黄庭坚题画诗研究 20. 云南傣族剪纸艺术及其延伸工艺研究 21. 楚雄彝族服饰特点及应用研究 猜你喜欢: 1. 美术教育论文题目 2. 美术教学论文题目 3. 美术学科论文题目 4. 美术学论文题目 5. 美术学专业毕业论文题目

这里有几篇你看行不行,如果觉得不怎么样,你可以去美术论文网看看,里面篇数很多-----------------------------------“线”在美术作品中的功能与审美特征 线,或称线条,是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素,由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的,所以,造型观念中的线,往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系,然而这些能力的形成,又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用,是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品,提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段,是构成视觉艺术形象的一种基本因素,无论平面的还是立体的作品;不论是写实,还是装饰;不论是抽象的,还是具象的……在长期的美术发展过程中.“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言,一直处于十分重要的地位,并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画,皴染不多,主要以毛笔线条勾勒,但其中线条流畅自由,轻重虚实的变化,随意性较强,具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线,极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线,可以追溯到仰韶时代的彩绘画,晚周帛画,楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品,鲜明、生动、挺拔的线条,描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象,体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来,随着人物画创作的兴盛,线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师,人们称吴氏的线条为“吴带当风”,他画中的人物,衣袖飘动,生动异常,体现了高度的“运动感”和“节奏感”,充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画,画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能.画家用寥寥数笔,把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动,中国画家经过长期的艺术实践,从“文人画”“院体画”到民间画,对线的运用各具风采(在表现物象的同时,还传达出入的情绪),传统技法——十八描,即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响,东西方绘画的线在形式美感上各不相同:东方绘画中的线注重表现情感,富于韵律感和装饰美;西方绘画中的线具有较强的理性特征,不能把这两者对立起来,应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的,同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛,只是由于欣赏习惯,绘画造型的传统观念的差异,形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析,东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起,如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统,又吸收了东方艺术的特点,给人一种新的美感享受。在我国,随着中西文化的不断融合,中国传统美术有厂新的发展和变化,特别是近十几年来,这一点更加突出,如:吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意,线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统,都应认真研究继承,在学好我国传统绘画课的基础上,还需了解西方美术。“西为中用用”,使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。-----------------------------------对于传统色彩学的新认识 绘画中的色彩,是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样,在漫长的历史时期中,经过历代艺术家的努力和探索,其观念也在不断地发生变化。如今,逼真地再现物象的色彩,表达物象的质感,已不是绘画中色彩的最终目的,色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。从早期文艺复兴至今,绘画中色彩的表现方法丰富多彩,一代代艺术大师们耕耘不止,给后人们留下了无数的艺术财富。十五世纪上半叶,凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品,在坚实的造型基础上,加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色,这些色彩,通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子,创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作,其色彩已具有一定的主观因素;达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象;西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作,其色调已经超越了物象本身的色彩范畴,达到了一种色彩的抽象概括,其色彩运用,更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求,不受物象色彩的制约,他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调,作品富有现代精神;伦勃朗利用强烈的明暗对照,单纯而强烈的色彩来突出主题,人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光,作品充满了深度。十九世纪,由于科学的发展,一些有关色彩理论的论述在欧洲问世,这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘,使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念,采用鲜明的色彩来描绘天空、田野,画家们致力于风景画中环境与光线的研究,莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。艺术探索是无止境的,康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里,色彩还是依附于形体之上,色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中,已见不到传统绘画中的具象物体,色彩已不再依附于任何具体的物象而存在,他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新,而每一次创新,都需要勇气打破条条框框,用全新的视角去重新认识和感应世界,推动艺术的发展。综上所述,不难看出,色彩艺术在其发展的过程中,没有一成不变的规则,我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识,而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份,全面推进学生的色彩感应力,应成为一个重要课题。当前在色彩教学中采用的理论依据,是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色,认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则,亮部冷,暗部就要暖;在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性,即通常的画大关系,然后深入,再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面,但也存在一定的局限性,即过多地重视科学规则和相应的客观因素,忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的,没有它,艺术作品就会缺乏生气,枯燥无味。所以,在色彩训练中,从一开始就要重视对色彩的直接感应,不要让过多的理论缚住做画者的手脚。传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达(物体离观者近则色彩鲜明突出,退远则变淡变冷)。但在现代的许多绘画大师的作品中,这种理论已被打破,艺术家们根椐自己对世界的认识和感应,重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系,应理解为色彩结构上的位置关系,色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚;凡高的作品中也充满着东方情趣;米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力,使这些艺术家顶膜礼拜呢?关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品,如中国画不受客观条件的制约,而强调艺术家的主观精神,使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话,将会创造出更广大的艺术天地。-----------------------------------美术课在美育中的作用 美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件,就是直观性,包括对自然美的直观,社会美的直观,艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。 美术欣赏课的教学,主要以完美的形象,卓越的艺术技巧来拨动人的心弦,使人精神奋发,与之共鸣,从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》,可感受到作者通过构思,构图和色彩,表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》,透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣,学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外,还要学习临摹,写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课,不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花,还是随意堆在桌上的肥硕水果;不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿,还是刚买回来的新鲜蔬菜,那生意盎然的色彩、情趣横生的形态,都能人学生以情的感染和美的享受。 人物头像绘画课,不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”,还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美,并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念,关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》,极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上,可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生,然而他又是那样善良,淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容,引导学生通过对形象的感受、想象与思考,认识肖像画的艺术美,在思想上受到熏陶,在美的感受中受到教育。 工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律,学生掌握这些形、色的审美常识,有助于培养他们健康的审美观点,对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象,有正确引导的作用,同时也有助于他们思想品德的提高。 另外,美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究,人脑的左半球分管抽象思维,右半球分管形象思维,许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维,而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力,特别是观察能力。在绘画课上,教师总是强调学生观察、观察、再观察,由表及里的观察,由近及远的观察,由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察,才有正确的感知,也才能形成积极的形象思维,使抽象的东西具体化,概念的东西形象化,进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力,充分发挥人脑的潜力。美育被明确地列入教育大纲,标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家,但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维,陶治其情操,起着积极的作用。

特斯拉维修毕业论文

最近

有一则新闻引起了广泛关注:一名特斯拉车主在行驶途中压到了一块石子,导致车辆受损,需要支付14万元的维修费用。这个事件引发了一些争议,有人认为这是特斯拉的质量问题,而有人则认为这是车主的驾驶问题。本文将对此进行一些分析和探讨。首先,我们需要了解一些相关的背景知识。特斯拉是一家美国电动汽车制造商,成立于2003年,是世界上最知名的电动汽车制造商之一。特斯拉汽车的优点是环保、高效、安全等等,其产品深受广大消费者的喜爱和信赖。但是,特斯拉汽车的价格较高,维修费用也相应较高,因此在购买和使用特斯拉汽车时需要谨慎考虑。回到本次事件,有人认为特斯拉车辆压到石子需要支付14万元的维修费用是特斯拉的质量问题。这种观点主要是基于以下两个方面的考虑:第一,特斯拉汽车的制造质量应该能够承受正常的驾驶条件,包括行驶在道路上可能遇到的各种障碍物,例如石头、碎片等等。因此,如果一块石子就能够导致车辆需要支付如此高昂的维修费用,那么显然特斯拉汽车的制造质量存在问题。第二,特斯拉汽车的售价相对较高,因此消费者也应该得到更好的保障和服务。如果一块石子就能够导致车辆需要支付如此高昂的维修费用,那么消费者的权益得不到保障,特斯拉的售后服务也存在问题。但是,另一些人认为这是车主的驾驶问题,而不是特斯拉的质量问题。这种观点主要基于以下几个方面的考虑:第一,石子等障碍物在道路上是很常见的,如果车主在行驶过程中没有注意到或者避让这些障碍物,就容易导致车辆受损。因此,车主也应该对自己的驾驶行为负责。第二,特斯拉汽车的维修费用相对较高,这是因为它的零部件和技术相对比较先进,需要更高的维修成本。因此,如果此外,这一事件还引起了对特斯拉车辆的设计以及它们是否配备了足够的道路危险防护措施的问题。一些专家批评特斯拉使用低挂电池组,容易受到道路残骸的损坏。其他汽车制造商,如梅赛德斯-奔驰(Mercedes-Benz)和宝马(BMW),已经实施了保护性的起落架罩,以防止这种损坏。然而,特斯拉为其设计辩护,声称S型和X型有“偏转器”,将道路碎片从电池组中移开。该公司还指出,车主的手册明确警告不要在道路上驾驶物体,并建议避免道路碎片造成的高速撞击。尽管特斯拉做出了回应,但这一事件仍引发了人们对特斯拉汽车安全和潜在维修费用的担忧。最后,该事件是否是由设计缺陷或驱动程序错误引起的问题仍不清楚。无论如何,它提醒人们在操作任何车辆时适当维护和安全驾驶的重要性。总的来说,涉及特斯拉和摇滚的事件对特斯拉司机和那些考虑购买特斯拉汽车的人都是一个警示。虽然这起事故可能是由多种因素引起的,包括司机失误,但它突显出驾驶任何车辆的潜在风险,特别是像特斯拉这样的豪华汽车。最后,重要的是所有司机都要保持谨慎,确保车辆得到妥善保养,以避免昂贵的维修和潜在的危险情况。

你好,还是要分具体故障而且新能源的维护成本就是均高于燃油车

首先,需要了解的是特斯拉车辆的修理费用通常比传统汽车高。这主要因为特斯拉采用了一种不同于传统汽车的设计和部件,其维护和修理可能需要更多的技术和工具。然而,车辆因压到石子而需要 14 万的修理费用似乎有点不合理。因此,我们需要进一步了解情况。可能导致修理费用这么高的原因包括:1. 损坏的部件压到石子可能导致车辆下部受损。特斯拉车辆的下部通常包括电池组、电机、转向系统等比较昂贵的部件。如果这些部件中的任何一个受损,维修费用可能非常高昂。2. 特斯拉车的设计特斯拉的设计比较复杂,拥有许多高科技的部件。这也导致了特斯拉维修技术经验相对较少,因此需要更专业的维修人员来进行修理。这进一步推高了修理费用。3. 维修成本特斯拉车辆的维修成本很高,部分原因是这些车辆的零部件价格相对高昂,并且需要较长时间的工作才能进行修理。此外,特斯拉车辆仍然在保修期内,因此修理可能不会被覆盖在保修范围内,这使维修费用更加昂贵。

素描的论文题目

1,整体特征:脸型、五官比例2,骨骼结构特征:每个人骨骼结构特征都不同,男性一般眉弓较粗壮、女性眉弓形状柔和,额骨上又两个额结节。脸宽者一般颧骨突出要着重表现。兜齿者下颌骨前突,男性下颌骨较女性粗壮,结节明显,龅牙者吻部整体前倾,口部会形成一个整体突出的体积。鼻骨高低因人而异,西方人眉弓和鼻骨突出,造成眼窝处的投影,亚洲人鼻骨通常不太高,但鼻梁硬骨与软骨衔接处有形体上的微妙转折,不要画成飞机跑道,鞋拔子脸者通常额头和下颌前倾,上颌与鼻骨后退。3,肌肉特征:面部肌肉特征通常可表现人物内心及性格,多思考者与忧愁者皱眉肌发达纠结,会形成纵向皱纹或沟壑。爱笑者口轮匝肌发达,脸颊与鼻翼处易有皱纹,口宽阔。咬肌发达者消化能力旺盛,在绘画训练时要多观察这些特征。4,五官:女性五官常小巧柔美,男性五官常棱角分明而阳刚。眼睛的表现与人物性格有关,眼窝深陷且瘦弱者给人病弱感,易联想到死亡,眼球暴突者给人愚蠢感,眼球被眼睑的投影遮掩,视线向下容易给人智慧及沉思感。5,发型:不论什么发型,画时必须要结合头骨形体的转折来画,要分组,画出立体感,头发的边界处要处理得讲究,不可过实或过虚,要有变化。我个人认为,提出此问的画者依然还处于初级阶段。这个问题其实从本质上反映此人对“整体”作画中的“整体”不是很理解。我们在画画是都在强调要整体作画,注意画面的大关系,要统一。然而,在头像中,骨骼是最基本的结构,而肌肉只是依附在骨骼上的。那么在绘画时,就因该明白什么是主要的,什么是次要的。当然,这个概念是相对的。其实,本人建议此提问人换一个角度对待头像的表现方法:一是,无论怎么画,无论花到哪步,一定要考虑“整体”,“大关系要统一”二是,画画有时要相信自己的“感受”,要去用心感受模特的特征。上述只是我个人的一些看法,若有不对之处及语言上的冒犯,请多多包含。本人也是学美术专业的,曾遇到与此提问人同样的问题,我先你一定是一个刻苦的学者,所以,如本人以后有能力给与帮助,可共同探讨绘画上的问题,本人QQ是1009599600。素描:素描是造型艺术领域中的一门基础科学。素描使用单一的色彩来描绘对象的一种绘画形式。素描具有其独立的艺术价值。她是通过对物象的形体结构、比例关系、明暗变化等造型因素的综合手段来表现对象的。世界万物的形体变化,实际上都是基本形体的复化、变形和组合。一简单的石膏几何形体写生为石膏半面像写生的基础,比较容易观察和理解其造型的基本规律——结构规律、透视规律、明暗规律及其表现规律。素描的表现方法大体可以分两大类。一类是根据形体的结构,一线为主,准确的表现出物体的内部结构和透视变化,这种方法叫做结构素描。另一类是根据物体在光源照射下出现的明暗变化,以块面为主,注重表现形体的立体感、空间感和质感,这种方法叫做明暗素描。“排线”是在钱币素描练习中,处理与表现被画物象形体结构和明暗关系的一种绘画方法。素描步骤:一、定位置、量比例、画出辅助线【注】●量姿要正确,测量要准确二、概括画出所画对象的体面关系【注】●要熟练的掌握用浅线、长线、直线和复线起形的方法●学会用深线不同和宽窄不同的复线表现所画对象的素描关系●起形和检查形体关系的几种方法:1、长宽比例法 2、单位长度比较法 3、垂直(水平)测量法 4、斜线平移法 5、几何形定位法 6、长度反证法 7、二分之一点起形法三、涂大面,区分明暗两大部分【注】●用概括的方法去涂大面四、加强明暗交界线【注】●应把明暗交界线的深线、宽窄和虚实变化充分表现出来●画出与结构关系密切的灰面五、在保持明暗大关系的基础上进行深入刻画【注】●深入刻画的一般顺序:1、丰富暗面 2、区分出暗部反光的侧面和底面 3、画出灰面 4、画好所画对象的投影与背景●从整体出发进行调整统一素描练习中的几个要点:1、宁长勿短 2、宁多勿少 3、宁方勿园 4、宁慢勿快 5、宁赃勿净 6、宁欠勿过 7、宁稳勿躁 8、宁拙勿巧色彩:这里以水粉为例,水粉画既是一种独立的绘画形式,也是青少年学以色彩知识、进行色彩训练的必要途径。水粉画颜料是一种色泽鲜明艳丽、遮盖力较强的粉质绘画材料。所以水粉画既可以吸取水彩画技法,又可以结合油画技法来作画:湿画朦胧、干画苍劲、薄施明亮、厚涂凝重,点、勾、摆、擦、甩无不显示出水粉画颜料的特性与美感。色彩的分类原色称为第一次色,即红、黄、蓝三色。原色使眼色中不可能有其它颜色调和出来的,也不能再分解为其它颜色的基本色,因此它们具有鲜明、纯净、强烈的特点。间色称为第二次颜色,即橙、绿、紫三色。间色是有两个原色混合而成,他们具有鲜明、纯净、强烈的特点。复色称为第三色,是由两个间色或三个原色混合而成。复色呈灰,色彩不鲜明,但具有和谐、优雅之美感。事实上,在生活中我们常见到的色彩大多呈现的是复色。色彩三要素:色相 色相是指色彩的相貌特征明度 明度是指色彩的明暗程度纯度 纯度是指色彩捍联的饱和程度色彩的冷暖称为色性,即色彩的感觉属性影响色彩关系的三因素:固有色、光源色、环境色色彩关系的四个对比:明度对比、纯度对比、冷暖对比、补色对比

写人的都小,比如梵高,塞尚,等一类的都行,论他们的艺术成就,或一个时期的艺术特色

素描(色彩)对写实油画的影响(作用)

既然是论文,个人觉得以素描的一些现象问题入手比较好,,,学美术或艺术教育的,应能感觉到现代的素描艺术已不同以往了,素描已不单纯是所谓的‘纸上描绘’或写实记录,或艺术成品的前期工作,现在的许多素描已变成表达个人情感,思想的艺术,并且素描已开始与其他种类的描绘方式相互结合,亦更加丰富了,,,现在也许有人认为素描就随便乱涂抹几下,或画几根线,也是艺术,,因此可以谈‘当前表现性素描的价值或意义 ,或其个性表现的方式,手段’(通过例举一些名家画素描,以及其素描产生的社会效益或对艺术的影响)当然,也可以谈一下‘当代表现素描与传统写实素描的比较,异同点’还有一些由此引发的问题,如当代表现或抽象素描中的美,或素描如何创新等等,都可以为选题,个人觉得这些素描问题或现象能谈的稍微深入点,当然,前几位也有道理,也可以说说某具体门类的素描或画家的特点或其价值,,,

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