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题目有点问题：演奏风格？囧，首先建议修改下题目，而且这个限定面太小了，建议把风格去掉，写暴风雨钢琴奏鸣曲演奏研究或者直接就是暴风雨钢琴奏鸣曲研究，后者的发挥空间更大一些，毕竟是6000多字的论文。至于写的话首先从创作背景（这些网络上很多都能搜索到），然后写曲式分析，然后再研究如何弹奏，这个可以去参考郑兴三的贝多芬钢琴奏鸣曲研究那本书。这三个是必写的，其他的LZ可以自己发挥。包括你说的风格等，很多都可以发挥的。当然，文献的话可以去学校图书馆去下载网络上的文献，图书馆的电脑一般都有那些国家期刊免费下载的网站。建议就是这么多了，反正论文就是N篇凑一篇，然后注意搜索点参考文献就行了额。
之前也是为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。 还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家： 埃尔文·舒尔霍夫《长笛与钢琴奏鸣曲》演奏分析 李斯特钢琴改编曲——圣桑《死之舞》S.555音乐特征及演奏探析 《小河淌水》《槐花几时开》的演唱特点与艺术分析 吉纳斯特拉《阿根廷舞曲》的演奏分析 贝多芬钢琴奏鸣曲op.109的曲式分析与演奏 肖邦《F大调第二叙事曲》（Op.38）曲式分析与演奏研究 格里格《培尔·金特》组曲的多声部研究 巴托克《小宇宙》曲式分析与教学研究 普罗科菲耶夫钢琴奏鸣曲式结构研究——以九首钢琴奏鸣曲为例 万哈尔《D大调低音提琴协奏曲》曲式分析及演奏诠释 乔治·利盖蒂钢琴组曲《利切卡尔》分析研究 从曲式分析到风格分析——音乐分析课程的发展现状与改革设想 中国民歌《茉莉花》之研究——以江苏、河北两地《茉莉花》为例 对我国现行常用曲式学教材的比较研究 拉赫玛尼诺夫《音乐瞬间》Op16教学与演奏分析 王立平与《红楼梦》声乐作品研究 贝多芬中期钢琴奏鸣曲创作特点——以贝多芬奏鸣曲《热情》为例 古典隽永，情融浪漫—勃拉姆斯三首钢琴三重奏创作技法研究 论奏鸣曲式在胡梅尔钢琴奏鸣曲的运用 钢琴基础教材的音乐性与技术性的阐释与展望——以《布格缪勒钢琴进阶25曲》（作品100）为例 贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.109演奏技巧剖析 论肖邦E大调第四首谐谑曲 谈王建民的二胡狂想曲 勃拉姆斯三首钢琴奏鸣曲的演奏与教学研究 穆索尔斯基钢琴组曲《图画展览会》音乐分析研究 《第二二胡协奏曲—追梦京华》之创作与演奏风格探究 基于微信平台的高校音乐理论课程资源开发与利用——以《曲式分析》课程为例 勋伯格Op.15/1，《在茂密绿叶的遮掩下》-声部连接、和声和谐度、歌词、曲式分析 舒曼《C大调幻想曲》演奏中技术与情感的统一 罗德里戈早期吉他协奏曲研究 一曲壮丽的革命诗篇——柯达伊交响变奏曲《孔雀飞》的曲式分析与内容初探 格拉祖诺夫钢琴奏鸣曲的结构思维研究 李斯特《塔兰泰拉》音乐特征与演奏分析 刘文金二胡作品研究 黎英海钢琴作品《夕阳箫鼓》民族化元素及演奏研究 歌剧《野火春风斗古城》中杨晓冬的咏叹调研究——以杨晓冬的两首咏叹调为例 偏而不离——认知诗学视角下《裂缝》的解读 合唱准备练习探究 巴赫《意大利协奏曲》创作风格与钢琴演奏分析 勃拉姆斯e小调大提琴奏鸣曲演奏技法分析 黄虎威长笛独奏《阳光灿烂照天山》结构分析及演奏难点 莫扎特歌剧《牧人王》中咏叹调《我爱你，这爱情坚贞》的演唱分析 徐景新创作歌曲的演唱探微——以《飞天》、《春江花月夜》、《卜算子 咏梅》为例 维奥蒂《a小调第二十二小提琴协奏曲》研究 歌剧咏叹调《你也知道他，妈妈》的艺术特征研究 试论民族歌曲创作与演唱中的风格性与兼容性——结合朝鲜族民歌《阿里郎》的演唱体会 马思聪四首小提琴作品解析 探究小夜曲的艺术特征及演唱分析——以舒伯特、托斯蒂《小夜曲》为例 浅谈绛州鼓乐<滚核桃>的演奏技法应用及艺术表现 申克音乐分析体系在教学实践中的应用价值研究 乔治·格什温歌剧《波吉与贝丝》中二首唱段分析研究 由《我爱这土地》分析陆在易艺术歌曲创作特点及演唱处理 浅析约翰·约阿希姆·匡茨《c小调三重奏奏鸣曲》创作背景和演奏特点 贝多芬钢琴奏鸣曲第20号Op.49.2第二乐章的双排键电子琴编配与演奏解析 探究小夜曲的艺术特征及演唱分析——以舒伯特、托斯蒂《小夜曲》为例 伊萨伊《第六无伴奏小提琴奏鸣曲》（Op.27）作品及演奏分析 筝曲《醉·舞倾城》的创作特点与演奏分析 德彪西《萨克斯管与乐队狂想曲》的音乐学分析 琵琶独奏曲《狼牙山五壮士》探微 艺术歌曲《梁祝新歌》的演唱诠释与研究 歌曲《淋湿的梦》的艺术特点及演唱探析 歌曲《我怎样去爱你》的演唱分析 歌剧咏叹调《前天夜里，我的孩子》演唱分析 民族声乐作品《土家撒叶儿嗬》的演唱分析 格拉纳多斯钢琴组曲《戈雅之画》之研究 论陆在易艺术歌曲《我爱这土地》的艺术分析和演唱处理 艺术歌曲《湘累》的音乐特点与演唱分析 四川大竹盘歌的音乐特征及演唱风格研究 交响音乐史诗《成吉思汗》创作技法 希曼诺夫斯基《第三钢琴奏鸣曲》的分析与研究 论米夏克低音提琴第一奏鸣曲的创作风格与演奏技巧 贝多芬早期变奏曲的艺术特征——以变奏曲WoO 71为例 怀揣思乡情 盼望归故乡——探究《望乡词》的艺术情感及分析 交响组曲《五行》之创作体会与技法分析 库夏科夫《冬季素描组曲》音乐创作及演奏分析 特奥巴尔德·波姆《大波兰舞曲》Op.16作品与演奏分析 歌曲《孟姜女》的艺术风格及演唱分析 套曲《夏夜》中浪漫主义风格与演唱元素的呈现——以《在滨海湖上》和《离别》为例 论歌剧《茶花女》中咏叹调《永别了，过去的美梦》的演唱分析 歌剧咏叹调《你也知道他，妈妈》的艺术特征研究 舒伯特《a小调奏鸣曲第一乐章》（D.845）的音乐特征与演奏分析 肖邦《降B大调华丽变奏曲》的音乐特征与演奏分析 舒曼钢琴组曲《森林情景》音乐与演奏分析 古筝协奏曲《红高粱叙事曲》的音乐与演奏分析 许学东扬琴作品《瑶山夜画》的演奏分析 路易斯·斯波尔单簧管协奏曲的音乐分析与演奏技法——以No.20为例 二胡作品《曾侯乙传奇》的二度创作探索和实践 巴拉基列夫“回教风幻想曲”《伊斯拉美》演奏技巧研究 贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.109演奏技巧剖析 舒伯特钢琴奏鸣曲演奏分析——以《A大调钢琴奏鸣曲D.664》为例 巴赫《创意曲集》在钢琴教学中的应用 裕固族民歌《木拉呗哩》的演唱探析 豫剧风格在叙事歌曲《木兰从军》创作与演唱中的呈现 塔克塔谢维利《C大调长笛与钢琴奏鸣曲》的音乐与演奏技巧分析 Max Reger三首中提琴无伴奏组曲音乐演奏分析 何占豪古筝三重奏《姐妹歌》的演奏分析 宋词新曲的演唱分析——以音乐会中两首曲目为例 肖邦《波兰舞曲》Op.26结构特征研究 舒伯特《即兴曲》D.935的音响版本比较 莫扎特F大调第十九钢琴协奏曲K.459音响版本研究
乐曲赏析
这首曲子一共分为三个乐章：
第一乐章，持续的慢板，升c小调，2/2拍子，三部曲式。为奏鸣曲形式的幻想性的、即兴性的柔和抒情曲。一反钢琴奏鸣曲的传统形式，贝多芬在本曲的首乐章中运用了慢板，徐缓的旋律中流露出一种淡淡的伤感。
第二乐章，小快板，降D大调，3/4拍子，三部曲式。贝多芬在这一乐章中，又一次“反其道而行之”，改变了传统钢琴奏鸣曲中一向作为慢板乐章的第二乐章，而采取了十分轻快的节奏，短小精悍而又优美动听的旋律与第一乐章形成鲜明的对比。
第三乐章，激动的急板，升c小调，4/4拍子，奏鸣曲式。本乐章拥有精巧的结构与美妙的钢琴性效果和充实的音乐内容，急风暴雨般的旋律中包含着各种复杂的钢琴技巧，表达出一种愤懑的情绪和高昂的斗志。
扩展资料：
《月光奏鸣曲》创作轶事
《月光奏鸣曲》是贝多芬题赠给他一八零一年时热情的对象：朱丽埃塔·圭恰迪尼的一首作品，但后来他为这段感情付出了很大的代价。
义务教育课程试验标准教科书《语文》六年级上册课本第二十六课《月光曲》一文，是人民教育出版社以“月光曲”为标题杜撰的一个动人故事。
参考资料来源：百度百科--月光奏鸣曲
月光奏鸣曲比作单相思引起内心痛苦忧虑的。总之,充满灵感、朦胧和寂寞。... 月光奏鸣曲听后感 《月光奏鸣曲》其实此标题并非贝多芬自题,实际“月光”一词...的内容也...
一、 《月光》奏鸣曲的创作背景 贝多芬的《月光》奏鸣曲创作于1801年，那年他三十一岁。这首作品是目前在听众中最为流行的钢琴奏鸣曲之一，而它的颇具文学色彩的标题也给人带来了无尽的遐想。有人认为，“月光”一词的来源是因为诗人路德维希·莱尔斯塔勃把这首奏鸣曲第一乐章的音乐比作是费尔伐里斯吉特湖上月色的夜景而得名；但也有人反对这一观点，如安·鲁宾斯坦就认为“月光”这个名称与作品不符，他认为第一乐章的音乐情绪是悲剧性的，与月光的含义完全相反。然而，“月光”这一名称的使用却一直延续到今天，并受到了最为热烈的推崇和热爱。 贝多芬的作品总是根植于他所生活的现实之中，他在现实中承受着一切痛苦，享受着每一份欢乐，并将他们表现在他的作品之中。1796年至1800年，正是贝多芬的耳疾开始越来越深地影响着他的时期，他的耳朵日夜作响，似乎内脏也受着折磨，听觉更是越来越衰退起来。他一直对自己的耳疾保持着缄默，直到1801年，他才在信中向他的好友韦该勒医生才悲伤地倾诉道“我的最高贵的一部分，我的听觉，大大地衰退了。当我们在一起时，我已觉得许多病象，我瞒着；但从此越来越恶劣……还会痊愈吗？我当然如此希望，可是非常渺茫；这一类的病是无药可治的。我得过着凄凉的生活，避免我心爱的一切人物，尤其是在这个如此可怜、如此自私的世界上！……” 这些话中我们不难看出在他身上浓浓的悲伤情绪，然而他却是如此需要欢乐，在没有欢乐时，他就创造欢乐！就这样，在1801年他恋爱了，尽管他在恋爱上不断地钟情，不断地梦想着幸福，最后幸福却总是幻灭，使他陷入痛苦的煎熬之中，他却仍旧一次又一次地坠入爱河之中，《月光奏鸣曲》就是他这段爱情的心理体验，他创作了该首作品，并将他献给当时的恋爱对象琪里爱太·吉却娣，然而，这位漂亮轻佻的贵族小姐却最终无情地抛弃了他。正是在这种复杂的痛苦体验和激烈的内心矛盾冲突中，在对爱情的期待与失望之中，才诞生了这部伟大的作品。 1800年是贝多芬思想上和创作上日渐成熟的时期，他了解到法国大革命的状况，接触了法国革命时期的音乐。他这时的创作风格已抛开了早期奏鸣曲中的旧有的刻板的规则，而追求崇高的理想和新的表现手法，追求形式的完美性和内容的深刻性，强调形式服从于内容，《月光奏鸣曲》也正是形式从属于内容这一美学思想的最出色的例证。正是基于这一美学思想，才使他对奏鸣曲进行了大胆的革新，并成为了他对音乐史的最重要的贡献。比如，它打破了旧的奏鸣曲式快—慢—快三乐章的旧有模式，在该首乐曲中第一乐章出现的不是快板，而是持续的柔板。它所有的音乐形式都成为了表达真挚感情、展现戏剧冲突的途径，其中更是充满着现实主义的心理描写。 二、 《月光》奏鸣曲的音乐分析 第一乐章中我们感受到的是充满幻想的，宁静的月色与流动的河水的美丽场景，情绪时而期待又时而失望，时而沉思呻吟又时而思绪如潮，时而忧伤猜疑又时而信念坚定，这其中总是暗藏着某种危机，某种不祥的预感，整个乐章充斥着忧愁哀怨的情绪，似乎是这段严峻感情的开端，这也是贝多芬最杰出的慢板乐章之一。这与现实中的他被卖弄风情、幼稚自私的琪里爱太·吉却娣抛弃存在着暗自的契合关系。它的写法可以说是独具匠心，整个内心激动不安的形象始终浮现在安静、单一的音色背景之上。该乐章采用了单三部歌谣曲的曲体结构，升C小调，由引子、主题、中间部分、主题的再现、尾声五部分组成。引子为第1-5小节，在逐级下降的八度音支持的低音的基调上，浮现出连续三连音的微弱音响，第5小节以完全终止作为结束；主题为第6-15小节，E大调的调性将我们引入了对光明的憧憬，但这种憧憬是短暂的，随即调性又转入e小调，直至第15小节以平行大调的属小调完全终止（b小调）, 主题中以长拍符点节奏为主的音型与紧密的三连音节奏形成了鲜明的对比，将所表达的激动的内心心理放在了绵绵不绝的三连音伴奏音型的背景之上，似遥远的他方有一人向你娓娓倾诉着他的柔情，情绪似乎有些悲伤和绝望；中间部分为第16-42小节，为对主题音乐材料的发展变化，通过调性的转换以及短暂的离调给音乐带来了新的色彩；主题的再现为第43-51小节，是对主题的重复与肯定，以完全终止结束。尾声为第52-69小节。整个乐章贯穿着三个重要的写作要素：分解和弦的三连音的连贯音型，低音八度进行、圣歌式的和弦进行，这些共同塑造了一种空灵、朦胧、安静、忧伤的气氛。 第二乐章为小快板，降D大调，复合歌谣曲式。整个乐章的色彩明亮，情绪明朗、轻快，融入了活泼诙谐的小步舞曲元素，与第一乐章、第三乐章形成了鲜明的对比。该乐章所塑造的形象直接让我们联想到了美丽、轻佻的琪里爱太·吉却娣，切分音的使用、跳动的旋律、节奏上的变化不定都具有典型的贝多芬色彩。 第1-36小节为主歌谣曲式。第1-16小节为第一部分，1-7小节为主题，8-16小节为该主题的变奏；第17-24小节为第二部分，由主题的因素发展而来，似乎在与主题作着诙谐幽默地问答；第25-36小节为第三部分，是主题的变化再现。 第37-60小节为三声中部。第37-44小节为第一部分，第45-60小节为第二部分，是具有主题性格的16小节乐句，用不完满的完全终止结束。 第三乐章为急板，升C小调，奏鸣曲式。整个乐章以狂风暴雨般突进的方式，铿镪的节奏进行和丰满的和声效果，表达了贝多芬暴风雨般的热烈感情和准备向封建等级制度发起攻击的态度。这也是贝多芬所写的钢琴作品中表现力最高昂、最丰富的乐章。 呈示部为第1-63小节。其中，第1-9小节为主部主题，升c小调，用分解和弦的急进上升，表现了一个极其激动的形象，使乐章具有狂风暴雨般的前进意味，在第9小节处出现了一个半终止，并一直延伸到第14小节处。15-20小节出现了一个连接部，此时的情绪仍是非常激烈的，是有力度的。第21-32小节为副部主题，升g小调，副部主题非常丰满，情绪哀伤，但却洋溢着执拗的热情。主部主题和副部主题的写法虽有很大的不同，但都表达出热情奔放的情绪。第33-65小节为结束部，其中，第33-43小节为补充乐段，第43-57小节为加固的重复乐句，第58-65小节为持续音的重复终止。 展开部为第66-102小节。展开部中保留了呈示部主题材料的因素，并将其发展，再次掀起了戏剧性发展的高潮，主部主题转为升C大调前进，副部主题转为升f小调再现，朗诵音调由左手来实现。 再现部为第103-159小节。第103-116小节为主部主题在原调上再现，第117-159小节为副部主题的再现以及结束部主题的再现。这是对其思想的重复与肯定，再次刻画了内心深刻的思想斗争。 尾声为第160-202小节。在尾声的开始处向下属方向转调，用主部主题的材料发展，然后又转向主调，将戏剧性的矛盾冲突及内心的激烈的心理斗争推向顶点，164小节减七和弦的运用增强了不稳定色彩；至第168小节，又出现了副部主题材料的因素，成为了一个新的小高潮，至178小节出现了精美的华彩乐段，充满幻想性的琶音，横跨钢琴的全部音域，分解和弦的音型使其产生了极为华美的音响，186小节处出现了由下至上的以属和弦九音为终止的半音进行，至188小节，音乐又在属九音的颤音上急速自上而下，似乎代表了思索已告一段落，189小节出现了两个低八度音的全音符，之后又突然终止，似乎暗示了疲惫愤怒的情绪已达到极点，之后的旋律又出现了副部主题的因素，似乎是表达了再次行动的渴望。乐曲以强有力的主和弦结束，是对所有思索的肯定，表示所有的思索都已有了定论，一切只等付诸行动。
论贝多芬《月光奏鸣曲》的艺术特色论文
1前言
贝多芬(Ludwing Van Beethoven, 1770-1827)是德国著名的作曲家，钢琴家，是维也纳古典乐派的代表人物之一。他一生中创作了大量的作品，钢琴作品在他的创作中所占的地位仅次于交响乐。在钢琴奏鸣曲领域中，贝多芬贯串了与他在交响乐创作中相似的原则和思想，而且在形式创造上更自由和更多样化。钢琴音乐是他最卓越的成就之一。除5首钢琴协奏曲之外，最重要的是他的32首钢琴奏鸣曲，在这些作品中，《月光奏鸣曲》可以说是一首极其优美而有诗意般的柔情的作品。
2《月光奏鸣曲》创作背景
《月光奏鸣曲》创作于1801年，接近于贝多芬创作的成熟时期。该曲当初并无“月光”的标题，关于此曲，充满着各种传说，使人莫衷一是。其中流传最广、妇孺皆知的故事，就是“为盲目的少女弹奏”。有一天，太阳西下的时候，贝多芬独自到维也纳郊外散步，偶然听到一位盲少女弹奏他的乐曲，于是很受感动，为她即席弹奏了一曲，就是这首著名的《月光奏鸣曲》。上述这段长久以来一直流传各国的轶事，虽然被世人津津乐道，但并非真有其事，连“月光”(MOON LIGHT)两字的标题，也是由别人附加上去的。贝多芬在写作时，只标明为“幻想曲式奏鸣曲”。一般人认为，“月光”两字是德国评论家兼诗人路德维希。莱尔斯塔勃由此曲的第一乐章联想到瑞士风光明媚的琉森湖上月光投射下的水波、根据自己的想象所命名的。关于此曲，也另有说法:贝多芬写好这首钢琴曲后，把它题献给伯爵千金朱丽叶。琪察尔迪。这位年轻美貌的贵族千金，跟贝多芬学习钢琴，彼此情投意合。由于重视门第的伯爵坚决反对，这桩爱情终于以失败告终。贝多芬在信中曾说:“我的身旁，有一位非常可爱的姑娘。她爱我，我也爱她……哦，人生若能活上1000岁，该有多么美妙。”据说贝多芬在遭受这个沉重的挫败之后，把内心的感触倾泻在这首热烈奔放的钢琴曲中。
贝多芬标记着该曲是“幻想曲式奏鸣曲”，指出了这部作品的自由、即兴的性质。其突出表现是没有一般古典奏鸣曲快—慢—快的各乐章布局，而且它的音乐素材运用得非常自由，表现了贝多芬对生活的幻想和探索。全曲共三个乐章，第一乐章用慢板代替了奏鸣曲式的快板;第二乐章是小快板;第三乐章是激动的快板。全曲的速度由慢变快，情绪也一步比一步热烈。
第一乐章单三部曲式、升C小调、2/2拍、和缓的慢板。这是个充满柔情、沉思和哀痛的乐章，与“月光”这一富于诗意的标题紧密地联系着。由于有这个幻想的、神秘的、沉思的、悲痛的乐章，使诗人路德维希。莱尔斯塔勃联想到月光，被人推测是失恋后的悲歌。曲中细腻、微妙的感情变化，是借着奇妙的和声色彩(如:调性变化—E ,e ,b等;变和弦,变音—主和弦三音的升高和降低所形成明暗的色彩变化)刻画出来的。乐曲由均匀的、柔弱的三连音开始，缓慢地奏出分解的三和弦。其中匀称的运动给人以连绵不断的流动感。这个基本节奏，形成整个乐章的背景，自始至终，贯串全曲。
接着，在平静、清晰的和声背景上，出现了一支如歌般的主题旋律。仿佛是沉思，又像是喃喃自语地倾诉蕴藏在内心的忧伤;并在重复时通过音区、和声、节奏的变化，细腻地展示出作者心弦的波动。这个平淡的第一主题，像清风徐来，或明月慢慢升空般登场。接着，气氛相似的b小调与B大调相交替的第二主题，在巧小节开始出现。
当主题的素材又在23小节出现时，进入了乐曲的中段。这时的三连音的琶音，做出曲折变化的爬升，跃入高音区，显示不安的情绪，也掀起了稍许的高潮。至42小节，音乐再度平静，进入乐曲的第三段—再现。这时的第二主题改在升c小调上出现。60小节起，在左手持续着低音的尾声中，音乐像夕阳西沉那样，越来越弱，慢慢消失。这一乐章中占优势的内心的悲哀，并不排斥其他情绪的表述，如隐藏在内心的激动、悲痛中的幻想等，这一乐章所表达的.感情是十分丰富、深刻动人的，有内心的悲痛，有悲痛中的诗意幻想，也有含蓄的激情。
第二乐章复三部曲式、降D大调、3/4拍、小J决板。在幽静、悲哀的第一乐章和激情的第三乐章之间，贝多芬安排了一段典雅、抒情、可爱的短小音乐。它是第一、三乐章的纽带、桥梁，是徐缓、沉思与暴风雨似的激情之间的缓冲、过渡。李斯特形容这段精巧的乐章是“开在两个深渊间的花朵”。
第一部分是一个单二部曲式，它的两个部分都是由同一个主题及其变奏发展而成的。 中部也是单二部曲式，主题仍然建立在降D大调上，这种调性布局是极少见的。右手是贯串到底的切分节奏，它所形成的重音与左手低音区有力的节拍重音交替出现，突出了诙谐曲的幽默感。随后，乐曲完全再现了第一部分。
第三乐章奏鸣曲式、升c小调、4/ 4拍、急板。这一乐章是全曲的高潮。出现了贝多芬式的冲动和抗争的音调，表现了作品内部的冲突，许多鲜明的音乐形象的对立和斗争，都统一在急速的运动中。这段扣人心弦的终曲，在燃烧般激烈的感情中，仍然充满了优美的情绪，使人联想到贝多芬那不屈不挠的坚毅意志。这个具有惊人的音乐效果以及充实的音乐内容的乐章，是贝多芬所有钢琴音乐中最精彩的显示表现力与升腾力的作品。这首升c小调钢琴奏鸣曲，直到第三乐章，才使用了奏鸣曲式，是较少见的。
继第二乐章之后，不间歇地出现第三乐章激动升腾的主部主题，它以16分音符的分解和弦，从低音区急速上升到高音区，乐思犹如奔腾的怒涛向前冲击，充分显示了贝多芬作品那种追求人生真谛的渴望，和那与命运搏斗的无畏精神。感情的激流不断奔腾，直到14小节延长记号处，终于暂停下来。在6小节的连接句之后，出现了升g小调的旋律式的副部主题。这是一段坚强热情的歌唱似的曲调，与怒涛似的非旋律式的主部主题形成鲜明对比。这个副部主题在这个乐章中发挥了精彩的缓和作用。但是，汹涌澎湃的主部把副部也逐渐卷入了它的激流，最后终于在急速地进行中被吞没了。呈示部的结束部以重复的、急骤的和弦式紧张进行，弱与强的激烈的更替，造成全呈示部的紧张性。这种紧张性直到呈示部的末尾才用几个哀伤的结束句缓和下来。
进入展开部之后，又掀起了戏剧性发展的新高潮。呈示部的两个主题都依照顺序加以发展，彼此交错展开。主部压缩了，副部分裂成一些单独乐句，在高、低音部交替出现，并进行调性的变换，加强了副部哀伤音调的表现力。在展开部的结尾，低声部是持续的主调属音，音乐逐渐平静下来，并停留在属和声上，使人感到短暂的宁静，预示着再现部新高潮的到来。展开部末尾以极弱的和弦平静以后，进入了再现部。主部主题又猛烈地再现出来，再现部中省略了6小节的连接句，紧接着就是副部的再现。 再现部之后，有一个结束部，这个结束部较为庞大，好像是第二展开部，内心斗争的戏剧性，狂暴猛烈的激动在这里达到了全曲的高潮。首先是主部主题的出现，然后是四小节的强力度上的减七和弦的琶音。接下来在低音声部出现了副部主题的旋律，其后有幻想式的琶音与装饰，最后有一刹那的慢板(仅有两小节)，但很快又返回急板，在主和弦的上升与猛烈的下行进行最强奏中，全曲结束。
3结语
贝多芬的《月光奏鸣曲》思想内容充实，形象生动，个性鲜明，布局大胆富有创造，具有动人的音乐效果。它深刻展示了内心的矛盾、痛苦和斗争，表现了坚强的意志和力量，显示了贝多芬所特有的感染力，给人以精神上的鼓舞和高尚的美的享受。
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音乐专业的论文题目有很多，下面学术堂整理了二十个好写的论题，供大家参考：1、多媒体技术在视唱练耳教学中的应用2、高校音乐专业合唱训练与视唱练耳的关联互动3、公民社会塑造过程中的高校职能研究4、冷爵士的艺术风格研究5、论歌唱中“声”与“情”的关系6、论民族声乐艺术传统的继承与发展7、论声乐学习和演唱中心理调适的作用8、论西方音乐剧的发展脉络9、论中国传统音乐中“和”的审美内涵10、论中国近现代声乐演唱发展的多元化11、论中国艺术歌曲的风格及演唱特点12、浅述抗战时期在重庆创作的音乐13、浅谈“微笑”在声乐学习中的重要作用14、浅谈西方民族音乐对我国民族音乐的影响15、如何将视唱练耳与基本乐理教学相互渗透16、如何提高即兴伴奏的能力17、印度宝莱坞电影音乐的特点18、由中国好声音引发的思考19、《试论民歌演唱方法训练与民歌地域风格把握——以陕北民歌为例》20、贝多芬钢琴奏鸣曲《暴风雨》第一乐章中减七和弦的使用技法及其审美
1. 试论莫扎特《g 小调弦乐五重奏》第一乐章中对中提琴地位与作用的提升 2. 优雅的男高音——论大提琴在乐队中的作用 3. 大提琴演奏中国民族音乐的几点探索 4. 大提琴演奏发音问题探讨 5. 论二胡演奏的内心感觉与艺术修养的提高 6. 古筝演奏与心理音色 7. 浅谈想像力与心理调控力在小提琴演奏中的作用 8. 长笛演奏的基本技巧分析与实践 9. 关于借鉴西方作品分析法分析传统古琴曲的几点思考 10. 小议视唱练耳在乐器演奏中的重要性 11. 谈儿童学习乐器演奏的意义 12. 探析铜管乐器演奏的音准问题 13. 浅谈中小学铜管乐队的训练 14. 如何组织开展中小学小乐队的活动 15. （某器乐）演奏中的准确读谱与正确理解 16. 论（某器乐）作品的音乐风格与演奏 17. （某器乐）演奏右手技术问题之我见 18. 如何处理好（某器乐）教学中音乐表现与弹奏技术的关系 19. 浅谈（某器乐）考试、比赛前的心理的准备 20. 《二泉映月》的创作分析与演奏实践 21. 中国民族器乐的历史与现状之研究 22. 论杨琴演奏的思维 23. 浅析关于（某器乐）演奏的发音问题 24. 如何演奏好《莫扎特C大调长笛与竖琴协奏曲》K299 25. 小提琴的左手技巧 26. 浅析现代杨琴的演奏技巧及表现力 27. 简述萨克斯的气息 28. 浅谈琵琶演奏与教学心得 29. 论扬琴演奏中手臂运动与力度控制 30. 少年儿童古筝考级教学浅谈 31. 长笛演奏中的呼吸气息运用 32. 浅析二胡曲《洪湖人民的心愿》 33. 女子十二乐坊现象分析 钢琴 1. 怎样提高钢琴伴奏的演奏水平 2. 论钢琴演奏情和理的统一 3. 临场演奏中的心理因素 4. 浅谈钢琴教学中如何培养学生的演奏能力 5. 论钢琴演奏艺术中的想像力 6. 浅谈钢琴演奏的基本技巧 7. 浅谈中国风格钢琴作品的演奏 8. 试论钢琴表演艺术中的共性与个性关系 9. 试论钢琴表演艺术中的二度创作与实践 10. 论钢琴教育的教学原则与方法 11. 论钢琴教师的职业素养 12. 即兴伴奏与音乐表现 13. 论钢琴演奏中音乐表现与弹奏技术的关系 14. 论钢琴踏板的重要性及运用 15. 试论儿童钢琴教学的特殊性 16. 论钢琴教学中弱指的训练 17. 论钢琴演奏中的放松问题 18. 论巴赫钢琴作品的演奏风格 19. 论钢琴的指法艺术 20. 对钢琴演奏心理问题的研究 声乐 1. 当前适应中小学音乐新课程的高师声乐教学改革刍论 2. 民族声乐演唱中字正腔圆探究 3. 舒伯特艺术歌曲的演唱风格 4. 透过声乐套曲《冬之旅》浅谈舒伯特艺术歌曲的演唱 5. 演唱中国作品的发声与吐字 6. 歌唱心理素质在演唱中的影响 7. 花腔技巧在古典歌剧演唱中的运用与表现 8. 论赵元任声乐作品的民族性与演唱表达 9. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达 10. 试论多媒体在声乐教学中的运用 11. 释析巴罗克（古典/浪漫）时期声乐作品的风格特征 12. 试论声乐教育的评价体系 13. 怎样运用歌声传达情感 14. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲 15. 歌唱艺术中的情感体验与表现 16. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求 17. 中国古代声乐美学发展初探 18. 童声训练的原则与方法 19. 高师音乐专业声乐课改革之我见 20. 声乐教学中应注意民族问题 21. 歌唱心理调控在人声训练中的作用 22. 民族声乐歌唱方法探析 23. 通俗演唱方法探析 舞蹈 1. 浅谈舞蹈教学中表演意识的培养和训练 2. 论舞蹈的教育功能 3. 浅谈音乐与舞蹈的关系 4. 文化对舞者的重要性——浅谈舞蹈理论对舞蹈实践的指导作用 5. 儿童舞蹈教学中的寓教于乐原则 6. 舞蹈对幼儿成长的作用 7. 论舞蹈教育与素质教育 8. 中小学音乐舞蹈教育的现状及创新发展探讨 9. 论普及性舞蹈教育在中小学教育中的重要性 10. 论节奏在民间舞课堂教学中的重要性 11. 加强高师民间舞教学中“民俗”的渗透 12. 论中小学舞蹈教育 13. 浅谈中小学舞蹈课程设置 14. 浅谈幼儿师范学校的舞蹈教学 15. 谈儿童舞蹈教学的制作 16. 浅谈中国民间舞的表演 17. “鼓”在民间舞中的运用和发展 18. “道具”在中国民间舞教学与创作中的运用和发展 19. 论舞蹈作品与社会生活 20. 浅谈舞蹈表演形式的创新 21. 浅析现代舞动作的发展 22. 浅谈中国古典舞对戏曲舞蹈的借鉴 23. 新时期大学生校园舞蹈教育的思考 24. 浅谈中等师范学校的民间舞教学 25. 浅谈地域文化对中国民间舞蹈文化的影响 音乐教育 1. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育 2. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考 3. 浅议对高师音乐教育专业基础课程教学改革的思考 4. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用 5. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究 6. 音乐新课程标准下的高师音乐教育专业学生的职业素质培养 7. 合唱在中小学素质教育中的作用 8. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养 9. 论中学音乐课堂教学方法的多样性 10. 美育与音乐教育 11. 试论童声合唱的训练方法 12. 音乐新课标下的课堂教学方法研究 13. 中小学音乐教育与合唱活动 14. 高师音乐教育专业如何体现师范性的要求 作品分析 1. 析理查·施特劳斯交响诗《唐·吉诃德》中的引子的主题内涵 2. 浅析普罗科菲耶夫《第二钢琴奏鸣曲——Scherzo》的写作特征 3. 浅析莫扎特钢琴作品的和声曲式结构特征 4. 现代音乐作品中的情感因素 5. 对某某作曲技法的分析 6. 简述车尔尼练习曲 7. 论肖邦夜曲 8. 肖邦第一叙事曲解析 其他 1. 关于现代大众审美的思考 2. 浅论音乐音调与基本情绪运动状态的关系 3. 胶片上流淌着的音乐篇章——有关电影音乐的综述 4. “文化融合”视野下的探戈音乐 5. 17世纪古式风格与新式风格 6. 试论前古典时期的情感风格对古典主义音乐的影响
贝多芬的钢琴奏鸣曲共三十二首，（《月光奏鸣曲》是其中的第十四首。）其地位是钢琴音乐里的“新约圣经”；写作时间超过三十年，在音乐的风格和精神内容上，都被看作贝多芬的音乐自传。其中除了开头几首还多多少少带有前人遗留的社交色彩，以后就全部是一颗勇猛的心灵在音乐里的闯荡。尤其是自第二十八首以后的五首晚期作品，地位极高，蕴涵极深。第二十八首（作品101）和第二十九首被人们尊称为“101”和“106”，后者更是全部钢琴奏鸣曲文献中的“大雄宝殿”。而最后一首中的孤高奇崛，又令人恍然作“铁马冰河入梦来”之想。体验这样一个深沉宏肆而又无比壮美的精神历程不是容易的事，其中最宜于在爱乐之初聆赏的，首推《悲怆》《田园》《暴风雨》《热情》《黎明》（又称《华尔斯坦》）和《告别》。这其中只有第八奏鸣曲《悲怆》和第二十六奏鸣曲《告别》的标题是贝多芬自己命名的，然而《悲怆》这个标题却至多只能对这首乐曲的引子部分作出合理的解释，此后的曲趣就完全与这个名字背道而驰了。此曲活泼可爱，听来十分喜悦，却取了一个唬人的名字。贝多芬甚至给《告别》的三个乐章都取了标题：告别、睽离、归来。这是在全部三十二首钢琴奏鸣曲中绝无仅有的一例，但我们也不必在音乐的流动中要求处处与标题对应。其余诸作的标题基本都是“事出有因，查无实据”，我们对音乐的理解如果循此而往，无异于刻舟求剑。但由汉堡的出版商擅自取名的《热情》却是“一语中的”，标题与音乐契合无间，全曲正如一座名为“热情”的火山在爆发！这首乐曲力大无穷，给人极其强烈的激动。在全部三十二首钢琴奏鸣曲中，贝多芬自己最喜爱这一首。推想如果请他在三十二首里选择一位代表，并让我们首先聆听的，就是《热情》。贝多芬的主要作品有交响乐九部，其中第三、第五、第六部又称作英雄交响曲、命运交响曲和田园交响曲，再加上第九部合唱交响曲，都是享有盛名的交响乐作品。除此而外，他还有《悲怆》等32部奏鸣曲，5部钢琴协奏曲，一部小提琴协奏曲，6部弦乐四重奏曲及《庄严的弥撒曲》等众多作品。贝多芬信仰共和，崇尚英雄，创作了大量充满时代气息的优秀作品，如：交响曲《英雄》、《命运》；序曲《哀格蒙特》；钢琴奏鸣曲《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》等等。一生坎坷，没有建立家庭。二十六岁开始耳聋，晚年全聋，只能通过谈话册与人交谈。但孤寂的生活并没有使他沉默和隐退，在一切进步思想都遭禁止的封建复辟年代里，依然坚守“自由、平等”的政治信念，通过言论和作品，为共和理想奋臂呐喊，写下不朽名作《第九交响曲》。他的作品受十八世纪启蒙动运动和德国狂飙突进运动的影响，个性鲜明，较前人有很大的发展。在音乐表现上，他几乎涉及当时所有的音乐体裁；大大提高了钢琴的表现力，使之获得交响性的戏剧效果；又使交响曲成为直接反映社会变革的重要音乐形式。贝多芬集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的道路，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用，被尊称为“乐圣”。贝多芬第五交响曲，和第三交响曲、第九交响曲一样，同属于英雄性艺术的最崇高作品，贝多芬开始创作第五交响曲是在第四交响曲之前，完成了第四交响曲之后。他在这部作品中所提出的主题与英雄交响曲一样，那就是英雄斗争的意义和目的。所不同的是第五交响曲描写的是英雄除自己以外联合人民，共同去斗争，共同完成神圣的使命。“从黑暗走向光明，通过斗争取得胜利”。这就是第五交响曲的中心思想。第五交响曲是最能代表贝多芬艺术风格的作品。它结构严谨，手法精练，形象准确生动，层次清晰，各乐章有内涵的联系整部作品气宇轩昂，富有极强的艺术感染力。从第三交响曲到第六交响曲的创作，贝多芬在承袭古典音乐先师的基础上，进行了划时代的伟大变革，使庞大的交响乐队服务于一个独立的思想主题，也可以说是贝多芬奠定了近代交响乐的先锋作用。
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1 评判《幻夜》的文献很多。2 因为《幻夜》是一部经典的文学作品，引起了广泛的关注和研究。许多学者和评论家从不同的角度对它进行了评价和分析，包括文学价值、主题思想、艺术风格等方面。3 例如，学者张三在他的论文中指出《幻夜》是一部描写人性的杰作，具有深刻的哲学思考和独特的叙事手法。而评论家李四则认为《幻夜》在表现主题方面存在一定的局限性，但在艺术形式上却达到了一种高度的完美。此外，还有许多其他学者和评论家对《幻夜》进行了评价和探讨，这些文献可以为我们更好地理解和欣赏这部作品提供重要的参考。
1.《幻夜的精神与结构》——这是一篇由美国文学家兼社会学家约翰·罗斯·芒特（John Ross Mantle）撰写的关于贝多芬的钢琴奏鸣曲《幻夜》的文献，他分析了贝多芬的作品不同的结构层次，以及它如何产生情感效果的原因。2.《贝多芬《幻夜》的音乐结构》——这是一篇文章，作者丹尼尔·莱斯特（Daniel Lester）详细分析了贝多芬的钢琴奏鸣曲《幻夜》的音乐结构，以及它是如何影响听众的情感的。3.《贝多芬《幻夜》的音乐形式》——这是一篇文章，作者史蒂芬·福西（Stephen Fox）探讨了贝多芬的钢琴奏鸣曲《幻夜》的音乐形式，以及它是如何发展出来的。这些文献对于评判幻夜是很有帮助的，因为它们可以帮助我们更好地理解这首曲子的结构、形式和情感，从而更好地评判它。
巴赫在音乐律制方面的巨大贡献——《平均律钢琴曲集》巴赫的《平均律钢琴曲集》是以创作实践来证明十二平均律的的优越性和实用价值的划时代作品，常被称为“全部音乐史上最重要的里程碑之一”，“钢琴音乐的《旧约全书》”，而贝多芬的三十二首奏鸣曲则被称为“钢琴音乐的《新约全书》”。在此以前，键盘乐器大多按“中庸律”调音，能够演奏而不会走调的音阶，只有降B，F，C，G，D，A等大调和g，d，a等小调，因此作曲家在选调和转调上受到很大的限制；而采用了十二平均律，就可以自由选用大小二十四个调，并自由转调。所以说，没有巴赫对平均律的实践，近现代音乐的发展要延迟很长一个时期。巴赫很早就把自己的键盘乐器调成十二平均律，并写了《平均律钢琴曲集》第一集，包含以大小二十四调为序的《二十四首前奏曲和赋格》（1722年）。晚年在莱比锡又写了第二集，包含另外二十四首前奏曲和赋格（1744年）。巴赫写作《平均律钢琴曲集》，是受了先辈作曲家费歇尔（约1665—1746）的启发。费歇尔在1702年出版了《新风琴音乐的阿莉阿德尼》，包含二十首前奏曲和赋格曲，分属二十个不同的调。这部作品的标题起源于希腊神话，阿莉阿德尼是古典神话中克里特岛国王米诺斯的女儿，她的母亲帕西法厄生了一个牛头人身的怪物，米诺斯把它幽禁在一座迷宫里，并命令雅典人民每年进贡七对童男童女喂养这个怪物。雅典王子忒修斯发誓为民除害，依仗阿莉阿德尼给他的线球和魔刀，钉死了这个怪物，然后顺上路的线走出了迷宫。“新风琴音乐的阿莉阿德尼”，意思就是指示风琴演奏家通过五花八门的大小调迷宫的引路人（因此西方有句成语“阿莉阿德尼的线”来比喻解决问题的方法）。这部作品用了大小二十四调中的十九个调，只有升C和升F大调，降e，降b和升g小调没有用，而e小调用了两次。所有的前奏曲和赋格曲都是很短小的乐曲，主题和《平均律钢琴集》中的主题很相似。巴赫吸收前人经验谱成的《平均律钢琴曲集》运用全部大小二十四调，写成有高度艺术价值的作品，是音乐史上的第一例。很多人谈论巴赫（JohannSebastianBach）必然想到他的音乐结构，巴赫的音乐织体和对位有精密的数学比例，对配器的发挥，亦是给演奏者加深难度。巴赫的音乐深深地影响整个欧洲乐坛，他一生写过很多教堂音乐。人们爱把巴赫的精神象徵对上帝的奉献，他的音乐艰深、神圣、严肃，心灵与上帝同在。傅雷写给傅聪的家书就有这样的说法：「巴赫被基督教精神束缚，常常匍匐在神的脚下呼号，忏悔，诚惶诚恐的祈求。」这是傅雷对巴赫的偏见。巴赫的与贝多芬的音乐，同样是「力」的表现，巴赫的「力」，建立在高度与深度，心灵与上帝同在的同时，亦把人生的七情六欲，苦难、恐惧与痛苦升华。苦中有欢乐，有疲倦，而更大的精神是明知生命之苦，而仍得坚持。贝多芬的音乐，纵横交错，乐句与乐句之间并发出的「力」，气魄磅薄，完全是大宇宙，大人生，他没有家庭，没有子女，所以连痛苦都是大人生的痛苦。很多乐章，都流露出与命运抗争的英雄本色。说巴赫的音乐太富哲理，太多宗教思想，那倒不如说巴赫经历了人间的极苦以及看破官场虚伪。然而，他把这些大是大非都升华了。他的A小调小提琴协奏曲作品BWV1041写于1720年，据说是巴赫写给他自己的，三十五岁的他，意气丰盛，却遭受生活之苦与家人的死亡之痛。巴赫一共生有十二个儿女，排在前面八个，其中有六个死于孩提时候。第一任妻子死于一七二○年夏天。乐曲分三部份，第一快板，第二行板，第三部份是非常快板，全个作品很富乐思乐味，是对巴赫作深入了解的一个乐章。
给你点信息！你就当作参考吧！论文题目：论音乐表演中的创造性摘要 ：音乐表演不仅仅是一种再现的艺术，更重要的是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。如何加强在表演中的创造性是众多的音乐教师和演奏者不断探索的重要课题。文章试从创造性在音乐表演中的地位及创造性与原作风格、个人风格、情感表现等方面作了探讨。关键词 ：创造性 原创风格 个人风格 情感表现音乐作为一种表演艺术，它必须通过表演者的参与才能将其中的乐音、思想、内涵等加以传达。它不同于绘画、文学等艺术形式能够直接地展示在人们面前，使人们能够感受到它的思想内涵。音乐可以说是一时一刻都不能离开表演的艺术，单独的乐谱是不能够给人以听觉上的享受的，只有和表演一起，才使得音乐具有了不断发展的生命力。一、创造性在音乐表演中的地位对于一首音乐作品来说，它的形成应该由三个环节组成——作曲家的创作、演奏（唱）家的表演、听众的欣赏，这三个环节缺一不可。只有在这三个部分完整的情况下，一首作品才能完整地被人们感知，获得审美上的一种享受。作曲家的创作，毋庸置疑是作品的本源，没有这个环节的完成就根本谈不上后两个环节的存在。而演奏（唱）家的表演处于中间环节，有着重要的作用，他对于能否正确表达音乐思想，能否使作品与听众之间达到情感的共鸣，能否为听者带来美感……都起着承上启下的作用。因此，音乐表演作为“二度创作”有着不可替代的重要地位。科普兰曾经有这么一段话：“如果了解作曲家的作品风格对聆听者来说是重要的话，对演绎者来说更是如此，因为演绎者是音乐的中间人。聆听者更多地听到的是演绎者对作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，对音乐作品的再创造从某种程度上来说比原作品更为重要，因此科普兰还有这样一个观点：“在作完曲之后，可怜的作曲家必须把它交给演绎艺术家，任其摆布——而我们又必须记住，后者是有自己的音乐风格和个性的人。”②英国著名的指挥家亨利·伍德在《论指挥》一书中也说道：“音乐是写下来没有生命的音符，需要通过表演来给予它生命。”③而在表演的过程中，演奏（唱）者作为“执行者”势必将音乐打上自己的“烙印”。音乐表演是赋予音乐作品生命力的创造性行为，它不仅仅是原样地再现，而是通过演奏（唱）者富于创造性、独特的表演，使音乐作品焕发新的光彩。从表演艺术美学的历史来看，表演美学主要有浪漫主义音乐表演、新古典主义音乐表演、原样主义音乐表演、当代音乐表演的综合倾向这几个流派，而钢琴表演也被包含其中。在这几种表演美学的观点中，演奏者对于同一首作品都有着不同的创造性表现，这样表现出的音乐就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。二、音乐表演中的创造性应该注意的几个问题音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。笔者认为，在钢琴表演中至少要注意创造性与原作风格、个人风格、情感表现之间的关系，才能使自己的表演更能为作曲家和听众之间做好“桥梁”。1.创造性与原作风格任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。著名的罗马尼亚作曲家、小提琴家埃涅斯库曾经说过：“我觉得我在演奏巴赫的一部奏鸣曲时，不置身于18世纪，那么我恐怕就不能很好地把作品表达出来了。”④在“第二次世界大战”之后，西方盛行的原样主义音乐表演不仅仅要求要严格按照原版乐谱演奏，而且还努力“还原”原来的演奏乐器、方法等等，努力恢复作品的原貌，这也是一种对作品风格的再现。当然，这样的演奏在今天看来也并不是我们大力提倡的，这毕竟是历史中的一个分支。在表演中，除了要对原作风格进行较深入的了解，在保持原作风格不被破坏的情况下，还应该对作品进行创造性的表现。毕竟，表演者所处的时代已经与作曲家所处的时代不能完全等同，他们总是不自觉地站在自己时代的立场上，对音乐作品进行处理和创造。这样的音乐作品才更具有时代精神和美感，所以，表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。2.创造性与个人风格音乐演奏是由演奏的执行者——人通过自己的认知活动而产生的，所以在这个过程中表演者必然体现自己长期形成的演奏风格。比如，在听美籍俄国钢琴演奏家霍洛维茨和阿根廷女钢琴演奏家阿格里希对同一首作品的诠释，应该有不同的感受。因为霍洛维茨更注重于技巧的表现，最大限度地发挥自身的创造个性。而阿格里希对音乐的表现更加“自我”，她综合了浪漫主义和新古典主义的表演美学观念，使她的表演焕发出新的光彩。因此相对来说，霍洛维茨的表演要稍微严谨一些。这些个人的风格就来自于演奏者长期的经验积累、知识积累，并且与自身的文化修养、阅历等也有着密切的关系。达尼埃利·玖尔克说：“表现个性是演奏者的主要任务。他应当致力于全身心地浸透乐曲的情绪，并通过如诉的音响将自己的感觉传达给听众。”⑤在音乐表演中也特别要求表演者艺术个性的自觉发挥。正是由于不同个性的存在，才使得音乐作为一种表演艺术在历史的发展中大放光彩。而表演者也将个性作为自己表演走向成熟的标志，表演者根据自身的条件，找到适合于自己的表演方式，从而形成自己的表演风格。所以，在表演过程中我们应该将创造性与个人风格结合起来，使音乐具有鲜明的个性，在表演中能够“独树一帜”。但是，在充分表现个人风格的同时还应注意一个问题：切莫将所有作曲家的作品都表演成一种风格，或者说这个也似乎有点像，那个似乎也有点感觉，这也是在表演中应该忌讳的。3.创造性与情感表现音乐如同其他艺术形态一样，通过音符、节奏、织体等表现手段，表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式，以隐讳的手法（相对于文学作品来说）表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容，乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。⑥而在音乐表演中，演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来，还应该根据自己对乐曲的理解（这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等）进行创造性地表演。表演者在表演过程中，应该完全进入该作品的情绪、内容，才能比较充分地表达出作曲家的本意。匈牙利伊施特万·加提写道：“如果我们想正确地演奏某一首乐曲，那么就应该在我们自身首先唤醒支配那首乐曲的热情。如果我们不适于产生这种热情，我们就不应演奏这首乐曲。”⑦比如在巴赫的赋格曲和贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲中表达的是深刻寓意和哲理性的思想，只有演奏者自己真切体会和融入其中才能使听众产生同样的感受，使听众似乎回到了那个时代。因此，表演者永远都不要做转述者，只有在我们内心唤醒对乐曲中的某一华彩乐段、某一颤音的感情时，我们才能够很好地演奏它们，那么听众也会产生一种身临其境的感觉。所以，真正富有天才的演奏家绝不会满足于那种自我陶醉的音响美，他更多的是在发音中追求一种内容上的深度和真谛，从而达到艺术的最高层次。就如同现今存在的一种现象：掌握了高超的钢琴表演技巧的青少年大有人在，但是真正能够成为钢琴演奏家的却并不是很多。浪漫时期著名的作曲家和钢琴演奏家李斯特已经给我们指出了他们之间的不同之处：“在音之诗人和普通的音乐家之间有着巨大的差别，前者力求表达自己的感受，把这些感受再现于音乐中，后者循着传统的陈规，将音符排列、组合，轻巧地超越种种障碍，得到的至多是一些新奇而任意复杂的音响配合。”⑧但是，我们也不应该有这样的想法：既然钢琴表演中需要“我”的情感表现，那么“我”就可以没有限制地随意发挥。这样的观点无疑是走入了另外一个情感表现的极端。在音乐表演的过程中，表演者应该以作品原有的情感表现为基础，糅和自我的、有节制的感情表达，这样的表演才能做到“感人至深”，使自己的艺术追求逐渐走向“真、善、美”的境界。结语以伽达·默尔为代表的现代释义学认为，音乐表演不仅仅要追寻音乐的历史视界，即对音乐的历史意义做出解释；另一方面，也是更重要的，解释者必须有自己的视界。从这个意义上说，音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术，更重要的应该是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力，不同的人也具有不同的理解力，即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此，音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态，而这些也恰恰构成了音乐的多样性，也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以，创造性在音乐中不是偶然的，而是必然的。注释 ：①②艾伦·科普兰.怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版.③闫妍.浅议钢琴教学中音乐表演能力的培养，《宿州师专学报》，2002年6月.④引自《音乐译文》，1959年第4辑.⑤⑥⑦（匈牙利）约瑟夫·迦特.钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版.⑧引自《音乐的哲学与演奏者的创造》，《国外音乐资料》，人民音乐出版社编，第14辑.参考文献 ：[1]张前.音乐表演艺术论稿，中央民族大学出版社出版 2004年11月.[2]（匈牙利）约瑟夫·迦特.钢琴演奏技巧，人民音乐出版社出版，2000年8月.[3] 魏廷格.钢琴学习指南，人民音乐出版社 1997年1月.[4] 艾伦·科普兰.怎样欣赏音乐，人民音乐出版社1984版.希望可以帮到你！