中国风歌曲毕业论文

音乐永远是民族文化中的那唯美的一面，在乐器的缓缓鸣奏中，表达的是作者的情感，无形之中乐曲的深处流淌着的是民族文化血脉深处的精髓。。。每每听着古典音乐的响起，那种悠扬，那种独特的中国风，心灵深处的有着不一样的触动，虽然听不出《高山流水》的知音难觅，品不到《春江花月夜》的清丽奇幻；但是依旧为凄凉忧伤的《二泉映月》而伤怀，被《霸王别姬》的悲凉豪迈而震撼。。。。他们再现了古代的情感生活，过往的抑郁悲愤，那时的英雄儿女，跨时代的哲理思考，都是那么地多情，那么的发人深省。 中国民族音乐有悠久的历史传统，在四五千年前的原始氏族社会中，就产生了原始的歌舞和歌曲，到殷周奴隶主统治的时代，音乐文化已经相当发达。两千多年的封建社会中，音乐不断得到发展。在中国历史上曾经多次出现音乐文化繁荣昌盛的时代。中国民族音乐是中华民族传统文化的重要组成部分，它反映出中华民族的伟大精神，体现了中华民族的情感、意志、力量、幻想和追求。 中国民族音乐基本上由宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐、民间音乐四部分构成。 宫廷音乐：一部分是典制性音乐，如各类祭祀乐、凯歌乐、朝会乐等；另一部分是娱乐性音乐，如各种筵宴乐、行幸乐。这两大部分音乐体现了宫廷贵族文化的两个侧面，一是皇权至上自我形象的塑造，二是贵族阶层的精神享乐。 文人音乐：文人音乐包括古琴音乐与词调音乐，它与书、绘画、诗词共同构成中国传统文化中独特的文人文化，琴、棋、书、画，琴居首位。古琴音乐追求的是超尘脱俗的意境天人合一的思想，“清、幽、淡、远”的浪漫色彩，这种音乐最符合封建社会的“中和”思想，成为古人修身养性，塑造人格的最好手段。 宗教音乐：一、体现了中国宗教信仰的多元化特点，佛教、道教、基督教、萨满教，在各自的文化基础上宗教音乐各有特征； 二、外来的宗教带来的外来音乐和乐器不断与本土音乐的融和； 三、较浓的民间风格，大量的宗教音乐以民间歌曲为基础加以改动使之仪式 化、教仪化。 民间音乐：民间音乐分为民歌、歌舞、说唱、戏曲、器乐，以综合艺术为主。独特的中国传统文化孕育了独特的民族民间音乐的体裁、形式、风格、内容，成为中国民族音乐的基础。 如今古典民族音乐的现状不容乐观，中国历来重视音乐教育，有着悠久的历史传统。但在普通教育中将音乐作为正规课程列入期间，则是清末才开始的。1898年康有为以“请开学校折”上书光绪帝，提出了废八股遍设学校的主张。戊戌政变后，梁启超等人积极提倡在学校中设立乐歌课。此后几年间，新式学堂陆续开设了唱歌课，从而在普通学校中形成了以教授新式歌曲和欧洲音乐常识为主要内容的音乐教育，至此，学堂乐歌成为我国一个新文化即将实行切换的关键时期。1927年采用德国专业音乐教育体制建立的上海国立音乐院，均依照德国音乐院校的课程内容上课，学生们演奏我国传统乐器也是用现代方法演奏。 当时以西方音乐为主体的中国学校音乐教育虽然对建立和发展近代中国音乐文化起到了重大作用，做出了重大贡献，但由于学校中的音乐教育未能把传承中国音乐作为自己的重要职责，因而对多数教育者来说，接受民族音乐文化的传承受到了相当程度的阻隔和影响。虽然在各个方面做了一些有利措施，但从学校音乐教育的整体来看，民族音乐尚未能取得其应有的主体地位。这不仅对民族音乐文化传承是个沉重的打击,而且对今后的民族音乐教育也产生了重大影响。 由于多年来形成的教育体制和观念及外来文化的侵入，使得我国学校音乐教育与民族音乐教育传承之间存在割裂、脱节现象，这就造成了国民对民族音乐的不重视，而使民族音乐文化处于不断滑坡状态。因此，学校教育应该作为民族音乐文化传承的主要渠道，传承民族音乐文化是学校教育的重大历史使命。 民族音乐作为文化的一个重要组成部分，是富有民族特色的各种文化形式的综和，同时又是各民族在长期历史发展过程中创造出来的。音乐文化里包括了多种文化，涉及到人民生活的各个方面。因为各种类型的民族民间音乐是在劳动中创造出来的,它不仅仅是一种音乐现象,其中也体现了各个时代各个地方的文化、民俗、语言、美学观点，同时也寄托了一种文化的情思,其所涵盖的情感和精神是这个民族的灵魂与思想,是这个民族精神的载体。匈牙利音乐家柯达伊这样说过:“民族传统有机的继承,唯有从我们的民间音乐中才能找到。”意思是说,作为文化的民族民间音乐具有继承的价值，民族音乐教育同时也具有爱国主义教育的积极意义。 音乐教育是教育的一部分，民族文化是文化的一部分，而教育和文化是相辅相成的,没有文化的教育是不可行的,没有教育的文化就失去了它的实际存在价值，教育和文化是不可分割的整体。所以，民族音乐传承与学校的音乐教育是分不开的。 毋庸置疑，民族音乐文化在教育中有着举足轻重的作用，从几千年来的中国音乐史及现代的音乐教育现状看，我国音乐要得到真正的发展和提高，必须以中华民族本土音乐为主，如果把西方或者其他流行音乐当成主流，而将民族音乐作为附庸的话，必然会带来民族音乐衰退乃至消亡。学校教育作为传承文化的重要方式，要使民族音乐文化在学校音乐教育中得以很好地传承，就要强调民族音乐教育在音乐教育中的重要性，所以要加强民族音乐教育，改善教育措施是关键。 我国音乐教育的发展存在着一些不容忽视的问题，传统民间音乐的发展现状不容乐观，就像我们的母亲河每年断流一样，民间音乐中的许多品种也出现了断流，濒临绝灭。流行音乐充斥着中小学音乐课堂，民族音乐教育被忽视。专业艺术院校招生和业余器乐考级中，报考西洋乐器和报考民族乐器的人数惊人的悬殊。更令人痛心的是多数学生都不会欣赏民族音乐的美，甚至对教材中的民族音乐持排斥态度。造成这些现象的原因有很多，用历史追朔法分析这些现象不难发现： （一）近二十年来受外来文化、市场经济的影响，各种媒体播放民族音乐的比例较少，流行音乐所占比例较大，加上港台流行音乐的推波助澜，使得很大一部分学生趋之若鹜。致使我们成长起来的青年一代追星族与歌迷越来越多，而民族音乐的爱好者却越来越少。青年学生只知道四大天王、超级女生，对民族音乐知识可以说了解甚少，说不出几种民族乐器的名称、叫不出几位中国民族音乐家的姓名； （二）应试教育长期不重视音乐教育，音乐课的情况无人问津、无人监督、无人指导音乐教学。致使音乐教育无法执行教学大纲，更无法完成规定的内容。音乐教学科研不足，教学观念陈旧，教学模式没有改变，致使学生对音乐课丧失兴趣。 二、发展民族音乐教育的具体措施 长此以往，没有青少年对民族音乐的喜爱和发扬光大，民族音乐将会失去它存在和发展的基础。因此，“发展民族音乐教育，提高民族音乐素养”显得尤为重要。学校责无旁贷地成了弘扬民族音乐文化、振兴民族音乐的主要阵地。在教学中发挥民族音乐教育的优势，陶冶学生情操，增强民族意识，让绚丽璀璨的民族音乐自立于世界之林，乃是当前音乐教育工作的主要任务。怎样落实呢我认为应主要从以下几点抓起： （一）以情感教育为主线，培养学生对民族音乐的深厚感情。通过学习一些带有典型民族风味的歌曲，在掌握和灌输民族音乐知识的同时，让学生明白音乐离不开民歌，民歌是一切音乐创作的源泉的道理，使学生从心理上崇拜民族音乐，提高学生对民族音乐的感情。我国民歌浩若烟海，内蒙民歌的豪放、辽阔，江南民歌的婉转、秀丽，陕北民歌的高亢、奔放，云南民歌的明丽、清新，新疆民歌的活泼、欢快，无不给人以美的享受，从中得到丰富的体验，体味到各民族的风俗民情和鲜明的地域色彩。学生对这些民歌创作根源的追溯，会对民族音乐产生由衷的热爱之情。有了这样美好的感情，就会对学习民族音乐产生浓郁的兴趣，为学校进一步实施民族音乐教育打下浓厚的情感基础。 （二）以民族音乐的欣赏为契机，增强学生的体验能力，体验民族音乐所塑造的意境，开拓学生的艺术视野，提高学生的艺术感受力、鉴赏力和创造力，以学生自我感受为基础，启发学生展开形象的翅膀，令学生将民乐与自我的情感认识不断协调起来，使民乐的欣赏成为学生情感体验的活动，在此活动中令学生自我振奋、自我感动。教师有意识地选择欣赏曲目，做到有浅到深、由表及里地对学生实施教育。只有这样，学生才能怀着由衷的喜悦去吸收民族音乐的营养，接受民族音乐文化的熏陶。 中国民族音乐走向世界很有市场前景，关键是要有好的作品和市场运作。我认为，当前中国民族音乐的发展存在着创作和市场两个问题，需要下大功夫解决。“中国民族音乐的作品不够丰富制约了其自身的发展。由于民族管弦乐的乐器和编制的特性，你不能用西洋的配器方式来写中国民乐作品，而当代作曲家的作品有许多却还是从西洋乐团的配器移植过来的，这样的作品并不适合民族乐团演奏。民族音乐的市场开发问题也十分明显，从我们在欧洲和美国的演出看，实际上民族音乐有市场，但国内缺少推广民族音乐的机制,没有专门的人才和经纪公司向世界各地推广中国民族音乐。” 古典民族音乐的传承也许还要走很远，但是我们必须不停的寻找契机，为民族的文化作出应有的保护，更要作出应有的创新，让更多的人去接受，去认识我们的音乐文化。

毕业论文是衡量本科教学与科研水平的重要标准,既是学生毕业与学士学位资格认证的重要依据,也是学生运用理论知识与实践技能分析、阐述和解决问题之综合能力的体现。下面是我带来的关于本科音乐专业毕业论文选题的内容，欢迎阅读参考!

1. 高校美育与大学生创新思维发展研究

2. 农村中学音乐课程实施现状分析与推进策略研究

3. 我国中小学音乐教育现状调查及改革思路

4. 提高音乐素质 促进全面发展

5. 当今中国舞蹈创作的趋势

6. 高师声乐教育应注重实践

7. 普通高校大学生西洋古典音乐欣赏状况调查

8. 谈中国古诗词艺术歌曲创作及发展

9. 论钢琴表演艺术的发展趋向

10. 论新形势下的高校校园文化建设

11. 新农村传统艺术文化教育传播的思考

12. 高等教育大众化时代背景下的音乐学科建设

13. 舞蹈重返大众视野的时代意义

14. 戏曲身段与民族声乐表演

15. 试论音乐实践对于高校弘扬民族音乐的重要性

16. 驻马店市中小学音乐课程设置研究

17. 本科院校音乐课程改革的利弊

18. 《梨园春》对河南豫剧的影响

19. 中国民族乐器分类法研究

20. 汉代的鼓吹乐对近世礼俗音乐的影响

21. 百戏之流变

22. 两晋南北朝时期的音乐文化交流

23. 驻马店市说唱音乐探微

24. 李叔同学堂乐歌的创作实践

25. 萧友梅对中国近代音乐教育的贡献

26. 黎锦晖儿童音乐创作的艺术经验

27. 民族歌剧《白毛女》的成功经验

1. 西方早期合唱音乐

2. 舒曼声乐套曲《妇女的爱情与生活》的创作与构思

3. 贝多芬三个阶段的音乐创作

4. 欧洲中世纪单声部歌曲与世俗歌曲

5. 如何学习西方音乐史

6. 肖邦音乐的民族性

7. 快乐教学，是音乐课的法宝

8. 学习音乐，从热爱开始

9. 如何辨别和挖掘一个孩子的音乐才能

10. 音乐素养，提升人生价值

11. 合唱的和谐美给我们带来的震撼

12. 如何训练业余合唱团

13. 轻声练习的好处

14. 以“赏”为先的音乐教育

15. 让孩子们快乐地舞起来

16. 如何保持孩子持续的练琴热情

17. 如何运用科学的方法训练童声

18. 如何教孩子们学习节奏

19. 如何练琴才最有效

20. 提升艺术生的文化修养是当务之急

21. “音乐热”带来的思考

22. 跑调的分析与研究

23. 唱的高，还是唱的美

24. 注重技巧，还是注重表现

25. 假如我是一名音乐老师

26. 卓越的成就，至诚的爱国心――试论我国音乐学家王光祈

27. 校园歌曲的创作特点

28. 谈肖邦创作特征中民族精神的体现

29. 论贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲

30. 戏曲曲牌与宋元市井民俗

1. 从城市音乐文化看“选秀”

2. 浅论音乐音调与基本情绪运动状态的关系

3. 论舒伯特艺术歌曲中音乐与歌词的相互关系

4. 从《蝴蝶》看舒曼钢琴音乐创作特征

5. 青主的两首代表性艺术歌曲《我住长江头》、《大江东去》的创作和演唱分析

6. 李斯特艺术歌曲初探

7. 学龄前儿童音乐教育的认知问题研究

8. 中国原创摇滚音乐中的民族元素面面观

9. 对贝多芬《“热情”奏鸣曲》理解演奏处理

10. 华语流行乐坛的“中国风”

11. 从“引进”、“模仿”到“探索”、“创新”-20世纪上半叶中国艺术歌曲发展的历史轨迹

12. 浅谈小提琴协奏曲〈梁山伯与祝英台〉的创作

13. 论20世纪上半叶中国普通学校音乐课程发展

14. 我看钢琴考级

15. 驻马店钢琴考级历史及其文化产业研究

16. 浅谈印象主义音乐

17. 试探二十世纪六、七十年代中国钢琴改编曲中的民族因素

18. 外音不“外”――试析肖邦钢琴作品中和弦外音的应用及其表现意义

19. 钢琴演奏指法选择的基础实践和基本原则

20. 胶片上流淌着的音乐篇章――有关电影音乐的综述

论文：中国风音乐近几年来，形式新颖的“中国风”音乐大行其道。从传统审美角度来看，这种音乐形式无论在歌词、编曲、演唱方法还是整体风格上都符合中国古典审美精神，与民族文化的心理积淀有密切关系。但在这种音乐形式广泛流行的同时，我们也应该认真反思，探索传播传统文化的最佳途径。近几年来，一批新生代音乐创作人和歌手将中国的一些民族文化的元素融合在自己的歌曲中，形成了独特的“中国风”流行音乐。这种新奇、独特的音乐形式很快席卷了流行乐坛，受到了听众的广泛关注，获得了大众的追捧。也正是因为这样，越来越多的歌手为了迎合大众，将“中国风”音乐的风潮推到了极致。同时，这种“中国风”也在广告、电影、服饰、建筑等各种艺术中大放异彩，形成了独特的“中国风”文化。可以说，“中国风”的流行，与在儒、道、佛影响下的中国传统审美精神有密切的关系，同时，这种现象也源自中国民族文化的心理积淀。一、何谓“中国风”音乐“中国风”，如果按字面上解释，即有中国特点的音乐风格。当然，这并非是指中国的传统音乐，而是指在流行音乐领域的一种融合传统音乐的独特音乐形式。关于“中国风”音乐的定义，得到大家普遍认可的音乐人黄晓亮在博客中说道:“中国风就是三古三新(古辞赋、古文化、古旋律和新唱法、新编曲、新概念)结合的中国独特乐种。歌词具有中国文化内涵，使用新派唱法和编曲技巧烘托歌曲氛围，歌曲以怀旧的中国背景与现代节奏的结合，产生含蓄、忧愁、幽雅、轻快等歌曲风格。”也有人曾经试着给“中国风”音乐下过如下的定义:“中国风”的歌曲多采用“宫调式”的主旋律;在音乐的编曲上大量运用中国乐器，如二胡、古筝、箫、琵琶等;在唱腔上运用了中国民歌或戏曲方式;在题材上运用了中国的古诗或传说故事。虽然这两种说法还有待商榷，但也在一定程度上揭示了“中国风”音乐的特质。(一)歌词包含中国古典文化“中国风”音乐最突出的特点是在歌词中包含中国古典文化。有的作品直接把古辞赋拿过来运用，如王菲的《水调歌头》、蔡琴的《如梦令》、伊能静的《念奴娇》等，即是把古典诗词直接谱曲并融入现代配乐来重新演绎。有的作品则是借用古典文学作品中常用的意象如“月”、“水”、“镜”、“梅”、“竹”、“兰”、“茶”、“杨柳”等融人作品，如《东风破》、《发如雪》、《菊花台》、《千里之外》、《青花瓷》、《兰亭序》等。还有的作品传达了中国传统的情感内容，如周杰伦的《以父之名》、《听妈妈的话》、《蜗牛》等，这些歌曲显然和中国传统的重亲情的伦理情感紧密契合。有音乐人指出:“‘中国风’音乐作品的歌词主要有两大特点，一是歌词整体营造古典民族的文化氛围，运用大量的古典意象;二是歌词中带有一些鲜明的民族符号，以此来体现民族特色。周杰伦的代表作《东风破》，其歌词是:“一盏离愁孤单伫立在窗口，我在门后假装你人还没走，旧地如重游月圆更寂寞，夜半清醒的烛火不忍苛责我，一壶漂泊浪迹天涯难人喉，你走之后酒暖回忆思念瘦……枫叶将故事染色结局我看透，篱笆外的古道我牵着你走过，荒烟漫草的年头就连分手都很沉默”。歌名本身就是词牌名，其中“离愁”、“烛火”、“古道”、“思念瘦”等充满古典意象的词语更是营造出悲凉的气氛。((青花瓷》中的“素胚”、“釉色”、“临摹”、“窑烧”等描述青花瓷制作工艺的词被巧妙融合在歌词中，同时极力渲染江南雅致淡然的景色，构成了极具画面感的内容。《本草纲目》借用了李时珍的医学著作《本草纲目》来传达古典情怀，胡彦斌的《曹操》则描述了一代袅雄曹操的故事。因此，包含传统文化是“中国风”音乐在歌词内容上的主要特点。(二)编曲和唱法融合大量的民族音乐特征一般来说，当代流行音乐习惯以西洋键盘乐器、打击乐器和电子音乐为主，而“中国风”音乐使用传统的乐器，如二胡、琵琶、竹笛、古筝等，使中国韵味被积极地呈现出来，是一种全新而且独特的音乐表达。如周杰伦的《东风破》主要运用了二胡;《霍元甲》则主要融入琵琶和大鼓，沉闷而厚重的鼓声阵阵，表现一代宗师的武学气概，全曲气势十足。林俊杰的《江南》主要运用了箫，箫声绵绵，流畅抒情，委婉动听。民族乐器与现代音乐元素巧妙地揉合在一起，恰如其分地表现出江南水乡的雅致淡然。除了配乐和编曲之外，很多“中国风”音乐大胆地运用了传统音乐的演唱方法，如民族唱法、戏曲唱腔等。如陈升的《北京一夜》用老生腔演唱，之后有《霍元甲》中的花旦腔，《红尘女子》、《以父之名》中的青衣腔，《在梅边》里的昆曲，陶品的《SUSAN说》则引用了京剧《苏三起解》中的唱段。《千里之外》两种音乐形式和唱法的交替使音乐发生了奇妙的化学变化，让人耳目一新。随着2009年央视春节联欢晚会上周杰伦和宋祖英两种不同音乐形式的巧妙融合，这种“混搭”的音乐形式越来越受到欢迎。(三)整体风格追求古典意境在中国传统艺术中，意境是艺术家创作的重要标准，也是中国古典审美精神的重要体现。王国维在《人间词话》里说:“气质，言神韵，不如言境界。有境界，本也。气质、神韵，末也。有境界而二者随之矣。意境是中国古典美学的一个重要范畴，中国古典艺术作品无论是诗词还是曲乐，都讲究含蓄、淡泊，追求意境的绵长深远，含蓄朦胧。“中国风”音乐无论在歌词、编曲、唱法、旋律还是MV的拍摄上，都注重使音乐整体上能够展现出典型的东方古典意境。“中国风”音乐多采用古典诗词作为题材，情感表达符合“中和”的审美标准。同时，曲调的悠扬和谐也体现了含蓄蕴藉、温柔敦厚的儒家美学观。除此之外，MV的拍摄也体现了情景交融、虚实相生、含蓄蕴藉的古典美学要求。在中国古代艺术中，存在着诸如“落花”、“大雁”、“春”、“暮”等具有特定含义的意象，在美学的层面上，它们是一些具有相对稳定性的独立的艺术符号。美国符号论美学家苏珊·朗格将审美意象作为“情感符号”和“艺术幻象”来考察。她说:“艺术品作为一个整体来说，就是情感的意象，对于这种意象，我们可以称之为艺术符号。朗格从艺术是表现人类情感的符号出发，认为艺术意象也是一种情感的符号。在“中国风”的音乐中，充满了类似的传统意象，如周杰伦的《青花瓷》，与其说是一首歌，不如说是一出烟雨朦胧的江南水墨山水，水云萌动之间依稀可见伊人白衣素袂、群带纷飞。“烟雨”、“青花”、“素胚”、“芭蕉”、“门环”等古典意象配上悠扬的曲调和水墨风格的唯美的MV，组合成了独特的意境。这种欲说还休、借景抒情的表达方式正是符合了“含而不露”这一中国传统的审美要求。二、“中国风”音乐背后的古典审美精神和民族文化心理积淀所谓审美精神是指一个民族审美文化所独自具有的内在审美气质和性格，它是构成一个民族的审美观念、审美意识、艺术态度的核心因素，属于一个民族文化比较深沉的东西，与一个民族的哲学精神相一致。审美精神一旦形成便会融合在民族文化心理结构中，长期地影响着民族文化、艺术及审美的发展。中国古典审美精神是在中国多民族、多元文化的不断冲突与融合以及以儒、释、道为核心的哲学精神中逐渐生成、建构出来的。音乐学者林华先生就曾在其论著中提到:“在我们的审美个性中，既有来源于人类共有的审美经验积淀成份，同时又有受到民族审美意识影响的成份……”。在中国传统审美精神中，“天人合一”的观念是其核心的哲学基础。这种“天人合一”的哲学观促使中国古典艺术强调“道”、“气”贯穿的生命精神和博大精深的宇宙意识，注重直观感悟的生命体验，同时还追求“内在超越”的理想价值。生命精神和宇宙意识构成了中国艺术审美精神的内在特质。中国艺术所注重的不是孤立的个体生命和对象，而是生命的整体感、流动感和蓬勃的生命力，这种审美精神导致中国古典审美重神韵、气韵、气势、气脉、气象和意境等，也就是重生命精神，要求表现宇宙无限的生机活力。这种审美精神必然会影响中国人的审美实践。尽管中国的流行音乐是以西方音乐形式为主流，但这种根植于民族心理的审美精神要求也呼唤符合中国人审美特点的音乐形式出现，而“中国风”音乐正是符合了中国人内在的审美要求。同时，中国人长久以来受儒、道、佛思想的影响，其中，礼义廉耻、中庸之道、重亲情、尊伦理等也在一定程度上影响了艺术中的情感表达，由此产生的审美方式使人们在潜意识当中钟情于写意的古典歌词，倾心于传统的民间乐器，醉心于含蓄、内敛的情感等等。在欣赏“中国风”流行音乐时，这种对传统文化的“怀旧”情怀，使听众很容易就和音乐产生情感上的共鸣。三、“中国风”音乐带来的反思对于艺术领域中的这种“中国风”现象，很多学者是持肯定态度的。面对飞速发展的社会，全球化的日益加剧，今天，更多的文化形式和审美标准影响和改变着我们的审美实践。在这种形势下，如何传承五千年来中国的传统文化无疑是值得我们关注的重要问题。在消费时代，任何文化行为只有在转化为商业行为的消费中实现对文化信息的获取和传播，才能被公众更多地关注与接受。而“中国风”音乐无疑是传播传统文化的新途径。它通过特定的商业传播手段和商业行为方式，使文化消费群体在文化消费中得到审美的愉悦，最终实现传统文化和古典文明的传播。由此看来，这种独特的音乐形式不失为一种传播传统文化的有效途径。与此同时，也有不少学者提出了质疑，认为这种音乐形式时髦有余，真诚不足。这些歌曲在商业动机的操控下，五千年文明的深厚内涵被那些流于表面的歌词拆解得略显破碎和浅薄。同时，由于歌曲作者对于传统文化的缺失导致传统文化的错误传播。著名收藏家马未都就曾经指出周杰伦的《青花瓷》歌词中有两处错误，其中一处错误堪称“谬误”。这首(青花瓷》，马未都认为其中谬误最重的一句是“在瓶底书汉隶仿前朝的飘逸”。他解释说:“青花瓷自诞生之时便迅速成为中国瓷器的霸主，七百年来无人撼动。可瓶底从未书写过汉隶，仅在明崇祯一朝某些青花器身偶写过隶书，显然写词者并不太懂瓷器。另一处错误则是那句“临摹宋体落款时却惦记着你”。马未都解释说，这句歌词的错误之处在于“宋体落款仅见康雍乾三朝珐琅彩瓷器，而青花瓷器中未见过”。此外，还有一些常识性的错误，如歌手伊能静在《念奴娇》中将“羽扇纶巾”的“纶”念成“伦”，戴佩妮在新歌《一个人的行李》中，唱“我要一个人通宵看完鲁迅的背影”，但《背影》的作者是朱自清……这种中国文化与文学的谬误，对文化传播、也对社会会产生不良影响。由此可见，在“中国风”音乐大热的同时，我们应该有所思考。真正的“中国风”是可以用来表现中国传统文化的精髓的。要选择最佳的传播方式和准确的转播内容，而不是在商业利益的驱动下任意粘贴一些传统文化的标签作为嚎头来吸引听众，获取经济利益。

歌词篇【歌词分析】“你的泪光 柔弱中带伤 惨白的月弯弯 勾住过往”月弯弯：出自宋无名氏的“月儿弯弯照九州，几家欢乐几家愁。”“夜太漫长 凝结成了霜 是谁在阁楼上 冰冷的绝望”阁楼：出自李煜的“无言独上西楼，月如钩，寂寞梧桐，深院锁清秋。”“雨轻轻弹 朱红色的窗 我一生在纸上 被风吹乱”朱红色的窗：出自毛滂的“碧户朱窗小洞房，玉醅新压嫩鹅黄，半青橙子可怜香。”千秋功过，后人评说。千百年之后肉身化为了尘土，儿孙亦散尽，还有谁记得你当年的叱咤？一生能写在纸上，传于后世，足以证明其伟大。然而清风不识字，何必乱翻书。任由你生前多么威风，死后却奈何不了这清风啊。“梦在远方 化成一缕香 随风飘散 你的模样”一缕香：出自《红楼梦》“软衬三春草，柔拖一缕香。”有人说是梦在远方 化成一缕伤，非也非也。结合后面那句？随风飘散？你的模样。就知道是壮士之在远方，雄心相向时，潜意识中却生出了一缕幻象，仿若看到了美人的模样。“花已向晚 飘落了灿烂 凋谢的世道上 命运不堪”向晚：出自李商隐的“向晚亦不适，驱车登古原。” 有人说是花亦相挽 飘落了灿烂。本来也是通的，说的是两人心如此花，永不分离。但是结合后句“凋谢的世道上 命运不堪”就知道应该是“花已向晚”。已是深秋，花亦凋零，心上人要远征，愁！愁！愁！“愁莫渡江 秋心拆两半 怕你上不了岸 一辈子摇晃”秋心拆两半：出自吴文英的“何处合成愁？ 离人心上秋。” 以拆字的手法，将“愁”字分开来看，而“秋”“心”却恰恰是情景的写照。在古代诗文中，“秋”往往有指盼人团聚，孤单离愁之感，而“心”则恰好是妻子真实的写照，于是情景交融，而又浑然不着痕迹。“谁的江山 马蹄声狂乱 我一身的戎装 呼啸沧桑”马蹄声狂乱：出自释温慧的“五陵才子锦袍新，马蹄乱踏琼瑶草。”此句是网上公认男儿最喜欢的一句，古语“君君臣臣”，君要臣死，臣不得不死！唯有策马扬鞭，死而后已，成就一世英名！“天微微亮 你轻声地叹 一夜惆怅 如此委婉”一夜惆怅：出自张泌“昼梦却因惆怅得，晚愁多为别离生。”这轻轻的叹息声仿佛琴声般悠扬婉转，包含了无奈、深情、惆怅……“菊花残 满地伤 你的笑容已泛黄 花落人断肠 我心事 静静淌 ”断肠：出自马致远“枯藤老树昏鸦， 小桥流水人家， 古道西风瘦马，夕阳西下，断肠人在天涯。” 人比黄花瘦！人比黄花瘦！！。“菊花”在古代不但表示离别之意，更有思念哀伤之感，此句运用“通感”的修辞手法，将“菊花的黄”与“笑容的黄”混淆一起，却偏又自然深刻，使人感到，那温暖的笑容正在逐渐淡掉，远去。哀伤而又动人的情感自然流露。“北风乱 夜未央 你的影子剪不断 徒留我孤单 在湖面成双”夜未央：出自《诗经·小雅·庭燎》 “夜如何其？夜未央。庭燎之光。君子至止，鸾声将将。” 刚出的歌词是“北风乱 叶微摇 你的影子剪不断 徒留我孤单 在湖面成霜”。当时就觉得应该是夜未央才对，离别的最后一个夜总是最珍贵，如果是白天，愁苦便少了几分，多的是壮志踌躇！在湖面成霜是很好的一句，说的是化做了望夫石，独立寒秋。方文山却写成了“双”，更是妙极！倒影在湖面，只有它陪我成一对，何等无奈愁怨。大师的确是让我等俗子难望其项背。【解读《菊花台》文字修辞】你 的泪光 柔弱中带伤（转化）惨白的月弯弯（类迭） 勾住过往（转化）夜 太漫长 凝结成了霜（转化）是谁在阁楼上 冰冷的绝望（设问）雨 轻轻弹 朱红色的窗（视觉摹写，亦可触发听觉的想象，故可兼含听觉摹写）我一生在纸上 被风吹乱（夸饰）梦 在远方 化成一缕香（转化）随风飘散 你的模样（转化）菊花残 满地伤（夸饰、映衬） 你的笑容已泛黄（转化）花落人断肠（夸饰、映衬） 我心事静静躺（转化）北风乱 夜未央 你的影子剪不断（转化）徒留我孤单在湖面 成双（暗引）花 已向晚（转品：名词做动词） 飘落了灿烂（转化）凋谢的世道上（转化） 命运不堪愁 莫渡江 秋心拆两半（转化，析字）怕你上不了岸 一辈子摇晃谁 的江山 马蹄声狂乱（设问）我一身的戎装 呼啸沧桑（转品）天 微微亮 你轻声的叹一夜惆怅 如此委婉菊花残 满地伤 你的笑容已泛黄花落人断肠 我心事静静躺北风乱 夜未央 你的影子剪不断徒留我孤单在湖面 成双【乐评】16世纪的文艺复兴追慕古希腊，19世纪的浪漫主义憧憬中古，20世纪的今天呢？！周杰伦与方文山追溯中国古典艺术的浑厚与朴实——《菊花台》呼之欲出，纯粹的中国风渐渐吹来了。何谓纯粹，初听《菊花台》，怀疑歌手不是杰伦，直到高潮部分的高音我才分辨出经典的周式高音。无疑，唱腔变了，变得内敛了。让我惊讶的不单单是唱腔，还有弦乐的开场，弦乐是西方古典乐的经典部分，杰伦用他超强的天赋把弦乐制作得透出中国味，这是编曲的成功之处：弦乐之后进入中国传统乐器，其间居然没有一丝一毫的别扭。编曲中若有若无的拍板声也让我惊叹于制作的滴水不漏，只有中国的拍板声才能准确地调动江南小调般的忧伤。曲末处的乐器葫芦丝，静听中，彷佛是笙的声音。下面说说歌词。“落花无言，人淡如菊”，也许这就是文山取名菊花台的原因吧，正是这份纤侬的书下落花之时的岁华——“如将不尽，与古为新”。方文山根据自己的理解和感受去补充和丰富歌词的意象，使歌曲的画面有动有静，跳跃转换，灵动自然，情感曲线有起有伏，将意境中的若明若暗、瞬息急变的情感诠释出来，与其说是歌词，不如干脆就叫“诗”，一首完美的古典素颜韵脚诗。诗充分的利用了虚实的结合，《菊花台》并不是对于现实简单的感受和反应，而是取境的审美把握中感情浓缩的表现！虚实相生创造了一种独特的境界，这一点正是中国诗的意中之境--真境逼而神境生。“菊花残 满地伤 你的笑容已泛黄 花落人断肠 我的心事静静淌”全部景象遂笼罩其上，渗透一层无边的惆怅，情景交织，成了绝美。“北风乱 夜未央 你的影子剪不断 徒留我孤单 在湖面 成双”，今天就有个人问我“夜未央”是什么意思，多少人只知道央的解释是中心和恳求，又有多少人知道“央”最初的意思是终止、完结呢？惊叹文山的古诗造诣。在曹丕的《燕歌行》中有句名句：“星汉西流夜未央”，皆出同源。也许只有文山的词才让人感觉到文字不再单薄，而周杰伦的声音就是让我们感受文字的力量！斗胆用四个字形容此次的唱腔：余味涵包！我只能这样说，区别与以前的咬字，无疑精准了许多，唱法趋与唯美式，对音节的掌握没有了酷酷的急转而下，突窜直上，而是改为平稳的渐进，给人以流畅和自然的意蕴。不过高音仍旧飚得很高。在唯美式的低吟中，现实空间变得简单，时间过程原来可以横向延伸，如果文山的词靠虚，那杰伦的唱腔就近实，虚与实结合的同时相生相息，却一不可，此乃中国古典艺术中的精粹，这才是中国风！中国风可以借用其他音乐元素，也可以使用其他国家音乐乐器，最重要的是中国味道明确的体现。中国风是面向世界的，是给世界一种惊喜的音乐。甚至，中国风可以不属于中国人去做，而是属于世界一起去发展，就象中国人做摇滚音乐一样，音乐没有国界的界限！中国人的文化，对世界音乐的一种深厚影响，产生了“世界的中国风”。《菊花台》经典句子TOP3第3名：“愁莫渡江 秋心拆两半”以拆字的手法，将“愁”字分开来看，而“秋”“心”却恰恰是情景的写照。在古代诗文中，“秋”往往有指盼人团聚，孤单离愁之感，而“心”则恰好是妻子真实的写照，于是情景交融，而又浑然不着痕迹，这句词，堪称佳句。第2名：“梦在远方 化成一缕香”男人必定要建一番事业，而自古忠孝两难全，思念已久的妻子，和无休止的功名战场，究竟该如何选择？歌词中并未给出答案。联系前句“我一生在纸上”，意指功名就在这战场的指挥图，皇上的升官榜。而后句“随风飘散 你的模样”又似指他的梦就是家中的妻子。这种矛盾的心情，由此一句体现得淋漓尽致，堪称妙句。第1名：“菊花残 满地伤 你的笑容已泛黄”菊花到了凋谢的时候，自然地落下，任人践踏，而那久未见面的妻子，在这位将军脑海中的模样也已然模糊。“菊花”在古代不但表示离别之意，更有思念哀伤之感，此句运用“通感”的修辞手法，将“菊花的黄”与“笑容的黄”混淆一起，却偏又自然深刻，使人感到，那温暖的笑容正在逐渐淡掉，远去。哀伤而又动人的情感自然流露，堪称绝句。音乐篇首先我要说一下，一点不懂乐理知识的，完全靠哼唱创作的，不懂的请问百度，百度问不到去作曲吧问，不是我反对哼唱创作，我最开始的作曲也是用哼唱创作的方法，但是，哼唱创作是一种不科学的作曲方法，只能作为初级的作曲练习用，这其中涉及到其他的知识请参考台湾青年编曲家YIL的编曲、作曲视频教程。（去土豆搜就能搜到哦）开始进入正题：说到作曲的时候，我就不得不拿起放下很久的乐理教材和你们研究这个中国风的作曲了。简单的说，想要把旋律写出一听就是中国风的歌曲的话，那么，你就必须要了解五声调式和六声调式。说到这里，我来给曲作者们普及一下乐理知识，五声调式是中国古代音乐旋律的主要框架，所谓五声，也就是指在简谱中的 1 2 3 5 6这 五个音，这五个音按照顺序，他们的中文名分别为 宫（1） 、商（2）、 角（3 读 “决”音）、徵（5 读“只”音）、羽（6）。 五声调式中的声音科学真的很神奇，因为有朋友专门研究这个，就了解了一点，比如这个五个音属于相生相克就像五行一样，很神奇，扯远了...扯回来，之所以说它科学，是因为，从宫到徵（1-5）是纯五度从徵到商（5-2）也是纯五度，剩下的从商到羽（2-6）从羽到角（6-3）都是纯五度，怎么样，很棒吧！我们老祖宗发明的东西能差的了么！而六声调式，就是在五声调式的宫商角徵羽（1、2、3、5、6）的基础上，加入清角音（角音上方小二度 也就是简谱中的4）或者变宫音（宫音下方小二度 也就是简谱中的7）记得只是加入一个哦，并且，4和7出现的次数不能过多，否则就不能算作是中国调式了，在这里，我只能给你们讲到六声调式，否则你们就会把中国调式和西洋调式混掉了。大家比较熟知的乐器古筝，就是最著名的五声调式，有人说，钢琴弹不好让人听的直郁闷，那古筝摔到地上听都好听，虽然说的很夸张，但是却的确说的很事实。有的同学问了，那我听到的不少的古筝作品，都是有 4 和 7 的，那是怎么回事呢？那是因为古筝有按音，也就是说，古筝不单能弹奏出4 、7甚至在古筝的音域范围内，它能表现出的音比钢琴还多，因为古筝甚至能弹出钢琴的夹缝音，今天的古筝讲坛先到这里，有兴趣的回帖我另开帖给你们讲古筝（嘿嘿）乐理知识普及结束举一个例子，周杰伦的两首歌《菊花台》和《青花瓷》这两首，就是五声调式和六声调式的两首完美展现。首先我们分析菊花台这首歌，这首歌中所用的是典型的 六声调式（加变宫），整首歌只出现了一次变宫音（不算重复乐段），而且只有一个，但是就因为这一个变宫音，整首歌首歌就从五声变成六声，整首歌的感觉也不同了，这个变宫音的位置就在“独留我孤单在湖面生霜” 的“孤”上，这个变宫用的恰到好处，因为之前的“我”字用是羽（6），后面的“单”字用的是（1），刚好吧“孤”夹在中间，可以说，这个变宫是迫不得已才用的。有的同学问了，不用变宫的话，不是还有“商角徵”这三个选择么？答案是当然不行，因为在“孤单在湖面”中，“单”和“在”是八度宫关系，如果用高音的“商角徵”会破坏这个八度回缩的效果（也就是高音1 到1 的效果）而用非高音的“商角徵”你自己可以试试看，那这首歌就成了完全的失败品，所以，jay选择了变宫，是一个非常明智的选择。这就是我对《菊花台》这个六声调式作品的分析。相对来说，jay的这首《青花瓷》在曲调上，更显成熟，在这首歌中，能够轻松的运用五声调式，使这首歌的意境达到一个很高的境界。其实，掌握了这五个音，再掌握一些小技巧就能做出一首蛮不错的中国风的歌了，可以说，随便弄出来的一首不重复的中国风的歌，都很好听，但是想要写出像这些被歌星唱出来的动人、感人的旋律，就需要不停的积累和大量的模仿，前者（积累）是一个非常有效可行的方法，而后者风险非常大，但是效果却是特别快的，但是特别容易造成兄弟歌曲的出现，弄的少数听者甚至分不清两首歌的分别，比如《逍遥叹》和《东风破》，所以我不推荐后者，这样非常容易遗失掉自己的风格，从而成了别人的影子，这是作曲者最可悲的一面。教大家一点小技巧：在表示比较委婉或哀伤的曲子中，尽量用小调式（我也不知道五声调式是怎么说这个大小调式的，没在任何书里面找到这样的词汇，所以就就用西洋大小调的方法来表达我的意思），多用6 1 3适当的时候可以用7，并且在旋律行进的时候少用跨度较大的旋律。而在一些明朗的、快乐的曲子中，最好用大调式，多用1 2 3 5适当的时候用6，并且在旋律行进的时候，掌握跨度，不要过小也不要过分的大，因为要考虑到这首歌要演唱的问题，所以，跨度不要过分的大，但是却一定要凸显出大气或者是欢乐的感觉，这个尺度由你自己掌握。大师级的人物其实是不需要注意这个的，比如《菊花台》用的就是大调为主要调创作，但是却依旧能做出小调的委婉凄凉感觉，这个不单归功于作曲还要归功于编曲。关于作中国风曲的这方面，其实需要很多的磨练，我这里只能说一些简单的，需要的是你在练习中的自我感悟。并且，请注意，中国风到现在位置并没有一个确切的定义说这个曲子就应该用民族调式（也就是五声、六声调式）创作，用西洋调式写出中国风作品的大有人在，不过那基本上归功于编曲者，但是我可以肯定，如果编曲没找错的话，你通五声调式、六声调式写出来的东西，一定会让人听出是中国风的味道来！