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钢琴踏板的运用--我的毕业论文 “踏板被人称为钢琴的灵魂。”从鲁宾斯坦的这一名言我们不难看出钢琴踏板的运用在钢琴演奏中占有非常重要的地位。不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴大家，在演奏中无一不会不使用到踏板，但是关于踏板使用方面的文献却寥若晨星。在钢琴教学，尤其是初、中级程度的钢琴教学过程中，很少有教师对学生系统的教授钢琴踏板的使用技巧，只是在需要学生使用踏板时才会零碎的作出一些指导。而这样导致的诸如：只顾踩踏板而不及时放、为追求所谓的“气势”“热闹”而胡乱的使用踏板、更有甚者将踏板作为技术缺陷，力度不足的掩饰等毛病。有鉴于此，我在总结了前人的经验的基础上结合我多年来在钢琴学习上的一些心得对钢琴踏板的运用做一番探讨，有不足和疏漏之处还望予以斧正。 一．踏板的基本功能 钢琴踏板的使用是弹奏方法中一项必不可少的内容。踏板使用得好坏，直接影响到弹奏的声音、色彩和风格。因此在谈钢琴踏板的使用技巧之前，有必要先简介一下钢琴踏板的最基本的功能。 1、右踏板是延音踏板，一踩下去，钢琴里的制音器全部打开，所有弹到的音就会延长。当脚一抬起来，制音器又压在琴弦上，音的延长就中止。 2、左踏板是弱音踏板(ulna cord) 在一般家用立式钢琴上，踩下左踏板，琴槌整个往前挪一些，离琴弦的距离就缩短了，声音相应就弱了。在演奏用的三角钢琴上，一旦踩下左踏板，则是整个键盘向右稍挪动。在三角钢琴上原来每个琴槌应击中三根弦，踩了左踏板以后，整套琴锤就会稍向左侧移动，这时琴槌只能击一根弦了。这样声音不但弱多了，而且产生了不同的音色变化。所以有时乐谱上标明"一根弦"或"三根弦"就是表示用左踏板式是放开左踏板。由于左踏板在演奏琴上能作出这样的力度和音色的变化，它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。左踏板往往被比作“旋乐演奏者的弱音器”。 3、中踏板最经常地的被称做延长音踏板（sostenuto）。在立式钢琴上，它会使击弦机上方一块厚绒降下来，挡在琴槌与琴弦之间，这样弹出来的声音就小得只有自己听得见，屋外的人则听不见，这是为了不影响别人，没有演奏上的意义。而在演奏用三角钢琴中的作用与在立式琴上的作用完全不同。这个踏板的作用有点象巴罗克时期乐队里的通奏低音。用来支持旋律声部的流动，换句话说，如果钢琴的高音声部极为复杂，但是左手的跨度又很大，必须弹奏低音（控制和声节奏）需要将低音延长，如此一来，钢琴家就不能两头兼顾（因为没有第三之手），这时候，左踏板的优势就极为明显了！它的作用就是在这是发挥了出来。钢琴家踩住这个踏板，再弹低音，这个低音就会被持续（而不象右踏板那样使整架钢琴当时发出的音都延长）然后，在这个低音的支持下，就能很从容的弹奏较高声部的曲调。所以，这踏板就是解放左手，有目的的减低弹奏难度的踏板。 二．踏板运用的基本技巧 首先有必要补充一下一些踏板技术动作的基本要领 1．脚的位置 脚的位置在使用踏板的时候是非常重要的，因为在演奏当中脚的错误位置会妨碍脚和手之间的敏感的相互作用，尤其是在同一时间用同一只脚使用两个踏板的时候，如有时需要这样用中踏板和左踏板时。正确的方法是脚应放在能使最大的压力点来自脚趾和脚的交界处的位置上。不要太靠近钢琴，脚尖几乎顶着琴板，用脚心踩踏板，这样不灵便；也不要偏远，只用脚趾踩踏板，这样不塌实。 2．脚的动作 脚跟不要离开地面，以脚踝为主要动作部位，用前脚掌将踏板踩下去、放起来。放掉时，脚掌可以一直不离踏板，如果为了放得干净也可以稍离一点点。 下面我们开始探讨一下踏板使用的一些基本技巧 由于我们常用的是右踏板，而另外两个踏板的使用比较少见。因此我在这一部分内容里主要对于右踏板的使用技巧进行分析。(附表 ) 1． 踏板，又称节奏踏板或重音踏板，在这个技巧中踏板与一个和声同时被踩下去，在下一个和声前一刹那被放掉，然后再和下面新的和声发声的同时踩下去。适用与强调节奏特点的乐曲中，可以产生增强音量，获得浑厚共鸣的效果。在肖邦《前奏曲》OP．28 NO．20中由于整首乐曲都是柱式和声连接，属于一种进行曲风格，如果使用音后踏板就会使得旋律变得过于连贯，而失去乐曲本身的那种类似沉重步伐的效果，因而在踏板法的选用上要使用直踏板，一个和声一换。（本身乐谱上也有标记要使用直踏板）（谱例 肖邦 《前奏曲》OP．28 NO．20） 舞曲风格的乐曲踏板的使用在于表现舞蹈风格的特点，如《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》中4个小节构成一个乐句，前3小节踏板踩在节奏重拍上，而第4小节踩在节奏弱拍上这是和蒙古舞蹈的舞步相一致的(《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》) 2． 音踏板 我们常说的“切分踏板”和“跟随踏板”，两者和“连音踏板”都是一回事，即连奏中的更换踏板。“切分”的意思是，弹奏连奏中的第2个音时，手往下时，脚往上（而后再踩下），类似切分音的节奏。跟随的意思是，脚跟着第2个音弹下后重新踩下的。——目的都是一个，连上两个音，又不使前后音相混。它是最常用的踏板技巧，它的最简单的应用是出现于当两个音或和弦要用一个无缝的，又不被模糊的连奏连接起来时。如果想要清楚的换好踏板，没有以前的和声的遗留，并在声音中没有裂缝，以下的步骤是必要的： （1）弹奏，并用踏板抓住第一个和弦。 （2）接着当弹奏下一个和弦时，抬起踏板。 （3）听新的和弦的声音。在锤子重新打击琴旋的一刹那，制音器应该已经制止了原来和声的声音。 （4）当手指继续按住琴键时，重新踩下踏板。再仔细听，要肯定没有以前的和声被留在新换的踏板中。 （5）每个新的和弦重复以上过程。 在格里格的《致春天》 中右手的和弦是在模仿春风在吹拂的效果，如果使用直踏板那么就无法表现这种意境，但是如果使用如图示中的方式来踩踏板的话可以使的右手的和声进行更加连贯。（格里格 《致春天》 ） 当然在不可能把低音的每个新变化保持足够长的时间，以保证踏板的清楚更换的时候是可以把踏板提前抬起的。如在肖邦《夜曲》 中象谱例中所标识的那样,既可以使和弦在衔接时声音不会有明显的间断,也不会由于将踏板踩到新和弦出现后所带来的声音浑浊的效果。（谱例） 3． 抖动踏板，又称颤音踏板。是利用脚在踏板上快速的，相当浅的踩动（附表） 这种踏板的使用主要是为了追求特殊的音色，或降低声音的亮度。 在肖邦《奏鸣曲》的最后乐章中，为表现一种“坟墓上的风”的效果，就必须使用抖动踏板，来表现它的轻薄的、不规则的模糊感。 4． 全踏板，半踏板这是基于踩踏板的深浅而言的。全踏板即将踏板踩到底，是音响获得持续而连贯的效果。半踏板当乐曲的和声背景上保持一个低音时，而上面的和声出现混浊，用很小的动作，把踏板放起一半，然后迅速踩下，以获得既使低音长久，又使高音纯净的效果。还有将踏板踩1/4 1/3 1/2 3/4 等用法来使钢琴产生各种各样的音色变化，从而使音乐更加完美，音色更加丰满。这对演奏者对音乐内容的正确理解及脚下的工夫深浅与灵敏的听觉要求很高了。 5． 有一种跟脚没有太大关系的“手指踏板法”： 每一个断奏的音下键到底不放并且不需脚踏板的帮助从而使击弦机不归位——弦的震动持续，和踏板的效果一样而且不会与其他音符浑浊成一团，这多在谱面的连线处且尤其是没有踏板的地方（比如赋格）使用 要注意：保持不放的下的过程和触键的位置对音色有很大的影响。 三．踏板的运用 对于如何选用踏板我们应当基于以下几点考虑 1和声的变化 乐曲中随着和声的变换而变换踏板，这是一个比较基本的常识。演奏者在演奏时要对乐曲的和声变换有所了解，以选择正确的踏板使用方法，如果对乐曲的和声没有做出恰当的分析，那么所选择的踏板使用方法就有可能不恰当，造成声音混乱，破坏演奏的效果。因此正确而恰当的和声分析是关系到踏板的使用是否正确的根源。使用时必须在和声的每一个新的变化之前的一瞬间放掉踏板，然后在弹新的和声的瞬间精确的踩下踏板。如果采用适当的速度，声音就不会有明显的间断。因为和声的音响会填满踏板更换之间的空隙，使和声清楚连贯。尤其是演奏古典乐派和浪漫派的作品中，这种更换踏板的方法增强了和弦的效果，不免了声音的浑浊。如柴科夫斯基的《四月》中每小节换一次和声，踏板也每小节换一次。
贝多芬 月光奏鸣曲，听过吗？给你些素材，自己写写吧，我很喜欢这首乐曲，弹奏过第一乐章。 钢琴奏鸣曲，作品第27号之2“月光” 创作背景 贝多芬的这个曲子作于一八一O一年，当时他正和朱丽法塔贵恰尔第（1784—1856）相爱，这个曲子是献给她的。这一年的十一月十六日贝多芬写给和勒的信中提到她时还说：“她爱我，我也爱她。”但到一八O二年初，她已别外爱上了罗伯尔哈伦堡伯爵，并于一八O三年和他结了婚。罗曼罗兰把此曲和贝多芬的失恋联系起来，说“幻想维持得不久，奏鸣曲里的痛苦和悲愤已经多于爱情了。”以罗兰把第一乐章解释为忧郁、哀诉和痛哭。俄国音乐学家奥立比舍夫（1794—1858） 第一乐章是失恋的“沉痛的悲哀”，好比“垂之火”。但一八O一年正是贝多芬和贵恰尔第热恋的时候，说这个作品是写失恋的痛苦，也和事实不符。对于这个作品的解释，也许俄国艺术批评家斯塔索夫（1824—1906）的见解，是比较合理的。他在回忆了一作为上二年听李斯特在彼得堡的演奏后，认为这首奏鸣曲是一出完整的悲剧 ，第一乐章是暝想的的柔情和有时充满阴暗预感的精神状态。他在一作作九年听安东鲁宾 什坦的演奏时也有类似的印象：“……从远处、远处，好象从望不见的灵魂深处忽然升起静穆的声音。有一些声音是忧郁的，充满了无限的愁思，另一些是沉思的，纷至沓来的回忆，阴暗的预兆……” 该曲之所以被称为“月光”由于德国诗人路德维希，把该曲比做瑞士琉森湖上的月光。《#c小调奏曲》因“月光”的标题和传说而特别出名。 贝多芬有一次说过：“人们常常谈论《#c小调奏鸣曲》，但我曾写过经这更好的东西，《#F大调奏呜曲》（作品78）就是一个与此相同的作品。”可见贝多芬自己对《月光曲》是并不十分满意的。 《月光曲》的传说 一百多年前，德国有个音乐家叫贝多芬，他谱写了许多著名的曲子。其中有一首著名的钢琴曲叫《月光曲》，传说是这样谱成的： 有一年秋天，贝多芬去各地旅行演出，来到莱茵河边的一个小镇上。一天夜晚，他在幽静的小路上散步，听到断断续续的钢琴声从一所茅屋里传出来，弹的正是他的曲子。 贝多芬走近茅屋，琴忽然停了，屋子里有人在谈话。一个姑娘说：“这首曲子多难弹啊！我只听别人弹过几遍，总是记不住该怎样弹；要是能听一听贝多芬自己是弹的，那有多好啊！”一个男的说：“是啊，可是音乐会的入场券太贵了，咱们又太穷。”姑娘说：“哥哥，你别难过，我不过随便说说罢了。” 贝多芬听到这里，就推开门，轻轻地走了进去。茅屋里点着一支蜡烛。在微弱的烛光下，男的正在做皮鞋。窗前有架旧钢琴，前面坐着个十六、七岁的姑娘，脸很清秀，可是眼睛瞎了。 皮鞋匠看见进来个陌生人，站起来问：“先生，您找谁？走错门了吧？”贝多芬说：“不，我是来弹一首曲子给这位姑娘听的。” 姑娘连忙站起来让座。贝多芬坐在钢琴前面弱起盲姑娘刚刚才弹的那首曲子来。盲姑娘听得入了神，一曲完了，她激动地说：“弹得多纯熟啊！感情多深哪！您，您就是贝多芬先生吧？” 贝多芬没有回答，他问盲姑娘：“您爱听吗？我再给您弹一首吧。” 一阵风把蜡烛吹灭了。月光照进窗子来，茅屋里的一切好象披上了银纱，显得格外清幽。贝多芬望了望站在他身旁的穷兄妹俩，借着清幽的月光，按起琴键来。 皮鞋匠静静地听着。他好象面对着大海，月亮正从水天相接的地方升起来。微波粼粼的海面上，时间洒遍了银光。月亮越升越，穿过一缕一缕轻纱似的微云。忽然，海面上刮起了风，卷起了巨浪。被月光照得雪亮的浪花，一个连一个朝着岸边涌过来……皮鞋匠看看他妹妹，月光正照在她那静的脸上，照着她睁得大大的眼睛，她仿佛也看到了，看到了她从来没有看到的景象，在月光照耀下的波涛汹涌的大海。 兄妹俩被美妙的琴陶醉了。等他们办醒过来，贝多芬早已离开了茅屋。他飞奔回客店，花了一夜工夫，把刚才弹的 ——《月光曲》记灵了下来。 这是我国《全日制十年制学校小学语文课本》第七册里的一篇课文，讲的是贝多芬为盲姑娘演奏《月光曲》的故事，这的确是一个美丽的传说。传说中贝多芬的这个曲子（作品27之2——《#c小调钢琴奏鸣曲》）描写的是海上月光的说法，源出于德国音乐批评家雷尔施塔布（1799——1860）。他用瑞士风光明媚的琉森湖上的月光的别名。俄国钢琴家安东鲁宾什坦（1829——1894）非常反对用“月光”来解释这个曲子，他说：“月光在音乐描写里应该是暝想、沉思的、安静的，总之，是柔和光明的情绪。《#c小调奏鸣曲》第一乐章从第一个音符到最后一个音符，完全是悲剧性的（用小调来暗示），因此是布满云彩的天空，是阴郁的情绪。末乐章是狂暴的、热情的，表现 的正是和温柔的明月完全相反的东西。只有短短的第二乐章可以说是一瞬间的月光。”在德国，也有人称此曲为“园亭”奏鸣曲。园亭是建筑在树荫下的凉亭，这相标题对于这首奏鸣曲也同样是不恰切的。看来，第一乐章所表现的决不是一幅明净的风景画，而是一种内在的阴郁情绪。《贝多芬传》的作者厄（1817—1897）说第一乐章是“少女为生病的父亲祈祷”，无论如何要比“月光”和“园亭”恰当一些。 作品分析 第一乐章－持续的慢板，升c小调2/2拍子，三部曲式 这个乐章情感的表现极其丰富，有冥想的柔情，悲伤的吟诵，也有阴暗的预感。虽然伴奏，主题和力度的变化不大，但仍通过和声，音区和节奏的变化，细腻地表现了作者心弦的波动。 这首奏鸣曲包含着贝多芬最原始的构思。它那梦一般即兴的性质，探索钢琴音响共鸣的方式已预察到约一百年后德彪西的印象乐派。它所依据的题材很简单：乐曲一开始，由不断流出的三连音构造了无边的幻想，四小节后，第一主题在中音区淡淡地出现。它细致而沉静，略带些忧郁。1段1分18秒在B大调上出现了第二主题。中间部由第一主题开始。三连音曲折有致地走向高音区，呈现出急躁不安的情绪。随后，进入第三段，第一主题平静地再现，第二主题以升c小调的面目再现，然后以低音继续奏出基础动机的尾奏，慢慢地消失而结束。 第二乐章－小快板，降D大调，3/4拍子，三部曲式 这个乐章比较短小，李斯特形容这个乐章为"两个深渊中之间的一朵花"。它以迥然不同的轻快表情将第一乐章的沉思默想和第三乐章的紧张气氛衔接地非常完美。 第一段是连奏与断奏相呼应的主题，然后再以变奏加以重复。中部也保持在降D大调。2段1分13秒再现第一段。这个乐章好象是瞬息间留下的温存的微笑。 第三乐章－激动的急板，升c小调，4/4拍子，奏鸣曲 虽然在调性上与前乐章有紧密的联系，但表达的感情则完全不同。第一主题是热情不可遏制的沸腾和煽动性，犹如激烈的狂怒，又好象是连连的跳脚声。 第二主题像是从心底里发出来的申诉。它临近结束时连续的八分音符，斩钉截铁般的节奏，表现了热情的情感和坚强的意志。经过短短的展开部后，内心的激动表现得更为强烈。在尾声中，沸腾的热情达到顶点时，突然沉寂下来，但汹涌澎湃的心情并没有就此平静。贝多芬曾说过他的作品二十七号的两首奏鸣曲都像幻想曲。他指示《月光》奏鸣曲的乐章之间要紧接不要有停顿，这样才能从开始乐章以暗示性的方式逐渐展开，进入到错综复杂的终乐章，而得以提供一种凝聚高潮的感觉。贝多芬这一时期的奏鸣曲充满了尝试性的作法，他企图重新评价奏鸣曲式主要的创作原理。一般来说，如要遵循传统的格局，奏鸣曲式往往只出现在一个乐章里，而通常在第一乐章，但贝多芬打破了这种模式，《月光》奏鸣曲是古典乐派开始朝浪漫乐派转变的作品之一。
当然这也不能片面的理解为只能在和声变换的地方更换踏板，如吴祖强的《水草舞》的引子部分8个小节，但只换了1次和声，如果只换一次踏板的话，就会声音获得过多的泛音而变得浑浊，这是极其错误的。 2．节奏的需要 节奏影响着乐曲所要表达的情绪，而为传递乐曲的情绪所服务的踏板在使用时必须基于节奏的需要来考虑。往往是为加强节奏的效果而使用节奏性的直踏板法。 3．作品风格 作品的风格可以说最应当要注意的一点，在你选择踏板的使用的时候如果你不考虑作品的风格那将是致命的错误。因为每一首钢琴音乐作品均有其特定的风格，而同时期的作品也有其叫明显的共性风格特征。 在演奏巴赫的作品的时候对于巴赫的音乐作品，许多演奏家持有这样一种观点：巴赫的那些作品诞生的年代还没有右踏板的出现。在演奏中如果使用踏板，将影响作品的原始风貌。但不知是否有人考虑过在巴赫创作这些乐曲的年代同样没有现代钢琴的出现，那些作品是为羽管键琴和古钢琴所创作的。可见，我们在现代钢琴上演奏巴赫的作品就已经破坏了巴赫作品的原始风貌。 在巴赫作品中如何使用踏板的问题上菲鲁奇奥·布索尼的这段话可以给我们一些启示“踏板在巴赫的钢琴作品中是需要的，在钢琴作品中使用踏板而有听不出来，才是唯一正确的方法。有关这一点，我们指的是用踏板来连接两个依次进行的单音或和弦，为强调一个悬留音，为延续一个单声部，等等；一种处理方式其中并不显出具体的踏板效果……在任何地方只要可能，尽量用手而不是用踏板来延续一些音。”由于巴洛克时期和19世纪的声音概念不同，19世纪喜欢主要为密集的洪亮度、音型的融合和延续长的低音持续音而使用踏板，但巴洛克时期是具有对位的声部清晰，并且每个声部有对比性奏法的观念的时期，因此在弹巴赫的作品时不能将作品的踏板处理为19世纪时期的那种方式，应当要： （1） 不要把踏板踩得太深，以免产生太强的泛音； （2） 不要把踏板踩得太长，根据线条而不是根据和声使用踏板，多换踏板，保持声部清晰 如在下面巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《降b小调前奏曲》的这段乐曲中就是用右踏板帮助在重复音中做到连音连接。 巴赫的作品在结尾处的尾奏部分往往使用的是一种完满终止，即Ｋ→Ⅳ→Ⅴ→Ⅰ这种极具有宗教色彩的结尾很大程度上是在模仿宏伟的“全奏的风琴”效果，如果不踩踏板就无法在现代钢琴上表现出这种效果。如下例是巴赫的《平均律钢琴曲第一集》《升C大调赋格》的结尾部分。 在演奏古典乐派海顿、莫扎特的作品的时候，由于在他们的音乐中，织体的清晰度、句法和奏法决不能搞得含糊不清。如同在钢琴上弹奏巴赫一样，在莫扎特或海顿中使用踏板必须觉察不出来。在使用时要注意 （1）在设计踏板使用时，应该首先不用踏板学习音乐，所有的奏法单独用手指完成，以后可以为了音色而少量的增加一些踏板，或为使一个难于应付的连奏变得更为容易而短时间的使用； （2）在快板乐章中，尤其在快速音群时，不使用延音踏板，而使用颤音踏板； （3）在中速或慢速的乐曲中，为增加共鸣，加强乐曲的连贯与和声的丰满可使用延音踏板。 由于贝多芬是要求踏板的使用达到可以感觉的程度的第一位著名的作曲家，在演奏贝多芬的作品时，有贝多芬亲自标明使用踏板的地方，必须要按照标记去做。在下面一些地方可以使用踏板： （1） 为保持逐渐的均匀的渐强和渐弱，可以使用踏板； （2） 为有助于演奏legato，增强乐句的连贯，可以使用踏板； （3） 为使音响更丰富饱满； （4） 为获得色彩性效果； （5） 为加强力度对比； （6） 为连接个乐章而使用踏板。 同时我们应当认识到，虽然贝多芬的作品中大量的出现了使用踏板的标记，但是他所做的标记是为他所知道的钢琴写作，而不是为了今天的乐器，特别是更少的传送力量，以及音域之间更大的区别的问题，会不时的影响踏板的使用，这时对贝多芬的踏板使用方法做适当的修改以适应现代乐器，但要注意的是有关气氛朦胧的原来概念应该保持下来。`另外一方面有迹象表明贝多芬使用踏板比他所标记的要多，但这不应作为可以毫无选择的使用踏板，或不去了解贝多芬最希望踏板为他的音乐做些什么的一种许可。 4 钢琴踏板的运用--我的毕业论文 到了浪漫派的肖邦，舒曼，李斯特的钢琴作品中，踏板的运用得到了极大的发展，他们极大的发掘了钢琴音色变化的可能性。作为音色变化的重要手段之一的踏板的使用也更复杂更精细。尤其是李斯特，在他的许多钢琴作品中见到的暗指的踏板效果以及明确的踏板标记，这表明他具备了一种远远走在他时代前面的对踏板用法的理解。至少在他的晚年，他用了切分或连音踏板，一种当时认为先进的技术，在现今已被普遍使用和讲授。 李斯特的写作一般要求踏板的丰满、充足的使用，特别当需要它作为长持续音的一个支持时。在他为声乐和其他乐器的作品的钢琴改编曲中，踏板被大量的或几乎经常的使用。在所有长的旋律音上使用踏板，特别是那些在高音区的，即使它们没有被下面的和声材料所支持。 李斯特和贝多芬以及舒曼这样的作曲家一样，在踏板标记上经常指示一个特殊效果，而不是普通任凭演奏者自行处理可以做到的一个习惯用法。任何数目的这种特殊效果都可以被找到，它们有许多反应了明确的诗意的、形象化或甚至哲学的思想。 在印象主义的德彪西、拉威尔的钢琴作品中，虽然在他们作品的乐谱中几乎完全没有踏板指示，所存在的为数极少的几个也往往是粗略和模糊的，但是在他们的作品中不能想象倘若不使用踏板，印象主义的神奇和美丽将如何去表现。印象主义音乐的流畅、充满水分，润泽的声音，以及连贯的、斑斓的、变化的色彩只有在准确的使用踏板的基础上才能得以实现。因此，需要我们谨慎而敏感的使用踏板。 综上所述，我们应该知道，对于踏板使用的说明，一千句话都比不上一次演奏。踏板是任何钢琴演奏中极具个性的部分，没有两个演奏者会用完全相同的方法去使用踏板，而同一个演奏家也不会在每次演奏中用同样的踏板法，然而每人在演奏当时都能同样具有说服力。这种灵活性可由多种因素来解释。诸如速度、力度、声音、奏法、声部的平衡、作品的风格和时代、音乐厅、乐器等这样一些多种多样的可变因素，甚至还有演奏者当时的情绪，也时常会影响踏板使用方法的选择。写下来的踏板使用方法指示，不管它们是如何仔细地被标记的，甚至是作曲家提供的，也往往需要演奏者的修改。因此“只有耳朵本身，才永远是艺术性演奏的最终指导，而不是一套印出来的指示。” 每个曲子有不同的要求，这就必须学会用自己的耳朵去听！因为由于踏板是一种性质的技巧，想完全学到运用的每一个细节，和老师们用得一样，是不可能的，唯一永远的老师只能是自己的耳朵，经过老师的指导和训练，要使自己的耳朵能够敏锐地察觉到踩在踏板上的脚或大或小的动作所引起的声音的任何反应。想象出将要弹奏的音响效果，并指示脚的动作，以实现希望的音响。
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论文开题报告基本要素
各部分撰写内容
论文标题应该简洁，且能让读者对论文所研究的主题一目了然。
摘要是对论文提纲的总结，通常不超过1或2页，摘要包含以下内容：
目录应该列出所有带有页码的标题和副标题， 副标题应缩进。
这部分应该从宏观的角度来解释研究背景，缩小研究问题的范围，适当列出相关的参考文献。
这一部分不只是你已经阅读过的相关文献的总结摘要，而是必须对其进行批判性评论，并能够将这些文献与你提出的研究联系起来。
这部分应该告诉读者你想在研究中发现什么。在这部分明确地陈述你的研究问题和假设。在大多数情况下，主要研究问题应该足够广泛，而次要研究问题和假设则更具体，每个问题都应该侧重于研究的某个方面。
下面介绍一下国内外钢琴教育现状1、美国的钢琴教育 美国的钢琴教育情况,与各国都不一样,它融会了世界各地 的教育方法.这是因为美国是一个移民国家,尤其是在第二次世 界大战期间,很多音乐家从世界各地逃亡到美国,这使美国的音 乐事业像其它学科一样,得到了极大的发展. 来到美国的各国音乐家,都具有很强的各自民族教育方法上 的特色,这些方法既得到了综合的发展,也在不断地自我完善. 因此,所谓的美国式教育,实际上只是把欧洲各国的音乐教育方 法综合在一起进行的. 在美国,《拜厄》《车尔尼》等教材已经很少被使用了, 那里有大量的大同小异的教材,每位教师都选用自己最拿手的教 材,去指导自己的学生.当然,这样做有助于一些优秀教材的产 生. 美国学习钢琴的儿童数量并不是特别多,除非父母对子女抱 有极大的希望,否则一般开始学习钢琴的时间,都在上学以后. 另一方面美国对个人创造性的强调,使儿童自己都有很大的独立 性,大部分情况都是只要学生自己觉得失去了兴趣,家长也就不 再勉强,也就停止学习.所幸美国有他们自己的音乐,而且能够 用钢琴弹奏出来.当孩子们接受过一段时间古典音乐的基础训练 后,就会轻易地把他们自己的音乐,也就是爵士乐或布鲁斯等加 以改编,进行演奏.因此在美国式的教材中,爵士乐风格的作品 占有很大的比重.由于这些并不是由外国输入,而是美国自己的 音乐,孩子们一直都是在这种音乐的伴随之下成长的,所以对于 学习钢琴的儿童来讲,是比较容易接受的. 在美国,钢琴售出的数量虽然很多,但实际上在学习钢琴的 人数却并不多.这是由于学琴的时间都不会持续太长,于是钢琴 很快就变成了各个家庭的点缀品. 目前,我国很多学习钢琴的学生都希望能出国深造,而去美 国的人数是最多的,因为那里集中了世界各地的音乐家和钢琴大 师,同时也有数量众多的比赛机会,这些对年轻人都具有着非常 强烈的吸引力.2、德国的钢琴教育 l9 世纪以后,德国的钢琴教育混杂着各种流派和方法.采用 各式各样的教材,不受特定的教育课程所束缚成了德国钢琴教育 的特点. 德国的音乐教材被世界各地的钢琴教师,'泛采用,并沿用至 今,例如克莱曼蒂,车尔尼和拜厄等作曲家的作品.但是不用说 大家也很清楚,对儿童的钢琴教育,教材并不能代表一切,更重 要的是指导教师所采用的教育方法.在德国,有关教育的方法, 因教师的不同也有着很大的差异,但一般来说,都是一位教师拿 着数本不同的教材,由学生分开使用,或是给一个学生同时使用 两三本教材.对于受过高等教育,而且积极主动的教师而言, 除了选择适当的教材以外,针对个别的学生,经常写作新曲供学 生使用,作为补充教材,这种情况近年来也变得越来越多.上课 时间,大多数情况是每周一次,每次约5O 分钟.但也有一一些教 师,要求学生每周来两次,每次3O 分钟.在欧洲,利用周末的时 间给学生上课的情况不多,而且,一般在放寒暑假时,钢琴课也 全部停止. 有人从资料中统计,德国的儿童们每天练琴的时问约为30 分 钟左右,而一些希望将来当音乐家的学生,每天仅练两个小时左 右.当然,随着年龄的增长,练琴的时间也是有所增加的在德固 的音乐学院学习钢琴,通常必须先完成l3 年的普通教育,获得 业证书,才能参加入学考试.入学之后的课程分为两种,一种是 为将来想成为一般的中学教师的学生开设的.叫,五年后,毕业 考试合格的人,就可以拿到毕业证书了.除此之外,还有一种独 奏课程的教育,是为那些想成为钢琴演奏家的人而设的.3、匈牙利的钢琴教育 匈牙利是一个内陆国家,它东临罗马尼亚和乌克兰,南接南 斯拉夫,西面是奥地利,北面是捷克斯洛伐克.总面积九万三千 零三十平方公里,人口约一千三百万.根据对历史的考证,匈牙利是属于东方的民族,大约在8 世纪前后,民族大迁移后,定居 在现在的这片区域,使原来是游牧民族的匈牙利人,逐渐从事起 农耕工作. 因此,早期的匈牙利音乐与中国的一些民间音乐比较相似, 大多数的旋律是由五声音阶构成的.进入11 世纪后,由于把西 方的基督教作为国教,所以在音乐文化方面也开始接受欧洲的影 响了. 在匈牙利,所有的器乐教育都是由国家组织的,这种学校, 除了一部分有独立的建筑物外,大都附设在全国的各级学校或文 化馆中.在入校之前,必须要有一年时间的准备时期,与其它国 家不同的是,他们只开发节奏感和听音的能力及学习音乐所必须 的读与写的基础要素,而并不使用乐器,这就是科达伊开创的培 养儿童如何将谱面所记的"创造并改变"成音乐的方法. 进入音乐学校后的学生,在教材的选择上也有着极强的匈牙 利的特色,科达伊编写的《音乐学校》1,2 及巴托克创作的《小 宇宙》和《献给孩子们》都是儿童学习钢琴的必修教材. 20 世纪着名作曲家巴托克在27 岁时,就成了布达佩斯音乐学 院的钢琴教授,在这期间,他设计出了独特的钢琴演奏法.为了 儿子的钢琴教育,他创作了钢琴曲集《小宇宙》.取名为《小宇 宙》包含两个含义:一方面这套教材是儿童的世界;另一方面它是 凝聚在较小形态音乐中的整个宇宙.全套教材共有153 首乐曲,分 成六册,每首的长度大约都在一分钟以内.作为学习钢琴的初级教 材,它包括了对学习音乐的各种技术和在音乐表现方面的训练,成 为了与巴赫的作品相匹敌的现代钢琴音乐的入门教材.在儿童学 习钢琴的过程中,除了固定的教材外,还弹奏各式各样的小品.选 择这些小品的标准与使用的固定教材没有什么关系,通常都是由教 师根据学生的需要,再加上自己的判断来进行选择的. 在包含了钢琴的专门音乐教育中,最早阶段的是四年制的音 乐专科学校,学生的年龄从14N18 岁.在此之后,是五年制的最 高学府"匈牙利国立音乐学院".在这所学院内,也为儿童设立 了预备班,仍是由教授们给予亲自指导.如发现了有特殊天赋的 1oN14 岁的儿童,他们将接受十年的音乐教育. 此外,在匈牙利出版的书刊中,研究钢琴演奏法的书刊也占 有一定的比例,主要是探讨钢琴演奏法的普遍性法则和原理,试 图从生理学和解剖学的角度,来分析钢琴演奏的技巧. 从这些资料中就可以看出,匈牙利音乐教育的情况和其它 国家有着一定的区别,存在着很多具有匈牙利自身特点的教育方 法,而正因如此这个国家的音乐水平得到了很大的提高.所以, 它的教育方法和教育体制及其形成的过程也引起了世界各国的广 泛注意.4、俄罗斯的钢琴教育 俄罗斯民族是一个有着悠久艺术和文化历史的民族,在这 一 片土地上,孕育出许多音乐家,文学家以及美术,戏剧和芭蕾 等各方面的世界级大师.钢琴界也是如此,拥有鲁宾斯坦,涅高 斯,霍洛维兹等等一大批世界着名的大钢琴家. 俄罗斯目前的教育体制与我国的极为相似,但是音乐教育体 制存在着一些差别.普通义务教育是1O 年,包括小学,初中和高 中.音乐教育包括三种音乐学校,分为两条线,都包含了l1 年的 音乐教育,一是特殊音乐学校,是培育专家的教育;二是儿童音 乐学校(课外教育,7 年)和中等音乐教育(四年),是培养一 般爱好者的教育.按照所学的程度,也可以互相穿插,即儿童音 乐学校的学生可以考入特殊音乐学校学习,而特殊音乐学校的学 生也可以转入中等音乐学校学习.在此后的高等教育,也是分两 种,分别是音乐学院和音乐教育大学.在特殊音乐学校中,学生 都住在学校.学习钢琴的学生在就读的11 年期间,学习钢琴的同 时,还要学习在一般义务教育的学校中学习的课程.这种学校都 附属于各个音乐学院,在全国的主要城市中部有设置,为音乐学 院提供了较多的生源. 莫斯科音乐学院及其附属音乐学院的水平最高,是全国钢琴 教育的中心.该校从全国各地选出才能最优秀的儿童,在这里进 行高度的专门教育. 二,在国外的学习及考察下,产生了对钢琴教育现状的比较 兴趣,其中有很多值得国内钢琴教学以及家长需要了解的内容要 点,特别是那些缺乏接受正规辅导条件的孩子和家长们.5、国内钢琴教育的问题 在过去 多年的钢琴教学实践中经常会有许多人产生许多疑问,例如,初 学者应该采用什么教材?今后循序渐进学下去又会需要什么教材 ?国内已经出版的教材有哪些?国内外学习钢琴的教学过程及学习 计划如何制订?等等.下面,就这几方面试做一简略介绍以供读 者参考: 基本功练习钢琴演奏技艺性很强,学习过程中需要进行 大量的,长期的纯技术训练,其中最基础的部分叫做基本功练 习.初学者往往最不喜欢弹这种练习,在他们看来这些练习既繁 难又枯燥,对它们的重要性认识很不够.他们不知道一个打算正 规学习钢琴的人,在开始阶段如果缺乏这种扎实的训练的话,当 他跨入中级程度后不久就必然遇到一种无法逾越的困难,使他无 法再提高一步.因此为什么常常听说一些已经成名的演奏家还天 天坚持这种枯燥的练习.这方面的教材,常用的有《哈农钢琴 练指法》和勃拉姆斯的《钢琴基本练习51 首》,辟什那的《6O 首 练习曲》等. 练习曲钢琴练习曲的目的主要是为了训练钢琴技巧,每 首练习曲都有训练某种应用技巧的明确目际.其中不少练习曲有 一 定的音乐形象,旋律也较优美,动听.着名的车尔尼写过大量 的由浅入深的练习曲,国内我们常用的有作品599,849,299, 740 等.它们都是经过长期实践考验并已成为国外及国内钢琴教 学中的必修教材.由法国钢琴家比洛所选编的克拉莫的《6O 首钢琴 练习曲》,由陶西克编注,克列曼蒂的《钢琴练习曲选29 首》又称 "名手之道"也都是很有用的中高级练习曲.至于肖邦,李斯特, 拉赫玛尼诺夫,德彪西等人写的音乐会练习则已不仅用来练习技 术,而是具有很高的艺术价值,是音乐会中常见的曲目. 复调音乐作品钢琴文献中有许多复调音乐作品;因此在 教学中首先要训练学生具备良好多声部听觉以及手指的独立性和 控制能力,只有在这个基础上才有可能进～步训练学生掌握巴 洛克时期的复调音乐风格,提高他们的表现能力.在复调音乐 中,最集中,最有效的教材是赋格曲,德国着名复调大师巴赫写 的《十二平均律钢琴曲集》(两册),是优秀的音乐文献和教材. 其中巴赫写的《初级钢琴曲集》小前奏曲,赋格曲以及《创意曲 集》都是学习复调音乐很好的初,中级教材. 大中型钢琴作品为了培养学习演奏中,大型作品的能 力,能够表现比较丰富多样和较深刻的内容,获得逻辑思维和结 构组织的能力,一般教师都要求学生弹奏相当数量的奏呜曲.因 为特别是19 世纪以来,奏呜曲是一切大型作品的基础.在初级阶 段,教师往往选用克勒所编的《小奏呜曲集》为学生打下了基 础,中期逐渐加入海顿,莫扎特,贝多芬和舒柏特的奏呜曲,尤 其是贝多芬的32 首奏鸣曲.最重要的是加入我国作曲家写的许多 有特色的钢琴作品和奏鸣曲,其中弹奏不同时代,不同作曲家的 作品可对提高学生的演奏水平起一定的作用. 满足目前钢琴教育的社会需求,或是怡情养性培养孩子的艺 术涵养和贵族气质,或是让孩子走上专业的钢琴演奏之路,都对 我国现今的钢琴教育水平提出了更高的要求.如何做好孩子们的 钢琴教学工作,也成为家长和钢琴教育者们共同关注的问题.培 养儿童学习钢琴的兴趣,教师起着决定性的作用由于每个学生素 质的不同,接受能力的不同,要求教师根据学生的不同情况,给 予不同的处理,尤其是不同年龄段儿童年的心理.生动的讲解往 往会给儿童带来浓厚的兴趣.教师在教授的同时,也要不断的学 习,不断地提高自身的专业水平.
LZ的意思是要培养兴趣，要根据年龄段来培养兴趣 培养儿童学习钢琴的兴趣，教师起着决定性的作用由于每个学生素质的不同，接受能力的不同，等等，要求教师根据学生的不同情况，给予不同的处理，尤其是不同年龄段儿童年的心理。生动的讲解往往会给儿童带来浓厚的兴趣。 首先强调一下： 孩子刚开始练钢琴的时候 要给孩子5-10分钟的时间来自由练习，就是孩子练什麼不要管，让他自己练。 下面是对不同年龄段的孩子，培养兴趣的方法： 对于初学钢琴的儿童（4-7岁之间），老师在讲课时可采用“少时多次”的方法，何为“少时”呢？是指老师上课的时间不要过长。因为，这一年龄段的儿童正处于“多动”时期，过于长时间的教学只能会使儿童产生厌恶感，一般来说40-50分钟为最佳。何为“多次”呢？是指老师在教学中要反复的重复上课所讲的内容，加深印象。 老师的语言对这一阶段的儿童也尤为重要。例如：在给学生上第一堂课，教学生如何摆手型，就可以说：“每个手指要自然放松，每一个琴键犹如一条白色的跑道，每一个手指就如一名运动员，每个人都站在了自己的跑道上。”这样孩子就很容易接受，很容易记住。同时对音乐的兴趣也会越来越浓。 7-9岁之间的儿童，这时已有了一定的进取心理。可以抓住这一特点，曲子先弹给孩子听，让孩子们选自己最喜欢的作品，让他对弹琴产生好感，看到成绩。曲子好听了，曲子喜欢了，当然就喜欢练了，久而久之，就有兴趣了 10-12岁可以说是儿童学习钢琴的最重要阶段。教师如能把握好这一阶段，对于孩子们今后学习钢琴会起到决定性作用。这一时期的儿童遇到困难或挫折时易产生消极心理，也会由于不适当的表扬而过于自信。这时钢琴的练习也走向了重要阶段，技巧的练习较多，程度也随之加深。有些儿童越来越感到弹琴的枯燥无味，曲子越来越复杂，弹琴对于他们说已是一种负担。再加上文化课的吃紧，有些学生不得不放弃练琴。怎样避免这种现象呢？教师应帮助学生建立自信心，激发学生的求知欲，要把儿童的“要我学”变成“我要学”，并正确协调文化课与钢琴学习的关系。教师对孩子进行学习目的教育，不一定要围绕着成为一名“音乐家”来培养。 希望这些可以对LZ 有帮助吧
谢 耿，男，1934年1月出生，江苏省无锡市人。教授。1951年考入东北鲁迅文艺学院音乐系本科（沈阳音乐学院前身），主修钢琴，1956年研究生毕业，留沈阳音乐学院任教钢琴。1988年调广州市华南师范大学音乐系任钢琴教研室主任，现任硕士生导师。中国音乐家协会会员、中国音协音教委全国师范院校钢琴学会副会长、广东省音乐家协会会员、广东省钢琴学会会长。“钢琴艺术”杂志特约撰稿人。主要钢琴作品有：独奏曲《霓裳羽衣曲》、该曲曾获第五届羊城花会管弦乐作品比赛“创作奖“，并在1996年”喜马拉雅山“首届中国风格钢琴作品国际比赛中荣获增评的”国家电台广播奖“。以及《青春练习曲》、钢琴小品.
赵晓生的钢琴曲《太极》是一部现代风格钢琴曲，从立意到构思，从作品的“音高组织”的控制到调式调性、曲式结构、织体形态的设计，都体现出了其“太极作曲系统”的核心思想：“以阴阳之间互相依存、排斥、渗透、转化之变易发展与音集所含之音数和音程涵量之有规律增减变化相对应，以揭示音乐结构固有之内在力度。”
从技巧的层面看，《太极》构成了一个完整的“太极图谱”。这就在于，作曲家运用其“转卦”理论，从“坤”出发，经一个“轮回”，再回到“坤”，将“六十四卦音集”完整呈示一遍，实现对全曲“音高组织”的理性控制。从思想的层面看，《太极》则展现出了《周易》的哲理，揭示了“太极为天地万物之本原”，“万物始于一而归于一”及阴阳互动的哲学思想。然而，作为一部9分30秒的钢琴曲，钢琴曲《太极》并非完全诉诸理性和逻辑，而是将理性与逻辑转化为诗意与审美。全曲由“破、承、起、入、缓、庸、急、束”八节构成，作为一个典型的“板式－变速结构”，与中国传统音乐（包括唐大曲、古琴曲、民间戏曲唱段等）中的“散－慢－中－快－散”的结构相吻合。
更重要的是，作为一首现代风格的钢琴曲，《太极》的“音高组织”虽受到“八卦”严密的理性控制，其节奏、节拍、速度、力度、音乐织体复杂多变，更不用说调式变化的频繁，但整部乐曲仍不失“可听性”，仍给人一种美的享受和基于阴阳哲学的文化想象。正如一位论者所说的：“钢琴曲《太极》的艺术特色，还在于其音响的可接受性。尽管《太极》有鲜明的现代音乐特点，但对于听众而言，只要听众明确作品‘万物始于一复归于一’的意旨，其在审美层面一般都能在其音响中‘找到’音乐的意趣，从而实现审美心灵的‘对话’，获得独特的美感，并能有所‘悟’。”
总之，《太极》虽然是一首受到数理逻辑控制的现代钢琴曲，体现出了中国古代的阴阳哲学，闪烁着古老“术数文化”的光辉，但作为一个内容与形式的统一体，仍符合19世纪钢琴音乐中所蕴涵的那种“艺术哲学”。这就在于，这部钢琴曲既充满着来自《周易》的理性与逻辑，又充满着那种来自“新浪漫主义”的诗意与美感，不愧为中国钢琴音乐中的精品，1979年以来中国现代风格钢琴曲中的经典。
理论奥妙与否是要从这个音乐本身去感受的。赵老师通过太极作曲法创作的太极这个曲子我觉得是有深度的，但是音乐可分为美感，技术难度（是音乐的凝聚力不是演奏难度），趣味性和深度。满分十分的话，我觉得是美感1技术难度3，趣味性1，深度6属于那种没多少聆听价值但是适合丢给理论家研究的作品。再看巴赫的一般作品，美感7，技术难度10，趣味性2，深度10
赵晓生的“太极作曲系统”及钢琴曲《太极》和其他体现“太极作曲系统”理论的音乐作品的创作，无疑是新时期中国大陆现代音乐思潮中最具探索性的作曲技法理论及其实践之一。二十多年过去了，曾一度轰轰烈烈的现代音乐思潮早已逝去，创新和探索也早已成为旧话，但在这场现代音乐运动中所留下的一些探索性理论与实践，其意义是不可低估的。尤其是赵晓生的“太极作曲系统”和钢琴曲《太极》，不仅本身极富文化品味和文化价值，而且还对中国大陆现代音乐发展产生了积极的影响。
谢 耿，男，1934年1月出生，江苏省无锡市人。教授。1951年考入东北鲁迅文艺学院音乐系本科（沈阳音乐学院前身），主修钢琴，1956年研究生毕业，留沈阳音乐学院任教钢琴。1988年调广州市华南师范大学音乐系任钢琴教研室主任，现任硕士生导师。中国音乐家协会会员、中国音协音教委全国师范院校钢琴学会副会长、广东省音乐家协会会员、广东省钢琴学会会长。“钢琴艺术”杂志特约撰稿人。主要钢琴作品有：独奏曲《霓裳羽衣曲》、该曲曾获第五届羊城花会管弦乐作品比赛“创作奖“，并在1996年”喜马拉雅山“首届中国风格钢琴作品国际比赛中荣获增评的”国家电台广播奖“。以及《青春练习曲》、钢琴小品：《嬉舞》、《叙述》、《猜谜》、《绣荷包》等数十首。编著有《幼儿钢琴启蒙教程》上下册。1995年应国家教委体卫艺司聘为全国高等师范院校专科钢琴课统编教材编委、编著《钢琴与伴奏教程》（三册）。论文有：《钢琴学习中出现臂疼应怎样“治疗”》、《钢琴教学中如何教养幼儿的识谱和视奏能力》、《南粤乐事二则》、《为普及提高和发展广东钢琴教育事业努力》等
结合《牧童短笛》、《梁祝》、《春江花月夜》， 例析音乐中国民族音乐是博大精深的。而西洋音乐的发展也经历了十分漫长的过程。从近代以来，有很多中国音乐家致力于将中国民乐的元素融入西洋音乐中，即用西洋乐器演奏出中国民族乐曲、用西洋音乐表现手段演绎民族风格。钢琴曲《牧童短笛》、小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》和歌曲《春江花月夜》就是其中杰出的代表。我愿意这三部作品为例，谈一下我对音乐的基本表现手段的理解。常见的音乐表现手段有旋律、节奏、音色、和声、曲式、力度、速度、节拍、音区、调式、调性、织体等。这些表现手段通常被作曲家综合利用，用以达到某些效果，营造某些意境。在钢琴曲《牧童短笛》、小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》和歌曲《春江花月夜》三部作品中，作曲家对这些表现手段的灵活的运用使我叹为观止。以下分别作以详细分析：一 钢琴曲《牧童短笛》作为学钢琴者，我很早就接触并演奏过钢琴名曲《牧童短笛》，近日又听过石叔诚和郎朗的现场演奏版，不禁有意分析之。1 综述《牧童短笛》是贺绿汀在1934年创作的，根据我国童谣“小牧童，骑牛背，短笛无腔信口吹”而定名。全曲为ABA’三段体。呈示部（A）、再现部（A’）描绘了美丽的田园景色：明媚的春光，绿色的原野，清澈的溪流，欢乐的牧童骑在牛背上悠闲地吹起笛子，悠扬的笛声，使我们仿佛看见了天真可爱的牧童，闻到了乡野泥土沁人心脾的芬芳。发展部（B）是一首比较欢快活泼的舞曲，以节奏和弦为背景，旋律犹如笛声，明亮高昂，活泼跳荡，音乐描绘了牧童伴着清脆的笛声在嬉戏，情绪轻松活泼。“牧童短笛”既运用了西洋音乐的技法，又展示了民族音乐的特点。从它问世至今70多年来，以其浓郁的清新的乡土情令国人欢欣感动，惊奇赞叹。乐曲描绘了美丽的江南田野，上有浮云，下有流水，牧童和老牛，笛声和歌声。它是一首听得见的抒情诗，也是一幅看得见的风景画。以下就各个部分逐一分析。2 呈示部（A），旋律如下：（曲谱略）在这一部分中，我们可以很明显地看到复调风格。3发展部（B），旋律如下：（ 曲谱略）显然，发展部（B）活泼欢愉，呈示部（A）中的复调定法改变为和声音型伴奏的主调音乐。这一部分中，调式转成了G大调。右手高声部乐句间较大幅度的音区跨越，以及每一个乐句内轻快的节奏，大量32分音符以及16分音符的应用……展现出迥然不同与前面的另一种情境。最后说一下结束句。渐弱和渐慢使听众眼前浮现出牧童渐行渐远的景象。自然地收束了全曲，带给人“余音绕梁”的意境。二 小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》陈钢、何占豪于1959年写成《梁祝》小提琴协奏曲。乐曲是以中国家喻户晓的民间传说《梁山伯与祝英台》为题材，以越剧里的部分唱腔为音乐素材写成的。全曲以故事具有代表性的三段剧情——相爱、抗婚和化蝶为主要内容，分成3部分。其最重要的意义就是将中国戏曲的元素融入西洋音乐中，并且用抽象的音乐去讲述一个具体的故事。 1呈示部（相爱）《梁祝》引子和爱情主题如下：（曲谱略）突然，音乐急转而下，以散板、快板来表现祝英台在梁山伯坟前向苍天控诉。这里变化地运用了京剧中的倒班和越剧中紧拉慢唱的手法，形成第二个发展高潮——哭灵投坟在小提琴奏出了最后一句绝唱之后，锣鼓管弦齐鸣，祝英台纵身投坟，全曲达到高潮。3 再现部（化蝶）长笛和竖琴将音乐带入了仙境，加上了弱音器的小提琴重新奏出爱情主题。梁山伯与祝英台华为一对蝴蝶，从墓中飞出，双双翩翩起舞，永不分离。三 歌曲《春江花月夜》全曲如下：（曲谱略）此曲由古曲《春江花月夜》改编而来。由于加上了歌词，更加有利于我们理解歌曲想表达的意境。全曲中速、从容而有韵味。首句营造出一种静谧的气氛。正如歌词所述，旋律虽然有较大幅度的跳跃，但还是有“袅袅娜娜”的感觉。在音乐的中部，节奏缓急相间，富有歌唱性；旋律起伏较大，具有分明的层次和韵律。在音乐的尾声，再现前面的主题，再辅以悲伤的调子，令人听后久久不能释怀。 以上我对钢琴曲《牧童短笛》的旋律、节奏、和声、曲式、力度、速度、节拍、音区和调式，小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》的旋律、节奏、音色、曲式、力度、速度、节拍和织体进行了详细分析，对歌曲《春江花月夜》进行了综合简略分析。通过这些分析，我可以很明显地看见作曲家在综合利用这些表现手段“达到某些效果，营造某些意境”。
从创作背景，内容，表现手法，和影响力这几个方面来写。下面的内容你可以参考下，《黄河大合唱》诞生记抗日战争时期，1938年11月，武汉沦陷后，我国现代著名诗人光未然（即张光年）带领抗敌演剧三队，从陕西宜川县的壶口附近东渡黄河，转入吕梁山抗日根据地。途中亲临险峡急流、怒涛旋涡、礁石瀑布的境地，目睹黄河船夫们与狂风恶浪搏斗的情景，聆听了悠长高亢、深沉有力的船夫号子。 次年1月抵达延安后，一直酝酿着《黄河》词作，并在年除夕联欢会上朗诵了这部诗篇。 冼星海听后异常兴奋，表示要为演剧队创作《黄河大合唱》并完成了这部大型声乐名作。 4月13日在延安陕北公学大礼堂首演（由邬析零指挥），引起巨大反响，很快传遍整个中国。 作品共有八个乐章，每章开首均有配乐朗诵。 1.《黄河船夫曲》（混声合唱，原稿为男声合唱） 2.《黄河颂》（男高音或男中音独唱） 3.《黄河之水天上来》（配乐诗朗诵，三弦伴奏） 4.《黄水谣》（女声二部合唱，原稿为齐唱） 5.《河边对口曲》（男声二重唱及混声合唱，原稿是男声对唱） 6.《黄河怨》（女高音独唱，音乐会上常按修订稿加入女声三部伴唱） 7.《保卫黄河》（轮唱） 8.《怒吼吧，黄河》（混声合唱）从《黄河大合唱》到“黄河”钢琴协奏曲《黄河大合唱》为我国现代大型声乐创作提供了光辉的典范，六十年代后期，这部声乐作品被改编为钢琴协奏曲。 1968年10月的一天，殷承宗从中央乐团到中央音乐学院来看大字报。殷承宗有了钢琴伴唱《红灯记》之经验，便想在「钢琴革命」的步伐上再迈出新的一步。这时中央音乐学院二楼西墙上，正有陈莲女士的大字报贴出。（陈莲于1964的上书毛泽东，获毛支持，批复「信是写得好的。」之后，曾由江青接见。） 陈莲在此大字报中第一次披露江青曾对她说：「《黄河大合唱》很有气势，可以写成钢琴协奏曲。」从那次以后，殷承宗便向江青写信，拟把冼星海的《黄河大合唱》改写为钢琴协奏曲，江青阅信后批复：「很好。《黄河大合唱》可以留曲不留词。」光未然的歌词，当年启发了冼星海的创作冲动与灵感，今天也同样自然而然地启迪和萌发《黄河》钢琴协奏曲创作组成员的想象力和乐思。 《黄河》创作组的成员，从1969年2月成立之后，始终在不断地变化。杜鸣心离去之后，殷承宗从中央音乐学院借调了作曲家盛礼洪先生来主持乐队配器工作。本文作者当时在中央音乐学院钢琴系，专职从事钢琴教材创作，以往和殷在探索中国钢琴作品创作方面，志向较合，这次他费了不少力气，把他借调到中央乐团做搭档。 许裴星则是刚刚分配到中央乐团工作的年轻钢琴伴奏演员，曾是殷的学生，殷留他在组内，请他协助一些事务性工作，亦部分地参加创作组的讨论。后来几个月中，青年钢琴家石叔诚也部分地加入到创作组的活动中，因为他是担任《黄河》钢琴协奏曲的B组独奏演员，了解《黄河》创作意图，可以更好理解和演奏该作品。他们二位凭年轻人的聪慧敏感，也发表了一些好的意见。不过他们并不担任任何实际创作工作。殷承宗在受命组建《黄河》创作组的过程中，又请来另一位女士刘庄。到了1969年初夏，《黄河》协奏曲完成了第一稿。试奏时，请来了李德伦、严良昆（《黄河大合唱》的权威指挥家）、杜鸣心和中央乐团交响乐队各声部长共十余人。由殷承宗担任钢琴独奏，储望华担任第二钢琴（即乐队部分）协奏。从1969年8月到12月，在完成了酝酿方案、体验生活、群众集体讨论以及对第一稿修正的认同之后，进入了整体运作的第二阶段，即创作执笔阶段。《黄河》钢琴协奏曲，由殷承宗、储望华、刘庄、盛礼洪四人负责执笔，日夜奋战。 《黄河》钢琴协奏曲的每一个音符，都可以追溯到它之前的初衷，落笔，定稿。创作室内抽屉、纸篓中数百上千张被废弃的旧稿谱纸……有集体智能的凝聚，更有创作者们的汲取、筛选及提炼的功夫。 这部作品的问世是艺术家们集体智慧的结晶，1970年元旦，由殷承宗担任钢琴独奏，李德伦指挥中央乐团在北京首演——中共中央政治局在人民大会堂小礼堂审查钢琴协奏曲“黄河”，乐曲刚完，周恩来总理激动地喊道:“冼星海复活了!”中央决定“黄河”先试演几个月，以征求工农兵群众意见。 1970年5月1日，钢琴协奏曲“黄河”在北京民族文化宫正式公演。节目安排是先演钢琴伴唱“红灯记”。由于长期劳累忙于创作和演出，殷承宗在弹“红灯记”时扭伤了腰动弹不了，但他咬着牙坚持到底，弹完后被立即送往附近医院。医生为他紧急处理，打针加绷带，再赶回文化宫演出“黄河”。剧场备了一张靠背椅，以防他万一倒下去。在这种状况下完成了钢琴协奏曲“黄河”首次公演。 1971年，殷承宗随中央芭蕾舞剧团出访欧洲六国，演出舞剧“白毛女”和“红色娘子军”，每场演出前都加演钢琴协奏曲“黄河”。这是钢琴协奏曲“黄河”第一次在国外演出。 1973年9月，指挥大师尤金·奥曼第带了美国费城管弦乐团来华指挥演出“黄河”，由殷承宗独奏；这是钢琴协奏曲“黄河”第一次由国外乐团演出。之后，有更多的国外乐团演出钢琴协奏曲“黄河”，包括正当盛年的指挥大师阿巴多与维也纳交响乐团的来华访问演出。“黄河”钢琴协奏曲解析第一乐章《黄河船夫曲》 引子一开始，小号与小提琴便以磅礴的气势奏出号子似的动机，木管乐快速的半音阶上行和下行，刻画了船工们同惊涛骇浪殊死搏斗的情景，这时乐队出现了“划哟，冲上前！”的音乐语言。由钢琴急骤的琶音掀起巨浪，引出了坚定有力的船工号子，表现了船工们万众一心同狂风巨浪顽强拼搏，象征着中华民族不屈不挠的斗争精神。。随着音乐的不断发展，推出了钢琴的华彩乐段，描绘黄河激流汹涌澎湃，船工们冲过了激流险滩。这时，出现了一段悠扬抒情的旋律，仿佛艰难险阻的斗争中见到了胜利的曙光，音乐更加充满自信。最后，在钢琴有力的刮奏中，音乐再现了激烈的主题音调，全曲回到船工们与惊涛骇浪搏斗的紧张情景之中。 第二乐章《黄河颂》 深邃的大提琴奏出缓慢庄严的旋律，引出独奏钢琴的反复呈述，这是对中华民族悠久历史的追溯：在黄河两岸住着善良勤劳的民族，千百年来他们在这块富饶土地辛勤地劳动、生活、斗争。钢琴铿锵有力的和弦奏出了乐曲雄伟的结束部分，铜管奏出的义勇军进行曲动机，象征着觉醒的中华民族已屹立在世界东方。 第三乐章《黄河愤》 清脆的竹笛声吹出了陕北高原质朴宽阔的引子旋律，独奏钢琴模仿古筝，轻快的奏出民族风格的主题。在乐队明亮宽广的发展后，钢琴深沉压抑的和弦与铜管乐的阻塞音表现了敌寇对祖国河山的践踏，人民在水深火热之中遭受深重苦难。在苦难音调的进行，音乐中同时酝酿着反抗斗争的音乐情绪，随着音乐情绪的不断高涨，独奏钢琴激动地奏出象征民族悲愤的雄伟音调。最后乐队以辉煌的气势再现民族风格的主题音调，这是黄河滚滚的怒涛，这是中华民族满腔的悲愤。 第四乐章《保卫黄河》 引子是铜管乐奏出的号召似的战斗性旋律主题。音调中揉进的《东方红》动机象征毛主席党中央发出的战斗号召。 钢琴的华彩乐句后，出现了《保卫黄河》的旋律主题。这是一段斗志昂扬的进行曲，表现了中华民族前赴后继英勇不屈的献身精神。随着乐曲主题的不断发展，音乐展开了一幅幅抗战的壮烈画面。战马驰骋，硝烟弥漫，抗日军民英勇杀敌。音乐情绪此起彼伏，当《东方红》主题出现时整个乐曲达到最高潮。这是在讴歌毛泽东思想的伟大胜利。在乐曲结束前，乐曲巧妙的把《保卫黄河》、《东方红》和《国际歌》结合在一起，表现了中国的抗日战争与世界的反法西斯战争的有机联系，只有中国共产党领导的中国人民才能赢得这场战争的伟大胜利。
你选的是那个 我也要写这个
任何一个钢琴演奏者的成就，从综合的角度来看，都是艺术修养的一种体现。而艺术修养包括了演奏的技术修养和文化修养这两个方面，二者相辅相成，缺一不可。纯正的音色，流畅的旋律，要靠技术获得，而各种技巧的表现又不是机械的，是有感情、有生命、有内容的。辉煌的技术是钢琴演奏的前提，但深厚的文化修养会使演奏放射出更灿烂的艺术光芒。因此，钢琴演奏者应努力培养深刻的艺术感染力、洞察力，提高自己的艺术修养，开拓修养的范畴，广采博收，厚积薄发。这样，钢琴演奏者才能做到用“他山之石”以攻自己的“艺术之玉”。音乐技能和专业技术的修养专业技术是每一位钢琴演奏者最关心的问题之一。钢琴教育家应诗真曾指出：“钢琴演奏技术是从属于音乐表现的，是手段；但同时它又是非常重要的。没有它，想完美地表现音乐形象就成为一句空话。”由此可见，技术既从属于音乐，又有其自身的价值和意义
中国音乐学院考研资料链接:
有的。你看研究生的报考简章。我有学生是这么样考上的。
之前也是为为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。 还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧 下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家： 论音乐听觉在钢琴教学中的实践 高校钢琴集体课教学模式探索 吕其明《红旗颂》双钢琴版本的演奏分析 试析贝多芬《第六钢琴奏鸣曲》Op10No2第一乐章 贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》Op37作品分析 莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色 试论西方音乐史对钢琴演奏的影响 开创“中国风”钢琴语境 由钢琴考级引发的琴童教学思考 从智能钢琴集体课看钢琴教育的新探索 大数据网络时代的钢琴教学构想 高校钢琴教育提升学生音乐素养的路径 OBE理念下高师钢琴课程教学改革探析 学前教育钢琴即兴伴奏教学的实践探索 传统与当下：博雅教育理念与钢琴教育相融合的理论思考 钢琴伴奏在高职艺术院校声乐教学中的作用分析 《钢琴家》：那些见过战争的人，怎么会不憎恨战争 疫情期间“互联网+”在高校钢琴教学中的实践应用探讨 钢琴界“扫地”朱晓玫：只想躲在音乐背后 基于核心素养的高职钢琴教学策略探讨 基于人工智能的钢琴编曲音色识别系统设计 浅析中国古典舞基训与芭蕾舞基训钢琴伴奏的差异 巴赫康塔塔钢琴改编曲《羊儿可以安静地吃草》乐曲分析及演奏处理 浅析黄自艺术歌曲的钢琴伴奏 浅析钢琴曲《浏阳河》的音乐技巧与情感表现 浅析舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏的魅力 浅探克拉拉·舒曼的钢琴生涯 王建中改编钢琴曲的艺术手法与特征 职业学校钢琴课程教学模式及课程体系拓展研究 钢琴演奏教学中听觉培养的价值探讨 钢琴演奏教学中如何培养学生的心理素质 试论钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要作用 浅析慢练在钢琴练习中的作用 巴洛克歌剧咏叹调钢琴伴奏教学研究 贝多芬钢琴奏鸣曲演奏风格及创作特点探析 对中职学前教育专业钢琴课教学的思考 浅谈儿童钢琴快乐教育 中国钢琴作品《皮黄》的曲式特征与艺术特性 钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用 钢琴即兴伴奏在小学音乐课堂教学中的应用策略探析 钢琴家的脚 学前教育专业核心素养下的钢琴教学策略 探析高职学前教育专业培养和提升学生儿歌钢琴伴奏能力的方法 浅析个性化教学法在高职钢琴弹唱教学中的应用 高校钢琴教学“归元”思考 浅析管弦乐钢琴伴奏艺术 现代音乐美学对钢琴演奏的启示 高校钢琴即兴伴奏教学的创新模式探析 音乐专业钢琴弹唱能力培养方法解析 胡同里的钢琴师 浅析钢琴制造工艺对触键和音色改变的重要性 高校钢琴教育中学生音乐素养的培养 音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的措施分析 中职学前教育钢琴即兴伴奏课程有效分层教学分析 关于钢琴教学中的审美教育与情感教育 中职学前钢琴教学中的课堂语言艺术探究 幸福的钢琴 对高校钢琴课程体系中学生综合能力培养的研究 过程性评价的内涵、价值及其在独立学院钢琴教学中的应用 中西方钢琴艺术的文化融合 中专音乐表演专业钢琴教学方法探究 简论丁善德钢琴音乐的成就、特色与演奏 藏羌彝民间舞蹈钢琴伴奏编创论略 钢琴艺术欣赏中的审美意识分析 元认知理念指导下的师范类院校钢琴启蒙教学研究 学前教育钢琴基础教学的实践研究 信息化环境下的高职学前教育专业开放式钢琴弹唱课堂教学策略研究 分层教学模式在高职钢琴教学中的应用研究 互联网时代下的钢琴教学形式研究 微课在高校音乐教育钢琴课程中的应用研究 在线钢琴教育的利与弊 雅俗共赏角度下钢琴曲《炎黄风情·走西口》音乐分析 钢琴组曲《圆明园漫步》创作风格及演奏特征研究 钢琴伴奏在合唱艺术中的作用 浅析肖邦《b小调第一钢琴谐谑曲》的演奏技法 高叠和弦在格里格钢琴抒情小品中的应用 贝多芬C小调奏鸣曲对西方钢琴艺术史的发展影响探究 琵琶曲与钢琴改编曲《十面埋伏》的比较研究 浅析路德维希·范·贝多芬第7钢琴奏鸣曲作品10之3中的踏板使用 内心听觉在高师钢琴基本技术训练中的应用探索 高职钢琴教学中体验式教学法的运用探讨 双钢琴教学对学生钢琴学习能力培养的作用 信息化环境下钢琴教学模式的创新 浅谈少儿钢琴学习兴趣的激发与培养 高校音乐师范生钢琴合奏能力的培养与实践 试论钢琴的调音及日常维护 浅论中国钢琴音乐作品的组织结构与演奏 钢琴演奏中的触键技巧与音色效果探索 钢琴曲《百鸟朝凤》中的民乐元素渗透 李斯特钢琴曲《夜莺》的演奏诠释 波特凯维茨与他的钢琴练习曲 “思政”视域下美育与高校钢琴教学的融合研究 简析钢琴演奏者的心理因素对表演的影响 钢琴演奏中的音乐听觉作用探讨 《安娜的笔记本》在民办高校钢琴基础教学中的运用 高校钢琴教学中比较教学法的应用 立德树人视域下的钢琴教育创新研究 高职院校钢琴审美教学的设置与教学方式探索 幼儿园钢琴教学中形象化的教学语言研究 钢琴小品《喷泉》曲式结构与演奏分析 浅谈合唱中钢琴部分的运用 钢琴演奏与教学中的触键技巧问题研究 钢琴演奏中触键与踏板对音色的影响
其实这两所学院都很好了绝对都算得上是音乐的顶级学府不过中国音乐学院以民乐为主中央音乐学院以西洋乐为主、培养目标中央音乐学院招收攻读硕士学位研究生，是为了培养拥护中国共产党领导，拥护社会主义制度，爱国守法，为社会主义音乐文化建设服务，在本学科内掌握坚实基础理论、系统知识和专业技巧，具有独立从事专业活动、科学研究和高等音乐院校教学能力和创新精神的高级专门人才。二、学习年限 三年。三、招生名额预计招收110余名（以教育部下达名额为准）。名额分配预定方案：作曲系、电子音乐、指挥共22名；音乐学系21名；音乐教育系10名；音乐治疗、提琴制作共4名；声歌系9名；钢琴系9名；管弦系17名；民乐系17名；教务直属1名。四、报考条件（一）符合下列条件的，可以报名参加国家组织的全国统一招生考试1、拥护中国共产党的领导，愿为社会主义音乐文化建设服务，品德良好，遵纪守法。2、考生的学历必须符合下列条件之一：（1）国家承认学历的应届本科毕业生；（2）国家承认的大学本科毕业学历的人员；（3）获得国家承认的大专毕业学历两年或两年以上（从大专毕业到2007年9月1日，下同），达到与大学本科毕业生同等学力人员，以及国家承认学历的本科结业生和成人高校应届本科毕业生，均按本科毕业同等学力身份报考；（4）已在非音乐专业获硕士学位或博士学位人员，可报考委托培养或自筹经费的硕士生。3、年龄一般不超过40周岁，报考委托培养和自筹经费的考生年龄不限。4、身体健康状况符合国家规定的体检标准和专业学习要求。（二）符合下列条件的，可以报名参加我院组织的单独考试。单考生的外语、政治科目考试在2007年1月份与统考同时进行（录取人数不超过两名）。1、符合第（一）条中的1，3，4各项要求；2、高等学校本科毕业后在本专业或相近专业连续工作4年或4年以上（获得硕士学位者工作2年以上），业务优秀，已发表过研究论文或已成为业务骨干，经本单位和两名具有高级专业技术职务的专家推荐，为本单位定向培养或委托培养的在职人员。（三）本科毕业、在高校工作满两年者，可以兼报“高等学校教师在职攻读硕士学位研究生”和“艺术硕士专业学位研究生”。具体要求请见《7年高等学校教师在职攻读硕士学位招生简章 target=_blank title=网上书城检索>中央音乐学院2007年高等学校教师在职攻读硕士学位招生简章》、《7年艺术硕士专业学位研究生招生简章 target=_blank title=网上书城检索>中央音乐学院2007年艺术硕士专业学位研究生招生简章》。五、报名、考试考试报名：分专业考试网上报名和政治、外语统考网上报名。报考专业方向和导师详见附件一。考试科目：专业主科、专业基础科目、政治、外国语（英语、日语、俄语、德语）。专业科目考试要求详见附件二；参考书目及考试大纲参见附件三、附件六。报名、考试的具体事宜请见下表：日期 内容 要求及注意事项 7月1日—9月3日 专业考试网上报名。成功后须打印、留存报名表（交材料时需提交）。 时间：7月1日8：00— 9月3日23：00网址： 9月4日 —9月5日 1、本地考生可到我院研究生部提交所有报名材料。网址： 、外地考生可以特快专递邮寄所有报名材料（其中证件寄复印件，领准考证时验原件；邮寄截止日期为9月4日，以当地邮戳为准；若在规定时间内没交齐报名材料，按初审不合格处理）。 须提交的报名材料：1、《中央音乐学院研究生专业考试报名表》（务必贴上免冠一寸近照并在签字处签字，否则无效）；2、所报方向应提交的各项材料（详见附件二）；3、应届普通高校毕业生提交本人身份证和学生证（两证均验原件、交复印件）及教务处开具的“应届本科学生”证明；4、其他人员（含应届成人高校毕业生）提交本人身份证和本科毕业证书复印件（两证均验原件）； 5、每报考方向报考费260元；6、加试费100元（需加试考生） 9月14日—15日 网上确认报名信息 网址： 9月20日 网上公布初审结果。 网址： （公告栏） 10月10日 1、 初审合格的考生到研究生部领取专业考试准考证2、 网上公布考试日程（以当天考试日程为准） 1、 领证时需验证（身份证、学生证、毕业证原件）2、 网址： （公告栏） 10月11日 加试 加试对象：1、同等学力考生（含专科学历者、成人高校应届本科毕业生、非音乐专业毕业生）；2、所有报考音乐教育方向考生（本院音教系毕业生除外）。 10月12日 1、 网上公布加试合格者考号网址： （公告栏）2、 报考声乐方向的考生将考试曲目报送声歌系。 1、 加试未达及格标准者，不予参加其它专业考试2、 声歌系联系电话：66425722 10月13—18日 专业科目考试 考试日程（以当天考试日程为准） 10月24日 公榜专业入围者考号；具体成绩可上网查询。 网址： （公告栏） 考生可根据考试成绩结合有关情况，确定是否报考我院。 10月1—31日以教育部通知为准 政治、外语统考网上报名、交费、确认（建议考生可先网上报名，待专业入围后再交费、确认） 专业入围者方可填报我院，考生网报时考试地点必须选择我院。 报名点代码选择：1145报考单位代码选择：10045网址： 11月以教育部通知为准 发准考证 具体事宜请上网查询 2007年1月 政治、外语统考 具体时间以网报通知为准 六、录取1、德、智、体全面衡量、择优录取、确保质量、宁缺毋滥。2、考试科目合格标准（100分制）：①主科：表演方向主科分数85分；其他方向主科80分。②政治、外语分数线及总分要求按国家标准。③其他科目60分。3、一个导师招收新生原则上不超过2名。4、一个专业方向录取学生原则上不超过5名（声乐、钢琴、作曲、音乐教育除外）。5、报考木卡姆研究方向硕士生，第一学年在中央音乐学院修读学位课程，学院同时指派相关方向的导师对其进行指导。后两年在新疆艺术学院由相关导师指导其学位论文的写作。论文答辩在中央音乐学院进行，获通过者由中央音乐学院颁发毕业及学位证书。6、参加单独考试的考生，只能被录取为定向或计划外委托培养硕士生。定向、委托培养及自筹资金硕士生，须在录取前签订有关合同。七、报考和录取类别1.计划内非定向：培养费由国家负担，毕业后在国家的就业政策指导下“双向选择”就业；2.计划内定向：培养费由国家负担，毕业后回定向单位工作；3.计划外定向（委托培养）：培养费由委托单位负担，毕业后回委托单位工作；4.计划外非定向（自筹资金）：培养费由本人负担，毕业后按我校有关规定择业。八、报考费用 考生报考的报名费、复试费、体检费、往返路费和食宿费均自理。对于距北京较远、家庭经济确有困难的外省、市、自治区考生，可向所在单位提出申请，由所在单位酌情给予适当补助。九、学费及住宿费 国家计划外学生须交学费,其标准按当年标准执行。考生如不考虑被录取为国家计划外研究生，须于报名时书面声明。住宿费以报到时宿舍管理中心通知为准。北京生源的学生一律走读。十、学习期间的待遇 按国家教育部有关规定执行。十一、毕业生就业 定向或委托培养硕士生回原单位工作；计划内非定向硕士生根据社会现代化建设的需要和学以致用的原则，采取毕业研究生与用人单位在国家规定的服务范围内“双向选择”的方式落实就业去向；计划外自筹资金硕士生由学院提出建议并予以推荐，上级毕业生调配部门负责办理相关手续。音乐学类1、主科（1）论文写作：写作命题论文形式，各研究方向考同一题目。（2）口试：内容含所考专业方面的内容2、音乐学基础理论（1）音乐作品听辨（2）笔试：内容包含①西方音乐史、②中国音乐史、③中国传统音乐、④音乐美学、⑤世界民族音乐（④⑤项内容二选一）。3、和声、作品分析4、钢琴（具体要求见★）报名时须提交本人撰写的、所报考专业研究方向的论文一篇（大学毕业论文或相当于大学毕业论文）。同等学力报考者所交的必须是公开发表的论文。应届普通本科毕业生可以习作（学期论文）替代学位论文。公共艺术教育1、主科（1）论文写作：写作命题论文形式，各研究方向考同一题目。（2）口试：内容含所考专业方面的内容2、和声，作品分析。3、中、西音乐史。报名时须提交本人撰写的、所报考专业研究方向的论文一篇（大学毕业论文或相当于大学毕业论文）。注：此方向只招收高校在职攻读硕士学位学员。音乐文献翻译（英语）1、主科。2、和声，作品分析。3、中、西音乐史。4、口试（包括口语钢琴或其他乐器）。考生须为英语专业本科毕业生，非英语本科毕业应达到英语专业本科毕业水平。报名时须提交本人翻译的译文一篇（附原文）。音乐教育1、主科。2、和声，作品分析。3、中、西音乐史。4、钢琴（具体要求见★）。5、口试。6、视唱练耳加试。报名时须交（本院音教系学生免）本人撰写的有关音乐教育研究的论文（学士论文或相当于学士论文）。同等学力报考者所交的必须是公开发表的论文。应届普通本科毕业生可以习作（学期论文）替代论文。律学1、主科。2、和声，作品分析。3、中、西音乐史。4、钢琴（具体要求同音乐学类）。5、口试。报名时须提交本人撰写的、所报考专业研究方向的论文一篇（大学毕业论文或相当于大学毕业论文）。同等学力报考者所交的必须是公开发表的论文。考试科目 参考书目 出版社名称 著（编）者 中国音乐史 中国古代音乐史稿（上、下） 人民音乐出版社 杨荫浏著 中国古代音乐史简述 人民音乐出版社 刘再生著汪毓和著（2002年版） 中国近现代音乐史（第二次修订版） 人民音乐出版社和华乐出版社 中国当代音乐 北京广播学院出版社 梁茂春著 西方音乐史 西方音乐通史 上海音乐出版社 于润洋主编 西方音乐史略 人民音乐出版社 李应华著 西方文明中的音乐 贵州人民出版社 保尔·亨利·朗著，顾连理、杨燕迪、张洪岛等译 西方音乐史 人民音乐出版社 唐纳德·杰·格劳特、克劳德·帕立斯卡 西方现代音乐 西方现代音乐概述 人民音乐出版社 钟子林著 二十世纪音乐 人民音乐出版社 斯图肯什密特原著，汤亚汀译 二十世纪音乐概论 人民音乐出版社 汉森注 孟宪福译 中国传统音乐 中国传统音乐概论 上海音乐出版社 袁静芳主编 民族器乐 人民音乐出版社 袁静芳著 汉族民歌概述 上海文艺出版社 江明惇著 民族器乐的体裁与形式 上海文艺出版社 叶栋著 中国民歌 人民音乐出版社 周青青著 民族音乐译文集 中国文联出版公司 董维松、沈洽编 中国戏曲音乐 人民音乐出版社 蒋菁著 中国民间音乐概论 人民音乐出版社 周青青著 中国少数民族音乐史（上） 中央民族大学出版社 袁炳昌、冯光钰主编 中国少数民族传统音乐 中央民族大学出版社 田联韬主编 世界民族音乐 音乐学概论 人民音乐出版社 俞人豪著 东方音乐文化 人民音乐出版社 俞人豪、陈自明著 日本音乐简史 人民音乐出版社 星旭著，金文达、李春光译 民族音乐学译文集 文联出版公司 董维松，沈洽编 拉丁美洲音乐 人民音乐出版社1983年 尼斯洛尼姆斯基著，吴佩华、顾连理译 巴西音乐之魂－维拉洛博斯 中央音乐学院教材 陈自明著 拉丁美洲音乐 人民音乐出版社2004年10月 陈自明著 音乐美学 音乐史论问题研究 福建教育出版社 于润洋著 音乐史学美学论稿 人民音乐出版社 于润洋著 西方现代音乐哲学导论 湖南教育出版社 于润洋著 音乐美学基础 人民音乐出版社 张前、王次炤著 音乐美学教程 上海音乐出版社 张前主编 音乐美学新论 中央音乐学院出版社 王次炤著 美学原理 北京大学出版社 杨辛、甘霖著 论音乐的美（中译本） 人民音乐出版社 汉斯立克著 论音乐的特殊性 上海文艺出版社 卓菲亚·丽莎著，于润洋译 音乐美学 人民音乐出版社 野村良雄著，张前译 中国音乐美学史 中国音乐美学史 人民音乐出版社 蔡仲德著 中国音乐美学史资料注释 人民音乐出版社 蔡仲德著 专业音乐教育学 专业音乐教育学导论 中国社会科学出版社 张帆著 中国音乐教育与世界音乐教育 南京师范大学出版社 管建华著 音乐教育展望 华东师范大学出版社 戴定澄著 音乐史论问题研讨 福建教育出版社 于润洋著 美学与艺术教育 四川人民出版社 （美）铂森斯、布洛克著，李中泽译 20世纪中国学校音乐教育 上海教育出版社 马达著 和声 和声学教程－理论与应用 人民音乐出版社 吴式锴著 和声理论与应用（上下） 上海文艺出版社 桑桐著 和声学教程（增定本）（上、下） 人民音乐出版社 （苏）伊·杜波夫斯基、伊·斯波索宾、斯·叶莆谢也夫、符·索科洛夫 和声学 人民音乐出版社 （美）瓦尔特·辟斯顿 曲式 曲式与作品分析 人民音乐出版社 吴祖强著 音乐的分析与创作 人民音乐出版社 杨儒怀著 曲式学（上、下） 上海文艺出版社 （苏）伊·斯波索宾 曲式学（修订版） 人民音乐出版社 （美）柏西·该丘斯 大型曲式学 人民音乐出版社 （美）柏西·该丘斯 复调 复调音乐（上、下） 人民音乐出版社 段平泰著 复调音乐基础教程 人民音乐出版社 陈铭志著 赋格曲写作 上海文艺出版社 陈铭志著 复调音乐教程 上海音乐出版社 于苏贤著 对位与赋格教程 人民音乐出版社 （法）泰奥多尔·杜布瓦 复调音乐 人民音乐出版社 （苏）斯克列勃科夫 配器 管弦乐法原理 人民音乐出版社 （俄）里姆斯基－科萨科夫 交响配器法（第一、第二卷上、下） 人民音乐出版社 （苏）C·瓦西连科 律学 律学 人民音乐出版社 缪天瑞 音乐心理学 可通过E-mail索取： 钢琴艺术史 钢琴艺术史（提纲） 中央音乐学院内部教材 张式谷 Five Centuries of keyboard music Dover Publications Inc. John Gillespie 电子管风琴 电子琴即兴演奏法 辽海出版社 沈晓明著 音乐治疗 音乐治疗简明讲义 中央音乐学院内部教材 高天 1981年中国音乐学院成为我国首批硕士学位授予单位，迄今已连续培养了26届硕士研究生。该硕士学位授予点共有40余个专业研究方向。2005年中国音乐学院成为博士学位授予单位，2007年开始招生。该博士学位授予点共有10多个专业研究方向。 中国音乐学院研究生教育现包括博士研究生、硕士研究生、艺术硕士专业学位（MFA）、高校教师专业学位、国内访问学者等多种层次和形式，并面向海外招生港、澳、台、留学生。目前拥有博士研究生导师27名，硕士研究生导师102名，涉及民族音乐学、音乐史学、音乐教育学、作曲及作曲技术理论、指挥、民族声乐、美声、民族器乐、钢琴等专业方向，各类在校研究生205人。 中国音乐学院研究生处自成立以来，担负着全院研究生的招生、培养、学位授予与答辩、学科专业建设、博导硕导队伍建设、研究生教育管理体制的健全等各个方面，并取得了令人瞩目的成绩。