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《烟花易冷》风格上和以前的中国风作品略有改变。这首歌不再如《东风破》、《青花瓷》、《本草纲目》和《兰亭序》那样把玩、观赏一种中国文化，而是登上了更高的视角去感悟、品评历史，这种高度已经远超其他音乐人。史册如此残酷，人性如此渺小，瞬间的美好只能在浮图塔、伽蓝雨中魂牵梦萦。红尘滚滚而过，绚烂多姿的烟花，雨打石板，铿锵回荡着金属的质感，如同兵器撞击，却化作了美妙的音符。歌曲前奏清婉舒缓，眼前几朵烟花绽放，渐渐陨落，还剩下星星点点，如流星雨般滴落人间，绚烂的烟花逃遁空门之中，这分明是一个现代人在历史的天空下孤独的伫立，他长着一双古代文物的眼睛，一睁开便看见了眼前的苍凉，回想起当年的繁华。又仿佛一缕缠绵不尽的幽魂，在执着追寻绝世情缘，从古代，直到现在。试问，历史在记录下丰功伟业时，有谁垂询过个体的感受？ 艺术家们光从书本上神游是无法得到这种对历史的别样感触的，周杰伦、方文山两人以历史驻足者的姿态，努力沉浸进去，俨然逆旅过客。通过音乐的形式把感触如迷彩烟花般释放出来，配合得天衣无缝，显示了周、方两人境界上至高的追求。匆忙的吉他、凝重的钢琴，西方乐器用来演绎东方文化，格调却如此和谐。用凄美爱情故事烘托对历史和文化的思考，体现的是对理想、人生、古今的深刻醒悟。脱去了欲念的外衣，把脱俗展示给红尘，使浮华的现代有了深度，浅显的欲念自惭形秽。这正是周杰伦跨时代的真正内涵。他在用冷静的思索，来展示对尘世间奢华的认识，禅语佛曲中流露出的全部都是现代的灵动。体现的是对理想、人生、古今的深刻卓见。周杰伦对音乐的理解，对音乐的追求，对人生成就的理性思考，走过一个又一个巅峰，高处不胜孤独。看到的只是一缕稍纵即逝的影子，但这也是缘分，我们的缘分。烟花易冷，伽蓝雨把当世的浮华浇灭，冷却，思索。从洛阳伽蓝记的繁华描述折射到现在。守住孤城，实际上就是坚守自己的内心，守着思想能够捕捉的刹那间掠过的最高点，最美处。 不冷烟花 整首歌的中国风形式，境界上不但没有降低，反而比以前更加高超。周杰伦的中国风形式绝非简单的“耍酷”，是对一个重大的历史变迁，大的时间旁观去进行感悟评判，从嘻哈到中国风弥漫，随后到了现在，一种更宏大的到了极致的文化味道。这种境界的追求意境登峰造极，四顾无人，只有周方组合，看腻看淡之后，才可能超越。可能这种极致又会再延续一两年，但很明显，前方已经没有更恢宏的道路了。之后需要从新界定，从虚无走向写实主义道路才能突破，不然自己都会觉得很空，容易产生历史虚无主义。从雨果的浪漫主义到狄更斯的现实主义，真正的音乐大师都要玩这路子。周杰伦若是仅仅玩票倒也罢了，那他自然就在伽蓝、东风、青花里边颠倒迷离，自己把自己玩得转；如想再有深层次突破，粉碎虚空，那么自己的过去的层面就要被踩在脚下，必须走写实主义中国风的新路，迄今为止，还没有人把这条路走好。很多人写实、民谣、摇滚等大都比较形而下，周、方两人这种具有相当的装饰性以及宏大构筑的艺术风格却仅见，现在，只好等周、方能够跳出伽蓝雨的巅峰把音乐推向高境界。
音乐是人们澄静的心声，是自然空灵的天籁。 世间有那么多的乐曲，但恐怕只中国古典民族音乐能将其中的真谛尽数彰显出来。 何尝不是如此！那宫廷音乐，少了清新，多了奢华；爵士乐，少了柔美，多了繁杂；流行音乐，更是少了超然，多了浮躁。 而中国古典音乐，至高，至圣，至纯，至美。绝不张扬，却声声柔亮，潜入人心。绝不神秘，却层层深入，别有洞天。它不求太多，只愿将中国古典传播流转，正因如此，无论黄土高坡，还是江南水乡，都有了它的存在。 静坐竹亭，弹奏古琴，想必古人便是在这种情境之下弹奏出那一曲曲的清音雅韵。 爱古曲，爱高山流水之通灵，渔舟唱晚之闲适，二泉映月之绵长，阳春白雪之圣洁。 赏民乐，赏梁祝之哀婉，关山月之豪放，姑苏行之明快，雁落平沙之悠扬。 而这些都是由中华五千年来的文化积淀所传承孕育的。渔歌唱和，流水清音，亲友别离，追忆斯人，人与自然相呼应，自然与文化相融合，中华民族几千年来的文化底蕴都融入了古典音乐，传递所思，所感，所想。洗礼着人们的心灵，诉说着别样的文化……“中和”之美是一种以“和谐”为本质特征的审美类型，其主要特点表现为意蕴含蓄、典雅，情感力度适中，文与质、情与理等各种因素和谐统一。 中华民族是以儒释道互补为传统文化基础的，受先秦“尚中”“尚和”和孔子“中庸”思想的影响，“中和”不仅是中国传统文化思想的根本精神，也是中同传统文化的丰要思维模式，从诗词文章、书法绘画、园林建筑到音乐戏曲等等，都受到“中和”精神的深刻影响，并都放射着“中和”精神的光芒。 统观我们高中音乐鉴赏的教材，凡人编的中同传统音乐，从古琴曲到古琴文化，从甫代歌曲到唐诗宋词，从民歌到民间器乐曲，随处都能找到“中和”之美清晰的影子。 大学音乐鉴赏论文音乐是生活不可缺少的一部分，学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习欣赏音乐是一门很重的课程！在这门课程的学习中学到很多东西。一． 对中国古典音乐的认识在这课程的学习过程中在一定程度上了解了中国的古典音乐，体味到了中国古典音乐的美。笛声的清脆，箫声的深沉，琵琶的铮铮之音，这些我们都从中感受到了华夏之音的美妙，体味到古典的魅力所在。中国的古典音乐是以五音--宫商角徵羽为基础的，中国古代的音乐大家创作了中国独特的音乐形式如今在民间十分流行的是唢呐这种乐器，无论民间的喜事还是丧事唢呐都是一种不可或缺的乐器之一。唢呐作为我国传统的乐器我国的音乐大家创作了优秀曲子如《百鸟朝凤》堪称经典。在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。二． 对西方音乐的认识《命运交响曲》堪称经典，历史上表现命运的音乐很多唯独只有贝多芬用选取了敲门声来表现命运，一声声短促而有力的敲门声显示出生命力的旺盛和与命运抗争到底的决心。“命运”这一主题在贝多芬的演绎下有了另一种境地，成为了历史上无人挑战的经典。同时在这门课的学习中还有欣赏了幽默曲、圆舞曲等，其中印象深刻的是对幽默曲的欣赏，不但一定程度上了解了这个时代的音乐更是在这些艺术家的身上学到了追求理想的不放弃精神和为实现目标不断奋斗的高尚品格。三，传统音乐与现代音乐中国是有着悠久历史的国度，其音乐的发展历史更是一部丰满的史诗。在当今的乐坛最受年轻人欢迎的是Rap音乐，其中周杰伦便是一位现代音乐的代表人，但是即使在人们看来如此现代的音乐人，在他的音乐里我们依旧可以看到传统的音乐元素，如在《菊花台》，这首曲子的结尾用的便是我国云南的传统乐器葫芦丝。再如当今的年轻人所喜欢的歌曲《苏三说》与《One Night in Beijing》更是大胆的吸取了我国传统艺术京剧中的音乐元素，受到人们的欢迎。回归传统是一种趋势，我国是有着深厚文化底蕴。立足于传统并且与现代的音乐元素相结合进行创新这是一种必然。有我国“西部歌王”之称的王洛宾先生是将传统音乐用现代音乐元素演绎的典范，他创作的歌曲脍炙人口，在广大人民群众中传唱。四． 音乐对人的影响音乐由人创作自然表达的是人的情感，音乐的欣赏着便是要在欣赏音乐的过程中体味创作者的情感，从而达到人与音乐的共鸣。《义勇军进行曲》，中国人民内心的坚决，顽强的意志，作曲人满怀的崇高，神圣，庄严都融进那雄壮的旋律之中，无论何时何地听到都热血沸腾，充满希望，让听者蓦地升起对崇高的一团敬畏与仰望。又如在欣赏陈钢、何占豪创作的小提琴协奏曲《梁祝》中，我们可以深刻的感受到梁祝二人真挚的情感，音乐主要以“草桥结拜”、“英台抗婚 ”、“化蝶”为情节展开，大提琴与小提琴交相互应的音乐形式让人印象深刻，欣赏者可以从中清楚的体味主人公的情感。伴随着社会的发展与进步，音乐在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。在日常生活中我们可以深刻的感受到音乐的意义所在。在情绪低落时适合听激情澎湃的音乐如交响曲与进行曲，在心情烦躁的时轻音乐是不错的选择能让人平静下来，认真的思索。五.音乐与素质教育音乐的最大功能是从精神上让我们超越有限的生命的围墙，把视野投向另一个关于美的音乐世界。她最奇妙的力量在于让我们日益漂泊的灵魂有回家的感觉，扩充我们生命的宽度和深度，寻找到生命的精神支柱，找到灵魂的归属。近年来，我国大学一直在提倡素质教育，其实是在追求自然科学教育和人文艺术教育的平衡。素质教育建立在和谐教育对素质的全面理解上。因此，素质教育本质上应该是面向全体学生的教育。在这个充满竞争的世界，在这个信息化的时代里，每个人都应该从各方面全面的提升自己，而通过各种科学有效的途径，成为“有理想、有道德、有文化、有纪律”，德、智、体、美等全面发展的社会主义事业建设者和接班人。素质教育其中一个要义就是德、智、体、美的全面发展。于是，我国的各个大学正逐步向综合性大学发展的同时，尤其注意了艺术教育的发展。在大学课程里，艺术不再只是艺术系学生的学习内容，也纳入了普系的教程，艺术成为公共必修课程。当代大学教育中强调素质教育是我国社会经济不断发展的要求，而艺术教育的关注正是人类感情的关注，作为一种意识形态，作为一种感情重要的存储和表达方式，艺术教育为实现素质教育的总体目标提供了生动的教育手段和教育内容成为受教育者最易接受的、最有活力的一种教育形式.
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有不止一篇，选择其一给您，大约5000字不过，希望您主要是借鉴，通过自己的思考，融会贯通，加以修改，增加属于您自己的东西=====================关于中国古代音乐史学“知识创新"的思考中国古代音乐史学作为一门人文学科，面对新世纪“知识创新”的学术潮流，如何寻求它的时代定位，已经成为每一位新世纪古代音乐史学工作者深入思考的时代课题。中国古代音乐史学这一学科的成熟与发展，是综合文学、史学、音乐学学科知识而实现的。如黄翔鹏先生提出的“曲调考证”方法及其成果就是以历史学、文字学、考古学、民族学、人类学和乐器学、音乐形态学、古谱学、古音韵学等多种知识资源的创造性运用与整合为基础的，其所表现出的“知识创新”意识不言而喻。笔者以为，面向21世纪的中国古代音乐史学的发展，在“知识创新” 的潮流中可能会出现如下一些趋势：1．“知识更新周期”将会进一步缩短。在21世纪人类文明的发展进程中，历史节奏将表现出较前代越来越迅疾的趋向，生产发展越来越迅速，经济往来越来越频繁，科学发明越来越密集，历史节奏的这种急骤演进，是与知识经济时代生产关系诸因素的推动分不开的。在这样的社会背景24 <音乐研究>季刊中，新的音乐史学研究成果的生产周期相应缩短，越来越多经历过重构的知识成果呼唤着社会的检验；新的音乐史实的发展演变也迫切要求得到描述和展示。刘再生先生在论述20世纪中国古代音乐史研究时曾有统计：“自1922年第一部叶伯和的《中国音乐史》诞生至本世纪90年代，中国音乐史著作总共出版了四、五十种之多，平均每两年就有一部著作问世。”①即使如此，目前我们仍感到已出版的史著中所能囊括的史学新成果还不敷应用之需要。例如出版于1985年的《中国音乐词典》至今未能得以修订，而1992年出版的《中国音乐词典•续编》中的许多人物词条，情况也已经发生了许多变化，它们均已不大适应当前的应用(近闻人民音乐出版社已出资赞助该词典的修订，我们期待新版《中国音乐词典》的尽早面世)。此外，在经过20多年的学科发展之后，音乐史学界该当有普遍吸纳综合创新成果的史著问世了。2． 随着知识体系的立体化发展，知识传播途径向着数字化、网络化方面呈多元发展的趋势。迅速发展的网络技术可以使我们在研究中产生的古代音乐史学成郭树群果，立体化地快捷传遍千家万户。所谓立体化，是指成果的图、文、形、声融为一体的电子展示方式。那些以音乐图像学、考古学、乐律学、文献学、民俗学、民族学交叉研究而产生的音乐史学成果，如今可以很容易地在网络上融合为一种面貌全新的音乐学知识载体，供人们利用。据已发表的我国数字化图书馆技术信息，北京数字方舟技术有限公司推出的关于信息源加工、存储、检索的产品，每分钟可以全自动扫描录入图书资料160页(双面)，每天可处理图文50万页，而且采用了国际通用的先进图像压缩技术。这对于我们所期待的音乐学知识电子化、立体化前景的实现，无疑充满了一种振奋的激情。在过去的日子里，我们也注意到，中国古代音乐史学领域已出现了一些很受欢迎的电子读物。例如王子初、冯光生、韩宝强主编的《曾侯乙编钟》(光盘)，修海林参与主编的《中国古典音乐欣赏》(系列CD盘)，方建军研制开发的《金石之乐：中国音乐考古资料计算机管理系统》(D刘再生《横看成岭侧成峰．远近高低各不同— —20世纪中国古代音乐史研究》，《中国音乐学)1999年第4期。数据库软件等。3． 以文字为载体的文本教材呈需求多样化的发展趋势。面向21世纪的音乐教育将向着全社会的终身教育方向发展。各级各类人才对音乐学知识的需求更多地来源于各种不同类型的教科书。为此中国音乐史学教材文本的多样化，将是音乐史学工作者予以关注的。各种类型的音乐史学课程教材，应当注意体现新的特点。有人将其归纳为：(1)要体现一种历史的兼容性(即应充分体现中华民族在中国古代音乐史学领域已经达到的认识成果)；(2)要体现一种时代的涵容性(即应涵容中国古代音乐史学提出的新问题和获得的新成果)；(3)还应体现逻辑的展开性(即应注意以中国古代音乐史学概念发展的逻辑体系实现历史与逻辑的统一)。①4．面对21世纪，“文化的整合”、“知识的重构”恐怕是常议不衰的话题。就中国古代音乐史学来看，在这种观念的冲击下，我以为加强基础理论研究仍然是应对这种文化涌潮的重要方面。中国古代音乐史学在我国人文学科的大家庭中，无疑应属于“年轻的一代”，其具有突破意义的发展，当在2O世纪8O年代以后，即许多史家所认可的近代音乐史学发展的“第三阶段”。学科发展历史的浅近，使其作为一门学科的稚嫩仍在所难免。因此，对于基础理论研究的深入拓展，就犹显必要。例如就中国音乐文献学、“曲调考证”一类研究而言，其创新和突破都还存在着基础理论研究尚显薄弱的问题。首先在中国古代音乐文献学学科范畴，虽已取得了前所未有的进展，但在中国传统文献学的框架体系内，如何突出音乐文献学的特点；在音乐文献学的学科理论研究，音乐文献的编纂、出版，音乐文献的目录、版本研究等方面，都与中国传统文化中的文献学研究存在着一定的差距。就“曲调考证”的研究方法而论，如果对于中国乐律学、中国古代音乐、中国古代文化的基础研究做的更系统一点，恐怕黄翔鹏先生的研究也不会显得那样艰难，以致发出愚公移山式的慨叹：“反正先生做不完的，学生接着做嘛，我做不完还有下一辈⋯ ⋯”②鉴于中国古代音乐史学的这种实际状况，在“知识创新”的新世纪里，中国古代音乐史学基础理论研究的拓展，恐怕还会出现蓄势增强的状况。面对21世纪中国古代音乐史学的种种发展趋势，史学工作者能否具有应对能力，这也不能不是我们通过回顾和展望而予以回答的。首先，我们看到在过去的一个世纪里，特别是在世纪末的近3O个年头中，中国古代音乐史学工作者在守护传统史学研究方法的跋涉中，在新研究领域的开拓、创新中，已经取得了丰硕的成果。以文献资料类著作言，冯文慈先生点注的《律学新说》《律吕精义》，丘琼荪先生的《历代乐志律志校释》(第一、二分册)、萧炼子的《宋书乐志校释》、王昆吾和任半塘的《隋唐五代燕乐杂言歌词集》、金千秋的《全宋词中的乐舞资料》、吉联抗先生的《中国古代音乐论著译著丛书》、修海林的《中国古代音乐史料集》、中国艺术研究院音乐研究所资料室编的《中国音乐书谱志》《中国音乐研究所藏中国音乐音响目录》，郭树群、陈其射、王子初、李成渝合编的《中国乐律学百年论著综录》、还有尚待出版的《历代乐志律志校释》(第三、四、五分册)、《古乐书钩沉》《汉文佛经中的音乐史料》《乐府诗集笺校》等等，它们勾勒出中国古代音乐史学研究的文献学框架。以研究成果类的专著而言，王子初的《苟勖笛律研究》、崔宪的《曾侯乙编钟钟铭校释及其律学研究》是直指中国古代音乐史学重要难题的攻关之作；而冯文慈的《中外音乐交流史》、陶亚兵的《中西音乐交流史稿》、郑祖襄的《中国古代音乐史学概论》、修海林的《中国古代音乐教育》则属于填补空白的开拓性学术著作；此外具有开拓意义的学术专著还有丘琼荪的遗著《燕乐探微》、李纯一的《中国上古出土乐器综论》、吴钊的《追寻逝去的音乐踪迹— — 图说中国音乐史》等。王子初等主编的《中国音乐文物大系》多卷本，则以新的音乐史料系统为今后的研究提供了重要支持。特别是新近出版的黄翔鹏先生的《乐问》，更以时代的学术创新风范为中国古代音乐史学的“知识创新”提供了广阔天地。同时，我们还不能忘记托起这些重要专著的则是数以千计的具有创新意义的学术论文。它们共同构成了21世纪中国古代音乐史学① 孙正聿《教材建设新理念》，《光明Et报))2000年9月27 Et。② 郑祖襄《把“没有音乐的音乐史”变为有可听作品的音乐史》，《中国音乐学)1999年第2期。2001年3月第1期25“知识创新”的基石。就学术的发展来看，虽然交叉学科的发展为中国古代音乐史学学术研究提供了广阔的创新空间，但作为一门学科的存在，却不能被学术发展趋于综合的潮流所替代或置换。近期，许多学者注意到了这种倾向。郑祖襄先生谈到：“中国古代历史及其文化的独特性决定了中国古代音乐史学是一门不可替代的独立学科。”① 修海林先生谈到：“音乐史作为严格的历时科学，其主要的任务，仍然是在历时性的叙述中，依着纵向的历史发展脉络，追溯古今，在久远漫长的文化变迁中叙述音乐的发展。”② 冯文慈先生则在提及了解我国古代音乐文献时，要打开历史的视野，“对音乐文化的观念持有符合我国实际的辩证发展目光，注意避免以现代的音乐文化观念切割历史，特别是不能以现代西方的音乐观念来圈套我国历史。”固在这世纪之交的学术发展中，这种学科的自主意识为中国古代音乐史学的创新发展如何走稳自己的路，起到了时代的定位作用。修海林先生近期的文章《在历时中展开共时— — 为中国音乐史研究开拓新路径的感想》，使我们对于中国古代音乐史学的“知识创新”得到新的启示。它要求中国古代音乐史学工作者“随时注意到各个历史时期的诸多剖面”；要注意“音乐与社会的政治、经济、文化活动方面诸因素在共时性文化空间中的相互影响和制约”；而我们以往则“比较重视对纵向发展的历时性描述，以及揭示其中的某种规律，但是对于历史上处于某一共同状态下音乐生26 <音乐研究)季刊活剖面的分析，对其中某一类音乐文化模式的研究却用力不足。”④显然，这一新途径具有以知识重构为特点的创新意义。此外，项阳先生近年的力作《中国弓弦乐器史》，在文化人类学、文化地理学、音乐考古学等不同层面上，营造了中国弓弦乐器不同历史时段共时性的文化发展空间，中国弓弦乐器历时性发展的史实因此而更为充实、丰富；洛秦先生主张音乐史学与民族音乐学的沟通，为古代音乐史学研究开拓了新的思路；这些学者的努力都为中国古代音乐史学的“知识创新”提出了新的思考。20世纪末叶，中国古代音乐史学领域还经历着研究人才的新老交替过程。作为中国音乐史学第三发展阶段的见证人，我们看到了中国古代音乐史学界前辈学者杨荫浏以及吉联抗、蓝玉崧、夏野、金文达先生以宏富的知识财富，为学科的发展做出了全部的贡献；我们也承受了黄翔鹏先生闪烁着创新精神的学术甘露，并令人震撼地目睹了他由于事业未竟而难以泯灭的心灵之窗，也依然在接受着尚健在的前辈师长惠及后学的心灵滋润；当然，我们也经历着新一代学术带头人崛起在新的学术起点上的激动。如果说中国古代音乐史学领域第一代学人的学术起步还是空谷足音，那么第二代学人的努力就使得学科建设及其成果具备了相当的规模，而第三代学人的成长，则已处于规模初具完备的专业教育体系之中。值得注意的是，目前已具备博士学位学习资格的第三、四代学人已基本走出了单一师承关系的教育途径，相当一些人具有跨学科研究的知识结构与能力，这样他们在知识结构上明显地趋于全面，在治学方法上则更为丰富。特别是在经历了90年代初商品经济大潮的冲击，这一代学者相继寻找到自己恰当的社会定位，他们的学术潜能正在良好的拓展环境中孕育、催化。为此，我们有理由相信，在新的世纪里，中国古代音乐史学“知识创新”的良好前景，正将由这一代学人描绘。正如蓝玉崧先生数年前讲的“芳林新叶催陈叶，流水前波让后波。”中国古代音乐史学之林，将会在这蔚为壮观的新老传承和交替中，在群体的互为支持中，根深叶茂，惠及人间。(作者附言：本文不是中国古代音乐史学研究成果的综述，所涉人物及成果是依思路所至而提及的、本人认为能够说明“知识创新”论点的一些例证，偏颇或疏漏在所难免，敬请学界同行指正。)作者单位：天津音|乐学院①郑祖襄著<中国古代音乐史学概论)，人民音乐出版社1998年10月版。(墓)( 修海林‘在历时中展开共时—— 为中国音乐史研究开拓新路径的感想)，<中国音乐)2000年第2期。③冯文慈《中国古代音乐文献目录概要(上)》，‘中央音乐学院学报)2000年第3期。
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秦汉时开始出现“乐府”。它继承了周代的采风制度，搜集、整理改变民间音乐，也集中了大量乐工在宴享、郊祀、朝贺等场合演奏。这些用作演唱的歌词，被称为乐府诗。乐府，后来又被引申为泛指各种入乐或不入乐的歌词，甚至一些戏曲和器乐也都称之为乐府。汉代主要的歌曲形式是相和歌。它从最初的“一人唱，三人和”的清唱，渐次发展为有丝、竹乐器伴奏的“相和大曲”，并且具“艳——趋——乱”的曲体结构，它对隋唐时的歌舞大曲有着重要影响。汉代在西北边疆兴起了鼓吹乐。它以不同编制的吹管乐器和打击乐器构成多种鼓吹形式，如横吹、骑吹、黄门鼓吹等等。它们或在马上演奏，或在行进中演奏，用于军乐礼仪、宫廷宴饮以及民间娱乐。今日尚存的民间吹打乐，当有汉代鼓吹的遗绪。在汉代还有“百戏”出现，它是将歌舞、杂技、角抵（相扑）合在一起表演的节目。汉代律学上的成就是京房以三分损益的方法将八度音程划为六十律。这种理论在音乐实践上虽无意义，但体现了律学思维的精微性。从理论上达到了五十三平均律的效果。三国、两晋、南北朝时期由相和歌发展起来的清商乐在北方得到曹魏政权的重视，设置清商署。两晋之交的战乱使清商乐流入南方，与南方的吴歌、西曲融合。在北魏时，这种南北融合的清商乐又回到北方，从而成为流传全国的重要乐种。汉代以来，随着丝绸之路的畅通，西域诸国的歌曲已开始传入内地。北凉时吕光将在隋唐燕乐中占有重要位置的龟兹（今新疆库车）乐带到内地。由此可见当时各族人民在音乐上的交流已经十分普及了。这时，传统音乐文化的代表性乐器古琴趋于成熟，这主要表现为：在汉代已经出现了题解琴曲标题的古琴专著《琴操》。三国时著名的琴家嵇康在其所著《琴操》一书中有“徽以中山之玉”的记载。这说明当时的人们已经知道古琴上徽位泛音的产生。当时，出现了一大批文人琴家相继出现，如嵇康、阮籍等，《广陵散》（《荆轲刺秦王》）、《猗兰操》、《酒狂》等一批著名曲目问世。南北朝末年还盛行一种有故事情节，有角色和化妆表演，载歌载舞，同时兼有伴唱和管弦伴奏的歌舞戏。这已经是一种小型的雏形戏曲。这一时期律学上的重要成就，包括晋代荀瑁找到管乐器的“管口校正数”。南朝宋何承天在三分损益法上，以等差迭加的办法，创立了十分接近十二平均律的新律。他的努力初步解决了三分损益律黄钟不能还原的难题。隋、唐时期隋唐两代，政权统一。特别是唐代，政治稳定，经济兴旺，统治者奉行开放政策，勇于吸收外域文化，加上魏晋以来已经孕育着的各族音乐文化融合打基础，终于萌发了以歌舞音乐为主要标志的音乐艺术的全面发展的高峰。唐代宫廷宴享的音乐，称作“燕乐”。隋、唐时期的七部乐、九部乐就属于燕乐。它们分别是各族以及部分外国的民间音乐，主要有清商乐（汉族）、西凉（今甘肃）乐、高昌（今吐鲁番）乐、龟兹（今库车）乐、康国（今俄国萨马尔汉）乐、安国（今俄国布哈拉）乐、天（今印度）乐、高丽（今朝鲜）乐等。其中龟兹乐、西凉乐更为重要。燕乐还分为坐部伎和立部伎演奏，根据白居易的《立部伎》诗，坐部伎的演奏员水平高于立部伎。风靡一时的唐代歌舞大曲是燕乐中独树一帜的奇葩。它继承了相和大曲的传统，融会了九部乐中各族音乐的精华，形成了散序——中序或拍序——破或舞遍的结构形式。见于《教坊录》著录的唐大曲曲名共有46个，其中《霓裳羽衣舞》以其为著名的皇帝音乐家唐玄宗所作，又兼有清雅的法曲风格，为世所称道。著名诗人白居易写有描绘该大曲演出过程的生动诗篇《霓裳羽衣舞歌》。唐代音乐文化的繁荣还表现为有一系列音乐教育的机构，如教坊、梨园、大乐署、鼓吹署以及专门教习幼童的梨园别教园。这些机构以严密的考绩，造就着一批批才华出众的音乐家。文学史上堪称一绝的唐诗在当时是可以入乐歌唱的。当时歌伎曾以能歌名家诗为快；诗人也以自己的诗作入乐后流传之广来衡量自己的写作水平。在唐代的乐队中，琵琶是主要乐器之一。它已经与今日的琵琶形制相差无几。现在福建南曲和日本的琵琶，在形制上和演奏方法上还保留着唐琵琶的某些特点。受到龟兹音乐理论的影响，唐代出现了八十四调，燕乐二十八调的乐学理论。唐代曹柔还创立了减字谱的古琴记谱法，一直沿用至近代。
1、美国黑人早期布鲁-鲁斯音乐的兴衰（1890-1929）2、高等学校音乐表演专业学业表现性评价研究3、音乐意义存在方式并及真理自行置入艺术作品的形而上学研宄4、全球化背景下贵州苗族音乐传播研究5、中国社会音乐教育钢琴课程之文化阐释与建构6、音乐心理视角下的肖邦第二钢琴奏鸣曲7、西方指挥艺术风格类型研究8、隋唐宫廷音乐表演研究9、卡拉斯的薇奥列塔10、学分制下艺术设计教学模式研究11、论打击乐与电子音乐的结合12、基于元理论的音乐表演艺术组织战略管理研究13、19-20世纪中叶捷克音乐的社会学研究14、内地音乐资源对澳门当代音乐的影响15、普通高校音乐表演专业课程体系重构研究以上十五个音乐专业方向的毕业论文题目由学术堂提供
选题是音乐学 毕业 论文的基础环节，在一定程度上决定着音乐毕业论文的质量。下面是我带来的关于音乐学毕业论文题目的内容，欢迎阅读参考!音乐学毕业论文题目(一) 1. 浅谈初中 音乐欣赏 教育 中审美能力的培养 2. 音乐教育与素质教育的关系研究 3. 浅谈音乐教育中的欣赏教学 4. 浅谈音乐教育中创造能力的培养 5. 如何开发学生在音乐实践活动中创新能力 6. 浅议音乐教学中的课堂语言美 7. 让民族音乐之花在学生心中开放 8. 音乐表演中的美学原则 9. 音乐创作中的灵感与审美 10. 深化中小学音乐教育改革之我见 11. 中小学音乐课的意境教育探索 12. 浅谈少儿钢琴教学 13. 谈音乐记忆能力的训练与培养 14. 唐代燕乐繁荣之原因 15. 早期音乐教育与 儿童 思维发展 16. 论美育中的音乐教育 17. 我国戏曲音乐的发展 18. 如何搞活音乐课堂提高教学质量 19. 论音乐与情感 20. 试论歌曲演唱的二度创作 音乐学毕业论文题目(二) 1. 谈乐曲的节奏美 2. 浅谈合唱训练 3. 谈合唱指挥的教学原则 4. 论怎样提高中学音乐教师的钢琴即兴能力 5. 如何提高学生的钢琴演奏的表现力 6. 舞蹈教育与素质教育 7. 试论舞蹈中人体动作的造型性 8. 谈声乐教学中的呼吸训练 9. 论呼吸在歌唱发声的运用 10. 声乐学习理论与实践的结合 11. 浅谈美声唱法 12. 浅谈声乐作品的二度创作 13. 论歌唱中的咬字吐字 14. 多媒体技术与音乐教学 15. 西洋唱法与民族唱法 16. 歌唱与情感 17. 声乐教学中真假声结合的混合声训练 18. 谈普通学校音乐教育学的研究范围 19. 音乐教育学的研究对象及研究 方法 20. 心理学与儿童音乐教育 21. 音乐才能的形成、结构、测试 22. 美声唱法的学派与风格 23. 歌唱的呼吸与发声 音乐学毕业论文题目(三) 1. 歌唱的共鸣与语言 2. 论儿童发展与音乐学习 3. 儿童音乐趣味的培养 4. 儿童歌唱技能的培养 5. 儿童表演技能与音乐运动觉能力的培养 6. 歌唱心理状态的重要性 7. 浅谈合唱指挥对歌词主题思想的研究 8. 歌词声韵的研究 9. 歌词形式特点的研究 10. 科学的发声状态在歌唱中的作用 11. 关于声乐作品的艺术表现 12. 真声位置在歌唱中的运用 13. 歌唱的吐字与发声 14. 哈欠状态在歌唱中的运用 15. 混合声在歌唱中的运用 16. 歌唱语言中字音之间的衔接 17. 歌唱中气息的控制与功能的发挥 18. 母音在歌唱练习中的运用 19. 混合共鸣在不同声区中的运用 20. 生活语言与歌唱语言 21. 歌唱语言的艺术特征 22. 歌唱的艺术表现对声乐作品的再创作 23. 歌唱的艺术中声与情的关系 24. 儿童的早期音乐创作能力的开发 25. 儿童音感训练的时践与方法 26. 儿童的绝对音感的训练方法 27. 歌唱与声音控制 猜你喜欢： 1. 音乐学毕业论文 2. 音乐学毕业论文范文 3. 音乐学毕业论文获奖范文 4. 音乐系毕业论文参考 5. 本科音乐专业毕业论文选题
1. 试论莫扎特《g 小调弦乐五重奏》第一乐章中对中提琴地位与作用的提升 2. 优雅的男高音——论大提琴在乐队中的作用 3. 大提琴演奏中国民族音乐的几点探索 4. 大提琴演奏发音问题探讨 5. 论二胡演奏的内心感觉与艺术修养的提高 6. 古筝演奏与心理音色 7. 浅谈想像力与心理调控力在小提琴演奏中的作用 8. 长笛演奏的基本技巧分析与实践 9. 关于借鉴西方作品分析法分析传统古琴曲的几点思考 10. 小议视唱练耳在乐器演奏中的重要性 11. 谈儿童学习乐器演奏的意义 12. 探析铜管乐器演奏的音准问题 13. 浅谈中小学铜管乐队的训练 14. 如何组织开展中小学小乐队的活动 15. （某器乐）演奏中的准确读谱与正确理解 16. 论（某器乐）作品的音乐风格与演奏 17. （某器乐）演奏右手技术问题之我见 18. 如何处理好（某器乐）教学中音乐表现与弹奏技术的关系 19. 浅谈（某器乐）考试、比赛前的心理的准备 20. 《二泉映月》的创作分析与演奏实践 21. 中国民族器乐的历史与现状之研究 22. 论杨琴演奏的思维 23. 浅析关于（某器乐）演奏的发音问题 24. 如何演奏好《莫扎特C大调长笛与竖琴协奏曲》K299 25. 小提琴的左手技巧 26. 浅析现代杨琴的演奏技巧及表现力 27. 简述萨克斯的气息 28. 浅谈琵琶演奏与教学心得 29. 论扬琴演奏中手臂运动与力度控制 30. 少年儿童古筝考级教学浅谈 31. 长笛演奏中的呼吸气息运用 32. 浅析二胡曲《洪湖人民的心愿》 33. 女子十二乐坊现象分析 钢琴 1. 怎样提高钢琴伴奏的演奏水平 2. 论钢琴演奏情和理的统一 3. 临场演奏中的心理因素 4. 浅谈钢琴教学中如何培养学生的演奏能力 5. 论钢琴演奏艺术中的想像力 6. 浅谈钢琴演奏的基本技巧 7. 浅谈中国风格钢琴作品的演奏 8. 试论钢琴表演艺术中的共性与个性关系 9. 试论钢琴表演艺术中的二度创作与实践 10. 论钢琴教育的教学原则与方法 11. 论钢琴教师的职业素养 12. 即兴伴奏与音乐表现 13. 论钢琴演奏中音乐表现与弹奏技术的关系 14. 论钢琴踏板的重要性及运用 15. 试论儿童钢琴教学的特殊性 16. 论钢琴教学中弱指的训练 17. 论钢琴演奏中的放松问题 18. 论巴赫钢琴作品的演奏风格 19. 论钢琴的指法艺术 20. 对钢琴演奏心理问题的研究 声乐 1. 当前适应中小学音乐新课程的高师声乐教学改革刍论 2. 民族声乐演唱中字正腔圆探究 3. 舒伯特艺术歌曲的演唱风格 4. 透过声乐套曲《冬之旅》浅谈舒伯特艺术歌曲的演唱 5. 演唱中国作品的发声与吐字 6. 歌唱心理素质在演唱中的影响 7. 花腔技巧在古典歌剧演唱中的运用与表现 8. 论赵元任声乐作品的民族性与演唱表达 9. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达 10. 试论多媒体在声乐教学中的运用 11. 释析巴罗克（古典/浪漫）时期声乐作品的风格特征 12. 试论声乐教育的评价体系 13. 怎样运用歌声传达情感 14. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲 15. 歌唱艺术中的情感体验与表现 16. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求 17. 中国古代声乐美学发展初探 18. 童声训练的原则与方法 19. 高师音乐专业声乐课改革之我见 20. 声乐教学中应注意民族问题 21. 歌唱心理调控在人声训练中的作用 22. 民族声乐歌唱方法探析 23. 通俗演唱方法探析 舞蹈 1. 浅谈舞蹈教学中表演意识的培养和训练 2. 论舞蹈的教育功能 3. 浅谈音乐与舞蹈的关系 4. 文化对舞者的重要性——浅谈舞蹈理论对舞蹈实践的指导作用 5. 儿童舞蹈教学中的寓教于乐原则 6. 舞蹈对幼儿成长的作用 7. 论舞蹈教育与素质教育 8. 中小学音乐舞蹈教育的现状及创新发展探讨 9. 论普及性舞蹈教育在中小学教育中的重要性 10. 论节奏在民间舞课堂教学中的重要性 11. 加强高师民间舞教学中“民俗”的渗透 12. 论中小学舞蹈教育 13. 浅谈中小学舞蹈课程设置 14. 浅谈幼儿师范学校的舞蹈教学 15. 谈儿童舞蹈教学的制作 16. 浅谈中国民间舞的表演 17. “鼓”在民间舞中的运用和发展 18. “道具”在中国民间舞教学与创作中的运用和发展 19. 论舞蹈作品与社会生活 20. 浅谈舞蹈表演形式的创新 21. 浅析现代舞动作的发展 22. 浅谈中国古典舞对戏曲舞蹈的借鉴 23. 新时期大学生校园舞蹈教育的思考 24. 浅谈中等师范学校的民间舞教学 25. 浅谈地域文化对中国民间舞蹈文化的影响 音乐教育 1. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育 2. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考 3. 浅议对高师音乐教育专业基础课程教学改革的思考 4. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用 5. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究 6. 音乐新课程标准下的高师音乐教育专业学生的职业素质培养 7. 合唱在中小学素质教育中的作用 8. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养 9. 论中学音乐课堂教学方法的多样性 10. 美育与音乐教育 11. 试论童声合唱的训练方法 12. 音乐新课标下的课堂教学方法研究 13. 中小学音乐教育与合唱活动 14. 高师音乐教育专业如何体现师范性的要求 作品分析 1. 析理查·施特劳斯交响诗《唐·吉诃德》中的引子的主题内涵 2. 浅析普罗科菲耶夫《第二钢琴奏鸣曲——Scherzo》的写作特征 3. 浅析莫扎特钢琴作品的和声曲式结构特征 4. 现代音乐作品中的情感因素 5. 对某某作曲技法的分析 6. 简述车尔尼练习曲 7. 论肖邦夜曲 8. 肖邦第一叙事曲解析 其他 1. 关于现代大众审美的思考 2. 浅论音乐音调与基本情绪运动状态的关系 3. 胶片上流淌着的音乐篇章——有关电影音乐的综述 4. “文化融合”视野下的探戈音乐 5. 17世纪古式风格与新式风格 6. 试论前古典时期的情感风格对古典主义音乐的影响
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1、美国黑人早期布鲁-鲁斯音乐的兴衰（1890-1929）2、高等学校音乐表演专业学业表现性评价研究3、音乐意义存在方式并及真理自行置入艺术作品的形而上学研宄4、全球化背景下贵州苗族音乐传播研究5、中国社会音乐教育钢琴课程之文化阐释与建构6、音乐心理视角下的肖邦第二钢琴奏鸣曲7、西方指挥艺术风格类型研究8、隋唐宫廷音乐表演研究9、卡拉斯的薇奥列塔10、学分制下艺术设计教学模式研究11、论打击乐与电子音乐的结合12、基于元理论的音乐表演艺术组织战略管理研究13、19-20世纪中叶捷克音乐的社会学研究14、内地音乐资源对澳门当代音乐的影响15、普通高校音乐表演专业课程体系重构研究以上十五个音乐专业方向的毕业论文题目由学术堂提供
毕业论文是衡量本科教学与科研水平的重要标准,既是学生毕业与学士学位资格认证的重要依据,也是学生运用理论知识与实践技能分析、阐述和解决问题之综合能力的体现。下面是我带来的关于本科音乐专业毕业论文选题的内容，欢迎阅读参考!
1. 高校美育与大学生创新思维发展研究
2. 农村中学音乐课程实施现状分析与推进策略研究
3. 我国中小学音乐教育现状调查及改革思路
4. 提高音乐素质 促进全面发展
5. 当今中国舞蹈创作的趋势
6. 高师声乐教育应注重实践
7. 普通高校大学生西洋古典音乐欣赏状况调查
8. 谈中国古诗词艺术歌曲创作及发展
9. 论钢琴表演艺术的发展趋向
10. 论新形势下的高校校园文化建设
11. 新农村传统艺术文化教育传播的思考
12. 高等教育大众化时代背景下的音乐学科建设
13. 舞蹈重返大众视野的时代意义
14. 戏曲身段与民族声乐表演
15. 试论音乐实践对于高校弘扬民族音乐的重要性
16. 驻马店市中小学音乐课程设置研究
17. 本科院校音乐课程改革的利弊
18. 《梨园春》对河南豫剧的影响
19. 中国民族乐器分类法研究
20. 汉代的鼓吹乐对近世礼俗音乐的影响
21. 百戏之流变
22. 两晋南北朝时期的音乐文化交流
23. 驻马店市说唱音乐探微
24. 李叔同学堂乐歌的创作实践
25. 萧友梅对中国近代音乐教育的贡献
26. 黎锦晖儿童音乐创作的艺术经验
27. 民族歌剧《白毛女》的成功经验
1. 西方早期合唱音乐
2. 舒曼声乐套曲《妇女的爱情与生活》的创作与构思
3. 贝多芬三个阶段的音乐创作
4. 欧洲中世纪单声部歌曲与世俗歌曲
5. 如何学习西方音乐史
6. 肖邦音乐的民族性
7. 快乐教学，是音乐课的法宝
8. 学习音乐，从热爱开始
9. 如何辨别和挖掘一个孩子的音乐才能
10. 音乐素养，提升人生价值
11. 合唱的和谐美给我们带来的震撼
12. 如何训练业余合唱团
13. 轻声练习的好处
14. 以“赏”为先的音乐教育
15. 让孩子们快乐地舞起来
16. 如何保持孩子持续的练琴热情
17. 如何运用科学的方法训练童声
18. 如何教孩子们学习节奏
19. 如何练琴才最有效
20. 提升艺术生的文化修养是当务之急
21. “音乐热”带来的思考
22. 跑调的分析与研究
23. 唱的高，还是唱的美
24. 注重技巧，还是注重表现
25. 假如我是一名音乐老师
26. 卓越的成就，至诚的爱国心――试论我国音乐学家王光祈
27. 校园歌曲的创作特点
28. 谈肖邦创作特征中民族精神的体现
29. 论贝多芬晚期的钢琴奏鸣曲
30. 戏曲曲牌与宋元市井民俗
1. 从城市音乐文化看“选秀”
2. 浅论音乐音调与基本情绪运动状态的关系
3. 论舒伯特艺术歌曲中音乐与歌词的相互关系
4. 从《蝴蝶》看舒曼钢琴音乐创作特征
5. 青主的两首代表性艺术歌曲《我住长江头》、《大江东去》的创作和演唱分析
6. 李斯特艺术歌曲初探
7. 学龄前儿童音乐教育的认知问题研究
8. 中国原创摇滚音乐中的民族元素面面观
9. 对贝多芬《“热情”奏鸣曲》理解演奏处理
10. 华语流行乐坛的“中国风”
11. 从“引进”、“模仿”到“探索”、“创新”-20世纪上半叶中国艺术歌曲发展的历史轨迹
12. 浅谈小提琴协奏曲〈梁山伯与祝英台〉的创作
13. 论20世纪上半叶中国普通学校音乐课程发展
14. 我看钢琴考级
15. 驻马店钢琴考级历史及其文化产业研究
16. 浅谈印象主义音乐
17. 试探二十世纪六、七十年代中国钢琴改编曲中的民族因素
18. 外音不“外”――试析肖邦钢琴作品中和弦外音的应用及其表现意义
19. 钢琴演奏指法选择的基础实践和基本原则
20. 胶片上流淌着的音乐篇章――有关电影音乐的综述
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网络音乐对流行音乐的冲击
西方音乐史在我的记忆当中就是以一些歌剧高雅艺术为主。
1899：Buddy Bolden乐队在新艾尔良街区和开放公园开始爵士乐演出；Eubie Blake在Baltimore进行Ragtime演出；Scott Joplin的《Original Rags》和《Maple Leaf Rag》在Sedalia问世。 生日：Duke Ellington 4/29。 音乐：《Banjo Rag Time》；《Belle of the Creoles》。 1900：Bunk Johson与 Loral一起巡演；King Oliver出现在了儿童爵士乐团体乐队。 生日：Wilbur DeParis 1/11; Walter Page 2/9; Tommy Ladnier 5/28; Louis Armstrong 7/4; George Lewis 7/13; Don Redman 7/29; Ethel Waters 10/31。 音乐：《The Voodoo Man》，《Blackville Strutters Ball》（Bert ）。 1901：生日：Paul Barbarin 5/5; Edmond Hall 5/15。 音乐：《Chocolate Cream Cake Walk》；《Hunky Dory Characteristic Walk March》。 1902：Jelly Roll Morton在新艾尔良的Tenderloin District开始演出。 生日：Jimmie Lunceford 6/6; Buster Bailey 7/19。音乐：《Naked Dance》(Tony Jackson); 《The Rag Time Dance》（Joplin）；《Bill Bailey》；《Won’t You Please Come Home？》。 1903：Scott Joplin的Ragtime剧《A Guest of Honor》在圣路易斯上演。 生日：Bix Beiderbecke 3/10; Ben Pollack 6/22; Jimmy Rushing 8/26。 音乐：《St. Louis Rag》（Turpin）;《Ida》。 1904：国家Ragtime竞赛在圣路易斯举行。 生日：Eddie Lang; Pete Johnson; Jimmy Dorsey 2/29; Glenn Miller 3/1; Bing Crosby 5/2; Fats Waller 5/21; Pinetop Smith 6/11; Count Basie 8/21; Joe Venuti 9/1; Eddie Condon 11/16; Coleman Hawkins 11/21。 音乐：《Red Devil Rag》；《The St. Louis Tickle》。 1905：生日：Meade Lux Lewis; Red Nichols 5/8; Jack Teagarden 8/20; Tommy Dorsey 11/19; Earl Hines 12/28。 音乐：《My Gal Sal》。 1906：George Baquet与Superior乐队合作。 生日：Barney Bigard 3/3; Frank Teschemacher 3/14; Pee Wee Russell 3/27; Bud Freeman 4/13; 5/11; Johnny Hodges 7/25; Vic Dickenson 8/6; Muggsy Spanier 11/9。 音乐：《Dill Pickles Rag》；《Chinatown》；《My Chinatown》
早期的多声部音乐的材料，大多数是由当时的音乐理论著作记载的。因此，借助这些理论论文来了解多声部音乐最初的发展状况是必不可少的。这些著作描述了一些在已经存在的旋律线上加一条平行运动的新的旋律线的方法，这里既已存在的旋律称为“主声部”（vox principalis），而平行运动的旋律称为“奥尔加农声部”（vox organalis）。从而，这种方法使圣咏的织体更加厚重，而不必改变诸如词乐关系、旋律轮廓和设计关系等音乐特性。最早的论文中最常见的平行多声部音乐是四度音程，有时也使用平行的五度和八度。新增加的声部通常被放置在原来的主声部下方，这时圣咏旋律仍占有主导地位。现存最早的确定地使用奥尔加农作为一种音乐的名称的文本，同时也是第一批描述演唱奥尔加农的实践的论文。它们就是无名氏的《音乐手册》和《注释手册》（Scolica Enchiriadis），二者都起源于拉昂地区，写作日期被认为是在约850-900年。在这两部论文集中，奥尔加农并不是指声部的多样性，而是指声音的性质，在理论上都产生于2:1，3:2和4:3这样的精确的数学关系。这些声音组成了一组被称为“协和”的特权音程，即八度、五度、四度及它们合成的八度音重叠。 《音乐手册》中开始讨论奥尔加农的那一章的名称叫做《论协和的属性》（De proprietate symphoniarum），直截了当地强调音程类型，而不是多声部的性质。《注释手册》则赞同了这种态度，声称一个奥尔加农声部的本质不在于它的相异性，而在于它通过“协和”和已有圣咏的关系。由于原则上和声部相关的“协和”在一部作品中从头到尾都是恒定的，这种最早的奥尔加农经常被现代研究者称为“平行奥尔加农”（parallel organum）。 《音乐手册》还指出了一些如何扩展到两条以上旋律线的方法。例如，一个声部是圣咏主声部的下方平行五度，这两个声部都被置为八度平行，一个是上方八度音，一个是下方八度音，最终结果构成了一个全都是平行运动的四声部，同时包括一个四度音、一个五度音和一个八度音。 《音乐手册》和《注释手册》在描述五度和八度的平行奥尔加农时意见一致，但在四度奥尔加农方面出现了分歧。《音乐手册》以一首继叙咏《天国之王》（Rex caeli）的第一乐句为例，讨论了斜向奥尔加农（oblique organum），它的前三个音程分别是同度、二度和三度，然后到达并保持在平行四度上，最后结束时是两个同度音。《音乐手册》作者还认为两个声部愉悦地一起发声。但《评注手册》认为四度上的严格平行奥尔加农是不可行的，会出现三全音这样不协和的音程，无法像别的协和音程一样和主声部始终保持完全的协和一致，应当自由地允许八度重叠。四度奥尔加农具有自己的自然法则，禁止奥尔加农声部下降超过一个低于四音列的音高，在圣咏乐句中以该四音列起始和结束。这种奥尔加农的奥尔加农声部以“边界音”（boundary tones）为特征，当圣咏处于任何四音列的较低音区时，边界音保持不变。《音乐手册》和《注释手册》并不是唯一一批解释奥尔加农早期实践的论文集。在十和十一世纪，还有《班贝格对话I和II》（Bamberg Dialogues I and II）、巴黎、科隆和布拉格论文等理论著作，而最有名的是意大利著名音乐理论家阿雷佐的圭多的《辨及微茫》。 圭多以发明线谱和六音列唱名法体系而著称。他的《辨及微茫》创作于1025年左右，比《手册》系列论文晚了一个多世纪。《辨及微茫》主要讨论了圣咏的音程、调式、旋律的形成和乐句的平衡，但作为松散的附录的两章专门讨论了奥尔加农。圭多对奥尔加农的解释包括三个要素。一个是“卧音”（occursus），即在一个乐句或乐句段结尾处的同度声部结合。另一个是边界音的概念，在这种情况下，奥尔加农声部要保持第三音高（C和F），从而准备正确地进行到卧音。第三个要素是根据其在四度奥尔加农中的使用来对音程分等级。圭多承认存在严格的奥尔加农，但反对使用五度和小二度等音程（“硬奥尔加农”，hard organum），却不反对同度到大二度、大小三度和纯四度的进行，其中四度处于最高等级，小三度则是最低等级。圭多提到和例举了严格平行四度奥尔加农，但只作为讨论“软奥尔加农”（soft organum）的开场白，四度奥尔加农“根据我们的习惯”来实际使用。圭多还描述了斜向奥尔加农风格，和《音乐手册》类似，其主要特征是一种运动到平行四度和同度终止式的用法。一些乐句结束于四度，是因为四度“更令人愉悦”，但最后的终止式应当总是落在同度上。 圭多允许的一个新手法是主声部和奥尔加农声部的交叉，同时他也允许主声部一个以上的音对应奥尔加农声部的一个音。 《手册》系列和《辨及微茫》都证实了即兴合唱多声部音乐的两种实践，一个是平行运动，另一个是斜向运动，它们应用于大部分日课的交替圣歌。这些论文的散布以及它们的原则暗示了这些实践从至少九世纪中期到十一世纪是一直流行的，还很可能延伸到中世纪末。在十一世纪下半叶，奥尔加农开始加速发展。到了1100年左右，产生了一种打破平行进行限制的新的“自由奥尔加农”（free organum）。这也是西方音乐史上的一次革命性进程。 奥尔加农教学的新阶段也显示于几部论文中，传统上将它们分成一组，围绕于一部名为《论奥尔加农的构造》（Ad organum faciendum）的无名氏作品。这些论文教授了一种新型奥尔加农，它并不基于单一音程上的平行运动，也不被每个声部八度重叠所放大，而是在两个声部之间自由混合使用八度、五度、四度和同度音程。它们将新的理论学说提高到判别和支持所教授的实践的水平。这些原始资料缺乏定年和起源的确定数据，从而不可能估计出这种新型奥尔加农在何时何地出现或成为主导。从《论奥尔加农的构造》的作者对圭多的攻击，可以判断这部论文晚于《辨及微茫》，但它写作于十一世纪的哪个时间点是不确定的。这一组的其它论文看起来不早于《论奥尔加农的构造》，包括两部《柏林论文》A和B、《布鲁日论文》、《米兰诗体论文》和《蒙彼利埃论文》，这一教学阶段或许可以称为“后圭多阶段”。 这些论文不属于综合性音乐理论论文，而是专门关于奥尔加农的独立著作。实际上，这些著作的流传范围很有限，没有一部现存超过两个手稿版本。和最早的奥尔加农论文相比，它们指出了奥尔加农教学的地位及奥尔加农本身在音乐思想的一般框架中的迁移。同时，这些著作传播有限，篇幅简短，教学多样化，都说明了这些构造奥尔加农的特定方法是十分本地化的，这与十三世纪巴黎圣母院乐派的多声部音乐的传播力和影响力大相径庭。 《论奥尔加农的构造》大肆攻击圭多的奥尔加农教学，声称与较早的奥尔加农风格和理论有明确的决裂。这种新理论包括两个基本要素：定义为音高（或声部）的多声部，“让不协和音和谐和让协和音不和谐”；卧音的概念，这时称为“结合音”（copula）。第一个要素认为奥尔加农声部应当遵守的原则不基于单个音程，而是基于四度和五度的混合。这种后来的发展十分重要，因为它既扩展了奥尔加农声部的音域，也为引入六度作为八度上的结合音的预备音程铺平了道路。第二个要素承认八度和同度都是结合音音程。结合音区别于卧音的新思想也十分重要。早期理论中的卧音要和已有的文本的主要语言单位和谐一致，语法上由顿号和逗号定义。而结合音没有这种一致性，标点的乐段没有任何语法上和音乐上的判据。 除了《米兰诗体论文》，其它论文的新教学都基于对乐段中某个位置构造奥尔加农的操作，这些位置包括起始、中间和结尾。相比其它论文，《论奥尔加农的构造》对起始和中间位置的音程限制更严格，只允许同度、八度、四度或五度。其无名氏作者将构造奥尔加农的方法分为五种组织模式（modus organizandi）：第一模式为连接式起始（conjunct inception），即起始于主声部的同度或八度的奥尔加农；第二模式为分离式起始（disjunct inception），即起始于主声部的四度或五度的奥尔加农；第三模式为乐句中只有四度和五度参与的奥尔加农；第四模式为起始和结合音之间为所有四种可以接受的音程的混合，即同度、四度、五度和八度；第五模式为奥尔加农声部中的繁复装饰，例如几个音高对应圣咏的一个音高。第五模式不但引入了词乐关系的多样性，还拓宽了声响范围，包括除了同度和“谐和”之外的音程。 《论奥尔加农的构造》假设的五种组织模式似乎将不守规章的实践人为地设计成某种系统的外观。尽管这些类别看起来有些矫揉造作，然而它们强调了奥尔加农演唱者的某些重要的关切。例如，连接式和分离式起始的选择，控制了奥尔加农后来的运动是否和圣咏平行或反向。奥尔加农声部音符的激增对节奏的和谐一致和声部的相对突出产生了影响。在历史上，这是对即将发生的华丽奥尔加农（florid organum）的首次实验。阿夫利赫姆的约翰（John of Afflighem或John Cotton）是第一位推动声部间反向运动作为一种奥尔加农特征的理论家，但他大约作于1100年的《论音乐基本原理》（De musica）中只有一章给出了简洁的观察，“不同的人有不同的（奥尔加农）实践”。这并不是一种严格的解决方案，而只是当原始旋律上升时奥尔加农下降或相反情况的一次最早的实践。 约翰论奥尔加农的那一章几乎没有给出如何构造奥尔加农的具体说明，也许是因为他对不同实践的敏感性，也许是因为习惯并没有正典化为一套自洽的规章。只有两个一般性策略被推荐给奥尔加农演唱者。一个策略是注意圣咏中的旋律进行和后来的响应，即对下降运动的上升音程或上升运动的下降音程的响应。另一个策略是注意圣咏的音域，对圣咏极高和极低音区回应低八度或高八度，在中间音区选择同度。约翰也提到了圣咏中单独一个音程对应奥尔加农声部一组音的可能性。 阿夫利赫姆的约翰对奥尔加农的处理方式预示了奥尔加农概念上的危机。他似乎也意识到了这种危机，聪明地通过剽窃圭多的单线旋律运动理论，去控制他本人对两条旋律线之间关系的讨论，以此来响应这种危机。《论音乐基本原理》中展现出的奥尔加农实践不再停留在刻板的理论概念上，即决定为什么某些音高或音程适合一个特定的圣咏音高或乐句中的位置的概念，而是随着可变的和多样的习惯去变化。这种状况最终导致一种关于两个声部相互作用的新的教学，强调分立的人声引导的一对声部，而不是整个乐句单位的句法。这种状况还导致了一个多声部音乐的新理论，其主要原则是对协和音和不协和音的系统性分类和一种规则的节奏体系。 尽管精确记录奥尔加农教学发展的十二世纪文献数量稀少而且时间也不确定，但结果是清楚的，到了十二世纪末和十三世纪初，出现了一种教授人声引导的曲式，这种曲式在十四世纪依旧是标准的。新的教学方法的出现伴随着一个新的名词——“迪斯康特”（discantus），这个词是希腊语“diaphonia”的拉丁化，而阿夫利赫姆的约翰更喜欢用“奥尔加农”（organum）。 这一时期的代表性论文是《伦敦/那不勒斯论文》，它将多声部音乐风格分为音对音织体的“迪斯康特”风格和有花唱织体的“奥尔加农”风格（当时的术语使用比较混乱，“奥尔加农”一词既指整个多声部音乐，也指花唱风格）。这种区分十分重要，因为它预示了未来多声部作曲发展的一个重要成果。圣咏和所加声部之间关系的变化也是多声部音乐发展史上的重要一步。早先的圣咏声部总是在高音区，而奥尔加农声部在它的下面，除了某些声部交叉的段落外。大约在1100年时，这种关系颠倒过来，圣咏开始作为作曲的基础声部，而所加的奥尔加农声部置于其上，并因此获得了突出和独立的地位。需要注意的是，以上这些带有简短示例的理论著作似乎是作为即兴演唱的实用手册而编写的，而即兴奥尔加农也不会因为创作奥尔加农的出现而终止。事实上，即兴演唱多声部音乐的传统又持续了数百年。后来出现的记写的实践性原始资料并未完全和这些理论论文所述的规则保持一致，而且曲目更加丰富，风格更加多样，我们将在下一节详细讨论。
《对于我国音乐理论工作的一点看法》（《中国音乐学》1986年第3期）《对我国西方音乐史研究现状的思考》（《中国音乐学》1986年第4期）《音乐体验的层次与方式》（《人民音乐》1986年第8期）《自我意识与音乐思维》（与孙国忠、洛秦合作，《上海艺术家》1987年第2期）《音乐史家的自诘与迷惑》（《中国音乐学》1989年第2期）《现代音乐的荒诞状态》（《中国音乐报》1989年2月3日第3版）《在突破中寻找自身》（《中国音乐报》1989年3月17日第3版）《1989年音乐学方法论研究综述》（《中国音乐年鉴》1990年卷）《实证主义及其衰落--二次大战后英美音乐学发展述评》（《中国音乐学》1990年第1期）《论西方音乐研究在我国的重建》（《黄钟》1990年第1期）《关于西方音乐书目翻译的选题推荐》（《音乐学术信息》1990年第1期）《寻找自立--谈西方音乐研究在中国的意义》（《人民音乐》1990年第2期）《荒诞及其本质--西方先锋派音乐中的主体抛弃与自我肯定》（《音乐生活》1990年第3期）《作为人文学科的音乐学》（《中央音乐学院学报》1991年第2期）《莫扎特歌剧重唱中音乐与动作的关系》（上、下，《音乐艺术》1992年第2期、第3期）《西方音乐研究的主要领域及其代表著述》（上、下， 《艺苑》音乐版，1992年第2期、第3期。）《作曲家与歌剧脚本作家的关系》（《音乐研究》1993年第4期）《无言的恳谈--漫话室内乐》（《音乐爱好者》1994年第5期）《音乐断想》（十二则，《音乐爱好者》1994年第6期）《今日权威碟评》（CD乐评四则，《音乐爱好者》1994年第6期）《音乐中的幽默》（《音乐爱好者》，1995年第1期）《西方音乐断代史研究导论》 （上、下，与孙国忠合作，《中央音乐学院学报》1995年第2期、第3期）《为音乐学辩护--再论音乐学的人文学科性质》 （《中国音乐学》1995年第4期。本文曾获上海市九四年至九五年哲学社会科学优秀成果论文类三等奖）《听乐与读乐》（《音乐爱好者》1995年第6期）《悲歌经典莎翁情--写在古诺歌剧〈罗密欧与朱丽叶〉在沪首演之际》（《歌剧艺术研究》1996年第3期。删节版《古诺歌剧〈罗密欧与朱丽叶〉》，载《新民晚报》1996年5月26日第15版。《唱片感受与现场体验》（《现代音响技术》1996年第7号）《孤傲天才 现代隐士--记钢琴怪杰格伦·古尔德》（《东方歌声》1996年第11期）《个体感悟与东方寓言--评97上海国际广播音乐节海外华人作品音乐会》（《音乐周报》1997年12月19日第3版）《探索音乐史：方法论反思四题》（《中国音乐学》1998年第1期）《经典故事 重新诠释--刘敦南舞剧〈梁祝〉观后》（《人民音乐》1998每第1期）《责任与人性的冲突――写在中国首演〈阿依达〉之际》（《文汇报》1998年9月2日第8版"笔会"专刊，《歌剧艺术研究》1998年第6期转载）《音乐的心灵回声――贺〈音乐爱好者〉发刊百期》（《文汇报》1998年10月18日第4版"笔会"专刊）《浮士德传奇的歌剧演绎》（《文汇报》1998年11月15日"笔会"专刊第4版；《歌剧艺术研究》1999年第1期转载）《歌剧〈浮士德〉：背景、诠释与评价》（上海大剧院98年11月下旬上演歌剧《浮士德》节目单专论）《古诺〈浮士德〉的上海之旅》（《新民晚报》1998年11月20日第32版；《歌剧艺术研究》1999年第1期转载）《论歌剧与音乐剧的不同美学品格：起源、音乐功能与展望》（《歌剧艺术研究》1998年第6期》）《普契尼的歌剧创作道路》（《音乐艺术》1998年第4期）《体验合奏之乐》《新民晚报》（1998年12月18日第32版）《1996年西方音乐研究综述》（载《中国音乐年鉴》1997卷）《解读〈茶花女〉：现实主义与心理洞察》（载1999年12月上海大剧院演出《茶花女》节目单，后转载于《音乐爱好者》2000年第1期）《歌剧的真谛：以音乐承载戏剧――评克尔曼的〈作为戏剧的歌剧〉》（《音乐艺术》2000年第1期）《期待郑京和》（《新民晚报》（2000年4月6日第17版）《〈西方文明中的音乐〉译后琐记》（《音乐艺术》2000年第2期）《坚守抑或退却？》（《文汇报》2000年2月24日第11版）《"专业乐迷"自白录》（《文汇报》2000年7月4日第11版）《〈简明牛津音乐史〉简介》（《音乐爱好者》2000年第3期）《巴赫的神性》（《爱乐》2000年第3期）《启蒙和觉醒――莫扎特〈魔笛〉的内》（《文汇报》9月9日第9版）《非常时代的诗意锻造――重听田丰交响合唱〈为毛泽东诗词谱曲五首〉》（《音乐周报》2000年9月15日第3版）《科普兰研究的新启示――读何平新著〈科普兰与他的音乐世界〉》（《中国音乐学》2000年第3期。）《世界儿童钢琴名曲集》注释解说（世界图书出版公司，2001年）《〈二十世纪十大音乐家〉绪论》（ 载《二十世纪十大音乐家》，上海古籍出版社2001年版）《未来的同代人――古斯塔夫·马勒》（载《二十世纪十大音乐家》，上海古籍出版社2001年版）《艺术歌曲创作漫谈――全国艺术院校艺术歌曲创作比赛观后记》（《人民音乐》2001年第2期）《寻访中国音乐之"真"》（《读书》2001年第2期）《〈西方文明中的音乐〉中译本前言》（删节版，《音乐爱好者》2001年第2期；另，此文的全文以""超越时间"的音乐史"为题刊登在《读书》杂志2001年第10期）《威尔第百年祭》（《爱乐》2000年第1、2期合刊）《展望理想的"音乐学生态"》（《黄钟》（武汉音乐学院学报）2001年第1期）《命运无情――谈柴科夫斯基的歌剧《黑桃皇后》》（《新民晚报》2001年5月27日第12版）《艺无止境――从李云迪获得肖邦钢琴比赛大奖说起》（《文汇报》2001年7月11日第11版）《以音乐透析政治――上海大剧院音乐会歌剧〈唐·卡洛〉观后》（《爱乐》2001年第9期）《形式的困境》（舒巧与杨燕迪对话录，《艺术世界》2001年第11期）《豪放的或隽永的》（回顾中国的爱乐杂志，《中国图书商报》书评周刊，2001年11月1日，第23版）《听莫扎特三境》（载《文汇报》5月28日，《爱乐》2002年第4期）《现代音乐与中西文化――从《响趣》音乐会谈起》（瞿小松、杨燕迪、孙国忠三人谈话录，《爱乐》2002 年第6期）《中西音乐文化比较笔谈》（载《光明日报》2002年3月21日）《音乐的"双城荟萃"》（《人民音乐》2002年第9期。删节版载《文汇报》2002年7月27日）《〈波希米亚人〉的诗意》（载《文汇报》2002年12月22日第八版）《日常生活的诗意――〈波希米亚人〉观后》（《歌剧艺术研究》2003年第1期）《经典的枕边书》（《剑桥插图音乐指南》书评），《中国图书商报》2003年1月10日第8版；另转载于《音乐爱好者》2003年第2期，更名为《学术型的音乐普及――读〈剑桥插图音乐指南〉》）。《19世纪浪漫主义的交响音乐》（载《美的启迪――全国著名专家谈美育》，北京：高等教育出版社，2003年， 第239－273页）《音乐与媒体》（《文汇报》2003年4月30日第13版《音乐·鉴赏》）。《社会批判与人性和解――〈费加罗的婚姻〉的人文/音乐解读》（《歌剧艺术》2003年第3）6、《听音寻路――论谭盾的新作〈地图〉兼及其它》（《文汇报》2003年8月8日第11版）