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艺术源于生活，艺术创作本身离不开艺术家的现实生活感受和对于人生的思考。下文是我为大家搜集整理的关于艺术与生活的论文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!
浅谈艺术创作与生活积累
摘 要：我们的创作无论是素材的来源还是技法的表现以及画面的意境都离不开平时我们对于生活的感受与领悟。生活中充满了艺术，艺术创作又恰如其分地表现生活。它们之间总有着千丝万缕的关联，既对比又统一。艺术作品的表现需要对技法的熟练掌握，但更需要作者长期的自我修养。专业与 文化 底蕴的积累和品性的修炼都会在作品里有所体现，恰好应对“画如其人”一说。本文通过对在艺术创作过程中，生活的感悟与自我修养在艺术创作中重要性的体现，发现加强理论与技巧的学习以及品性修养的提升的现实意义，以提升自我的艺术文化修养。
关键词：感悟生活;感染力;独创性
记得曾在《可染论画》一书中，打开扉页就被李先生的一句话所打动。他说：“艺术要向天、向地。天，是理论观点;地，是自己的实践。”①这句话看似浅显易懂又富含哲理，就像是李先生本人，有着最平易近人的外表又有着最是深沉厚重的灵魂。
哲学中常说理论与实践相结合，这无论是在生活中还是艺术创作上都有很大帮助。李老一句话形象而生动地概括了艺术创作中理论与实践这二者不可或缺的关系。无论是理论还是实践，都应该是我们在艺术创作过程中值得思考并注意的问题。在创作过程中，我们始终应该坚持理论与实践相结合。“读书破万卷，下笔如有神”，正是日常积累的多，思路才能渐渐打开，才能成竹在胸。有了理论知识做铺垫，动手表现时才能信手拈来。在行进过程遇到困扰的问题，我们可以利用理论知识帮自己解决，可以翻书查阅，可以向大师、前辈们学习。在我看来，在创作中丰富的理论知识和熟练的实践是分不开的。遇到瓶颈时，我们应该放下手中画笔，停下来好好思考或试着从书本中找解决的办法;又或是思路阻塞时，随意勾勾画画，让自己放松，让大脑放空。
细细品味，李先生的这句话又有着更深一层的意味。我们都知道，实践出真知，理论就是在实践积累出的 经验 中不断加工润色完成的，并且理论可以帮助我们更好地投身实践。理论与实践就是这样相互依存，相互转换，如此地循环往复下去。这样说来，又回到本质问题――一切都源于生活。生活是我们最好的老师，生活也是艺术最好的来源。我们正是从生活中发现美，感受美的力量与存在，逐步积累出表达美的 方法 ，才慢慢成长为我们的艺术。这过程本身就是一种艺术。是生活给了我们创作艺术、享受艺术的机会，让我们尊重生活这位真正的艺术大师!
反之，离开了生活，一切会变得空洞乏味，更何谈感染力。很多大师、前辈们的优秀作品都是反映生活，都是对生活的高度概括与写照。他们眼里的世界是如此的特别，处处充满着美丽与惊奇。法国杰出的现实主义雕塑家奥古斯特・罗丹有许多优秀的传世之作。他最具代表的一幅作品《思想者》(图1)。雕塑塑造了一个强有力的男子弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，低头沉思的形象。他那深沉的目光以及拳头挤压脸颊的姿态，表现出一种极度痛苦的心情。
他全身的肌肉紧绷，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，仿佛他陷入了无限的巨大的痛苦中。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。从作品中痛苦挣扎的情感我们不难发现，如果没有对但丁的《神曲》②的独到感受，没有对但丁的感同身受，没有对生活的细心体验与感悟，罗丹能将《思想者》表现得如此感情强烈、淋漓尽致吗?可见，艺术离不开生活。正如罗丹所说：“在艺者的眼中，一切都是美的，因为他的锐利的慧眼，注视到一切众生万物之核心，如能发现其品性，就是透入外形，触到它内在的‘真’。这‘真’，也即是‘美’。虔敬的研究罢，你一定会找到‘美’，因为你遇见了‘真’。”③
还有旅美画家李自健，他创作的许多母爱题材的作品同样是从生活中汲取的素材。他的《母女系列》其中一幅《孕》(图2)中描绘的其妻，恬静温柔。美丽的少妇低头凝视，似乎在屏息聆听腹中胎儿的动静，若有所思的眉宇间荡漾着母性的慈爱，让观者感到人世间的真善美都凝聚到了这位年轻母亲的身上。系列中的其他作品同样令人称赞，每一幅都洋溢着浓浓的温情与爱意，每一幅都是一个美丽温馨的 故事 。画家纯熟的技法加上真挚的情感打动了无数观者，这就是美的力量，就是幸福生活的剪影带给观众的震撼，这才具有真正的感染力。
任何美好的艺术品都是来源于生活。大师、前辈们创作的传世名作无不是反映生活的。如何能让自己的作品充满感染力，熟练的技法必不可少，但更需要画家为画作倾注的心力。我们付出了多少努力，观者是能感受到的。拉斐尔为创作《基督容变》时(图3)，他已身患重病，却一直在坚持绘制画作。虽未能完成，但出自其手的部分仍光辉照人，气势磅礴。他在生命的最后一刻，还在不断探索，丰富和完善自己的风格。我想，正是因为有作者付出的艰辛，他所呈现的作品才更具魅力，更能打动人。
作为美术 教育 专业的学生，我们应该多观察、多阅读、多思考，不论是充实自我还是为了今后教书育人。“行万里路，读万卷书”，只有见多识广，胸有成竹，我们的作品才能有令人满意的效果。同样，个人的修养不断提升，作品中自我的东西也会越来越多。只有我们坚持不懈地努力下去，“动心忍性，增益其所不能”，我们在艺术的道路上一定能走出自己的一片天地。
结语：
也许在创作之初，我们总是急于求成，想画出自己的东西，急于表达自我。“绘画的工作就是抓住它不放，将它定格，然后去确定它，加强它、深化它。一句话：艺术就是将瞬间化为永恒。”⑦在创作中才发现不能单单只是为了追求个性、风格。我们在求艺的道路上摸索，前辈们为我们树立了正确的榜样，为我们提供了源源不断的知识宝库。我们更应开阔自己的思维，放宽自己的眼界。我想，这才是时下我们应该去学习的。有时结果并不那么重要，因为我们在过程中体验到情感，体验到快乐，这就够了。年轻的我们不必太执着结果，享受过程带给我们的美好这才是最重要的。
注释：
①选自李可染著，孙美兰导读《可染论画》，上海书画出版社，2005.
②Commedia， Divine Comedy，意大利诗人阿利盖利・但丁(Dante Alighieri，公元1265-公元1321)的长诗。
③选自[法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷，译.傅敏，编.北京：中国社会科学出版社，1999.
④出自于《地狱之门》，奥古斯特・罗丹为巴黎装饰艺术博物馆而做的大门。
⑤⑥⑦选自冯骥才著，《艺术丛见》，中州古籍出版社，2005.
参考文献：
[1]李可染.可染论画[M].上海：上海书画出版社，2005.
[2][法]罗丹述，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷译.傅敏编.北京：中国社会科学出版社，1999.
[3]冯骥才.艺术丛见[M].郑州：中州古籍出版社，2005.
试谈艺术与生活
[摘要]艺术与生活的关系历来是理论家，文学家争论的焦点，王尔德作为西方唯美主义代表人物，其认为生活模仿艺术、艺术与生活是相脱离的，而郁达夫作为中国颇具代表性的唯美主义作家，在对待艺术与生活的关系上却认为生活模仿艺术，艺术与生活是相通的。本文就从两人对待艺术与生活的关系入手探究二者的唯美主义艺术观。
[关键词]唯美主义;王尔德;郁达夫;艺术与生活
佩特曾言，
“人生的目的不在行动(action)，而在于思考(contemplation)―是无为(being)，而非作为(doing)。”佩特对待人生这一观点其实是其唯美主义艺术观的宣言，在这里他认为人生是思考的人生，无为的人生，人生不具有功力性，同样艺术也是一样，艺术是思考的艺术，虽然唯美主义者常被认为是非功利的，有时也是无需思考人生的，然而真正的唯美主义是将艺术与生活融为了一体，人生与艺术的关系也成为了每位唯美主义者都不可回避的话题，也是众多理论大家争论的焦点，首先这一观点就引起了“为艺术而艺术”的王尔德的狂热追捧，只有弄清了艺术与人生的真正关系才能更好的在唯美主义的乌托邦里进行艺术的创作。
王尔德在现实生活中的也始终践行着其“为艺术而艺术”的观点，因此王尔德可以说是唯美主义的倡导者和实践者，而郁达夫作为唯美主义的接受者，其作出了自己独特的诠释。尤其在生活与艺术的关系上，二者有着异曲同工之妙。郁达夫作为五四文学的倡导者，最早接受了唯美主义，深受唯美的洗礼，但是由于二人生活背景，文化氛围，以及个人性情的不同，使得郁达夫在对待唯美主义尤其是艺术与生活的关系上是不同的。
一、“生活模仿艺术”与“艺术来源生活”
王尔德把《道连・格雷的画像》当做自己生活的缩影，道连・格雷因为对同性恋和美的追求遭到了惩罚，而王尔德在现实生活中就是一位同性恋者，作为脱离于社会和主流文化的一位唯美主义者，我们不得不说王尔德后期的生活是悲惨的，其在后期生活经历了入狱，被社会排斥等遭遇，生活陷入低谷，因此当他把其所有热情融进艺术当中时，他并没有预见自己将来也会像其作品中的道连・格雷一样，这真的验证了王尔德的生活模仿艺术，而不是艺术模仿生活，是对他这一理论的一种感悟，抒写艺术的同时，生活是按着艺术的轨迹发展的。
王尔德“唯美”的服饰，同性恋生活这些都是王尔德迥异于现实生活，脱离现实生活的表现，至少是将作品中的艺术生活照搬到现实生活中去了，完全不顾及现实世界人们的审美极限。当我们看到脱离现实生活进行艺术创作的王尔德，我们不免怀疑其艺术创作的源泉在哪里，而对于王尔德艺术创作的来源，“据理查德・埃尔曼说，当比尔博姆批评王尔德窃取(stem)了福楼拜的思想时，王尔德回答说：‘不错，我是剽窃(plasia-rise)’。这是有鉴赏力的人之荣幸。我读福楼拜的《圣安东尼的诱惑》时就从未在书末签上我的名字。Quevoulez-VOUS(别说了)!从这个意义上说，数百部最好的书都带有我的签名。”在这里得到了一个答案，王尔德在艺术作品的来源上都杜绝了与生活的关系，似乎我们看到的是一位与生活相脱离的极端的唯美主义者，然而即便是这样在王尔德众多作品中，更重要的他向我们呈现的王尔德在艺术创作上所追求的一种境界，一种唯美的境界。
郁达夫虽然也坚持“为艺术而艺术”的唯美主义艺术观，但是郁达夫更多的是感叹人生苦闷，表面上看来郁达夫生活中大有“人生苦短，早日行乐”之嫌，其实他本人更想传达给人们的是对现实人生的苦叹和悲悯。处于五四时期的郁达夫，更多的是苦于表达内心的苦闷，求助于唯美颓废派的艺术形式作为表现艺术的手段，唯美主义在郁达夫这里只是一种更有利于表现人生和生活的艺术形式，然而，一般人会认为这样的唯美主义创作是不纯正的，然而中国文学大家在接受唯美主义过程中，大都是“不专注”的，一方面艺术要表现生活，反映现实，另一方面又要脱离生活，看似矛盾的，似乎又回到了西方唯美主义艺术创作上来了，对于这一点，黑格尔早在《美学》一书中作了解释：“生命的力量，尤其是心灵的威力，就在于它本身设立矛盾，忍受矛盾，克服矛盾。”
所以说在艺术与生活的关系上，王尔德与郁达夫可以说是对立的，也可以是说是矛盾的，生活与艺术始终是难舍难分的，在看似复杂的艺术创作中，郁达夫更加倾向于让艺术表现并且再现生活，同时将反映人性虚伪的一面淋漓尽致的刻画出来，这就如同中国传统道德观将性本能看作是不道德的，是缺乏最基本的社会底线的，所以郁达夫在其创作的《沉沦》，《银灰色的死》，《夜茫茫》以及《春风沉醉的晚上》等作品中将主人公这些欲望表现出来时，在对这些心理扭曲的主人公进行抨击的同时，我们也了解到他们虽然都有病态的心理和人性的拙劣，但是他们在也都是对未来对生活充满渴望的年轻知识份子，但是就是在那个社会里，那个环境下，他们面对现实的社会所表现出的又是那么病态和扭曲。郁达夫已经意识到了这些小知识份子情感上的抑郁，生活的苦闷，并且在某种程度上也是当时社会所表现出的苦闷气氛，郁达夫在这里确实是注意到了将艺术创作与现实生活的结合，尤其是将现实社会里道德观念的束缚置于文本中去。
郁达夫通过创作出《沉沦》中一个忧郁症患者的主人公来实现自己的理想，其实是一种生活对于艺术的影响的艺术观。“他”虽然认为性本能的发生是一件合乎自然的事情，但“他”还是把为了满足正常欲望而进行的手淫视为“犯罪”，并“深自痛悔”;这里郁达夫将现实生活中存在的道德观念深入到艺术作品中，从而让现实生活来影响艺术，并没有一味的像王尔德一样脱离现实生活去创作纯唯美主义艺术。最后，甚至在自伤自悼中投海自尽，这些都有艺术创作中生活的烙印。生活的残酷和生活中人们对于自己的自责在小说中体现的淋漓尽致，艺术是离不开道德的因素而独自展现作品的，从这一点上，我们可以明显的看到郁达夫对于王尔德的生活模仿艺术的观点是不能认同的。
二、“脱离”与“相通”
生活与艺术是否存在着紧密联系还是相互脱离的这一点上，两人也存在着看似不同的观点。郁达夫认为艺术与生活是相通，相容的，艺术不能脱离生活，郁达夫深受“达则兼济天下、穷则独善其身”中国传统道德观点影响，因此其作品中显现的与生活紧密相连的观点也不足为奇，这并没有影响其在唯美主义艺术创作，相反使得其唯美主义的使用显得更加有血有肉。
“他抬起头来远远见了几家如装在盆景假山上似的草舍。看看城墙上孤立在那里的一排电杆和电线，又看看远处的地平线和一湾苍茫无际的碧落，觉得在这自然的怀抱里，他的将来的成就定然是不少的。不晓是什么原因，不知不觉他竞起了一种感谢的心情。过了一忽，他忽然自言自语的说：
“这谦虚的情!这谦虚的情!就是宗教的起源呀!淮尔特Wilde呀，佛尔兰Verlaine呀!你们从狱里叫出来的‘要谦虚’Behumble!的意思我能了解了。”
这是《茫茫夜》中的一段描写，这段话有一些对景物的描写，虽然是简单的几句话，却将主人公面对一些平常生活景物的感想呈现出来，将生活中最自然，最简单的东西与艺术作品相联系。郁达夫揭露生活的力量是强大的，所以在其作品《春风沉醉的晚上》才有了“我囊里正是将空的时候，有了这五元钱，非但月底要预付的来月的房金可以无忧，并且付过房金以后，还可以维持几天食料。当时这五元钱对我效用的广大，是谁也不能推想得出来的。”这样朴实但是深刻的文字，这是作品中主人公所面临的境况，但是联想到五四时期中国文人志士窘迫料到的生活现状，此处描写更能让人想到是现实生活，真的是将现实生活的窘迫和无奈融入艺术作品中去了。而王尔德，虽然有人认为道连・格雷是王尔德用于追求现实美与形式美的“自我”，然而道连・格雷更像是件艺术品，当竭力展示这件艺术品的时候，他就不再是件艺术品，而被生活所融人，变得就不再纯粹，这正是王尔德一直恪守的生活与艺术脱离的艺术观的一种表现。
波德莱尔在其《浪荡子》中曾说过这样一段话：
“一些人被称作雅士，不相信派，漂亮哥儿，花花公子或浪荡子，他们同出一源，都具有一种故意作对和造反的特点，都代表着人类骄傲中所包含的最优秀成分，代表着今日之人所罕有的那种反对和清除平庸的需要。”这些话用在王尔德和郁达夫再合适不过了，二者都是风流倜傥的“浪荡子”同样也都拒绝平庸，在两人绚丽多彩并且富有传奇色彩的一生中，他们都在文学界里激起了千层浪，王尔德孤立怪诞的性格却从来没有掩盖他的才华横溢，同样忧郁怪异的郁达夫也没有被埋没，虽然在主流作品，或者是满足人们正常审美的小说里，郁达夫以及王尔德的作品都成遭遇过“不测”被禁售，他们所创作出的主人公在当时的社会环境下市难以被大众所接受的，但是他们对唯美主义艺术的不懈追求以及绽放出的不一样的光芒的作品却为我们提供了审视社会，审视人生和生活的最好视角，可以说是他们是唯美主义艺术创作中的奇葩。
世界名画欣赏论文 --------梵高作品《星夜》赏析《星夜》赏析 摘要：1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。正是在这里，他以歪曲的长线，破碎的短线，饱满的色彩。为全人类创造了一幅奇幻的星空景象。一、作品叙述 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。 《星夜》为梵高圣雷米时期的代表作品。1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。梵高在这样的情形下并没有颓废，而是寻找到了自己艺术的突破，一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。出现在我们的眼前。作品中那些旋转的线条，粗犷有力，让人 感受到梵高内心的情感倾诉。二、作品形式分析 "他还做了另一个梦，把它告诉他的兄弟，看哪，我有更多的梦想，看哪，太阳，月亮和十一颗星再向我们敬礼。"圣经起源中的一段话给予了这位为天才创作的灵感。星夜是梵高的幻想，是梵高心中的宇宙。梵高以心中的星夜作为题材，充分表现出处于人世之外的自己对于星空的理解及感受。 整个画面，作者充分运用的夸张的艺术语言为我们展现了一个变形的，常人难以想象的，充满强烈震撼力的星空景象。作者运用弯曲的线条，以及线条旋转变化描绘出了那巨大的、卷曲旋转的星云，我们几乎无法从他的这幅作品中找到一条直线，作者的世界观仿佛在旋转。同时作者在色彩的运用上也独具匠心，全部运用大块的色域展现出一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月。同时，画中的图像都充满着象征的涵义。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到凡高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。 油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣赏日本浮世绘《冨岳三十六景》中的《神奈川冲浪里》，而《星夜》中天空的涡状星云画风被认为参考并融入了《神奈川冲浪里》的元素。三、作品解释 有云的夜空充满了旋转，恒星发光闪烁着自己，明亮的新月。虽然功能被夸大了,这是一个场景，我们都可以涉及到，也是一个最适合个人感觉舒适，安心。这天保持观众的眼睛画走动，下面的曲线和制造出一种视觉圆点星点使用。这一运动一直扎根在旁观者所涉及的绘画，而其他因素： 下面的地平线上连绵起伏的丘陵有一个小城镇。有一个和平的本质结构的流动从。也许阴凉窗口颜色和火热的火花回忆我们自己的天空繁星温暖黑暗的童年和年满夜间想象中存在的东西。镇中心的点是高大的教堂尖顶的，执政的建筑物基本结束较小。这种尖顶蒙上了一个小镇上的稳定感，并创建一个规模和意义上的隐居。为了画左侧有一个巨大的黑色结构，开发了一个更大的规模和孤立感。这种结构是宏伟的绘画相比，规模在其他物体。镜子弯曲的线条，创造的天空画的感觉深度。这种结构也允许观众解释它是什么。从布什山的一叶菜，形成分析，这是广泛和丰富多彩的。在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。 凡高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图象中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。四、作品评价 《星光灿烂的夜空》也许是文森特·梵高最有名的画作。独特的风格让人一眼就可以认出是凡·高的作品, 这幅作品是虚构的。Don Mclean曾献给文森特一首著名的同名歌曲"Vincent"又名"Starry Night"。即使梵高尝试了装饰性作品的创作, 也只有极少数评论家认可他这些作品并愿意支持他在这方面的尝试。其中的部分原因无疑是梵高没能举办他所希望的个人画展, 只有这样的画展才可能摆出自己的大批作品。古斯塔夫·卡恩倒是对梵高在1888年独立沙龙上参展的三幅作品做过评论, 他说"凡·高先生的画笔挥洒得很有力", 这样的评价实际上成了批评。有些评论的作者差不多把这种笔法干脆称为装饰性笔法。1889年, 费利克斯·费内翁曾经提到, 在这幅作品里,这种"无立体感的笔触构成了粗糙的草席似的图案", 同时那漩涡关的色彩像是直接从颜料管里挤出来的。乔治·勒孔特在文章中赞扬道："热烈的厚涂……各种颜色很自然地营造出了令人感到震撼的效果。"古斯塔夫·热弗鲁瓦将梵高描绘为一个"画风景画时简直就像在雕塑风景画"的画家。这些评论或许促使人们注意到了梵高作品的表现图案和装饰性, 而其笔法则可能被认为是一种将前景和背景统一在一视觉区里的手段。可是这些评论都只有三言两语, 而几乎没有对梵高的作品做更广泛或者更深入讨论。假如从一幅幅单张作品的角度上看, 刚劲有力、别具一格的笔触便意味着传统意义上气质或者独特的个风格, 而不是装饰性图案。而凡·高的身体健康状况一旦广为人知, 他们就会毫不犹豫地认为他的笔触证明了他的病态气质和性情的不稳定。"视域转化成浓厚的、有力的颜料浆, 沿着他的画笔的猛戳动作画出的线路展开了它的脉络。天空中央的星星的卷曲浪潮也许是无意中受了葛饰北斋的《大浪》的影响——但它的奔腾的压力, 在东方美术中却没有相等的例子。月亮从月蚀中走出来, 星星闪耀、汹涌, 柏树随着它们摇动, 把天空的韵律转化成自己的火焰状侧影的黑色扭曲。它们把天的激流传给了他, 完成了贯穿整个自然的活力的圈子。" (休斯)参考文献：《西方绘画史图录》邵大箴著 河北美术出版社《米勒传》 罗曼·罗兰著 山东画报出版社
经过近二百年的发展，西方各国的建筑在社会生产力的推动下，无论是建筑规模还是建筑形式,都出现了明显的进步，形成了和古典建筑不同的建筑风格。下文是我为大家搜集整理的关于西方建筑的论文的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈西方建筑与文明
【摘 要】罗马帝国第一任皇帝，奥古斯都也叫屋大维说，我得到的是砖头的罗马，我留下的是大理石的罗马。罗马的万神庙便是为他而建。“光荣归于希腊，伟大归于罗马。”欧洲人说。
【关键词】罗马帝国;古希腊;文明;建筑;三柱式
“古希腊是欧洲 文化 的摇篮，我们在哲学中以及在其他许多领域中常常不得不回到这个小民族的成就方面来……他们无所不包的才能与活动给我们保证了在人类发展史上为其他任何民族所不能企及的地位”――《马克思恩格斯选集》。可见此地的文化如何如何，在天文，地理，物理，数学，哲学，艺术的造诣。
古希腊的文明，由克里特岛到迈锡尼到雅典，大约公元前两千纪中叶，特里特岛上的国家统治了爱琴世界。数百年，从事手工业，航海业，以及海盗活动。最大的城市是克诺索斯城，号称“众城之城”，统治者是处事领袖又是祭祀。他们的建筑类型有住宅，宫殿，别墅，旅社，公共浴室和作坊，没有神庙。宫殿常以60*30米的院子为中心，有许多采光通风的小天井，屋子依地势而建，房子一层到四层不等，内部内部复杂，古希腊人叫他迷宫。
房子室内外多以柱子分隔，房间也以柱子分隔。柱子是古希腊的一大成就。
在古希腊的建筑，罗马的建筑及至今欧洲的建筑中，有一个不可或缺的便是广场，也可以说是剧场。在克诺索斯西北方向有一个主的露天剧场，后面的观众席逐渐升高，大约可容纳几百人，这里最早的露天剧场建造。
公元前1500年左右，克里特被灭，外敌可能是迈锡尼，迈锡尼成为爱琴世界最强大统治者。在希腊的巴尔干半岛，迈锡尼设防严密，非常险固，用巨石垒墙。从迈锡尼狮子门可见，迈锡尼的建筑大异于克里特，一个豪放一个纤秀华丽，一个有极强的防御性，一个毫不设防。
克里特，迈锡尼文化曾经戛然而止。
公元前8世纪，巴尔干半岛，小亚西亚西岸，爱情海岛屿建立很多奴隶制城邦国家，这些国家统治经济关系密切，但从求统一，总称古代希腊。
古希腊的建筑同样也是欧洲建筑的开拓者之一，建筑物与建筑群设计的一些基本原则和艺术 经验 。深深影响欧洲两千多年的建筑史。马克思评论希腊艺术和史诗时说“???仍然能够给我们以艺术享受，而是就某方面说，还是一种高不可及的范本。”
公元前500～前499，波斯帝国入侵，破坏了实行民主制度的小亚西亚的希腊。希腊城邦团结起来，奋勇抗敌打败了侵略者，一场保卫自由民主的战争，雅典起到重要作用，使雅典成为了各城邦的盟主。人民与财富纷纷涌来。雅典政治，文化，经济高涨。这时候圣地建筑群与神庙建筑成熟，建造了古希腊圣地建筑群，艺术的最高代表――雅典卫城，神庙艺术的最高代表――帕提农神庙。
双层围廊列柱式，紧致的山花，收分的株式，运用了视角矫正技术。
公元前431～前404暴发伯罗奇尼墩战争。以贵族专制体斯巴达为首的城邦，打败了以自由民主制的雅典为首的城邦。战后，奴隶制进一步发展。公元前338，马其顿王统一了希腊，随后亚历山大帝建立了横跨欧亚非三洲的大帝国。
古希腊最有名的便是三柱式。多立克也叫男人柱，爱奥尼克也叫女人柱，还有一种科林斯也称少女柱。当时人们对柱子的宽度，高度，两根柱子之间的距离所产生了美学有很大研究。古希腊另一种成就是神庙。结合株式，雅典卫城是古希腊最伟大的成就的表现。
罗马是意大利的一个小乡村。通过战争吞并壮大，他吸收了周围小国家的文化来丰富自己。波斯的，埃及的，古希腊的。他吸收继承了希腊的神庙，柱式，也使得建筑进一步发展。
罗马发现了混泥土火山灰，创造了拱券，结构，单?，筒拱，十字交叉拱，拥有了分段浇筑技术。在空间方面，人体尺度，静态封密，无导向性，在希腊三柱式后创造了罗马五柱式。
塔斯干柱，多力克柱，爱奥尼柱，克斯霖柱，复合柱。
建筑的发展，建筑学的著作应运而生，奥古斯都以军事工程师维特鲁威的《建筑十书》到现在，某些话语还在用。它是世界上第一部建筑学城市规划的书籍，坚固实用，美观，奠定了欧洲建筑科学的体系。
在罗马，由于四处征战，有无尽的奴隶，罗马水利很发达，建立了输水道，还用常流水冲去公厕的秽物。罗马公民成为摄政者供养的支持者。所以罗马的公共建筑非常发达，鼎盛时期罗马有三十万无业游民，他们压榨着奴隶的劳动。
执政官建立浴场，广场，角斗场。广场来供公民休闲，演讲。在罗马城有大大小小一千多个浴场，罗马人的生活每天睡到自然醒，穿上浴袍去浴场，晚上回家睡觉。最有名的卡拉卡拉大浴场，里面有商店，图书馆，音乐厅，运动场，还提供日光浴，人们在里面讲买卖，看演出，浴场文化到了后来是淫荡不堪，性病大行其道。
如果问罗马怎么灭亡的，一个在浴场泡没的名族。在罗马浴场，由于水中有铝，导致罗马人很多不能生育，早死。
浴场中有冷水厅，盐水厅，日光浴，可见当时罗马建筑的发达。罗马另一个有名的是斗兽场，四层建筑。一层是多立克柱，二层是爱奥尼柱，三层式科林斯柱，四层是石墙。每层有80个拱券，还有地下一层，所以还能处理流水系统，人流系统，而且当时社会要保证阶层之间不起冲突，安全性，建筑结合水的安全，等等问题，可见当时建筑的成就之高。
罗马帝国第一任皇帝，奥古斯都也叫屋大维说，我得到的是砖头的罗马，我留下的是大理石的罗马。罗马的万神庙便是为他而建。“光荣归于希腊，伟大归于罗马。”欧洲人说。
公元395年，古罗马分裂成东罗马，西罗马。在意大利及西部是西罗马，首都罗马。意大利以东是东罗马，后来的拜占庭帝国。
公元479年西罗马灭亡，西欧混乱一团，形成封建制而整个欧洲笼罩在教会之下。后来东罗马因为东方阿拉伯教的兴盛与罗马的东正教教义不和，出现了历史上的十字军东征，长达200年，后十字军攻打东罗马，东罗马于1453年被土耳其灭。
拜占庭在建筑商创造了帆拱，也就是我们所见到的穹顶建筑。最光辉的代表是圣索菲亚大教堂，它影响了俄罗斯，亚美尼亚，保加利亚。
中世纪由西罗马灭亡开始到十四～十五世纪。
西欧在一片荒芜中形成封建制，人民深深的苦难，使宣传禁欲主义，博爱的____发展起来，后来统治了西方一千年。由早期在郊外出现修道院到在城市中心出现城市教堂，教堂变得高耸来显得人的渺小，产生一种敬畏心理――哥特建筑。
欧洲出现的教堂多在那时建造，直刺天际。
教会的腐朽，压迫人性，阻碍了资本主义的发展，阻碍了人性。再加上，东罗马灭亡，学士们带着古希腊的文明逃到意大利，使意大利首先出现了文艺复兴，那时人文主义学者皮科在《论人的尊严》中假借上帝对亚当说“我给了你自由，不受任何限制，你可以为你自己决定你的天性……”当然文艺复兴也离不开美蒂奇家族对艺术的赞助。
文艺复兴出现的教堂，佛罗伦萨主教堂出现了肋拱，由出生于工匠的伯鲁乃列斯基建造。他精通机械，铸工。是杰出的雕塑家，画家，工艺家，学者。
文艺复兴是个伟大的时代，出现了新三杰，但丁，皮特拉克，薄伽丘，和后三杰，米开朗基罗，拉斐尔，达芬奇。
这些杰出人士他们在绘画，建筑，雕塑都是有名望的人士，尤其是米开朗基罗，教会也赞美他的建筑。
文艺复兴，迎来了建筑的大发展。
谈东西方建筑装饰中的植物
论文 关键词： 建筑装饰卷草纹比较 文化
论文摘要：建筑装饰中的卷草纹谈起，从比较文化的角度对东西方建筑装饰的差异进行分析，探讨建筑装饰在不同的民族、地区和时代所体现出的不同精神内涵和文化特征，使我们从更广泛的角度认识东西方装饰文化。
建筑装饰的形式和内容十分丰富，潜在的精神象征意义博大精深，我们从建筑装饰的形式中选取植物纹样——卷草纹作为切入点，以比较文化的角度对东西方建筑装饰的差异进行分析，探讨建筑装饰在不同的民族、地区和时代所体现的不同的精神内涵和文化特征。 编辑。
植物纹样在世界各国的建筑装饰中大量存在，其中卷草纹是不同文化形态中最具代表性的植物装饰纹样，卷草纹的首次出现，对装饰 艺术 史有着极大的意义。东西方的卷草纹装饰，彼此具有内在的 联系。对于卷草纹究竟属于何 种植 物，不同地区有不同的理解，从形式和构成 规律 方面看它们非常相似，都以植物藤蔓为纽带，互相交错，以叶片为点缀，穿插少量花蕾，具有连续性。无论东方的忍冬纹还是西方的莨苕纹，都以线条的生动构成有机纹样，使人们感受到一种植物纹样风格化和生成过程中所承载的人类情感。
一、古代 中国 和埃及的卷草纹饰
中国的卷草纹样出现于公元300年前后，在宫殿、庙宇等建筑装饰中较为常见。中国卷草纹最初称为忍冬草纹样，随佛教一起传入中国，多少带有宗教的含义。任何宗教性质的符号，只要具有艺术的潜能，都能随着时间而成为主要的或纯粹装饰性的母题。当一个母题因为与宗教意义有关而被频繁地在各种领域中特别是建筑上运用时，就会产生定式。忍冬纹以及与之同源的莲花纹样一起，在南北朝时期得到广泛 发展 ，主要体现在当时的石雕、壁画等装饰中。南北朝时期的装饰艺术具有极强的超现实主义风格，这种风格的形成与当时的 社会背景有着不可分割的关系，汉灭亡后，三国鼎立，数年战乱，人民生活苦不堪言，渴望摆脱现实进入美好的精神境界，此时佛教传入中国，各地开窟造像，敦煌莫高窟便始于此时。这种风格对卷草纹的形成和发展产生了一定的影响，使之具有自由、随意、唯美的特点。忍冬纹的特征为三瓣叶或四瓣叶图形，以富有变化的 组织形式构成有节奏的图案，其中有单独纹样、二方连续、四方连续等不同构成形式。随着时代的发展，卷草纹不断变化，这种最初的宗教装饰符号，其原始的含义逐渐被淡化，到唐代演变出更加丰富的形式。唐代建筑装饰风格华丽富贵，卷草纹样与葡萄、莲花、石榴、牡丹、宝相花以及祥禽瑞兽等纹样相融合，创造出极富理想主义色彩的植物装饰形象，以其流畅舒展的风格用于建筑的石雕、木雕、藻井、门饰、壁画等方面。
古埃及人最先创造了纪念性建筑，他们用极其耐久的石头建造神庙和陵墓。古埃及艺术是最先把植物的形象加以改变，使之成为装饰形式的，有两种植物与埃及文化紧密相连，即莲花和纸莎草。古埃及的卷草纹样以莲花、棕榈、纸莎草为主题构成藤蔓，花和花蕾点缀在卷曲的茎叶之间，形成优美的曲线，这种纹饰被认为是卷草装饰的基础。莲花和纸莎草生长于尼罗河岸边，莲花象征美好，纸莎草可用于书写，与人民生活息息相关，它们在埃及文化中具有特别的意义，常用于建筑柱头、柱身、壁画、门楣等装饰。埃及建筑装饰本质上是象征性的，是东方文化中将宗教与 政治 结合起来的强有力代表，它们不仅仅是纯粹的装饰，更是为了表达民族自身的观念、情感和思想。
二、古代希腊和罗马的卷草纹饰
富于韵律、节奏鲜明的植物卷草纹，在希腊建筑装饰中形成一道美丽的风景。虽然其渊源来自古代东方，但在希腊人这里被赋予了形式美。古希腊罗马的卷草图案，多用于柱子的装饰。古代希腊包括希腊半岛、爱琴海诸岛、小亚细亚沿岸、意大利南部及西西里岛五大部分，经历了荷马时期、古风时期、古典时期和希腊化时期等不同 历史 阶段，古希腊文明及爱琴文明，是西方文明的摇篮。西方的卷草纹主要以莨苕叶和葡萄纹为基础，组成弯曲的藤蔓，用于建筑装饰。莨苕最初是生长在地中海沿岸的一种低矮的多年生草本植物，在西方，“莨苕树”以其生命力特别旺盛，象征重生、复活而被崇拜和敬仰。古希腊罗马的神殿建筑多采用莨苕叶造型进行装饰，科林斯式柱头便以莨苕叶造型 雕刻 而成，象征神殿永存万世，如雅典利斯克拉底纪念碑的科林斯柱头装饰，以及厄瑞克忒翁神庙的柱饰、门楣、门框等建筑装饰，都是以莨苕叶为基础，以柔美流畅的卷草造型进行装饰。莨苕叶纹饰后来发展为罗马卷草纹，这种形象奇异、卷曲而充满生命力地向周围伸展的叶子，影响了阿拉伯藤蔓的形成(阿拉伯藤蔓演化为阿拉伯寺院的装饰花纹，具有生机盎然的气势和无限扩张的活力)。古希腊罗马建筑装饰中，葡萄卷草纹也很常见，以横向延伸的茎为基础，两侧安排葡萄和葡萄叶。葡萄卷草纹是由波斯传向西方的，因其象征丰收、多产和幸福而被人们所喜爱，在西方与莨苕卷草纹一样，逐渐成为主导型的植物装饰纹样，大量使用于建筑装饰。
东西方不同的 文化背景，使 建筑装饰具有不同的特点，基于人类精神情感的某些共性，不同文化又产生种种奇妙的 联系与融合。卷草纹作为不同文化形态最具代表性的植物装饰纹样，涵盖了东西方文化的相互渗透及 发展 演变。从比较文化的角度对东西方建筑装饰进行分析比较，能够使我们从 社会、 历史 、 政治 、 经济 、 心理等更广泛的角度认识建筑装饰文化。
参考 文献 ：
① (日)城 一夫：《东西方纹样比较》，孙基亮译， 中国 纺织出版社，北京，2002。
②(奥)阿洛瓦·里格尔：《风格问题》，刘景联、李薇蔓译，湖南 科学 技术出版社，长沙， 2000。
③赵子夫、唐利：《外国古典家具文化 艺术 》，辽宁 美术出版社，沈阳， 2001。
试谈西方宗教建筑及其文化
建筑是有灵魂的，精神依附于物质之上。当今很多的建筑忽略了建筑和其思想与精神的关系，研究建筑精神，具有重要的现实意义。本文从西方宗教建筑角度探讨建筑所体现的文化，诠释建筑和精神的完美结合。
西方文明起源于希腊。希腊的文明渗透着人本主义精神，即神是最完美的人的体现。
“ 希腊是泛神论的国土。它所有的风景都嵌入……和谐的框架里……每个地方都要求在它美丽的环境里有自己的神。”古希腊人崇拜神灵，他们认为每个城邦，每个自然现象都受一位神灵支配。希腊人祀奉各神灵并为之大力兴建神庙，为神灵提供栖息圣地，因而大大小小的神庙遍布古希腊各地。帕特农神庙是希腊全盛时期建筑与雕刻的主要代表，有“希腊国宝”之称，帕特农神庙是供奉雅典守护神雅典娜的神庙，帕特农神庙之名出于雅典娜的别号“ Parth enon ”转写，意为“处女”，是古希腊文明重要见证之一。希腊人神同位，正如意大利思想家维柯所说，不是神创造了人，而是人按照自己的形象创造了神，古希腊民族对人的重视，把人置放在高于自然与社会的位置上，主张人对自然与社会的改造和征服。帕提农神庙充分体现了古希腊文化的人本精神：把建筑本身看作是人向自然进军， 从而征服自然、驾驭自然的一种手段与 方法 ，坐落于郊野，高耸壁立而又傲然独有。
作为世界上最著名的建筑之一，帕特农神庙是希腊本土最大的多利克柱式庙宇， 代表着古希腊多利克柱式的最高成就， 而且也是全球公认的多力克柱式的代表。它集中了古希腊建筑艺术的精华， 融汇古希腊多利克柱式和爱奥尼亚柱式风格，多利克柱式给人一种刚毅雄伟、坚强有力的男性气质， 而爱奥尼亚柱式给人一种轻松活波、自由秀丽的女性气质。这种外围多利亚柱式，内殿爱奥尼亚柱式的形制，内柔外坚，反映出对人的美，对人的气质和品格的理解和尊重，以人为本，尊崇人体为最美的人本主义精神。
神殿的尺寸其整体结构每个角落接近希腊人喜爱的“黄金分割比”，如：台基的宽比长，柱子的底径比柱中线距，正面水平檐口的高比正面的宽……基本都是4：9，从而使它的构图有条不紊，繁而不乱。古希腊人认为，人体是最美的。通过探索，凭借智慧，他们发现了人体结构中的黄金比例，带有数学的神圣美。帕提农神庙在结构上合乎人体美的比例，一方面固然是出于对美的追求;另一方面，更重要的是在于对人的崇拜，由对人体美的赞叹、对和谐的追求引申出对人性美的企羡和推崇的人本精神。
帕提农神庙无论从选址、 形制还是结构都体现了古希腊人独特的建筑理念：人是万物之灵，人是万物之本，人是万物之尊，正是这种雄峙天外的意志、气势和精神，使建筑不再是一个冰冷的固体，它用独特的建筑语言给人启迪，即希腊民族以人为本的精神灵魂。希腊人创造了这种精神，正是这种精神，推动着希腊人乃至整个人类创造新的世界和新的精神。
罗马万神庙前一部分是门廊，即由两排科林斯式的柱子支撑着一个半三角形额墙的门廊，后面则是一个巨大的圆形神庙。万神庙作为奉祭众神的圣殿，由于希腊人信奉的多神教，那里每种神都有它自己的神庙，如雅典娜神庙，宙斯神庙等等。罗马的宗教信仰基本上也承袭了希腊移风，但在伊特鲁里亚的建筑影响下，罗马人把诸神集中起来供奉，即在一所神庙内，可以设几个圣殿。此处，古希腊神庙四周以柱廊相环绕，它显得亮畅些，故建筑平面是呈矩形状;而罗马万神庙，因供神的圣殿较多，可呈圆环形，但空间必须宏大，于是在伊特鲁里亚的拱劵结构的基础上，创造了这种从外观上看，比较封闭的拱顶结构。万神庙采用了穹顶覆盖的集中式行制，重建后的万神庙是单一空间、集中式构图的建筑物的代表，万神庙的结构简洁，形体单纯，其主体建筑是圆形的，顶上覆盖着一个直径为米的大弯顶，顶端高度也是米。这样简单明确的几何关系使万神庙单一的空间显得完整统一。
建筑史家说罗马万神庙“把古希腊的回廊移进了室内”的结果，这是罗马神庙建筑中的典型的帝国风格。万神庙主体建筑的美学风格可以概括为简单而庄严崇高，神秘而宏伟富丽，圆洞的设计把神像和天联系起来，这种神秘感是东西方宗教都在追求的。
每个时代都有代表自己最高艺术成就的艺术风格，对于中世纪来说，哥特式教堂无疑是最杰出的代表。后人称誉为中世纪的奇葩。
“哥特式”(Gothic)一词最初源于哥特人，哥特艺术是野蛮艺术之义，为贬义词。在欧洲人眼里罗马式才是正统艺术，继而兴起的新的建筑形式就被贬为“哥特”(野蛮)了。然而到12世纪以后，哥特式艺术作为一种熔铸了浓厚的____神秘主义意韵的新颖形式，成为风靡欧洲、高贵典雅的艺术风格。它的最高成就表现在哥特式的建筑中. 现今在西方仍然屹立着的许多气势宏伟的大教堂，如：法国巴黎圣母院，意大利米兰大教堂等，都是哥特式建筑的杰作。哥特式建筑风格之所以能够取代先前的罗马式建筑风格，最终是根源于宗教的需要。
哥特式建筑风格是法国劳动人民的伟大创造，也是世界建筑历史上的一个飞跃。它以“高、直、尖”的挺拔之势和轻盈之感为主要特征。精神的力量通过教堂表达，教堂是一所人与上帝对话的场所，所以它的高昂是将人的灵魂引入到高高在上的天国。在礼拜仪式方面，它保留了基本的十字形平面设计;在结构方面，它不再需要厚重的石材，却可以建造更高更多样化的拱顶。哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。这样一来，墙壁所空出来的空间就可以用雕塑、绘画和玻璃 彩绘 来 教育 教徒。
工匠应用了从阿拉伯国家学得的彩色玻璃工艺，拼组成一幅幅五颜六色的宗教 故事 ，起到了向不识字的民众宣传教义的作用，也具有很高的艺术成就。花窗玻璃以红、蓝二色为主，蓝色象征天国，红色象征基督的鲜血。同时教堂玻璃工匠们利用玻璃来描绘精神的象征符号：柔和的光线透过高高的侧窗洒落进来，暗淡的教堂中，光线集中在圣坛部分，这样可以将信徒的思想朝天空的方向引升。教堂玻璃典型特征之一的大花窗呈圆形，由精致的石肋分隔，好似轮辐，这暗示太阳，象征着基督，而嵌入的圆花则代表圣母玛利亚。“透过彩色玻璃花窗撒下的光线形象地表明了圣经的内容——它直接来自上帝之口，在圣母的体内化为基督之身，窗户是最常令人联想起圣母的物体之一。
哥特式教堂的宗教意义很鲜明地融入到建筑的艺术形式之中了，作为精神皈依的承载体，教堂能够挖掘更多的形式以向人们表现和诉说(如雕刻等)，可以说是一部“活现的《圣经》”。在建筑与雕刻上，哥特式艺术从不放弃任何一个细节，使一切建筑形体本身都充满了相应的宗教内涵和艺术表现。它以一种外在性的凝固形式形象地反映了中世纪西欧人内心深处汹涌激荡着的神秘而诡谲的宗教感受。在那些典型作品天主教堂中，不仅是那高耸人云的尖顶、充满了怪诞和夸张特点的巨大肋拱、五光十色的花窗隔屏，甚至连每一块石头、每一片玻璃和每一个精雕细镂的局部都在宣扬着____的彼岸精神和灵性理想。
参考文献、资料：
[古罗马]维特鲁威：《 建筑十书》，高履泰译，知识产权出版社2001年版，第76页。
余太星编.论哥特式教堂建筑结构与玻璃花窗的宗教寓意.第二期.学术探索.2006
信息伦理是研究人类信息活动中的伦理关系的学科。它以人类的信息活动为研究对象，研究人类的信息活动中的道德原则、规范、准则、道德关系和道德责任，研究人类的信息活动如何符合人类的根本利益。它是伦理学的一个重要分支学科。信息伦理是一个涉及到人类信息活动的方面的问题，是一个综合性很强的学科。信息伦理的研究范围涉及到社会生活的各个方面，如信息的获取、处理、存储和利用，信息活动的组织和协调等。
艺术流派：指在中外艺术的一定历史时期里，由一批思想倾向，美术主张，创作方法和表现风格很多相似或相近的艺术家们所形成的艺术派别，统称艺术流派。它是在社会的各种矛盾斗争中，在艺术论争和创作实践中逐渐形成、发展和变化的。艺术流派是艺术发展过程中的产物。不同艺术流派的出现及相互之间的借鉴和颠覆。以下是我为大家精心准备的：浅议世界艺术史上最早的三大艺术流派相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
浅议世界艺术史上最早的三大艺术流派全文如下：
摘 要： 经常说到的艺术流派是艺术发展过程中的产物。不同艺术流派的出现是艺术家在一定的世界观的指导下，运用自己丰富的情感和艺术修养，通过自己的创造性劳动来满足人们特殊的精神需要时所流露的美学主张、思想倾向等。不同的流派相互之间的竞赛和斗争是推动艺术发展和繁荣的重要条件。
关键词： 艺术流派 艺术 美学 流派
艺术流派的产生是艺术发展到成熟阶段才出现的现象，需要不同特点的艺术品作基础。形成艺术流派的先决条件是必须具有一定数量的艺术家队伍和较为丰富多样的艺术表现手段。事实上，艺术创造作为一种特殊的精神产物，包含着许多复杂的内容，艺术流派侧重从艺术史的角度来区分各种具有不同特点的艺术派别。17世纪以来，在艺术史上出现了产生重大影响的艺术流派，古典主义、浪漫主义、现实主义、自然主义、现代主义等。
1 古典主义学说
古典主义艺术起源于17世纪的法国，随后波及英、德等国家，指的是以古希腊和古罗马艺术为典范的艺术，一般具有明晰、严谨、形象、和谐的特点，歌颂理想主义、气魄宏大，多以神话、圣经和历史故事为题材。古典主义艺术以希腊的雕塑为最高范本。希腊雕塑表现了非常具体的形象，神总是作为人来表现的，在人体的形象中，神性由特殊转为普遍的人性，但是虽然在个别的形体里神还是要保持他们的普遍性，体现了古典艺术的静穆、典雅和理性主义精神。雕塑是最适宜表现这种特征的，因为它只以静态的方式存在。
拉斐尔对古典主义有着重大影响，作为意大利文艺复兴时期最伟大的画家之一，拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，他的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序。如[意]拉斐尔《圣母子》作品，这一点与古典主义主张的典雅、和谐是一致的。18世纪以前的古典主义具有注意细节的真实强调典型化;具有强烈的政治倾向和理想，艺术作品普遍比较理性化;对于形式的要求很严格，艺术语言精练细腻。到了18世纪下半叶，资产阶级与封建贵族之间的矛盾日益尖锐，法国酝酿着一声场巨大的革命风暴。他们厌恶了过分娇柔和胭脂粉的洛可可艺术，期待着更雄壮、更高尚的艺术出现，大批艺术家以对新的现实主义的探索使古典主义传统丰富起来，掀起了学习和研究古代艺术的热潮，出现了一场新的复古运动，这场运动在艺术史上被称为新古典主义。
2 浪漫主义学说
19世纪上半叶，经过大革命的洗礼，法国的资产阶级的地位逐步确立，此时的政治环境比较宽松，追求个人情感的表达、强调自我成为新的社会时尚。精神需要自由，而古典主义所措以表现的英雄与神的形象毕竟是有局限的，它已经与时代精神格格不入，这个矛盾导致了古典主义艺术的解体，接踵而来的是浪漫主义的艺术。
浪漫主义强调主观、个性、感情和非理性，是与学院派古典主义针锋相对的艺术，向往回归自然，表现理想，抛弃了古代希腊罗马的艺术传统，以强烈的激情和想象焕发出艺术的个性。与古典主义艺术相比较，浪漫主义艺术所表现的是人的主观世界，从物质的现实世界中退回到人的心灵世界里，追寻每个人自己内心的理想美，突出自我的主观性，从而激发了艺术家的创作情感。
在艺术创作中，浪漫主义不再把自然作为原型，而是以它为假托，以一种诗情画意的想象和热情来通过具体的艺术形象寄予个人的情感。浪漫主义艺术家一般都以一种超越现实的精神表达自己对理想生活的追求，追求那种多姿多彩的境界。浪漫主义的特征是有理想性。对理想的追求使浪漫主义艺术家对艺术创作保持激情;有抒情性。浪漫主义艺术家注重表现心灵的世界，侧重心灵对于生活的感受;有非真实性。
在艺术手法上多采用想象夸张，并不追求细节的真实性。神话故事《西游记》，其中孙悟空七十二变，就是运用了丰富的想象与夸张手法;又如英国浪漫主义艺术的先驱者之一布莱克，代表作《上帝创造亚当》，画面上上帝伸着长翅在空中急速向前飞驰，身体下面是被蛇缠绕的亚当，二者的形象都处在十分夸张的色彩和线条的律动中，对上帝的形象做了突破性的处理和想象，在技法和材料上也做了大胆尝试，运用了油画和水彩相结合，这种意想不到的艺术效果把人们带到一种梦幻的、神秘的气氛中。而在法国，浪漫主义运动影响更为深远，以籍里柯、德拉克洛瓦等为代表的浪漫主义绘画艺术代表了一个新的高度。
3 现实主义学说
现实主义是19世纪西欧出现的与浪漫主义相对立的一种艺术思潮，它真实客观地再现社会现实，在艺术形象中能最充分地表现现实生活的典型特征。由于现实主义艺术家的作品大多是对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义。
法国画家库尔贝在1855年个人画展的前言中，最早直接使用并解释了“现实主义”一词：现实主义像自己所见到的那样如实地表现出那个时代的风俗、思想和它的面貌。但现实主义作为一种创作方法以及形成的艺术流派，在人类历史上可谓由来已久，是人类艺术史上最为重要的艺术创作方法和创作流派之一。现实主义流派一般有三个特征。一是追求生活的真实性，代表作有托尔斯泰《安娜?卡列尼娜》，让书中的人物“做了在实际生活中常有的和应该有的事，而不是我希望他们做的事。”二是追求典型化，艺术家要对现实生活进行艺术的加工与创造，努力树立典型环境中的典型人物。
赵树理在《小二黑结婚》中描写了在当时土改时期由政府做主、自由恋爱这一普遍现象。小二黑和小芹追求幸福的这一勇敢的人物作为典型人物，再现了当时的社会环境以及事实。赵树理把握了典型时期的典型人物，给我们展现了那个时期的生活现实。三是追求思想倾向的隐蔽性。它将表现主观感情、思想倾向与再现客观社会生活情景有机地结合起来。如恩格斯所言：“我们不应该为了观念的东西而忘掉现实主义的东西，为了席勒而忘掉莎士比亚”，“倾向性应当从场面和情节中自然而然地流露出来，而不应当特别把它指点出来;同时我认为作家不必把所描写的社会冲突的历史的未来的解决办法硬塞给读者”。
信息伦理是指在信息需求、信息搜集、信息加工、信息利用、信息反馈等信息活动中的伦理要求、伦理准则和伦理规范。信息伦理是从计算机伦理到网络伦理逐渐形成和发展起来的。目前，信息伦理已经成为信息社会中人们应当遵守的基本行为准则和道德规范。
信息伦理（又称信息道德），是调整信息活动中个人与个人之间、个人与组织之间、组织与组织之间、个人与社会之间、组织与社会之间信息关系的行为规范的总和，是信息创造者、信息服务者和信息使用者在信息活动中普遍认同和共同遵守的符合社会一般要求的行为和伦理规范。
信息伦理的发展
信息伦理的兴起与发展基于信息社会的形成以及建立信息社会道德秩序的需要。自20世纪50年代以来，信息技术的产生与发展，使人类社会进入信息社会。20世纪70年代，美国教授W.曼纳提出了“计算机伦理学”。1971年.温伯格研究了信息技术对社会伦理问题产生的影响问题。从20世纪80年代中期开始，涌现了大量的信息伦理论文和专著，使信息伦理学的研究取得了突破性的发展。1985年，.穆尔在《元哲学》杂志上发表论文提出了“计算机伦理”的概念。同年，德国的信息科学家拉斐尔·卡普罗教授研究了电子形式下专门信息的生产、存储、传播和使用问题，并提出了“信息科学伦理学”、“交流伦理学”等概念。1986年，美国管理信息科学专家 .梅森提出信息时代有四个主要的伦理议题：信息隐私权、信息准确性、信息产权及信息资源存取权。
20世纪90年代，信息伦理学的研究冲破了计算机伦理学的束缚，将研究的对象更加明确地确定为信息领域的伦理问题，直接使用了“信息伦理”这个术语。1996年，英国学者 R.西蒙和美国学者 .特立尔共同发表了《信息伦理学：第二代》的论文，指出计算机伦理学是第一代信息伦理学，其所研究的范围有限，研究的深度不够，只是对计算机现象的解释，缺乏全面的伦理学理论。1999年，拉斐尔·卡普罗教授发表了《数字图书馆的伦理学方面》的论文，分析了信息时代发生巨大变化的背景下图书馆产生的伦理问题。2000年，拉斐尔·卡普罗教授又发表了《数字时代的伦理与信息》的论文，论述了数字时代图书馆的伦理问题，并指出：“作为一种描述性的理论，信息伦理学揭示了一种权利结构，这种权利结构对不同文化和不同时代的信息观念和传统观念的态度产生影响，作为一种不受约束的理论，信息伦理开创了对道德态度和道德传统的批判。”随后拉斐尔·卡普罗教授发表了《21世纪信息社会的伦理挑战》的论文，论述了信息社会的伦理问题，特别讨论了网络环境下提出的信息伦理问题。他将信息伦理学从计算机伦理学中区分出来。
2009年，我国开展了对不良网站的整顿工作，掀开了信息伦理学的实践序幕。
信息伦理的内容
信息伦理的内容包括个人信息道德和社会信息道德两个方面以及信息道德意识、信息道德关系、信息道德活动三个层次。个人信息道德是指人类个体在信息活动中以心理活动形式表现出来的道德观念、情感、行为和品质，如对信息劳动的价值认同，对非法窃取他人信息成果的鄙视等；社会信息道德是指社会信息活动中人与人之间的关系以及反映这种关系的行为准则与规范，如扬善抑恶、权利义务、契约精神等。
信息伦理的第一层次是信息道德意识，包括与信息相关的道德观念、道德情感、道德意志、道德信念、道德理想等。它是信息道德行为的深层心理动因。信息道德意识集中地体现在信息道德原则、规范和范畴之中。
信息伦理的第二层次是信息道德关系，包括个人与个人的关系、个人与组织的关系、组织与组织的关系、个人与社会的关系、组织与社会的关系。这种关系是建立在一定的权利和义务的基础上，并以一定信息道德规范形式表现出来的。
信息伦理的第三层次是信息道德活动，包括信息道德行为、信息道德评价、信息道德教育和信息道德修养等。信息道德行为即人们在信息交流中所采取的有意识的、经过选择的行动。根据一定的信息道德规范对人们的信息行为进行善恶判断即为信息道德评价。按一定的信息道德理想对人的品质和性格进行陶冶就是信息道德教育。信息道德修养则是人们对自己的信息意识和信息行为的自我解剖、自我改造。
信息主体的伦理规范
组成社会的三大支柱是物质、能量和信息。信息活动是人类社会不断进步、有序发展的保证，是人类社会走向和谐与繁荣的前提。尤其在当今信息社会中，所出现的信息超载、信息污染、贫富不均以及信息的无国界传播或越境数据流等现象，引起了人们对信息伦理问题的关注和研究兴趣。当面对信息污染、信息分化、信息作假等问题时，需要从信息伦理的角度深入思考。美国加利福尼亚大学网络伦理协会认为以下几种行为属于网络不道德行为：
（1）有意地造成网络交通混乱或擅自闯入网络及其相连的系统；
（2）商业性或欺性地利用大学计算机资源；
（3）盗窃资料、设备或智力成果；
（4）未经许可而查看他人的文件；
（5）在公共用户场合做出引起混乱或造成破坏的行为；
（6）伪造电子邮件信息。
在信息伦理道德关系中，以信息为主体的社会伦理道德关系占据了重要位置，需要相应的伦理道德规范来进行规范和指引。信息主体一般分为信息生产者、信息服务者和信息使用者。
信息生产者伦理规范
在当今的信息社会中，信息不仅仅用于沟通，而且还作为商品进行经营。在这种情况下，信息生产的道德控制就显得非常重要了。如果信息生产者没有正确的信息伦理道德规范，生产的信息产品在数量和质量上就难以保证，从而造成信息污染，甚至造成大的灾难，阻碍社会进步。当前，信息生产者的不道德行为非常令人担忧，如制造虚假信息、对信息成果的封锁、不加节制地生产大量垃圾信息、为非正当目的生产信息等。
信息生产者的道德规范主要有：第一，准确、客观、真实。尊重客观事实，反映客观规律，做到信息的准确、真实、完整，不弄虚作假、故弄玄虚、哗众取宠。要对使用信息成果所带来的负面效应承担道德责任。第二，及时。信息具有及时性，很多信息过期了就会失效，作为信息生产者需要及时给用户提供相应的信息。第三，适度的保密性。对于自己的发明、专利、技术等，信息生产者为了维护自身利益，允许在一定范围内具有一定程度的保密性。但如果肆意扩大保密范围，就将阻碍人类正常的信息交流，因而应受到社会道德的责难。
信息服务者道德规范
由于互联网的迅速发展，信息服务业蓬勃发展起来。快速发展的信息服务业应建立一个完整的道德规范体系，以保证信息从业人员的正确行为。从狭义的角度讲，信息服务者的道德规范就是信息从业者的职业道德。信息职业道德是信息工作人员在从事信息职业活动中逐渐形成的道德规范和行为准则。信息职业道德是优化信息服务者、信息使用者、信息生产者之间信息交往、信息行为的有力武器，是信息职业建设中的一个重要组成部分。
信息使用者道德规范
信息生命周期的终点是信息的使用。信息对人类社会的作用，主要取决于信息使用者的道德标准和道德信念。同样一条信息，有人用来造福人类，也有人用来制造灾难。信息使用者的道德规范应包括尊重别人的信息创作权、所有权、隐私权，不歪曲篡改他人的信息，不利用信息进行不正当竞争等违法犯罪行为，要利用信息为社会进步、人类幸福服务。信息使用者道德规范主要有：
第一，基本信息道德原则。①全民平等原则。一切信息行为需要服从于信息社会的整体利益，每个信息用户享有平等的社会权利和义务，信息网络对每一个用户都应该做到一视同仁。②社会兼容原则。信息主体间的行为应符合相互认同的规范和标准，个人的信息行为应该被社会所接受，信息用户之间的信息交往应实现行为规范化、语言可理解化和交流无障碍化。③共享互惠原则。作为信息用户需要认识到，既是信息和服务的使用者和享受者，也是信息的生产者和提供者。当他享有社会信息交往的一切权利时，也应承担社会对其所要求的责任。
第二，基本信息行为规范和信息礼仪。例如，在线交流的基本礼仪是：要让信息简明扼要；每条信息集中于一个主题；不要对信息发布者的社会身份做过多猜疑，最好就事论事；不要用学术网从事商业或盈利活动；签名可以包括姓名、职业、单位和网址，但不要超过4行，签名中可选择的信息可以包括住址和电话号码；大写的词只用来突出要点或使题目和标题更醒目，也可以用星号（*）围住一个词使它更突出；慎用讽刺和幽默，在没有直接交流和必要表意符的情况下，你的玩笑也许会被认为是一种批评；必要时采用缩写式等。
艺术流派：指在中外艺术的一定历史时期里，由一批思想倾向，美术主张，创作方法和表现风格很多相似或相近的艺术家们所形成的艺术派别，统称艺术流派。它是在社会的各种矛盾斗争中，在艺术论争和创作实践中逐渐形成、发展和变化的。艺术流派是艺术发展过程中的产物。不同艺术流派的出现及相互之间的借鉴和颠覆。以下是我为大家精心准备的：浅议世界艺术史上最早的三大艺术流派相关论文。内容仅供参考，欢迎阅读!
浅议世界艺术史上最早的三大艺术流派全文如下：
摘 要： 经常说到的艺术流派是艺术发展过程中的产物。不同艺术流派的出现是艺术家在一定的世界观的指导下，运用自己丰富的情感和艺术修养，通过自己的创造性劳动来满足人们特殊的精神需要时所流露的美学主张、思想倾向等。不同的流派相互之间的竞赛和斗争是推动艺术发展和繁荣的重要条件。
关键词： 艺术流派 艺术 美学 流派
艺术流派的产生是艺术发展到成熟阶段才出现的现象，需要不同特点的艺术品作基础。形成艺术流派的先决条件是必须具有一定数量的艺术家队伍和较为丰富多样的艺术表现手段。事实上，艺术创造作为一种特殊的精神产物，包含着许多复杂的内容，艺术流派侧重从艺术史的角度来区分各种具有不同特点的艺术派别。17世纪以来，在艺术史上出现了产生重大影响的艺术流派，古典主义、浪漫主义、现实主义、自然主义、现代主义等。
1 古典主义学说
古典主义艺术起源于17世纪的法国，随后波及英、德等国家，指的是以古希腊和古罗马艺术为典范的艺术，一般具有明晰、严谨、形象、和谐的特点，歌颂理想主义、气魄宏大，多以神话、圣经和历史故事为题材。古典主义艺术以希腊的雕塑为最高范本。希腊雕塑表现了非常具体的形象，神总是作为人来表现的，在人体的形象中，神性由特殊转为普遍的人性，但是虽然在个别的形体里神还是要保持他们的普遍性，体现了古典艺术的静穆、典雅和理性主义精神。雕塑是最适宜表现这种特征的，因为它只以静态的方式存在。
拉斐尔对古典主义有着重大影响，作为意大利文艺复兴时期最伟大的画家之一，拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，他的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序。如[意]拉斐尔《圣母子》作品，这一点与古典主义主张的典雅、和谐是一致的。18世纪以前的古典主义具有注意细节的真实强调典型化;具有强烈的政治倾向和理想，艺术作品普遍比较理性化;对于形式的要求很严格，艺术语言精练细腻。到了18世纪下半叶，资产阶级与封建贵族之间的矛盾日益尖锐，法国酝酿着一声场巨大的革命风暴。他们厌恶了过分娇柔和胭脂粉的洛可可艺术，期待着更雄壮、更高尚的艺术出现，大批艺术家以对新的现实主义的探索使古典主义传统丰富起来，掀起了学习和研究古代艺术的热潮，出现了一场新的复古运动，这场运动在艺术史上被称为新古典主义。
2 浪漫主义学说
19世纪上半叶，经过大革命的洗礼，法国的资产阶级的地位逐步确立，此时的政治环境比较宽松，追求个人情感的表达、强调自我成为新的社会时尚。精神需要自由，而古典主义所措以表现的英雄与神的形象毕竟是有局限的，它已经与时代精神格格不入，这个矛盾导致了古典主义艺术的解体，接踵而来的是浪漫主义的艺术。
浪漫主义强调主观、个性、感情和非理性，是与学院派古典主义针锋相对的艺术，向往回归自然，表现理想，抛弃了古代希腊罗马的艺术传统，以强烈的激情和想象焕发出艺术的个性。与古典主义艺术相比较，浪漫主义艺术所表现的是人的主观世界，从物质的现实世界中退回到人的心灵世界里，追寻每个人自己内心的理想美，突出自我的主观性，从而激发了艺术家的创作情感。
在艺术创作中，浪漫主义不再把自然作为原型，而是以它为假托，以一种诗情画意的想象和热情来通过具体的艺术形象寄予个人的情感。浪漫主义艺术家一般都以一种超越现实的精神表达自己对理想生活的追求，追求那种多姿多彩的境界。浪漫主义的特征是有理想性。对理想的追求使浪漫主义艺术家对艺术创作保持激情;有抒情性。浪漫主义艺术家注重表现心灵的世界，侧重心灵对于生活的感受;有非真实性。
在艺术手法上多采用想象夸张，并不追求细节的真实性。神话故事《西游记》，其中孙悟空七十二变，就是运用了丰富的想象与夸张手法;又如英国浪漫主义艺术的先驱者之一布莱克，代表作《上帝创造亚当》，画面上上帝伸着长翅在空中急速向前飞驰，身体下面是被蛇缠绕的亚当，二者的形象都处在十分夸张的色彩和线条的律动中，对上帝的形象做了突破性的处理和想象，在技法和材料上也做了大胆尝试，运用了油画和水彩相结合，这种意想不到的艺术效果把人们带到一种梦幻的、神秘的气氛中。而在法国，浪漫主义运动影响更为深远，以籍里柯、德拉克洛瓦等为代表的浪漫主义绘画艺术代表了一个新的高度。
3 现实主义学说
现实主义是19世纪西欧出现的与浪漫主义相对立的一种艺术思潮，它真实客观地再现社会现实，在艺术形象中能最充分地表现现实生活的典型特征。由于现实主义艺术家的作品大多是对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义。
法国画家库尔贝在1855年个人画展的前言中，最早直接使用并解释了“现实主义”一词：现实主义像自己所见到的那样如实地表现出那个时代的风俗、思想和它的面貌。但现实主义作为一种创作方法以及形成的艺术流派，在人类历史上可谓由来已久，是人类艺术史上最为重要的艺术创作方法和创作流派之一。现实主义流派一般有三个特征。一是追求生活的真实性，代表作有托尔斯泰《安娜?卡列尼娜》，让书中的人物“做了在实际生活中常有的和应该有的事，而不是我希望他们做的事。”二是追求典型化，艺术家要对现实生活进行艺术的加工与创造，努力树立典型环境中的典型人物。
赵树理在《小二黑结婚》中描写了在当时土改时期由政府做主、自由恋爱这一普遍现象。小二黑和小芹追求幸福的这一勇敢的人物作为典型人物，再现了当时的社会环境以及事实。赵树理把握了典型时期的典型人物，给我们展现了那个时期的生活现实。三是追求思想倾向的隐蔽性。它将表现主观感情、思想倾向与再现客观社会生活情景有机地结合起来。如恩格斯所言：“我们不应该为了观念的东西而忘掉现实主义的东西，为了席勒而忘掉莎士比亚”，“倾向性应当从场面和情节中自然而然地流露出来，而不应当特别把它指点出来;同时我认为作家不必把所描写的社会冲突的历史的未来的解决办法硬塞给读者”。
以绚丽色彩和健美造型树立了新的艺术典型，他象米开朗基罗那样长寿，又象拉斐尔那样幸运和受宠。提香可与米开朗基罗、拉斐尔为首的佛逻伦萨艺术传统争雄，对西方艺术影响极为深远。【没有问题的，这个我可以写的】
莱拉格多大学教授发表过许多论文，论文主要聚焦于经济学、金融学和数据科学等方面，一些特定论文内容包括：1. 《金融市场的学术研究：定价、应用和研究方法》：对金融市场的学术研究进行了定性、定量分析，给出了多个应用实例和分析方法。2. 《货币价值的动态表现：规划、保护和投资策略》：介绍了金融全球经济环境下，货币价值的动态表现，并给出相关的规划、保护和投资策略。3. 《数据科学与实践：从基本原理到开发调查》：介绍了实践数据科学方法，从理论上探讨了数据科学开发的核心原理和调查过程。4. 《市场经济的行为与决策》：介绍了市场经济环境下，决策者行为和决策的基础理论，同时还阐释了相关的实际应用。
拉斐尔前派的艺术理论论文
1848年9月，英国艺术家团体拉斐尔前派()在伦敦大英博物馆附近一位画家家里正式成立。发起人一共七位，而享特（WilliamHolmanHunt)、罗塞蒂(DanteGabrielRossetti)和米莱(JohnEverettMillais)二位画家为其主要代表人物。他们提出摒弃当时流行的各派画风，回归天真纯朴的自然本性笔调，这种返璞归真的含义是指回归意大利文艺复兴之前的中世纪纯真画意。他们以意大利画家拉斐尔（1483-1520年)的作品作为分水领，模仿中世纪壁画艺术的精致画法作画，以文学经典和宗教故事为主题，笔笔细腻,严谨真诚，色彩忧郁抒情。 拉斐尔前派前后虽只维持了五六年，但在美术史上却很重要，这批拉斐尔前派画家的风格，也断断续续影响了后世画家。
一
拉斐尔前派艺术是英国绘画风格审美变迁史上一段迷人的插曲,它的出现象征着维多利亚时代固步自封的保守意识的瓦解。拉斐尔前派的辩护者拉斯金(JohnRuskin)曾高声疾呼要人世间的画家都成善“观”善“感”的生灵,而享特、罗塞蒂、米莱则极力反对当时领导风气的古板守旧的学院艺术，他们以年轻革命者的身份提出拉斐尔前派社的理想：（1)要表达真正的意念;(2)要细心研究自然本性，才能传达自然本性;(3)要同情旧日艺术作品直接、严肃、真心的画法，不要守旧、自我炫耀、生搬硬套的作画态度；（4)最要紧是要画好作品、做好雕塑。
其实，拉斐尔前派的艺术理论并非空前创见。早在1810年,德国的那撒勒派画家(TheNazarenes)已经发起类似的复古运动，极力模仿基督教古代艺术作品,希望振兴拉斐尔之前古意大利的壁画艺术，并用但丁及早期文学经典作品作主题画画，这派画家的组织有人称之为“圣路加社”。拿撒勒派和拉斐尔前派的渊源很深，苏格兰画家戴斯(WilliamDyce)游历意大利时就曾结识那撒勒派画家,受其影响，回到英国提出了类似的绘画理论，堪称英国最早期的拉斐尔前派画家，而罗塞蒂等人正是从他的作品和画论中得到启示，组织而成拉斐尔前派。在时人看来,他们的作品“匠”气十足,拘泥形式，假冒古风、嫁接中世纪情絮，脱离现实，故在其成立之初，维多利亚时代保守主义者大为反感,觉得自己的地位受到威胁,不惜大举讨伐，要置其于死地而后快。在这种情况之下，拉斐尔前派反而一夜之间名声大震,成了伦敦画坛上前卫运动代表，并随着照相写实主义和新表现主义艺术流派蔚然成风,拉斐尔前派的象征主义精神得到了继承与发扬光大。
二
拉斐尔前派画家心细如尘,笔下人物、风景、室内摆设等画来一笔不苟,光暗分明，纤毫毕露，画笔恍如相机。并且，该派画家主张直接利用外光画画，这与19世纪末法国印象主义画派技法吻合，比莫奈、毕沙罗早了几十年。印象派画家是受了19世纪末科学精神的启发而在画作上追求外光照射的生动效果，拉斐尔前派画家所受的科学精神薰陶自然没有那么深刻,可是，对于光影在艺术上的运用技法，他们竟走在印象派之前。此外,他们的作品有很强的文学性，几乎每一幅画都带有名诗名著的神韵。因此，以主题而论,拉斐尔前派作品可分为:圣经与文学作品故事画、当代生活写实画、抒情画和人物画。
圣经故事主题的画作，首推享特的作品《圣殿会救主》。享特为了画这幅画，亲自到耶路撒冷及拿撒勒去搜集实景资料，圣殿里外的景物是在当地写生，可因当地不准用人做模特儿,只能回到英国后请伦敦犹太学校几位师生为创作做模特。此画前后画了五年多时间才完成，并以五千英国旧金币出售，是当时在世画家售价最高的作品。而米莱的《奥菲丽亚》已经成了举世闻名的经典之作，该画取材自莎士比亚作品《汉姆勒特》第四幕奥菲丽亚之死。画中“扮演”奥菲丽亚的模特儿是罗塞蒂后来所娶的伊丽莎白?西达尔，而画中的芦华、树、繁花、河流则都是实景写生。冶恩?琼斯《宽恕之树》灵感来自罗马古诗人奥维特作品，该题材伯恩?琼斯画过两幅，另一幅题名《菲丽斯与狄摩》，色泽构图稍嫌平板暗淡，《宽恕之树》则人物神情生动逼真。
除此之外,拉斐尔前派画家还善于以画应诗。米莱著名的作品《玛丽安娜》把大诗人坦尼森同名诗作里的四行诗形象化：
她只说我的`生活沉闷——他没有来，”她说我的生活沉闷——我宁愿我已经死了。”
这幅画捕捉文学作品中的伤感时刻;玻璃窗化上图案流、露宗教气氛,老鼠在地上游荡,室内枯叶与窗外花圃景色成强烈的生死对照,这也是拉斐尔前派作品特色。拉斐尔前派画家都喜欢画当代生活景象，他们最有兴趣的题材是堕落的女人。享特一度走遍花街柳巷,希望找到灵感画一幅“警世”之作，后来无意间想到《箴言》里一句话，由此作品《醒悟》应运而生。画中绘一青楼艳妇看到桌下的黑猫扑捉小鸟,小鸟还死命挣扎后，突然悲从中来，良心发现。作品融入了画家自身的真实感情,模特原型为画家恋人安妮，其生性浪漫放荡,享特为之倾倒,一度想改造她之后娶她,结果白费心机。
在描写当代生活的画作中，最深刻的要数布朗（FordMa?doxB_)的作品《诀别英国》。布朗是罗塞蒂的老师，画艺最高，虽不属于拉斐尔前派社,但彼此思想抱负相同。1852年英国民生疾苦，发生移民浪潮，英国人纷纷奔向澳州发淘金梦,布朗去给友人送行,想到自己事业不成，生活困苦，而画这幅伤感至极之作。为了刻画诀别的悲剧气氛,该幅作品以中产阶级夫妇为主角，他们斯文尔雅,深切体会到破釜沉舟的背井离乡之痛，画中丈夫离别祖国之际,为自己半生奋斗落空而凝神深思……怒海翻浪,天色阴暗,前途未卜。另有米莱的作品《秋叶》迷恋秋季红叶的气息,说是“令人忆起甜美的往事”。拉斯金认为这幅《秋叶》是最富诗意之作,而《英国秋天下午》是布朗“穷困疗倒,神智恍惚”之作。
罗塞蒂是画家,也是诗人,最善于融汇拉斐尔前派绘画艺术的精华。他的画可以有文学作品故事，同时表现当代人的心态,因心造境之处又因心造人。他晚期的画大半是以情人珍妮为模特儿，笔下形象竟成拉斐尔前派诗意少女的标志:浓眉、长发、楼唇、哀怨的眼神、丰满的胴体,百年后的今天依然惊艳。而《碧娅》一画题材取自但丁《炼狱》中的情节，碧tt给丈夫锁在疾病传染区里一幢古堡中等死:古堡露台一片萧索，石壁又冷又湿;乌鸦乱飞,无花果树的枝叶呈墨绿色;常春藤缠着栏杆，仿佛死里求生,碧娅的衣裙成淡紫色水纹,化出满身涟漪。身边一串念珠、一本经画、几封丈夫给她的旧信。这是罗塞蒂笔下一组描写痛苦婚姻的画作之一,暗示珍妮与摩里斯的夫妻关系,也流露自己对珍妮的恋情。他的作品《地狱女王》所用模特也是珍妮，题材取自罗马神话故事。画中珍妮站立在阴暗的廊上,手握石榴;背后墙上有天外光影,令人倍觉孤寂。薰香炉是女神标志,墙上一枝长春藤是象征魂牵梦绕的前尘影事。殷红的石榴与朱唇同色,都是致命的祸根,也是禁果,由此一幅《地狱女王》道尽了千古遗恨的恋情,也表达了画家胸中的情愫。
最后,他们自知到了绝望的边缘了，阴阳相隔的意识油然而生,罗塞蒂改变文学作品中情人死后自己流落人间的凄凉心情,转而描画死去的情人在天堂里忍受悸寂之感。而画作《天上痴心女》("HieBlessedDamozel)则是少女倚栏俯视人间情人，希望早上天堂幽会,背景是一对对得偿宿愿的痴男怨女。这幅画背叛了维多利亚时代认为天堂是极乐世界的信念,从而对维多利亚价值观提出挑战。
拉斐尔前派画家提倡回复天真纯朴的自然本性，不仅要捕捉希腊罗马古典中的本质,还要捕捉圣经故事和文学伤口中的本性，他们不放过维多利亚时代人情世故的真相，也不放过山川草木的真象,最后连天堂上的极乐世界也成了疑问。万物的本质和真象都是以疑问开始,以疑问终结。中世纪主义的哲学和美学环绕着这些疑问迸发出智慧的火花。整个拉斐尔前派运劫其实并没有起点也没有终点，因为他们的“中世纪之恋”是“疑问之恋”,而“疑问”是永无止尽的。于是,他们的信念,成了他们的疑问，拉斐尔前派社终于分裂了，但是他们的作品和思想流传后世,继续让我们感怀他们忧郁的情感，体验他们高远的艺术理想。
作者简介:李勇（1967-),江苏连云港人，连云港师范高等专科学校美术系讲师，主要从事油画创作、美术理论的教学与研究。
女装尺码国际统一分为 XS S M L XL XXL （外衣、裙装、恤衫、上装、套装）中国的尺寸用cm表示 身高 与衣服匹配的常规型号是：
155cm 胸围80 腰围64 型号为XS
160cm 胸围84 腰围68 型号为S
165cm 胸围88 腰围72 型号为M
170cm 胸围92 腰围76 型号为L
175cm 胸围96 腰围80 型号为XL
180cm 胸围100 腰围84 型号为XXL
这是中国女士衣服型号根据常规的身高以及腰围胸围匹配的尺寸小大，适用于符合这个尺寸范围内的人群，超出或者不足这个尺寸的人群应以自身合适的尺寸为主。
扩展资料：
尺码”一般指衣服的尺寸码数，衣服、鞋袜肥瘦或大小，以及人体的某些部位长短和大小。
常见服装有两种型号标法：
1、用国际字母表示 ：S（小）、M（中）、L（大）、XL（加大）。
2、 身高加胸围的形式，比如160/80A、165/85A、170/85A等。
第一种标注不规范，不管是国产服装还是进口服装，必须按中国的服装型号标准GB/T1335标注型号，英文字母只能作为辅助代码标注。
3、在国家标准GB/T1335中，女装上衣S号（小号）的号型是155/80A；M号（中号）为160/84A；L号（大号）为165/88A。“号”是指服装的长短，“型”是指服装的肥瘦。
4、如165/88A，斜线前后的数字表示人体高度和人的胸围或腰围，斜线后面的字母表示人的体形特征。
5、Y型指胸大腰细的体型，A型表示一般体型，B型表示微胖体型，C型表示胖体型，区别体型的方法是看胸围减去腰围的数值而定。
参考资料来自：百度百科——服装尺码
1、波司登
波司登创始于1976年，专注于羽绒服研发、设计、制作，每一件羽绒服至少经过150道工序。42年来不断创新，广受国内外好评，现在畅销美国、法国、意大利等72个国家，全球超2亿人次在穿。
波司登创始于1976年，是全国最大、生产设备最为先进的品牌羽绒服生产商，员工两万余人。主要从事自有羽绒服品牌的开发和管理，包括产品的研究、设计、开发、原材料采购、外包生产及市场营销和销售。
波司登集团1976年创立于江苏省常熟市。2016年8月，波司登在"2016中国企业500强"中排名第436位。
2、艾莱依
艾莱依集团诞生于1997年12月，是一家聚焦于风尚潮流产业的集团，旗下拥有的品牌为消费者们提供更时尚、更舒适、更有品质的生活。
集团活跃在时装、家用纺织品、童装、电子商务、服装制造等几大领域。目前呈现以艾莱依服装、NICKIE童装、艾莱依家纺、RolyQueen女装、电子商务等多元化发展。总部设在浙江丽水，管理中心位于上海，生产基地分布在浙江丽水、浙江平湖、安徽六安。
3、雅鹿
雅鹿1972年 创立于江苏省太仓市。集团活跃在时装、家用纺织品、童装、电子商务、服装制造等几大领域，目前呈现以雅鹿羽绒服、雅鹿男装、奥洛威男装、雅鹿女装、电子商务等多元化发展。
雅鹿，是一家以羽绒服、男女装为主的多品牌综合服装经营集团，集团董事会主席、总裁为顾振华先生。现有雅鹿、雅鹿·自由自在、雅鹿·纯彩地带等品牌销售。
4、坦博尔
青州市坦博尔服饰股份有限公司是一家集设计、生产、销售于一体的现代化羽绒服装企业，经过十余年的发展，企业已经步入了稳健发展的快车道，“坦博尔”已成为广大消费者信赖的中国驰名商标、中国名牌产品、羽绒制品行业最具影响力品牌、最受消费者欢迎品牌。
5、雪中飞
雪中飞羽绒服是波司登国际控股有限公司旗下的品牌。雪中飞以羽绒服为基础，并最终打造为最具影响力的动感新潮休闲服装品牌。
以“轻装上阵，飞悦中国”为主题、波司登集团旗下品牌雪中飞2012品牌盛典昨晚在常熟体育中心举行。据了解，这是雪中飞独立运营后的首次全国性大型品牌盛典。雪中飞品牌代言人冯绍峰领衔主演的全行业第一部微电影《雪中飞扬》当晚举行首映式，全国各大网络媒体同步上线。
参考资料来源：百度百科——波司登
参考资料来源：百度百科——艾莱依
参考资料来源：百度百科——雅鹿
参考资料来源：百度百科——坦博尔
参考资料来源：百度百科——雪中飞
女士衣服的型号有XS、S、M、L、XL、XXL。依次对应身高150㎝、150-155㎝、155-160㎝、10-165㎝、165-170㎝、170-175㎝。
如下表:
此外如果想要更准确的知道自己适合的尺码，还要结合自己的体重。根据下表可以更准确的了解:
扩展资料:
常见服装有两种型号标法：一是S（小）、M（中）、L（大）、XL（加大）；二是身高加胸围的形式，比如160/80A、165/85A、170/85A等。第一种标注不规范。不管是国产服装还是进口服装，必须按中国的服装型号标准GB/T1335标注型号，英文字母只能作为辅助代码标注。
在国家标准GB/T1335中，女装上衣S号（小号）的号型是155/80A；M号（中号）为160/84A；L号（大号）为165/88A。“号”是指服装的长短，“型”是指服装的肥瘦。
如165/88A，斜线前后的数字表示人体高度和人的胸围或腰围，斜线后面的字母表示人的体形特征。Y型指胸大腰细的体型，A型表示一般体型，B型表示微胖体型，C型表示胖体型，区别体型的方法是看胸围减去腰围的数值而定。
在寒冷的季节中，羽绒服绝对是我们的首选，那么今天给大家分享一些挑选羽绒服要注意的问题，一起来看看吧。
《斐波那契数列》哈尔滨工业大学出版社
高二年研究性学习数学课题结题论文 一、标题 “生活中的黄金分割”结题报告论文 二、署名 杨晶 三、内容提要和关键词 [摘要] 黄金分割是一种数学上的比例关系。黄金分割具有严格的比例性,艺术性,和谐性,蕴藏着丰富的美学价值。应用时一般取,就像圆周率在应用时取一样。黄金分割在生活的体现很多，在摄影、医学、生物界、建筑甚至人体，处处都有黄金分割。 [关键词] 黄金分割 和谐美 应用 四、前言： 在我们的生活中处处有数学，而历史悠久的可说是黄金比例了。它可追溯到古代雅典的巴特农神庙，它之所以显得那么和谐，是因为这个建筑符合黄金比例。在我们的生活中，摄影、医学、生物界、建筑甚至人体，处处都有黄金分割。普通书的长宽比是黄金分割；有些植物的花瓣及主干上枝条的生长，也隐藏着黄金分割；一些名画、雕塑、摄影作品的主题，大多在画面的„处。艺术家们认为弦乐器的琴马放在琴弦的„处，能使琴声更加柔和甜美。由此可见黄金比例的历史和作用。我们以“生活中的黄金分割”为课题展开研究，进行近一步的了解，使学生了解生活中有数学，从而热爱数学，喜欢数学。 五、主要研究内容、方法： 1、内容：生活中的黄金分割 2、方法：1）去图书关查找资料，翻阅图书或相关的书籍 2）上网查找相关的资料 3）询问老师；小组成员之间相互探讨 3、研究涉及的知识基础、所需资源： 数学的黄金比例，斐波那契数列知识，杂志，网上所涉及的黄金比例的内容。 4、研究思路、活动步骤及进度安排： 1． 将学生按班级分组，并分配各组成员的工作及调查方向。（第1周） 2． 到图书馆查找有关黄金比例的书籍，并摘抄有关内容。（第2-3周） 3． 到网上查找相关黄金比例内容。（第2——3周） 4． 整理资料，小组组员讨论，发表观点，互相展示研究成果。（第4周） 5、研究方法 成员分工以网络及图书馆书籍查找有关资料，并对其进行汇总、筛选、加工，成员根据其结果讨论分析，并展示研究成果。 六、研究结果 1、艺术中的黄金数 “"，这个比值因具有美学价值而被古希腊美学家运用到造型艺术中，因为凡符合黄金分割律的形体总是最美的形体。在美术史上曾经把它作为经典法则来应用。有许多美术家运用它创造了不少不朽的著名。例如达·芬奇的《蒙娜丽莎》、拉斐尔笔下温和俊秀的圣母像，都有意无意地用上了这个比值。 黄金分割对摄影画面构图可以说有着自然联系。例如照相机的片窗比例：135相机就是24X36即2:3的比例，这是很典型的。只要我们翻开影集看一看，就会发现，大多数的画幅形式，都是近似这个比例。 2、饮食、生活作息中的黄金数： “黄金分割”的比值为，它不仅是美学造型方面常用的一个比值，也是一个饮食参数。日本人的平均寿命多年来稳居世界首位，合理的膳食是一个主要因素。在他们的膳食中，谷物、素菜、优质蛋白、碱性食物所占的比例基本上达到了黄金分割的比值。 医学专家分析后还发现，饭吃六七成饱的人几乎不生胃病。还有喝5杯水。人体内的水分占体重的％，不计出汗，每天失去和需要补充的水达2500毫升。其中半固体食物供给的水和人体内部合成的水约1500毫升，大约占％。其余1000毫升需要补充，才能保持水平衡。因此，每人一天要喝5杯水。 一天合理的生活作息也应该符合黄金分割，24小时中，2/3时间是工作与生活，1/3时间是休息与睡眠；在动与静的关系上，究竟是“生命在于运动”，还是“生命在于静养”？从辩证观和大量的生活实践证明，动与静的关系同一天休息与工作的比例一样，动四分，静六分，才是最佳的保健之道。掌握与运用好黄金分割，可使人体节约能耗，延缓衰老，提高生命质量。 3、植物中的黄金数 植物叶子，千姿百态，生机盎然，给大自然带来了美丽的绿色世界（如下图）。 尽管叶子形状随种而异，但它在茎上的排列顺序(称为叶序)，却是极有规律的。你从植物茎的顶端向下看，经细心观察，发现上下层中相邻的两片叶子之间约成137．5 °。如果每层叶子只画一片来代表，第一层和第二层的相邻两叶之间的角度差约是137．5 °，以后二到三层，三到四层，四到五层„„两叶之间都成这个角度数。植物学家经过计算表明：这个角度对叶子的采光、通风都是最佳的。叶子的排布，多么精巧！ 叶子间的137．5 °中，藏有什么“密码”呢？我们知道，一周是360 ° ，360 ° – ° = ° ， ° : ° ≈。瞧，这就是“密码”!叶子的精巧而神奇的排布中，竟然隐藏着。 从自然界到日常生活处处都存在菲波那齐数列,存在黄金比率.某些花的花瓣数是斐波那契数:水仙花3瓣,金凤花5瓣,翠雀花8瓣,金盏花13瓣,紫苑花21瓣,雏菊花34,55或89瓣,向日葵的花盘上面有21个顺时针旋形与34个逆时针旋形;在动物中还可以发现一些软体动物的甲壳花纹,昆虫翅膀对的数目在一定程度上符合这个数列。 4、建筑中的黄金数 世界上最有名的建筑物中几乎都包含“黄金分割比”。遍布全球的众多优秀近现代建筑，尽管其风格各异，但在构图布局设计方面, 都有意无意地运用了黄金分割的法则, 给人以整体上的和谐与悦目之美。 举世闻名的巴特农神庙也是这样一个例子，神庙外部呈长方形，长228英尺，宽101英尺，有46根多立克式环列圆柱构成柱廊。 文明古国埃及的金字塔，形似方锥，大小各异。但这些金字塔底面的边长与高之比都接近于，在现代建筑中，一些摩天建筑中使用“黄金分割点”进行处理，能使平直单调的塔身变得丰富多彩；在这类高层建筑物的黄金分割处布置腰线或装饰物，则可使整个楼群显得雄伟雅致。如举世闻名的法国巴黎埃菲尔铁塔、当今世界最高建筑之一的加拿大多伦多电视塔（米），都是根据黄金分割的原则来建造的。上海的东方明珠广播电视塔，塔身高达468米。为了美化塔身，设计师巧妙地在上面装置了晶莹耀眼的上球体、下球体和太空舱，既可供游人登高俯瞰地面景色，又使笔直的塔身有了曲线变化。更妙的是，上球体所选的位置在塔身总高度5∶8的地方，即从上球体到塔顶的距离，同上球体到地面的距离大约是5∶8这一符合黄金分割之比的安排，使塔体挺拔秀美，具有审美效果。 最后,我们想告诉大家,数学的知识有的是我们生活实际中已经会的,但还没有找到规律,我们可以运用经验,通过实践活动把经验提炼为数学. 黄金分割"的实质就是这个神奇的数字。只要留心,就会在生活的方方面面发现其"魅影"。黄金分割是古希腊哲学家毕达哥拉斯留心生活发现1:的这个黄金比例最优美,和谐。数学在每个人身边,要有心去体验,发现。 七、参考文献 1、 2、北师大版八年级（下）《黄金分割的应用》
一、数学史的研究对象 数学史是研究数学科学发生发展及其规律的科学，简单地说就是研究数学的历史。它不仅追溯数学内容、思想和方法的演变、发展过程，而且还探索影响这种过程的各种因素，以及历史上数学科学的发展对人类文明所带来的影响。因此，数学史研究对象不仅包括具体的数学内容，而且涉及历史学、哲学、文化学、宗教等社会科学与人文科学内容，是一门交叉性学科。 从研究材料上说，考古资料、历史档案材料、历史上的数学原始文献、各种历史文献、民族学资料、文化史资料，以及对数学家的访问记录，等等，都是重要的研究对象，其中数学原始文献是最常用且最重要的第一手研究资料。从研究目标来说，可以研究数学思想、方法、理论、概念的演变史；可以研究数学科学与人类社会的互动关系；可以研究数学思想的传播与交流史；可以研究数学家的生平等等。 数学史研究的任务在于，弄清数学发展过程中的基本史实，再现其本来面貌，同时透过这些历史现象对数学成就、理论体系与发展模式作出科学、合理的解释、说明与评价，进而探究数学科学发展的规律与文化本质。作为数学史研究的基本方法与手段，常有历史考证、数理分析、比较研究等方法。 史学家的职责就是根据史料来叙述历史，求实是史学的基本准则。从17世纪始，西方历史学便形成了考据学，在中国出现更早，尤鼎盛于清代乾嘉时期，时至今日仍为历史研究之主要方法，只不过随着时代的进步，考据方法在不断改进，应用范围在不断拓宽而已。当然，应该认识到，史料存在真伪，考证过程中涉及到考证者的心理状态，这就必然影响到考证材料的取舍与考证的结果。就是说，历史考证结论的真实性是相对的。同时又应该认识到，考据也非史学研究的最终目的，数学史研究又不能为考证而考证。 不会比较就不会思考, 而且所有的科学思考与调查都不可缺少比较，或者说，比较是认识的开始。今日世界的发展是多极的，不同国家和地区、不同民族之间在文化交流中共同发展，因而随着多元化世界文明史研究的展开与西方中心论观念的淡化，异质的区域文明日益受到重视，从而不同地域的数学文化的比较以及数学交流史研究也日趋活跃。数学史的比较研究往往围绕数学成果、数学科学范式、数学发展的社会背景等三方面而展开。 数学史既属史学领域，又属数学科学领域，因此，数学史研究既要遵循史学规律，又要遵循数理科学的规律。根据这一特点，可以将数理分析作为数学史研究的特殊的辅助手段，在缺乏史料或史料真伪莫辨的情况下，站在现代数学的高度，对古代数学内容与方法进行数学原理分析，以达到正本清源、理论概括以及提出历史假说的目的。数理分析实际上是"古"与"今"间的一种联系。 二、数学史的分期 数学发展具有阶段性，因此研究者根据一定的原则把数学史分成若干时期。目前学术界通常将数学发展划分为以下五个时期： 1．数学萌芽期（公元前600年以前）； 2．初等数学时期（公元前600年至17世纪中叶）； 3．变量数学时期（17世纪中叶至19世纪20年代）； 4．近代数学时期（19世纪20年代至第二次世界大战）； 5．现代数学时期（20世纪40年代以来）。 三、数学史的意义 （1）数学史的科学意义 每一门科学都有其发展的历史，作为历史上的科学，既有其历史性又有其现实性。其现实性首先表现在科学概念与方法的延续性方面，今日的科学研究在某种程度上是对历史上科学传统的深化与发展，或者是对历史上科学难题的解决，因此我们无法割裂科学现实与科学史之间的联系。数学科学具有悠久的历史，与自然科学相比，数学更是积累性科学，其概念和方法更具有延续性，比如古代文明中形成的十进位值制记数法和四则运算法则，我们今天仍在使用，诸如费尔马猜想、哥德巴赫猜想等历史上的难题，长期以来一直是现代数论领域中的研究热点，数学传统与数学史材料可以在现实的数学研究中获得发展。国内外许多著名的数学大师都具有深厚的数学史修养或者兼及数学史研究，并善于从历史素材中汲取养分，做到古为今用，推陈出新。我国著名数学家吴文俊先生早年在拓扑学研究领域取得杰出成就，七十年代开始研究中国数学史，在中国数学史研究的理论和方法方面开创了新的局面，特别是在中国传统数学机械化思想的启发下，建立了被誉为"吴方法"的关于几何定理机器证明的数学机械化方法，他的工作不愧为古为今用，振兴民族文化的典范。 科学史的现实性还表现在为我们今日的科学研究提供经验教训和历史借鉴，以使我们明确科学研究的方向以少走弯路或错路，为当今科技发展决策的制定提供依据，也是我们预见科学未来的依据。多了解一些数学史知识，也不会致使我们出现诸如解决三等分角作图、证明四色定理等荒唐事，也避免我们在费尔马大定理等问题上白废时间和精力。同时，总结我国数学发展史上的经验教训，对我国当今数学发展不无益处。 （2）数学史的文化意义 美国数学史家m.克莱因曾经说过:"一个时代的总的特征在很大程度上与这个时代的数学活动密切相关。这种关系在我们这个时代尤为明显"。"数学不仅是一种方法、一门艺术或一种语言，数学更主要是一门有着丰富内容的知识体系，其内容对自然科学家、社会科学家、哲学家、逻辑学家和艺术家十分有用，同时影响着政治家和神学家的学说"。数学已经广泛地影响着人类的生活和思想，是形成现代文化的主要力量。因而数学史是从一个侧面反映的人类文化史，又是人类文明史的最重要的组成部分。许多历史学家通过数学这面镜子，了解古代其他主要文化的特征与价值取向。古希腊（公元前600年-公元前300年）数学家强调严密的推理和由此得出的结论，因此他们不关心这些成果的实用性，而是教育人们去进行抽象的推理，和激发人们对理想与美的追求。通过希腊数学史的考察，就十分容易理解，为什么古希腊具有很难为后世超越的优美文学、极端理性化的哲学，以及理想化的建筑与雕塑。而罗马数学史则告诉我们，罗马文化是外来的，罗马人缺乏独创精神而注重实用。 （3）数学史的教育意义 当我们学习过数学史后，自然会有这样的感觉：数学的发展并不合逻辑，或者说，数学发展的实际情况与我们今日所学的数学教科书很不一致。我们今日中学所学的数学内容基本上属于17世纪微积分学以前的初等数学知识，而大学数学系学习的大部分内容则是17、18世纪的高等数学。这些数学教材业已经过千锤百炼，是在科学性与教育要求相结合的原则指导下经过反复编写的，是将历史上的数学材料按照一定的逻辑结构和学习要求加以取舍编纂的知识体系，这样就必然舍弃了许多数学概念和方法形成的实际背景、知识背景、演化历程以及导致其演化的各种因素，因此仅凭数学教材的学习，难以获得数学的原貌和全景，同时忽视了那些被历史淘汰掉的但对现实科学或许有用的数学材料与方法，而弥补这方面不足的最好途径就是通过数学史的学习。 在一般人看来，数学是一门枯燥无味的学科，因而很多人视其为畏途，从某种程度上说，这是由于我们的数学教科书教授的往往是一些僵化的、一成不变的数学内容，如果在数学教学中渗透数学史内容而让数学活起来，这样便可以激发学生的学习兴趣，也有助于学生对数学概念、方法和原理的理解与认识的深化。 科学史是一门文理交叉学科，从今天的教育现状来看，文科与理科的鸿沟导致我们的教育所培养的人才已经越来越不能适应当今自然科学与社会科学高度渗透的现代化社会，正是由于科学史的学科交叉性才可显示其在沟通文理科方面的作用。通过数学史学习，可以使数学系的学生在接受数学专业训练的同时，获得人文科学方面的修养，文科或其它专业的学生通过数学史的学习可以了解数学概貌，获得数理方面的修养。而历史上数学家的业绩与品德也会在青少年的人格培养上发挥十分重要的作用。 中国数学有着悠久的历史，14世纪以前一直是世界上数学最为发达的国家，出现过许多杰出数学家，取得了很多辉煌成就，其渊源流长的以计算为中心、具有程序性和机械性的算法化数学模式与古希腊的以几何定理的演绎推理为特征的公理化数学模式相辉映，交替影响世界数学的发展。由于各种复杂的原因，16世纪以后中国变为数学入超国，经历了漫长而艰难的发展历程才渐渐汇入现代数学的潮流。由于教育上的失误，致使接受现代数学文明熏陶的我们，往往数典忘祖，对祖国的传统科学一无所知。数学史可以使学生了解中国古代数学的辉煌成就，了解中国近代数学落后的原因，中国现代数学研究的现状以及与发达国家数学的差距，以激发学生的爱国热情，振兴民族科学。 从普高教育上谈 数学史教学的教育功能 【摘要】 我国的数学教学一直注重形式化的演绎数学思维的训练,而忽视了培养学生对数学作为一门科学的思想体系,文化内涵和美学价值的认识.《普通高中数学课程标准(实验)》增加的数学史内容,弥补了这方面的不足.本文旨在探讨它的教育功能是如何体现的. 【关键字】 数学史 数学观 教育功能 《普通高中数学课程标准(实验)》(以下简称《标准》)新意迭出,在教学内容上的亮点之一是增加了数学史方面的内容,提供了有关的11个专题,指出要通过数学史的学习使学生"体会数学对人类文明发展的作用,提高学习数学的兴趣,加深对数学的理解,感受数学家的严谨态度和锲而不舍的探索精神."过去我们一直认为数学属于理科,学的应该是如何解题这样的方法技巧,而数学史像是文科的内容,作为课外了解的扩充知识倒是可以,成为正式的教学内容似乎没有必要.这种思想体现了我们一直以来对数学教育目的和内容的理解误区:只重视形式化的逻辑演绎能力的培养,而忽视了学习数学作为一门科学更内在的东西.下面我们就数学史教学的教育功能作一下探讨. 学习数学史可以帮助学生认识数学,形成正确的数学观 学习一门学科首先要弄清楚这是一门怎样的学科,《标准》明确提出要使学生"初步了解数学产生与发展的过程,体会数学对人类文明发展的作用",而现阶段高中学生对数学的看法大都停留在感性的层面上——枯燥,难学.数学的本质特征是什么 当今数学究竟发展到了哪个阶段 在科学中的地位如何 与其它学科有什么联系 这些问题大都不被学生全面了解,而从数学史中可以找到这些问题的答案. 日本数学家藤天宏教授在第九次国际数学教育大会报告中指出,人类历史上有四个数学高峰:第一个是古希腊的演绎数学时期,它代表了作为科学形态的数学的诞生,是人类"理性思维"的第一个重大胜利;第二个是牛顿-莱布尼兹的微积分时期,它为了满足工业革命的需要而产生,在力学,光学,工程技术领域获得巨大成功;第三个是希尔伯特为代表的形式主义公理化时期;第四个是以计算机技术为标志的新数学时期,我们现在就处在这个时期.而数学历史上的三大危机分别是古希腊时期的不可公度量,17,18世纪微积分基础的争论和20世纪初的集合论悖论,它同前三个高峰有着惊人的密切联系,这种联系绝不是偶然,它是数学作为一门追求完美的科学的必然.学生可以从这种联系中发现数学追求的是清晰,准确,严密,不允许有任何杂乱,不允许有任何含糊,这时候学生就很容易认识到数学的三大基本特征——抽象性,严谨性和广泛应用性了. 同时,介绍必要的数学史知识可以使学生在平时的学习中对所学问题的背景产生更加深入的理解,认识到数学绝不是孤立的,它与其他很多学科都关系密切,甚至是很多学科的基础和生长点,对人类文明的发展起着巨大的作用.从数学史上看,数学和天文学一直都关系密切,海王星的发现过程就是一个很好的例子;它与物理学也密不可分,牛顿,笛卡儿等人既是著名的数学家也是著名的物理学家.在我们所处的新数学时期,数学(不仅仅是自然科学)逐步进入社会科学领域,发挥着意想不到的作用,可以说一切高技术的背后都有某种数学技术支持,数学技术已经成为知识经济时代的一个重要特征.这些认识对于一个学习数学十余年的高中生来说是很有必要,也是必不可少的. 二, 学习数学史有利于培养学生正确的数学思维方式 现行的数学教材一般都是经过了反复推敲的,语言十分精练简洁.为了保持了知识的系统性,把教学内容按定义,定理,证明,推论,例题的顺序编排,缺乏自然的思维方式,对数学知识的内涵,以及相应知识的创造过程介绍也偏少.虽利于学生接受知识,但很容易使学生产生数学知识就是先有定义,接着总结出性质,定理,然后用来解决问题的错误观点.所以,在教学与学习的过程中存在着这样一个矛盾:一方面,教育者为了让学生能够更快更好的掌握数学知识,将知识系统化;另一方面,系统化的知识无法让学生了解到知识大都是经过问题,猜想,论证,检验,完善,一步一步成熟起来的.影响了学生正确数学思维方式的形成. 数学史的学习有利于缓解这个矛盾.通过讲解一些有关的数学历史,让学生在学习系统的数学知识的同时,对数学知识的产生过程,有一个比较清晰的认识,从而培养学生正确的数学思维方式.这样的例子很多,比如说微积分的产生:传统的欧式几何的演绎体系是产生不了微积分的,它是牛顿,莱布尼兹在古希腊的"穷竭法","求抛物线弓形面积"等思想的启发下为了满足第一次工业革命的需要创造得到的,产生的初期对"无穷小"的定义比较含糊,也不像我们现在看到的这样严密,在数学家们的不断补充,完善下,经过几十年才逐步成熟起来的. 数学史的学习可以引导学生形成一种探索与研究的习惯,去发现和认识在一个问题从产生到解决的过程中,真正创造了些什么,哪些思想,方法代表着该内容相对于以往内容的实质性进步.对这种创造过程的了解,可以使学生体会到一种活的,真正的数学思维过程,有利于学生对一些数学问题形成更深刻的认识,了解数学知识的现实来源和应用,而不是单纯地接受教师传授的知识,从而可以在这种不断学习,不断探索,不断研究的过程中逐步形成正确的数学思维方式. 三,学习数学史有利于培养学生对数学的兴趣,激发学习数学的动机 动机是激励人,推动人去行动的一种力量,从心理学的观点讲,动机可分为两个部分;人的好奇心,求知欲,兴趣,爱好构成了有利于创造的内部动机;社会责任感构成了有利于创造的外部动机.兴趣是最好的动机.在日本中学生夺取国际IEA调查总分第一名的同时,却发现日本学生不喜欢数学的比例也是第一,这说明他们的好成绩是在社会,家长,学校的压力下获得的.中国的情况如何呢 尚无全面的报道,但河南省新乡市四所中学的高中生学习数学情况的调查发现:"我不喜欢数学,但为了高考,我必须学好数学"的学生占被调查者的比例高达,而对数学"很感兴趣"的只有.可见目前中学生的学习动机不明确,对数学的兴趣也很不够,这些都极大地影响了学习数学的效果.但这并不是因为数学本身无趣,而是它被我们的教学所忽视了.在数学教育中适当结合数学史有利于培养学生对数学的兴趣,克服动机因素的消极倾向. 数学史中有很多能够培养学生学习兴趣的内容,主要有这几个方面:一是与数学有关的小游戏,例如巧拿火柴棒,幻方,商人过河问题等,它们有很强的可操作性,作为课堂活动或是课后研究都可以达到很好的效果.二是一些历史上的数学名题,例如七桥问题,哥德巴赫猜想等,它们往往有生动的文化背景,也容易引起学生的兴趣.还有一些著名数学家的生平,轶事,比如说一些年轻的数学家成材的故事,《标准》中提到的"从阿贝尔到伽罗瓦",阿贝尔22岁证明一般五次以上代数方程不存在求根公式,伽罗瓦创建群论的时候只有18岁.还有法国数学家帕斯卡,16岁成为射影几何的奠基人之一,19岁发明原始计算器;德国数学家高斯19岁解决正多边形作图的判定问题,20岁证明代数基本定理,24岁出版影响整个19世纪数论发展,至今仍相当重要的《算术研究》;还有的是许多出生贫穷卑微的数学家通过自己的艰苦努力,最终在的数学研究上有骄人成绩的例子,如19世纪的大几何学家施泰纳出身农家自幼务农,直到14岁还没有学过写字,18岁才正式开始读书,后来靠做私人教师谋生,经过艰苦努力,终于在30岁时在数学上做出重要工作,一举成名.如果在教学中加入这些学生感兴趣又有知识性的内容,消除学生对数学的恐惧感,增加数学的吸引力,数学学习也许就不再是被迫无奈的了. 四,学习数学史为德育教育提供了舞台 在《标准》的要求下,德育教育已经不是像以前那样主要是政治,语文,历史这些学科的事了,数学史内容的加入使数学教育有更强大的德育教育功能,我们从下几个方面来探讨一下. 首先,学习数学史可以对学生进行爱国主义教育.现行的中学教材讲的大都是外国的数学成就,对我国在数学史上的贡献提得很少, 其实中国数学有着光辉的传统,有刘徽,祖冲之,祖暅,杨辉,秦九韶,李冶,朱世杰等一批优秀的数学家,有中国剩余定理,祖暅公理,"割圆术"等具有世界影响的数学成就,对其中很多问题的研究也比国外早很多年.《标准》中"数学史选讲"专题3就是"中国古代数学瑰宝",提到《九章算术》,"孙子定理"这些有代表意义的中国古代数学成就. 然而,现阶段爱国主义教育又不能只停留在感叹我国古代数学的辉煌上.从明代以后中国数学逐渐落后于西方,20世纪初,中国数学家踏上了学习并赶超西方先进数学的艰巨历程.《标准》中"数学史选讲"专题11—— "中国现代数学的发展"也提到要介绍"现代中国数学家奋发拼搏,赶超世界数学先进水平的光辉历程".在新时代的要求下,除了增强学生的民族自豪感之外,还应该培养学生的"国际意识",让学生认识到爱国主义不是体现在"以己之长,说人之短"上,在科学发现上全人类应该相互学习,互相借鉴,共同提高,我们要尊重外国的数学成就,虚心的学习,"洋为中用". 其次,学习数学史可以引导学生学习数学家的优秀品质.任何一门科学的前进和发展的道路都不是平坦的,无理数的发现,非欧几何的创立,微积分的发现等等这些例子都说明了这一点.数学家们或是坚持真理,不畏权威,或是坚持不懈,努力追求,很多人甚至付出毕生的努力.阿基米德在敌人破城而入危及生命的关头仍沉浸在数学研究之中,为的是"我不能留给后人一条没有证完的定理".欧拉31岁右眼失明,晚年视力极差最终双目失明,但他仍以坚强的毅力继续研究,他的论文多而且长,以致在他去世之后的10年内,他的论文仍在科学院的院刊上持续发表.对那些在平时学习中遇到稍微繁琐的计算和稍微复杂的证明就打退堂鼓的学生来说,介绍这样一些大数学家在遭遇挫折时又是如何执著追求的故事,对于他们正确看待学习过程中遇到的困难,树立学习数学的信心会产生重要的作用. 最后,学习数学史可以提高学生的美学修养.数学是美的,无数数学家都为这种数学的美所折服.能欣赏美的事物是人的一个基本素质,数学史的学习可以引导学生领悟数学美.很多著名的数学定理,原理都闪现着美学的光辉.例如毕达哥拉斯定理(勾股定理)是初等数学中大家都十分熟悉的一个非常简洁而深刻的定理,有着极为广泛的应用.两千多年来,它激起了无数人对数学的兴趣,意大利著名画家达芬奇,印度国王Bhaskara,美国第20任总统Carfield等都给出过它的证明.1940年,美国数学家卢米斯在所著《毕达哥拉斯命题艺术》的第二版中收集了它的370种证明,充分展现了这个定理的无穷魅力.黄金分割同样十分优美和充满魅力,早在公元前6世纪它就为毕达哥拉斯学派所研究,近代以来人们又惊讶地发现,它与著名的斐波那契数列有着十分密切的内在联系.同时,在感叹和欣赏几何图形的对称美,尺规作图的简单美,体积三角公式的统一美,非欧几何的奇异美等时,可以形成对数学良好的情感体验,数学素养和审美素质也得到了提高,这是德育教育一个新的突破口. 【参考文献】 【1】中华人民共和国教育部制订 普通高中数学课程标准(实验) 人民教育出版社 2003 【2】张奠宙 李士锜 李俊 编著 数学教育学导论 高等教育出版社 2003 【3】李文林 编 数学史概论 高等教育出版社2002 【4】张楚廷 著 教育部高等教育司 组编 数学文化 高等教育出版社 1999 【5】赵鸿涛 李华轩 高中生数学学习情况的调查 新乡教育学院学报 2003年 04期