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我也要写啊 你写好了没
从上个世纪20年代的中期开始，随着湖北、湖南、河南、安徽等地楚墓的不断发掘，把一个神奇的艺术天地，从两千年以前的地层中展现出来，使我们有缘领略到上古时期南方楚人奇异而丰富的艺术创造。那是怎样的一个艺术世界哟，那种奔放、跃动、飘洒、流动的原始浪漫主义气质，那种镂金错彩、繁复富丽之美，那种带有原始艺术的奇诡、怪诞的造型特质和巨大的幻想性、象征性、隐寓性的艺术观念，实在令人赞叹不已。每当我们为楚美术奇幻的形制、跃动的线条和绚丽的色彩而感慨的时候，我们深深地被楚人的创造心智所震撼！我们不能不与那些古老的图式、形象、线条、色彩、韵律产生心灵上的共鸣。这就是楚美术的神奇魅力，也是上古时期人类心智和精神的永恒呈现。如果把楚美术放在世界文化大视野中去透视，楚美术所取得的这种成就，在上古时期也是具有世界意义的。诚如有的学者所言，“楚艺术不惟明显区别于中国东周时期北方地区的艺术，也是与人类在古代世界所有杰出的艺术创造，与早于它的古代埃及艺术、巴比伦艺术、以及与它大致同期的古希望艺术、稍后的罗马艺术相互辉映的”。（参见皮道坚：《楚艺术史》，第5～6页，湖北教育出版社，1995年）的确如此，楚美术之于中国艺术发展史，乃至整个世界艺术发展史的意义，在于它以奇丽无比的想象和极富个性的创造构成了一个特殊的艺术天地，折射出了楚人在上古时期的物质生活和精神世界状况，那些具有神秘感和形式美的图式，作为人类永不复返的阶段而具有无穷魅力。 一、本土艺术的南北分流 艺术南北分流，这在中国艺术史上是一个不容回避和忽视的地域现象。早在史前艺术的萌芽时期，在北方的黄河流域和南方的长江流域母土里孕育起来的艺术事象，就明显地存在着风格和气质上的南北差异。同为稚拙天真、原始狂野的史前岩画，北系岩画多以动物、狩猎和放牧为主，其作者多为巫师兼猎人，对动物有敏锐的观察力，风格写实，追求逼肖物象，画风粗犷、质朴而生动，生活气息较浓。南系岩画则密切围绕宗教祭祀，大量表现人自身的形象，但突出的是宗教的神秘感，人物有符号化、装饰化和半抽象的特点，画风简约，具有浪漫的精神倾向。艺术源头上的地域差异成为艺术南北分流的决定性基因，这基因经过几千年的传承和积淀，在中国上古时期的奴隶社会中晚期，再次显示出强劲势头。此时作为南北艺术的突出代表，它们分别是代表北方文化的中原艺术和代表南方文化的楚艺术。楚美术灵巧、清奇和俊逸，中原美术谨严、雄浑和庄穆，一南一北的两大艺术事象竞辉争妍，成为中国艺术史上交相辉映的双子星座 从上古时期本土艺术的南北对比来看，北方的中原艺术与南方的楚艺术可以互为参照。北方中原艺术的形成和成熟，并具有自己独特的个性，是来自上古时期中原本土的东西文化的融合。中原的东部地区是殷文化，西部地区是周文化，这两支文化虽然同处于北方，但却有着明显的差异。殷文化是重感情、富有宗教情绪的原始文化。殷人崇拜自己的祖先，并把祖先与天神相混合，祭祀频繁而隆重，他们创造了媚神敬祖的乐舞，这种文化以狞厉为特征，并通过青铜器上的饕餮纹饰表现出来。其艺术图式于沉静中透出巨大的威严，仿佛要创造一种超凡的力量，可以对那些想象中的事物和精灵施加魔法，用非理性的精神、情感震慑统治无理性的身心。殷艺术气质沉静、写实、繁缛、工整，但却是玄想的产物。周文化则以理性为特征，虽然沿袭了殷人的某些风貌，但却是吸收和消化了殷文化之后，根据自己的个性而进行的创造，并很快就显示出了自己的独特气质。周人的青铜器造型浑圆、饱满、舒展，纹饰和谐、亲切、大方，大块的空白显示出质朴、开朗的气息，有着安详而富有秩序的理性精神。随着世俗化的加快，周人不再像殷人那样在原始宗教的迷狂中焕发阴森而深远的想象力；他们似乎天生富有理性精神，他们也崇巫，但不如殷人那般迷狂，他们也崇拜祖先，但却把祖先置于天神之上，以孝治天下代替神道设教；他们的政治不是原始残酷的拼杀，而是等级森严的理智化、伦理化的政治。这样一个冷静、理性的民族，其艺术图式自然有着理性的沉静与质朴，并超越殷人成为中原文化的主流。 地缘上居于江汉流域的楚文化与北方中原文化明显地拉开了距离，它有着极其复杂的构成而又自成一体。它既吸收了北方殷周文化，同时也吸收了南方蛮夷文化，但在气质上更接近于殷文化，与周文化相比有着更多原始宗教色彩和天真的自然气息。这种文化气质决定了楚艺术图式不是偏向理性的、写实的，而是偏向情感的、想象的。它既不像周艺术那样凝重、庄穆，又不像殷艺术那般狰狞和威严，它是狂放而奇诡的。那些神秘怪诞的复合造型，充满了无拘无束的想象，完全是一个充满了原始野性活力的世界；那些飞扬流动的纹饰，洋溢着浪漫的激情和充沛的生命活力，完全是一个富于抽象意味的动态世界；那些繁富艳丽的色彩，浓烈鲜明，和富于装饰性的配置相结合，产生了极为热烈而又神秘的效果，使原始野性世界笼罩在一片神秘、绚丽、热烈的氛围中。这一切显现出了楚人卓越的创造才能和艺术智慧 中原艺术崇尚刚健、笃实和辉光的美学原则。楚人则崇尚刚柔相济，既肯定刚健自为、自强不息精神，又随顺自然，与“天”合一。楚人在开疆拓土的创业过程中，奉之为精神法宝，同时，楚地浓厚的文化底蕴和形形色色的宗教崇拜使其艺术更加恣肆灵动。庄子那飞扬恣肆的浪漫情怀、个体的主体意识和博大的、宇宙意识也充分地体现在楚美术中。因此，我们看到的楚器物造型，无不体现出轻巧、灵动、清奇和俊逸的美学特征。 对自然的信仰和亲近是楚艺术精神的又一体现。楚人从来没有把人和自然分离开甚至对立起来，总是把自己当成宇宙的公民，总是怀着一种泛神论的自然观，就连中原人在理性意识支配之下认为绝无生命的对象，往往也被楚人纳入到自己的宇宙生命意识之中，这是具有宗教性或准宗教性的意识。然而正是在这里面蕴含了楚人孜孜以求的诗意，包孕了真正的眷恋、激情、冲动和哲理。基于这种意识，楚人常常往来于天上、地下、人间、神界而无碍，诗意地栖居在浪漫的艺境里。他们的信仰是诚挚的，感情是充沛的，思想是深远的，想象是灵动的，对自己、对自然也是熟谙于心的。他们充分尊重自治，不仅如此，还在更大程度上超越自然，以此来表态他们对世界、对自然、对人生的看法。 中原人艺术精神的衰弱，在很大程度上源于他们理性意识的抬头。进入封建社会后，中原人社会意识日趋世俗，宗教意识也日趋淡泊。他们抛弃了鬼神意识，对于社会人事产生了浓厚的兴趣，而对于自然、哲理的追求却越来越失去热情，他们的艺术激情日渐消溶在“成教化，助人伦”礼乐文化中。比之楚人，中原人的确是越来越清醒了，但也更世故、更世俗了。自然在他们的心中已经消失了原有的生命性、精神性，自然不再有神灵，也不再有具性灵。这种疏离自然的倾向，致使中原艺术在意象上的生命感、精神感日渐减退。 而此时，楚人却直接从原始社会走来，依靠神话和宗教来弥补知识和经验上的不足，其宗教生活不能不散发出浓烈的神秘气息。同时，南方恋荒的自然生态环境又给楚人的艺术想象以无穷的滋养。大江芳泽、鸟兽野林、风雨雷电、水火星云这些充满无穷生命活力的自然意象，激活了楚人丰富的想象力，同时也熔铸了楚人乐观、奔放、好动的性格。这种想象力又点燃了楚人神话和原始宗教的野火。在这民神杂糅、人神相通、神人相近的现实和想象世界里，楚人无法不对自然怀有一种宗教性的崇拜与亲近。楚人甚至认为万事万物都有神魔般的生命和力量，这种古老的意识像遗传基因密码一样一直积淀在楚人深层心理和艺术之中
绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文
我有个朋友叫黄珂，是个有名的画家，写了《素描概论（述）》，是论还是述记不太清了！有不少教授去偷他的论文，结果上了法庭，每个教授给罚了10万元。网上都可以查到那档事啊！小心到时名利都没了。
毕业论文（设计）内容要求：1.对水彩画材料、技法、表现形式的相关问题进行研究。2.研究水彩画的审美品格及其文化身份特征。3.研究水彩名家的艺术风格与创作手段。4.分析水彩画在中国的发展状态与特点。5.探究当代中国水彩画存在的问题。6.探索水彩画创作中出现的问题和对策。
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论谈水彩风景写生作为色彩教学中的水彩风景写生，是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察，在研究绘画基本规律的同时，理解水彩画这一包含丰富技法的画种，有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色，树立起自己的审美意识，探寻自己的艺术表现形式（水彩语言）表达出自己的艺术个性。 通过多年的水彩风景写生和教学实践，以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节，并相互紧密联系，构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中，首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术，是要把繁杂、百变的自然景看成一幅画。由此，要有从局部看到一个大画面的能力，尽可能地掌握主动性，树立整体的作画意识，并忠实于自然。其次是要善于发现，要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中，从所关注的自然物象的结构、形态入手，从中寻找点、线、面的构成规律。如：建筑物的空间构成关系，树木枝叶的线面关系，天、地、物的形状构成及色彩构成，从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成，最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的，具有诱人的美，使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握，特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素，从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此，对光影与色彩瞬间的定格，也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力，也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度，依赖于画者表现技术（技法）的熟练程度。 表现是水彩风景写生的第二个环节。要把头脑中的画面景象表现出来，就必须通过一定的表现技法，水彩风景写生作为一门色彩写生离不开色彩与材料学原理，离不开表现技法。写生者首先要对所描绘的自然物象的色彩构成元素进行分解研究。对比分析每一块色彩的特点和不同的作用，找出所要描绘的自然物象的色彩对比、明暗对比、补色对比、饱和度对比、面积对比和基本色调等，确立丰富多变的各种色彩组合秩序。这其中的色彩组合秩序包括：色相、明度、纯度及特定色调的构成，控制各色彩区域变化和统一的秩序。在这一过程中主要要求写生者发挥主观特性的自由，以使画面色彩关系呈现出更高或更美的境界。物质材料是色彩表现的基础，不同的特性的材料工具会产生不同的技法。水彩风景写生所采用的工具材料具有相对的特殊性能，它不同于水粉、油画的工具材料，对画纸、颜料、画笔、水辅助材料与工具的性能要有一个全面的了解与掌握，并能从中找出特点，优势，克服材料工具的局限和弱点，才能把所见充分表现出来。针对不同的感受，选择适当的表现方法和技法，确定表现的基本次序和步骤，这是风景写生中的关键。水彩画作画的程序和步骤是决定作品成败的关键。因此要把水彩画的程序性与风景写生的程序性完美地结合起来，并针对具体的写生自然物象进行适当的调整，力求稳步、准确、快速地使用设想的方法、步骤表现自然物象。在具体的表现技法中，必须注意笔触与形体边缘线的处理，色层之间的相互叠加、笔触的干湿、色彩干湿之间的相互结合与浸润、笔与纸之间所产生的肌理等与表现物象的色彩变化、肌理特征的神似。多采用简单、便捷的表现方法表现自然物象的主要特征和神韵。同时要在表现中强调主观表现与客观再现的相互结合，客观再现为主，主观表现为辅，只是简单的形色关系再现的写生作品难以达到艺术表现的境界。 水彩风景写生从某种意义上讲，也是情感的表达与交流，是水彩风景写生的第三个环节。这里所说的情感指审美情感，是作为一种艺术形式或表现画者对客观世界的感受，抒发自己的情感，这也是水彩风景写生的最终目的。写生过程中情感源于自然物象，蕴集于画者胸中，流注于笔锋，凝结于水彩纸面。因此，水彩风景写生从开始到最后完成实际是一个运笔的过程，而笔触是传达情感的最重要的语言词汇，它构成写生作品的神韵。一幅风景写生作品的完成是画者感情投入和劳动的产物，它要求画者面对大自然作画时有整体意识的同时还要有真情实感，有感而发，使写生成为画者心灵深处诚挚情感的倾吐。康斯泰勃尔的纯真朴实，透纳的雄浑奇异，凡高的跳动狂热，柯罗的恬静温柔，印象派的热情奔放，无不表现出画家对大自然的情感内涵。画者的审美情感决定写生作品最终的艺术情趣与格调。在水彩风景写生中，情感贯穿于观察表现之中，流淌于整个写生过程。 情感来自于观察，亦影响画者的观察，它决定画者的表现，亦受制于画者的表现。
水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。中国画从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。
呃~~~哪呢？水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。中国画从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分工笔和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
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毕业论文（设计）内容要求：1.对水彩画材料、技法、表现形式的相关问题进行研究。2.研究水彩画的审美品格及其文化身份特征。3.研究水彩名家的艺术风格与创作手段。4.分析水彩画在中国的发展状态与特点。5.探究当代中国水彩画存在的问题。6.探索水彩画创作中出现的问题和对策。
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国画毕业论文题目汇编
优秀的国画毕业论文题目有哪些呢?下面是我为大家收集的关于国画毕业论文题目汇编，欢迎大家阅读!
1.中国画山水中“云”的表现教学思考
2.“入”与“出”收获“形”与“象”--滋芜中国画艺术语言初探
世纪中国画学之理论建构与价值取向
4.潍坊之所以成为中国画都的内在气质
5.略论任伯年在近现代中国画演进中的作用
6.中国画“藏”境及其审美意蕴初探
7.中国画的“缺笔”现象
8.中国哲学对中国画风格形成的深远影响之探讨
9.中国画意象色彩浅窥
10.浅谈敦煌壁画对当代中国画发展的启示
11.中国画与水彩画技法的互补教学法探析
12.探究中国画现代变革之路札记
13.中国画小品中的笔墨语言与气韵体现
14.略论中国画人物白描与素描
15.以色彩关系来表现中国画的意境美
16.中国画的特殊面目和精神
17.论中国画研究生教学与地方文化、画派建设的共进
18.浅谈传统中国画与陶瓷装饰“国画”技法的渗透
19.传统中国画艺术的色彩美学观对现代景观设计的启示
20.中国画写意精神的思维形态
21.写意中国画鉴赏与评价分析
22.中国画中的留白艺术探析
23.中国画中的线描艺术
24.探究敦煌壁画对当代中国画创作与教学的影响
25.戏曲题材中国画人物造型“写意性”研究
26.对中国画技法的研究
27.中国画创作要素浅谈
28.中国画与中国文化
29.浅谈中国画的创新与发展
30.从写意雕塑看中国画之写意精神
31.中国画笔墨形态研究
32.中国画论中的角色替换
33.中国画元素在陶瓷装饰中的'运用
34.浅谈书法练习对学好中国画的重要意义
35.中国画的艺术表现对留青竹刻的影响
36.篆刻与中国画关系的当代思辨与启示
37.浅谈中国画学习感受之创作
38.中国画“墨戏”论的文化心理学诠释
39.书法在中国画中的运用
40.中国画中的气韵美与女装设计
41.茶历史文化与中国画的融合实践思路分析
42.中国画蕴涵的易道精神
43.论创作意识统筹下的大学中国画专业课程群科学化建构
44.浅析中国画笔墨心象表现与审美
45.古典文学中的诗词美对中国画的影响
46.中国画的意象造型观研究
47.浅谈中国画在中国艺术品市场中的角色位置
48.浅谈当代中国画设色的特点
49.民国时期中国画与西画的博弈
50.浅谈中国画的当代继承与传统创新
51.浅析中国画墨竹艺术的技法特点及形式风格
52.中国画线条艺术之美
53.中西融合--徐悲鸿中国画的时代精神
54.动漫艺术设计中中国画语言的作用分析
55.浅谈陶瓷绘画与中国画的共性
56.基于全球化语境下的中国画艺术延展与创新
57.论中国画创作中的民俗寓意
58.传统中国画中宋代院体花鸟画的价值
59.全球化背景下中国画教学改革意义的分析
60.浅析诗画融合下中国画意象化的空间表现
61.分析传统以及现代工笔画的不同表现方式
62.传统工笔人物画的意象造型与色彩分析
63.浅谈粉彩雪景的艺术特色与创作
64.新媒体对中国画教学的影响及建议
65.中国画写意梅花创作初探
66.论民国时期中国画改革对中国画发展之利弊
67.中国画的写意性
68.中国画的意象思维和意象造型的研究
69.中国画名家作品适时行情
70.中国画意境的构成
71.浅议文化历史情景下的中国画
72.浅析速写训练对中国画学习的重要性
73.现代服装设计对中国画艺术的传承与借鉴
74.探析艺术市场化对中国画自律性的影响
75.浅谈中国画中的程式化
76.论中国画构图在陶瓷绘画中的运用
77.中国画的笔法与运笔技巧
78.从气韵生动的角度浅析中国画构图
79.基于都市风下的中国画图式研究
80.中国画教学中问题意识的培养
81.浅谈中国画的构图与情感
82.论中国画创作中人物与背景关系的处理
83.当代中国画的传承与创新探讨
84.中国画立意浅论
85.中国画的气韵与审美引力波
86.中国画专业素描教学问题的再思考
87.传统民间青花山水对现代陶瓷山水画的影响
88.景德镇现代陶瓷绘画艺术风格的演变
89.浅析陶瓷界画山水的继承与发展
90.当代视觉体验与艺术形式的发展
91.基于中国书画特征颜色的专用色标设计与制作
92.论金代磁州窑瓷枕绘画装饰艺术及其艺术特征
93.浅析中国传统色彩
94.国画“留白”在包装设计中的运用分析
95.浅析中国传统水墨动画与三维水墨动画艺术的发展
96.“中国学派”动画电影叙事空间塑造的特点
97.中国画元素在当代油画中的融合与借用
98.浅绛彩瓷的绘制技法革新
99.多元文化背景下水彩画艺术的形式语言表现研究
100.中国传统壁画的装饰性色彩表现
101.空间观念的变革--论现当代中国画的创新趋势
102.试论中国高校现代油画教学的多样化
103.浅论传统书法并非抽象艺术
104.五谷画的艺术表现形式
105.简析清末海派绘画的世俗性特征
106.浅析石涛山水写生观与印象派风景写生观
107.中国画从气韵到实体的思想变革--论中国画“改良之争”
108.对景写生在中国山水画中的造境研究
109.浅谈中国当代绘画艺术的延展
110.如何把握工笔人物画创作中画面的色彩关系
艺术设计类专业答辩会，如果是职称申报类的答辩会，会问你发表的代表作品有点在那里。还会问在课程改革中的思考和探索情况。工作总结一定要写多一点。
硕士论文答辩PPT的要求随着软件的逐步升级，在众多的毕业论文答辩中也广泛采取PPT 演讲稿来进行，所以做好一个PPT演讲稿对于自己的论坛答辩起到了非常重要的作用，本文的核心就在于怎样讲自己的论文在PPT 中体现出来，给答辩专家团一个很好的诠释。一、要对论文的内容进行概括性的整合 ，将论文分为引言和试验设计的目的意义、材料和方法、结果、讨论、结论、致谢几部分。二、在每部分内容的presentation 中，原则是：图的效果好于表的效果，表的效果好于文字叙述的效果。最忌满屏幕都是长篇大论，让评委心烦。能引用图表的地方尽量引用图表，的确需要文字的地方，要将文字内容高度概括，简洁明了化，用编号标明。三、版面和文字要求1、文字版面的基本要求幻灯片的数目：学士答辩10min 10～20张硕士答辩20min 20～35张博士答辩30min 30～50张2、字号字数行数：标题44号（40）正文32号（不小于24号字）每行字数在20～25个每张PPT 6～7行 （忌满字）中文用宋体(可以加粗)，英文用 Time New Romans对于PPT中的副标题要加粗3、PPT 中的字体颜色不要超过3种（字体颜色要与背景颜色反差大）建议新手配色：（1）白底，黑、红、篮字（2）蓝底，白、黄字（浅黄或橘黄也可）4、添加图片格式：好的质量图片TIF格式，GIF图片格式最小图片外周加阴影或外框效果比较好PPT总体效果：图片比表格好，表格比文字好；动的比静的好，无声比有声好。四、注意事项幻灯片的内容和基调。背景适合用深色调的，例如深蓝色，字体用白色或黄色的黑体字，显得很庄重。值得强调的是，无论用哪种颜色，一定要使字体和背景显成明显反差。 注意：要点！用一个流畅的逻辑打动评委。字要大：在昏暗房间里小字会看不清，最终结果是没人听你的介绍。不要用PPT自带模板：自带模板那些评委们都见过，且与论文内容无关，要自己做，简单没关系，纯色没关系，但是要自己做！ 时间不要太长：20分钟的汇报，30页内容足够，主要是你讲，PPT是辅助性的。：1、Magic Seven原则（7士2＝5～9）。每张幻灯片传达5个概念效果最好。 7个概念人脑恰恰好可以处理。 超过9个概念负担太重了，请重新组织。2、KISS (Keep It Simple and Stupid)原则。因为我们做PPT针对的是大众，不是小众。我们的目的是把自己的理解灌输给听众。深入浅出才代表你对知识的真正掌握。3、10/20/30法则。演示文件不超过10页，演讲时间不超过20分钟，演示使用的字体不小于30点(30 point)。个人觉得这些有指导意义，但经验感和技术感太强。也没有说清楚为什么要这样做。我更愿意接受“利用PPT作为工具控制观众的眼球和注意力”的说法。自己想的。同样一篇文章里面的东西，是说PPT 制作里面一些技巧性的东西 ，归纳一下分享出来，有一些是自己总结的哦：a、能用图表就用图表。所有的人都会先挑图看。b、所有人看到图表，第一眼就是找最低的和最高的，然后找跟自己相关的。把这三个东西标出来，人家会觉得很省事。c、别写那么多字，没人看，除非你打算照着念。d、要想办法让人知道你的PPT 还有多少，或者告诉人家你要说的条理和结构。这非常重要，对自己好也对观众好。e、不要用超过3种的动画效果，包括幻灯片切换。好的PPT不是靠效果堆砌出来的，朴素一点比花哨的更受欢迎。f、多用口语，放在一些类似tips的地方，效果往往加倍。
这个答辩问题没有固定性，一般是根据你的论文内容来提问问题，以此来检测你对论文的熟悉度，即论文是不是自己写的，有没有对自己的论文内容很熟悉，论文有没有逻辑性。
艺术类本科毕业论文写作中存在的问题
导语：艺术是 一种文化现象，大多为满足主观与情感的需求，亦是日常生活进行娱乐的特殊方式。其根本在于不断创造新兴之美，借此宣泄内心的欲望与情绪，属浓缩化和夸张化的生活。以下是我为你带来的艺术类本科毕业论文写作中存在的问题 ，希望对你有帮助。
一、我国艺术类本科毕业论文写作中存在的问题
1.选题盲目
选题是写毕业论文重要的一环,题目选得好,写起来就会事半功倍,但艺术本科生由于平常缺乏写作的训练,选题时,有些同学易凭一时兴起,选一些感兴趣但题目较大的题。例如选“传统文化与现代设计”,这种较大的题对于本科生而言很难把握,结果往往半途而废。有些同学选题过旧,缺乏新意,其曾是别人早写过并已作过较深入全面研究了的,他可能选题前没有先查阅相关的资料,因此文章做成了也可能是在做重复的工作,这样使得该文章失去了写作的意义。例如有同学选“论中国当代陶艺的民族性”、“家用产品设计与人的生活方式”等。有的选题是指导老师强制性给的,写作者可能对该题无多大兴趣,可能该题也不是他所擅长的,因此写起来很苦很累,不易做好。还有些同学一味求新求异,选一些与专业结合得并不紧的偏题怪题,资料难以收集,要写好也很困难。
2.查阅、收集、选择整理资料等缺乏系统性
资料的查阅、收集与选择整理的逻辑而系统的进行,将直接影响到文章提纲的制定,而提纲就是一篇论文的基本框架,框架稳固了,文章才能立得住,站得稳,文章才显得有条理、有逻辑性。目前许多艺术院系教学“重技轻文”,少有同学关心理论问题,平时很少有专门的论文写作训练,也很少做些与某一理论问题相关的资料查询与收集,因此,有些同学在毕业论文选题时有些茫然不知所措。另外,有些同学平时有点想法,也作些理论上的思考,但平时没有太注意收集相关资料,临到写毕业论文,匆匆收集一点,对所收集的材料又没有进行选择,匆匆拟下提纲,匆匆下笔,这样自然会影响到文章的质量。再有,在选择整理资料上,由于缺乏教师的指导,有些同学所参考或引用的资料不够权威,起点不高,眼光自然不高。此外,有些同学写一篇毕业论文只有几本参考书或者几篇论文。显然,这种文章写出来会带有很强的个人感想但却缺乏逻辑与思考深度。这种文章易于流为散文性,或札记性,或是感想性的一些心得,而不是毕业论文了。艺术本科毕业论文应是作者在四年的学习中对本专业的创作(设计)研究与思考后,在理论上有些新的创造性的见解的学术论文。
3.文章无中心主旨,东拼西凑,漫无边际
写论文的目的是要陈述自己的观点,并用一定的论据来证明自己的观点。毕业论文是本科毕业生在专业领域新的发现和见解的陈述和论证。有些同学只有陈述没有论证;有些同学的论文是陈述和资料罗列的组合,缺乏逻辑论证;有些同学全文完全就看不出他的中心主旨,漫无边际,不知所云。
4.摘要没有反映文章的主要内容,关键词不关键
摘要一般在300字以内,有些同学的摘要长篇大论而没有交代文中主要内容;关键词有七、八个而不关键。关键词应是文中出现频率高、反映文章主体内容、易于他人检索的词。例如论题是“论英国18世纪的水彩风格特征”,而在所给的关键词中连“水彩”这一词都没有,这显然不利于他人检索,也会在一定程度上影响论文被引用或被转载的机率。
5.行文格式不规范
这方面的问题最大,也最能反映出艺术院系对本科毕业论文的忽视程度。据调查,某些艺术院系即使是近几年的所谓优秀的`本科毕业论文汇编成册,随手翻阅就能发现,其格式与行文不规范之处几乎篇篇都有,具体表现在:
(1)无英文摘要与关键词,或英文摘要与关键词是网译的,翻译得很生硬、呆板。
(2)行文结构不严谨,语言不流畅,词不达意。议论文是十分注重论点与论据论证的结构层次的,而语言表达含糊不清,也会对文脉的前后逻辑造成混乱,从而影响文章的质量。(3)无注释,或注释放置的位置缺乏统一性。有些同学的注释直接放在文中,用括号括在需要注释的文句之后;有些同学的注释放在该页的下方;有些同学干脆就集中放在文章结语之后。
(4)参考文献少,且缺乏权威。有的同学仅参考一两篇文章,而且专业水准并不怎么高,结合自己的一点点感想,然后就匆匆下笔。这样的文章形成的论点易于重复,另外也容易写成感想散文体。
(5)注释引用与参考文献没有注明完整的出处,包括作者、篇名、书目、版本、出版社、出版日期、页码等,不标明引用出处或标明不完整,都将涉及到剽窃与侵犯版权等问题。
6.抄袭和在网络上复制、下载的情况严重
现在的图书馆和计算机网络给学生查阅资料文献提供了十分便利的条件,但同时也给毕业论文的写作与指导带来了隐患。某些对毕业论文写作态度不端正的同学从网上下载或大段落复制的情况严重,以至于有个别同学几乎整篇的文章都是复制的。这反映了某些学生对毕业论文的严肃性和学术性没有充分的认识。
二、艺术类本科毕业论文写作存在问题的原因
形成以上现状的原因是多方面的。从历史原因来看,解放初直至今天我们艺术院系的主要教学模式和教学原则仍是一种“苏式”的以写实为主的教学模式与原则,包括某些艺术院校的国画系也仍采用以素描为基础起点的模式,这种“苏式”的写实教育模式必然造成重视写实技艺的传授而淡化个人内在文化修养理论水平的提高。因此,在毕业时,一方面学生的毕业创作(设计)表面的制作技术效果登峰造极,另一方面,学生的毕业论文会显得空洞无物,粗制滥造。从现实的社会原因来看,近几年来,许多高校艺术院系“蓬勃发展”,甚至许多高校近几年也陆续开设起艺术系来。扩招现象一时滥觞,由此会造成这样的结果:第一,某些院校新开设艺术系,由于无艺术本科毕业论文指导的经验,致使毕业论文从选题到成文,普遍带有一定的盲目性(个别院校根本就不要求艺术系的本科生写毕业论文);第二,扩招造成新增的艺术本科学生普遍文化基础较差,常出现写个请假条都会出现语句不通、错别字成堆的现象,这种水平怎么能写好毕业论文?
艺术院系本科生的毕业论文质量不高的根本原因主要还是学校自身的原因。结合我们对相关院校所作的一次关于毕业论文写作的185份问卷调查,以及同行人士的相关研究,这些原因具体表现在以下几个方面。
1.教学观念落后,“重技轻文”
在教学思想观念上,许多艺术院系的领导都十分重视培养学生的独立创作能力,注重培养所谓“专业过硬”的艺术人才,而对诸如中外美术史、设计史、艺术概论、设计学概论、美学等这样的提高艺术理论修养的文化课程普遍不重视,也没有进行相关的论文写作的训练与指导,许多学生都把大量的时间和精力投放到技能训练上来了。在调查中,对“大学四年中您是否学习过论文写作指导方面的课程”这一问题,回答“没有”的占53%。而对“在论文写作前您认为是否有必要开设专门的论文指导课”这一问题,选择“有必要”的占88%,选择“没有必要”的占2%,选择“无所谓”的占10%。可见,大多数学生是很期望论文写作方面的课程学习与指导的。
另外,现在各艺术院系的领导和毕业论文指导教师多数对艺术专业的毕业论文的写作要求很低,他们自身的写作水平有待提高。
毕业论文往往是些站在时代前沿的“年轻的思想”,是一种相对自由的呼吸,艺术本科的毕业论文应是一种很具有朝气活力的能体现大学四年所思所学的价值体现。而许多艺术院系的领导与指导教师的观念错误,重技轻文,致使许多刚进大学本有灵气的有挖掘潜能的学生,每日在制作上精益求精的指引下走上了一条极有专业技能水平的艺术之路。
2.课程设置偏离,管理机制松懈
由于在教学指导思想观念上的错误,学校对本科论文的训练课程设置少,甚至没有,对学生毕业论文的管理也相应松懈。据调查,许多艺术院系在本科生四年学习中自始至终从未进行过专业论文的写作训练,有些学校即使开设了要求写论文的文化理论课程,把论文成绩作为该课程的结业成绩,但多数也只是教师布置论文学生自己写,教师并没有进行相关的指导。自上而下,学校对艺术本科毕业论文的教学管理工作也没有到位,既无奖惩制度,又无导师责任制。某些院校实行了毕业论文导师责任制,但有时毕业生的论文指导竟一个班由班主任或任课教师一人负责。根据我们调查的结果,有64%的同学认为一位教师指导5位左右的学生比较合适,有31%的同学认为一位教师可指导10位左右的学生,只有5%的人认为一位教师可指导15人,没有人选择“可指导20人”这一项。
有些学校强制性地安排了本科生的毕业论文指导教师,但这里面也有几种情况,其一,指导教师自身的艺术理论修养与论文写作水平不高,不能胜任指导工作;其二,强令的分配责任制可能造成指导教师与被指导教师学生之间的专业上的分歧。在调查中,有79%的同学认为学生与论文指导教师之间应双向选择。82%的同学认为毕业论文应由专业教师与史论教师共同指导。这反映出学生希望学校能给予他们一定的选择指导教师的权利,也表明他们自身十分需要教师的热心指导。
3.毕业论文写作的时间过于滞后
学校对毕业论文写作的时间安排靠后,也是影响论文质量的原因之一。多数艺术院系在最后一年安排毕业论文写作,这基本还能顺利完成毕业论文的选题、开题、撰写和答辩等一系列的工作。但也有近30%的艺术院系将毕业论文写作安排在最后一学期。在我们调查中,有27%的同学是第八学期才开始准备毕业论文的,而从选题到完成,用时仅三个月左右的竟占了31%。
4.社会环境与就业心理压力的影响
目前,艺术院系本科毕业论文质量不高与学生所处的社会环境及自身所背负就业心理压力也有很大的关系。现在国家对大学毕业生的就业实行双向选择竞争上岗,找一份好的工作很难。加之艺术类的本科生近年急剧增多,这更增加了毕业生的就业压力。在这种情势之139第11期杨剑君:艺术类本科毕业论文写作中存在的问题及其对策下,一部分毕业生忙于考研,希望能获得高一点的文凭,以便以后能凭此找到一份好一点的工作;一部分毕业生忙于找工作,东奔西走。因此,实际情况是,少有毕业生能安心静气地做毕业论文。加上四年中的论文训练少,与毕业论文指导教师的沟通又少,学校对此的监督管理又不够,在这样的情形之下,对于本来就文化基础相对薄弱的艺术生而言,其毕业论文的写作质量就可想而知了。
三、提高艺术类本科生毕业论文写作水平的对策
首先,艺术院系需从教学观念上改变一贯的“重技轻文”的做法,从教育的本质出发,坚持文化艺术素养与技术技能水平两手抓,最终达到既能创作(设计)表现又会写作表达的目的。为此,艺术院系除了重点抓创作(设计)之外,还应在四年中开设一定量的写作训练课程,由专业教师做集中的培训与指导工作,为日后的毕业论文指导教师减轻负担。
其次,建立起一套自上而下的完整的毕业论文监督管理机制。毕业论文的总管工作由主管教学的校级领导统筹监督管理,权力下放到各艺术院系,再由各院系具体安排和确定各类专业的指导教师,并定时审查指导教师所负责的学生毕业论文的写作进度情况。各院系必须制定好具体的毕业论文开题报告、论文资料收集与撰写、论文答辩事宜等方面的集训、培训与指导等的详细计划。毕业论文答辩工作完成后,由院系办负责毕业论文的存档工作。优秀论文可发表。指导学生的论文的质量、数量与指导教师的课时、奖金利益直接挂钩。
第三,在学生写毕业论文时实行导师负责制,师生双向选择,定下对应名单。根据现在的学生人数多教师太少的实际情况,师生指导的比率控制在1: 8以内为宜。
第四,需提高教师的论文写作和指导素质。各艺术院系可采取集中培训的方式,从总体上提高教师的毕业论文指导水平。另外,指导教师也应与时俱进,在思想观念上应站在专业学术的前沿,理解学生的所思所想,减少因知识“代沟”带来的分歧,并对学生的毕业论文做出正确的方向指导。
第五,学校应统一计划毕业创作(设计)与毕业论文的写作时间,以便让学生处理好写毕业论文与就业、考研之间的关系,并安排辅导员做好学生的毕业论文写作的思想工作,让学生端正写作态度,明确毕业论文写作的目的与意义。