发布时间：
最好把论文的内容要求得更详细些
探析模糊思维在绘画创作构思中的运用 研究“模糊性”规律使我们认识到绘画创作是开放的动态过程，艺术家是在创造过程中体味喜怒哀乐的人，作品是自然而然表露情感的物态凝结。优秀的艺术家都是这一规律的自觉践行者，以塞尚为例，他的一生都在尝试、失败、再尝试，后人正是从他不懈的追寻中认识到他的伟大，并从其作品中汲取无穷养分。相形之下，我们目前的创作中还存在许多不尽如人意之处，突出的表现为思想和技术的僵化。要么被功利束缚抱守一套程式固步自封，要么打着创新的幌子肆意涂抹，当然，更多的人处于无能为力的茫然状态。深入研究“模糊性”规律对当前绘画创作无疑具有很强的现实意义。1、模糊思维的价值 “画素描前并非预想要解决什么问题，只不过想用铅笔在纸上画，画出线条、调子和形态，没有什么有意识的目的;但是当脑子理会到我所要画出的东西时，刹那间，某一个意念变得明确而具体了，然后就开始加以控制、整理。”[1]这种创作中的无意识特点正是与科学理性相区别的“模糊性”。充分反映了模糊思维对形象思维和抽象思维的协调与融合。美术史上的许多画家和理论家都非常关注这种“模糊性”，并有意识地加以利用。文艺复兴时的美术理论家阿尔贝蒂甚至认为绘画艺术正是起源于这种无意识:“一段树干，一小块地，或者其它什么东西，某一天会突然发现它们的某些轮廓只须稍微修改一下，看上去就会和某个自然物丝毫不差。人类意识到这点后，就试图知道是否能通过增减来完成不足部分，达到完全相像。•••••一直发展到即使原材料连模糊的轮廓都不能提供时，人也能创造出任何的形象。”与此思想一脉相承，达•芬奇在画论中用不少篇幅论述开启想象力的方法。他在《画论》中谈道:“我少不了要将一种新发明，一种协助思维的方法包括到以上的办法之中。这法子虽然似乎微不足道甚至可笑，但却具有刺激灵感做出种种发明的大用处。请观察一堵污渍斑斑的墙面或五光十色的石子，倘若你正想构思一幅风景画，你会发现其中似乎真有不少风景:纵横分布着的山岳、河流、岩石……你还能见到各种战争，见到人物疾速的动作，面部古怪的表情，以及无数的都能组成完整形象的事物……时时驻足凝视污墙、火焰、余烬、云彩、污泥以及诸如此类的事物，于你并不困难，只要思索得当，你确能收获奇妙的思想……这都是因为思想受到朦胧事物的刺激，而能有所发明。”[2]大师的应用实践表明，无论是自然的迹象还是主动制作的痕迹都能成为善于思考的画家的有效手段，借以丰富自己的形式语言。当然，由于特定时代的审美要求，画家不可能把新颖的构思传达为脱离时代的绘画语言，但他们毕竟认识到了惯性思维带来的弊端，为传统的创作方法注入了新鲜血液。 我国油画家也有很多尝试。如张京生的《蜕变》系列画，创作构思竟是起源于调色板上偶然呈现的三个色块!更为突出的是俞晓夫，他的大多数作品全凭想象完成，在创作过程中更是跌宕起伏，充分体现了“模糊性”的特点。毫无疑问，模糊思维对于想象力与表现力的提升有不可估量的价值。2、模糊思维在绘画创作构思中的运用 模糊思维不是空无一物的抽象推理，而是通过对形式的提取展开的，因而以往的经验必然在其中起着重要作用。阿恩海姆在《论艺术心理学》中指出:“无意识的推理往往能够解决意识苦心思考而不能解决的问题……然而如果没有意识和理性预先进行的那一番苦心煎熬，无意识推理就无法达到自由的相互作用。”绘画创作中的直觉、灵感、顿悟等无意识的爆发，正是抽象与形象思维在模糊思维的协调渗透下的结果。达•芬奇在强调朦胧事物的启发作用时没有忘记提醒我们以往技能的重要性:他认为不了解事物的构造根本没有办法处理画面细节，因而不可能真正的完成作品。完形心理学的研究表明“形状不仅是由那些当时刺激眼睛的东西决定的，眼前所得到的经验，从来都不是凭空出现的，它是从一个人毕生所获取的无数经验当中发展出来的最新经验。因此，新的经验图式，总是与过去所曾知觉到的各种形状的记忆痕迹相联系。……我们得到的最新形象，是储藏十我们记忆仓库里的大量形象中的一个不可分割的部分。这种与过去的联系可以产生明显的影响，也可以不发生明显的影响。这主要取决于被动员起来的记忆痕迹是否强大到可以利用眼前图形模糊性的程度，换言之，主要取决于刺激物的结构所拥有的力量与它唤起的有关记忆痕迹的力量较量的结果。”这里的“记忆痕迹”正是画家过去的技术能力，或者说是已经掌握的形式语言，它的强弱直接影响我们的艺术表达能力。 上述分析表明，模糊思维必须与技术能力相结合，使想象力在技术能力的控制下把新颖的构思转化为实实在在的表现力和创造力。“首先是联想，通常是实物联想;其次是对联想的形式加以有意识地组织;最后，使构图丰富完善。……第一步骤是自由的、无意识的;但在以后，该画就必须加以彻底的控制……”西班牙画家米罗的创作体会和前文所述画家是不谋而和的，把三种思维方式充分融合在构思创作过程中，充分反映了“模糊性”与明晰性的辨证关系。毫无疑问，如果这些大师在创造力丰满以前不扎扎实实的研究自然关照心灵，如果他们不敢采取非常规的手段突破自身的思维定势，那他们依然只是普普通通的手艺人。表达丰富的想象力是以可靠的技艺做支撑的;反过来，切实有效的想象力又是创造新技艺的推动力。“美术既不单是思想的问题，也不单是手艺问题，而是两者的结合。走向两个极端都会产生严重的不利后果”。日复一日演练几个有限的所谓“原则”，用毅力压抑着灵气，以重复代替思考，在排除意外的同时也排除了解决问题的多样可能性，在耐心耗尽时感慨自己的无能为力;或者仅靠奇思妙想代替创作实践，把一切寄托在“灵感”上都是对“模糊性”规律的误读。惟有掌握必要的技术手段，并在实践中不断发现、尝试和变通才能真正的把模糊思维转化为丰富的想象力进而创造出转化为生动鲜明的艺术形象。 3、结论 本文从艺术大师的运用实例入手探讨“模糊性”的实践内涵。围绕“模糊性”和明晰性的辩证关系结合创作过程展开论述，着重分析模糊思维的运用，探询其发挥作用的机制和启示。针对自身存在问题，强调从形式出发和随机因素的利用。参考文献[1]鲍诗度.西方现代派美术[M].北京：中国青年出版社.1993.356[2]戴勉译.芬奇论绘画[M].北京：人民美术出版社.1979.
一幅优秀的油画作品除了具备对形、色、光的突出表现外，还必须具备肌理上的美感。油画高手大都是善于掌握控制肌理的人。肌理直接传达着艺术家的心理感受，影响着作品的感染力度，所以很多艺术家在油画的制作过程中都非常讲究材料和技法的运用，追求鲜明的画肌特征，给人以不同的美感愉悦。既然我们可以利用肌理更真实地表达事物的真实性，使之成为一种油画语言，我们就没有理由拒绝研究这种语言和使用这种语言，不断地研究各种物质可能产生的表现效果。油画肌理作为油画表现力的内容之一，随着各个时期艺术家对其美感的追求而呈现出来。在传统的古典油画中，由于普遍采用透明画法，也叫间接画法，这一时期艺术家在油画肌理的追求中，更多的是将肌理控制在细微的差异之中，从而使肌理统一在透明的油层和均匀的光泽里。随着油画技术的发展，威尼斯画派画家提香改进了以薄染为主的透明画法，他一改油画平滑肌理，而将亮部进行厚涂，在起稿上直接用油画颜料勾出大体轮廓，厚涂和刻画完成后再用透明画法罩染，以达到整体的光与色的协调统一，形成了亮厚暗薄的不均匀肌理，油彩的韵味与肌理的融合产生出一种浑厚独特的魅力。在西方美术史上，把油画色彩、笔触完美融会于肌理，使油画肌理得到最佳展现的是伦勃朗，他在坦培拉基础上使用透明罩染和不透明塑造相结合的油画技法，画面肌理、色层、笔触，在透明罩染的烘托下质感清晰强烈，画面光彩照人，使他的油画更具有迷人的魅力和艺术感染力。无论是写实还是抽象绘画的技法中都不乏肌理的运用，这种肌理的运用不仅广泛，而且有很大的可塑性。在直接画法的油画中，画家所追求的肌理效果又是另外一番景象。印象派画家所作的风景画，大多是在白色底子的粗纹画布上，采用厚涂的直接画法，富有节奏感的小笔触，斑斑点点，形成了一种与古典油画表面迥异的粗糙如墙面的画肌特点，开拓了油画肌理美的新领域。而到19 世纪末叶，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实，并将油画肌理作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌以及制作不同的肌理来表现其作品，这种别具神韵表现性语汇的呈现使画面增添了浓厚的艺术韵味。但是，画家不能哗众取宠地为肌理而肌理，而应把肌理这一造型元素，作为创造鲜明艺术形象和表达情感的手段。油画本体语言的探索是画家的责任，如何使用绘画语言是画家能力的体现，肌理作为一种自然语言，绘画者应学会驾驭它，强化它，使之成为个性语言。从绘画语言本体的角度来思考，艺术材料作为一个文化切入点，从19世纪开始并逐渐演变为材料艺术。而在此之前，艺术材料在绘画中是实现造型语言或色彩语言审美体系的物质及技术载体，艺术家自然把对材料语言规律的研究放在形而下的层面上。随着现代艺术的出现和发展，特别是现代科学技术的迅速发展，为新材料开拓了广阔的道路，为改革和应用这些新材料和新技术创造了良好的条件。当前众多的艺术家和教育家已经从注重材料的应用技术转到感知材料的物质存在的自身意义及人文价值的研究上，即从微观的把握转到宏观的把握上。使材料艺术强化并提升到艺术语言的主体地位上来，并使其成为人们直接思考对话的重要形式，实现了物质材料本身自然的审美价值和艺术家的观念价值。油画兴起于文艺复兴时期，当时的人们出于表达对自然的极大热情和人文主义精神，使用了坚固而富于变化的油画材料，以后逐渐形成了灿烂的成果，形成了作为油画表现力的最为主体的东西。可以说，在古典油画中，油画材料的运用仅仅是服务于再现目的的手段，自身的独立品格并未受到真正重视，题材、内容、主题比绘画的材料本身要重要得多。然而从油画发展史看，可以说新的材料的出现，也意味着油画的发展与进步。我们所知道的不少欧洲绘画大师的作品，历经几个世纪画面还是那样丰富多彩，耐人寻味，这都和画面的材料运用、技法处理分不开。马蒂斯曾说过“: 我首先所企图达到的是表现，但一个画家的观念不应和他的表现手段和材料的运用割裂开再来观察，因为这个观念，只有获得各种手段和材料的支持才有作用。而思想愈深，则手段愈需完备⋯⋯”这说明了油画材料与作品本身是有着互为作用而极为密切的关系。通常对于材料的真正体验要通过触摸才能实现，与视觉本无直接关系，然而经验告诉我们，一旦眼睛观看物质表层结构的外貌即可产生对于实际触觉的联想与感受。因为画面材料的感染力也是建立在人们视觉基础上的，绘画材料的选择和使用，能使作品产生不同的形式感和视觉美感，从而使作品具有某种可读性。在格林伯格理论影响下，抽象表现主义把材料的物质性发展到了极端，波洛克直接把颜料泼洒到画布上，罗斯科则是把颜料均匀地平涂，这就使油画材质本身的物质特性暴露得更加充分。另一些现代派画家，为了追求画面的视觉刺激，也有在颜料中放进砂、木屑、布片等，使画面的表层具有强烈的触感。由此可见画家运用某种绘画材料，采用某种绘画技法，在一定意义上来说也就促成了画家特有的作品风格，使作品具有完整意义上的审美价值。当今，油画作品在各种绘画学科互相渗透和影响下，材料在作品中的运用将更加广泛，那么重视油画材料与作品的关系，将个性化艺术语言的探索建立在对材料品质表现力的认识、理解及选择的综合运用能力基础上，并不断丰富发展自我的艺术语言是具有独特意义的。
ythgjhghgj
毕业论文是需要我们认真对待的一件事，我为大家整理了美术学毕业论文范文，欢迎阅读与参考!
摘要 ：线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的
关键词 ：美术欣赏、美术创造、实践
线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。而绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。
一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。
线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品;不论是写实，还是装饰;不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中.“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。
二、重点强调中国传统美术中线的作用。
中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能.画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采(在表现物象的同时，还传达出入的情绪)，传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。
三、东西方绘画用线的异同。
由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美;西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。
在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。
“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。
四、绘画中色彩的表现方法丰富多彩。
十五世纪上半叶，凡• 爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的'大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素;达• 芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象;西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神;伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。
十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。
艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。
综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。
探析模糊思维在绘画创作构思中的运用 研究“模糊性”规律使我们认识到绘画创作是开放的动态过程，艺术家是在创造过程中体味喜怒哀乐的人，作品是自然而然表露情感的物态凝结。优秀的艺术家都是这一规律的自觉践行者，以塞尚为例，他的一生都在尝试、失败、再尝试，后人正是从他不懈的追寻中认识到他的伟大，并从其作品中汲取无穷养分。相形之下，我们目前的创作中还存在许多不尽如人意之处，突出的表现为思想和技术的僵化。要么被功利束缚抱守一套程式固步自封，要么打着创新的幌子肆意涂抹，当然，更多的人处于无能为力的茫然状态。深入研究“模糊性”规律对当前绘画创作无疑具有很强的现实意义。1、模糊思维的价值 “画素描前并非预想要解决什么问题，只不过想用铅笔在纸上画，画出线条、调子和形态，没有什么有意识的目的;但是当脑子理会到我所要画出的东西时，刹那间，某一个意念变得明确而具体了，然后就开始加以控制、整理。”[1]这种创作中的无意识特点正是与科学理性相区别的“模糊性”。充分反映了模糊思维对形象思维和抽象思维的协调与融合。美术史上的许多画家和理论家都非常关注这种“模糊性”，并有意识地加以利用。文艺复兴时的美术理论家阿尔贝蒂甚至认为绘画艺术正是起源于这种无意识:“一段树干，一小块地，或者其它什么东西，某一天会突然发现它们的某些轮廓只须稍微修改一下，看上去就会和某个自然物丝毫不差。人类意识到这点后，就试图知道是否能通过增减来完成不足部分，达到完全相像。•••••一直发展到即使原材料连模糊的轮廓都不能提供时，人也能创造出任何的形象。”与此思想一脉相承，达•芬奇在画论中用不少篇幅论述开启想象力的方法。他在《画论》中谈道:“我少不了要将一种新发明，一种协助思维的方法包括到以上的办法之中。这法子虽然似乎微不足道甚至可笑，但却具有刺激灵感做出种种发明的大用处。请观察一堵污渍斑斑的墙面或五光十色的石子，倘若你正想构思一幅风景画，你会发现其中似乎真有不少风景:纵横分布着的山岳、河流、岩石……你还能见到各种战争，见到人物疾速的动作，面部古怪的表情，以及无数的都能组成完整形象的事物……时时驻足凝视污墙、火焰、余烬、云彩、污泥以及诸如此类的事物，于你并不困难，只要思索得当，你确能收获奇妙的思想……这都是因为思想受到朦胧事物的刺激，而能有所发明。”[2]大师的应用实践表明，无论是自然的迹象还是主动制作的痕迹都能成为善于思考的画家的有效手段，借以丰富自己的形式语言。当然，由于特定时代的审美要求，画家不可能把新颖的构思传达为脱离时代的绘画语言，但他们毕竟认识到了惯性思维带来的弊端，为传统的创作方法注入了新鲜血液。 我国油画家也有很多尝试。如张京生的《蜕变》系列画，创作构思竟是起源于调色板上偶然呈现的三个色块!更为突出的是俞晓夫，他的大多数作品全凭想象完成，在创作过程中更是跌宕起伏，充分体现了“模糊性”的特点。毫无疑问，模糊思维对于想象力与表现力的提升有不可估量的价值。2、模糊思维在绘画创作构思中的运用 模糊思维不是空无一物的抽象推理，而是通过对形式的提取展开的，因而以往的经验必然在其中起着重要作用。阿恩海姆在《论艺术心理学》中指出:“无意识的推理往往能够解决意识苦心思考而不能解决的问题……然而如果没有意识和理性预先进行的那一番苦心煎熬，无意识推理就无法达到自由的相互作用。”绘画创作中的直觉、灵感、顿悟等无意识的爆发，正是抽象与形象思维在模糊思维的协调渗透下的结果。达•芬奇在强调朦胧事物的启发作用时没有忘记提醒我们以往技能的重要性:他认为不了解事物的构造根本没有办法处理画面细节，因而不可能真正的完成作品。完形心理学的研究表明“形状不仅是由那些当时刺激眼睛的东西决定的，眼前所得到的经验，从来都不是凭空出现的，它是从一个人毕生所获取的无数经验当中发展出来的最新经验。因此，新的经验图式，总是与过去所曾知觉到的各种形状的记忆痕迹相联系。……我们得到的最新形象，是储藏十我们记忆仓库里的大量形象中的一个不可分割的部分。这种与过去的联系可以产生明显的影响，也可以不发生明显的影响。这主要取决于被动员起来的记忆痕迹是否强大到可以利用眼前图形模糊性的程度，换言之，主要取决于刺激物的结构所拥有的力量与它唤起的有关记忆痕迹的力量较量的结果。”这里的“记忆痕迹”正是画家过去的技术能力，或者说是已经掌握的形式语言，它的强弱直接影响我们的艺术表达能力。 上述分析表明，模糊思维必须与技术能力相结合，使想象力在技术能力的控制下把新颖的构思转化为实实在在的表现力和创造力。“首先是联想，通常是实物联想;其次是对联想的形式加以有意识地组织;最后，使构图丰富完善。……第一步骤是自由的、无意识的;但在以后，该画就必须加以彻底的控制……”西班牙画家米罗的创作体会和前文所述画家是不谋而和的，把三种思维方式充分融合在构思创作过程中，充分反映了“模糊性”与明晰性的辨证关系。毫无疑问，如果这些大师在创造力丰满以前不扎扎实实的研究自然关照心灵，如果他们不敢采取非常规的手段突破自身的思维定势，那他们依然只是普普通通的手艺人。表达丰富的想象力是以可靠的技艺做支撑的;反过来，切实有效的想象力又是创造新技艺的推动力。“美术既不单是思想的问题，也不单是手艺问题，而是两者的结合。走向两个极端都会产生严重的不利后果”。日复一日演练几个有限的所谓“原则”，用毅力压抑着灵气，以重复代替思考，在排除意外的同时也排除了解决问题的多样可能性，在耐心耗尽时感慨自己的无能为力;或者仅靠奇思妙想代替创作实践，把一切寄托在“灵感”上都是对“模糊性”规律的误读。惟有掌握必要的技术手段，并在实践中不断发现、尝试和变通才能真正的把模糊思维转化为丰富的想象力进而创造出转化为生动鲜明的艺术形象。 3、结论 本文从艺术大师的运用实例入手探讨“模糊性”的实践内涵。围绕“模糊性”和明晰性的辩证关系结合创作过程展开论述，着重分析模糊思维的运用，探询其发挥作用的机制和启示。针对自身存在问题，强调从形式出发和随机因素的利用。参考文献[1]鲍诗度.西方现代派美术[M].北京：中国青年出版社.1993.356[2]戴勉译.芬奇论绘画[M].北京：人民美术出版社.1979.
现实主义水墨人物画是在写实主义基础上又融入了作者对人生对社会的思考或人文主义的思想。现实主义水墨人物画是在当今众多艺术手法、艺术流派中最难的，对艺术家的全面素质要求最高。现实主义水墨人物画在中国当代的意义不仅在于中国美术发展阶段的学术意义及技术高难度，还在于现实主义水墨人物画获得了社会各阶层广泛的认同与共鸣，因而最具有现实的意义。从事高等教育的美术院校，特别要提倡与引导现实主义学术方向。 现实主义水墨人物画特色应该是一种理念，一种艺术观，一种人文精神，包含艺术家的理想、追求，以及关于艺术与生活、精神与现实、心灵与自然这种关系的认知总和。我认为21世纪的现实主义水墨人物画特色是立体的、丰满的，赋予人文关怀和生活热情的。可分为以下五个方面：（1）艺术理想应该是真善美的；（2）审美取向应该是正大开张明朗的；（3）创作取向应该是关注人生、贴近自然，天人合一的；（4）传达手法应该以写实为主；（5）在风格上应该体现出真情实感，体现对艺术与人生的独特感悟和审美发现。这五个要点实际可以分为两个层面，一个精神层面，一个艺术传达层面。我们谈现实主义，只谈精神，或只谈技法，都不全面。也就是说现实主义水墨人物画的精神与现实主义的手法之间有一种内在的有机联系，我们只要把这种关系理清楚，才能更好地传承和发扬现实主义。展望21世纪现实主义水墨人物画特色在中国的发展，会有强大的发展生命力和非常美好的发展空间。 当代现实主义水墨人物画特色在接受了西方绘画思想、方法后，经过整合、处理，构建了全新的表现形式，在形的描绘上，笔墨呈现的效果多层次地反映了智性潜能以及抽象思维美学所蕴含的审美情调与意境。遂使画面具有了时代感和生活气息，成为新的水墨语言形式。事实上，进入21世纪的中国水墨人物画，仍然处在从传统向现代的转换过程中，最主要的标志，是在对形的认识、形的表现、笔墨语言技巧的丰富与自由度扩大方面，展现了前所未有的形势和面貌。 我们今天重谈现实主义水墨人物画，就是试图跳出其狭隘的传统模式而重新构筑水墨的现代意义。我们知道，当水墨成为艺术发展中心主要的表现手段时，其技巧形式亦通过历代的积累和不断完善，逐步形成了一个完美的体系。而这种体系的建立却使它最初的精神本质在此过程中慢慢地消失，古人的创意成了束缚后人的精神枷锁。以致到20世纪初，水墨作品大多表现为对传统题材的简单重复和刻意追求，对水墨的评判标准也都是建构在古人的理论之中。在千余年的水墨发展过程中，其审美理念、物质材料以及评判标准互为依存，形成了一个超稳定的艺术形式。观念性创新便成为了其发展的首要任务。 然而，在中国水墨画历尽千年的发展所形成的高度程式化、概念化、使中国现实主义水墨人物画发展到东西方文化大融合的今天，形成了具有普通意义的现代艺术体系。如何渗入当代气息和当代精神；如何拓展它更广阔的表现领域、丰富的表现手法和样式；如何表现新的审美标准和审美趣味；围绕着中国传统水墨艺术的现代性问题，用当代观念学理性去思考和探索。 中国现实主义水墨人物画已经走向世界，已形成自己的现代特殊性和品评标准。由于环境的变化，水墨画应富于新的内涵，必然呼唤其艺术的创造与革新，但它毕竟不同于西方现代艺术，正视现实对中国艺术的促动和制约，方能获得思想解放和创造自由的主体意识的发挥。“反传统”是浅薄的，“守传统”是可悲的，中国水墨画仍然将在继承中随着时代的变化而变化，不应固化为外国人眼中亘古不变的古董。需要的是正视外来艺术包括现代艺术的影响，在选择性的接受中有助于中国水墨画现代形态的形成，而不是尾随他人的足迹，在这个时代里，既要意识到艺术的自由性，也要意识到艺术的责任感；既要意识到艺术的创造，也要意识到艺术的继承；既要意识到艺术的民族性，也要意识到主动开放的时代特点。我们终会寻找到中国水墨画前行中以创造为主导的继承与变革对立统一的辩证思维。作为新时代的中国水墨画的主潮，怎样实现由它的古典形态向现代形态的转换是问题的关键。人们对此会有多种选择，并在各自不同的实践中接受社会的检验。争论体现不同的审美趋向和价值判断的差异，而实践的深入与拓展却证实了空想与臆断的浮薄。 现实主义水墨人物画精神的意义是要求艺术家有强烈的社会意识、文化意识和精神意识，要求艺术家有强烈的时代使命感和责任感。现实主义水墨人物画是艺术家在创作时努力使自己描绘的形象客观化和接近现实事物，并在深刻认识事物本质的基础上典型地表现生活的真实。我努力挖掘生活本身的美，力争使作品关注现实，但又游离生活原型，努力追求现代艺术品格，但又与流行派拉开距离。现实主义创作的基本原则，决定了它所展示的独特艺术魅力，在任何一个时代，都是其它艺术形式所不能替代的。现实主义水墨人物画的创作需要画家扎实的写实功力。随着当代美术创作的繁荣与发展，避世消极、不重视绘画的视觉性研究的传统文人画及脱离国情的受西方现代艺术影响而造成的大量临摹式的翻版作品，越来越难以与当今正在巨变的社会发展相协调，时代需要高尚的精品，需要展示时代精神的触及心灵的艺术作品。 中国现实主义水墨人物画特色在当代必须进入科学的分析与理性发展的阶段，传统的经验式的理论与师徒相传的技术已经不能适应社会文化的发展需要。当代中国画的发展须从绘画的视觉性研究与实践入手，重视写生，重视从生活中寻找感动，重视生活对当代艺术创作的品质提升、技术探讨以及形式创造等的重要作用，理性地看待封建社会留给我们的宝贵财富同时又鱼龙混杂的传统，传承我们民族文化艺术的精华，以真诚的美术专业精神与不懈的努力，共同推动民族艺术创作在当代的进步与发展。
2，材料性，指油画画种所使用的底材、底料包括颜料、调和剂等全部材料所呈现出的物质特性和视觉特征。通俗地解释，可以和水粉画做对比，水粉画画在纸面，单纯使用水调色，颜料在绘画过程中与纸面纤维发生渗透结合，干燥后水分完全蒸发，留下的色层是由植物胶固结的颜料粉，呈现出亚光的效果，而且干燥后的颜料比湿润时颜色浅、灰，呈现粉的效果。而油画是用干性植物油调和颜料画在涂刷过底料的布面，色层不会下渗与底材渗透结合，颜料层也是独立分层的，调和剂干燥后不会蒸发，而是结成半透明的膜，保留颜料的厚度和肌理，并保留颜料的彩度，干燥后颜料不会变浅，而是微微变暗变灰，这个变化程度远小于水粉，所以呈现出比较新鲜滋润的视觉效果，加上基底的布纹，就产生了丰富的肌理语言和质感语言。而使用各种上光剂和不同的调和方法及技法，也会赋予油画千变万化的材料视觉效果。这就是油画的材料性。3，绘画性与材料性的结合：这是一个伪命题，因为不存在独立于绘画性的材料性或独立于材料性的绘画性，比如伦勃朗的绘画作品，画中厚重的笔触和色层既是他的绘画语言，也是他的材料语言，如果不借助油画的厚重材料肌理，就无法实现气势磅礴的绘画性。同样的，安格尔的新古典主义画作正是借助间接画法的薄色层叠加出的釉面般明亮的质感来表现明媚的色调和温润的肌肤，如果让他用伦勃朗的笔法去画同一个美女，就无法实现新古典主义的美感特征。4，发展意义，更是一个伪命题，因为自从油画诞生之日起，绘画性就是紧密与材料性结合的，凡艾克之前早有画家用亚麻油画画，最早的要比他早几个世纪，之所以称他为油画的创始者，正是因为他第一次做到将油画的材料性在绘画中表达得最为准确，并研制出了稳定的材料配方，这之后每一个流派都是从不同的角度在挖掘油画材料语言的各种可能性，并使它满足自己流派的风格表现需求。只是在中国，因为油画自引进之日起既是先天不足的，一直在用画水粉的方法画油画，一直没有解决油画材料性的基本问题，所以始终假装外国油画也没有解决这个问题，假装自己能够第一个登上火星。真是贻笑大方。
看看这里的解答。
一幅优秀的油画作品除了具备对形、色、光的突出表现外，还必须具备肌理上的美感。油画高手大都是善于掌握控制肌理的人。肌理直接传达着艺术家的心理感受，影响着作品的感染力度，所以很多艺术家在油画的制作过程中都非常讲究材料和技法的运用，追求鲜明的画肌特征，给人以不同的美感愉悦。既然我们可以利用肌理更真实地表达事物的真实性，使之成为一种油画语言，我们就没有理由拒绝研究这种语言和使用这种语言，不断地研究各种物质可能产生的表现效果。油画肌理作为油画表现力的内容之一，随着各个时期艺术家对其美感的追求而呈现出来。在传统的古典油画中，由于普遍采用透明画法，也叫间接画法，这一时期艺术家在油画肌理的追求中，更多的是将肌理控制在细微的差异之中，从而使肌理统一在透明的油层和均匀的光泽里。随着油画技术的发展，威尼斯画派画家提香改进了以薄染为主的透明画法，他一改油画平滑肌理，而将亮部进行厚涂，在起稿上直接用油画颜料勾出大体轮廓，厚涂和刻画完成后再用透明画法罩染，以达到整体的光与色的协调统一，形成了亮厚暗薄的不均匀肌理，油彩的韵味与肌理的融合产生出一种浑厚独特的魅力。在西方美术史上，把油画色彩、笔触完美融会于肌理，使油画肌理得到最佳展现的是伦勃朗，他在坦培拉基础上使用透明罩染和不透明塑造相结合的油画技法，画面肌理、色层、笔触，在透明罩染的烘托下质感清晰强烈，画面光彩照人，使他的油画更具有迷人的魅力和艺术感染力。无论是写实还是抽象绘画的技法中都不乏肌理的运用，这种肌理的运用不仅广泛，而且有很大的可塑性。在直接画法的油画中，画家所追求的肌理效果又是另外一番景象。印象派画家所作的风景画，大多是在白色底子的粗纹画布上，采用厚涂的直接画法，富有节奏感的小笔触，斑斑点点，形成了一种与古典油画表面迥异的粗糙如墙面的画肌特点，开拓了油画肌理美的新领域。而到19 世纪末叶，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实，并将油画肌理作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌以及制作不同的肌理来表现其作品，这种别具神韵表现性语汇的呈现使画面增添了浓厚的艺术韵味。但是，画家不能哗众取宠地为肌理而肌理，而应把肌理这一造型元素，作为创造鲜明艺术形象和表达情感的手段。油画本体语言的探索是画家的责任，如何使用绘画语言是画家能力的体现，肌理作为一种自然语言，绘画者应学会驾驭它，强化它，使之成为个性语言。从绘画语言本体的角度来思考，艺术材料作为一个文化切入点，从19世纪开始并逐渐演变为材料艺术。而在此之前，艺术材料在绘画中是实现造型语言或色彩语言审美体系的物质及技术载体，艺术家自然把对材料语言规律的研究放在形而下的层面上。随着现代艺术的出现和发展，特别是现代科学技术的迅速发展，为新材料开拓了广阔的道路，为改革和应用这些新材料和新技术创造了良好的条件。当前众多的艺术家和教育家已经从注重材料的应用技术转到感知材料的物质存在的自身意义及人文价值的研究上，即从微观的把握转到宏观的把握上。使材料艺术强化并提升到艺术语言的主体地位上来，并使其成为人们直接思考对话的重要形式，实现了物质材料本身自然的审美价值和艺术家的观念价值。油画兴起于文艺复兴时期，当时的人们出于表达对自然的极大热情和人文主义精神，使用了坚固而富于变化的油画材料，以后逐渐形成了灿烂的成果，形成了作为油画表现力的最为主体的东西。可以说，在古典油画中，油画材料的运用仅仅是服务于再现目的的手段，自身的独立品格并未受到真正重视，题材、内容、主题比绘画的材料本身要重要得多。然而从油画发展史看，可以说新的材料的出现，也意味着油画的发展与进步。我们所知道的不少欧洲绘画大师的作品，历经几个世纪画面还是那样丰富多彩，耐人寻味，这都和画面的材料运用、技法处理分不开。马蒂斯曾说过“: 我首先所企图达到的是表现，但一个画家的观念不应和他的表现手段和材料的运用割裂开再来观察，因为这个观念，只有获得各种手段和材料的支持才有作用。而思想愈深，则手段愈需完备⋯⋯”这说明了油画材料与作品本身是有着互为作用而极为密切的关系。通常对于材料的真正体验要通过触摸才能实现，与视觉本无直接关系，然而经验告诉我们，一旦眼睛观看物质表层结构的外貌即可产生对于实际触觉的联想与感受。因为画面材料的感染力也是建立在人们视觉基础上的，绘画材料的选择和使用，能使作品产生不同的形式感和视觉美感，从而使作品具有某种可读性。在格林伯格理论影响下，抽象表现主义把材料的物质性发展到了极端，波洛克直接把颜料泼洒到画布上，罗斯科则是把颜料均匀地平涂，这就使油画材质本身的物质特性暴露得更加充分。另一些现代派画家，为了追求画面的视觉刺激，也有在颜料中放进砂、木屑、布片等，使画面的表层具有强烈的触感。由此可见画家运用某种绘画材料，采用某种绘画技法，在一定意义上来说也就促成了画家特有的作品风格，使作品具有完整意义上的审美价值。当今，油画作品在各种绘画学科互相渗透和影响下，材料在作品中的运用将更加广泛，那么重视油画材料与作品的关系，将个性化艺术语言的探索建立在对材料品质表现力的认识、理解及选择的综合运用能力基础上，并不断丰富发展自我的艺术语言是具有独特意义的。
伦勃朗对摄影最大影响其实就是他的光线艺术处理手法！ 伦勃朗(Rembrandt 1606～1669)1606年7月15日生于莱顿，1669年10月4日卒于阿姆斯特丹。其画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。自画像莱顿时期（约1625～1631）作品采取强烈的明暗对比画法，用光线塑造形体，画面层次丰富，富有戏剧性。 伦勃朗在绘画史——不独是荷兰的而是全欧的绘画史上所占的地位，是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。他所代表的是北欧的民族性与民族天才。造成伦勃朗的伟大的面目的，是表现他的特殊心魂的一种特殊技术：光暗。这名辞，一经用来谈到这位画家时，便具有一种特别的意义。换言之，伦勃朗的光暗和文艺复兴期意大利作家的光暗是含着绝然不同的作用的。法国十九世纪画家兼批评家弗罗芒坦（Fromentin)曰他为“夜光虫”。又有人说他以黑暗来绘成光明。 伦勃朗对光的使用给人的印象非常深刻！如同他谨慎地使用亮色一样，他也独到地运用明暗。他自由地戏剧性地处理复杂画中的明暗光线，他利用光线来强化画中的主要部分，也让暗部去弱化和消融次要的因素。他这种魔术般的明暗处理构成了他的情节性绘画中强烈的戏剧性色彩，也形成了伦勃朗绘画的重要特色。 此后，许多摄影家把他在绘画中处理光线的手法运用到摄影之中来增强作品的表现力，所以在摄影界就有了“伦勃朗布光法”之说。
1606年7月15日，伦勃朗·哈尔曼松·梵·莱因（Rembrandt armenszoon Van Rijn）出生于离阿姆斯特丹不远的莱顿。1628年后，伦勃朗开始对“光”感兴趣，卡拉瓦乔的明暗对照法给了他很深的影响。《神庙里的献礼》（Presentation in the Temple）便是这一改变与过渡时期的作品，兼有两个时期的特点。此后，伦勃朗的画面的明暗对比开始变得强烈起来，这也成了伦勃朗最具特色的绘画原则。此后，伦勃朗的才能终于被普遍地承认了，他离开莱顿到阿姆斯特丹发展，那是个商业气氛浓厚的城市，伦勃朗在与当地画商接洽后，开始大量画穿着华丽服装的肖像画，顾客很满意，伦勃朗也日夜忙碌，以至于觉得去意大利学习是浪费时间。说到这里，不能不提伦勃朗的用光，他继承并发展了卡拉瓦乔式的明暗对比的戏剧性光的美学法则，表现构图上的主次关系和画面上丰富无比的节奏运动，他利用光亮突出画面的主题内容，也让阴影弱化和消融次要的因素，并且利用明暗的错综交替来表现深远的空间感觉。伦勃朗先于同时代的很多画家认识到光是一切形体和色彩的依据，没有光也就无所谓形和色。时隔近400年，我们仍然可以在杰作《夜巡》和很多其他的画作中看到伦勃朗笔下的色彩好像是随着光线的变化而变化的，光线照射在物体上，使之焕发出光辉，并闪烁着灿烂的色彩。对于绘画理解的深入伴随着初尝人世艰辛的体验，使伦勃朗的画风发生了改变。伦勃朗逐渐放弃了细腻平滑的画面效果，开始用较厚的颜色塑造对象，再用透明色加以罩染，使得黏稠的油画颜料产生出独特材料美观。伦勃朗的画作具有如此美妙的画面肌理，只有后世的梵高（Van Gogh）和弗洛伊德（Lucian Freud）能与之媲美。但超越时代的审美往往无法拥有合格的欣赏者，同时代的人看惯了细腻光滑的肌理的和典雅的色调，对伦勃朗那浑浊的色彩和粗放的笔触很不理解，戏言说伦勃朗的油画可以被牵着鼻子走。 贫困潦倒的伦勃朗开始更多地关注自己的内心世界和身边的形形色色真实存在的人，屠夫、厨娘、乞丐、瘸子、盲人等等，经常地出现在他的速写中。也许与他早年的宗教教育有关，伦勃朗创作了大量的宗教题材作品，他让身边的这些小人物穿上古代的服装，扮演《圣经》和神话的形象。波提切利、拉斐尔笔下的人物多健壮而俊美，强调形象的唯美，张扬人的魅力，与文艺复兴时期的大师不同，伦勃朗则更倾向于现实：《达那厄》（Danae）圆滚滚的身体就是个健壮的乡下女孩：为以色列王大卫垂涎的《入浴的拔士巴》（Bethsabee）在伦勃朗画中是个身材不怎么样的中年妇女；等待托比的莎拉像是个粗手粗脚的女仆；《甘尼美德》（Ganymede）被鹰抓住后一边大哭一边吓得撒尿——最为孩子气而又传神的是手里还抓着几颗樱桃……甚至在描绘圣家族的作品中，伦勃朗也都融入了世俗家庭生活的细节，把圣人安排在清洁而朴素的荷兰家庭。所有这些神话和宗教人物都不再是唯美或理想的人的形象，他们是具体的有血有肉的荷兰底层的民众。伦勃朗开始越来越多地选择那些反映深刻人性的题材，认真揣摩他的模特，然后在画中细腻地展现他们的心灵，伦勃朗在宗教题材中注入了父爱、怜悯、宽恕的情感，也寄予了自己的坚定信念。 1669年10月4日，伦勃朗在贫病交加中去世。随着1675年维米尔的去世，荷兰绘画的光辉时代结束了，又过了将近二百年，伦勃朗的名字才享有广泛的声誉，他那现实主义的深刻的心理描绘，他那无与伦比的运用明暗的技巧都是美术史上无法逾越的高峰。伦勃朗一生留下600多幅油画．350多幅蚀刻版画，1500多幅素描。伦勃朗的一生跌宕起伏，经历过一个画家渴望拥有的辉煌的世俗成就，但与大多数的平庸画家不同的是，伦勃朗对于自己在艺术上的选择始终坚持遵从自己的感受，不向世俗的趣味让步，这种坚持给他带来了悲惨的下半生，也给他带来了卓绝的艺术成就。
1642年夜巡，这幅画原来是阿姆斯特丹建委工会委托而作的一幅集体肖像画，伦勃朗却不愿意当做一般的肖像画来创作，而是把它当做一个历史的主题画来构思的。他选择了大尉班宁.科克下令射击手连出发的瞬间，将主要任务安排在后边。《夜巡》无论在人物刻画，构图处理上以及光和色的运用上都达到了完美的程度，颇有独创性。
现藏于荷兰阿姆斯特丹国立博物馆的布面油画作品《夜巡》，出自欧洲17世纪最伟大的画家之一—荷兰画家伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因之手。这幅传世名作描述的是班宁·柯克上尉指挥的民兵连，欢庆法王亨利四世的遗孀玛丽·德·梅迪西斯访问阿姆斯特丹的隆重场面。 在每年参观阿姆斯特丹国立博物馆的100多万人中，绝大多数是冲著伦勃朗《夜巡》来的，对荷兰人来说看伦勃朗的《夜巡》就像“朝圣”一般庄重、神圣。它是荷兰艺术登峰造极的代表作。伦勃朗充分发挥出了他的才华，取得了前所未有的成果，从中可一窥十七世纪时一个辉煌的阿姆斯特丹的历史缩影。 曾两次被授予“荷兰年度历史学家”称号的黑尔特.马柯，是一位出生于荷兰南部新教牧师家庭的畅销历史书作家。他撰写的《北海之心：阿姆斯特丹的光荣与哀伤》一书曾被提名比利时金猫头鹰奖。其原著是以马柯的母语荷兰语著成，书名可直译为“阿姆斯特丹的小历史”，这本面向大众的历史社科类读物甫一出版便广受该领域读者欢迎。全书以10个章节的篇幅，按照时间传承顺序，将阿姆斯特丹这座欧洲名城从十一世纪至二十世纪末的历史向读者娓娓道来。 从中我们可见，马柯从微观史学的角度，通过一件器具、一个微不足道的小人物、一个历史文化名人、一个古老的家族斗争史、一群上层社会妇女的抗争、一个警察局的报案记录等，在这一个个真实的小故事里，道尽了阿姆斯特丹这座经历了一千多年沧桑历史的文化名城的前世今生。 今天的许多人对荷兰的印象大致停留在触目可及的风车、郁金香、梵高、大大小小的河流与开放性交易的红灯区之上，对它的经济实力则鲜少有人提及。但实则，1602年成立的荷兰东印度公司如同一个国家一般拥有组建军队、发行货币的特权，被称为当时世界上最牛的公司，这就为此后18至19世纪荷兰经济的快速发展奠定了雄厚的物质基础，让荷兰积累了雄厚的财力，一跃成为当时欧洲最强大的国家，被誉为“海上马车夫”；尽管后来荷兰被英国、法国打败，但仍然跻身世界强国，并凭借着得天厚地的通海港口，发展成为欧洲重要贸易中转站和贸易中心。 这其中，从13世纪初的渔村发展而来的阿姆斯特丹自是获益良多。千百年来，它经历了从小渔村到现代大都市的发展历程以及两次世界大战的洗礼。因此，很大程度上讲，阿姆斯特丹的历史就是荷兰历史的一个缩影。 作为荷兰人口最密集的大城市，阿姆斯特丹是荷兰的金融和文化首都，为数不少的荷兰大型机构总部都设立于此，其中包括飞利浦、ING等7家世界500强企业的总部。同时，阿姆斯特丹有着丰富的旅游资源，包括历史悠久的运河网、荷兰国家博物馆、凡·高博物馆、安妮之家、红灯区以及许多大麻咖啡馆。每年有几百万来自世界各地的游客到此观光。 让我们将视角溯洄十七世纪的荷兰，此时的荷兰已经经历了西班牙长期的殖民统治，终在长达八十年的独立战争中获得最后的胜利，成为拥有独立主权的国家。独立后的荷兰努力发展海洋贸易，船只一度远达亚洲的印度尼西亚、中国、日本，这时的阿姆斯特丹就成为了远洋贸易的货物集散地，形成了欣欣向荣的港市，同时也产生了社会上以商业为基础发展而成的市民阶层。而经由宗教改革后的阿姆斯特丹，不仅去除了旧教繁冗不堪的礼仪，摒除了华而不实的教堂装饰，更使得新教的礼拜堂恢复了素朴雅致的空间，回到最初基督教朴素的信仰本质。 现在再回到开头所述的伦勃朗。书中所述的伦勃朗与梵高同为荷兰籍世界知名画家。与梵高不同的是，伦勃朗在生前就已经有了一定的名望与社会地位，并通过画肖像画、风景画、风俗画、宗教画、收徒等渠道为自己积累了相当可观的财富。 但是，伦勃朗在当时虽有一定的社会地位，但由于他的自私、贪婪以及私生活上的不检点，深为当时的上流社会人士不齿。他的学徒为了引诱他弯腰，甚至要在地板上画一枚金币。由此可见他在金钱上的贪婪。而他在富裕的妻子死后与两个女仆之间的风流韵事，至今仍为后人所不齿。 在德国著名社会学家与哲学家马克斯·韦伯所著的《新教伦理与资本主义精神》一书中，在描述新教信仰的荷兰时说：“人们努力工作并不单纯为了钱，更是为了信仰。因此在17世纪，以阿姆斯特丹市民为代表的荷兰人在赚了钱之后，首先会扶危济困。受此影响，很多无家可归的欧洲游民开始聚集到荷兰，让这个低地之国成了当时慈善水平最高的国家。” 一个显而易见的事实是，当时的荷兰人确实如《水浒传》中打家劫舍的梁山好汉一般崇尚扶危济困、救济穷人等善行。相对富裕的物质生活让以阿姆斯特丹为中心的新教徒很“尴尬”，虽然新教伦理提倡人们勤劳工作，但获得的金钱太多，让他们从潜意识中感觉到跟虔诚信徒的身份有冲突，于是为了化解人性的物欲贪婪，降低自己的罪恶感，他们将慈善捐款看作自己神圣的“救赎”。 伦勃朗所在的17世纪正是尼德兰民族辉煌灿烂的时代。在这幅展现了强烈现实主义手法的群体肖像画《夜巡》中，从题材上来看，《夜巡》描述了民兵队上街游行的一幕，并非以往团体肖像画所描绘的贵族阶级或高级官员。他将民兵队的主题视为取材于圣经或者古典神话一样平等对待，这就是现实主义的真切表现。而从构图上来看，画面采取了近舞台剧的形式，画面的中心有两位服装各异的民兵走在队伍前列，画面左右后三个方向分别有三组士兵，姿态各异，形象更加生动自然。从中我们自可一窥17世纪阿姆斯特丹的冰山一角。
1 试论简·爱的宗教观——从弗洛伊德心理学对《简·爱》进行解读 张春晖 绵阳师范学院学报 2008/03 2 论《藻海无边》对《简·爱》的超越——互文性批评理论视角下的文本对比分析 王涛 辽宁教育行政学院学报 2008/05 3 永恒的追求——浅析《简·爱》中的女主人公精神 张佳杨 今日南国(理论创新版) 2008/06 4 现代与传统的较量:女性主义批评PK现实主义标准——《简·爱》在中国的阐释(1986-1994) 刘亚芬 湖南科技学院学报 2008/07 5 试论简·爱的爱 陈晓娴 金华职业技术学院学报 2008/03 6 重获话语权的第二性——《藻海无边》与《简·爱》的比较分析 杨菁菁 科技创新导报 2008/20 7 简单爱的缺陷美——浅析造成《简·爱》缺陷的成因 王颜 科教文汇(中旬刊) 2008/05 8 母亲:缺失与寻找——论《简·爱》中的“母亲”原型 赵芊 今日南国(理论创新版) 2008/03 9 透过《简·爱》与《蝴蝶梦》看女性作家的身份焦虑 杜艳春 吉林师范大学学报(人文社会科学版) 2008/03 10 浅析简·爱和苔丝的叛逆者形象 赵春花 齐齐哈尔师范高等专科学校学报 2008/02 11 从句法修辞角度看《简·爱》的语言美 彭爱民 平原大学学报 2008/01 12 论简·爱的性格特点 秦桃姣 科技信息(学术研究) 2008/14 13 《简·爱》女性哥特式批评视阈下的原型分析:“双性同体”而非“隔绝” 张艺 世界文学评论 2008/01 14 简·爱反抗性格的形成因素 刘玉君 时代文学(下半月) 2008/04 15 试论简·爱的非正常心态 陈小兆 时代文学(下半月) 2008/03 16 从阶级角度解读《简·爱》中的性别颠覆 马峥嵘 时代文学(下半月) 2008/03 17 由《简·爱》与《庭院深深》谈两位女性作家的创作 燕艳 时代文学(下半月) 2008/03 18 一部女性的心理成长史——浅析简爱从感性到理性的心路历程 张贻文 消费导刊 2008/06 19 《简爱》与《呼啸山庄》写作形式的比较分析 田仙枝 湖北大学成人教育学院学报 2008/02 20 简·爱的双重性格 杨爱英 常州信息职业技术学院学报 2008/02 21 《简·爱》中的“女性声音”品评 郑红艳 宿州教育学院学报 2008/01 22 同为“没女”,不同命运——简·爱和苔丝人物形象比较 赵若纯 山东教育学院学报 2008/02 23 从伍尔夫《普通读者》中《〈简爱〉与〈呼啸山庄〉》谈起 杨永芳 吕梁高等专科学校学报 2008/01 24 试述《简爱》与《呼啸山庄》小说写作成功的关键——尽现哥特式小说的魅力 田仙枝 吉林省教育学院学报 2008/02 25 《简·爱》的生态女权主义思想 王文惠 延安大学学报(社会科学版) 2008/02 26 谈《简·爱》的人物形象设计 谭燕保 电影评介 2008/09 27 男权·女性·自然——《简·爱》中的生态女权主义思想解读 王文惠 天津外国语学院学报 2008/03 28 《简·爱》的创作与作者经历及社会环境 孙昕昕 中国西部科技 2008/11 29 抗争还是妥协——论《简·爱》与《呼啸山庄》之殊途同归 张竞 科技信息(科学教研) 2008/13 30 从《简爱》到《吕贝卡》是女性意识的觉醒还是倒退 江梅华 科技创新导报 2008/07 31 《简·爱》的批判性及其局限性 覃承华 商丘职业技术学院学报 2008/01 32 透过文本的缝隙——《简·爱》与《伤逝》之对比解读 吕洁 南昌高专学报 2008/01 33 疯女人与小说的艺术风格——论《简·爱》中疯女人形象 房明远 科技信息(科学教研) 2008/08 34 由简·爱和安娜的命运看女性意识的觉醒 夏彤 湖南科技学院学报 2008/03 35 浅谈《简爱》的女性主义特征 季然 大学英语(学术版) 2008/01 36 浅议《简·爱》两个中译本 王蓓 成都大学学报(教育科学版) 2008/03 37 皈依还是反叛——《简·爱》的《圣经》解构 刘爽 合肥学院学报(社会科学版) 2008/01 38 追求平等爱情的赞歌——电影《简·爱》的女性爱情叙事研究 曾勇 电影评介 2008/06 39 《简爱》——新女性成长的心路历程 许超 电影评介 2008/04 40 从《简·爱》译本看翻译中的女性身份认同 刘勇 四川外语学院学报 2008/01 41 从生态女权主义视角对《简·爱》的重新读解 王文惠 外国文学研究 2008/01 42 个性魅力的讴歌——浅析《简·爱》女主人公性格 王璇 社科纵横 2008/01 43 从宗教的角度浅析《简·爱》 周盛 黑龙江科技信息 2008/02 44 从接受美学看《简·爱》中圣约翰形象在中国的变异 徐菊 名作欣赏 2008/02 45 简·爱:夏洛蒂·勃朗特本人的写照 任伟亚 西南民族大学学报(人文社科版) 2007/S1 46 浅析《简·爱》中伯莎的艺术形象 王菲菲 泰安教育学院学报岱宗学刊 2007/04 47 《简·爱》的历程 刁克利 英美文学研究论丛 2007/02 48 从“女权”到“女性”——谈简·爱与吕蓓卡 吴丽丽 湖北教育学院学报 2007/12 49 从弗洛伊德人格观谈简·爱的心理结构 张磊 潍坊教育学院学报 2007/04 50 简·爱与叶玉菡性格相同点之比较 彭竹 黑龙江教育学院学报 2007/10
人要勤奋，要坚持，要乐观，要坚强 读勃朗特三姐妹作品有感-《简爱》《呼啸山庄》 第一次接触勃朗特三姐妹的作品，是中学时阅读大姐夏洛蒂·勃朗特的经典著作《简爱》。 正值青春年少的自己，一捧起这本书便沉溺进去。整晚熬夜把它读完，也觉得意犹未尽。此后就一而再，再而三的反复阅读，甚至把它偷带去学校。当我们可尊敬的语文老师对着篇乏味的文章，大谈其中心思想扬漾着革命主义精神的时候，我就把头埋在桌洞里，沉浸在故事当中。我为幼年的简爱所受到的虐待而悲愤，感同身受般的体会着简爱那幼小敏感的心灵所受的伤害。多么不公平啊！我在心里和简爱一起呐喊。我也为成年的简爱而倾倒。喜欢她在地位比她高的所谓上流社会人士面前表现出的那种不卑不亢的态度，喜欢她在面对爱时表现出的的那种自尊自强的精神，心中不禁感叹在距离她所处的年代进步了二百年的现代，又有几个女人有勇气为了自己的尊严而对一个心爱又富有的男人说不呢？简爱就可以！总之,那一段时间的我,完全被小说俘虏了。在阅读中随着情节的发展，为她所遭受的伤害而泣，为她在待人和谈吐中流露出的自信和少许的俏皮而会心微笑。不过因为在上课时间我所表现出的这种时而眼角挂泪，时而嘴角留笑的疯癫表情，倒着实让我当时的同桌担心了好一段时间。 我因为喜欢《简爱》这本小说，就想要进一步了解它的作者。从而知道了她是一个贫穷牧师的女儿，有一个荒唐的拖累家庭的兄弟，还有两个同样会写书的妹妹。她和她的妹妹们在人生中的大多数时间里都生活在英国北部荒凉的乡村。在旷野里散步，似乎就是她们最好的运动和娱乐。封闭的环境、糟糕的家庭、平淡的生活，这一切同我心目中的那个充满热情的女作家是多么不相称啊！就像沙漠里开出玫瑰一样让人意想不到。 我试图通过阅读她妹妹的作品来更好的了解她。抱着这种心理我先是在书店里找到了夏洛蒂的小妹安妮·勃朗特所写的小说。小说的内容是讲一个因生活所迫而从事家庭教师工作的女孩子，在经历了几个难管教的坏孩子和不讲道理的父母后，顺利结识了令自己倾心的富有绅士，并最终缔结良缘的故事。总体上来说算是琼瑶小说的19世纪古典英国版。这是一本让人沮丧的书。她的大姐夏洛蒂书中优美的细节描写和高尚的思想情操在这里都是找不到的。因为只勉强看了一遍，索性我把书名也忘了，只记得好像是女主人公自己那长长的啰哩啰嗦的名字。 一位文采平庸的妹妹并没能让我退缩，我又找到了夏洛蒂的大妹艾米莉·勃朗特所写的《呼啸山庄》。 那是怎样的一本书啊！我第一遍读它的时候只觉得像是有乌云在头上笼罩。沉重和压抑的感觉渗透在字里行间，弥漫在整本书中。我虽然强忍着把书看完 ，却留下了后遗症——此后的整个星期看到的天空都是灰色的。虽然如此，我仍要公平的说，这本书振撼了我的灵魂。 首先它是特立独行的。所描写的男女主人公希克厉和凯瑟琳既邪恶又自私，人类美德的光辉绝照不到他们身上。但他们彼此之间的爱情却又是可以超越一切的。凯瑟琳口中的“我就是希克厉，希克厉就是我。”和“我不知道灵魂是什么料子的，但我和希克厉的一定是一种料子。”像这种炙热的情感表达，完全有别于同时期的英国作品。其次它是离经叛道的。当其它作品中的人物追求自己的灵魂能在天堂里得到安宁的时候，凯瑟琳却作了个可怕的恶梦——她梦见自己到了天堂，她痛苦的大哭，尖叫，她要回家，回那个在读者眼中像是地狱的家。在我看来，这本书更可能出自一个起义天使之手，而不是一位牧师女儿的作品。总之，它颠覆了世俗的德道观，要把人们心上那道狭窄的感情之门完全撕开，跟随它的主人公一起去体会那像火一样 奔放的灵魂和燃烧的激情。读过它才让我发觉，看书的过程有时候就像是一种爱情。《大话西游》里的至尊宝原以为他用‘月光宝盒’回到500年前，是要找他的娘子白晶晶，结果却找到了一生的至爱紫霞仙子。 我因为想了解《简·爱》的作者而找到《呼啸山庄》，才发现后者在思想深度和情感表达方面远超过前者。如同月亮无法在太阳面前争辉。那一刻，我完全能体会至尊宝的心情。 直到现在，我也无法了解在英国北部那样保守、闭塞的环境下何以会孕育出像勃朗特姐妹那种情感丰富的，只用一部作品便可划亮文坛的天才女作家。我只能说，可以让人感动的作品，往往来自于作者自己的内心，而不是来自于外界的浮华。 勃朗特三姐妹的女性独立意识
略谈外国文学评论 外国文学和外国文学评论有着密切的关系,没有,何来评论?是评论的依据。没有评论,便难于健康地发展,可能会长期存在"泥沙俱下,鱼龙混杂"的不良局面,因此,评论对外国文学起着一种净化和提高的作用。 我国老一辈作家、家,尤其是作家兼家,不仅给我们留下宝贵的文学遗产,而已在外国文学评论面,也为我们树立了永远值得学习的光辉榜样。首先让我们来看一着郑振铎是怎样实事求是客观公允地评论中国第一个外国文学大师林纾(琴南)的功过: 我们看了这个统计(指林纾所外国文学作品的统计),一面自然是非常的感谢林琴南凭外,因为他介绍了这许多重要的世界名着给我们,但一面却不免可惜他的劳力之大半归于虚耗,因为在他所的一百五十六种作品中,仅有这六七十种是着名的(其中尚杂有哈葛德及科南道尔二人的第二等的小说二十匕种,所以在一百五十六种中,重要的作品尚占不到三分之一),其他的书却都是第二、三流的作品,可以不必的,这大概不能十分归咎于林先生,因为他是个懂得任何外国文字的,选择原本之权全操了与他合作的口者之身上。 还有一件事,也是林先生为他的口者所误的:小说与戏剧,性质本大不同,但林先生却把许多极好的剧本、成了小说--添进了许多叙事,删减了许多对话,简直变成与原本完全不同的一部书了。如莎士比亚的剧本《亨利第四》、《雷差得纪》、《亨利第六》、《凯撒遗事》以及易卜生的《群鬼》(梅孽)都是被他得变成了另外一部书了--原文的美与风格及重要的对话完全消灭不见,这简直是在步武却尔斯·兰在做莎士乐府本事,又何必写上了"原着者莎士比亚"及"原着者易卜生"呢? 林先生的,还有一点不见得好,便是任意删节原文。如法 国雨果的《九三年》,林先生之为《双雄义死录》,拿原文来一对不知减少了多少。我们很惊异,为什么原文是很厚的一本,成了中文却变了一本薄薄的了。 然而无论如何,我们统计林先生的,其可以称得较完善者已有四十余种。在中国,恐怕了四十余种名着的,除了林先生外,到现在还不曾有过一个人呀。所以我们对于林先生这种劳苦的工作是应该十二分的感谢的。 在那些可以称得较完善的四十余种中,如西万提司的《魔侠传》,狄更司的《贼史》,《孝女耐儿传》等,史各德之《撒克奄后英雄略》等,都可以算得很好的本。沈雁冰先生曾对我说,《撒克奄后英雄略》,除了几个小错处外,颇能保存原文的情调,文中的人物也描写得与原文中的人物一模一样,并无什么变更。 离开他的的本身的价值不谈,林先生的工作在当时也有很大的影响与功绩,其最大的是: 中国近二十年作小说者之多,差不多可以说大都受林先生的感化与影响的。即创作小说者也十分的受林先生的影响。小说的旧体裁,由林先生而打破,欧洲作家史各德、狄更司、华盛顿·欧文、大仲马、小仲马诸人的姓名也因林先生而始为中国人所认识。① 其次,再让我们来看一看茅盾又是多么细致地分析、比较、评论《简爱》的两种本的。一本是伍光建的《孤女飘零记》,一本是李霁野的《简爱》。茅盾一开始便摘引了原文第一章的头两段来评比:There was no possibility of taking a walk that day. We had been wandering, indeed, in the leafless shrubbery an hour in the morning; but since dinner(Mrs. Reed,when there was no company, dined early)the cold winter wind had brought with it clouds so sombre,and rain so penetrating,that further outdoor exercise was out of the question。 (伍)那一天是不能出门散步的了。当天的早上,我们在那已经落叶的小丛树堆里溜过有一点钟了;不料饭后(李特太太,没得客人来,吃饭是早的,)刮起各大的寒风,满天都是乌云。又落雨,是绝不能出门运动的了。 (李)那一大是没有散步的可能了。不错,早晨我们已经在无叶的丛林中漫游过一点钟了,但是午饭之后--在没有客人的时候,里德夫人是早早吃饭的--寒冷的冬风刮来这样阴沉的云,和这样侵人的雨,再做户外运动是不可能的了。 茅盾指出,这两段文都是直,但有一同中之异,即李是尽可能地移了原文的句法的。如果细较量起来,我们应当说李更为"字对字";第二句中间的"indeed"一字,两个助词"so"以及"penetrating"一字,在伍是省过了。然而这是小节。如果我们将这两段文读着读着,回过去再读原文,我们就不能不承认李泽更近于原文那种柔美的情调。伍的第二句后半,"刮起冬天的寒风,满天都是乌云,又落雨,是绝不能出门运动了,"诚然明快,可是我们总觉得缺少了委婉。而所以然之故,我以为是和依照原文的句法与否有关。又原文中之"the cold winter wind had brought With it… "一段,李亦比伍更为"字对字",而且更为妥贴。除了'这样阴沉的云,和这样侵人的雨"在字面上也比"满天都是乌云,又落雨"更为切合原文而外,"寒冷的冬风刮来……"云云也比"刮起冬天的寒风"更合原文的意思;而这,也足因为伍要避去欧化句法,所以这半句就不能"组织"的恰好。否则,这半句并不怎样难,以伍先生的才一定能得很妥贴的。② 再来比较原书第一章的第二段:I was glad of it: I never liked long walks, especially on chilly afternoons,dreadful to me was the coming home In the raw twilight,with nipped fingers and toes,and a heart saddened by the chidings of Bessie, the nurse, and humbled by consciousness of my physical inferiority to liza, John, and Georgiana Reed. (伍)这我却很欢喜:我不愿意走远路,尤其是遇着跟冷的下午,薄暮寒光中,散步归来,手脚的冰冷,奶奶贝西的臭骂,已经够我害怕,而我的身体的孱弱,比不上伊里西,左珍纳,约翰他们三个,更使我自惭形秽了。 (李)这是我高兴的:我从来不喜欢长的散步,尤其在冷的下午:手指和足趾都冻坏,怀着被保姆毕西骂得忧伤的心,觉得身体不如以利沙,约翰,和乔治安那里德而受着委曲,在湿冷的黄昏回家,在我看来是可怕的。 这一段一长句,因为原文的句法的关系,颇难得好。原文的"dreadful to me"直贯句尾,李移装在句本,好是好的,但文字稍觉累赘。伍移在句中("已经够我害怕"),我以为比较明快。自然,倘使我们逐字对照起来,伍是省去了若干字的;"我不愿意走远路"中间略去了"从来"(never),"手指和足趾"简略为"手脚","被保姆毕西骂得忧伤的心"简略为"奶妈贝西的臭骂",--这都是。 但是通读全句,我还是喜欢伍。我以为伍此句的神韵很好。"薄暮寒光中散步归来"似乎比"在湿冷的黄昏回家"多些韵味,而"humbled by the consciousness of my physical inferiority to…"伍的比较自由的成语(把humbled by the consciousness of为“自惭形秽”,我亦觉得比李的"觉得身体不如……而受着委曲"似乎更见熨贴。 比较这一段的两种文,颇有意思。第一,此句的伍实在比第一段更为切近直,这证明了直法的不容怀疑;第二,这又证明了直法如果太拘泥于"字对字",便容易流为死板,使文缺少了神韵;太拘泥于"字对字",往往会变成死,--这跟直有相当的距离。久历此句加添了些意义。"已经够我害怕"的一个"够"字,和"更使我自惭形秽"的"更"字,--这两字在文中是互相呼应的,然而把原文的语气太加重了;我以为"更"字可以换为"也"字。 看,茅盾对两种本的评论是多么公.毫无成见,是则是之,非则非之,动机是与人为善,措词是委婉中肯,绝无哗众取宠之意,更无损人利己之心。评论的目的,乃是总结的宝贵经验,从而促进我国事业的个断发展。 前辈在外国文学评论面,早已给我们树立了光辉的榜样。 接受批评,毫无疑问,是更加困难的一个面,前辈中也不难找到永久值得效法的楷模。他就足中国现代文学史上伟人旗手鲁迅,他虚心接受批评意见的事实,大量存在于他同翟秋白关于问题的通讯中。例如鲁秋白先生对于地重的法捷耶夫《毁灭》,根据俄文提出九点商榷,他都欣然同意,回信说:"如来信所举的例,我都可以承认比我得更'达',也可以推定并且更'信',对于读者和者,都有很大的益处"。③ 在外国文学评论面,甚至在接受批评面,都有前辈树立了卓越的榜样和楷模。但统观半个世纪以上的外国文学评论,似乎还同外国文学的发展不相适应,没有做到相辅相成,同步前进。不仅没有形成一个健康发展的为文学事业服务的面军,而且还出现或"左'或右的现象。所谓"左",典型的表现见五十年代出版的《通报》。北京《通报》编辑委员会..一..出版了《通报》第一卷~期;..--..出版了第二卷~期;..--..出版了~期(期为特大号);..出版了一月号;二月号因故休刊。直到此刻为止,《通报吨理论研究和外国文学介绍与评论面做出了自己应有的贡献。经过年月的作刊整顿,三月号便以配合三反运动的严峻面目出现,例如三月号首篇文章,便是题为《展开界的三反运动》的动员报告.紧接着就是检举和斗争,并在批评栏中开始点名批判已经相当有名气的一些家。到了四月号,旗帜就更加鲜明了,大字通栏标题则三反运动中界的批评与自我批评特辑》,接着分《自我批评之部》和《批评之部》。一些名家在《自我》部和《批》部相继被点名批判和作检查。五、六两月号仍为特辑,检讨和批判仍在继续进行,不过其火药味已开始有所减弱,好端端的《通报》他就跟着三反运动的结束而停刊。 不容讳言,当时界少数人确实存在着抢、滥、剽窃,甚至作"中间把头"等等恶劣现象,严重的可作三反对象清查处理。但绝大多数家,虽然工作中存在着这样那样的缺点,仍然见有所不为的,在专辑中所发表的"批判"和"检讨",究竟有多少符合真学术意义上的"批评"与"自我批评",自己信服也让人信服,恐怕需做进一步的研讨和商榷,很难盖棺论定。 所谓"右",表现在前几年对于黄色或接近黄色的书刊的放之任之,无人过问、那几年,学术着作和严肃的文学市场,已被蚕食殆尽,但外国文学批评界则然若寒蝉,无敢挺身而出者致使黄色泛滥,臭气熏天。 如何健康地开展常的外国文学的评论工作呢? 我认为,第一,评论有两个任务:一是奖善,一是罚恶,而前者应为其主要任务。所谓奖善,是向读者介绍推荐善佳,使他们有所欣赏和借鉴。所谓罚恶,是分析批判那些诲淫诲盗或错误百出的品,使读者知所警惕,免得继续受害。 第二,评论法应当是宏观和微观的结合。如是善佳,首先应从宏观的即文学的观点评论~下者是否重现或者切合或者接近了原文的风格,其次应从微观即语言学的观点,研究文是怎样利用语言特点来体现原文的风格的。为了使读者容易理解,自然免不掉要举些实例、同例、句例以及段例,如是劣、坏,亦应宏微结合,首先评论一本原着本身的文学价值如何,社会效益如何,其次应毫不留情地指出者的粗制滥造错误百出的实例。 第三,要想常地开展评论工作,还必须有个调节机构。建议由《中国》编辑部和人民文学出版社编辑部为"外国文学评论联合调节部",一则两部都有强大的编辑力量,二是舆论反应出版信息比较灵通,除掉本身有力量及时撰写发表有分量的评论,还可组约与自己有联系的者动笔撰写。此外,文学出版社还有能力肩负以优代劣的任务,那就是,一发现一部值得的作品被得不堪入目,除及时撰文予以严厉批评外,文学社有义务也有能力马上组织胜任者重出版。只有采取这种双管齐下的补求办法,才能使坏劣逐步退出市场。 第四、批评者应有象郑振铎、茅盾前辈等那种实事求是的科学态度,切忌意气用事,攻其一点,不及其余;而受批评者应有鲁迅那样的虚怀若谷的精神,对的就应该接受,不断地提高自己。如果自以为了不起,"老子天下第一",老虎屁股摸不得,其结果只能是自己受害。 ①参着郑振铎《林琴南先生》,《中国文学研究》下册,作家出版社,年版。 ②参看茅盾《简爱的两个本》,《文》年新卷第期。 ③李季《鲁迅对于工作的贡献人《通报}年月。
这个周末，老师让我们研究一名作家或一本好书。刚好最近一段时间，我们学习了《小草与大树》这篇讲述勃朗特三姐妹的课文，我又看了两本三姐妹写的书，知道她们是英国乃至世界家喻户晓的作家，我对她们很感兴趣，便决定研究勃朗特三姐妹。 我想知道的主要有这样几个问题： 1.她们的身世； 2.她们一共写了哪些作品？ 3.她们三姐妹怎么都能写出传世佳作？ 4.后人对她们的作品有何评价？ 老师的本意是希望我们借助现代工具--大数据软件来分析某个作家或作品，但我以前没接触过这方面的知识，上网进行了关于大数据方面知识的查询，但那些知识太专业，我不大看得懂。我又求助了我妈妈（我爸爸太忙，没空帮助我），我妈妈说她以前也没接触过这方面的知识，她特地上网搜索和请教别人，知道了有Tableau、Microsoft、BDP、大数据魔镜等，可短期内要学会这些并不容易（还是知识储备不足啊，可知我们要学的东西太多了，得加油了）。因此我决定做简单点，在我的能力基础上借助百度和Excel这两个工具解决我的问题。 围绕我的几个问题，我上网进行了有目标的搜索，主要在搜狗、百度、知乎几个平台上搜索，得到相关信息后我进行了提取、分析、整合，主要有如下成果： 三姐妹出生于英国北部的一个乡村。母亲早逝，父亲是一个牧师，家庭贫困。夏洛蒂是老三，上面还有两个姐姐（早逝，未成年），夏洛蒂下面有一个弟弟布兰威尔，艾米莉是老五，安妮是最小的老六。由于夏洛蒂.勃朗特和两个妹妹，即艾米莉·勃朗特和安恩·勃朗特在英国文学史上成绩卓著，因而有“勃朗特三姐妹”之称。下面分别介绍： 夏洛蒂出生于1816年，1824年夏洛蒂和两个姐姐及妹妹艾米莉，被送进一所专收神职人员孤女的慈善性机构——柯文桥女子寄宿学校。在那里生活条件极其恶劣，她的两个姐姐玛丽亚和伊丽莎白因染上肺病而先后死去。于是夏洛蒂和妹妹艾米利回到家乡，在荒凉的约克郡山区度过了童年。15岁时她进了伍勒小姐办的学校读书，几年后又在这个学校当教师。后来她曾作家庭教师，但因不能忍受贵妇人、阔小姐对家庭教师的歧视和刻薄，放弃了家庭教师的谋生之路。 她曾打算自办学校，为此她在姨母的资助下与艾米利一起去意大利进修法语和德语。然而由于没有人来就读，学校没能办成。但是她在意大利学习的经历激发了她表现自我的强烈愿望，促使她投身于文学创作的道路。 1845年秋天，她偶然读了妹妹艾米莉写的一些诗，突然想到她们三姐妹可以合出一本诗集。于是她们商量之后，每人拿出一些诗合在一起，用当时已去世的姨妈留下的一些钱自费出版了一本诗集。她们没有署真名，而是分别用了三个假名：柯勒·贝尔、埃利斯·贝尔和阿克顿·贝尔。尽管她们的诗写得很美，却没有人注意，出版后只卖掉了两本。 但是，不管怎么说，诗集的出版对她们来说总是一件大事。她们的创作热情受到了激励，于是三姐妹又开始埋头写小说。 这时，夏洛蒂已三十岁。她花了将近一年时间，写成一部长篇小说，取名《教师》；妹妹艾米莉和安妮m则分别写了长篇小说《呼啸山庄》和《艾格尼斯·格雷》。她们把三部小说一起寄给出版商。不久，出版商回复她们说，《呼啸山庄》和《艾格尼斯·格雷》已被接受，但夏洛蒂的《教师》将被退回。 这对夏洛蒂来说可是个不小的打击。但她没有退缩，反而憋着一股气又开始写另一部长篇小说。这就是《简·爱》。 《简·爱》中的人物和情节，大多是她在生活中经历过或者非常熟悉的，再说她又充满了激情，所以写作进度很快，不到一年就脱稿了。稿子交出去后，令出版商大为惊喜，通宵不眠地审读。最后，出版商认定它是一部杰作，决定马上出版。就这样，两个月后，《简·爱》就问世了，而两个妹妹的作品此时还在印刷之中。 不久，三姐妹的三部作品全部问世。当时的英国文坛大为震惊，因为三姐妹的三部长篇小说都非常出色，尤其是夏洛蒂的《简·爱》，更是引起轰动，大街小巷里都在谈论这部小说，人们还到处打听和猜测，作者到底是谁？ 勃朗特三姐妹在文学创作上的成功，给勃朗特一家带来了极大的欢乐。但是不久，家里就发生了一连串不幸事件。1848年9月，她们的弟弟患病去世。三个月后，艾米莉染上结核病，相继去世。夏洛蒂担心小妹妹安妮也会染上，不巧事情正是这样。安妮得病后拖了5个月，也离开了人间。 夏洛蒂深受打击，她只有全身心投入写作，才能暂时遗忘内心的悲痛。她埋头写长篇小说《谢利》，于1849年8月完成，10月出版。《谢利》使她再一次获得巨大成功。这之后，她便去了伦敦。在伦敦的几年里，她结识了不少作家，其中最有名的是萨克雷和盖斯凯尔夫人。萨克雷对她的作品评价很高，而她则把《简·爱》第二版题献给萨克雷，以表示对这位著名作家的敬意。盖斯凯尔夫人成了她的挚友，两人过往甚密。 她还完成并出版了长篇小说《维莱特》。 1854年，三十八岁的夏洛蒂终于克服固执的老父的反对，和阿贝尼科尔斯牧师结了婚。迟来的爱情给她带来了慰藉和欢乐，但婚后的幸福竟是那么短暂，六个月后的一天，夏洛蒂和丈夫到离家数英里的荒原深处观看山涧瀑布，归途中遇雨受寒，此后便一病不起。1855年3月23日，三十九岁的夏洛蒂不幸离开了人间，还带去了一个尚未出世的婴儿。 她是三姐妹中年龄最大父亲是个穷牧师。全靠他们一位小有资产的姨妈资助他们上学，并留给他们财产。后来三姐妹利用这笔财产的一部分自费出版了他们的第一部诗歌合集。童年的夏洛蒂常和其他兄弟姐妹一起用小本写一些奇特的故事。基于父母遗传的天分和他们后天的努力，三姐妹都很擅长写作，1847年，他们都发表了小说，夏洛蒂发表了《简· 爱》。夏洛蒂当过教师和家庭教师，也曾与妹妹艾米莉一起于1842年去比利时布鲁塞尔学习法语和古典文学。 夏洛蒂的作品主要描写贫苦的小资产者的孤独、反抗和奋斗，属于被马克思称为以狄更斯为首的“出色的一派”。《简·爱》是她的处女作，也是代表作，至今仍受到广大读者的欢迎。 实际上，勃朗特三姐妹自幼便热爱写作，常常一起在本上写一些关于伯爵的小说，可惜日后都丢失了。夏洛蒂还出版过诗集。她的其他小说有：《雪莉》（1849）、《维莱特》（1853）和《教师》（1857）。其中《维莱特》可以看做是她个人的小说体自传，与她的人生经历十分相似。这位天生体弱的女作家是十九世纪英国文坛上一颗璀璨的明珠。小说： 1847年：《简·爱》（Jane Eyre） 1849年：《雪莉》（Shirley） 1853年：《维莱特》（Villette） 1857年：《教师》（The Professor） 诗歌：1846年：《库瑞尔、艾利斯与阿克顿·贝尔的诗集》（Poems by Currer, Ellis and Acton Bell）：由勃朗特三姐妹联合出版。 夏洛蒂·勃朗特虽然一生仅写了四部小说（即：《教师》、《简·爱》、《谢利》和《维莱特》，其中《教师》在她去世后才出版），但她在文学史上却有着相当重要的地位。在她的小说中，最突出的主题就是女性要求独立自主的强烈愿望。这一主题可以说在她所有的小说中都顽强地表现出来，而将女性的呼声作为小说主题，这在她之前的英国文学史上是不曾有过的——她是表现这一主题的第一人。 此外，她的小说还有一个特点，那就是人物和情节都与她自己的生活息息相关，因而具有浓厚的抒情色彩。女性主题加上抒情笔调，这是夏洛蒂·勃朗特创作的基本特色，也是她对后世英美作家的影响所在。后世作家在处理女性主题时，都不同程度地受到她的影响，尤其是关心女性自身命运问题的女作家，更是尊她为先驱，并把她的作品视为“现代女性小说”的楷模。 在前面对夏洛蒂的介绍中，我们大致得知了另外两个姐妹的情况，下面做一点简单补充。 艾米莉·勃朗特（1818～1848），英国女作家 。夏洛蒂·勃朗特之妹，安妮·勃朗特之姐。出生于贫苦的牧师之家，曾在生活条件恶劣的寄宿学校求学，也曾随姐姐去比利时的布鲁塞尔学习法语、德语和法国文学，准备将来自办学校，但未如愿。艾米莉性格内向，娴静文雅，从童年时代起就酷爱写诗。1846年，她们三姐妹曾自费出过一本诗集。《呼啸山庄》是她唯一的一部小说，发表于1847年12月。她们三姐妹的三部小说——夏洛蒂的《简·爱》、艾米莉的《呼啸山庄》和小妹妹安妮的《艾格尼斯·格雷》是同一年问世的。除《呼啸山庄》外，艾米莉还创作了193首诗，被认为是英国一位天才的女作家。 《呼啸山庄》是艾米莉·勃朗特的代表作，这部小说通过一个爱情悲剧，向人们展示了一幅畸形社会的生活画面，勾勒了被这个畸形社会扭曲了的人性及其造成的种种可怖的事件。它被认为是英国小说史上最奇特，最具震撼力的一部小说之一。这部悲剧性的小说描写了吉卜赛弃儿希斯克列夫被山庄老主人收养後，因受辱和恋爱不遂，外出致富，回来后对与嘉瑟琳结婚的地主林顿及其子女进行报复的故事。整个故事的情节实际上是通过四个阶段逐步铺开的： 第一阶段叙述了希斯克利夫与凯瑟琳朝夕相处的童年生活；一个弃儿和一个小姐在这种特殊环境中所形成的特殊感情，以及他们对辛德雷专横暴虐的反抗。 第二阶段着重描写凯瑟琳因为虚荣、无知和愚昧，背弃了希斯克利夫，成了画眉田庄的女主人。 第三阶段以大量笔墨描绘希斯克利夫如何在绝望中把满腔仇恨化为报仇雪耻的计谋和行动。 第四阶段尽管只交代了希斯克利夫的死亡，却突出地揭示了当他了解哈里顿和凯蒂相爱后，思想上经历的一种崭新的变化——人性的复苏，从而使这出具有恐怖色彩的爱情悲剧透露出一束令人快慰的希望之光。 因此，希斯克利夫的爱一恨一复仇一人性的复苏，既是小说的精髓，又是贯穿始终的一条主线。作者依此脉络，谋篇布局，把场景安排得变幻莫测，有时在阴云密布、鬼哭狼嚎的旷野，有时又是风狂雨骤、阴森惨暗的庭院，故事始终笼罩在一种神秘和恐怖的气氛之中。 《呼啸山庄》是一部伟大的作品，也有誉之为“最奇特的小说”的。但是正如阿诺德·凯特尔所说：“希刺克厉夫的反抗是一种特殊的反抗，是那些在肉体上和精神上被这同一社会的条件与社会关系贬低了的工人的反抗。 如今，在世界文坛上多年来每谈及十九世纪西欧文学，必会涉及《呼啸山庄》的探讨。有不少著名评论家及小说家都曾有专文论述。如：英国著名女作家弗吉尼亚·伍尔夫在一九一六年就写过《〈简爱〉与〈呼啸山庄〉》一文。她将这两本书作了一个比较。她写道： “当夏洛蒂写作时，她以雄辩、光彩和热情说‘我爱’，‘我恨’，‘我受苦’。她的经验，虽然比较强烈，却是和我们自己的经验都在同一水平上。但是在《呼啸山庄》中没有 ‘我’，没有家庭女教师，没有东家。有爱，却不是男女之爱。艾米莉被某些比较普遍的观念所激励，促使她创作的冲动并不是她自己的受苦或她自身受损害。她朝着一个四分五裂的世界望去，而感到她本身有力量在一本书中把它拼凑起来。那种雄心壮志可以在全部小说中感觉得到——一种部分虽受到挫折，但却具有宏伟信念的挣扎，通过她的人物的口中说出的不仅仅是‘我爱’或‘我恨’，却是‘我们，全人类’和‘你们，永存的势力……’这句话没有说完。” 英国进步评论家阿诺·凯特尔在《英国小说引论》一书中第三部分论及十九世纪的小说时，也有专文为《呼啸山庄》作了较长的评论，他总结说： “《呼啸山庄》以艺术的想象形式表达了十九世纪资本主义社会中的人的精神上的压迫、紧张与矛盾冲突。这是一部毫无理想主义、毫无虚假的安慰，也没有任何暗示说操纵他们的命运的力量非人类本身的斗争和行动所能及。对自然，荒野与暴风雨，星辰与季节的有力召唤是启示生活本身真正的运动的一个重要部分。《呼啸山庄》中的男男女女不是大自然的囚徒，他们生活在这个世界里，而且努力去改变它，有时顺利，却总是痛苦的，几乎不断遇到困难，不断犯错误。” 而英国当代著名小说家及创作家毛姆，在一九四八年应美国“大西洋”杂志请求向读者介绍世界文学十部最佳小说时，他选了英国小说四部，其中之一便是《呼啸山庄》，他在长文中最后写道： “我不知道还有哪一部小说其中爱情的痛苦、迷恋、残酷、执著，曾经如此令人吃惊地描述出来。《呼啸山庄》使我想起埃尔·格里科的那些伟大的绘画中的一幅，在那幅画上是一片乌云下的昏暗的荒瘠土地的景色，雷声隆隆拖长了的憔悴的人影东歪西倒，被一种不是属于尘世间的情绪弄得恍恍惚惚，他们屏息着。铅色的天空掠过一道闪电，给这一情景加上最后一笔，增添了神秘的恐怖之感。” 安妮·勃朗特1820年出生，是勃朗特姐妹中的小妹妹。她比夏洛蒂·勃朗特小四岁,比艾米莉·勃朗特小两岁。两位姐姐夏洛特和艾米莉分别以《简·爱》和《呼啸山庄》享有盛誉。安妮·勃朗特十九岁时到米尔菲尔德的英汉姆家任了八个月的家庭教师，1840至1845年间又在梭普格林的罗宾逊家任家庭教师。两次的家庭教师生涯使她积累了丰富的生活素材，成为她日后文学创作的基础。 当安妮的小说艺术日趋成熟时，不幸因结核病恶化在1849年去世，年仅二十九岁。 1847年小说《艾格尼斯·格雷》出版（代表作）。 1848年，小说《怀尔德菲尔府的房客》出版。 安妮·勃朗特的小说风格与她的两位姐姐不同，文风与简·奥斯汀颇为相似。安妮的叙述风格朴实自然、力求节制甚至带有宗教性的意味。安妮的这种写实风格和朴实节制的文风，正是有些评论家和后世读者忽视她的作品的原因。 1、虽然很早我就看过《简·爱》和《呼啸山庄》，但以前真不知道这两部伟大作品的作者竟然是姐妹，更加不知道她们还有个同样是著名作家的小妹妹，这一家人简直太厉害了。 2、通过这次文献调查我发现勃朗特三姐妹的寿命太短暂了，如果她们能活得长久一点，一定能写出更伟大的作品。 3.她们的作品实在太少了（夏洛蒂完成的只有四部小说，只有艾米莉只有一部小说，安妮只有两部小说，三人还合作了一本诗集），但每一部作品在文学宝库中都非常耀眼，这可以说是一个非常奇特的现象。 4.回顾勃朗特三姐妹的一生，她们的生活是那样的贫困，生命是那样的短暂，但她们从没有放弃过自己对文学的追求。她们的作品充满了反抗的精神，敢于和保守观念、偏见做斗争。我们也要像勃朗特姐妹一样发奋努力、不畏艰难，只要具备顽强的意志，不怕挫折，就能取得成功。 5.这次研究过程非常有意思，我以后还要做一些其他作者和作品的研究。