发布时间：
随着国内服装设计 教育 的发展,学院专业教育已经成为连接服装产业和设计人才之间的重要纽带,服装设计人才的培养为我国服装产业可持续发展不断注入新鲜血液。下面是我为大家整理的浅谈服装设计论文 范文 ，供大家参考。
《 谈谈舞台服装设计 》
摘要：本文主要从舞台服装的历史背景开始谈起，舞台服与消费者日常着装不同，舞台服要表现剧本内容，考虑剧情渲染。它不同于生活装也不同于流行时装。舞台服有它独有的特征和舞台审美需要。舞台服装特征是多角度，深层次的。
关键词：舞台 服装 造型 材料 表现
中图分类号：G712 文献标识码：A DOI：
1 引言
在古希腊戏剧演出时，演员戴着色彩绚丽的 脸谱 ，穿厚底的靴子，采用标志性图案的衣服和裤子起到夸张人体的效果。观众距舞台很远，也能看清角色。现代戏剧及舞台美术的设计思想不断变革，为写实、非写实的舞台服装设计者开创了各自的广阔天地。
2 舞台服装的内容
舞台服装一般分人物服装、演员服装两大类。舞台服装不同于时装或生活服装。舞台服装有着自身剧情需要。首先就是它的美化效果，其次是时代效果，再次是服务效果。 由此可见，舞台服装是多元化的，需要从事舞台服装设计师深刻领悟，才能设计出广大戏剧 爱好 者喜欢，又符合剧情需要的经典作品。
3 设计舞台服装的的四个要素
我们知道，时装设计师多是依靠个人思维和主观性进行服装造型、色彩变化、面料改造。而舞台服装设计师却要受到很多客观因素的制约，影响舞台服装设计四个要素：剧本、导演、演员、舞台。
舞台服装设计之前，设计师必须反复阅读剧本，通过揣摩和分析渐渐转化为人物形象，并通过服装语言表现出来。人物信息研究，让人印象深刻过目不忘的舞台服装，具有标志性和代表性。准确、深刻表达是对剧本，角色的诠释。好的舞台服装直接关系到一个剧目是否成功。
不同的导演执导下，应有不同的构思。由于导演人生经历不同，受到东西方 文化 影响，审美自然各有千秋，各有喜好。舞台服装设计师应随机应变，适应不同风格的导演。沟通、磨合、聆听，阐述自己的设计理念与表现手法。利用一切技术处理手法，结合导演对剧本的要求，可以造型夸张变形，色彩多样丰富甚至怪诞。新版《红楼梦》的服装设计就是一个很好的例子。结合导演理念，加入中国戏剧的元素，创造出全新的舞台服装。
演员是舞台表现的灵魂，形象、性格、气质与学识构成了他的个人魅力。舞台服装符合剧情，导演也欣赏，但是未必合适演员的形象特质。服装与演员良好的结合，是舞台服装设计必须思考的问题。杨丽萍《孔雀》舞剧，结合她的纤细形体，加入夸张的色彩，以及舞蹈特有的动物元素，设计出来的舞台服装产生了强烈视觉冲击力，是设计作品的典范。
以“舞台”为标的物的设计，舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具。它们影响着角色的外部形象，没有光的配合，整个演出将会黯然失色，平淡而无味。舞台布景需要灯光来渲染气氛。在2013年cctv 春节 晚会的舞台表现中，加入大量的灯光设计，同时配合情景服装，给了全国人民一个全新的视觉享受。
4 舞台服装设计中材料的运用
服装材料，可以各种全新的面貌出现。柔软型面料可任意塑形，产生的线条柔顺，优美。硬挺爽型面料制作的服装立体丰满，外形膨胀，视觉面积大。光泽型面料在灯光的照射下发出七彩的光芒，炫目灵动。透明型面料质地轻薄而通透，具有优雅而神秘的艺术效果。
打破常规的服装选材，运用人工合成材料。如建筑材料的使用;有石头、木材、金属条、各色玻璃等。包装材料的使用;卡纸、塑料、喷画等。植物材料的使用;新鲜的花朵，风干的花束，植物的根茎，树叶等都是很好的舞台服装选材。对面料进行改造，运用材料的多次缝制粘贴及 刺绣 色彩的搭配，化学腐蚀抽纱烂花改变面料的质感。使面料形成不规则，不对称，不完整的破烂质感，会给观赏者产生意想不到的视觉冲击，具有超现实主义的意味。
5 舞台服装设计中解构主义的表现
从结构到解构，是时代发展审美的新趋势。因为它充满个性，富有生机，聚集表现力受到推崇。解构主义是建立在对传统空间结构的怀疑基础上，设计重新分解，完全背离服装人为的穿着理念，变构重建从独立的艺术品的角度去考虑舞台服装设计的理念。毫不犹豫的摧毁传统，以现实感、随意感，以自由的心态，采用扭曲变形，折皱拼接进行混搭。使舞台更具活力，表现更有张力。同时加入建筑、雕塑的空间元素，脱离服装原有的人体工程结构，看似凌乱无形，却充满强烈的生命力。服装体积巨大，外形怪诞的解构主义设计更能在舞台上独树一帜，受到观众的喜爱。
6 舞台服装发展现状及趋势
舞台服装设计的现状，舞台美术设计从简单幕布式搭台布景，到立体化实物化并运用各色幻灯和电子激光，逐渐形成舞台设计的潮流。以往舞台服装单调的款式、过时的色彩、保守的造型，都不能满足现在舞台美术设计的需要。多样性、时尚感的创新意识，融合社会 热点 话题，将娱乐大事件、影视大片等观众关注的内容融入服装设计理念中，对创作意图至关重要。观众能直观的欣赏到更为前沿的流行元素，使舞台服装融入舞台剧中。
目前国外已经有很多著名品牌的企业生产舞台服装。而在中国单独设计生产舞台服装的公司却寥寥无几，大多数为小型工作室制作完成，缺乏系统完善的品牌竞争。我国舞台服装无论是在艺术表现力还是美感上远远不及欧、美、日、韩等国。发展我国的舞台服装设计要结合中国元素。我国由多民族组成，设计素材源源不断，坚持特色文化并可借鉴国际化的理念。总之，舞台服装设计要有超前的设计理念，同时对发展实用类服装起到了导航推动作用。这种推动作用将是众多服装设计的风向标。
参考文献：
[1]希弗瑞特.时装设计元素：调研与设计[M].中国纺织出版社，2009.
[2]潘健华.舞台服装设计与技术[M].文化艺术出版社，2000.
[3]吕志昌.影视服装设计[M].中国传媒大学出版社，2009.
[4]马蓉.服装创意与构造 方法 [M].重庆大学出版社，2007.
《 如何进行服装设计 》
穿什么衣服才美?服装设计师有一句 名言 “能烘托你的自然美,又能适当掩盖你的不足的衣服,就是适合你穿的美的款式。”这就告诉我们服装美的一个重要的因素,即要根据每个人的“个性”来设计,选择“得体”的衣服。
一、服装的造型美
服装的整体造型,即服装的轮廓,来源于人体,是外部造型同内部结构有机的结合,它是服装的总体风格。根据现代服装的流行趋势,设计师们在表现人体自然美突出个性追求的基础上,通过夸张修饰,调节服装的肩宽、胸围、腰围、臀围、衣长等,从而形成风格各异的造型效果,通常有以下几种造型风格。
X型,是以人体肩宽,腰细,臀围大的特征,而设计的贴合人体曲线的服装,充分体现女性姿态的自然,这种造型被人们广泛地接受,也是连衣裙的主型,适合理想体型的人穿着。
A型 ,通过分割、修饰肩宽、夸张下摆,整体造型上窄下宽,如由四片、六片或八片上下大裁片衣缝合的喇叭裙。这种造型稳重、端庄、走路时,线条自然变化无穷,给人以飘逸之感,受到青年女士的青睐,适合于臀部较窄的人穿着。
H型,通过放宽腰围,从肩端处直线垂下,具有整洁、利落、轻松随和、自由的感觉。穿着这种造型的连衣裙,走路时,裙身与腰部,臀部若离若现,产生一种朦胧美,韵味顿生,腰围大的人穿着,能掩盖其缺陷。
T型,采取夸张肩部及袖山,然后向臀部方向收拢,装饰上身,简洁下身,增强了挺拔感,使优柔的女性,增添了男子的洒脱,阳刚之俊。
二、服装的形式美
人体有美的,也有不美的,上帝没有给每个人都造成一个理想的身姿,服装美通过形式美的规律来表现人体的自然美,运用比例,均衡,分割,视错等到来弥补体型不匀称的缺陷,使穿着趋近于比例美。
统一与变化,统一与变化是构成形式美的主要规律之一。
统一在服装上主要指型、色、面料相互协调和谐。
变化造成一显著对比的感觉,其特点是生动、活泼、有动感。变化手法很多,常见的有省道的转换与分割,不同原料的搭配利用等。
统一必须适度,否则就会千篇一律,缺乏生气,在变化中求统一,统一中求变化,平中求奇,使两者有机地结合起来,服装才有生气。
对称与均衡,有服装设计的过程中,最常用的手法是将对称与均衡综合运用,即能取得稳重、活泼的艺术效果,在对称中变化而产生动感。
视错是指在某种情况下,使人的视觉造成与外界事实不一致的感觉。通过点、线、面的装饰及分割,把人们的视线引向一方,突出其长处,遮掩短处,达到趋近于比例美的效果。
旋律,主要指服装各种工艺线和色彩,有规律,有组织节奏变化,引诱目光可以产生旋律感,目光从一方移动到另一方,使造型上有运动效果。
三、款式,色彩与体型的和谐美
面孔,在设计上起着焦点的作用,领子是最易于吸引人们视线的部位,它的造型,直接影响着面孔。
例如,圆脸型的人,不宜穿一字领,圆领或领上有花边的上衣,因为,水平线把注意力吸引致横向,产生宽大的感觉,瘦脸型的人不宜穿领口长而尖的“V”型领,或长驳头西服领。因为这种领型引起的视错,会使人感觉到脸型越加瘦长。又如,身材高瘦的人,要减少直线分割或常有直条的图案,套裙会增加你的宽感,使你体态匀称,倘若上下略有色差,效果更佳。瘦人不宜穿过紧或过松衣服,穿连衣裙最好有腰带,袖子采用泡泡袖,胸部用花边做些修饰,臀围小的人宜穿百褶裙,在圆摆裙,有丰满之感。
胖人的款式要简洁,繁杂多样会显得臃肿,对于横向线条,图案及灯笼袖,蝴蝶领结,领花边,过量的衣褶,都应避免使用,上下身不能使用强烈的对比色,否则,上下身分成两段,显得越加短胖。
为了表现体型,突出个性,选择颜色很有讲究。红黄橙几种有代表性的暖色,有兴奋、热烈、温暖的感觉,它能给人的精神振奋之感,因此,适合于冬季服装。黄色调的服装,皮肤细白的穿着,能产生极好的效果,如果肤色比较粗黑,色感应选择较深沉的土黄色,或黄灰色。深绿、青、紫等到冷色,有沉静,高雅的感觉,适合于夏季服装,绿色调服装,肤色较黄或较黑的人穿着,会产生单调感,而孔雀绿,橄榄绿,暗灰绿则可以广泛用于服装中,青色是希望,智慧的象征,适合我国人民的肤色。
暖色,明快热烈,有扩张之感,冷色,沉着,稳重,有收缩之感,有服装的配色中,要很好了解色彩,在什么时候和什么条件下能发生的作用。一般说,深色有收缩感,浅色有膨胀感,体瘦的不宜穿深色和冷色的衣服。反之,体胖的人不宜穿浅色和暖色的衣服。任何肤色穿白色和浅色衣服,效果都比较好,因为它反光,使你的脸更富有色彩,具有生气。
黑、白、灰三处无彩色,在服装中被广泛运用。白色,象征着纯洁,朴素。白色与个性强烈的颜色拼在一起,会显得活泼,年轻与泼辣;黑色,坚实,庄重,黑色服装更有精神,表现出摩登与高雅;灰色,象征着中庸、温和。在服装上与艳丽的色彩配合,既能起到稳定色彩跳耀的效果,又能衬托其色彩,更加漂亮,如灰色常有色彩倾向,显得格外高雅。
四、服装的装饰美
服装造型本身就是一种装饰,它来源于人体,又能改造人体。
省道在造型中具有重要地位,如肩省、腋下省、腰省等,它的作用表现为适应人体曲线变化的需要,同时又可以利用省道的变化,获得造型上的分割效果,起到装饰的作用,这里介绍几种常用的装饰方法:
扎明线,是利用线的粗细和变化,起到装饰效果,它有一种流畅、明快、典雅的感觉。
打褶裥,采用不同褶裥打法,能产生动与静的感觉。如对褶,有一种静止,稳定的感觉,而百褶和飞边,便产生一种动感。褶裥在服装上,不但便于人们活动,而且直接产生富有无穷变化的线,形成不同的扇面,时合时张,富有情趣。
补绣、刺绣,补绣,也叫“贴布绣”,是利用零碎布料拼成各种图案。这种效果,概括简洁、装饰性很强,刺绣的手法很多,不同技巧者有独到之处,采用的面料不同,其效果也不一样。
手绘,在服装上,用不同的涂料,染料手工绘制,多彩用中 国画 的一些技法,如:工笔、写意等,其特点是色泽质朴清淡,浓郁雅丽,浓淡变化无穷,其效果是手工印花和机印无法达到的。
此外还有镶色、镶花边、镶条等到多种手法。现在人们更加注意腰带的装饰性。一套新颖的裙装,系上合适的彩带,使人体外形富有曲线,充满活力,会显得更加窈窕多姿,并能使人体的比例得到调节,倍添美感。
纽扣,它不但有着实用性,还起到画龙点睛的作用,有人称它是服装的眼睛,你千万不能忽视其作用。
五、服装的朦胧美和流行美
服装的魅力,表现在似露非露之间,给人以联想,产生一种美感。
在款式的表现上,如直身裙和一些宽松裙装,造型上,从肩端处直线垂下,似乎没有表现出人体的形体美,但随着人体的活动,柔软宽松的衣裙,与肉体若离若现,使形体间接地显露出来,便会产生一种朦胧感,又如旗袍是以人体结构为基础的紧身式,穿着之后,随着人体的起伏形成清晰流畅的曲线,随着活动,使旗袍一张一合。把腿部处理在露与不露之间,显露出的腿部线条,把人的视线移向整个腿部,产生一种特殊的韵味。
服装的流行美,符合了时代的潮流。服装随着科学文化的进步,制衣工业的发展,与人们求新的心理需求而变化,流行着。它也受到世界重大事件的直接影响。
服装变化总有一个起主导作用的基调。如裙装,这几年流行长裙。过几年又流行短裙,不是紧身,就是宽松。这是因为人们都穿式样近似的衣服,就会产生厌倦心理,为了脱俗,人们就开始寻求另一种式样,一旦这种式样普遍被人们效仿,就会继而流行。
随着社会的变革,妇女要求同男性一样,在社会上奋斗,拼博,追求,表现出男性的某些气质和风度。同样,服装也受到这种影响,女性服装开始追求男性化。
人们使自己爱美的心理得到满足,推动着服装设计周而复始地变化着,流行着,流行美就在这个潮流的和谐之中。
为使你穿的仪表堂堂,更好地体现出女性富有的魅力,让我们怀着美好的心灵,来进行美的探索,美的追求吧!
参考文献
[1]王蕴强,马玖成.色彩・服装与美.北京:中国轻工业出版社,
《 浅谈服装设计风格 》
摘要：本文对服装设计风格先作源头阐述，再结合大师作品对该类设计风格进行分析，试图从文化、艺术角度挖掘服装设计的风格与内涵，并赋予其实用价值。
关键词：设计;风格;服饰
作者简介：黄鼎奇()，男，辽宁沈阳人，沈阳师范大学工程技术学院副教授，硕士研究生导师。
[中图分类号]：J523[文献标识码]：A
[ 文章 编号]：1002-2139(2011)-21-0126-01
服装设计风格是指服装设计作品从总体上看，在内容和形式等方面都达到了统一的效果，其外观造型独特、新颖，具有很强的艺术感染力和鲜明的时代特征。纵观世界流行服饰史，服装设计风格可以说多种多样。如：东方风格、古典风格等等。风格经过历史及审美的积淀，具有一定的成熟性，它不会随着时间的流逝而消失，而经典的服装风格将永存。当今服装发展最显著特点就是风格多元化，因此作为现代服装艺术的诠释者，要充分了解各种服装的风格与内涵，这样才能创作出风格独特的作品。
一、东方风格
主体印象：给人以自然、朴素、含蓄的服饰印象。
东方风格主要是指以中国为代表的东方服饰文化为背景的时装主题。东方文化艺术历史悠久、源远流长，如：中国的书法、绘画，日本的书道、浮世绘等艺术形式都具有深远的影响。就服饰造型形态而言也是非常丰富的，典型的式样有中国的唐装、旗袍，日本的和服，印度的沙丽等。如：日本时装设计师三宅一生是一位具有东方情愫的服装艺术大师，他的设计充满东方的禅意，张扬着鲜明的日本民族精神，融合了东西方文化之精髓，尽情抒发玄奥的东方文化的神奇魅力。
二、古希腊风格
主体印象：给人以简朴、单纯及优雅之感。
古希腊是西方文明的发祥地，也是欧洲古典服饰风格的源头。早在公元前四世纪，希腊不仅在建筑、雕塑、哲学等方面取得了很高的成就,同时也创造出了无与伦比的服装式样，其造型优雅轻松、和谐自然，没有丝毫的奢华和矫饰，被世人称为是古典造型完美的典范。进入21世纪，人类开始对生态环保投入了更多的关注,古希腊服装自然的造型、披挂的方式、流动的线条、单纯的色彩正吻合了人们渴望返朴归真的心理需求。如：法国时装设计师玛德琳•维奥内特被称为是“设计师中的设计师”。她的设计具有古希腊风格特点，注重雕塑感，反对紧身衣等填充，体现女性自然身体曲线，松弛、浪漫和优雅。
三、巴洛克风格
主体印象：给人以夸张、浪漫、高雅、奢华之感。
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，盛期是17世纪。巴洛克彻底打破了文艺复兴时期的艺术特点，在艺术形式上追求享乐主义思想，突出浓重的宗教色彩，强调新奇特和极具运动变化的戏剧感。在服装方面主要是指17世纪以法国为代表的欧洲宫廷服饰，造型宏伟华丽、色彩绚丽夸张。如：黎巴嫩时装设计师祖海•慕拉是黎巴嫩时装设计军团的领军人物，典雅奢华的巴洛克宫廷风格形式是他的标志之一。他的设计风格特点是剪裁简洁、线条柔美，面料和辅料集尽奢华，造型上追求极致的完美。
四、罗可可风格
主体印象：给人以纤巧、精美、浮华、繁琐之感。
罗可可(Rococo)反映了十八世纪法国路易十五时代宫廷贵族的恣情享乐生活方式。它是巴洛克时期式样的延续，两者之间的主要区别是巴洛克服装雄健、奔放，罗可可服装艳丽、优雅。在造型上两者都强调女性的优美曲线，追求装饰及光影的变化，在表现题材上除了有花草、果实、波浪等外还加入了罗马和东方装饰形式。如：法国时装设计师克里斯汀•拉克鲁瓦被时装界称为是“调色大师”。他的时装秀向来都是一场华丽的视觉盛宴，精美的刺绣、丰富的色彩、闪亮的配饰及华丽的蕾丝极具罗可可古感风貌。
五、未来派风格
主体印象：前卫、时髦，体现了浩瀚宇宙神秘之感。
50年代以来人类就从来没有停止过对宇宙太空的探索，人类从最初的能把人造卫星送入太空，到阿姆斯特朗等人登月成功，直至今日人类能够乘坐航天飞机前往太空旅游，实现了人类遨游太空的梦想。因此未来太空服饰热潮多年来持续不断，许多表现未来主题的艺术流派也应运而生。在服装造型上，这类主题的作品具有构筑式硬质材料拼接和几何学直线运用的设计特征，彻底否定了传统造型的构成方式，强调简练的设计语言，材料运用比较丰富。
如：英国时装设计师亚历山大•麦克奎恩的设计理念匠心独具，在面料的选择上常用许多新奇的高科技面料。他的未来派时装设计给人以独特的视觉享受，仿佛置身于宇宙星际之间，令人惊异难忘。
六、朋克风格
主体印象：给人以一种强烈的、刺激的、恶俗的前卫服饰倾向。
朋克(Punk)最初是指一种摇滚乐，诞生于七十年代中期，并且很快在英美两国得到了蔓延。当时由于二战后上世纪工业危机，社会下层年轻人对生活现状不满，对未来失去了信心，他们用自己特立独行的装束风格彰显自己，提倡“性和颠覆”表明与主流文化的不同，最终形成了朋克风格。朋克服装风格在设计上，多以异国、异教服饰为设计元素，强调奇特和个性。在装束上不拘一格，如：有废旧的垃圾、金属、骨质品等，在图案的选择上更是令人毛骨悚然，如：人骨头、蟒蛇、毒蝎等，在发型上也很怪异，如：常见形式有光头、染发、纹身等。
如：英国时装设计师维维安.维斯特伍德被时装界称为“朋克之母”。她设计的服装具有强烈的后现代反叛精神和独特的创新意识。她颇能掌握时代精神，将叛逆的元素融入作品之中。她极强敏锐的洞察力和敢于突破传统陈规的胆识，彻底改变了人们的审美方式和着装方式。
七、解构主义风格
主体印象：给人一种反对称、反完整以及打破原有成规的服饰印象。
解构主义(Deconstruction)可理解为有分解与构成结构的含义。它产生于20世纪60年代，是由法国哲学家•德里达为代表所提出的一种哲学理论，波及人类文化的方方面面，对哲学、文学、建筑学等方面产生了深远的影响，推动了后现代主义的产生与发展，也是整个后现代思潮最重要的理论源泉之一。在服装设计领域解构主义风格从20世纪70年代兴起，80年代开始传播。特点是把原有服饰结构进行破坏和重组。在造型上避免出现常规完整的对称形式，结构后的结果体现了服饰疏松零散、支离破碎、变化层出、耳目一新的效果。
如：比利时时装设计师马丁•马吉拉被时装界称为解构怪才，“解构主义大师”。他一向以解构及重组衣服的技术而闻名，他锐利的目光能看透衣服的构造及布料的特性。他的每件作品背后都隐藏着无穷无尽的 想象力 。
参考文献：
[1]21世纪国际时尚品牌礼服，主编：华梅，中国时代经济出版社，北京，。
[2]时装设计艺术，主编：刘小刚，中国纺织大学，上海，。
有关浅谈服装设计论文范文推荐：
1. 浅谈服装营销论文范文
2. 服装设计开题报告范文
3. 浅谈服装销售毕业论文范文
4. 服装设计学习报告范文
5. 2016服装设计学习报告范文
6. 服装设计管理论文
7. 浅谈服装销售毕业论文范文
嫌疑人X的献身这本书是日本着名推理作家东野圭吾的的重要作品，曾获日本文学最高荣誉直木奖。
嫌疑人X的献身 读后感 1
之前有好多朋友推荐我去看，买来之后放在床头却很久没有翻看。一个周末的下午，百无聊赖，顺手翻了一下，没想到一拿起来便放不下，一口气看完，仍觉得意犹未尽。
书的一开始为我们描绘了一名中学数学老师石神的日常生活。他每天都要去同一家便当店买便当，只为多看一眼在便当店做事的邻居靖子。一天，靖子又一次遇见前来纠缠的前夫，失手杀了他，石神得知后提出由他来料理善后。字里行间作者为我们描绘了一个冷静、心思缜密的数学天才如何一步步地发挥自己的逻辑推理能力将警察的注意力从靖子身上转移。正所谓天网恢恢疏而不漏，石神的计划最终还是被警察所侦破。当我以为 故事 就要结束之时，作者在书的最后给我们读者一个巨大的反转。原来石神在靖子杀死其前夫的第二天便杀死了一名流浪汉并毁灭其容貌，令所有人都误以为被杀的流浪汉是靖子的前夫，这样靖子就有了不在场的证据。而警察侦破的所谓事实是石神杀死了被误认为靖子前夫的流浪汉。当在一开始计划的时候他就已经想到计划可能被识破，而他从一开始就打算好用自己的死亡来保护心爱的女人。
在拿到书的时候，一直不理解为什么要取这样一个书名，在我看完最后一页的时候，我突然间明白了。所谓x代表的是未知，当石神一步步地将警察的注意力转移的过程中，我心中的疑问也在慢慢变大，到底他是采用了什么方式将这个案件布置地如此天衣无缝。而在书的最后，才真正揭开谜底，我才知道x的含义。石神为了他心爱的女人，用自己的生命来守护靖子。这场残忍的犯罪，背后的动机竟然是因为一种无私伟大的爱情。石神对靖子的爱，似乎不可思议，却又如此真实合理。当她出现在他面前的那一瞬间，已经注定改变他一生的结局。对她而言，他不过是路人甲。但对他而言，她却是全世界。为她付出一切，成为他活下去最大的理想和幸福，是他生存的唯一价值和意义。“我爱你，但与你无关。”这种不需要回报、甚至不让对方察觉的感情，有点像茨威格笔下的《一个陌生女人的来信》。这是一部成功的推理作品。严密的逻辑推理，完美的犯罪设计，让人似乎很难找到破绽和漏洞。有意思的是，书的一开始便让人觉得真相若隐若现，似乎已经没有悬念，但到了最后却还是发现真相出人意料。而就在真相揭开的那一刻，我没有快感，只有忧伤和绝望。假如没有靖子，孤独绝望的石神早就死了。因为她，他才活了下来;但最后，他又因为她，选择了去犯罪，走向了死。是爱救了他，却又毁了他，这爱到底值不值得?这个问题，不是天才用加减乘除的公式可以计算出来的，但他无悔。
故事最后的结局，并没有如石神所愿。大概没有一个女人，在知道真相之后，还能够心安理得地承受这种如此沉重的爱。所以，石神最后的牺牲，并没有换来靖子的幸福。他绝望而心碎的哭声，告诉我们这才是他最大的悲剧。
嫌疑人X的献身读后感2
掩卷，心绪仍久久不能平复。手边的这本囊括了多奖项的日本悬疑作品《嫌疑人X的献身》，正如作者东野圭吾本人所言，既是“最纯粹的爱情”，也算得上是“最好的诡计”。但我想，所有看过这部作品的读者，在惊叹案件真相被一步一步还原的同时，更为男主人公石神对女主人公靖子无量的爱而感动。
高中数学教师石神是个数学天才，他沉浸在自己的数学世界里，直到他遇见新搬来的女邻居花冈靖子。他开始每天去她工作的便当店里买便当。花冈靖子与女儿美里相依为命，失手杀了前来宅中纠缠勒索的前夫慎二。石神替靖子料理了慎二善后，并帮助靖子和美里设计了完美的不在场证明，要求她们按照他交代的一切应对警察的问询。慎二尸体被发现后，警察开始展开调查，靖子虽有嫌疑，但警方却找不到破绽。物理学家汤川是办案警察草薙的校友，他常帮助草薙的案件提出一些思路，这次意外发现嫌疑人靖子的邻居石神亦是他们校友。汤川凭着他对石神的了解及与之交往中的细节洞察了石神与该案件密不可分的关系及他对靖子的爱恋。工藤曾是靖子当陪酒女郎时认识的客人，他也喜爱靖子，得知慎二遇害后，且他也丧妻，于是大胆追求靖子。石神从与汤川的交谈中得知他瞒不过敏锐的汤川。为了保全靖子，他伪装了一系列自己变态跟踪、偷听靖子的假象，并故意匿名恐吓工藤，以期让人误以为他嫉妒工藤。在最后交代了靖子之后，他向警方自首，承认自己是杀害慎二的凶手。而汤川此时找到靖子，将他推理的石神为了替靖子顶罪而做的一系列事件和盘托出，他要让靖子明白石神对她深深的爱恋和一片苦心。靖子面对真相，无法承受内心的谴责，最终也向警方自首。故事的最后，得知靖子也自首的石神发出了野兽般的咆哮，咆哮里夹杂了绝望与混论的哀号，他仿佛正在呕出灵魂。
我在石神的哀号中泪流满面。这是个怎样的一个男人啊?这世界真的会有这样为了爱而全情付出，就连生命也在所不惜的男人吗?石神在最后给靖子的一封信里说：“工藤邦明先生是个诚实可靠的人。和他结婚，你和美里获得幸福的几率较高。把我完全忘记，不要有任何负罪感。如果你过得不幸福，我所做的一切才是徒劳。”其实与其说这是一场爱情，倒不如该说这是一场人世间最纯粹而又最绝望的暗恋。这个叫石神的男子，让人心碎。他对她，有的只是精神爱恋。每天去她工作的便当店买便当，只为看看她;得知她失手杀了慎二，没有太多犹疑就决定了为她掩盖罪行，并不惜以身试法;得知工藤追求她，他忍受着欣羡和嫉妒的煎熬。正是因为心底萌生的爱意，让一心只沉迷于解数学难题的他开始在意自己的外表，对自己在和汤川一同映现在玻璃门里的影像发出自己头发稀少的感慨。也正是这一细节出卖了他，让敏锐的汤川对他产生了怀疑。然而，也正是这个男人，为了给自己暗恋的女子制造最完美的不在场证明，却诱杀了一个游民，移花接木顶替了慎二的尸体。他用精妙的 逻辑思维 ，误导着警方破案的思路。他是用情至深的人，也是滥杀无辜的人。人性的善与恶竟以这样的方式纠结。
但无论如何，石神为靖子所做的一切，确实超越了这浮世中很多所谓的“爱情”。我不知道作者最后这样的结局是不是太残酷。如果让靖子与工藤结婚，是不是对石神一片苦心的告慰。但是，即便靖子没有听汤川说出真相，即便她不知道石神对她的爱恋足以用生命来作为代价，她也是无法获得圆满的幸福的吧。靖子的自首，于她自己而言，是种救赎。只是，石神，如果早知道结局会是这样，他还会选择同样的做法吗?也许，依然也是会的吧。对他来说，爱上她，已经无路可退，爱上他，于他，就是救赎…
嫌疑人X的献身读后感3
推理小说《嫌疑人X的献身》，几乎是我一口气读完的，在阅读过程中，紧凑的布局，紧张的情节以及波澜起伏的悬念几乎令我无暇呼吸。
打开小说的第一页，呈现在眼前的是一幅普通得不能再普通的景象：一个高中数学老师、他在上班的路上、沿途的废品回收站、便当店等等。如果不是在东野圭君的笔下出现这一切，那么这些普通的事物，也只能是平平常常的景物描写，除了交待交待环境以外别无他用。但在《嫌疑人X的献身》当中，随着情节的逐渐深入，简单的东西会变得越来越复杂，乍一看不相干的事物也会与情节逐渐产生联系，并且最终变得密不可分。当读者终于绞尽脑汁，或是由作者的引领下，在震惊之余，满心欢喜的得出一个明显的结论，或是猜到足以说服自己的谜底时，却完全被东野圭君这个家伙给。
作为一部推理小说，能把故事中的谜题设置得如同一道高难度数学题，应该可以算是登峰造极的地步了，同时，这么做的难度也可想而知。东野圭君先生就像明知这一点，而非要挑战一番一样，偏要在故事中展现一位数学家与一位物理学家的巅峰之战。先不说这需要多少理科方面的常识以及何止高度缜密的思维，单凭这一勇攀高峰的精神以及作为推理小说家所特有的魄力，就足以令人折服。
不是每个人都能像爱伦坡一样，把小说写得像 散文 、像诗歌、写成唯美的哥特风格。既然不能，就不如写得干脆一点，凝练一点，大刀阔斧、开门见山。这样写也才尽显本色。初读《嫌疑人X的献身》时，本书给我的感觉就是语言直白(好像连类似题材的日本电影都是这种风格)。有时候直白往往是最有效的，尤其在需要以交待推理过程、铺设悬念、揭晓谜底这样一些列的活动之中。这就好比，去健身房用最简单的杠铃来训练相应部位最有效;服装当中，单纯的黑色永远都是长青色一样。
对于人物的刻画，东野圭君可谓是惜墨如金，生怕有一点累述。文字虽少但却足够给人物一个标志性的描述，比如对小说的主角石神的描写，只用了“圆脸”两个字。而且在线索中，这个圆脸的特征恰恰引起了另外一个主角——石神的对头汤川的注意。人物的外貌描写可多可少，在某些作品中，对人物的描写可以用到整整一页纸，但读到后来，依然记不清这个人的样子。这就充分的说明一点，文字描写再形象，也不可能像还原照片一样。所以，与其大张旗鼓的对人物进行外貌描写，不如抓住几个显著的特点，在读者心中“立竿见影”，过目不忘。我觉得东野圭君对这一点的把握恰到好处。
小说的结尾不仅令人惊叹，也让人多少有些遗憾。这种遗憾主要来自对书中人物的同情，不过在同情的同时，也能看出作者对事物因果关系的一种客观理解，即杀人偿命，天经地义。但是这种因果关系又透露着作者对主角的推捧，其中也不乏用警察的失败作为衬托。
嫌疑人X的献身读后感4
用了一天时间没有间断的完成了东野圭吾《嫌疑犯X的献身》的阅读，这以后，心情久久不能平静，这部小说的成功，并不是继续了对于汤川学这样一位天才物理学家的刻画，同样也并不是因为小说情节的离奇与吸引，而是因为塑造了石神这样的一个形象。
他不修边幅，因为在他的理念中，对于一个人的评价从来不是依靠一个人的外表;他有着周围人无法理解的一些想法，但那绝对不是因为怪诞，而是因为那些想法是出自一个天才的大脑，即使被称之为天才的汤川学也不得不承认，石神的确是当得起天才这个称号。
正如他对好友草稚说的那样：“虽然我不想随便用天才这个字眼，但这个字眼应该最适合他。听说还有教授指示，他是五十年甚至百年难得一见的人才。虽然选的学系不同，但他的优秀程度连我们物理系都有耳闻。他向来对利用电脑的解法没兴趣，总是半夜还窝在研究室，单凭纸笔挑战难题。那个背影给人的印象太深刻，不知不觉间甚至赢得‘达摩’这个称号，不过这当然是表达敬意的称号。”
由这句话，我们就应该明白，石神在汤川学心目中所占有的地位。同样都是天才，同汤川学不同的是，石神对于外表不是特别在意，尤其也极少做必要的修饰，而汤川学给人的感觉就是帅气英俊，穿着也是整整齐齐的，尤其是经过福山雅治演绎了以后，在大家的心里，如此的感觉相信会更加浓烈。
但如果仅仅限于此，石神似乎没有什么特别值得我们称道的，尤其是同汤川学一比，绝对是相形见绌，然而，花冈靖子的出现彻底改变了这一切，她的出现，使得石神一瞬间超越了汤川学，起码是在情感的理解上，因为，当你同汤川学提及情感的时候，他总是在思考，如何拿公式来证明，因此，他的形象在周遭人的心目中，就仅仅定性于好老师、好同事、甚至是好朋友，但绝对不会是一个优秀的对象。因为他不理解爱，但他并不否认，更多的是，在我看来他仅仅是希望爱这种东西能够用公式公理这类东西来量化以便于他理解，这恐怕是这个天才的缺陷吧!
石神是在何时对于“爱”有了理解呢?在他初次见到花冈靖子的时候，他想：在那之前，他从未被什么东西的美丽吸引、感动过，也从不了解艺术的意义。然而这一瞬间，他全都懂了。他发觉那和解开数学题的美感在本质上是相同的。石神终于明白了，但这对于他来说，或许就是另一种的可能性吧!
我一直认为，人生之所以值得留念，是因为人生本质上来说，拥有者无数的可能性，无论好坏，我们都能够在选择中，度过我们短暂的一生，而也是因为选择使得我们的人生丰富多彩。假使人生没有了选择，我们只能一条路走下去，那种感觉，或许就是孤寂的绝望。
石神改变了，起码对于自己人生的态度发生了变化，而也是这一丝微妙的变化，使得汤川学发现了他在案件中唯一的一个漏洞，这不得不说是一种讽刺。
但毕竟是天才石神想出来的整个计划，他没有给警方留下任何一点余地，即使汤川学最后是发现了真相，然而真相的背面竟是如此的悲伤，石神为爱情所作出的牺牲，令的原本对于案情从来不感兴趣的汤川学都十分难受、难以面对，这也是我在接触神探伽利略系列以来，第一次看到汤川学竟然也会为案情、案件的事实而感伤。
这个计划的整个关键事实上已经完美到了，只要犯人本身不承认，警方就毫无办法的地步，完美的犯罪，出自于石神那颗天才的头脑，对于警方来说，这是一种侮辱，仅仅凭借石神一人，竟然将警方耍的团团转;对于汤川学本人来说，则是一种痛心疾首的哀痛，为何如此完美的大脑，要用到这种地方?汤川学不明白，或许他明白，只是他依旧觉得可惜。
我也明白，因为答案并不困难，那个答案就是“爱”!
有人问什么是爱：“问世间情为何物，直教人生死相许。”但是，石神所表现的，却是更大的超越，对于石神来说，他爱靖子，所以他要让靖子更好的生活下去，即使为此，牺牲掉自己。石神对于女性而言没有什么值得称道的，长得不帅，也没有钱，同样缺乏一个好的家事背景，可是，他对于靖子的心却是任何人都难以企及的。
在这个故事中，靖子不止一次的怀疑石神，贬低石神的爱，但她是错的如此的离谱，如此的令人无法原谅，她根本无法理解在执行整个计划的过程中，是以什么条件做为计划的开端的，而石神在这个计划中的牺牲就更加无法令靖子能够想象了。一如书中最后当靖子知道了真相后，是如此描述的：
“她不愿去想石神牺牲到如此地步，她不愿去想石神为了自己这么一个毫无长处、平凡无奇、又没什么魅力的中年女人，竟然毁了自己的一生。靖子觉得自己的心还没坚强到足以承受这个事实。”
“她以前从没遇到过这么深的爱情，不，她连世上有这种深情都不知道。石神面无表情的背后，其实藏着常人难以理解底蕴的爱情。”
是啊，如此的爱情，即使是放到我的面前，我都不可能去想象，更不要说去相信什么了。合上书本后，始终萦绕在我脑中的一句话就是“爱一个人竟然能够爱到如此地步!”我反复的念叨，直到那晚，我闭上了双眼，进入了梦乡。
嫌疑人X的献身读后感5
两天上班的时间里，偷偷摸摸或光明正大地把《嫌疑人x的献身》看完了。
首先，我很是喜欢东野叙述的风格。指明一点，绝对不是他的推理方式，像我这样没脑子的读者，断然是理解不了他推理的个中门道的。我喜欢他真实、平淡的笔调。想想一个个毫不张扬鼓弄情绪和玄虚的字却道出了一个极为震撼的故事，我很敬佩。现在看书，很在乎这种平实却真正蕴涵妙处的写法，极简才极真。或许是时下许多作者浮夸、迂回繁复、不安静的文字太多，使得不有 文章 故事以外的废话冗句，是我现在衡量一部作品好坏极重要的一个标准。东野圭吾显然符合。东野圭吾推理小说已大师级别，借其简介的描述：笔锋日渐老辣，文字鲜加雕琢，叙述简练凶狠。我捡的专是说他文字风格的。在站着，且有时会承受被店长或助理逮住小批评的小惊慌下断断续续阅读这本书的情况下，我还是偶然被一些推理以外的 句子 深深吸引。它们没有哀伤的字眼，也没有用甚效用明显的语序，相反很简单，很随意，简直就像是在一段平实的叙述后顺便加上的一句，却是我认为最亮的地方。例如在叙述石神在家里准备自杀时碰到新搬来的邻居问好，被那两双从未见过的美丽的眼睛带来生之希望，从此以后只为能看见她便是自己如今活着的意义时，东野淡淡一笔：“有时候，一个人只要好好的活着，就能拯救某个人。”总之，东野平淡却精准富有深意的文字是我所认为的《嫌疑人》的妙处之一。
妙处之二，数学思维的人生模式。
石神是一个数学天才。我看别人的影评，有些人说正因为看到是个数学天才，所以才在故事开始的时候不太喜欢，因为其本人很讨厌数学。我恰恰相反，当知道石神乃是一个数学天才的时候，我心里热了一下，瞬间喜欢上这个男主角，虽然他五十多岁，头发还很稀疏，脸又圆，眼睛又小，总之面貌不好看。很奇怪，从小我就是个喜欢数学讨厌语文的人，但我本身却是一个感性而不理性的人。逻辑思维能力也很令人自卑。但我喜欢数学。全身心投入到计算一道题目的答案中，心无旁骛，凭着已有的依据，和数学理论，以及思维能力，便有可能通往正确答案的终点。但最重要最有趣的是这个寻求答案的一个人的思维过程。数学是充满乐趣的，石神准备在监狱中度过余生，但他不怕，只要有笔和纸，他就能继续探寻数学的奥妙。哪怕没有笔与纸，谁也不能阻挡他进行数学，因为谁也不能把手伸进他的脑子。除了数学，他什么都不在乎。这是他的曾经。但因家庭原因使他无法笔直通往研究数学的道路上，转而成为了一个教高中数学的老师。这一妥协使他活着无意义。“没有理由去死，也没有理由活着，如此而已。”在他平淡地去死的时候，有人敲门了，他当时正准备把头挂进吊绳里，敲门声响了，他也只是平淡的想就算自己死也不要给别人惹麻烦，所以去开门。这让他撞见了她，他的新邻居，叫花冈靖子，他一见钟情，因为她的眼睛给了他生命里除数学外第二种愉悦，他有活下去的意义了。石神没有想过要进入靖子的生活，他对这个离婚且有一个女儿的中年妇女无任何歪心思，相反，石神觉得喜欢她是一件崇高的事，他不敢去攀登靠近，只求能默默关注，他发现这竟然和喜欢数学的感觉没有本质的区别。事情的急转直下是某天靖子失手杀死了前夫，石神只是这么说：“你要是想去自首，我没什么意见，但如果你有其他的决定，我想我可以帮你。”从此，石神用他的天才数学逻辑思维布下一步步棋，一步步警方绝不可能解开，永远抓不住真凶，却又能完美自然地抓住“真凶”的棋。
描写和数学相关的地方，我都看得更认真。我佩服理性逻辑思维的人，那是我一直想成为的人，真正的聪明人。数学其实是简单的，因为他的逻辑性。所以物理教授汤川说，石神是一个单纯的人，寻到一个目标，他就会全心投入没有后路，要么赢得全部，要么输得彻底。这几乎已经暗示了结局。
最后要说的便是《嫌疑人》的结局了。
真相揭开，石神为了保护靖子母女，竟然自己杀了另外一个人，一个就算消失也没人会在意的人，并毁其面貌，手指，再通过层层设计使警方将此人认作死去的靖子的前夫。石神杀人，有几层意思，其中两层一是为了“偷换概念”，使警方始终认错尸体，那靖子最终肯定没有嫌疑，因为这人确实不是她杀的，她无任何证据留下。二是当事情瞒不住时，让自己没有退路可退，因为自己确实杀人了，所以最终的自首已在他的计划之内。他不在乎，因为他完美地保护了靖子，这个拯救了他生命的人，给了他人生新的快乐的人，哪怕这个人和自己无任何关系。可以说，所有的一切，都是石神的一厢情愿。一厢情愿这词或许很不好，我却觉得只有这四字才能形容石神的崇高的爱。靖子只是在一个特殊的偶然时机走到他面前，她什么功能都没有，是石神自己喜欢上她的眼睛，也许换另外个人并不觉得她眼睛美丽呢。但凡靖子在便当店上班的时候，石神都会去买便当，靖子从来没有注意过，当老板娘对靖子说石神估计喜欢她时，她只是极其平常的反应：不太相信，且也没有因此特别去注意石神。靖子在家里杀了人，惊慌失措，石神听到动静过来敲门，她遮掩，但还是被天才数学家一眼推理出事情真相。靖子没有让他帮忙，是他自己挺身而出，我可以帮你，如果你不想自首。尸体被发现，靖子被警察追着不放这段时间里，她已经确认石神喜欢她，但她心里只是感激，我甚至觉得不是感激他喜欢她，只是感激他帮助她而已。期间，曾经喜欢过的男人出现关心靖子，靖子觉得自己终于又体会到了自己是一个女人的愉悦感，但她害怕被石神发现，怕他发现她背叛了他，因愤怒而说出杀人事情真相。对，就是这样一个中年妇女，这样一个从来没有细细想过石神有多喜欢她才会甘愿替她处理尸体成为帮凶的中年妇女，这样一个理所当然地接受石神对自己百分之两百付出的中年妇女，竟然在关键时候，在得知石神为她杀人的真相的时候，跑出了一个讽刺的东西叫良心，去自首了。我心都凉了。
朋友在介绍的时候都说《嫌疑人》结局让你根本猜不到，让你震撼，让你流泪。她们指的是这件杀人事件的真相。我倒没太多情绪，反而是靖子去自首时，我为石神哀叹了。这靖子真是岂有此理，发现石神为她顶罪去自首时，自己依然按照石神的吩咐做得天衣无缝，没想过不该让石神为自己承担如此之多。却在得知石神并不仅仅是为她顶罪，而是真的为了她杀人时，良心发现，愧不如生，去自首了。此良心是最讽刺的一笔。此良心见证了人性的极致自私，为使自己好过，全然不顾牺牲之人所为是甚，至始至终，花冈靖子根本没有认真地去感激这个与自己素昧平生却帮自己承担杀人罪的人。此良心，为石神崇高的爱情滑稽的打上了最响亮的一棒，打碎了他人生的快乐，打裂了他活着的意义，他用生命去保护的美好，被那可耻的良心摧毁了。他只是想她能幸福的生活啊。而这幸福的生活里，他从来没有算上过自己。
石神只是一个单纯的人，他对周遭的一切都不敢兴趣，除了数学。数学是他的全部。是他毕生追求。直到他无法成为一个研究数学的教授，他成为一个就算不及格学校也终会编理由让学生升学的数学科目的老师。生活无意义。自杀之际，遇见了靖子，她美丽的眼睛给了他新的希望，新的愉悦，他要保护她，甚至是不介入她生活地保护她。石神不求什么，就像对待数学一样，他觉得发表论文是为得到赞扬得到名利只会玷污他对数学的尊敬与热爱。与他爱她一样。只要她好好的活着，就能拯救这无意义的自己。但靖子自首了，他悲绝长啸，似要呕出灵魂。
从始至终，天才数学家达摩石神只是一厢情愿地崇高地爱着。这挺美。但没有人成全他极力保护的梦。他是天才，可对方却是个凡人。我想起《海上钢琴师》1900选择与船同沉时，他的好友至少成全了他，也成就了一个美绝的神话。我看《海上钢琴师》哭了，但欣慰，因为“死得其所”。石神没有1900的幸运。我的哭是沉甸甸的惋惜。石神，只是独自一人的孤独献身而已。
关文章：
1. 《嫌疑人X的献身》读后感:被我们所遗忘的人
2. 《嫌疑人X的献身》观后感:夜深啦,聊半毛钱的电影
3. 我读《嫌疑人x的献身》
4. 作家东野圭吾嫌疑人X的献身语录
5. 嫌疑人X的献身经典台词
6. 《嫌疑人X的献身》推荐:因为爱情 全盘皆输
叔本华说过：“从青年人的角度看，生活是一曲欢快的协奏曲；从老年人的角度看，生活是一汪寂静的死水。”角度不同，心态不同，我们所得到的也不同。窗子是一个画框，从窗子望出去，就可以看见一幅图画，这图画是虚幻的现实。内心云白山青的人在喧闹中看到的也是寂寞的美好，内心乌云密布的人在文雅中看到的却是低俗的趣味。要从画框中望这个世界，首先收拾好自己的心态，用冷酷的哲思与美好的遐想，还现实这幅画本来的美好。近代著名学者金岳霖先生，一生钟情于林徽因，但他的爱坦荡荡，朋友与当事人都知道，他不学心碎浪子远走他乡，也不学乡里霸王强拆鸳鸯，而是在林徽因身旁默默守望，这一守便是一生。旁人可能看到的是金岳霖一生的孤单寂寞，是林徽因的不识才子，其实从金岳霖的眼中去望，没有比这更加美好的了，他抵住了诱惑稳稳站在属于自己的角落，这才让美得以持久。守住自己的本心，你从窗子里望见的图画，一定被涂上了最美丽的色彩。去望这个现实，这是生活的本质，你我都去望，生活这幅画面却截然不同，你我望孤单，望见的是满目的黑色，而村上春树望孤独，它只是我们身边的朋友。也许村上春树洞悉了人生，他并不将孤独视作洪水猛兽，而是用一种玩味的笔调给我们望见的黑色涂上了美丽的颜色。村上春树的眼中，生活不可变，只有心态可变。图画不可变，只有看画人的心情可变。那何不调整自己的心态，走出人生最为瑰丽的舞步呢？在这个万般千态的浮世绘中，在错乱复杂的名利场里，我们容易在无端狂热中迷失方向，在无畏竞争中迷失自己，其实人生如梦，年华似雪，梦醒了雪停了我们将一无所有。我们看到的窗子外的图画，不是眼中所见而是心中所感悟的，只有守住我们的本心。用澄澈的心去看现实的画卷，才能感悟生活的美好色彩，看破这释厄梦境，走出这无涯雪场，回到正确的道路上。任世事无端变幻，我心中自有云白山青。守住内心，弘一法师方能发出“华枝春满，天心月圆”的感悟；三毛才能在丈夫死后仍拥抢寂寞。菜根谭有言：“世人动曰‘尘世苦海’，殊不知世间花迎鸟笑，世亦不尘，海亦不苦，彼自苦其心尔。”让我们用积极的心态面对这个现实，用心灵的画笔遮住现实中不完美的画面。我心自有“云白山青”。
考试卷发下来了，我惊奇地发现，我的作文只得了42分，这真是破了我的最低个人记录了。我慌忙将作文读了一遍又一遍，却并没有找到什么足以致命的问题，于是便跑去问语文老师。“内容太消极了！作为一个中学生，应该积极向上才是！”还没等老师说完，我的眼镜早已跌落在地，什么？内容消极也是失分原因？我惊呆了。后来，我发现老师说的没错，有很多“作文消极派”的同胞也未能逃离这番厄运，但那些写的比较积极的大多都是45以上。为什么有些并非自己真实意愿的积极文章如此“吃香”，而表达了真实内心的消极的文章注定只有被打入冷宫的份呢？我疑惑极了。渐渐长大了，我总觉得自己的思想也渐渐成熟起来，总觉得在成长的道路上，除了快乐，也有许多辛酸与失落，我渴望有知己倾诉，便将自己的真实想法寄托在那薄薄的试卷上，却没想到，被泼了一盆冰凉的水。可我并没有后悔，因为我坚信，这篇被评卷老师并不看好的作文反而更具价值，因为它是我内心的真实写照，并非是阿谀奉承。我十分厌倦矫情，它只是一个夺分工具，并非自己的真心话，只是将一份虚假的感情展现给别人看，甚至是对作文的一种亵渎。因此我拒绝矫情，更拒绝写违背自己真实意愿的文章。我并非认为所有积极作文都是假情，而消极作文都是真实的，只是希望老师们给我们一个诉说真心的机会，不要向所有消极作文都说“不”！也许以后，我会为了各种考试而违背我的初衷，写着违背内心的所谓的“积极文章”，但那时，一定会成为我的悲哀。因此，我要坚持自己的观念，将真实的内心展现给他人。朋友们，让我们携起手来，拒绝假情。用我们手中的笔，写出我们内心最真实的一面吧！
评圭多•雷尼的《黎明》圭多•雷尼（1575-1642年）是博洛尼亚画家，他最初生活在博洛尼亚的佛兰德斯画家卡尔外特的学园，跟一位培养了一批优秀的博洛尼亚画家的老师学艺。接着，他又是在当地另一所学园，也就是17世纪意大利最著名的卡拉齐学园，跟卡拉齐兄弟学到了一手精湛的素描和构图本领，这对他的画风产生了明显的影响。另外，到古代美术和文艺复兴美术的中心罗马参观，也对他有很大影响，特别是盛期文艺复兴大师拉斐尔的艺术，更是令他神往。17世纪的意大利画坛，有好几股潮流，其中之一就是古典的潮流，雷尼可以说是这股潮流的中坚力量。雷尼的风格，以甜美优雅著称，从《黎明》不难感受到他的这种特点。《黎明》是雷尼在罗马画的一幅天顶壁画。熟悉意大利绘画的人都知道，意大利是壁画之乡，罗马更是壁画的陈列馆，处处有大师的精品；而雷尼崇拜的拉斐尔最美的壁画也在这里，或许他画《黎明》时，心目中始终闪动着这位古典大师的形象。像拉斐尔的《巴尔纳斯山》一样，《黎明》是从希腊罗马神话获得启示的，这类题材是当时极为盛行的画题，古典倾向的画家更加离不开它。这幅作品是在红衣主教贝佳斯的委托下创作的，这幅作品《黎明》描绘的是曙光女神阿斯塔特、月神塞莱内和太阳神阿波罗，通过古典艺术对这些神的兄弟姐妹进行了描画，这幅作品是圭多•雷尼来到罗马两次脆古典艺术的研究的成果，很明确的表明了圭多•雷尼对古典艺术的追求，对纯粹的爱和美的追求。 横长的画面，由一条从左向右移动飘升的动态曲线确定着构图。飞在最前方的女性形象，是罗马神话中的黎明女神奥罗拉（这幅画的原名就是《奥罗拉》），她是由希腊神话中的黎明女神厄俄斯转化来的。她的前方，仍是昏暗的世界，她的后方，则是一派壮丽的曙光。从她回顾的眼神和脚的指向，自然地跟中央的一组奔马联系起来，而顺着马缰绳，立即会发现驾车的太阳神阿波罗。于是一切都清清楚楚了，原来画家要表现的是黎明时分，太阳升起，黑暗正在消退，光明将降临大地。 在表现这个景象时，雷尼选用了富于视觉感染力的节奏和色调。黎明女神、马匹、太阳神及牵手前行的少女，共同构成了向前迅速推进的动势，而这些形象又全都笼罩在橘红的暖色调中，几乎完全挤掉了右边那一点点暗色。象征和寓意的处理，美妙地实现了画的主题。 画面上，那组飘然行进的少女，称得上是雷尼笔下最优美的形象。理想的造型、流畅的线条、精心的组合，一切都显得那么自然、那么和谐、那么均衡，确是纯粹的古典风范。难怪在推崇古典美术的时代，很多艺评家认为他是仅次于拉斐尔的大师，温克尔曼把他与希腊完美的雕刻家普拉克西特利斯相提并论，雷诺兹认为他的美的观念优于任何一位画家，“神圣的圭多”成了他的称号。当然，这些早已过去，没人再顶礼膜拜他，可他的优秀作品仍然值得观者驻足。同时也可以知道，圭多雷尼在很大程度上是受到了拉斐尔的影响，在这个波伦亚派的巨匠的杰作的基础上，人们把圭多雷尼的古典主义作品与拉斐尔的古典主义作品一同称赞了，认为两人在画面上展示出了演剧性，都表现的恰到好处，绘画中圭多雷尼加入了丰富的色彩，展现了他独特的审美观，很大的程度上触动了之后的波伦亚派的画家古鲁西诺，后来画家古鲁西诺也描绘了与圭多雷尼这幅作品《黎明》相同的主题。
工艺美术运动虽然是由设计师自发发起的，但是，由于人们的审美观念的变化、工业革命以后产品外观设计的丑陋等事实，使这场运动发展迅速，从英国蔓延到了欧洲大陆的法国、斯堪的纳维亚半岛以及美国。影响所及，涉及到建筑、家具、陶瓷、金属工艺、染织品和平面设计等领域、范畴。1、建筑与室内设计建筑与室内设计可谓是受工艺美术运动影响最早的领域。这不仅表现在工艺美术运动的倡导者基本上是一些建筑设计师，而且在建筑与室内设计领域充分体现了工艺美术的思想。除了我们前面所列的一些设计师在建筑与室内设计领域所作的工作以外，英国还有飞利浦•威柏（Philip Webb）、诺尔曼•萧（Norman Shan）；美国有弗兰克•赖特、格林兄弟（Green and Green）。其中后者在洛杉矶的帕萨蒂纳市设计的根堡住宅（The Gamble House）具有强烈的工艺美术运动特征。整个建筑采用木构件，讲究柱结构的功能性和装饰性，吸收东方建筑和家具设计中装饰性地使用功能构件的特征，强调日本建筑的模数体现和强调横向形式的特点。2、家具设计家具设计是工艺美术运动影响最大的领域。除了莫里斯的“红屋”设计以外，一批著名的设计师都设计了颇具工艺美术运动风格的家具——简洁、质朴，没有过多虚饰结构，并注意材料的选择与搭配。如英国查尔斯•沃塞（Charles Voysey,1857—1941）他习惯选用橡树木料，造型简单而结实大方，而比较少有中世纪风格的重复出现，偶尔采用黄铜或红铜作装饰，风格清新、轻巧。比较莫里斯的家具设计，沃塞的设计更加实在，也更加容易批量化生产，对于工艺美术运动为大众服务的精神来说，沃塞显然比莫里斯在实践上更加接近精神的实质内容。又如斯各特在家具设计方面喜欢采用动物和植物的纹样来做装饰，以凸出的线条来勾勒出这些自然纹样来，因而风格颇典雅。再如美国古斯塔夫•斯提格利设计的家具（图2-10），由于他对于东方风格，特别是中国的传统家具风格的优点了解得十分深刻，因此，他设计的家具，无论是其木结构方式，还是装饰细节，乃至金属构件，都有明显和强烈的东方特色，可以看到中国明代家具的影响，这是东西方设计比较早的直接影响成果之一。3、陶瓷设计从总体上说，工艺美术运动时期的陶瓷设计虽仍以实用性小，主要供陈设与玩赏的艺术瓷为主，陶瓷设计家和制作者们忙于提高温釉及窑变等品种的实验，但在克里斯托夫•德累塞、马克•马歇尔（Markv Marshall）、威廉•德•摩根（Williamde Morgan）和科尔曼（W•）等人设计已带有明显的植物有机形态的特点，特别是美国辛辛纳提市鲁克伍德，陶瓷厂（Rookwood Pottery）的产品（图2-11），具有工艺美术运动典型痕迹特征。4、金属工艺设计工艺美术运动的金属制品设计也很引人注目，它不仅是设计师们表达技术与艺术相结合的思想的一个重要方面，而且其设计更少无用的虚饰，更富于现代感，具有浓厚的哥特风格特点，造型比较粗重。在陶瓷设计方面作出了较大贡献的有前所述阿什比和德累塞同样在金属工艺设计方面作出了巨大贡献。查尔斯•罗伯特•阿什比（Charles Robert Ashbee,1863—1942）原在剑桥大学学习历史，受拉斯金影响，于1888年创办“手工艺协会”，从事银器和家具等的设计。他设计的银器造型高贵、典雅，带有修长弯曲的把手或支脚，是工艺美术运动中最精美且最具代表性的金属制品（图2-12）。而出身于植物学教授的克里斯托夫•德累塞（Dr Christopher Dresser 1834—1904），其金属制品设计造型以简结的几何形为主，外表光滑，运用铆钉衔接，已有工业化生产的痕迹，具有从手工艺向工业化生产发展的特征，甚至后来的包豪斯设计都从中获得灵感。5、染识品设计由于莫里斯对染织业兴趣最大，所以其对英国工艺美术运动中染织品设计的影响也最直接。他反对在染织上使用任何化学染料，坚持使用天然染料。他亲自设计壁挂、地毯、壁纸等，常用的纹样是缠绕的植物枝蔓与花叶，自然气息浓厚（图2-13）。在莫里斯的影响下，英国工艺美术运动期间出现了一批染织品设计家。如莫顿•阿比（Merton Abbey）于1883年设立了自己的染织工场，生产各种地毯和挂毯，称为“汉姆史密斯式”（Hammersmith），这些染织品的设计与他早期的墙纸设计风格是一致的，都采用大量的自然主义动机，特别是植物的枝条蔓叶，采用缠枝花的四方连续布局，内中杂以各种小鸟，色彩比较优雅朴实，在当时弥漫市场的繁琐的维多利亚风格中独树一帜，很受欢迎。此外，设计家戴依（Lewis ）、.马克穆多（），以及莫里斯的女儿玛利•莫里斯等，设计生产刺绣、地毯、墙纸等，具有一定“工艺美术”运动的特征。6、平面设计平面设计可谓是英国“工艺美术”运动比较有成就的一方面，莫里斯堪称是奠定这场运动平面设计基础的人物。1890年，莫里斯创办凯伦苏格特印刷厂，着手进行书籍装帧设计，1896年，曾出版过被认为书籍装帧史上最杰出的版本之一《桥沙集》，在莫里斯的影响下，工艺美术风格的平面设计在英国、美国和其它欧洲国家迅速发展开来。出现了包括了马克穆多、奥布里•文特生•比亚兹莱（Aubrey Vincent Beardsley,1872—1898），比利时的亨利•凡德•威尔德（Henrivande Veldt）、法国的阿尔丰索•穆卡（）等设计师。马克穆多设计的《玩具马》（the Hobby Horse），是比较早的具有影响的工艺美术风格的平面设计作品，它是一本季刊，其设计以流畅黑白线条装饰插图而见长由于“工艺美术”运动时期包括莫里斯在内的设计家在平面设计方面具有强烈哥特复兴特征。这一点与当时流行的拉斐尔前派兄弟会的绘画风格是一脉相承的，表现了英国社会上在平面设计方面的浪漫主义倾向。所以遭到了刘易斯•戴依（Lewis ）等人的指责，他曾住在1899年的一本期刊《东方杂志》（the Easter Journal,1899）撰文批评莫里斯，认为他的书籍设计过于沉溺于复古主义，过分古旧和沉重，他认为这样的复古倾向，完全违背了莫里斯一向主张和倡导的设计社会化、民主化、大众化的立场和原则，使书籍无法成为大众的普及读物，而全落为少数收藏家的收藏品。为了扭转莫里斯等人的平面设计风气，戴依和插图画家杰西•金（Jessie ）、格里那维（Kate Greenaway）合作，创造出一种为广大儿童的读物设计风格来。他们的设计充满了儿童的天真、浪漫色彩，无论是字体、插图风格，还是布局排版，都轻松可爱，深受儿童的喜爱。他们的这种设计风格影响了当时和稍晚的许多平面设计家和插图画家，其中最著名的当推比亚兹莱。他曾向莫里斯学习绘画，后来他巧妙地吸收了日本浮世绘版画的线条艺术，也从波斯细密画中吸收其装饰手法，形成自己单纯、优美、秀媚的风格，尤其在描绘女性形象时，往往为主人公设计一套独出心裁的服装式样，因此有他插图的作品集一旦出版，马上会成为闰阁中的必备书，其插图中描绘的时装式样马上便会在社会上流传开来。 给你点资料，自己整理。
中秋假期带娃去南京博物院看了一场关于日本浮世绘的展览，分享下逛展心得，供参考。 说到日本浮世绘，可能很多人第一个想到的就是那幅“巨浪”。对，你想得没错，这么写，完全是因为我记不住名字，得去查一下——《神奈川冲浪里》。 这里提供一个挽尊的技巧，记不住日文名可以记英文名——The Great Wave——是不是简单多了？这个英文名不是我胡绉的，《培生艺术史》里面就这么写的。 那么，这次南京展览里有没有这幅画呢？ 很遗憾，并没有! 但这次展览里有葛饰北斋其他三幅代表作品，单独占据一个小角落。具体是什么，就留待您现场揭晓吧。 以下是我觉得看展可能会产生的11个疑问。有了大局观，展览更好看。可以理解为是一种“木刻版画”，类似于我们中国的天津杨柳青、苏州桃花坞。兴起于日本江户时代，诞生之初，并不能算得上是艺术，是一种平民艺术，地位也没那么高，价格也相对低廉。浮世绘的创作者，更偏向于“匠人”的概念。 02 “浮世”到底是个什么世？其实我也不敢说真的理解是什么意思，试着根据资料概括如下。 “浮世”，是一种活在当下、及时享乐的态度。 活在当下，尽情享受月光、白雪、樱花和鲜活的枫叶。 纵情歌唱，畅饮清酒，忘却现实的困扰，摆脱眼前的烦忧，不再灰心沮丧，就像一只空心的南瓜，漂浮于涓涓溪流中，这就是所谓的浮世。 From 浅井了意《浮世物语》 “浮世”，是一个佛家用语。 意指日常生活，尤其是享乐世界里倏忽而飘渺的事物，诸如戏院、舞蹈、爱情、节日之类的。From 《培生艺术史》 江户（Edo），是东京（Tkoyo）的古称。江户时代，就是小时候历史课上学过的“德川幕府”时代（1603-1867），对应的是中国明末到清中期。 这个故事说起来就有点“买椟还珠”的味道了。 当时浮世绘传到欧洲，并不是单独作为商品出口的，而是被用作商品的包装纸，因为浮世绘的纸张非常柔软吸水，很适合用来包装东西。没想到被欧洲的艺术家发现，如获至宝。 我们现在有鸡娃焦虑，当时的欧洲艺术家正苦于“创作焦虑”——照相术的发明给他们原来的写实主义（模仿自然）思想带来了“灵魂冲击”——未来该向何处去？ 欧洲艺术家就到处找灵感，一个源头就是非洲，比如马蒂斯、毕加索从非洲木雕中获得灵感；另一源头就是日本浮世绘，典型代表就是梵高，他临摹过葛饰北斋的5副作品，后期冲击性的色彩风格就是受到了浮世绘的影响。 根据潘公凯大师的说法，浮世绘采取的是勾勒，而西方讲究的是塑形。勾勒，就是先用笔勾出一个轮廓，然后用平涂的手法去涂色，是没有明暗对比的。而西方讲的塑形，是以面塑型，不强调轮廓感的，通过面和明暗来塑造形象。欧洲人看到浮世绘以后，大为惊叹，没想到，画还可以这样画，接着被大艺术家大量运用到作品里，就火了。而中国的年画量少，只有逢年过节的时候，家家户户才买点回家贴贴，更不要说用年画来大量地包装商品了。 这个名单就如雷贯耳了。 梵高（著名浮世绘藏家，有人评价他是歌川广重的“脑残粉”） 莫奈 马奈 德加 高更 印象派受浮世绘的影响是举世公认的。有个说法是，没有浮世绘，就没有后面的印象派和后印象派。 在洪晃女士看来，著名品牌香奈儿也受到了浮世绘“勾勒”的影响。她分析，香奈儿女士是那个时期的人，比如香奈儿时装最有标志性夹克，永远有一圈勾勒的边。 我上网查了香奈儿女士的资料（1883年8月19日～1971年1月10日），在她成长的青少年期，浮世绘在欧洲已经是“大势”了，审美上受到启发的可能性确实很高。 日本动漫同样来源于浮世绘，最早的漫画是一张一张画出来的，为了提高效率，采取了浮世绘的办法，比如先做一个身体的模版，大批量印出来，然后再手工去画头部的变化。 一是浮世绘作品，是中国美术馆的馆藏，总共72幅。 二是南京博物院藏的日本文物，总共79件。 有画作，有日用器物、瓷器、人偶等一些工艺品，可以更立体感受到日本的“匠人精神”。 展览分为三个部分，策展本身非常有“文人气质”，主题名字直接选自日本俳句。墙上还插了一根狗尾巴草，活用了千利休的茶道思想。 风重人娇春将归——美人画 宛然如一梦，彼此记心头——戏剧人物 满眼青山耳杜鹃——自然风光 从打卡的角度来说，名气最大的“浮世绘三杰”都有：葛饰北斋、喜多川歌磨和安藤广重。 个人最推荐展览尾声部分，背对镜头为佳，注视着墙上的图片，头顶上“群星闪耀”，有一种遇见历史的氛围感，不由得想起一句话：子在川上曰，逝者如斯夫。 没想到浮世绘的作品居然这么小。 之前在网络中见到的作品以风景画为主，想当然以为很辽阔的尺寸，看到实物才知道是小小一张，一般就是30几厘米*20几厘米的大小。 没想到制作流程这么复杂。 简单来说就四步：绘草图-雕版-着色-拓印，但绘草图之后的每一个环节实操起来都很复杂。雕刻木板的数量由颜色数量来决定，需要对颜色的控制达到非常精妙的高度。风景画中，有白雨夜雨，密密麻麻，雨线细如发丝。这么小一块木板，雕版师是如何“螺蛳壳里做道场”的，真是难以想象。着色、拓印的时候，每一根线条又是如何做到丝丝分明、毫无晕染、干净利落的呢？只能用炉火纯青、臻于化境来形容了。 庸俗问题庸俗谈，这里不谈艺术。（杠就是你对。） 浮世绘分两种，一种叫“肉笔绘”，画师独立亲手画出来的；一种是群体作业，雕版印刷品。前一种自然是要更为珍贵一些。 从时间上来说，普遍认为江户时代的作品要比明治时代的艺术品位更高。如果想收藏，推荐首选江户。 意大利藏家阿德里亚·马达罗认为，艺术家的原始画作在他们所处的时代就已经不存在了，因为刻板在初次印刷后就被破坏了。每一件作品都是唯一的，75%来自技术，25%来自“原型”。他认为，某些20世纪工匠创造的系列作品是有同等价值的，因为它们是根据严格的传统工序，完全用手工印刷工艺制作的。 这位意大利藏家不提倡以经济论价值，最终历经数年收藏了两套完整巨作，分别是葛饰北斋和歌川广重的，后来都捐给了湖北省博物馆。 最后说下参考数据，一条上拍卖过一些日本浮世绘作品，价格从人民币大几千到小几万不等，有人物画单幅8000元成交的，也有三联作24000元成交的。 其实看完这场展览之后，内心多少会觉得有点悲伤。 日本浮世绘之后走向了明治时代，我们之后走向了闭关锁国…… 接下来的命运…… 中年少女带孩子赚票子的心得分享，公Z号同名，欢迎关注交流
浮世绘，就是日本的风俗画或版画。"浮世"来自佛教用语，本意指人的生死轮回和人世的虚无缥缈。因此，浮世绘的字面意思为"虚浮的世界绘画"，主要描绘世间风情的画作。 浮世绘的历史发展经历了初期、鼎盛时期、后期及末期四个阶段，因为受特定时代的影响，其画风、内容和笔触均在沿袭中变革。 折叠初期明历大火(1657年3月2日)至宝历年间(1751年~1763年)。此时期的浮世绘以手绘及墨色单色木版画印刷(称为墨折绘)为主，题材多为年轻美丽的女子。17世纪后半，后世尊为"浮世绘の祖"的菱川师宣绘制了许多人气绘本及浮世草子，其中《见返り美人図》为其代表作。到了鸟居清信时代，使用墨色以外的颜色创作的作品开始出现，主要是以红色为主。使用丹色的称“丹绘”，使用红色的称“红绘”，也有在红色以外又增加二、三种颜色的作品，称为“红折绘”。值得一提的是，彼时鸟居派与歌舞伎业紧密合作，为歌舞伎设计和绘制看板，直至今日，现代歌舞伎的看板仍保有当时流传下来的风格。折叠中期 明和2年(1765年)至文化3年(1806年)。锦绘在此时期诞生。明和2年，开始有了画历交换会的社交活动，“东锦绘”应运而生，浮世绘文化正式迈入鼎盛期。此时期的人物绘画风格由原本虚幻的人偶风格转趋写实。安永年间(1772年-1780年)，北尾重政写实风格的美人画大受好评。胜川春章则将写实风带入称为“役者绘”，题材多为当时著名的歌舞伎演员。此时期，喜多川歌麿以纤细高雅的笔触绘制了许多以头部为主的美人画。宽政2年(1790年)，印刷品的内容进行了严格的管制。宽政7年(1795年)，因触犯禁令而被没收家产的出版家茑屋重三郎为了东山再起，与画师东洲斎写楽合作，出版了许多风格独特、笔法夸张的“役者绘”。虽然一时间造成话题，但毕竟风格过于特异，并未得到广泛回响。同时期最受欢迎的风格是歌川豊国所绘的《役者舞台之姿绘》的歌舞伎全身图系列。而歌川的弟子们也一跃形成浮世绘的最大画派-"歌川派"。折叠后期冨岳三十六景文化4年(1807年)至安政5年(1858年)。浮世绘内容由人物转向风景画。胜川春章的门生葛饰北斋绘制了著名的《冨岳三十六景》。歌川广重也创作了名作《东海道五十三次》、《富士三十六景》。此二人确立了浮世绘中称为“名所绘”的风景画风格。在役者绘方面，歌川国芳等人开始创作描绘武士姿态的"武者绘"，其水浒传系列广受欢迎，在当时的日本引爆了水浒传风潮。折叠末期安政6年(1859年)至明治45年(1912年)。 此时期，受到"黑船来航"的冲击，即美国东印度舰队强行打开日本的锁国政策。许多人开始对西洋文化产生兴趣，因此“横滨绘”开始流行起来。另一方面，因为幕末至明治维新初期社会动荡的影响，出现了以血腥怪诞风格著称的"无残绘"。这种浮世绘中常有腥风血雨的场面，如歌川国芳的门徒月冈芳年和落合芳几所创作的《英名二十八众句》。这一时期，河锅暁斎等正统狩野派画师也开始创作浮世绘。而后师承河锅暁斎的小林清亲更引入西画式的无轮廓线笔法绘制风景画，此画风被称为“光线画”。歌川派的歌川芳藤则开始为儿童创作称为玩具绘的浮世绘，颇受好评，因而被称为"おもちゃ芳藤(おもちゃ为玩具之意)"。但是由于西学东渐，照相技术传入，浮世绘受到严苛的挑战。虽然很多画师以更精细的笔法绘制浮世绘，但大势所趋，终究无法力抗历史的潮流。其中，月冈芳年以非常细腻的笔法和西洋画风绘制了许多画报、历史画、风俗画，有"最后の浮世绘师"之称。正当人物和风俗的主体已近枯竭时，葛饰北斋和安藤广重为浮世绘带来了新的风格，即“风景画”。葛饰北斋受到西洋铜版画的影响，立志风景画的创作，在《富岳三十六景》，采用大胆的构图和色彩，受到了人们的喜爱，此后描写了各地的名胜系列画。安藤广重在《东海道五十三次》的系列里，以叙情的笔调丰富地描绘了日本的自然的旅行者，后来又创作了《木曾路六十九》等以日本各地为题材的系列画。如今的浮世绘，早已不仅仅是一种绘画的风格，它更是一种文化的代名词，也适用于多个不同的现代化生活与环境中。在对于电影《复仇者联盟》的印象画中，以及在现代的日本动漫《怪化猫》中，浮世绘的形式与人物相互融合，形成了一种独特而不失美感的风格，浮世绘从起初的手绘黑白格图变为了一种新的绘画形式。浮世绘在历史的沿袭变革中，早已不再是原来的样子，但在我眼中，它从未改变，那种或沉重或轻浮的一页页纸张，是历史所不能抹去的印痕。纵观浮世绘的发展史，可能唯一不变的，只有画师们对于画作的热爱，以及在茫茫历史潮流中从未流失的，为人所深深赞叹的画作了吧。
日本色彩,文化,方面的文献? 要日文的吗?日本文化是指日本形成的文化事物。特别在古代前期（到平安时代前期），强烈受到中国的影响。后来，在平安时代由於停止派遣遣唐使（894年）以及在江户时代实行锁国令（1633年），发展了独特的文化。不过在明治时代，由於外国要求强制开港，西方文化亦逐渐传日到日本。现代日本文化很受欧美的影响，但是传统的文化仍然受到保护，不时看见穿著和服的人在街上逛街。因为儒学对社会的影响很深，礼仪文化发达，忠於集团的观念浓烈是日本文化的一个特点。概念以下是一些常被提及的日本文化概念： * 饮食：寿司、天妇罗、铁板烧等等。 * 衣著：和服、浴衣、草鞋等等。 * 艺术：浮世绘、漆器等等。 * 音乐：雅乐、演歌等等。 * 文学：和歌、短歌、俳句等等。 * 建筑：城、日本庭园、神社等等。 * 宗教：神道教、佛教饮食受到东亚地区的饮食文化影响，日本菜很多时候会用到米饭。其他主要的料理包括了海苔、鸡蛋，亦有不少是与海产类相关以及绿茶、日本酒等为主的饮料。衣著日本代表的衣著是和服，各种阶级的种族有不同的衣著。衣著在明治时代开始改变，军官、官员穿著西式的服饰。虽然在现代日本主要服饰以西装为主，但不时会看见人们穿著传统服饰。服饰包括如下： * 头：笠、兜 * 上身：和服、着物、背广、浴衣、筒袖、留袖、色留袖、狩衣、羽织、甲胄、甚平、 * 下身：束带 * 手：手甲 * 鞋： 雪駄、下駄、草履、草鞋 * 装饰：栉、扇子、印笼、烟管艺术日本的艺术亦有多个种类，以画像就以浮世绘、日本画见称。也有茶道、书道。传统工艺以陶艺闻名。音乐在古代，最流行的音乐就是雅乐，接著在明治及大正时代由演歌取代，近年以J-POP为主。学术日本在学术方面曾经在奈良时代派遣遣唐使到唐朝留学，在平安时代开始发展了独特的学术，犹以儒学影响最大，江户时代有不少儒学者。此外亦吸以了来自荷兰的兰学。其他亦有国学，亦有中国流传的学派。文学影响日本文学的类型和歌、短歌、俳句、川柳、连歌、诗句，此外歌舞伎对文学影响甚深。明治时代以后开始流行西式的文学作品。现在，年轻人会比较注意轻小说的作品。建筑日本的建筑主要是以神社、佛教寺院、离宫为主，强烈受到中国的影响，在中世纪，标志都市繁荣的城堡亦随之出现。在明治时代以后，由於外国人开始在日本生活，不少建筑是以西式设计，现时像东京铁塔一样，成为了东京一个地标。宗教日本人的宗教意识比较复杂，同时信奉多数宗教的人不少（如神道教与佛教）。但一般认为，日本最多人信奉的是神道教。日本各地有过千座神社，部份神社更吸引世界各地的旅客参观，此外日本在奈良时代传入佛教，建造了不少佛寺。此外基督教在16世纪传入日本，虽然在江户时代下令禁教，但自明治时代解禁后，现今仍然有不少信徒，还有部分日本人信奉各种新兴宗教。体育最有日本特色的体育是相扑，约在飞鸟时代已经流行，到江户时代改良为近代大相扑[1]以及传统武术，但在世界上广为人知的职业运动是棒球及足球，拥有不少职业的运动员在国际舞台上活跃，以外职业摔角、赛车、赛马、围棋及将棋在日本是非常普及。亦有部份运动是由外国传入，而经日本改良当中包括竞轮、软式网球等。政治日本的古化政制与中国、欧洲及中东各国大有不同，以天皇作为中心，在平安时代，政治制度开始改变，在明治时代以前主力统治国家是幕府将军、此外辖下有武士、旗本等，明治时代后，参考德国政制，引入国会制度，在现时日本拥有不同的政党及民主选举制度。语言日本的官方语言是日语，但日本各地亦有自己的方言，包括了关西方言、熊本方言。在大和时代，从中国传入汉字，后来独自发展成平假名及片假名等等。除了日语，源於日本的语言还有爱努语及琉球语等。流行文化日本的现今流行文化在世界各地有不同的影响，大多受到西方的影响，产生次文化。当中将J-POP及日本ACG（游戏动漫）最为世界各地的影响。日本的流行时装也影响了不少人的衣著习惯。近年来，各种语言亦有不少用语受到了日语的影响，包括了tsunami（即海啸，世界大多数语言以tsunami标示）、卡哇伊(日语罗马字：ka-wai-i)（「可爱」之意）、奇蒙子（日语汉字：气持）（日语罗马字：ki-mo-chi ）（「心情」之意）、暴走族、御宅族（日语罗马字：otaku ）等等。以上我是在某知名百科上找来的...还有更详细的...我网址给你吧这个网站是我看过最好的但是被百度给"和谐"了,点我给的网地址后按最上面第一个网站.....在他的搜寻那边打"日本"或"日本文化"就会出现很详细的解说了,希望对你有帮助.http://
世界名画欣赏论文 --------梵高作品《星夜》赏析《星夜》赏析 摘要：1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。正是在这里，他以歪曲的长线，破碎的短线，饱满的色彩。为全人类创造了一幅奇幻的星空景象。一、作品叙述 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。 《星夜》为梵高圣雷米时期的代表作品。1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。梵高在这样的情形下并没有颓废，而是寻找到了自己艺术的突破，一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。出现在我们的眼前。作品中那些旋转的线条，粗犷有力，让人 感受到梵高内心的情感倾诉。二、作品形式分析 "他还做了另一个梦，把它告诉他的兄弟，看哪，我有更多的梦想，看哪，太阳，月亮和十一颗星再向我们敬礼。"圣经起源中的一段话给予了这位为天才创作的灵感。星夜是梵高的幻想，是梵高心中的宇宙。梵高以心中的星夜作为题材，充分表现出处于人世之外的自己对于星空的理解及感受。 整个画面，作者充分运用的夸张的艺术语言为我们展现了一个变形的，常人难以想象的，充满强烈震撼力的星空景象。作者运用弯曲的线条，以及线条旋转变化描绘出了那巨大的、卷曲旋转的星云，我们几乎无法从他的这幅作品中找到一条直线，作者的世界观仿佛在旋转。同时作者在色彩的运用上也独具匠心，全部运用大块的色域展现出一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月。同时，画中的图像都充满着象征的涵义。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到凡高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。 油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣赏日本浮世绘《冨岳三十六景》中的《神奈川冲浪里》，而《星夜》中天空的涡状星云画风被认为参考并融入了《神奈川冲浪里》的元素。三、作品解释 有云的夜空充满了旋转，恒星发光闪烁着自己，明亮的新月。虽然功能被夸大了,这是一个场景，我们都可以涉及到，也是一个最适合个人感觉舒适，安心。这天保持观众的眼睛画走动，下面的曲线和制造出一种视觉圆点星点使用。这一运动一直扎根在旁观者所涉及的绘画，而其他因素： 下面的地平线上连绵起伏的丘陵有一个小城镇。有一个和平的本质结构的流动从。也许阴凉窗口颜色和火热的火花回忆我们自己的天空繁星温暖黑暗的童年和年满夜间想象中存在的东西。镇中心的点是高大的教堂尖顶的，执政的建筑物基本结束较小。这种尖顶蒙上了一个小镇上的稳定感，并创建一个规模和意义上的隐居。为了画左侧有一个巨大的黑色结构，开发了一个更大的规模和孤立感。这种结构是宏伟的绘画相比，规模在其他物体。镜子弯曲的线条，创造的天空画的感觉深度。这种结构也允许观众解释它是什么。从布什山的一叶菜，形成分析，这是广泛和丰富多彩的。在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。 凡高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图象中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。四、作品评价 《星光灿烂的夜空》也许是文森特·梵高最有名的画作。独特的风格让人一眼就可以认出是凡·高的作品, 这幅作品是虚构的。Don Mclean曾献给文森特一首著名的同名歌曲"Vincent"又名"Starry Night"。即使梵高尝试了装饰性作品的创作, 也只有极少数评论家认可他这些作品并愿意支持他在这方面的尝试。其中的部分原因无疑是梵高没能举办他所希望的个人画展, 只有这样的画展才可能摆出自己的大批作品。古斯塔夫·卡恩倒是对梵高在1888年独立沙龙上参展的三幅作品做过评论, 他说"凡·高先生的画笔挥洒得很有力", 这样的评价实际上成了批评。有些评论的作者差不多把这种笔法干脆称为装饰性笔法。1889年, 费利克斯·费内翁曾经提到, 在这幅作品里,这种"无立体感的笔触构成了粗糙的草席似的图案", 同时那漩涡关的色彩像是直接从颜料管里挤出来的。乔治·勒孔特在文章中赞扬道："热烈的厚涂……各种颜色很自然地营造出了令人感到震撼的效果。"古斯塔夫·热弗鲁瓦将梵高描绘为一个"画风景画时简直就像在雕塑风景画"的画家。这些评论或许促使人们注意到了梵高作品的表现图案和装饰性, 而其笔法则可能被认为是一种将前景和背景统一在一视觉区里的手段。可是这些评论都只有三言两语, 而几乎没有对梵高的作品做更广泛或者更深入讨论。假如从一幅幅单张作品的角度上看, 刚劲有力、别具一格的笔触便意味着传统意义上气质或者独特的个风格, 而不是装饰性图案。而凡·高的身体健康状况一旦广为人知, 他们就会毫不犹豫地认为他的笔触证明了他的病态气质和性情的不稳定。"视域转化成浓厚的、有力的颜料浆, 沿着他的画笔的猛戳动作画出的线路展开了它的脉络。天空中央的星星的卷曲浪潮也许是无意中受了葛饰北斋的《大浪》的影响——但它的奔腾的压力, 在东方美术中却没有相等的例子。月亮从月蚀中走出来, 星星闪耀、汹涌, 柏树随着它们摇动, 把天空的韵律转化成自己的火焰状侧影的黑色扭曲。它们把天的激流传给了他, 完成了贯穿整个自然的活力的圈子。" (休斯)参考文献：《西方绘画史图录》邵大箴著 河北美术出版社《米勒传》 罗曼·罗兰著 山东画报出版社
浅谈浮世绘艺术
江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。以下是我为大家整理的论文范文，希望能帮到大家，更多内容请浏览()。
摘要：浮世绘为日本的风俗画、版画。是江户时代日本市民文化兴起后，形成的一种具有民族特色的艺术风格画。日本浮世绘在亚洲和世界艺术宝库中呈现出特异的色调与风姿。本文将以描述浮世绘各个时期几位重要大师的创作风格、艺术表达方式甚至创作“偏好”及艺术成就为脉络，分析浮世绘的创作特色。
关键词：浮世绘;中国画;中国风俗版画
一、浮世绘小介
浮世绘为日本风俗画、版画。为日本江户时代(1603-1867)，即德川幕府时代兴起的一种民族特色艺术风格。是典型的世俗风格艺术。主要描绘人们的日常生活：风景、演剧、艺伎等。浮世绘常被认为专指彩色印刷的木版画(日语称为锦绘)，即浮世绘;此名称的由来是因为其内容最初主要描绘“浮世”的歌舞伎和花街柳巷。除版画外，浮世绘也有手绘作品，浮世绘的早期就是“肉笔浮世绘时期”即画者用手描绘画作的时期。浮世绘历经300多年，影响深及欧亚各地;19世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师也无不受此画风启发。
二、浮世绘的发展
江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。浮世绘最初盛行于京都和大阪，由于市民文化迅速发展，需求量扩大，需要大量印制，降低陈本，易于购买，以供需求，于是浮世绘开始由“肉笔浮世绘”阶段进入“版画浮世绘”阶段。这一时期作者云起，“版画浮世绘”的印刷技巧初为单纯的墨摺本，后发展为丹绘和漆绘;真正的套色版画在1643-1765前后出现。这一时期浮世绘的印刷技术达到高潮，代表日本民族在艺术上的高度成就。1)1670年，菱川师宣将单一墨色印刷的木版画售出，被称为浮世绘的“创始人”。起初，市场上仅有单一墨色印的画(墨摺绘)，但不久出现了“赤版”，以红色为主，再加印黄和绿。2)1750年左右，由于歌舞伎的繁盛，木板技术的进步，以及浮世画深受人们欢迎;以画美人画而闻名的大师铃木春信、鸟居清长、喜多川歌麿出现。其中铃木春信创造出了彩色印刷的浮世绘——“锦绘”。但这些人的作品没有个性，缺乏活力;往往暗示着那个颓废的社会。3)与喜多川歌麿同一时期出现的东洲斋写乐是描绘男性主体的高手。如果说喜多川歌麿是美人画的顶峰，那么役者绘的巨擘则非东洲斋写乐莫属。写乐第一次出版的浮世绘是1974年5月在江户的三个剧院为演员绘制的特写像。演员的头部及上半身突出于深银灰色的背景，他们的个性及所扮演角色的面貌与姿态都使人难以忘却，写乐以高超的敏感度捕捉到艺人的个性特征。他手下的作品，都是同样的强烈手法，同样的无情夸张而处理的。与浮世绘典雅精致或浮华艳丽的美完全相反。写乐的创作方式使人物从背景中剥离出来，这是前所未有的题材——肖像画。4)在人物和风俗的主体已近枯竭时，葛饰北斋和歌川广重(原名“安藤广重”)带来了新的主体内容——风景。葛饰北斋受到西洋铜版画的影响，立志风景画的创作，他在《富岳三十六景》中采用大胆的构图和色彩，受到观者的喜爱。此后，他在自己的浮世绘创作中描绘了各地的风景名胜。歌川广重在《北海道五十三次》系列画中以抒情的笔调描绘了日本的旅行者。他的名望甚至超过了北斋。歌川广重后期又创作了《木曾路六十九》等以日本各地为题材的系列画。
三、浮世绘最主要的创作题材
1)美人画：是以年轻美丽的女子为主要题材，是早期浮世绘最重要的创作主体。这些女子的.身份以艺伎、游女、和茶屋的招牌女郎为主。代表画家喜多川歌麿。2)役者绘：役者指著名的歌舞伎演员，与他们相关的浮世绘有肖像画和广告招贴画。代表画家东洲斋写乐。3)名所画：对名山大川和屋宇楼寰的描绘。用来满足当时无法迁徙和旅行的民众对花花世界的好奇心和渴望;偶尔也起到旅行指南的作用。代表画家歌川广重。
四、浮世绘的创作特色
1)由于浮世绘的创作方式以版画为主，因此其线条中的浓淡、粗细、宽窄变化甚微，均以色彩区分物体间的关系及作者情绪的变化。由于西方绘画的冲击，浮世绘的线条在人物外部造型时可以准确、果毅的将人体结构表现出来。在此基础上，浮世绘人物画尤以夸张丰满的姿态出现，此间可以看到中国唐代人物画在日本人物画史上具有深远的影响。2)浮世绘普遍用色大胆，尤其与同时期的中国画相比;但浮世绘色彩间的关系控制和谐，因此画面效果极趋统一。其装饰图案中以简明概括的图形为主，浮华中不失淡雅。3)浮世绘由于受中西方绘画的共同影响，风景画中“焦点”、“散点”透视均有所体现;但其特色是以某处“小情境”为主要刻画对象，与同时期的中国山水画“大场景”相较有些许区别。且浮世绘山水画更加写实，也更有生活气息，民俗风味也更加饱满。
五、结语
浮世绘艺术是日本绘画中的瑰宝，在世界美术史上的作用也功不可没。在浮世绘艺术中既能够看到对中国绘画的传承，也能看到它吸收中国画美的精髓后与本民族文化、审美、风俗以及世界美术的有机结合。19世纪末，随着茶叶包装流传到欧洲的浮世绘艺术被当时许多画家所吸收;如莫奈、德加、梵高、高更、马蒂斯等，在他们的绘画中往往都能看到浮世绘的身影。可以说浮世绘对西方印象主义和后印象主义起到了重要的推动作用。此外，浮世绘中的色彩搭配及构图设计也奠定了现代日本平面设计的基础。
作者:牟逸萌 单位:西南大学
参考文献:
[1]姜文清.东方古典美--中日传统审美意识比较[M].中国社会科学院出版社.1997
[2]刘晓路.日本美术史话[M].人民美术出版社.1985
[3]潘力.浮世绘[M].河北教育出版社.2012
[4]宫竹正.艺伎的故事[M].陕西师范大学出版社.2006
[5]潘力.浮世绘的故事[M].科学出版社.2015
浮世绘，也就是日本的风俗画，版画。它是日本江户时代(1603～1867年间，也叫德川幕府时代)兴起的一种独特民族特色的艺术奇葩，是典型的花街柳巷艺术。主要描绘人们日常生活、风景、和演剧。浮世绘常被认为专指彩色印刷的木版画（日语称为锦绘），但事实上也有手绘的作品。 历史 浮世绘的字面意思为“虚浮的世界绘画”。“浮世”来自佛教用语，本意指人的生死轮回和人世的虚无缥缈。即，此岸或秽土，即忧世或尘世。日本语言中自“浮世”一词出现开始，就一直含有暗指艳事与放荡生活之意。因此浮世绘即描绘世间风情的画作。 浮世绘画师以狩野派、土佐派出身者居多，这是因为当时这些画派非常显赫，而被这些画派所驱逐、排斥的画师很多都转向浮世绘发展所致。 初期 明历大火（1657年3月2日）至宝历年间（1751年~1763年）。此时期的浮世绘以手绘及墨色单色木版画印刷（称为墨折絵）为主。 菱川师宣绘制的代表作《见返り美人図》 17世纪后半，后世尊为“浮世絵の祖”的菱川师宣绘制了许多人气绘本及浮世草子，其中《见返り美人図》为其代表作。 在井原西鹤所撰的《好色一代男》（1682年刊行）中，有一段关于浮世绘绘在有12根扇骨的折扇上的描述，是目前（2005年）已知的资料中最早出现浮世绘一词的文献。 到了鸟居清信时代，使用墨色以外的颜色创作的作品开始出现，主要是以红色为主。使用丹色（红褐色）的称丹絵，使用红色的称红絵，也有在红色以外又增加二、三种颜色的作品，称为红折絵。 值得一提的是，当时鸟居派与歌舞伎业紧密合作，为歌舞伎设计、绘制看板，直至今日，现代歌舞伎的看板仍保有当时流传下来的风格。 中期 明和2年（1765年）至文化3年（1806年）。锦絵在此时期诞生。 因为画历（絵暦）在俳句诗人及爱好者间十分受欢迎，明和2年开始有了画历交换会的社交活动。为因应这种大量需求，铃木春信等人以多色印刷法发明了东锦絵，浮世绘文化正式迈入鼎盛期。 由于多色印刷法需反覆上色，因此开发出印刷时如何标记“见当（记号之意）”的技巧和方法，并且开始采用能够承受多次印刷的高品质纸张，例如以楮为原料的越前奉书纸、伊予柾纸、西野内纸等。另外在产能及成本的考量下，原画师（版下絵师）、雕版师（雕师）、刷版师（刷师，或写做折师）的专业分工体制也在此时期确立。 此时期的人物绘画风格也发生变化，由原本虚幻的人偶风格转趋写实。 安永年间（1772年—1780年），北尾重政写实风格的美人画大受好评。胜川春章则将写实风带入称为“役者絵”的歌舞伎肖像画中。之后著名的喜多川歌麿更以纤细高雅的笔触绘制了许多以头部为主的美人画。 宽政2年（1790年），幕府施行了称为“改印制度”的印刷品审查制度，开始管制印刷品的内容。宽政7年（1795年），因触犯禁令而被没收家产的出版家茑屋重三郎为了东山再起，与画师东洲斎写楽合作，出版了许多风格独特、笔法夸张的役者絵。虽然一时间造成话题，但毕竟风格过于特异，并未得到广泛回响。同时期最受欢迎的风格是歌川豊国所绘的《役者舞台之姿絵》的歌舞伎全身图系列。而歌川的弟子们也一跃形成浮世绘的最大画派—“歌川派”。 后期 文化4年（1807年）至安政5年（1858年）。 蒲原夜之雪《东海道五十三次》之一，歌川广重绘。 喜多川歌麿死后，美人画的主流转变为渓斎英泉的情色风格。而胜川春章的门生葛饰北斋则在旅行话题盛行的带动下，绘制了著名的《冨岳三十六景》。受到葛饰北斋启发，歌川广重也创作了名作《东海道五十三次》、《富士三十六景》。此二人确立了浮世绘中称为“名所絵”的风景画风格。 冨岳三十六景 在役者絵方面，歌川国贞师承歌川豊国，以更具力道的笔法绘制。另外，伴随着草双纸（类似现代的漫画书）所引发的传奇小说热潮，歌川国芳等人开始创作描绘武士姿态的“武者絵”。歌川国芳的水浒传系列非常受欢迎，在当时的日本引爆了水浒传风潮。 在嘉永6年（1853年）所刊行的《江戸寿那古细见记》中有一句“豊国にがほ（似颜絵）、国芳むしや（武者絵）、広重めいしよ（名所絵）”，简单而直接地为此时期的风格做了总结。 末期 安政6年（1859年）至明治45年（1912年）。 此时期因为受到美国东印度舰队司令佩里（或译：培里）率领舰队强行打开锁国政策（此事件日本称为“黒船来航”）的冲击，许多人开始对西洋文化产生兴趣，因此发轫于当时开港通商之一的横滨的“横滨絵”开始流行起来。 另一方面，因为幕末至明治维新初期社会动荡的影响，也出现了称为“无残絵（或写做无惨絵）”的血腥怪诞风格。这种浮世绘中常有腥风血雨的场面，例如歌川国芳的门徒月冈芳年和落合芳几所创作的《英名二十八众句》。 河锅暁斎等正统狩野派画师也开始创作浮世绘。而后师承河锅暁斎的小林清亲更引入西画式的无轮廓线笔法绘制风景画，此画风被称为光线画。 歌川派的歌川芳藤则开始为儿童创作称为玩具絵的浮世绘，颇受好评，因而被称为“おもちゃ芳藤（おもちゃ为玩具之意）”。 但是由于西学东渐，照相技术传入，浮世绘受到严苛的挑战。虽然很多画师以更精细的笔法绘制浮世绘，但大势所趋，终究无法力抗历史的潮流。 其中，月冈芳年以非常细腻的笔法和西洋画风绘制了许多画报（锦絵新闻）、历史画、风俗画，有“最后の浮世絵师”之称。月冈本人也鼓励门徒多多学习各式画风，因而产生了许多像镝木清方等集插画、传统画大成的画师，浮世绘的技法和风格也得以以不同形式在各类艺术中继续传承下去。
你说的话火是什么火呀？是一片作品呢，还是影片呢？
翻译自印度文豪泰戈尔的《飞鸟集》原文：“I love three things in this world. Sun, moon and you. Sun for morning, moon for night , and you forever”直译就是：“我爱这个世界的3件事物，太阳，月亮和你。早上的太阳，晚上的月亮，和永远的你。”，典型的小学生日记。我都佩服翻译居然能搞出个“浮世万千吾爱有三，日月与卿，日为朝，月为暮，卿为朝朝暮暮”？？？你瞧瞧：朝对太阳，暮对月亮，朝朝暮暮又代表永远的你。原本太阳，月亮，永远的你，毫无关联，风马牛不相及，硬生生翻译成朝，暮，朝朝暮暮，套成关联！这文学功底简直可以得诺贝尔文学奖了！泰戈尔都不知道自己能这么牛x！给翻译跪了！！
火花一片短文古言好像叫做富士3000新古诗花
原文：“I love three things in this world,Sun、 Moon and You,Sun for morning,Moon for night,and you forever”。
中文翻译：“浮世三千，吾爱有三，日、月与卿。日为朝，月为暮，卿为朝朝暮暮”。
赏析：
诗很美，但是诗总是反映诗人当时那一刻的情感，并不是一生一世，因此你可以去感受它的意境之美，憧憬自己也可以获得如此美好的感情。但是姑娘请谨记，你我都生活在现实中，都是每天为生活奔波的普通人。且不说是否有这样一个人对你是发自灵魂深处的爱，单说你遇到他的概率有多大？首先必须相识在“他未娶，你未嫁”，其次人品，年龄、物质基础等等，最后你们还得聊的来。如果这些都满足，婚后的锅碗瓢盆、油盐酱醋、生儿育女、三姑六婆等等，岂会没有两看生厌的时候，这时只要有一人退却，感情就像过眼云烟一样烟消云散了。因此，请你任何时候都要不忘初心，不要迷失自己，这样就算你失去了所有，但你还有你自己！
拓展资料
《浮生六记》是清朝乾嘉之际一无名文人沈复的作品。全书六记，分别为:闺房记乐、闲情记趣、坎坷记愁、浪游记快、中山记历、养生记道。后两记早已亡佚，后来有人在苏州冷摊上发现其全本，然而后两记经考证却系后人伪作。虽然如此，其中仍不乏精彩的描画与体悟，具有很强的可读性。 《闺房记乐》描写了作者与爱妻陈芸之间的缠绵缱绻，《闲情记趣》记载了作者生活中的爱好雅趣，《坎坷记愁》则描写了作者与陈芸悲凄曲折的人生经历，《浪游记快》描写了作者游赏名山大川的豪兴与雅意，《中山记历》描画了琉球的风土与人情，《养生记道》记述了作者的养生感悟。 全书语言不加雕饰、质朴清新，颇得自然之趣。白话拓展了文言的意境，却又不失原文的优雅别致。综言之，此书的可读性、文学性都堪称上流，值得读者闲暇之时细细咀嚼，慢慢品味。