感觉是很棒的摄影师研究论文

摄影是人们记录客观世界的一种方式，随着现代摄影技术的发展，摄影已经深刻地影响了人们的日常生活。下面是我为大家整理的摄影相关论文，供大家参考。

上好摄影课不容易，上好大学生的专业摄影课就更不容易。笔者作为一名兼职教师，在艺术 教育 教学第一线，通过听课、走访、问卷、调研，发现目前我们有相当一部分大学专业课老师在教学中，仍然是“老三篇”：黑板粉笔、照本宣科、缺乏激情。这种讲课从表象看很像写 作文 ，大家都在写，但精彩的篇章不多，多系平铺直叙，;有“标签式”硬贴，“商品式”硬配之嫌。这种讲课说老实话老师是花了苦力，也费了心血的，但大学生们不买账，不喜欢，学生掌握不了应该掌握的知识，素质提不高，教学成效甚微。笔者认为，要教好大学的专业摄影课，授课教师必须讲究授课艺术。要解决这个难题，授课教师必须努力做到三个字：新、情、活。

一、精心备课，内容求“新”

内容求新，一是指对内容的开掘要深，要扩充新内容，向大学生提供足够的信息量。摄影课内容变化较快，特别是数码技术、 网络技术 的出现，对传统摄影的冲击较大，要适应这种变化，摄影课教学必须“与时俱进”。因此，我们不能抱住老教材不放，应该坚持“信息新、数量大、实用性、课题化”的原则来组织教学内容。摄影课只有在有限的时间里给学生提供最大量的最新的和有用的信息，他们听起来才会觉得过瘾。二是指对内容的创新和发展，要掌握其本质，占据制高点，讲到最前沿。在调研中发现，大学生对老师不满意的意见中有一条就是“我们知道的老师反复讲，我们不太懂的老师省略讲，我们不明白的老师又不讲，老师讲过后我们还是不会做”，这就是没有处理好这些问题，当然，有时是老师自己也不太清楚，怎么能讲得清楚呢?

二、细心讲解，表达含“情”

这是研究“怎么讲”的问题。

有了好的、最新的摄影知识内容，如何将它们变成可视、可听、可读、可析的对象，并通过老师的语言将各个知识点让大学生记住并掌握呢?这是另一个困惑老师的地方。笔者认为只有发挥情感的功能，细心讲解，方可解之。情感在讲课中的功能主要有如下四个：一是动力功能，即老师积极的情感能引起大学生的兴奋、激动、愉快的情智体验，使学生们充满活力，积极投身于自己感兴趣的各种课堂活动。

因此，老师上课的每一段话，都要有感情色彩，都要努力从心灵深处自然流露，当然，这首先要求老师热爱学生、热爱教育事业，这样的话，大学生们就会在老师情感的动力驱动下，精神愉悦地学习，并转化为利于教学的行动。二是感染功能，即个人的情感对他人的情感具有施加影响的作用，也就是说老师的情感能感应大学生，使大学生们具有类似的情感，这表现在很多方面，如关怀、照顾、信任为主的温情式感染，以激发比、学、赶、超为主的示范式感染等。老师的关爱和信任会给学生以强烈的感染。三是调节功能，即人的情感对人的思想和行为具有调节作用。

这一点反映在师生关系上特别明显。和谐的师生关系以师生的积极情感为基础，能够激发师生的热情和智慧，唤起师生的责任感和积极性。因此，老师要热爱学生并尊重学生，及时与学生沟通，同时要情随境迁，善解人意，努力营造师生交流的和谐氛围。如给学生一种认真倾听的表情、一个信任鼓励的眼神、一种朋友商量的口吻、一封探讨问题的E-Mail等等，都会取得极好的效果。笔者认为在课堂上，师生要零距离接触，要有伙伴式交流，这有利于张扬学生个性，放飞学生思绪，使学生真正成为课堂的主人、问题的主人、学习的主人。四是迁移功能，即个人对他人的情感会迁移到与他人有关的事物。

当代大学生情感丰富，而且好激动、善迁移，他们的认识活动，常常靠情感的体验，经常因喜欢听老师的某门专业课而喜欢上这个专业，进而献身于这个事业。老师一定要以正面形象吸引和感染学生，教师对摄影艺术的执著和热爱，种种无言的、不求功利回报的关爱，对学生无疑具有强烈的亲和力和凝聚力。“其身正，不令而行;其身不正，虽令不从”。我们老师只有做一个有德有识之士，才能使大学生实现积极的情感迁移，“爱屋及乌”，从而“亲其师而信其道”。

三、用心设问， 方法 要“活”

这是研究“谁来讲”的问题。

一是课堂互动、连环问答。“知识是前提，表达是关键”。

摄影课上用音乐做补充，老师有意识地在师生互动讲课，指导学生课上思考、观察、讨论、写感受时，运用精选的与摄影作品相协调的、与课堂氛围相一致的音乐来“讲课”，定会取得非常好的效果。这一方法能充分调动学生动眼、动耳、动手、动脑、动心，从而实现教学目的。大学生喜欢这种氛围，在这种氛围中，他们更容易接受老师提供的知识。

二是让实践成为学生的又一老师。每节课都留下一个实践项目，精心设计一个创作主题，请同学课后做一下，下一次课时，请同学上台讲一讲实践经历。鼓励每一个同学站起来说话，表达自己的看法，从而引发大学生的学习兴趣和保持学习的注意力。有的教师可能会有这样的困惑：引发了学生的主动性，学习没有结果怎么办?其实，激发了同学的学习兴趣和使其掌握了正确的 学习方法 ，这不就是结果吗?这种没结果的结果倒是最重要的。在经历了一个教育过程之后，无论结果是否达到，实际上这个过程本身就是结果，是无形而珍贵的结果。什么是素质?这个结果就叫素质。在很多情况下，教育的结果还没出现，但过程已经存在，在此过程中，大学生的 思维方式 和学习主动性发生了变化，这个变化就是素质的变化，这理应是我们教育追求的目标。同学回答问题的对与错并不重要，重要的是他敢于发表意见。学生做事有没有结果，这也不重要，他做事的过程已经很重要了。因为在这种过程中，实践在给大学生们“上课”。诚如江汉大学人文学院女生汪洋所言：“与其说摄影课是一门课，还不如说它是一面镜子，让我们学会从生活中、从实践中审视自己，审视自己的生活状态，从中得到人生的启迪和哲理。”

综上所述，高校摄影课教师在授课时，认真做到三个字：新、情、活，细心解决好讲什么、怎么讲、谁来讲的问题，一定会受到大学生们的热烈欢迎，同时也会收到良好的教学效果。

摘 要：在摄影艺术中，摄影构图有着自己独特的形式规律。一幅成功的摄影作品，在进行画面布局的时候是十分讲究的，它既符合人们的生活规律，又符合人们的心理和视觉习惯。只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。

关键词：对称与均衡 主次关系 黄金分割 画面空白

一、构图的意义

构图在传统画论中称之为“章法”、“布局”、“经营位置”等。是指根据画面的需要，安排形象，体现作品的整体效果。构图作为摄影的第一步，因其创作手法的特殊性，决定了它的复杂性和丰富性。事实上，任何艺术形式都有其固有的形式规律，只有掌握了这些固有规律之后，在进行艺术实践的过程中，才能将最优美、最感人的艺术形象传达给受众。虽然摄影构图的形式规律不是死的，但了解这些形式规律可以避免一些初级的错误;掌握和运用这些形式规律，对塑造艺术形象、揭示主题思想则是一条捷径。

在设计摄影画面的构图时，最重要的一点就是构图的均衡美。在日常生活中，每个人可能都有过以下的体会：一把椅子倾斜了就会让人产生不稳定的感觉。而大多庄重、尊严的东西又是很对称的，比如古代宫殿门口的石狮子，它是成双存在的，给人以对称的美感。因此，摄影作品的画面均衡，在构图时十分重要。

二、对称和均衡在画面中的运用

对称，象征一种高度整齐的程度。比如蝴蝶，它的形体和翅翼花纹的对称美，一直为人们所欣赏，在摄影作品中对称的画面也时常可见，但大多数摄影作品，在构图中并不追求一半对一半的对称，而是刻意于画面的视觉均衡。

摄影画面布局的均衡，是人们运用视觉和心理上的习惯，对画面内全部可视形象所处的部位，进行稳定与否的一种衡量。在摄影的构图中，绝对的对称会给人一种静止、拘谨、单调的感觉，生活中人们对审美的要求仍然以追求均衡居多。过多的运用对称会使人感到呆板，缺乏活力。而均衡则是为了打破较呆板的局面，它既有“均”的一面，又有灵活的一面。结构的均衡是指画面中各部分的景物要有呼应，有对照，达到平衡和稳定。均衡的范围包括构图中形象的对比：人与人，人与物，大与小，动与静，明与暗，高与低，虚与实等等。

对摄影者来说，布局的均衡是结构理想的结果，因而处理均衡的问题，也就是处理画面结构的问题。作为摄影画面的两大组成部分，主体与陪体是表达思想内容的主要对象和辅助对象。所以在处理画面布局均衡的时候，首先要考虑的就是它们之间的呼应关系，这其中包括两者在情节上、情绪上以及动态、动势方面的呼应关系。

三、构图中的主次关系

根据主题思想要求，选择有价值的景和物，组成摄影画面。在这个画面中最能体现主题的对象，就是主体。而在画面中，那些不是最直接体现主题思想，仅对主体起到一定程度的烘托、陪衬，帮助主体说明主题思想的对象，习惯上称为陪体或周围环境。在摄影画面中要妥当的安排和处理好主次关系，避免出现零乱、主次不分，淹没或失掉主体，而造成没有主题的现象。

在设计画面时要注意主体和陪体的关系，一幅照片如果只有主体而无陪衬，画面就会显得呆板而无变化，但陪体不能喧宾夺主;主体在画面上必须显著突出，要弃繁就简，必要时可改变拍摄位置和角度，或是搬动不必要的东西，以达到画面简洁，突出主体的效果。在照片画面的主次关系上可以掌握以下两点：第一，如果遇到杂乱的背景，可以采取放大光圈的办法，让后面的背景模糊不清，以突出主体。第二，选择适宜的角度进行拍摄，避开杂乱的背景，以使人物的形象突出。

第四、构图中“黄金分割”的运用

初学摄影者最容易犯的错误，就是把最吸引人的景物放在正中间。的确，在正中间的景物是最容易吸引人的注意力的。但是，将吸引人的物体放在正中间，很容易只让人专注在那个物体上，而令画面变得呆板。

既然要避免居中，就要知道所谓的“黄金分割”，也就是“黄金比例”， 将之运用于美术和摄影的构图中往往以5：8的比率来表示。另外，九宫格构图(也称井字构图)，实际上也属于黄金分割的一种形式。就是把画面按水平方向在1/3，2/3位置画两条水平线，按垂直方向在1/3，2/3位置画两条垂直线，然后把主体尽量放在交点的位置上。实际上这几个交点都符合“黄金分割定律”，是最佳的位置，当然还应考虑平衡、对比等因素。这种构图能呈现变化与动感，画面富有活力。这四个点也有不同的视觉感应，上方两点动感就比下方的强，左面又比右面强。在具体的摄影构图中，可将其应用于情节对比、虚实对比、动静对比、大小对比等。

五、处理好画面的空白

摄影构图中的空白，既有因景物本身，如：烟、云、雾、天、水、空隙所制;又有因为光与色的艺术处理所制。实体与空白的相互衬托，形成有规律的起伏节奏，产生一定的的韵律感，是摄影艺术在处理画面构图虚实关系中，广为运用的手段之一。

虚实关系在摄影画面中比较容易看出，也比较容易分辨。但在具体处理的时候，却要注意实体与空白的关系，使画面有变化、不呆板。空白常常可以刻画意境、渲染气氛，在画面中运用得当，会在构图的形式上添加积极的作用。空白还有在视觉上和心理上造成动势的功能，在运动和所注视的方向要留有一定的空白，可以给人们留下伸张的空间，造成一定的方向性，有助于加强运动的空间感。所以才有“大抵实处之妙，皆因虚处而生”之说，足见空白在构图中的重要性。

同绘画一样，摄影也是一种艺术手法，线条的明快以及画面的和谐是关键，好的构图不仅让人感觉主题明确，而且会给人以视觉和心理上的冲击。所以，摄影水平的提高，必须从构图这个环节入手。当然，构图形式也不是绝对的，它只能提供对摄影表现形式的帮助与参考。有句话说得好：规则是用来打破的。所有的规则都不是死的，吸收前人的 经验 对摄影的形式表现将产生积极的作用，会有利于对形式美的理解。

目前的国内各大高校在摄影系、广播电视编导系、广播电视系的本科学习阶段几乎均开设了影视摄影课，将其作为一门专业基础必修课程。笔者所在的摄影系影视摄影方向在一二年级，分别开设了《摄像技术基础》和《影视摄影造型》课。影视摄影这门课程具有很强的理论性和实践性，如何更好的进行实践教学是教师要思考和解决的重要课题。

一、合理实用的实践教学改革理念

摄影系的学生在一二年级要学习好几门以实践为主的专业基础课，在学习《影视摄影造型》课之前，先修完《摄像技术基础》。应该说是《摄像技术基础》侧重基础知识和技术的学习与训练，而《影视摄影造型》更注重培养学生的艺术感觉， 创新思维 和画面造型能力。同时，摄影系的学生还要开设其他相关课程，作为有益补充。笔者在讲授影视摄影课程的过程中，根据学科特点和性质，秉承“理论和实践并举，更重实践”的理念。这样做是为了改进以往影视摄影课过多的依赖课堂理论讲授，教师大多是采用上单一的填鸭式理论灌输，而疏于实践技能培养的弊端。通常根据教学大纲的制定，将理论课和实践课的课时数量设置在1：2的比例左右，教学环节按照“理论―实践―理论―实践”的节奏推进。即每次课堂理论教学的落脚点最终是指导学生实践练习和操作，将上一阶段所学到的理论知识充分转化为实践能力，提升学生的实践技能和水平。然后再进行下一阶段的“理论课―实践课”学习。如在《摄像技术基础》课上，教师讲授完数字高清摄像机的基本基本原理和曝光控制白平衡调节等理论知识后，便在下一阶段课时中安排进行实践课部分，教师将学生分小组，讲解并示范摄像机的曝光与白平衡控制的操作步骤，然后指导学生分组逐个练习。在课堂上对学生出现的操作环节错误，教师及时指出并予以纠正。待此部分实践内容学生基本掌握后，再进行下一环节的“理论――实践”教学。

二、改善实践 教学方法

影视摄影作为一门学科，具有很强的理论性和实践性，同时又是融技术性和艺术性于一体的学科。在实践创作中，一名影视摄影师艺术创意的体现有赖于扎实的技术素养和水平。而检验一个学生理论知识扎实与否的落脚点，就是看他的实践能力如何。因此，如何上好实践课以提升学生的专业实践能力，是影视摄影专业任课教师面临的重要问题。笔者根据数年的教学经历和改革尝试，通常在理论教学时采用全班集体授课方式。而在实践课环节，采用分小组示范讲解，学生分小组练习实践的小班化学习方式。考虑到现在的每个自然班学生人数较多，而实验器材相对有限的现实状况，教师每次指导学生分小组时将组员人数控制在6人左右。每个小组成员人数不宜过多的目的，就在于确保每个学生在实践课上都有足够的时间量来练习操作。无论是课堂实践练习，还是课下的实践作业以及期末结课作业，学生都以这个相对固定的小组完成实践拍摄。

1、利用多媒体技术，提升教学效果

在实践课上，教师利用多媒体影像技术手段，结合优秀的影视作品案例，对学生在实践过程中出现的普遍性和个别性错误进行对比和指导。教师可以选取摄影画面优秀的影视作品片段，对比学生实践作业中出现的问题进行分析、讲解和指导。例如学生在练习使用摄像机拍摄固定机位不同景别画面的实践内容时，初学者普遍存在的问题就是景别取景不规范，镜头与镜头之间景别运用不合理或景别过于单一等问题。这时任课教师利用多媒体为学生播放一些优秀影视作品中景别运用规范的镜头片段，然后来对比学生学生实践作业中普遍出现的错误案例，帮助学生分析问题所在并寻找解决办法。

在这个环节，教师避免局限于单方面的讲授知识和技法，而是采用引导学生对比自己的练习作业进行思考，检查，分组讨论，分析问题，积极调动学生的积极性，营造活跃互动的课堂氛围。这样，学生会在积极思考热情参与的状态下，更好的将专业理论和实践相结合，从而提高自身的实践水平。此外在课堂练习中，现使用的数字高清摄像机普遍具有USB串行接口，学生可以直接将拍摄练习的作业素材拷贝至教室内的多媒体电脑中。教师现场对学生拍完的练习素材进行回放，讲解。这样可以确保在实践课堂第一时间内就发现学生存在的问题。教师及时给学生指出问题症状，并和学生一起讨论解决办法。

2、根据学生特点，帮助学生制定拍摄主题和计划

影视摄影的实践需要学生调动自己多方面的能力，是一个“脑眼手”综合运用的过程。它需要摄影师用眼睛细致观察，大脑积极思考，最后由手(和身体)来掌控摄像机来完成操作和拍摄。因此影视摄影的实践创作考验的是一个人的综合协调能力。在分组拍摄中，它还考验着学生团队协作和沟通的能力。教师会根据自然班的学生数量、结构和特点，指导他们合理分组搭配，制定合理的拍摄进度安排，时间周期控制。有拍摄采访对象的，教师会指导学生如何与拍摄对象沟通(尽管如何采访不是影视摄影课的重点)。甚至在拍摄时长较长的期末结课作业时，教师要讲授一些制片管理方面的知识，对于拍摄过程中有可能出现的一些制片方面的困难，提醒学生提前做好备选方案和计划。对于大幅度更改实践作业拍摄计划和方案的，指导学生调动现有资源和条件，尽可能拍摄出更好的影像效果。

3、扩展实践教学空间，紧跟行业发展趋势

影视摄影这门学科有一个显著特点，就是随着科学技术的发展，新的创作设备和拍摄理念层出不穷，更新换代的速度极快。例如笔者刚从事教学工作时，当时行业内领先的是数字全高清技术。几年的时间，现今行业内的发展趋势是4K技术，数字电影摄影创作，log模式拍摄甚至是未来VR技术的使用。这一切都意味着无论是专业教师、学生还是从业者，要想从事影视摄影这项职业，就必须要保持对新鲜事物的好奇心，保持一个不断学习新知识的状态。也只有这样，我们培养的学生才会在未来的专业发展道路中越走越宽，不被行业淘汰。基于此，教师积极利用互联网上的相关专业知识和信息资源，结合课堂实践内容。为学生拓宽知识面。例如在介绍行业领先的RED和ARRI数字电影摄影机的知识，市面上常见的纸质教材和资料鲜有这方面内容。

教师搜索专业的技术网站，寻找适当的资料截取成视频影像，做成图片PPT和文字介绍，选取业内专家对此摄影机性能指标的介绍和使用注意事项，所有这些都可以作为实践教学的补充。不但激发了学生的学习兴趣和热情，更是将影视摄影行业内先进的知识和理念带给学生，让他们及时掌握专业发展趋势和动态。此外，专业的影视摄影交流网站和信息公众号也是教师指导学生拓宽知识面的好 渠道 。专业性比较强的影视工业网、拍电影网、V电影网，微信电影摄影师公众号，摄像人公众号等等，经常会有业内人士发表的技术 文章 和创作心得，教师会经常选取有用信息介绍给学生。这些网站一般还设有作品交流专区，学生可以将自己拍摄的作品放到这个板块内进行交流，听取更多业内人士的意见。这样，学生获取专业知识和实践经验的领域不仅仅局限在课堂和校园，他们有更多的可能接受更前沿的专业讯息，提升自己的实践水平。 三、实践作业点评

1、学生实践作品课堂展示

每次的实践作业后和期末结课作业之后，教师会安排每个小组将自己的作品用多媒体在课堂上公开展示，教师现场进行点评。这也是影视摄影课实践教学中不可或缺的重要组成部分。在课堂展示的过程中，小组成员会阐释自己的创作思路及理念，讲述拍摄过程中遇到的难题和解决办法，以及尚未解决的技术和艺术问题等等。教师如此安排是为了深入了解学生的实践创作过程。学生实践创作的过程，是检验他们对理论知识掌握程度的具体和真实体现。反映在学生作品中的一些问题，有些是大家普遍存在的，有些则是每个小组甚至每个学生的个别存在的。每个小组的学生在展示并介绍自己实践作业拍摄经历时，其他同学也会反观自身作品中存在的问题。好的实践经验可以得到印证并分享，存在的问题就需要由教师引导学生思考。必要时候教师可以明确指出，以帮助学生提高专业水平，在下一次的拍摄中取得进步。

2、保护并激发学生的创作热情

关于人像摄影的几点看法

——作者：卡西莫多

现在的人像摄影好像越来越误入歧途，其现象大致为以下几个方面：

一，

选模特如同选美，漂亮的才能做模特;

二，

选模特如同大胸比赛，胸小的都没有了做模特资格了;

三，

拍摄时皮肤越来越白了，白到比一张白纸还白，全没有了光影层次感。把摄影最基本的，最该表现的光影层次丢到九霄云外;

四，

后期制作越做越蒙，蒙到皮肤质感丧失殆尽!我这里还不是指那些不会后期和不懂后期，只能用一键美化程序或用磨皮的简单方法处理图片来糊弄不懂得欣赏者的摄友，我是专指那些手持几万到几十万摄影器材的朋友，花那么高的价格买来对细节和质感有超长表现的设备及镜头，拍出来的是好片子，可是后期处理得却等同于一个千把元的傻瓜机效果!真不知这样的朋友是怎么想的!

五，

人像摄影不讲究用光技巧，甚至于不敢用逆光拍摄，专挑顺光的方位拍摄，殊不知这样的片子拍出来先不说后期处理增加了点儿难度，就是稍有摄影常识的人能够欣赏都难，不要说真正懂得摄影艺术的人了，看到你拍出这样的片子只会呲之以鼻(暗中的，表面上可能会给你留点面子)!

我对人像摄影的几点看法和建议：

一，

人像摄影不是选美。作为摄影师，你要做的是怎么把被摄者美的瞬间给拍下来，让被摄者显得更美。在拍摄时，多注重人物的神态和表情，最大限度的调动被摄者的情绪乃当务之重。不要像弱智的摄影师一样要求被摄者笑一笑，那样笑出来的不傻才怪!要善于与模特沟通和交流，尽量使被摄者在情绪放松时去尽情地发挥，这时拍出来的人像才会表情更加自然，更加传神，不精彩才怪!

二，

女人的美也是体现在多方面的，不要仅仅盯着大胸的女性。胸大并不是美的唯一。摄影师更该多加关注人物的神态、表情、眼神儿和优美的肢体语言，对于各种光线的巧妙运用来展现被摄者这些美的瞬间;

三，

拍摄方位切忌平光，也就是顺光。要多利用侧光、侧逆光或逆光来拍摄，这样拍出来的片子才会有很强的光影层次感和立体感，才会更加生动和感人;

四，

人像摄影的构图涉及到很深的学问和很高的技巧，我就不在这里深谈了。但能够增加美感和提高动感效果，你只要做到以下两点就可以了：其一是尽量避免主体居中。人物的前方空间多一些，后面空间少一些;脚下的空间少一些，头上的空间多一些(特殊表现手法另论)这样的画面看着才舒适;其二是巧妙利用相机的倾斜达到对角线式的构图或利用前后景物的参照物来体现画面的纵深感，这样会增加画面的动感效果;

五，

数码相机发展到目前其对焦方式已经很方便和精准了，在人像拍摄时，对焦点一定要对在离相机最近的那只眼睛部位，最传神的眼睛清晰了，整个画面才好看。

六，

尝试多角度，多方位的拍摄方式，尤其是在大型摄影活动群拍时更是如此，尽量减少雷同，多拍出几张与众不同的片子来，这样才会显得你的拍摄手法有独到之处呢!

七，

现在是数码**，多数摄友使用的都是数码相机。可是再好的相机拍出来的片子总会有很多不尽人意之处，都需要进行后期处理的，尤其是人物的皮肤，不做后期处理总感觉有不尽完美之处。可以这么说，拍摄完成仅仅是整个人像摄影过程的一半或一少半的工作量，大量的工作还需在后期进行调整、修理等，不做后期工作的图片只能算是半成品了。

PS固然是最好的图片软件，根据摄影者的创作意图几乎是无所不能，但它也不是所有的工具操作起来都便捷、都易于掌握。有很多工具的繁复操作还是很令人头痛的，好在现在网上有很多其他很好的易于掌握和容易操作的图片软件。这些图片软件都有各自的长处和优缺点，摄友们只要多尝试几种图片软件，会发现其中的许多便捷之处。我在这里给摄友们一个最忠恳的建议，后期的处理不是越白越好，而是一定要留有尽可能多的光影层次来丰富画面;皮肤的处理更不能使用简单的磨皮方式，变成了橡皮人儿，而一定要保留皮肤的质感，这才是人像摄影真实美的体现。(就图片的后期处理愿与摄友们进行深入的探讨)

最后提到最重要的一点，就是：要引导欣赏者到正确方向上来也是摄影者义不容辞的责任。观众群中不懂摄影艺术的还是大多数，这就要求我们有必要适时地做些摄影艺术知识的普及工作，多向大众交代摄影艺术的基本规律和常识，告诉大众什么才是真正的好作品，引导大众懂得欣赏和会欣赏摄影作品。“俗”是我们生活中处处存在的东西，同时也是艺术表现一种不可或缺的形式，但却不是摄影艺术追求的目标。而“俗气”则是我们摄影人要摒弃的不良形式，更不该随波逐流的专搞一些俗气的作品出来以误导大众!

人像摄影的技巧与后期处理

人像可谓日常生活中接触最多的拍摄对象，现在人像摄影已不再是单纯记录人的面貌，为了更好的拍摄人物，我们应该掌握一些常用的摄影技巧，并通过后期处理使摄影效果锦上添花，使人像摄影真实的内容和完美的形式达到和谐统一，使画面中的人物上更为栩栩如生。

论文关键词：人像摄影，技巧，后期处理

人像摄影是所有摄影类型中最难掌握的一种。摄影家们凭借着敏锐的艺术触觉，通过对人物姿态的安排、表情的选择，对光线、影调的处理来让人物的性格说话，让摄者坦露内心世界。被拍摄者的姿态、情绪、状态、与摄影师的互动状况、外部光线等等都会影响到最终的拍摄结果。拍摄人像可以移动位置、使用外闪，并且可以更换衣服或者做些姿势，这里唯一能限制你的就是你的想像力，想像力就是拍出人像大片的关键所在了。学习拍摄人像最佳的办法之一就是向专业人士们学习，这里有一些像专业人士一样思考的技巧能帮助你拍出令人惊艳的人像照片，可以使观众从画面中的人物身上看到了更为生动有力、栩栩如生的形象论文发表，更能体验到时代的氛围，感受到丰富多彩的人生。

人像摄影的技巧

1. 与你的模特建立和谐的沟通

这是所有技巧里最重要的一条，掌握这一条，你就在人像摄影专家路上了。尽量让她们放松点，开心点，如果你做到这一条，好照片将会随之而来。如果你还在寻找模特，你的女朋友或男朋友将是你拍摄人像照片的最佳起点。

2.人摄像影的构图

拍人像，无论特写、近景、半身全身，除了模特姿态与神态外，最重要的就是要求摄影对构图的判断，人像的特写最好是用中长焦距的镜头拍摄。那样，照相机到被摄者的距离就可以稍远一些，避免透视变形。拍摄近景人像，要仔细选择拍摄角度、“光线的投射方向、光线性质的软硬，并注意观察被摄者的神态，掌握适当的拍摄瞬间。半身人像因为能够拍摄到人物的腰部或腰部以下，被摄者姿态的变化就丰富多了，给画面的构图带来很大的方便论文发表，使我们有可能把被摄者拍得更生动一些。拍摄全身人像，在构图上要特别注意人物和背景的结合，以及被摄者姿态的处理。

3.选择最佳拍摄方向：

大家都有这样的生活经验：同是一个人，从不同的角度去观察，得到的视觉印象并不完全一样，有的角度显得更美，更有神韵。在拍摄人像的时候也是这样，我们要力求找准被摄者最美、最动人的角度。拍摄角度的少量变化，都能对被援者形象的表现产生明显的影响。拍摄方向的选择，是以被摄者为中心照相机左右位置的变化。拍摄方向大体上分作正面人像、七分面人像、三分面人像、侧面人像这几种拍摄。正面人像，适合于那些五官端正、脸型匀称而漂亮的人。如果脸围太胖、太宽、太瘦。两侧不均，或者两眼大小不一，鼻子、嘴形不正的人，一般说来不宜从正面拍摄。

4. 使用长焦端

你镜头的焦距也是相当重要的因素之一。你需要充分了解镜头的特性及如何发挥它的优势。如果你拥有一台数码相机和一支标准变焦(典型的就是在18-55左右的焦距)的装备的话，那么你已经拥有拍摄人像的不错的器材。如果焦距超过100mm或更多，那当然更好。使用变焦的镜头的长焦端来拍人像是比较理想的。长焦镜头能产生压缩感，使脸部更平并变得讨人喜欢。

5. 拍低饱和度照片

低饱和度照片通常是艺术化的，充满创意。一些当今最好的时尚与人像摄影师喜欢拍摄低饱和度照片。所以你不应忽略这种技巧。此类照片主要是关于锐度、质地、光线和构图方面的事情。此外，低饱和度照片通过后期处理也能给观者不同的、特殊的心情。

6. 学习有关光线的一切知识

就拍摄人像而言论文发表，多云的天空和下午下半段的太阳光是不错的光线。直射的阳光会使人像非常糟糕，它将在人像上投射刺眼的阴影并使模特斜视或眯着眼;逆光则是令人兴奋的，虽然你可能看刺眼的阳光，并且可能需要反光板或外闪将光线打到模特的脸上。

什么是反光板?就是任何能将光反射到你拍摄对象上的物体，能削弱光线投射的阴影不是那么强烈。你可以买反光板或者用一块白板、白床单什么的代替。反光板的作用就是让你控制好光线。

7. 了解相机的设置

相机设置能帮助你拍摄好人像照片。其中有些设置在你用人像模式拍摄时需要启动。其中最有用的一些设置是：

图像模式：如果你用的是佳能EOS系列相机，可以设置到肖像模式，它可以优化对比度和饱和度;尼康的叫法则不一样，叫图片控制设置，所以需要看下说明书。

白平衡：将你相机的白平衡设置为阴天模式，这将让你的模特皮肤显得比较暖。

ISO：如果你在晴朗天气拍摄，可以设为ISO100;如果是在多云天气的话，设为ISO400，这样的话，不会因为快门太慢而抖动相机。

画面质量：如果你喜欢JPG格式，确保用的是最高画质的JPG。但是图片格式越大，你后期能处理的空间就越大。

8. 把握好人物的神情姿态

人像摄影讲的就是神形兼备，如何在瞬间捕捉到人物最佳亮点，是人像作品成败的关键。在拍摄前应该将构思告诉模特，引导模特进入你预先设计好的拍摄情节里论文发表，让模特在这个范围里展示她对拍摄内涵的理解。在此抓取顺间，拍摄的成功率就会大大提高。你也可以鼓励模特转着你的相机转而获得更好的结果，让她们开心点，自然点，自发地摆出一些姿势，这些拍出来的人像会更充满生活的气息。尝试一些创意。让你的模特在周围人群在走动时保持静默;将你的相机在三角架上进行拍摄最好的时光。

9. 人像摄影的糖水片

“糖水片”是“新新人类”喜爱的一种摄影风格。比较典型的说法是：“视觉感受良好，心理感受平淡”。人像摄影的糖水风格主体突出，能使人留下很深的印象，比如模特的造型，神态，气质等等。糖水风格通常背景为风光名胜，山水草木，亭台楼阁等。光线多是明媚亮丽，或者阴柔妩媚，细腻温和。摄影技法上多是以大景深，小光比，视觉传统，构图规整，色彩过渡自然。

10.研究大师的作品

需要研究一些人像大师的作品。观察他们是如何拍摄的?姿势、光线、服饰、背景、质地、形状和色彩等等.人像摄影按环境可分为户外与室内影棚。

对于户外摄影爱好者来说论文发表，无疑是一种莫大的享受，也是一个广阔的摄影创作空间，值得大家去了解和掌握一些相关的拍摄技法。

外景地的选择，有两种方式可以借鉴，一是先将外景地确定下来，最好是有过亲临实地的经历。如果没有去过，事先一定要查找相关的资料，做到心中有数。确定外景地后，可根据外景地的特点构思设计一套拍摄方案。另外一种方式可先决定户外人像拍摄主题，再根据拍摄的需要去寻找服务于主题的外景地。

合理运用好户外光线，户外光线在任何情形下都可以拍摄出好照片，问题只是采用光线的手法是不是得当。所谓光角度，包括太阳位置，被摄者位置及相机位置。阳光是户外摄影的惟一光源，在户外人像摄影中所起的作用是至关重要的。阳光，不仅起到照明物体塑造形象的作用还可以渲染气氛，表达人物情感。只有了解阳光在十二小时不同时期的光照,色温变化，才能准确合理地运用于人像摄影之中。除此之外，还要掌握运用好顺光的整体性论文发表，侧光的立体感，逆光的生动及散射光的柔和等不同特点。当然这一切都应该服从于主题创作的需要。

摄影棚是一般人像摄影时最为快速与便捷的场所，既不用浪费时间东奔西跑，也因为摄影棚内的灯光、背景、道具等拍照器材一应俱全，所以可以在不受任何限制与干扰的情形下，既快速又便捷地拍好照片。

室内摄影棚的拍摄类型，以公式构图类的七分身以内特写照片为最多，风格变化上，则需依靠人像造型多变化或是背景素雅或花俏的改变，来使作品呈现较有变化性的高阶色调或低阶色调照片，或者是重复曝光等照片。

在摄影棚的拍摄技法中，最重要的是打光技法。只要掌握好基本的打光技术，就可以利用其简易又快速的工作环境拍出美丽的婚纱摄影与艺术照。室内摄影棚最大的优点之一是光源充足，具有复灯打光法的简便性与完美性，利用复灯式的打光组合，可以拍出比外景摄影更完美的特写照片。

所以说，室内摄影棚最适合拍摄完美的特写照片，也是每一位专业摄影师最能快速发挥的拍照环境

人像摄影后期处理

现在用数码相机的朋友越来越多，除了立拍立显、不用胶卷等优点以外论文发表，数码摄影还给了大家很大的自由处理空间。没有暗室有什么关系?只要有电脑和合适的软件，每个人都能对照片进行进一步的处理甚至艺术加工。

拥有好的摄影技术，同时兼备一款好相机，可对照片的后期处理操作环节提高很高的效率，并且能更充分的发挥你的想象力与创造力。那么你若只有一款很廉价的卡片数码相机怎么办?完全没有关系，通过后期处理，你依然能在有限的空间里发挥最大的优势。

在人像摄影中，我们会遇到各种各样不完美的情况。比如拍摄的模特左右眼大小不一，嘴巴不正，皮肤粗糙，身材过胖或过瘦;构图主题不突出，不美观;人物与背景色调不搭配等等现象，我们都可以通过后期处理来解决这样的缺陷。若是一张前期比较优秀的作品，我们也可以通过后期进行修饰，创作，以达到更高的艺术境界。总之人像摄影后期处理流程与技巧和归纳三点：

1.照片的基本润饰技巧。包括裁切、换背景、细节修正、合成等。

2.调整片子的影调和色调。包括各种命令(如色阶、曲线)的运用。3.照片的艺术化处理。包括制作绘画效果、糖水片、lome风格、海报等。

摄影技术论文2000字篇二 摄影中的创新技术问题 英文摄影Photography一词是源于希腊语Φωphos(光线)和γραΦιgraphis(绘画、绘图)或γραΦη graphê，两字一起的意思是“以光线绘图”，是指使用某种专门设备进行摄像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。有人说过一句精辟的话：摄影家的能力就是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。 1.摄影的类型 记录摄影。 摄影诞生，是为了记录。它诞生以后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。因此，从广义上说，摄影就是记录。 艺术摄影。 随着摄影的发展，人们在摄影中不断地增加艺术元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。例如：我们去照张相做身份证或留个影，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，齐白石先生的人像，多年过去了，至今仍是世界20幅最优秀的人像作品之一。其中的差别就在于艺术性的高低。 画意摄影。 画意摄影的唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。19世纪后半叶，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品——《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品就以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影被承认为一门艺术功不可没。从此，画意摄影逐渐成为摄影艺术的一个重要流派。 水墨风格摄影。 和传统的水墨画一样，目前出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景和花鸟，对应国画中的山水画和花鸟画;按手法和意境，可以分为抽象和具体，对应国画中的写意和工笔。水墨风格的摄影照片虽然少不了Photoshop等软件的后期加工，但是这并不意味着可以任意扭曲原照片。好的水墨摄影作品要尽量少地修改原照片，它考验更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力。 全息摄影。 全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。普通设摄影记录物体面上的光强分布，不能记录物体发射光的位相信息，因而失去立体感。全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。一张全息摄影图片即使只剩下一小部分，也可以重现全部景物。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤、超声全息、全息显微镜、全息摄影存储器、全息电影和电视等许多方面。 2.摄影技术的创新 摄影艺术的追求与科学技术的追求不同，科学技术的追求总有新的领域去探讨和追寻。摄影艺术的目的即在于激发观众的智慧和感情。它的新领驭就在于摄影艺术家内在的探讨。正如世界上没有两片相同的叶子般，世界上的每一个人都是不同的个体，摄影艺术家独有的个性和表现就是他能追求而带来的新领域。 摄影常常被人称为“视觉的语言”，相机则被形容为“第三只眼睛”。如果我们认真地看待它，“第三只眼睛”所看到的将是独具慧眼的观察，而“视觉的语言”所表达的将是独特的个人情感和思维，那么摄影作品的价值就不再是任何先进的科技所能够取代或者复制的了。 作者本身的气质素养决定了作品创新的个性。 文化孕育了个人艺术的气质和修养，作者本身的文化气质和素养就是作品创新的度量衡。随着世界文化的进一步交融，摄影的创新需要对世界趋势的高瞻远瞩，需要对优秀作品的借鉴学习，需要对大胆另类作品的批判容纳。摄影作品的生命力，反映了摄影者的创新思维和学习激情。摄影者必须不断拓宽视野，并将新知识新理念运用在自己的创作中，创新才会在作品中有更深刻的体现。可以这样说，创新既是衡量摄影者对世界认知和包容的尺度，又是摄影作品容纳百家所长获得的认同。 注重细节表达是摄影创新的基本手段。 我们在进行摄影创作时，要对作品有清晰的概念和准确的定位，除了熟练地运用摄影技术技巧和造型语言之外，还要善于倾注情感，渗透更强的情绪，创作中更要注重细节的表达和细节的处理，以展现生活中最具代表意义和最美的一面，从而带给人们赏心悦目的艺术享受。人们都说梵·高的画是世界绘画史上的一次创新外，除了画风创新，人们还注意到一个细节，就是梵·高在画里画出了无形的风。摄影也一样，需要用细节传递摄影者本身的情感，需要通过细节来探索和发现。 突破个人思维局限，对题材进行深层挖掘是作品创新的重要环节。 摄影作为个体的视觉造型艺术，首先注重的是个性化的张扬，而创新则从作者个性的逆反思维开始。逆反的思维方式，应该是在继承和借鉴传统的基础上进行的一种反传统思维。这种思维锐意求新，完全不羁于传统的摄影理论和法则。 由于作品代表的是摄影者的个性，而个性的表现则是作者进行思考和接搜新思路的体现。个性的创新包括作品在内容上的丰富和在形式上的新颖。标新立异的创作思维往往有先入为主的优势，尽管后来可能会引起竞相模仿，但是人总是认同第一次出现的事物。有时候拍摄同样的内容，作者别出心裁同样会使作品有别于其他的特质，这就是一种创新。 关于这一点，我在风光摄影的时间上有很深的体会。摄影考验的是摄影者对题材观察的细心、等待的耐心和不厌其烦踩点的决心。有了这“三心”，才能发现在不同时间空间之下同一景物呈现的不同状态，并在瞬间的快门中捕获鲜为人知甚至不为人知的细节。这样做的收获是：作品最终能够以新的形式表达自然景物最富表现力的一面。 3.结语 总之，摄影的创新不但需要对题材进行细节的“微距”观察，而且需要对世界艺术氛围的“广角”观测，更需要作者突破个人思维的局限，它是摄影者对摄影艺术的义务和对艺术的更好的诠释。作为新一代的摄影工作者，我们不仅要在艺术形式与艺术技巧上创新，而且要在作品四项内容上大胆创新，创作出内容丰富、思想性强、富于时代精神、具有较强艺术感染力的摄影作品。 参考文献： [1]夏洪波.浅析创新思维对摄影作品的影响.文学与艺术，2011，(5). [2]尹秋颖.浅析摄影教学中创新能力的培养.中国科教创新导刊，2009，(8). [3]刘军杰.探究摄影创新能力的培养.科教导刊，2010，(36). 看了“摄影技术论文2000字”的人还看： 1. 浅谈摄影研究毕业论文范文 2. 大学生摄影技术论文 3. 浅谈摄影相关论文范文 4. 浅谈摄影的艺术论文 5. 浅谈摄影技术艺术研究论文