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从审美风格看古筝音乐鉴赏艺术作品（审美对象）在其体貌、风采上都有属于自己的独特类型，我们将这种体貌、风采类型视为“审美风格”。鉴赏者可以从这种风格中可以看出其创作主体的品格和气质。本文通过对典雅、悲情、壮美等不同风格的梳理，反观和阐述了不同风格的古筝音乐作品在艺术形式、结构铺排、内容题材、意蕴内涵以及效果等方面的特点。一、古筝音乐中的典雅美典雅是优美这一美学风格的重要形态之一，以独具一格的情调赢得人们的青睐。典雅与粗俗相对，指的是斯文优雅。杨廷芝在《诗品浅解》中讲道：“典则不枯，雅则不俗。”典雅的音乐作品一般“端庄中杂流丽”，文词雅致，犹如新出芙蓉，格调清新而脱俗；节奏柔和缓慢，不以刚劲、粗重取胜，而是娓娓道来，犹如春风化雨，细水淙淙，平静而缓缓地感染人。在音乐语言运用或乐句“行文”方面，典雅之作多平实典重，旋律一般体现出舒缓、闲适的特点。这决定了在乐风上，作品多具有轻盈、秀雅、舒展、自由、匀缓等品格，有些则格调高古，雄深雅健，意境浓厚。乐曲“动中有静”的柔和的安排和表达方式带给人们以和谐、静谧的审美感受。在题材方面则多摹写山水，吟咏花鸟自然之趣，从中寄托人们钟情于自然的情感。一般的描绘山水的作品在风格上都较为典雅，无论作品中所寄寓的情感如何，都讲究适中，娓娓道来。这些作品展现的是大自然无限的生机和生趣，带给人们的是一种安详、闲适与平和的审美感受。在这里，人们可以在旋律中涤荡心胸，闻声而近自然。在意蕴上，可谓“闳约深美”，多追求以“和”为美，在意旨的表露和情感的表达中追求适中、平正和匀称，由此也多蕴藉绵密，余韵悠长，意境多宏大乃至超然，为人们呈现出的是一种超然世外的境界，其中融入着人们追求悠闲适意的人生观和审美观。典雅包括如和雅、古雅、清雅、儒雅等多个子范畴，具有不同的美学意境：和雅即和平雅淡。作品一般体现出平和闲适、温润和雅的境况；古雅则意趣贵高，追求一种高远的意境；清雅则是一种最高“雅”静的体现，它是对浊的升华，对俗的超越，作品里浸着一股股不染尘俗的清气，给人以超尘弃俗、冲淡质朴的审美感受。山东筝曲《琴韵》是一首温润和雅的小曲。虽是北派筝曲，但乐曲整体旋律走向平稳，起伏不大，乐风中正而平和。潮州筝曲《平沙落雁》则更多体现出古雅的格调。乐曲营造出“秋水共长天一色，孤鹜与落霞齐飞”的美妙意境。又如《铁马吟》，乐曲中独特的演奏技法、泛音的效果以及对古琴音色的模拟，营造出一种古朴、优雅的氛围，让人忘记尘世，身临肃穆的禅院。客家筝曲《出水莲》则是清雅的典型之作。筝曲由著名客家筝大师罗九香先生从民间乐曲《出水莲》发展变化而来，经过削删、加花润色的加工而成为目前广为传奏的曲目。乐调因与中原古调的历史渊源而具有古朴之风，更因为民间的加工而呈现出清雅之貌。《梅花三弄》也是清雅的一首乐曲。格调清新雅致，尤其是其中的泛音，将梅花舞羽翻银、亭亭玉立于风雪中的形象和高洁的品格巧妙泻于指下。此曲可谓“以最清之音写最清之物”的写照。潮州筝曲《寒鸦戏水》是潮州弦诗乐十大套中最富诗意的一首。整体上，乐曲格调娴雅清新，又不失谐谑。乐曲从慢板到拷拍再到三板的铺排结构，以及在节奏上的跌宕变化，巧妙地刻画出寒鸦（即鱼鹰）悠闲自得的步态以及追逐嬉戏于江湖中的情景。“湖光秋色两相和，潭面无风镜未磨”，粤乐筝曲《平湖秋月》一曲犹如清风从人面拂过，清新的旋律令人联想到美不胜收的深秋月夜。典雅的古筝音乐作品注重声韵互补，重视意境的拿捏和营造，通过颗粒性的弹拨乐声织就的音串、形象的音响模拟效果和起伏错落有致的旋律让听众展开联想和想象，每位听众都可以根据自己的阅历和修养来描绘自己心里的诗情画卷。《渔舟唱晚》、《高山流水》、《月儿高》等古筝乐曲无不如此。二、古筝音乐中的悲情美悲剧性是审美风格中的又一重要类型或形态，在中外很多艺术作品中都有所体现，占有一定的比重。就审美意义上的悲剧性而言，它讲究对主体深刻的情感体验，与现实生活中所常见到的悲剧具有不同的性质和意义。进入审美领域的悲剧一般都通过主体个人生命的摧残、毁灭乃至不幸遭遇，彰显出主体在精神上的不屈不挠和坚强。中国与西方在悲剧精神方面具有不同的传统。同是悲剧性，中西方对它的性质界定、对它的主观感受和认识是个不相同的。这源于双方不同的文化根源。抛开导致这种不同属性和不同感受认识的缘由，但就美感表现、美的性质而言，西方作品多“悲怆”，中国作品则多“悲伤”或者“伤感”。西方的悲剧美是要给人当头一棒，悲的尤其彻底和淋漓。而中国音乐作品在悲剧的感受方面是以一种“哀怨”、“哀惋”方式体现出来，也恰如此，“哀怨”成为中国悲剧性音乐作品中最普遍的情感基调和陈述方式。藉此，笔者将这种在音乐作品里所寄寓和渲染的“感伤”、“哀怨”等情感基调称为悲情。之所以这种作品能打动人，抛开形式，单看内涵或内容，完全是因为它的悲情美。与典雅的作品娓娓道来的形式相比，悲情的音乐作品则要大起大落，极具情感冲击力和爆发力。音乐作品在结构上多宏大，形式铺排巧妙复杂，节奏快慢起伏搭配，时而似佳人悲泣，凄楚悱恻；时而象暴雨将临，情感挥洒淋漓尽致。尤其是刻画古代女子心境与情绪的作品，充分把古筝在表现腔韵方面的优势给发挥了出来。《和番》、《落院》中陈杏元的愤懑独白、《汉宫秋月》中宫女的凄凉心境俨然是古筝左手技法的诉说和吟唱功能的范例。从乐曲的旋律走向来看，悲情的作品多曲折。在调式运用方面，多采用苦音调式，对于“4”、“7”两个音尤其讲究。在技法的运用和音效的追求方面，尤其重视左手的技法和由此产生出的多种腔化音。陕西筝派中的一些作品在悲情的展现方面独具一格。陕西筝曲《姜女泪》、《秦桑曲》都是悲情作品的典型，乐曲中左手游移的变化产生出一种仿佛人的哭诉、哀叹的腔调。筝曲《长相思》就运用了古代歌曲以及陕北信天游风格的音乐为素材，调式的独特将一位怀才不遇的相思人刻画地惟妙惟肖。在意蕴方面，丰富而深刻。乐曲多借文学故事、诗词作品等为情境进行创作，或“楚臣去境，汉妾辞宫”，或“负戈外戍，杀气雄边”，抑或“塞客衣单，霜闺泪尽”。欣赏者在接连不断、张弛有度的乐音串中与艺术主题共命运，同命运。乐曲作品在“声文”方面重视主体的情感体验，那么相应地在题材方面，自然多以反映艺术主题或对象的情感为主。一些表达情感母题的乐曲也很容易将人们打动，如《陈杏元和番》、《昭君怨》、《汉宫秋月》、《文姬思汉》等。如《陈杏元和番》，乐曲通过大指掌关节发力而来的托劈结实清脆，左手的迅疾按滑以及边游摇边按颤的音响将主人公悲愤、抑郁的情绪表达出来。自古以来，“叹悲苦，悲离别”就成为人类一种珍惜自身生命意识的集中体现。悲苦与离别产生了人类诸如忧思、愤懑、伤感、凄苦、惆怅等多种情绪，在艺术作品中则留下了很多有名的感伤之作。如刻写闺阁之怨的，它往往描写在封建礼教压抑女子的苦闷、压抑之心境，正值风华的女子悲叹独守空闺、韶华尽逝；代表性作品很多。反映了古时女子听命家长安排，不能自主人生大事而造成精神痛苦和折磨的《闺中怨》（河南筝曲）；反映出于无奈背负历史使命而出国和番的《昭君怨》、《陈杏元和番》、《陈杏元落院》、《妆台秋思》；反映宫中女子凄凄冷秋夜，思念远方亲人，唯有寄月伤情的《汉宫秋月》；反映古代大教育家、思想家对弟子颜回的逝去而惋惜感叹的《叹颜回》；反映“追思盛德，泪染湘竹”而寄托娥皇、女英二妃对舜帝思念之情的《湘妃泪》等，无不饱含着艺术形象主体的忧郁、愤懑却无可奈何的感伤情绪。创作筝曲《陌上桑》（阎明、刘巧君曲）、《雪梅祭》（王中山曲）、《嫦娥奔月》（杨娜妮曲）等，都在延续着对人类悲苦、哀怨之情感的摹写和创作。这些都是因个人遭遇不平的个中哀愁悲怨，仅仅是悲情题材中的一个重要部分，另外的包括忠义爱国之士忧国忧民、感伤时事、感叹故国家园的正义弹唱。筝曲《哀江头》、《临安遗恨》是典型的代表作。《哀江头》表达了诗人对国难家难的悲叹。唐代安史之乱给人民带来巨大创伤，战乱致使民不聊生，哀鸿遍布，百业俱废，诗人杜甫面对此情此景，悲痛、悲愤、悲伤，心系苍生而百感交集。《临安遗恨》则描绘了忠义之士身陷囹圄，仍系家园社稷的难以平静的心绪和悲情。中国人不仅仅悲叹个我的命运，也容易因时节、环境的变化而伤感难耐，如“悲秋”便是中国人文化心理长期积淀下来的一种“时间”悲情。所谓“自古逢秋悲寂寥”。深秋时节，秋风飒飒，草木摇落，群鸟移徙，万物归寂，人们深陷一种不可自拔的悲情情境，唯千百种思绪涌上心头，自感自叹，自怜自伤。代表乐曲如《秋思》、《秋夜思》、《秋夜筝》等。暮夜沉昏也是人们容易动心的时辰，傍晚或者深夜时分，人们或思念故国家园，或思念亲朋好友，或思情思凡，筝曲《鸿雁夜啼》、《蕉窗夜雨》、《夜深沉》、《枫桥夜泊》、《秋夜思》等都从不同侧面反映了人之主体的思念感伤，人物微妙的内心世界在乐曲中被刻画得形象生动。三、古筝音乐中的壮美在审美风格中，壮美和优美是一对对立的范畴或者形态。作为一个独立的形态，具有很重要的地位。在很多的艺术作品中，壮美品格的作品就占有了很大比重。壮美与其他美相比，若将优雅之作比作手按南琶娇声评弹的女子，那壮美的作品无疑是手持铜板高声讴歌的大汉了。它没有“小家碧玉”似的羞赧，没有那么多“儿女情长”的缠绵悱恻，而整体上充盈着大气和有力的震撼。壮美的作品往往体现出一种史诗的美学特点。它以气势取胜，多宏伟、壮观之貌，在乐曲篇幅、乐曲形式、结构铺排、声响效果、演奏技法、旋律动态等方面都有所体现。壮美的音乐作品往往采用叙事的方式，极具情感张力，旋律具有极为明显的动势，这些作品可以模拟狂风暴雨，可以刻画人们欢快热烈的劳动场面，包含着对生命的一种歌颂和肯定。在音乐语言的运用或者形式铺排方面，壮美的作品作讲究丰厚的织体，讲究乐音的饱满，由此多采用和弦、大段的点奏、重勾托劈、扫摇等指法，声响效果震撼人心。从乐曲的速度来看，壮美的乐曲作品多比较急促，乐曲结构多宏大，音乐的情节性非常典型，比如反映码头工人欢快劳动、为拯救国家才站而与风雨搏斗的《战台风》，就通过劳动、台风、搏斗、雨过天晴等段落构成，情节典型。乐曲共分五个部分组成：第一部分以饱满沉实的和弦开始，形象地描绘了码头工人们热烈欢腾的劳动场面；第二部分特殊的演奏技法比如左右手分别在筝柱两侧刮奏、大指快速摇指等，模拟出台风呼啸而来的气势；第三部分以主题音乐几次变奏，逐渐将音乐推向高潮，形成紧张而强烈的音乐效果，生动地描绘了工人们与台风搏斗的场面；第四部分的旋律宽广舒展，抒发了工人们战胜台风后的喜悦心情，演奏这一部分时，需要把握好度，使雨过天晴，工人们欢欣喜悦的寓意得以完美表达；最后是第一部分的再现，乐曲磅礴壮阔的气势和生动鲜明的形象给听众以深刻的印象。在演奏技法上也十分讲究。除了左右手演奏大和弦之外，右手方面多运用一些扫摇、重勾托劈等特色技法。纵观一些壮美的作品，都强调对特殊技法的运用，比如扫摇，摇指在加上扫弦之后，气势和力度明显加大了。在左手，则经常是在右手弹奏的同时加以固定的伴奏音型，多以低音组伴奏为主，从而将音乐的声部丰富起来；另外演奏技法也讲究快速，比如对点奏（轮抹）的运用。这些在《战台风》中都有体现。近来，壮美的古筝音乐作品也多采用钢琴伴奏，典型代表就是《临安遗恨》。乐曲开始，钢琴悲壮的前奏、古筝强有力的和弦与左手大幅度刮奏，奠定了音乐的情绪和基调。乐曲刻画了爱国英雄岳飞忧国忧民的焦虑、战场上英勇战斗的豪迈气概、对自己不能精忠报国的伤感和对奸臣当道的愤恨之情。此外如《英雄们战胜了大黄河》、《霸王卸甲》等作品都是壮美的，作品里寄寓着对象的豪迈气概和悲壮品格。壮美的文艺作品在每个时代都是人们生活中不可缺少的食粮。人们在这些作品的审美中，找到了力量的所在，也由此成为人们蓬勃向上、不断进取的精神食粮和源泉。
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摇指，是古筝技法中，用于延长乐音的主要技法。由于古筝和其他弹拨类乐器的乐音持续时间不长，摇指便成了乐曲演奏中较为重要的技法之一。下面是我整理的古筝摇指的详细讲解，欢迎阅读。
古筝摇指的详细讲解
摇指，顾名思义，通过手部摇动产生音乐效果的技法，指甲在一根琴弦上连续快速托劈，以达到乐音不中断，持续发声的效果。
要领：
1、手腕摇动。
摇指的主要发力点在于手腕，由手腕的摇动，带动大指假甲在琴弦上不断托劈，从而进行摇指。摇指的手腕动作跟日常人们道别时摆手的手部动作相似。
注意，摇指的时候，切忌大臂和小臂僵硬，从而在导致手腕摇动不灵活，结果摇指的声音断断续续，不能持续下来。
2、食指轻轻捏着大指假甲的根部，进行摇弦。
对于摇指这种技法，需要相对固定大指假甲的位置，光靠那指尖上几圈的胶布，是不够的，为了达到完美的音色，食指需轻轻捏住大指假甲的根部，从而将大指假甲调整成与琴弦呈180°(也就是指甲与琴弦平行)，只有这个角度是摇指时产生杂音最小的角度。
3、手腕摇动的幅度不要太大。
虽说摇指是持续古筝乐音的主要指法，但是别忘了，古筝始终是弹拨类乐器，即使是摇指，它也是由无数个短音快速、无间断组成的，为了达到这个“快速”和“无间断”的效果，我们要减少指甲行走的距离。
一句话概括：托和劈刚刚拨响琴弦的同时，马上往回拨弦，保持指甲行走的距离与琴弦的粗细差不多。
一个词概括：过弦即返。
摇指的基本要素就是这些，有时根据不同乐曲，处理上会有些不同的要求，那时候就“具体问题，具体方式”了。
弹古筝不连贯怎样办?
很多古筝爱好者常常在探讨一个问题：“在家练琴的时候，即使练了很长时间的曲子，不是这里错音，就是那里停顿、重复。到底是怎么回事呢?”其实，这种情况主要是练琴方法的问题。
主要原因大致有以下几种：
1、演奏有错或者改错不彻底。从开始识谱，练习一首新曲子的时候，就出现一些错音、节奏、指法等等，没有及时纠正或者纠正不彻底导致;
2、作品的技术难点没有掌握好。一直弹奏很流畅，到了作品的技术难点处，由于相关的演奏技法没有掌握好，手指的能力达不到，不得不放慢速度或者停下来;
3、习惯性停顿。出现这种情况，主要源于开始慢练分句、分小节练习掌握好后，之后把这些片段连起来，没有把握好乐句，乐段的完整性;
4、习惯背谱，且记忆不完整。很多人乐曲练熟后，不在喜欢看谱演奏，往往是凭借手指肌肉的惯性去记忆演奏，这样很容易导致背谱中的停顿。
那么我们应该解决这些问题才是最关键呢?
1、我们要知道自己停顿、出错的地方放，然后将其抽出来重点练习;
2、对其进行慢练，慢练可以更好地处理细节问题;
3、对技巧有困难的地方可以单手多练，待较为流畅完整后再加速一些继续练习，直到这些容易出错的地方和其他地方演奏一样流畅为止。
4、切勿每天每遍都是从头弹到尾，这样只会是熟练的地方越熟练，有问题的地方还是有问题。
我们身边不缺优秀的同学，他们相信自己的努力没有白费，下决心要成为一个自律上进的人，经年累月的坚持下来，一定可以成就不一样的结果。天才在于积累，学习成果产生的差距往往不是因为智力间的距离，更多的因为是时间管理和缺乏一种坚持下去的自律。让坚持学习成为一种习惯，尝试一种积极的学习方式。
古筝基本功训练之扫弦技巧
扫弦，是古筝弹奏技法中的重要技法
其中包括外扫弦、内扫弦、外轮扫弦等。无论是哪一种扫弦，都要好好进行学习以及练习。而在我们练习扫弦的过程中难免会遇到一些问题，今天我就来和各位聊聊扫弦方面的内容。
1.什么是外扫弦
外扫弦不但能弹奏出独特的音乐效果，而且还具有很强的表演功能。尤其是时间比较长的外扫弦弹奏，给形体语言和表情语言的运用提供了优越的条件。
外扫弦弹奏的基本步骤是：
(1)弹奏手呈“搭桥”状态，位于所要扫奏筝弦的上方;
(2)手腕适当向上臂内侧方向翻转，手指自然弯曲，呈半握拳状，掌心基本处于正对胸部的位置。此动作具有蓄力的作用，肌肉由于得到了充分的收缩，弹奏时具有较大爆发力;
(3)手腕带动手掌手指自然向外甩动，扫弹相邻的三至四根筝弦;
(4)弹奏结束后，恢复初始状态。
2.什么是内扫弦
也可以称作里扫弦，属于外扫弦的互逆技巧。这种技巧很少单独使用，多是与其他技巧配合。比如扫弦双食点、扫摇四点等等。
内扫弦弹奏的基本步骤是：
(1)弹奏手呈搭桥状态，位于所要扫奏筝弦的上方;
(2)弹奏手手掌适当伸展，调整手的位置，使中指精确地位于所要扫奏筝弦之上，做好最后的弹奏准备;
(3)腕部、前臂收缩，带动手掌向手背方向上抬，同时中指向掌心方向快速运动，扫弹相邻的三至四根筝弦;
(4)弹奏结束后，恢复初始状态。
3.扫弦中常见的问题及解决方法
古筝中的扫弦是一项十分需要技术的技法，在一首曲子中需要表达强烈的感情，渲染气氛时所用。
扫弦时最常出现的问题有两个，一是扫弦时容易出现杂音，二是扫弦时没有强度，不够表达作者的深刻情感，关于这两个问题，杂音是伴随着演奏技能时常出现的，上面我已经说过解决方法了，就不再重复说明，所以我们今天主要解决的是扫弦有气无力的问题。
扫弦力度不够是初学者经常会遇到的问题，用老师的说法来形容，就像没吃饱饭一样，相信很多人为此而头疼。我们发现，很多人扫弦力度不够，是因为扫弦时习惯性的用食指。而正确的扫弦应该是是用中指，本身刚练习古筝的新手手部的力度本身就不够，再加上用错了手指，就容易雪上加霜，整个曲目的弹奏都会有气无力，更何况是要求更高的扫弦。
哈哈！我八级了！先慢摇，逐步加快!就像素描一样！主要要下功夫啊！加油啊！
放松,放松,可以慢慢来,但一定要摇而不是移另外吗,每天都要花些时间在摇指上,时间久了自然就好了
摇指，是古筝技法中，用于延长乐音的主要技法。由于古筝和其他弹拨类乐器的乐音持续时间不长，摇指便成了乐曲演奏中较为重要的技法之一。下面是我整理的古筝摇指的详细讲解，欢迎阅读。
古筝摇指的详细讲解
摇指，顾名思义，通过手部摇动产生音乐效果的技法，指甲在一根琴弦上连续快速托劈，以达到乐音不中断，持续发声的效果。
要领：
1、手腕摇动。
摇指的主要发力点在于手腕，由手腕的摇动，带动大指假甲在琴弦上不断托劈，从而进行摇指。摇指的手腕动作跟日常人们道别时摆手的手部动作相似。
注意，摇指的时候，切忌大臂和小臂僵硬，从而在导致手腕摇动不灵活，结果摇指的声音断断续续，不能持续下来。
2、食指轻轻捏着大指假甲的根部，进行摇弦。
对于摇指这种技法，需要相对固定大指假甲的位置，光靠那指尖上几圈的胶布，是不够的，为了达到完美的音色，食指需轻轻捏住大指假甲的根部，从而将大指假甲调整成与琴弦呈180°(也就是指甲与琴弦平行)，只有这个角度是摇指时产生杂音最小的角度。
3、手腕摇动的幅度不要太大。
虽说摇指是持续古筝乐音的主要指法，但是别忘了，古筝始终是弹拨类乐器，即使是摇指，它也是由无数个短音快速、无间断组成的，为了达到这个“快速”和“无间断”的效果，我们要减少指甲行走的距离。
一句话概括：托和劈刚刚拨响琴弦的同时，马上往回拨弦，保持指甲行走的距离与琴弦的粗细差不多。
一个词概括：过弦即返。
摇指的基本要素就是这些，有时根据不同乐曲，处理上会有些不同的要求，那时候就“具体问题，具体方式”了。
弹古筝不连贯怎样办?
很多古筝爱好者常常在探讨一个问题：“在家练琴的时候，即使练了很长时间的曲子，不是这里错音，就是那里停顿、重复。到底是怎么回事呢?”其实，这种情况主要是练琴方法的问题。
主要原因大致有以下几种：
1、演奏有错或者改错不彻底。从开始识谱，练习一首新曲子的时候，就出现一些错音、节奏、指法等等，没有及时纠正或者纠正不彻底导致;
2、作品的技术难点没有掌握好。一直弹奏很流畅，到了作品的技术难点处，由于相关的演奏技法没有掌握好，手指的能力达不到，不得不放慢速度或者停下来;
3、习惯性停顿。出现这种情况，主要源于开始慢练分句、分小节练习掌握好后，之后把这些片段连起来，没有把握好乐句，乐段的完整性;
4、习惯背谱，且记忆不完整。很多人乐曲练熟后，不在喜欢看谱演奏，往往是凭借手指肌肉的惯性去记忆演奏，这样很容易导致背谱中的停顿。
那么我们应该解决这些问题才是最关键呢?
1、我们要知道自己停顿、出错的地方放，然后将其抽出来重点练习;
2、对其进行慢练，慢练可以更好地处理细节问题;
3、对技巧有困难的地方可以单手多练，待较为流畅完整后再加速一些继续练习，直到这些容易出错的地方和其他地方演奏一样流畅为止。
4、切勿每天每遍都是从头弹到尾，这样只会是熟练的地方越熟练，有问题的地方还是有问题。
我们身边不缺优秀的同学，他们相信自己的努力没有白费，下决心要成为一个自律上进的人，经年累月的坚持下来，一定可以成就不一样的结果。天才在于积累，学习成果产生的差距往往不是因为智力间的距离，更多的因为是时间管理和缺乏一种坚持下去的自律。让坚持学习成为一种习惯，尝试一种积极的学习方式。
古筝基本功训练之扫弦技巧
扫弦，是古筝弹奏技法中的重要技法
其中包括外扫弦、内扫弦、外轮扫弦等。无论是哪一种扫弦，都要好好进行学习以及练习。而在我们练习扫弦的过程中难免会遇到一些问题，今天我就来和各位聊聊扫弦方面的内容。
1.什么是外扫弦
外扫弦不但能弹奏出独特的音乐效果，而且还具有很强的表演功能。尤其是时间比较长的外扫弦弹奏，给形体语言和表情语言的运用提供了优越的条件。
外扫弦弹奏的基本步骤是：
(1)弹奏手呈“搭桥”状态，位于所要扫奏筝弦的上方;
(2)手腕适当向上臂内侧方向翻转，手指自然弯曲，呈半握拳状，掌心基本处于正对胸部的位置。此动作具有蓄力的作用，肌肉由于得到了充分的收缩，弹奏时具有较大爆发力;
(3)手腕带动手掌手指自然向外甩动，扫弹相邻的三至四根筝弦;
(4)弹奏结束后，恢复初始状态。
2.什么是内扫弦
也可以称作里扫弦，属于外扫弦的互逆技巧。这种技巧很少单独使用，多是与其他技巧配合。比如扫弦双食点、扫摇四点等等。
内扫弦弹奏的基本步骤是：
(1)弹奏手呈搭桥状态，位于所要扫奏筝弦的上方;
(2)弹奏手手掌适当伸展，调整手的位置，使中指精确地位于所要扫奏筝弦之上，做好最后的弹奏准备;
(3)腕部、前臂收缩，带动手掌向手背方向上抬，同时中指向掌心方向快速运动，扫弹相邻的三至四根筝弦;
(4)弹奏结束后，恢复初始状态。
3.扫弦中常见的问题及解决方法
古筝中的扫弦是一项十分需要技术的技法，在一首曲子中需要表达强烈的感情，渲染气氛时所用。
扫弦时最常出现的问题有两个，一是扫弦时容易出现杂音，二是扫弦时没有强度，不够表达作者的深刻情感，关于这两个问题，杂音是伴随着演奏技能时常出现的，上面我已经说过解决方法了，就不再重复说明，所以我们今天主要解决的是扫弦有气无力的问题。
扫弦力度不够是初学者经常会遇到的问题，用老师的说法来形容，就像没吃饱饭一样，相信很多人为此而头疼。我们发现，很多人扫弦力度不够，是因为扫弦时习惯性的用食指。而正确的扫弦应该是是用中指，本身刚练习古筝的新手手部的力度本身就不够，再加上用错了手指，就容易雪上加霜，整个曲目的弹奏都会有气无力，更何况是要求更高的扫弦。
摘 要：古筝“摇指”是古筝演奏中的一种重要技巧，在不同流派、地域的音乐作品中，“摇指”有着不同的演奏方法和演奏意义。在运用不同的“摇指”时，技巧赋予这些不同“摇指”的基本意义相同，但在演奏中“摇指”体现的情感意义由音乐创作者和演奏者决定。本文简述了几种主要的古筝“摇指”，分析了其演奏方法，并阐述了几种“摇指”分别在古筝演奏中的表现意义。 关键词：古筝演奏；“摇指”；表现意义 前言 古筝作为古老的乐器，具有很长的历史，并且承载着我国的文化底蕴，在很早之前就已经出现了。古筝在演变的过程中，不同的时期具有不同的演奏技巧和方法，其表现意义也有所不同。随着历史的发展，古筝的演奏技巧也在发生变化，不同的地域和文化使得不同地区的古筝具有不同的特色，呈现出各自的风格特点，形成了相应的风格流派。古筝的流派不同，所表现的意义也有所不同，其演奏的方法也逐渐多样化。 1 “摇指”的种类及含义 随着古筝的发展，其演奏技巧也在不断地创新和发展。摇指，是在“大摇指”的基础上衍生的其他的“摇指”种类，无论是哪种摇指，它的弹奏方法都相似。从指法上来看，“摇指”分为“食指摇”、“多指摇”；从色质上来看，“摇指”又分为“扫摇”和“扣摇”。 大指摇 “大指摇”主要分为两种，一种是悬腕摇，还有一种是扎桩摇。我们在古筝的弹奏中，最常用和最基本的就是悬腕摇。悬腕摇，是指演奏者在弹奏古筝的过程中右手悬空，右手的食指紧紧地捏住大指甲，再借用手腕的力量来使大指活动于筝弦上，以快速地运动。运用这种方法进行演奏的时候，手腕一定要放松，这样才能保证弹奏出的音质不紧绷。而扎桩摇，指的是将右手的小指置于岳山处，将其作为右手的支撑点，其他的动作和方法与悬腕摇一致。这种方法弹奏出来的音色具有结实的感觉，音质非常饱满，具有很强的爆发力。 食指摇 在古筝的弹奏中，这种方法并不常用，一般会在一些特殊的情况下才会使用。食指摇，是指将右手的手腕置于岳山处，将其作为支撑，用大指将食指的指甲捏住，再借用腕部的力量来使食指快速地运动于弦上，作相应的抹挑动作。在应用食指摇方法的过程中，需要使手指的指尖与琴弦保持垂直的状态，这样可以有效地避免手指的其他部位与琴弦相接触，发出不必要的杂音。这种方法一般适用于演奏抒情筝曲。 多指摇 多指摇，它是在大指摇的基础上发展而来，是指在大指摇弹奏的基础上，加上其他的指头作为辅助，包括“二指摇”、“三指摇”等。“多指摇”对于很多类型的筝曲演奏都适用，可以演奏出很多不同的效果，具有极强的感染力，在古筝弹奏中经常会使用到。 扫摇 扫摇，是古筝在创新弹奏技巧的过程中出现的新型弹奏法，它是现代古筝创新弹奏的代表方法。扫摇，在弹奏中主要是以指法的技巧来将“大指摇”和“扫弦”结合起来，也就是在应用悬腕摇的方法进行弹奏的时候，利用中指或是无名指加以辅助，在琴弦上进行扫拔。运用这种方法弹奏出来的效果具有较大的震撼力，爆发性强，一般用于突出气势磅礴的场面。 扣摇 同“扫摇”一样，扣摇也是古筝弹奏技巧演变发展而成的弹奏方法，也是现代古筝弹奏中常用的方法。扣摇弹奏法与其他的弹奏法有很大的区别，它需要两只手同时配合弹奏，右手运用悬腕法，左手压在发音弦上，根据弹奏的节奏左右移动。这种技巧主要是用于弹奏节奏较快或转音较多的乐曲，表现丰富的乐曲模拟声。 2 不同“摇指”在古筝乐曲中的表现意义 “摇指”在古筝演奏中的作用 在古筝演奏中，应用的技巧起着处理乐曲含义的作用，不同的技巧有着不同的表现意义。“摇指”的主要的功能就是将其应用到乐曲中以表现乐曲的意义，通过音的起伏来塑造生动的音乐形象，展现出一种音响的效果。 （1）“摇指”如何使用来表现音乐风格的作用，同时能够体现演奏者的演奏风格和特性。 （2）“摇指”对乐曲的音色能够起到美化的作用，科学地应用“摇指”能够大大地提升音色的质量，延长音波，起到重要的润饰乐曲的作用。 （3）“摇指”在乐曲中能够表现出乐曲的音响效果，具有非常好的模拟功能，能够展现出各类生动的画面。 不同“摇指”在古筝乐曲中的表现意义 “摇指”在现今的筝曲中广泛运用，在不同风格的各流派中，“摇指”更表现出独具特色的演奏方法和表现意义。“摇指”的音响效果丰富多彩，把不同的“摇指”演奏方法恰当地运用在乐曲或不同的乐段中，将会大大增强音乐的表现力。如今的“摇指”技巧之中，表现意义较为明显的是“食指摇”、“扫摇”和“扣摇”。 （1）“食指摇”在古筝乐曲中的表现意义。“食指摇”是由大指摇衍生出来的演奏方法，由于一些特殊的音效特点和它产生的时代背景，它在一些具有特殊意义的.乐曲中较为常用。很多较为抒情、节奏较为缓慢的乐曲中，“食指摇”出现的频率较高。因此，“食指摇”常常表现的重点是音色，它是将乐曲流畅、美妙的音色完美地体现出来。例如，著名乐曲《瑶族舞曲》中食指摇的应用，就以细腻、轻柔的摇法将音色的美妙表现得淋漓尽致，使整个乐曲更加优美、动听。 （2）“扫摇”在古筝乐曲中的表现意义。古筝技巧在不断改进与创新后，出现了一些新型的摇法，其中“扫摇”就是属于现代的古筝“摇指”方法。“扫摇”相对于大指摇、食指摇等前期的摇指，综合性更强。“扫摇”能够有效地模拟出各种音效，一般用于表现一些欢乐的场面和描绘自然风光的乐曲。例如，在乐曲《战台风》中，利用“扫摇”展现出曲子中工人与台风相抵抗的场面，表现了人们坚强的意志和不屈的精神，真实再现了场景。因此，在较为激烈、蓬勃的乐曲中运用扫摇，可以有效地加强乐曲的音响效果，使音乐达到激烈的高潮效果，体现出完美的动态场面。 （3）“扣摇”在古筝乐曲中的表现意义。与“扫摇”一样，扣摇也是在古筝弹奏技巧的发展过程中所衍生出来的具有现代意义的摇指。扣摇与其他的演奏方法不同，它不是为了表现乐曲的旋律有多么婉转或激烈，而是用于一些特殊的发声，如模仿某种自然音效。因此，它不属于旋律性的摇指。扣摇的使用是为了更加逼真和生动地表达乐曲中的场面。例如，在一段乐曲中，会出现广阔的草原，奔腾的骏马，而“扣摇”就是在乐曲中加入适当的音效，如马鸣声、风声等，以此使乐曲更加形象。 3 结束语 在古筝演奏中，“摇指”的技法有很多种，不同的“摇指”在古筝乐曲演奏中具有不同的意义，而不同类别的乐曲需要使用不同的摇指。在古筝演奏中，无论是何种类型的乐曲，都可以运用“摇指”将其完美地表现出来。但在运用“摇指”的过程中，演奏者需要掌握古筝的弹奏技巧，同时了解“摇指”所表现的意义和适用的范围，将其合理地应用到古筝演奏中，可以将古筝乐曲的含义与魅力展现得淋漓尽致。 参考文献： [1] 李传杰.试谈古筝演奏中不同“摇指”的表现意义[J].赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版），2009（06）：92-93. [2] 刘春熙.古筝乐曲演奏中不同“摇指”的表现及意义[J].大众文艺，2015（23）：155. [3] 吴莉.演奏技术与音乐创作的双重突破――王中山古筝艺术的创新特征[J].星海音乐学院学报，2008（03）： 72-76. [4] 杜嘉莹.浙江筝派大指摇的运用及训练――以筝曲《战台风》为例[J].黄河之声，2015（15）：70-73. [5] 姚盛俊.浅谈古筝演奏技法的发展――以“托劈”“摇指”“轮指”的发展为例[J].大众文艺，2010（24）：7-8.
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试论古筝的音色 摘要:古筝是一种极富表现力的乐器,其音色清悦、高洁、委婉动听并富有神韵。它丰富的表现力细致微妙地刻画人们的内在情感,无论是如泣如诉、还是高歌吟唱它都可以表现的淋漓尽致。古筝的音色的好坏直接关系到它整体的音响效果和乐曲的表现,鉴于此,通过多个角度对古筝音色的研究,使古筝的演奏日臻完美。 关键词:音色;影响因素 音乐,无论是声乐还是器乐,都是声音的艺术,因此必须讲究声音的美感,也就是良好的音响效果,而这很大程度是由音色的好坏所决定的。音乐的基本要素包括音的高低,音的长短,音的强弱和音色,音色是最抽象、最难把握的。音色,即音品,声音的属性之一,是声音的个性特色,有明亮、暗淡、清脆、沉闷、圆润、干涩、浑厚、单薄、柔和、刚劲之分。音色(timbre或tone color)是由发音物体所产生的谐波(harmonic wave)决定的,发音物体的性质、形状不同,所产生的谐波也不同,因而音色也不同。 影响古筝音色的客观因素主要有乐器形制、演奏中手指对触弦的控制;而影响音色的主观因素有作曲家音乐作品的一度创作与表演者的二度创作中的审美认知、内心听觉等。 一、客观因素 (一)乐器形制与义甲的选材对音色的影响 乐器本身的音色对古筝的演奏有一定的影响,所以先从乐器的选材制作对音色的影响谈起。“不同的乐器,由于材料与结构的不同,发音体的组织条件就不同,在发音时产生的自然泛音列的多少也就不同,音色也不相同,即使在演奏音高、强弱相同的音时,也会有不同的音色效果。而即使同是古筝,但用不同材料做成,也可细分出它们之间的不同音色效果。”专业演奏者对古筝的音色要求主要是:声音很集中,能够立起来,高音亮,有穿透力,声音清脆,余音要长;中音区过渡好,不能发散,音质集中,饱满;低音区浑厚,共鸣好,各个音区对比鲜明,不能像白开水一样。 1.古筝的选材对音色的影响 古筝的选材非常关键,直接影响到古筝的音色、音质。制作古筝的材料,主要是梧桐木、红木、花梨木、紫檀木、乌木和其它较硬的木料(一般称硬质木)等。梧桐木的材质松软、易于振动,一般用来制作面板。底板、琴首和筝尾多用硬质木制作,它们胶合的琴身,能产生良好共鸣、增大音量。红木等硬质木料,木纹顺直,色泽美观,质地坚实,是制作筝框表板、岳山利弦柱的良材。制作古筝的材料很讲究,木质的优劣,直接影响琴板的弹性和传声性能,古筝的面板是决定古筝音色的重要因素之一,制作古筝的面板,常用硬度适中、纹理细密均匀、无节疤、无斜纹和扭转纹的桐木板,而琴的镶板则用硬度较大,木质坚实的木料,加上精良的制作工艺技术,这是做音色优良的古筝应具备的基本条件。就古筝的发声原理而言,面板的传导效果与筝体的振动状态有直接的因果关系,从而也决定了古筝音色的优劣。 2.义甲的选材对音色的影响 古筝弹奏出美妙的声音是通过义甲触弦而得到的,弹筝用的义甲和拉弦乐器的弓子一样重要,做义甲的材料、规格、硬度、表面光滑程度等,都会影响古筝弹奏的音响效果,因此,义甲的制作材料和制作工艺都很讲究。 3.弦的选择对音色的影响 弦的种类也由很多,各种材料制成的弦,振动时都会产生不同的音色效果。 丝弦:音质纯朴,但音色较沉闷,不够清脆明亮,音量较小,余音较短。五十年代以前的筝常用丝弦,以后已被钢弦所取代。 钢弦:音色清脆明亮,音量较大,余音较长,适用于弹奏韵味细腻的乐曲,但由于其余音长,杂音较多,弹奏《战台风》之类的乐曲,音响较嘈杂,没有金属尼龙合成弦的效果好。 金属尼龙合成弦:低音浑厚、中音柔和、高音清脆明亮,音质比钢弦纯净,适合弹奏和声效果丰富,音响强烈的乐曲,但余音较短,弹奏韵味细腻的乐曲,效果不如钢弦佳。 (二)演奏方法对音色的影响 古筝属弹拨乐器类,它的基本的音色是手指在最好的触弦点弹奏,使筝弦达到最佳的振动状态,从而发出清晰、圆润、结实、富有弹性的声音。古筝的演奏,在同一根弦上,用不同的指法、不同的弦段、不同的触弦角度和速度,也会产生不同的音色。触弦时的力度,速度和弦段的选择,要根据乐曲的需要而定,不能一概而论,恰当的触弦方式是正确表现乐曲音色的关键环节。 1.触弦方式变化对音色的影响 音色亦称音品,是发声体在振动时,由于声波的波形及泛音数量的结构,相对强度不同而形成的音的一种特质,它主要是由基音和音的比例关系来决定的。我们在演奏时,选择不同的激发点,不仅可以因泛音数量的不同而改变音色,而且也可以因对各泛音振幅人小的影响来改变音色。需要强烈的音响效果时触弦的力度要大,触弦的速度要快,弹奏的位置在距前岳山2厘米左右的弦段上;需要柔和而丰满的音响时,用中强的力度和中等速度触弦,弹奏的位置在距前岳上3厘米至4厘米的弦段上;需要轻柔、空旷、朦胧的音响效果时,用中弱的力度,较慢的触弦速度,在中、低音区弹奏的位置在距琴码约3厘米左右的弦段上。2.义甲触弦深浅变化对音色的影响 A.基木触弦点是甲尖至胶布的三分之一处,音色柔和、饱满。 B.触弦较深,义甲与琴弦接触的面积人,音色较为深沉、厚重。 C. 触弦较浅,义甲与琴弦接触面积小,音色轻快,颗粒性强,适用于快速轻盈的快板。 实际演奏中,音色的产生与变化所需要的条件是多元素的,演奏者获取理想音色的手法也是综合的,而非单一的一种。只有当触弦角度、而积与触弦位置、过弦速度、力度等相结合,才能有效地获得我们所想要的音色。 3、手指用力部位的变化 古筝演奏的基本发力点在于手指尖,但由于乐曲风格不同,情绪不同,演奏时就相应的需要变化用力部位。例如演奏河南筝曲,要求音色刚健、硬朗,就应把手指用力部位放在手指的根部关节,以增加力度,这样发出的音便刚劲有力:演奏浙江筝曲,要求音色柔和、委婉、灵巧。这时就不能把发力部位放在手指根部关节,而应放在手指第一关节。力度相应减小,发出的音则柔和,轻巧。 二、主观因素 对音色感知的经验基础上联想成像的音色标准与内心听觉一样,是鉴别客观实践音色的无形尺度。在长期的音乐时间活动中,人对某种乐器发出的声音,在频率、幅度、波形、高低、强弱及明亮、暗淡、净润等方面获得的感性认识到,这种感性认识不是一次或几次就能获得的,而是经过无数次地重复,是在音响对感官的一再刺激,经过数个感受器官联合工作,并使接收到的音色信息传入中枢神经的信息库加以分析、综合、编码、形成固定的音色感知表象,古筝作为一门音乐艺术,归根到底是审美的艺术。 任何一首古筝作品都会表达自身独特的思想与情感,这就需要演奏者灵活运用各种技巧去进行表演的二度创作来再现作品。因此在表演的二度创作中,就要根据作品的内容、情绪、风格等需要,性地设计不同的触弦方式,以求获得不同的音色来表现作品的内涵与意境。内心听觉存在于演奏者心灵之中,无影无形,但却能主宰演奏者按照一定的目的支创造相应的音色。它对音色的选择是积极主动并且有创造性的,是实践音色美的先导,只有具备了美的内心听觉才会有优美的实际演奏音色。所以演奏者不但要在演奏技巧上下功夫,更应在艺术修养上下功夫。演奏者对音乐作品的内涵体验越深越细腻,就越能调动诸如音色、节奏、力度等因素,塑造出栩栩如生的音乐形象;越能通过美的音色去感染人。总之,要想使演奏水平日臻完善,在提高演奏技巧水平的同时也应在音色的把握上不间断地、细致入微地去体会和研究。 参考文献: [1]李军:《古筝演奏与心理音色》,《中国戏曲学院学报》,07年2月第28卷第一期 [2]林玲:《论筝演奏中的音乐表现》,《怎样提高古筝的演奏水品》华乐出版社 [3]佘艳:《如何把握古筝演奏的音色》,《襄樊艺术职业技术学院学报》,09年5月第3期 [4]邱大成:《古筝基础训练中的几个问题》 [5]焦力:《论古筝的演奏音色》 [6]葛雪婷:《古筝演奏音色的“色彩性布局”》,《音乐时空》 [7]陈去非:《古筝演奏,音色是灵魂》,《福建艺术》
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古琴音乐传播困境及创新研究论文
在学习、工作中，大家总少不了接触论文吧，论文写作的过程是人们获得直接经验的过程。你所见过的论文是什么样的呢？以下是我为大家收集的古琴音乐传播困境及创新研究论文，仅供参考，大家一起来看看吧。
摘要：
古琴作为中国传统文化的重要组成部分、非物质文化遗产项目之一，具有深厚的文化底蕴与历史内涵。作为四艺之首的琴艺，更是在众多中国传统乐器当中占有着举足轻重的地位。但随着时代更迭、审美多元化的发展以及多样化民间音乐的兴盛，古琴艺术逐渐走向没落，甚至在“文革”时期被当作“四旧”打压，一度沦为不被大众所接受的“博物馆艺术”。自20世纪改革开放以来，为了拯救非遗财产——古琴艺术，世界各地的琴人们开启了为复兴古琴艺术等一系列活动。本文主要针对当代古琴在现代社会的发展困境，并对其进行现象性原因分析，以及琴人们为使古琴这门传统艺术重新走向社会、走出国门，重回大众视野所做出的改革研究以及如何将古琴艺术与当代审美相结合等创新研究。
关键词:
古琴；音乐传播；创新研究；
引言：
古琴作为中国最古老的弹拨乐器，距今已有三千多年的历史，具有独一无二的文化价值与历史意义。古往今来，诸多名流大家都写有夸赞琴声旋律优美的诗词歌赋，例如欧阳修《赠无为军李道士》“音如石上泻流水，泻之不竭由源深”；刘长卿《听弹琴》“泠泠七弦上，静听松风寒”等，这些古诗词的字里行间都渲染着文人墨客对于琴的喜爱，更能从其中感受到古时琴艺所传递的感染力是十分强烈的。“古调虽自爱，今人不多弹”这是《听弹琴》的后半句。大意是，我虽然很喜欢这古时的曲调，但如今人们已经不大弹奏了。从最后两句不难看出，琴乐当时也在一定程度上脱离了普通群众的欣赏习惯。随着现代社会的发展，古琴也逐渐走向衰落，成了鲜有人欣赏的小众乐器，更出现了古琴“不中听”的说法。那么，造成这种现象的原因是什么呢?笔者认为，当今社会人们已经逐渐习惯了旋律通俗、和声丰富、节奏严谨的现代音乐，相对比之下，节奏自由、缺乏清晰旋律的传统琴乐似乎并不被大众所推崇。这种现象的出现，一方面是因为现代人对中国传统音乐的认知较少，另一方面也有琴乐本身的问题。在演奏音乐的过程中，节奏是构成旋律最重要的部分，而古琴的节奏相对自由，主要根据演奏者的呼吸节奏来配合。节奏的高自由度以及节拍的不确定造成古琴旋律缺乏清晰度，同时也是造成琴乐发展困难的重要原因。
2003年11月7日，联合国教科文组织评选古琴为世界非物质文化遗产，并于2006年将其列入中国非物质文化遗产名录，这对于古琴艺术的发展来说，无疑是个巨大的转折点。随着古琴重新回到大众视野及国家政策的大力扶持，古琴艺术开始了大规模的社会普及与发展，越来越多的人投身到了古琴事业当中，传统文化研究者也开始了以古琴文献资料的收集整理及打谱为主的琴学理论研究工作。专业的作曲家们也更多地与古琴展开了合作，重新审视其作为乐器所具有的基本职能。下文主要针对古琴的传播困境与古琴的旋律特征及创新方式进行分析。
一、琴乐发展困难原因分析
(一)记谱法的影响
减字谱为古琴专用的记谱法，由文字谱简化而来，有别于西方的五线谱，它主要记录了左右手的演奏技法及琴弦、徽位等要素，通过弹奏位置来间接确定音高，是不记录音名、节奏的记谱法，亦为指法谱。由于减字谱中对于琴曲节奏的粗疏记载，琴人们只能通过旁注标示，如“急、缓、轻、重、连、息、跌宕”等，或是通过像“轮、历、滚拂、打圆、锁”这类套头指法来判断琴曲的大致节奏与速度。“对于启示性节奏的掌握和乐曲气息的处理，有赖于琴家们的大量传统曲目积累和古代文化艺术的修养。”琴人们就根据这些节奏信息加上自己对于曲目的理解进行二次创作，也就是“打谱”，力图恢复琴曲本来的面貌。节奏的不明确也使得大部分琴曲都得依靠师承传授来传承下去，无师承的曲子就由琴家们根据自己在演奏当中所产生的独到见解和不同的音乐审美进行打谱，从而形成了不同的风格，也出现了大量同曲不同版的情况。这种现象的出现，主要是由于记谱法导致的'节奏节拍的不确定性。但同时，减字谱给予琴人的高自由度也使琴界出现了百花齐放的景象，虽是同一首琴曲，但每位琴家打出的谱子却都截然不同，充分展现了自己的个性风格与审美倾向。到了清代后期，由于时局动荡，琴乐开始衰落，甚至到了二十世纪初全国善琴者仅剩数人，琴乐的衰落导致大量琴曲没有师承传授，很多琴曲的结构风格、演奏技法也逐渐失传。后来在近代琴家的努力下，才开始有了“视打谱为严肃的恢复古乐原貌的学术活动，在打谱中自然尊重原谱，不做随意更改”11，所打琴曲也开始有了相对严谨准确的结构与节奏。
(二)琴乐传统审美情趣倾向
在琴乐发展的历史长河中，受到了儒家与道家精神的审美影响，开始强调琴乐的教化功能和伦理秩序，包括主张“琴者禁也”的说教，强调“清微淡远”“中正平和”的审美情趣，等等。古时候，琴主要是为士阶层所服务的，是文人追求“大音希声”的工具。不论是从音乐性还是从文化角度来说都脱离了群众。正如成公亮先生所说：“传统琴乐并不注重琴曲的旋律美，许多琴曲的演绎不具备流畅的、歌唱性的旋律，或者说旋律的表达不很明晰。”22过分强调古琴的政治作用，从而严重影响了它的艺术发展。古人们对于“清微淡远”“中正平和”“自然、无为”等艺术形式的追求，将弹琴当作参透禅宗哲理的一种艺术活动，已经偏离了它作为一件乐器的基本职能，更将其当作一件法器，是与天地万物交流的工具，其音乐性并没有受到重视。在当时的这些主流思想影响下，琴乐将重点都放在了如何表达“韵”上。区别于西方音乐注重对旋律的勾画，在中国传统音乐当中，更注重于对“韵”的表达，在琴曲当中，一个音往往会通过使用“吟猱绰注”等不同装饰性乐音来增添这个音的“韵”味。在明代后期至清代的琴谱当中记载了许多“韵多声少”的琴曲。不可否认这些审美倾向对于琴乐的发展与传承起到了重要的作用，但是过于偏颇也使得琴乐的风格逐渐变得狭隘，过于强调“清微淡远”的风格从而排挤“繁声促响”的琴曲，也使得古琴艺术逐渐走向衰落。
(三)古琴形制的影响
古琴的形制与其他乐器不同，它的琴体长，在实际演奏时由于音位跨度大，弦间音程关系又近，所以对于速度快，音密集的曲目演奏起来更加困难。相比于其他乐器炫技式的演奏，古琴的演奏看起来就略显平淡。如果将琴曲中的快曲以同样的速度在其他乐器上演奏实与它们的慢曲无异。所以从传统意义上来讲，古琴更适宜缓奏。
在钢丝尼龙弦研制出来以前，古琴一直是使用丝弦来演奏的，但丝弦有一个明显的问题，就是在弹走手音的时候会发出较重的摩擦声，这种“杂声”在演奏过程中甚至盖过了乐音的音量，特别是在演奏一些“声少韵多”的琴曲时，对于旋律的进行和音乐的听感都产生了较大影响。从清代开始，琴人们慢慢接受了这种摩擦声的存在，并将其作为琴乐审美的一部分，常将这种摩擦声当作古琴演奏时“韵味”的表现，这种审美倾向与琴弦技艺的不成熟直接导致了音乐美感的流失，极大影响了古琴作为一件乐器的性能表达。
二、古琴旋律特征及创新
古琴虽是单声部旋律乐器，但不论是他的音色还是音域，在弦乐器当中都是极为突出的。古琴有散音、按音和泛音三种不同的音色，每种音色都有各自不同的特点。在弹奏的过程中，通过各种繁复的演奏手法与音色相组合，使原本单调的旋律变得更加立体。同时古琴还拥有跨越四个以上八度的广阔音域，繁杂的演奏手法也使琴曲中经常出现八度或者八度以上的大跳音程。这种通过使用不同音色、不同音区的差异对比丰富了古琴旋律的进行，大大加强了琴曲的艺术感染力。同时，琴曲当中也有很多旋律性强的作品，例如《酒狂》《潇湘水云》《广陵散》等这类耳熟能详的器乐曲都注重旋律的表达。经过老一辈琴家们的努力，这些琴曲重新焕发了自己的光彩。琴曲的节拍也并非都是一板一眼，如姚炳炎先生所打谱的《酒狂》采用的是三拍子的处理，这种节拍在传统琴曲的打谱中还是极为罕见的。还有采用大量散拍子的琴曲，像张子谦先生打谱的《龙翔操》，整曲风格自由跌宕，正如他对此曲的评价：“肃穆逍遥，无我有我。”
自1949以来，随着中西方文化的不断交流碰撞，众多专业的作曲家与古琴演奏家参与到了琴曲创作当中，新琴曲的出现也为琴乐的发展注入了一股新的生命力。“这些新琴曲在继承传统的基础上，音乐内容、技术技巧、表现手段等方面都有了前所未有的变化发展，表现了当今社会的现实生活或一方风土人情。”22如许国华、龚一共同创作的具有西域风情的古琴独奏曲《春风》，成公亮创作的描写“地、水、火、风、空、见、识、如来藏”这八个佛学哲理题材内容的《袍修罗兰》套曲，金复载所作关于描写师徒情的琴曲《山水情》以及李祥霆的表现船夫号子的作品《三峡船歌》等。在音乐内容方面，琴曲创作的内容也不再局限于传统的称颂帝王、托物言志、借景抒情等，而是开始探索类似生命哲学等更多元化的主题内容。
(一)演奏技法的创新
新琴曲在继承传统的基础上进行创新，借鉴并发明了大量新的演奏技法，例如《春风》中，为了表现出作品明快抒情的旋律以及人们春意盎然、奋发向上的欢乐情绪，借鉴使用了琵琶的琶音，即将三至四个音以分解和弦的形式演奏出来。李祥霆先生在《三峡船歌》中为了表现出船夫号子热情高昂的情绪，借鉴新疆少数民族乐器都塔尔独有的弹拨指法，运用到古琴上形成了“剌、托、擘、拨”的指法，同时也使用到了古筝的摇指。摇指的使用几乎贯穿了全曲，将作品中船员们紧张的气氛和高昂的情绪展现得淋漓尽致。王建民的作品《古舞》当中，除了摇指的运用，还使用到了打击乐中拍打板面的技巧。这些大胆的创新和借鉴，不仅扩大了作品的张力，也丰富了作品的表现力，使作品所表达的意思更加完美地传递给了听众，让古琴在演奏技法与音乐表现方面拥有了更多的可能性。
(二)减字谱的革新
从“动越两行，未成一句”的文字谱到记录指法徽位的减字谱再到今天常用的二行谱，如何使古琴记谱法更为精确，琴人们不依靠师承传授就能够了解与掌握琴曲的音乐框架，一直是历代琴家所思考的重要问题。为了能够清晰地从谱面上表现出古琴的音高、节奏、节拍、速度等基本音乐信息，突出古琴作为一件乐器的基本属性，上海音乐学院古琴小组研究并改良出了“五线琴谱”，这种直视音谱的方法，使人们不再单纯依赖于减字谱，如龚一先生所说：“应将指法思维与旋律思维相结合。将减字谱中的‘徽位概念’改变为‘音位概念’”33，“五弦琴谱”的出现也使得琴人更加重视古琴的音乐性，注重旋律线条的勾画，对于音与音、句与句之间关系的把握以及音乐内容的处理也更加到位，使演奏者能够更为精确地演奏出琴曲。
(三)演奏形式的多样化
早期，古琴一直作为伴奏乐器，常与瑟、歌咏配合在一起，以“弦歌”的形式出现，如《诗经》中所记载的“琴瑟友之”“琴瑟在御，莫不静好”等。随着社会的发展与音乐的变革，弦歌逐渐被琴歌所替代，到了隋唐时代，古琴更是吸收了大量民间歌曲和民间音乐的曲调，开始向独奏艺术发展，“进一步发挥了乐器的表现性能，丰富并提高了音乐本身的艺术表现力”44。到了近代，古琴的演奏形式也不再拘泥于独奏、与琴箫合奏，走向更大的舞台，开始尝试与其他乐器合作，不仅限于二胡、琵琶等民族乐器，也包括大提琴、钢琴、长笛等西方乐器。与此同时，古琴的合奏、重奏曲目开始增加，更有与大型的民族乐队和交响乐团的合作，如朱践耳先生创作的以古琴与吟诵为主旋律的《第十交响曲——江雪》，青年作曲家王鹤菲为古琴与电子音乐而作的《丹青》，唐建平为古琴与民族管弦乐队所作《云水》，王建民为古琴与钢琴所作的《古舞》，等等。可以看出，不论是从创作题材、演奏技法，还是从舞台形式的表现上来说，古琴作为一件古老的民族乐器所蕴藏和待发掘的潜力都是不可限量的。作曲家们也都不留余力地在尝试古琴演奏形式的多种可能性，使古琴艺术的发展与时代进步更加紧密地结合在一起。
结语
古琴艺术所拥有的深厚文化底蕴使其在历史的漫漫长河中拥有着顽强的生命力，三千多年的生命历程也显示出了它在每一个历史阶段都焕发出了属于自己的光彩。古琴艺术正在随着现代社会的发展不断尝试打破人们对于其陈旧、封建的思想框架，在继承优秀传统文化的基础上，持续推陈出新，使古琴艺术能够常新长存。正是如此，我们应重视其作为一件传统乐器的基本属性，充分发挥其音乐性，让更多人认识了解到古琴特有的艺术魅力与音乐价值、让更多人欣赏到古琴艺术背后厚重的文化内涵。随着越来越多专业琴人的重视，古琴艺术正走向更广阔的平台。笔者希望今后能有更多的专业音乐家与学者参与到古琴艺术的创新与研究当中来，使古琴艺术走进人们的生活，走出国门，能够在世界舞台大放异彩。
摘 要：古筝“摇指”是古筝演奏中的一种重要技巧，在不同流派、地域的音乐作品中，“摇指”有着不同的演奏方法和演奏意义。在运用不同的“摇指”时，技巧赋予这些不同“摇指”的基本意义相同，但在演奏中“摇指”体现的情感意义由音乐创作者和演奏者决定。本文简述了几种主要的古筝“摇指”，分析了其演奏方法，并阐述了几种“摇指”分别在古筝演奏中的表现意义。 关键词：古筝演奏；“摇指”；表现意义 前言 古筝作为古老的乐器，具有很长的历史，并且承载着我国的文化底蕴，在很早之前就已经出现了。古筝在演变的过程中，不同的时期具有不同的演奏技巧和方法，其表现意义也有所不同。随着历史的发展，古筝的演奏技巧也在发生变化，不同的地域和文化使得不同地区的古筝具有不同的特色，呈现出各自的风格特点，形成了相应的风格流派。古筝的流派不同，所表现的意义也有所不同，其演奏的方法也逐渐多样化。 1 “摇指”的种类及含义 随着古筝的发展，其演奏技巧也在不断地创新和发展。摇指，是在“大摇指”的基础上衍生的其他的“摇指”种类，无论是哪种摇指，它的弹奏方法都相似。从指法上来看，“摇指”分为“食指摇”、“多指摇”；从色质上来看，“摇指”又分为“扫摇”和“扣摇”。 大指摇 “大指摇”主要分为两种，一种是悬腕摇，还有一种是扎桩摇。我们在古筝的弹奏中，最常用和最基本的就是悬腕摇。悬腕摇，是指演奏者在弹奏古筝的过程中右手悬空，右手的食指紧紧地捏住大指甲，再借用手腕的力量来使大指活动于筝弦上，以快速地运动。运用这种方法进行演奏的时候，手腕一定要放松，这样才能保证弹奏出的音质不紧绷。而扎桩摇，指的是将右手的小指置于岳山处，将其作为右手的支撑点，其他的动作和方法与悬腕摇一致。这种方法弹奏出来的音色具有结实的感觉，音质非常饱满，具有很强的爆发力。 食指摇 在古筝的弹奏中，这种方法并不常用，一般会在一些特殊的情况下才会使用。食指摇，是指将右手的手腕置于岳山处，将其作为支撑，用大指将食指的指甲捏住，再借用腕部的力量来使食指快速地运动于弦上，作相应的抹挑动作。在应用食指摇方法的过程中，需要使手指的指尖与琴弦保持垂直的状态，这样可以有效地避免手指的其他部位与琴弦相接触，发出不必要的杂音。这种方法一般适用于演奏抒情筝曲。 多指摇 多指摇，它是在大指摇的基础上发展而来，是指在大指摇弹奏的基础上，加上其他的指头作为辅助，包括“二指摇”、“三指摇”等。“多指摇”对于很多类型的筝曲演奏都适用，可以演奏出很多不同的效果，具有极强的感染力，在古筝弹奏中经常会使用到。 扫摇 扫摇，是古筝在创新弹奏技巧的过程中出现的新型弹奏法，它是现代古筝创新弹奏的代表方法。扫摇，在弹奏中主要是以指法的技巧来将“大指摇”和“扫弦”结合起来，也就是在应用悬腕摇的方法进行弹奏的时候，利用中指或是无名指加以辅助，在琴弦上进行扫拔。运用这种方法弹奏出来的效果具有较大的震撼力，爆发性强，一般用于突出气势磅礴的场面。 扣摇 同“扫摇”一样，扣摇也是古筝弹奏技巧演变发展而成的弹奏方法，也是现代古筝弹奏中常用的方法。扣摇弹奏法与其他的弹奏法有很大的区别，它需要两只手同时配合弹奏，右手运用悬腕法，左手压在发音弦上，根据弹奏的节奏左右移动。这种技巧主要是用于弹奏节奏较快或转音较多的乐曲，表现丰富的乐曲模拟声。 2 不同“摇指”在古筝乐曲中的表现意义 “摇指”在古筝演奏中的作用 在古筝演奏中，应用的技巧起着处理乐曲含义的作用，不同的技巧有着不同的表现意义。“摇指”的主要的功能就是将其应用到乐曲中以表现乐曲的意义，通过音的起伏来塑造生动的音乐形象，展现出一种音响的效果。 （1）“摇指”如何使用来表现音乐风格的作用，同时能够体现演奏者的演奏风格和特性。 （2）“摇指”对乐曲的音色能够起到美化的作用，科学地应用“摇指”能够大大地提升音色的质量，延长音波，起到重要的润饰乐曲的作用。 （3）“摇指”在乐曲中能够表现出乐曲的音响效果，具有非常好的模拟功能，能够展现出各类生动的画面。 不同“摇指”在古筝乐曲中的表现意义 “摇指”在现今的筝曲中广泛运用，在不同风格的各流派中，“摇指”更表现出独具特色的演奏方法和表现意义。“摇指”的音响效果丰富多彩，把不同的“摇指”演奏方法恰当地运用在乐曲或不同的乐段中，将会大大增强音乐的表现力。如今的“摇指”技巧之中，表现意义较为明显的是“食指摇”、“扫摇”和“扣摇”。 （1）“食指摇”在古筝乐曲中的表现意义。“食指摇”是由大指摇衍生出来的演奏方法，由于一些特殊的音效特点和它产生的时代背景，它在一些具有特殊意义的.乐曲中较为常用。很多较为抒情、节奏较为缓慢的乐曲中，“食指摇”出现的频率较高。因此，“食指摇”常常表现的重点是音色，它是将乐曲流畅、美妙的音色完美地体现出来。例如，著名乐曲《瑶族舞曲》中食指摇的应用，就以细腻、轻柔的摇法将音色的美妙表现得淋漓尽致，使整个乐曲更加优美、动听。 （2）“扫摇”在古筝乐曲中的表现意义。古筝技巧在不断改进与创新后，出现了一些新型的摇法，其中“扫摇”就是属于现代的古筝“摇指”方法。“扫摇”相对于大指摇、食指摇等前期的摇指，综合性更强。“扫摇”能够有效地模拟出各种音效，一般用于表现一些欢乐的场面和描绘自然风光的乐曲。例如，在乐曲《战台风》中，利用“扫摇”展现出曲子中工人与台风相抵抗的场面，表现了人们坚强的意志和不屈的精神，真实再现了场景。因此，在较为激烈、蓬勃的乐曲中运用扫摇，可以有效地加强乐曲的音响效果，使音乐达到激烈的高潮效果，体现出完美的动态场面。 （3）“扣摇”在古筝乐曲中的表现意义。与“扫摇”一样，扣摇也是在古筝弹奏技巧的发展过程中所衍生出来的具有现代意义的摇指。扣摇与其他的演奏方法不同，它不是为了表现乐曲的旋律有多么婉转或激烈，而是用于一些特殊的发声，如模仿某种自然音效。因此，它不属于旋律性的摇指。扣摇的使用是为了更加逼真和生动地表达乐曲中的场面。例如，在一段乐曲中，会出现广阔的草原，奔腾的骏马，而“扣摇”就是在乐曲中加入适当的音效，如马鸣声、风声等，以此使乐曲更加形象。 3 结束语 在古筝演奏中，“摇指”的技法有很多种，不同的“摇指”在古筝乐曲演奏中具有不同的意义，而不同类别的乐曲需要使用不同的摇指。在古筝演奏中，无论是何种类型的乐曲，都可以运用“摇指”将其完美地表现出来。但在运用“摇指”的过程中，演奏者需要掌握古筝的弹奏技巧，同时了解“摇指”所表现的意义和适用的范围，将其合理地应用到古筝演奏中，可以将古筝乐曲的含义与魅力展现得淋漓尽致。 参考文献： [1] 李传杰.试谈古筝演奏中不同“摇指”的表现意义[J].赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版），2009（06）：92-93. [2] 刘春熙.古筝乐曲演奏中不同“摇指”的表现及意义[J].大众文艺，2015（23）：155. [3] 吴莉.演奏技术与音乐创作的双重突破――王中山古筝艺术的创新特征[J].星海音乐学院学报，2008（03）： 72-76. [4] 杜嘉莹.浙江筝派大指摇的运用及训练――以筝曲《战台风》为例[J].黄河之声，2015（15）：70-73. [5] 姚盛俊.浅谈古筝演奏技法的发展――以“托劈”“摇指”“轮指”的发展为例[J].大众文艺，2010（24）：7-8.
学术堂整理了一些关于古筝专业的毕业论文题目,供大家进行参考:1、古筝作品《夜深沉》演奏赏析2、古筝协奏曲的演奏及其教学实践3、古筝演奏中音乐表现的三要素4、古筝启蒙教学中技法训练探讨5、浅谈新时期高师古筝教学与发展6、浅析当今中阮的表现形式及在乐队中的发展前景7、浅谈古筝技巧"摇指"的运用与发展8、探析古筝演奏艺术中的气与韵9、新时期古筝艺术普及和传承的思考10、一点二角三发力--浅析何宝泉古筝演奏教学艺术理念11、古筝琵琶二重奏《春江花月夜》演奏技巧探究12、中国传统音乐中的联曲体结构分析13、对古琴融入现代音乐教育中的思考14、从现代筝曲追溯古筝演奏技法的流变15、分析我国传统茶艺中筝艺表演的民乐艺术特色16、浅析古筝演奏技法的发展与演变17、浅析古筝演奏的力度掌握训练
试论古筝的音色 摘要:古筝是一种极富表现力的乐器,其音色清悦、高洁、委婉动听并富有神韵。它丰富的表现力细致微妙地刻画人们的内在情感,无论是如泣如诉、还是高歌吟唱它都可以表现的淋漓尽致。古筝的音色的好坏直接关系到它整体的音响效果和乐曲的表现,鉴于此,通过多个角度对古筝音色的研究,使古筝的演奏日臻完美。关键词:音色;影响因素音乐,无论是声乐还是器乐,都是声音的艺术,因此必须讲究声音的美感,也就是良好的音响效果,而这很大程度是由音色的好坏所决定的。音乐的基本要素包括音的高低,音的长短,音的强弱和音色,音色是最抽象、最难把握的。音色,即音品,声音的属性之一,是声音的个性特色,有明亮、暗淡、清脆、沉闷、圆润、干涩、浑厚、单薄、柔和、刚劲之分。音色(timbre或tone color)是由发音物体所产生的谐波(harmonic wave)决定的,发音物体的性质、形状不同,所产生的谐波也不同,因而音色也不同。影响古筝音色的客观因素主要有乐器形制、演奏中手指对触弦的控制;而影响音色的主观因素有作曲家音乐作品的一度创作与表演者的二度创作中的审美认知、内心听觉等。一、客观因素(一)乐器形制与义甲的选材对音色的影响乐器本身的音色对古筝的演奏有一定的影响,所以先从乐器的选材制作对音色的影响谈起。“不同的乐器,由于材料与结构的不同,发音体的组织条件就不同,在发音时产生的自然泛音列的多少也就不同,音色也不相同,即使在演奏音高、强弱相同的音时,也会有不同的音色效果。而即使同是古筝,但用不同材料做成,也可细分出它们之间的不同音色效果。”专业演奏者对古筝的音色要求主要是:声音很集中,能够立起来,高音亮,有穿透力,声音清脆,余音要长;中音区过渡好,不能发散,音质集中,饱满;低音区浑厚,共鸣好,各个音区对比鲜明,不能像白开水一样。1.古筝的选材对音色的影响古筝的选材非常关键,直接影响到古筝的音色、音质。制作古筝的材料,主要是梧桐木、红木、花梨木、紫檀木、乌木和其它较硬的木料(一般称硬质木)等。梧桐木的材质松软、易于振动,一般用来制作面板。底板、琴首和筝尾多用硬质木制作,它们胶合的琴身,能产生良好共鸣、增大音量。红木等硬质木料,木纹顺直,色泽美观,质地坚实,是制作筝框表板、岳山利弦柱的良材。制作古筝的材料很讲究,木质的优劣,直接影响琴板的弹性和传声性能,古筝的面板是决定古筝音色的重要因素之一,制作古筝的面板,常用硬度适中、纹理细密均匀、无节疤、无斜纹和扭转纹的桐木板,而琴的镶板则用硬度较大,木质坚实的木料,加上精良的制作工艺技术,这是做音色优良的古筝应具备的基本条件。就古筝的发声原理而言,面板的传导效果与筝体的振动状态有直接的因果关系,从而也决定了古筝音色的优劣。2.义甲的选材对音色的影响古筝弹奏出美妙的声音是通过义甲触弦而得到的,弹筝用的义甲和拉弦乐器的弓子一样重要,做义甲的材料、规格、硬度、表面光滑程度等,都会影响古筝弹奏的音响效果,因此,义甲的制作材料和制作工艺都很讲究。3.弦的选择对音色的影响弦的种类也由很多,各种材料制成的弦,振动时都会产生不同的音色效果。丝弦:音质纯朴,但音色较沉闷,不够清脆明亮,音量较小,余音较短。五十年代以前的筝常用丝弦,以后已被钢弦所取代。钢弦:音色清脆明亮,音量较大,余音较长,适用于弹奏韵味细腻的乐曲,但由于其余音长,杂音较多,弹奏《战台风》之类的乐曲,音响较嘈杂,没有金属尼龙合成弦的效果好。金属尼龙合成弦:低音浑厚、中音柔和、高音清脆明亮,音质比钢弦纯净,适合弹奏和声效果丰富,音响强烈的乐曲,但余音较短,弹奏韵味细腻的乐曲,效果不如钢弦佳。(二)演奏方法对音色的影响古筝属弹拨乐器类,它的基本的音色是手指在最好的触弦点弹奏,使筝弦达到最佳的振动状态,从而发出清晰、圆润、结实、富有弹性的声音。古筝的演奏,在同一根弦上,用不同的指法、不同的弦段、不同的触弦角度和速度,也会产生不同的音色。触弦时的力度,速度和弦段的选择,要根据乐曲的需要而定,不能一概而论,恰当的触弦方式是正确表现乐曲音色的关键环节。1.触弦方式变化对音色的影响音色亦称音品,是发声体在振动时,由于声波的波形及泛音数量的结构,相对强度不同而形成的音的一种特质,它主要是由基音和音的比例关系来决定的。我们在演奏时,选择不同的激发点,不仅可以因泛音数量的不同而改变音色,而且也可以因对各泛音振幅人小的影响来改变音色。需要强烈的音响效果时触弦的力度要大,触弦的速度要快,弹奏的位置在距前岳山2厘米左右的弦段上;需要柔和而丰满的音响时,用中强的力度和中等速度触弦,弹奏的位置在距前岳上3厘米至4厘米的弦段上;需要轻柔、空旷、朦胧的音响效果时,用中弱的力度,较慢的触弦速度,在中、低音区弹奏的位置在距琴码约3厘米左右的弦段上。2.义甲触弦深浅变化对音色的影响A.基木触弦点是甲尖至胶布的三分之一处,音色柔和、饱满。B.触弦较深,义甲与琴弦接触的面积人,音色较为深沉、厚重。C. 触弦较浅,义甲与琴弦接触面积小,音色轻快,颗粒性强,适用于快速轻盈的快板。实际演奏中,音色的产生与变化所需要的条件是多元素的,演奏者获取理想音色的手法也是综合的,而非单一的一种。只有当触弦角度、而积与触弦位置、过弦速度、力度等相结合,才能有效地获得我们所想要的音色。3、手指用力部位的变化古筝演奏的基本发力点在于手指尖,但由于乐曲风格不同,情绪不同,演奏时就相应的需要变化用力部位。例如演奏河南筝曲,要求音色刚健、硬朗,就应把手指用力部位放在手指的根部关节,以增加力度,这样发出的音便刚劲有力:演奏浙江筝曲,要求音色柔和、委婉、灵巧。这时就不能把发力部位放在手指根部关节,而应放在手指第一关节。力度相应减小,发出的音则柔和,轻巧。二、主观因素对音色感知的经验基础上联想成像的音色标准与内心听觉一样,是鉴别客观实践音色的无形尺度。在长期的音乐时间活动中,人对某种乐器发出的声音,在频率、幅度、波形、高低、强弱及明亮、暗淡、净润等方面获得的感性认识到,这种感性认识不是一次或几次就能获得的,而是经过无数次地重复,是在音响对感官的一再刺激,经过数个感受器官联合工作,并使接收到的音色信息传入中枢神经的信息库加以分析、综合、编码、形成固定的音色感知表象,古筝作为一门音乐艺术,归根到底是审美的艺术。任何一首古筝作品都会表达自身独特的思想与情感,这就需要演奏者灵活运用各种技巧去进行表演的二度创作来再现作品。因此在表演的二度创作中,就要根据作品的内容、情绪、风格等需要,性地设计不同的触弦方式,以求获得不同的音色来表现作品的内涵与意境。内心听觉存在于演奏者心灵之中,无影无形,但却能主宰演奏者按照一定的目的支创造相应的音色。它对音色的选择是积极主动并且有创造性的,是实践音色美的先导,只有具备了美的内心听觉才会有优美的实际演奏音色。所以演奏者不但要在演奏技巧上下功夫,更应在艺术修养上下功夫。演奏者对音乐作品的内涵体验越深越细腻,就越能调动诸如音色、节奏、力度等因素,塑造出栩栩如生的音乐形象;越能通过美的音色去感染人。总之,要想使演奏水平日臻完善,在提高演奏技巧水平的同时也应在音色的把握上不间断地、细致入微地去体会和研究。参考文献:[1]李军:《古筝演奏与心理音色》,《中国戏曲学院学报》,07年2月第28卷第一期[2]林玲:《论筝演奏中的音乐表现》,《怎样提高古筝的演奏水品》华乐出版社[3]佘艳:《如何把握古筝演奏的音色》,《襄樊艺术职业技术学院学报》,09年5月第3期[4]邱大成:《古筝基础训练中的几个问题》[5]焦力:《论古筝的演奏音色》[6]葛雪婷:《古筝演奏音色的“色彩性布局”》,《音乐时空》[7]陈去非:《古筝演奏,音色是灵魂》,《福建艺术》
从审美风格看古筝音乐鉴赏艺术作品（审美对象）在其体貌、风采上都有属于自己的独特类型，我们将这种体貌、风采类型视为“审美风格”。鉴赏者可以从这种风格中可以看出其创作主体的品格和气质。本文通过对典雅、悲情、壮美等不同风格的梳理，反观和阐述了不同风格的古筝音乐作品在艺术形式、结构铺排、内容题材、意蕴内涵以及效果等方面的特点。一、古筝音乐中的典雅美典雅是优美这一美学风格的重要形态之一，以独具一格的情调赢得人们的青睐。典雅与粗俗相对，指的是斯文优雅。杨廷芝在《诗品浅解》中讲道：“典则不枯，雅则不俗。”典雅的音乐作品一般“端庄中杂流丽”，文词雅致，犹如新出芙蓉，格调清新而脱俗；节奏柔和缓慢，不以刚劲、粗重取胜，而是娓娓道来，犹如春风化雨，细水淙淙，平静而缓缓地感染人。在音乐语言运用或乐句“行文”方面，典雅之作多平实典重，旋律一般体现出舒缓、闲适的特点。这决定了在乐风上，作品多具有轻盈、秀雅、舒展、自由、匀缓等品格，有些则格调高古，雄深雅健，意境浓厚。乐曲“动中有静”的柔和的安排和表达方式带给人们以和谐、静谧的审美感受。在题材方面则多摹写山水，吟咏花鸟自然之趣，从中寄托人们钟情于自然的情感。一般的描绘山水的作品在风格上都较为典雅，无论作品中所寄寓的情感如何，都讲究适中，娓娓道来。这些作品展现的是大自然无限的生机和生趣，带给人们的是一种安详、闲适与平和的审美感受。在这里，人们可以在旋律中涤荡心胸，闻声而近自然。在意蕴上，可谓“闳约深美”，多追求以“和”为美，在意旨的表露和情感的表达中追求适中、平正和匀称，由此也多蕴藉绵密，余韵悠长，意境多宏大乃至超然，为人们呈现出的是一种超然世外的境界，其中融入着人们追求悠闲适意的人生观和审美观。典雅包括如和雅、古雅、清雅、儒雅等多个子范畴，具有不同的美学意境：和雅即和平雅淡。作品一般体现出平和闲适、温润和雅的境况；古雅则意趣贵高，追求一种高远的意境；清雅则是一种最高“雅”静的体现，它是对浊的升华，对俗的超越，作品里浸着一股股不染尘俗的清气，给人以超尘弃俗、冲淡质朴的审美感受。山东筝曲《琴韵》是一首温润和雅的小曲。虽是北派筝曲，但乐曲整体旋律走向平稳，起伏不大，乐风中正而平和。潮州筝曲《平沙落雁》则更多体现出古雅的格调。乐曲营造出“秋水共长天一色，孤鹜与落霞齐飞”的美妙意境。又如《铁马吟》，乐曲中独特的演奏技法、泛音的效果以及对古琴音色的模拟，营造出一种古朴、优雅的氛围，让人忘记尘世，身临肃穆的禅院。客家筝曲《出水莲》则是清雅的典型之作。筝曲由著名客家筝大师罗九香先生从民间乐曲《出水莲》发展变化而来，经过削删、加花润色的加工而成为目前广为传奏的曲目。乐调因与中原古调的历史渊源而具有古朴之风，更因为民间的加工而呈现出清雅之貌。《梅花三弄》也是清雅的一首乐曲。格调清新雅致，尤其是其中的泛音，将梅花舞羽翻银、亭亭玉立于风雪中的形象和高洁的品格巧妙泻于指下。此曲可谓“以最清之音写最清之物”的写照。潮州筝曲《寒鸦戏水》是潮州弦诗乐十大套中最富诗意的一首。整体上，乐曲格调娴雅清新，又不失谐谑。乐曲从慢板到拷拍再到三板的铺排结构，以及在节奏上的跌宕变化，巧妙地刻画出寒鸦（即鱼鹰）悠闲自得的步态以及追逐嬉戏于江湖中的情景。“湖光秋色两相和，潭面无风镜未磨”，粤乐筝曲《平湖秋月》一曲犹如清风从人面拂过，清新的旋律令人联想到美不胜收的深秋月夜。典雅的古筝音乐作品注重声韵互补，重视意境的拿捏和营造，通过颗粒性的弹拨乐声织就的音串、形象的音响模拟效果和起伏错落有致的旋律让听众展开联想和想象，每位听众都可以根据自己的阅历和修养来描绘自己心里的诗情画卷。《渔舟唱晚》、《高山流水》、《月儿高》等古筝乐曲无不如此。二、古筝音乐中的悲情美悲剧性是审美风格中的又一重要类型或形态，在中外很多艺术作品中都有所体现，占有一定的比重。就审美意义上的悲剧性而言，它讲究对主体深刻的情感体验，与现实生活中所常见到的悲剧具有不同的性质和意义。进入审美领域的悲剧一般都通过主体个人生命的摧残、毁灭乃至不幸遭遇，彰显出主体在精神上的不屈不挠和坚强。中国与西方在悲剧精神方面具有不同的传统。同是悲剧性，中西方对它的性质界定、对它的主观感受和认识是个不相同的。这源于双方不同的文化根源。抛开导致这种不同属性和不同感受认识的缘由，但就美感表现、美的性质而言，西方作品多“悲怆”，中国作品则多“悲伤”或者“伤感”。西方的悲剧美是要给人当头一棒，悲的尤其彻底和淋漓。而中国音乐作品在悲剧的感受方面是以一种“哀怨”、“哀惋”方式体现出来，也恰如此，“哀怨”成为中国悲剧性音乐作品中最普遍的情感基调和陈述方式。藉此，笔者将这种在音乐作品里所寄寓和渲染的“感伤”、“哀怨”等情感基调称为悲情。之所以这种作品能打动人，抛开形式，单看内涵或内容，完全是因为它的悲情美。与典雅的作品娓娓道来的形式相比，悲情的音乐作品则要大起大落，极具情感冲击力和爆发力。音乐作品在结构上多宏大，形式铺排巧妙复杂，节奏快慢起伏搭配，时而似佳人悲泣，凄楚悱恻；时而象暴雨将临，情感挥洒淋漓尽致。尤其是刻画古代女子心境与情绪的作品，充分把古筝在表现腔韵方面的优势给发挥了出来。《和番》、《落院》中陈杏元的愤懑独白、《汉宫秋月》中宫女的凄凉心境俨然是古筝左手技法的诉说和吟唱功能的范例。从乐曲的旋律走向来看，悲情的作品多曲折。在调式运用方面，多采用苦音调式，对于“4”、“7”两个音尤其讲究。在技法的运用和音效的追求方面，尤其重视左手的技法和由此产生出的多种腔化音。陕西筝派中的一些作品在悲情的展现方面独具一格。陕西筝曲《姜女泪》、《秦桑曲》都是悲情作品的典型，乐曲中左手游移的变化产生出一种仿佛人的哭诉、哀叹的腔调。筝曲《长相思》就运用了古代歌曲以及陕北信天游风格的音乐为素材，调式的独特将一位怀才不遇的相思人刻画地惟妙惟肖。在意蕴方面，丰富而深刻。乐曲多借文学故事、诗词作品等为情境进行创作，或“楚臣去境，汉妾辞宫”，或“负戈外戍，杀气雄边”，抑或“塞客衣单，霜闺泪尽”。欣赏者在接连不断、张弛有度的乐音串中与艺术主题共命运，同命运。乐曲作品在“声文”方面重视主体的情感体验，那么相应地在题材方面，自然多以反映艺术主题或对象的情感为主。一些表达情感母题的乐曲也很容易将人们打动，如《陈杏元和番》、《昭君怨》、《汉宫秋月》、《文姬思汉》等。如《陈杏元和番》，乐曲通过大指掌关节发力而来的托劈结实清脆，左手的迅疾按滑以及边游摇边按颤的音响将主人公悲愤、抑郁的情绪表达出来。自古以来，“叹悲苦，悲离别”就成为人类一种珍惜自身生命意识的集中体现。悲苦与离别产生了人类诸如忧思、愤懑、伤感、凄苦、惆怅等多种情绪，在艺术作品中则留下了很多有名的感伤之作。如刻写闺阁之怨的，它往往描写在封建礼教压抑女子的苦闷、压抑之心境，正值风华的女子悲叹独守空闺、韶华尽逝；代表性作品很多。反映了古时女子听命家长安排，不能自主人生大事而造成精神痛苦和折磨的《闺中怨》（河南筝曲）；反映出于无奈背负历史使命而出国和番的《昭君怨》、《陈杏元和番》、《陈杏元落院》、《妆台秋思》；反映宫中女子凄凄冷秋夜，思念远方亲人，唯有寄月伤情的《汉宫秋月》；反映古代大教育家、思想家对弟子颜回的逝去而惋惜感叹的《叹颜回》；反映“追思盛德，泪染湘竹”而寄托娥皇、女英二妃对舜帝思念之情的《湘妃泪》等，无不饱含着艺术形象主体的忧郁、愤懑却无可奈何的感伤情绪。创作筝曲《陌上桑》（阎明、刘巧君曲）、《雪梅祭》（王中山曲）、《嫦娥奔月》（杨娜妮曲）等，都在延续着对人类悲苦、哀怨之情感的摹写和创作。这些都是因个人遭遇不平的个中哀愁悲怨，仅仅是悲情题材中的一个重要部分，另外的包括忠义爱国之士忧国忧民、感伤时事、感叹故国家园的正义弹唱。筝曲《哀江头》、《临安遗恨》是典型的代表作。《哀江头》表达了诗人对国难家难的悲叹。唐代安史之乱给人民带来巨大创伤，战乱致使民不聊生，哀鸿遍布，百业俱废，诗人杜甫面对此情此景，悲痛、悲愤、悲伤，心系苍生而百感交集。《临安遗恨》则描绘了忠义之士身陷囹圄，仍系家园社稷的难以平静的心绪和悲情。中国人不仅仅悲叹个我的命运，也容易因时节、环境的变化而伤感难耐，如“悲秋”便是中国人文化心理长期积淀下来的一种“时间”悲情。所谓“自古逢秋悲寂寥”。深秋时节，秋风飒飒，草木摇落，群鸟移徙，万物归寂，人们深陷一种不可自拔的悲情情境，唯千百种思绪涌上心头，自感自叹，自怜自伤。代表乐曲如《秋思》、《秋夜思》、《秋夜筝》等。暮夜沉昏也是人们容易动心的时辰，傍晚或者深夜时分，人们或思念故国家园，或思念亲朋好友，或思情思凡，筝曲《鸿雁夜啼》、《蕉窗夜雨》、《夜深沉》、《枫桥夜泊》、《秋夜思》等都从不同侧面反映了人之主体的思念感伤，人物微妙的内心世界在乐曲中被刻画得形象生动。三、古筝音乐中的壮美在审美风格中，壮美和优美是一对对立的范畴或者形态。作为一个独立的形态，具有很重要的地位。在很多的艺术作品中，壮美品格的作品就占有了很大比重。壮美与其他美相比，若将优雅之作比作手按南琶娇声评弹的女子，那壮美的作品无疑是手持铜板高声讴歌的大汉了。它没有“小家碧玉”似的羞赧，没有那么多“儿女情长”的缠绵悱恻，而整体上充盈着大气和有力的震撼。壮美的作品往往体现出一种史诗的美学特点。它以气势取胜，多宏伟、壮观之貌，在乐曲篇幅、乐曲形式、结构铺排、声响效果、演奏技法、旋律动态等方面都有所体现。壮美的音乐作品往往采用叙事的方式，极具情感张力，旋律具有极为明显的动势，这些作品可以模拟狂风暴雨，可以刻画人们欢快热烈的劳动场面，包含着对生命的一种歌颂和肯定。在音乐语言的运用或者形式铺排方面，壮美的作品作讲究丰厚的织体，讲究乐音的饱满，由此多采用和弦、大段的点奏、重勾托劈、扫摇等指法，声响效果震撼人心。从乐曲的速度来看，壮美的乐曲作品多比较急促，乐曲结构多宏大，音乐的情节性非常典型，比如反映码头工人欢快劳动、为拯救国家才站而与风雨搏斗的《战台风》，就通过劳动、台风、搏斗、雨过天晴等段落构成，情节典型。乐曲共分五个部分组成：第一部分以饱满沉实的和弦开始，形象地描绘了码头工人们热烈欢腾的劳动场面；第二部分特殊的演奏技法比如左右手分别在筝柱两侧刮奏、大指快速摇指等，模拟出台风呼啸而来的气势；第三部分以主题音乐几次变奏，逐渐将音乐推向高潮，形成紧张而强烈的音乐效果，生动地描绘了工人们与台风搏斗的场面；第四部分的旋律宽广舒展，抒发了工人们战胜台风后的喜悦心情，演奏这一部分时，需要把握好度，使雨过天晴，工人们欢欣喜悦的寓意得以完美表达；最后是第一部分的再现，乐曲磅礴壮阔的气势和生动鲜明的形象给听众以深刻的印象。在演奏技法上也十分讲究。除了左右手演奏大和弦之外，右手方面多运用一些扫摇、重勾托劈等特色技法。纵观一些壮美的作品，都强调对特殊技法的运用，比如扫摇，摇指在加上扫弦之后，气势和力度明显加大了。在左手，则经常是在右手弹奏的同时加以固定的伴奏音型，多以低音组伴奏为主，从而将音乐的声部丰富起来；另外演奏技法也讲究快速，比如对点奏（轮抹）的运用。这些在《战台风》中都有体现。近来，壮美的古筝音乐作品也多采用钢琴伴奏，典型代表就是《临安遗恨》。乐曲开始，钢琴悲壮的前奏、古筝强有力的和弦与左手大幅度刮奏，奠定了音乐的情绪和基调。乐曲刻画了爱国英雄岳飞忧国忧民的焦虑、战场上英勇战斗的豪迈气概、对自己不能精忠报国的伤感和对奸臣当道的愤恨之情。此外如《英雄们战胜了大黄河》、《霸王卸甲》等作品都是壮美的，作品里寄寓着对象的豪迈气概和悲壮品格。壮美的文艺作品在每个时代都是人们生活中不可缺少的食粮。人们在这些作品的审美中，找到了力量的所在，也由此成为人们蓬勃向上、不断进取的精神食粮和源泉。
古筝又名汉筝、秦筝、瑶筝、鸾筝，是中国汉民族传统乐器中的筝乐器，属于弹拨乐器。它是中国独特的、重要的民族乐器之一。它的音色优美，音域宽广、演奏技巧丰富，具有相当强的表现力，因此它深受广大人民群众的喜爱。现在也出现了小古筝、便携式古筝、迷你古筝、半筝、新筝、十二平均律转调筝。古筝是一件伴随中国悠久文化，在这肥沃的黄土地上土生土长的古老民族乐器。属弹拨乐器，结构由面板、雁柱（一些地段也称之为筝码）、琴弦、前岳山、弦钉、调音盒、琴足、后岳山、侧板、出音口、底板、穿弦孔组成。筝的形制为长方形木质音箱，弦架“筝柱”（即雁柱）可以自由移动，一弦一音，按五声音阶排列，最早以25弦筝为最多（分瑟为筝），唐宋时有弦十三根，后增至十六根、十八弦、二十一弦等，目前最常用的规格为二十一弦；通常古筝的型号前用S163-21，S代表S形岳山，是王巽之与缪金林共同发明，163代表古筝长度是163厘米左右，21代表古筝弦数21根。古筝的统一规格为：米，21弦。古筝的面板大多数采用河南兰考的桐木制造，框架为白松，筝首、尾、四周侧板有红木、老红木（缅酸枝）、金丝楠木、紫檀等名贵木材，古筝的音质取决于面板和琴弦，周边用料对古筝的音色略有改善，以老红木、紫檀、金丝楠木为佳。早期到近代也有过12、13、18、23、25弦等，不同地区的筝又有多种定弦法，筝的新种类还有“蝶式筝”、“转调筝”等。一台古筝的音质取决于面板和琴弦，面板以阳面中段为最佳，阳面是指整株桐木置于水中，露出水面的一面为阳面，去头斩尾为中段，一般以9-12年树龄的桐木为最佳，尤以河南兰考的桐木为最佳，沙土地，木质疏松，利于音质的传导。专业演奏古筝的面板以通纹为最佳，中音区纹理间距5-9厘米，高音与低音区间距厘米为最佳，面板厚度高中低音的厚度一般为9mm、11mm、10mm，眼下面板大多数采用弦切工艺。早期的琴弦以马尾、鹿筋为原料，到了当下这段时期以尼龙钢丝弦为主流，增加了音量，也提高了韵味，琴弦以德国进口钢丝为主，含碳量均匀，寿命长，手感好，以五音不全牌、宝泉牌、敦煌牌为代表，较受专业人士欢迎。一般来说红木古筝配套红木筝码，楠木古筝配套鸡翅木筝码，紫檀古筝配套紫檀筝码，亦有说法以色木为筝码最佳材料，但是尚未有定论，筝码要求纹理垂直向下为最佳，上嵌牛骨，搁弦槽一般为对应琴弦的1/3深度为最佳。希望我能帮助你解疑释惑。