电影优秀论文范文

经济全球化使各国文化交流得以加深,文化产业获得了迅速的发展,并在带动国家经济增长方面扮演越来越重要的角色。其中电影是文化产业的核心层,是展示一国文化的最有影响力方式。下文是我为大家搜集整理的关于电影类论文博士范文的内容，欢迎大家阅读参考!

浅析《功夫熊猫》系列动画电影叙事模式

梦工厂推出的系列动画电影《功夫熊猫》在世界范围内取得了空前的成功，为观众塑造出了熊猫阿宝这一得到广泛认可的文化形象，同时也为人们一窥美国动画电影采用的叙事模式提供了一个较具代表性的范例。

一、叙事中的必要元素

动画电影具备其他影视产品作为视听艺术的一般特征，但是它又有其独特的价值体现，即虚拟意义。[1]这一点直接影响着动画电影的叙事模式，在任何一部动画电影中，一个清晰、完整且富有意趣的世界观和一部分极富魅力，能够区别于其他动画电影的角色都是不可或缺的。

首先，就世界观而言，世界观是整部电影叙事的基础，它决定了银幕之上这个世界的运营模式以及身处其中的角色们的行为准则。[2]而《功夫熊猫》系列便在打造世界观上做得较为完善，能够较好地平衡想象与现实二者的关系，使整个虚拟世界之中有多个情节的生发点，这也是该系列电影在《功夫熊猫1》(Kung Fu Panda，2008)凭借当年北京奥运会举行以及武术被列入奥运特色项目的助力大获成功之后，能够在失去上述条件的情况下依然继续创作的原因。电影中的故事发生地，山清水秀的和平谷中居住着大量动物居民，其中数量最多的为兔子与猪，他们代表了一般民众。

而鸭子则自称“血管里流着面汤”经营饮食业。他们数量虽多，但是体形上都显得较为弱小，身怀武功者则是较为罕见但是体形彪悍的动物，且他们一般都与中国武术之中的某些功夫有关，如“愤怒五侠”中的螳螂、蛇、猿猴、仙鹤等，也正因如此，阿宝才会感慨自己“没有利爪，没有翅膀，没有毒牙，甚至没有螳螂的那个前臂”。而当阿宝投入浣熊师父门下后，有关武术的诸多细节也被设计得比较到位，如全身遍布铁齿的狼头桩、沙袋、不倒翁，阿宝与浣熊师父用筷子在餐桌上斗法，浣熊师父见到乌龟大师时一掌熄灭蜡烛，等等，这些都是中国乃至西方观众并不陌生的元素，影片的叙事也因此而令人感到自然真切。

其次，就角色而言，与真人电影不同，动画电影在塑造角色上无疑有更为广阔的空间，动画人不仅可以赋予角色夸张的外形与动作，还能够增加角色的社会属性，从而将角色的内在性格与观众所接收到的外在视觉表现有机结合，通过具有差异化的人物群像来使叙事更为灵活。以《功夫熊猫2》(Kung Fu Panda 2，2011)为例，大反派沈王爷被设置为一只白色孔雀，这一形象无疑是从外在视觉表现上将孔雀的鲜亮羽毛与沈王爷衣着华丽，孔雀昂首挺胸的外形与沈王爷用自信来掩饰自卑的特点结合起来，同时主创又在这一基础上深化了沈王爷的内在性格。沈王爷是一对蓝孔雀夫妇的儿子，有着挥之不去的童年阴影，长大之后变得外表温文尔雅，内心却阴险诡诈，与熊猫阿宝作为毛茸茸的哺乳动物笨手笨脚，善良纯真的设定形成鲜明对比。当动画人在影片的世界观与人物角色上做足功夫之后，叙事的局面也就得以打开。

二、叙事中的独立性与连贯性

《功夫熊猫》系列电影的叙事采用了一个系列电影惯常使用的模式，即兼顾电影的独立性与连贯性，每一部电影都可以视作一个较为独立的故事，但是就目前出品的三部电影而言，它们的情节又有互相呼应之处，这一叙事模式很好地体现了消费时代下电影的制造、传播特征。电影的生产需要巨额资金的投入与人力的集体化投入，其价值需要进入流通渠道后，通过观众的广泛参与，以资金的回收来实现。其独立性保证了其后续电影能够对未看过前作的观众依然有吸引力和讨论空间，并且片厂能够根据电影的票房收入来决定是否开始再生产，这一点对于耗资尤其巨大的动画电影来说是极为重要的。而连贯性则有如下优势：首先它有助于电影成为一个突出的品牌，在每年不断涌现的大量动画电影之中脱颖而出;其次，它有利于培养观众对情节的好奇并最终产生对该系列的情结，能够吸引观众一而再，再而三地走入影院。一言以蔽之，同时具备独立性与连贯性能够保证电影在尽量不流失旧有观众的前提下又不断扩展自己的新市场。

以独立性而言，《功夫熊猫》系列每一部都有一个关键的危机性事件，每一事件的起因、发起事件的反派各不相同，而相同的便是主人公阿宝都是扭转这一事件的关键人物，但是阿宝在每一次危机性事件之中获得的感悟也是各不相同的。每一次危机性事件都有其完整的开端、发展、高潮和结局，问题最后得到了较为圆满的解决，观众完全是可以单独对其进行赏析的。《功夫熊猫1》中的危机性事件为浣熊大师曾经的叛徒豹子大龙越狱出逃，觊觎《龙之卷轴》，狂暴嗜血的他危及江湖，连浣熊大师都被他打倒。而心宽体胖，武功基础为零的阿宝则需要在短时间内战胜大龙。

这一次事件得到解决后，阿宝实现了自己的“英雄梦”。在《功夫熊猫2》中，危机性事件则由希望能够统治世界的白孔雀沈王爷造成，与大龙只是个人孔武有力不同，沈王爷则坐拥财富，精通科技，他先是派人来和平谷抢走大家的金属材料，然后是用这些材料铸就大炮等武器准备称霸全中国，并绑架了多位武林高手。故事依然以阿宝挫败沈王爷结束，阿宝在这次胜利之后收获的是战胜自己内心恐惧的经历。而《功夫熊猫3》(Kung Fu Panda 3，2016)的主线则是五百岁的反派，对“气”有着扭曲追求的天煞越狱，阿宝为了打败天煞而不得不修习气功，但是他最终最大的收获却并非武功，而是认祖归宗，并且领悟到了“做自己”的意义。

促成这一系列连贯性的则主要为阿宝的身世之谜。实际上早在第一部中，梦工厂就为后续情节埋下了伏笔。如观众备感疑惑的为何阿宝的父亲竟然是一只鸭子，两人无论是在外表抑或是人生旨趣上都大相径庭，这种设置也为电影增添了不少幽默元素。如身高体胖的阿宝真情涌动之下拥抱瘦小的鸭子父亲时给观众的“别扭”感。

在《功夫熊猫》的世界观之中，阿宝显然不可能是鸭子父亲的亲生儿子，片中已经明确展现给观众兔子的孩子依然是兔子，猪的后代也只能是猪。在第一部中，鸭子父亲就在期盼着阿宝梦中出现的是面条，从而能够子承父业，老老实实地继续经营他们的小吃店。然而阿宝梦见的却是功夫，这唯一的解释便是在阿宝的体内蕴含着极为深厚的功夫基因，因此他的人生注定不属于汤汁。而阿宝尽管看似愚钝，并且与鸭子父亲的关系极为亲密，但还是问过鸭子父亲为什么自己和他长得一点也不像。

但是鸭子父亲并没有在第一部揭开这一谜底。《功夫熊猫2》中则通过鸭子父亲的回忆让观众明白了鸭子父亲收养无父无母的阿宝的过程，原来当年阿宝的父母是因为被人追杀而与阿宝失散的。《功夫熊猫3》中，前来和平谷寻找儿子的熊猫李山出现，他们成为和平谷中仅有的两只熊猫，原来李山就是阿宝的生父。随后李山带阿宝去了神秘的熊猫村，阿宝由此不仅确认了自己的来历，还找到了离散的、跟他一样爱吃爱玩的同胞们。三部电影分别担负着设谜、解谜与让真相水落石出的不同任务。可以说，叙事上的独立性与连贯性如同自行车上的前后轮，共同驱动着《功夫熊猫》系列电影在商业性道路上的前行。 三、叙事的套路与细节填充

俄国学者、结构主义叙事学的创始人普罗普在对一百多个童话故事进行分析之后提出了“神奇叙事公式”以及“31功能理论”，他所提出的这些叙事套路反映出了人们意识之中根深蒂固的叙事心理。[3]因此，无论是在文学抑或是电影创作中，尽管不同的叙事在价值理念、原型映射等方面各有不同，但在叙事套路上往往都是不谋而合的。

《功夫熊猫》系列最为重要的叙事套路，便是成长主题的反复使用并对阿宝的成长进行了深化。对于面向成人与儿童的动画电影来说，成长主题是具备普适性的。弗洛伊德曾指出，由于生活过于艰难，人们为了忍受生活而不得不采取了多种缓冲措施，如转移注意力或寻找能够使人陶醉之物，从而麻木生活带来的痛苦。而成长主题叙事套路一般为主人公出身平凡，甚至带有缺陷，但是他有着某类正面品质，如善良、坚持，对于某事物的强烈热爱等，随后在他的成长过程中，他在接受友方角色的帮助、鼓励的同时，又遭遇着敌方角色或命运带来的种种阻碍甚至困厄。但是，最终主人公一般都能够战胜困难，取得带有励志色彩的成功，叙事以大团圆结局告终。

这一叙事套路是非常容易对观众产生移情作用的。“我对一个感性对象的知觉直接转移地引起我身上要发生的某种特殊心理活动的倾向，由于一种本能(这是无法再进一步分析的)，这种知觉和这种心理活动二者形成一个不可分裂的活动……对这个关系的意识就是对一个对象所生的快感的意识，必以对那对象的知觉为先决条件。这就是移情作用。”[4]首先主人公不起眼的出身能够迅速拉近他与观众之间的距离，并且这种对于观众的吸引是跨越种族与文化背景的。而当阿宝的成长过程中出现诸多强敌时，观众也会自然而然地联想到自己在现实中生存时所遭遇的种种逆境以及自己不得不咬牙坚持的记忆。最后阿宝获得的美妙成功则顺理成章地成为观众对于自己也能够奋斗成功的期待。

以《功夫熊猫1》为例，其中的阿宝给人以憨态可掬的形象，虽然他是一个功夫迷，但其肥胖的外表以及店小二的出身与人们印象之中的“武林高手”有着不小的差距，阿宝甚至还带有好吃、懒惰等不利于成功的缺点。他被乌龟大师选上成为神龙大侠的候选人更像是一个意外，而在被浣熊师父收入门下之后，他更是处处比不上同门的悍娇虎等人。但是阿宝并没有在严酷的训练之中退缩，而是坚定信念跟随浣熊师父，甚至他好吃的缺点都被转化为刺激自己不断进步的优点，甚至发明了“面条护身术”“肚腩凸击”等悍娇虎等人都使不出来的招数。最后他的成功则体现在打败了大龙，捍卫了和平，成为人人敬仰的神龙大侠之上。可以说，熊猫阿宝的成长奋斗历程是梦工厂给陷入麻木和压抑的当代人开出的一剂药方。

而在一部电影已经有了基本的逻辑与叙事框架之后，故事完成的仅仅是一个大致的模型，电影仍然需要补充大量鲜活有趣的细节来使整个故事富有血肉并使叙事形成节拍。这些细节的填充需要满足两个条件，一是叙事段落前后之间的逻辑要通畅;二是细节本身要足够精彩，为整个故事给观众留下深刻的印象而添砖加瓦。以《功夫熊猫3》为例，电影中阿宝回到熊猫村以后，终于能够见到自己的同胞。为了加深与大家的感情，同时也为了大家能够保护自己，身为神龙大侠的他开始教大大小小的熊猫们武功，让熊猫们能够以游击战的方式团结起来抵御强敌。而最终阿宝能击败天煞也正是得益于熊猫们的帮助。这里的细节不仅满足了叙事的情节线，还满足了叙事的情感线，即熊猫们帮助阿宝化解了危机，同时阿宝的形象也因为这一教学行为而变得更加可亲，观众也能从一直处于“被别人教”状态的阿宝到“教别人”的转变体会到阿宝的成长。

从《功夫熊猫》系列电影中不难看出，以梦工厂为代表的美国动画电影人们已经建构起了商业语境之下较为理想的动画长片叙事模式，在给观众带来视听方面的娱乐时，又以其较为完善，既具内涵又不失奇趣的叙事获取着观众的口碑。

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近年来，好莱坞电影是世界电影史上的一座里程碑，实现了运营与艺术成就方面的完美结合。下文是我为大家蒐集整理的关于好莱坞电影论文范文的内容，希望能对大家有所帮助，欢迎大家阅读参考!

论好莱坞电影的美术风格

[摘 要] 纵观美国电影美术的发展，主要是以好莱坞电影的诞生作为分界点。好莱坞电影无疑是世界电影关注的焦点，在当代影视领域中独领 *** 。从好莱坞电影美术风格的变化发展来看，其具有三个鲜明的发展阶段，即兴起、黄金时期以及现代电影美术三个阶段。本文聚焦于好莱坞电影的美术风格，分别例举出不同时期的优秀好莱坞电影作品，通过对电影场景、制作技术、表现形式等方面进行分析，并从不同的视角总结出好莱坞电影的美术风格。

[关键词] 好莱坞电影;美术风格;电影美术

美国好莱坞电影自诞生以来就成为引领世界电影潮流的先锋军，在当代影坛中占据霸主的地位。从好莱坞电影的美术制作来分析，它的美术风格并不能完全掌握，无论是经由影片公司制作的还是独立制片的电影，都因为电影题材的丰富性和多样性而不断形成了现今电影美术的发展态势，即具有变化性、饱满的想象思维以及震撼人心的视觉效果。因此，且不论好莱坞电影的投资成本，其独树一帜的电影美术创作风格也是值得我们学习的重点。

一、超级场面创造的大片风格

好莱坞电影的美术风格首先表现在具有巨集伟场面的大片风格，把人物造型、动作及其堪称完美的音画效果结合在一起，引领观众体验到一次又一次的视觉盛宴。例如在1916年由大卫・格里菲斯拍摄的好莱坞电影《党同伐异》中就展现出大片级别的美术风格，影片把同一时期的构筑式布景展现得淋漓尽致，并邀请了著名的雕塑家弗兰克・渥特曼主要负责影片的美术设计工作。相信看过这部影片的观众一定不会忘记镜头画面中呈现出来的精彩绝伦的视觉艺术，包括恢弘的场景、别具一格的建筑、富有形态感的造型设计、望不到尽头的广场、密集的人物运动，影片中包含的这些美术元素无疑使其成为视觉艺术的一大奇观。再者，影片中刻画的“巴比伦宫”，这一建筑的规模可谓是令人惊叹，在广大观众心中留下了深刻的印象，这一建筑也成为空前绝后的美术场景。因此，电影《党同伐异》也在很大程度上引领了好莱坞电影场景造型的大片风格，具有里程碑式的意义。这一型别的电影作品往往以视觉冲击作为主打，电影场景具有恢弘的气势，犹如排山倒海的气魄，使电影场面形成一个巨大的美术造型，可容纳多人的运动，影片所营造出来的美术风格无疑是极尽奢华的。在此之后的好莱坞电影纷纷把《党同伐异》作为电影创作的典范，这种大片风格也逐渐得到了发扬和继承，特别是当代创作出来的好莱坞电影，一些具有深远影响力的影片无不具有大片风格和超级场面。

二、制片公司所属的风格与装饰风格

同一型别的电影作品在视觉上产生了不一样的艺术效果主要归因于来自于不同的出处。在好莱坞电影美术的发展历程中，曾经一度出现了以片厂公司作为辨别的系统，并通过美术设计师与导演等人一同商议，决定影片的美术场景、服装以及风格。而电影的装饰风格则在查尔斯・霍尔等人所属的影片公司得到了体现，他们往往通过不同的装饰让整个场景空间产生不同的视觉感受，并营造出不同的美术风格，这就直接促使影片的外在材质存在明显的区别。美国著名的美术指导汉斯・德赖尔原先从事于德国的制片厂，所以不难理解他的电影创作中存在显著的简练风格，这是欧洲人独有的风格，同时他还擅长于营造出富有浪漫、美轮美奂的美术场景，惯用较为奢华的装置场景，正是由于汉斯・德赖尔个人的审美风格，才逐渐地促使派拉蒙公司的影像风格形成。

另一个声名鹊起的制片公司当属环球电影公司，主要是由赫尔曼・罗斯以及查尔斯・霍尔共同营造出较为阴沉和抑郁的美术风格。几乎每一个制片厂制作的电影作品都可以从环境中抽取典型的装饰风格，并且他们的创作调性也能展现出具有不同审美艺术的生活质感，凸显出场景的基调，彰显出制片公司所具备的装饰风格。在好莱坞电影的制作中，偏向于质朴感的现实主义风格是华纳兄弟公司特有的视觉感受，这一风格有赖于安东・格格特的塑造。在20世纪享誉全球的福克斯电影公司的美术风格则是由威廉・达林等人共同确定的，他们分别通过不同的形式来塑造富有特色并符合本公司特征的美术风格。于1928年成立的雷电华电影公司是好莱坞黄金时期的电影公司之一，当时是由范内斯特等人作为主要负责人，并成功塑造了罗杰斯的音乐片，1941年的好莱坞电影《公民凯恩》就凸显出这种装饰风格。

三、数字技术与电影美术结合创造的视觉风格

一般来说，传统的电影特技制作手段对好莱坞电影的风格并没有多大的影响，严格说它只是一种电影创作的手段，并呈现出现实无法完成的镜头画面，但因为受到创作工具、技巧等方面的制约，还无法展现出立体的、富有动感的影视画面，这一点从早期创作的电影作品《宾虚》等就能窥探一二。随着数字时代的到来，好莱坞电影的创作也实现了质的突变，之所以当代好莱坞电影能在广大观众的心里占据一定的地位，还在于其具有质量的保证，具体表现在富有美式特征的多样性场景、跌宕起伏的情节设定以及精良的特技效果。

好莱坞电影伴随着计算机技术的日趋成熟，“数字特技”对电影的影像语言产生了突出的影响，并在一定程度上弥补了传统特性的艺术表现力的不足问题，从而实现了完美视觉效果的呈现，使电影特技的艺术手法演绎得淋漓尽致。以1977年拍摄的好莱坞电影《星球大战》为例，其首先开启了工业光影魔幻的数字技术。及至1992年，由詹姆斯・卡梅隆等人共同创办的数字公司成立，标志着数字技术与好莱坞电影实现了完美的结合，并走向了电影创作的高峰时期，成功为电影艺术开启了全新的视觉享受。随着好莱坞电影《侏罗纪公园》的诞生，这一部影片被公认为现代技术的奇迹，著名导演斯皮尔伯格倾注了自己对数字技术的热情和智慧，为观众展现出一个跨越一亿四千万年的恐龙时代，让存留在广大观众心中的梦想回归到现实。

在此之后的好莱坞电影，例如1994年拍摄的电影《真实的谎言》、1997年的《泰坦尼克号》等经典影片无疑不是数字技术和电影美术风格完美结合的例证。尤其是在2009年，由詹姆斯・卡梅隆执导的立体电影《阿凡达》更是创造了数字技术的一大奇观，充分地展现出现代化的视觉风格;2010年由克里斯托弗・诺兰拍摄的科幻大片《盗梦空间》，再一次给观众带来了视觉艺术的惊喜，引领观众穿梭在梦境与现实之间，可谓是完美的视觉盛宴。这些好莱坞电影的创作手段几乎改变了电影艺术的发展态势，实现了从传统介面上升到全新材质的电影制作，在这其中最突出的成就还在于视觉层面的提升，就如同美国视效专家比尔・乔治所认同的，电影今后的发展就是数字技术。当前，影视领域已经迈向了数字时代，数字技术必将完善好莱坞电影的制作，尽显好莱坞电影视觉风格。随着数字技术不断革新和发展，对于影视领域来说无疑是一次巨大的飞跃，它把莱坞电影的视觉风格演绎得淋漓尽致，为其今后的发展开拓了全新的技术领域。

四、混合式现代风格

好莱坞电影的美术风格随着时代潮流的变化也会发生相应的转变，但是要恰当地评价其具体的风格是一件难以把握的事情，虽然当前好莱坞电影的美学特征都是通过形象片展现出来的，然而透过这些形象所展现出来的美术风格，就如同好莱坞电影本身一样，并没有生成固定的创作模式，所以都是一种宽泛的外在介面。当前，随着新媒体一度成为决定电影美术走向的因素之一，追求创新和现代化的创作理念促使电影的表现形式走向了边缘化的趋势。同时，视觉理论以及西方哲学思想也在不同程度上导致好莱坞电影的美术风格发生突变，当代好莱坞电影美术已经展现出多样化的创作，并积极打破了传统的介面，影片的表现方式不尽相同。

事实上，从好莱坞电影诞生之初至今，极少出现单一化的电影美术风格，即使是写实主义等型别的电影美术风格也并不是以单一的风格为主，创作者时常在主体风格中融入其他的电影元素，但不会影响影片的整体美术风格，因为在大多数的美术场景中都紧密地切合主体风格，并采用多种不同的表现手法。例如2005年上映的好莱坞电影《美国怪谈》，导演把故事背景切入到现实空间，但是影片中出现了许多梦境的画面就是采用了超现实的手法来展现出强烈的视觉效果。而其他的好莱坞电影，如2000年上映的《入侵脑细胞》、2005年的《罪恶之城》等都是沿用了相同的影像表现手法，在这一型别的电影中最为鲜明的美术风格则是混合式表现风格，例如基努・里维斯的代表作品《黑客帝国》系列就综合了多种表现形式，把东西方的功夫片、童话、漫画、科幻片等元素都交融在一起，凸显出混合式的表现风格。

另外一部好莱坞电影《闪灵侠》于2008年上映，这部影片的创作也运用了多种语言风格，包括现实与超现实的元素，同时也备受后现代主义文化的薰染，这些元素都在影片中得到了具体的表现，展现出一种混合式的现代美术风格。好莱坞电影《闪灵侠》还着重凸显出具有美国式黑 *** 的美术风格，影片中采用了平面原理，雕塑、动画等电影元素得到了最大化的利用，在电影的创作中并不局限于单一的形式，无论是视觉形象还是表现方式都实现了多元化的发展。混合式美术风格的诞生与数字技术的发展息息相关，并与新媒体艺术相互作用，成为好莱坞电影创作中的主导美术风格。

五、结 语

总之，好莱坞电影美术本身就是一个繁杂而又庞大的体系，如果纯粹从表层含义来分析是很难把握其本质的，但通过列举出不同时期内的好莱坞电影作品及其表现形式，无疑让我们对好莱坞电影美术风格有了大概的了解。本文分别从不同的视角来概括出当代好莱坞电影的美术风格，这些观点或者是经由考察，或者是个人的主观看法，不可否认对问题的探析存在认知上的限制。但以发展的眼光看待好莱坞电影，其电影美术必将与影视作品一样还会延伸出更多富有创新性的美国风格，要真正地把握好莱坞电影的美术风格就应对其不断认识和探究，才能把握住好莱坞电影美术的发展取向和风格。通过对好莱坞电影的美术风格进行分析，也可以警醒我国的影视工作者也应注重艺术的创新，对我国影视领域的发展具有学习的意义。

[参考文献]

[1] 全荣哲.浅析好莱坞电影美术[J].北京电影学院学报，201105.

[2] 陈同基.浅谈现代电影海报中美术艺术的表现手法[J].中国艺术，201201.

[3] 赵风民.白色银幕上的美学锋芒――浅析中国当代电影部分美术造型元素的内涵特点[J].当代电影，201209.

[4] 胡佳佳.中国电影中美术设计元素探析[J].电影文学，201206.

谈好莱坞宗教电影与文字之间的关系

【摘 要】电影《埃及王子》以《圣经・出埃及记》为基础，对一个耳熟能详的宗教故事进行了好莱坞式的改编。电影《出埃及记》表现出现实主义的基调，彰显著人的精神，凸显著娱乐性。而文字的《出埃及记》则表现出宗教的基调，强调了神的威严，体现出神的不可侵犯性。这两者是各有取舍，但是并不妨碍两者之间的相互促进。

【关键词】出埃及记;埃及王子;现实主义;神本主义;好莱坞影像

电影是一门综合艺术，它同经济、政治、宗教、科技有着空前密切的联络，而电影对其他艺术种类的吸收容纳更是它快速发展的力量之源。而以语言为载体的文学作为一种成熟发达的艺术种类，在人类社会发展的开始阶段就承载着记录历史的变迁、文明发展的重任。年轻的电影对古老文学的汲取是水到渠成的事情，可以说电影以文学为根基，用影像来表达自己的存在方式。但是电影并不拘泥于对原著绝对忠实的改编，而是根据视觉艺术的特点，呈现出自由选择的状态，其落脚点注重的是电影的“影像本质”的展现，也就是展现出来的画面是否好看的问题。电影《埃及王子》和文字《出埃及记》之间由于各自的特征不同，导致各自呈现出不同的取向。

一、电影的现实主义基调，文字的宗教基调

麦特白指出：“虽然好莱坞为观众逃避现实生活提供了承诺，但它却始终保持了社会的惯例，在情节和主题中，仍然描述了一种我们可加以辨识的社会状况。”现实主义的基调一直是好莱坞电影的主调。吴贻弓以“现实主义依然是不可取代的”为题，认为“美国电影是非常现实主义的，虽然有各种各样的美学形式，根本上说是现实主义的，否则不会调动全世界的观众。”关注现实的人的生活，才能在票房上大获全胜。蓝爱国认为“好莱坞电影奇观思维和梦幻逻辑的底层结构原则仍始终是大众现实的生存状态。”好莱坞电影经常探讨的是与日常生活密切相关的主题，如事业、爱情、家庭、社会问题等，这些问题都是生命在现实中每天要面对的诸多事情，反映出电影对人生的思索。

基本上来说，电影《埃及王子》只是借用《圣经・出埃及记》中为大家所熟知的人物和大致的情节，凭借著书中描写的寥寥几段话，通过电影的虚设，成就电影版的《埃及王子》。电影着重渲染的摩西的爱情和事业。电影的前半部份都定格在摩西的成长和爱情的收获上，摩西的事业是伴随着他的成长而进行的。摩西作为神的代言，替神来完成拯救大众的使命，影片呈现出一幅幅现实主义的画面。从总体上来看，电影讲述的是一个人间英雄的故事，我们处处看到是作为一个人的英雄事迹，其间经历很多的磨难，而不是仅仅依仗神的威力。电影只讲述了文字《出埃及记》前半部分的故事，对后半部分就没有提及。好莱坞版本《埃及王子》在摩西带领以色列人逃出埃及法老的残酷统治，奔向幸福之地中就结束了，英雄在救美与救世中成就了自己，成就了好莱坞的英雄主义情结，强调了反抗压迫，追求自由的美国精神。

《圣经》文字重在描写耶和华的威力和对民众的恩惠。文字的重点在对耶和华神威的展示上，在“神召唤摩西”和“神赐摩西行神迹的权能”中，摩西见识了神的法力无边，然后神让摩西去代替他拯救自己的子民。摩西按照神的指示，见法老请求让以色列人离开埃及，去寻找自己的幸福。但是法老不肯，文字中就描写神的雷霆之怒，降下十灾，即血灾、蛙灾、蝨灾、蝇灾、畜疫之灾、疮灾、雹灾、蝗灾、黑暗之灾、击杀长子的警告，最后到埃及头生的被杀，都在着重描述神的奇迹。过红海的时候，神在海中劈出一条生路让以色列人避开埃及人的追杀，同时又把埃及人全部淹死。耶和华的力量让以色列人顶礼膜拜，这在文字的4到14章中重点描述，显示出神强大的威力。摩西作为一个人，在文字中成为神的傀儡，摩西所有的力量都来自这个无所不在的神，而且处处要显示出神的威严和神的不容怀疑。文字的长度分为40章，在15到40章中，描写了旷野的旅程、在西奈立约、有关崇拜以及会幕的指示、盟约的破坏与重定、建造会幕的事情，都在渲染宗教的气氛。

二、电影的娱乐性 文字的神圣性

在克罗齐“一切历史都是当代史”的经典阐释中，道出了好莱坞电影人的智慧。他们总是能让任何电影去适合当代人的当下口味，以美国当代的文化价值去演绎一个千古的圣经传奇，既能体现出人文精神，又能和商业元素结合。基督教和大众娱乐的结合能否“使自己免于臣服于文化时尚”而保持自身的神圣性也不得而知。当今的时代技术发展迅速，而且多元文化流行的时代，宗教的神圣性到底在多大程度上能被在影像中表现出来，的确是一件很困难的事情，世俗的娱乐性与宗教的神圣性毕竟还是有所冲突的。文字充满了宗教的严肃性，在文字中，绝对禁止任何对神不敬的行为，连神的形象都是不容许被塑造出来，否则会被降以灾难。神没有形象，不容许凡人亵渎。文字处处都在加强这种神圣感，而不允许有任何的懈怠。因此，圣经中的人的自由与权利不是与生俱来的，要听命于上帝的意志。这些权利来自上帝的赐予，以上帝所启示的律法为标准。人要爱神，因为神就是真理，不容有半点的怀疑。而且要与上帝建立正确的关系还有一点就是人类要彼此相爱，建立一种和谐相处的根基。只有这样，神对人的拯救才能最终获得成功，而文字的神圣性也在救赎之中体现出来。

这部电影可以说是圣经故事与当代美国流行元素的拼贴。电影的娱乐性主要提供视听 *** ，在乎视觉和听觉的享受。同时在情感层次上，提供满足人 *** 望的内容，讲究的是以情动人。好莱坞电影惯于营造美国梦想和精神，对和平、自由的向往与追求成为寓教于乐最好的诠释。再者动画片用科技的手段将现实中不可能出现的场面绘制出来，比如水变成血水，红海中出现的路，电影用自己的魔术效应，让我们的视觉感官得到强烈的冲击。摩西分开红海那一段，虽然只有7分钟，但是由16画师花上3年心血，经历318000个电脑制作小时完成。这是动画中首次出现超高真实度的水，给观众强烈的视觉冲击力。观众不厌其烦地选择相同的型别电影，除了满足自己期待视野不会落空外，更深层的原因是在熟悉的影像空间中去寻找视觉娱乐。在视觉和听觉的双重娱乐下，消解了宗教带来的压迫感。

三、文字与影像传播的互动性

尽管文字和影像这两者是有矛盾的，但并不妨碍两者之间的相互促进。电影依然要忠实于文字最核心的内容与框架，尤其是面对一些经典文字，更是慎重。如果改编太背离原著文字，会引来很多指责和批评。影象的优点是生动形象，资讯量大，但是影象浅显易懂，直白解说，理解的难度很大程度上降低，缺乏审美上的想象力，观众只需被动接受就可以了，一些研究大众媒体的人对此是有着清楚的认识的。人面对文字是要主动思索，进行想象虚构的难度，这种阅读的乐趣就在陌生化的语言中得到延伸。历史上，影象总是处于被歧视的地位。在《理想国》中，柏拉图著名的“三张床”理论就把影象看做最低阶的摹本。在《圣经・出埃及记》中，人们要给神塑造形象，把神塑造成一只金牛犊的样子，结果引来了神的愤怒，给民众带来了灾难。同样，在把文字改编成电影的时候，很多人对影像的制作也是颇有微词的，因为影像抹杀了人的想象力。但是在日常生活中，影象的传播已经无处不在，而且还作为一种不可或缺的力量促成了人的现实活动。

四、结语

如此看来，影像和文字之间的不同是基于各自不同的价值取向，和各自不同的艺术门类的特点来规定的。每一个艺术门类的都有自己各自的特点，每一个艺术门类想要去和别的艺术门类相关联，都首先应该考虑的是自己的特征问题。文字以语言取胜，电影以画面取胜，电影对文学作品的改编，一切都源自于对自身完美的追求，采取一种“拿来主义”的原则。好的影像传播不会丢弃文字的人文情怀的核心价值，而好的文字也力图通过语言来展现自己的价值所在。

参考文献

[1] [美]理查德・麦特白著.好莱坞电影[M].华夏出版社， 2005.

[2] 吴贻弓.现实主义依然是不可取代的[N].社会科学报， 2006-6-1.

[3] 郝一匡等译.好莱坞大师谈艺录[M].中国电影出版社， 1998.

[4] 麦格拉斯Alister McGrath著，董江阳译.福音派与基督教的未来[M].北京：中央编译出版社，2005.

随着电影工业的蓬勃发展，电影已将触角伸至社会生活的各个角落，逐渐成为人们日常休闲生活不可或缺的精神食粮.下文是我为大家搜集整理的关于电影类论文3000字左右的内容，欢迎大家阅读参考! 电影类论文3000字左右篇1 浅析新女性主义下小妞电影的人物塑造 那么“小妞电影。在这样一个大环境里，看准了消费者的观影需求，尤其是现代女性观众的内心需要，从年轻女性对爱情、都市时尚以及独立精神(这也和“小妞电影”中最主要的元素想吻合)的追求再到通过电影的自身特质的展现，不断迎合女性消费群体，找准市场定位，塑造了一个又一个符合年轻女性身份的“小妞”形象，也拍摄出多部口碑票房双赢的“小妞电影”。 “人物是电影叙事文本的基础和灵魂”，电影中的人物，是电影创作中的核心，也是作品的核心，更是是叙事的核心，是矛盾冲突的核心。电影中的人物是电影叙事的实现者，电影是通过人物性格的打磨以及画面和声音，进行对人物的塑造和对角色的诠释，使得电影的叙事具有生命力，能够让观众通过人物走进电影。上世纪女权主义的三次浪潮，让越来越多的女性开始追求要在各方面与男性看齐，而不是再作为男性的依附者。电影作为一种文化反射，小妞电影逐渐走红。小妞电影中的女主人公是生活工作在大城市的现代女性，具有经济、情感上的独立性，电影设定的轨迹一般是女主人公经过重生获得了美好。 一、现代女性面对的生活压力 现代都市年轻女性承受着来自多方面的压力，生活节奏加快，情感越来越匮乏，人们越来越孤独。女性在社会生活中经常是身兼数种角色于一身，需要有工作、家庭两不误的奉献精神，因此她们面临着就业、竞争、感情和家庭等方面的多种压力，而20岁到30岁的女性在工作和感情上的问题比较多。“小妞电影”恰恰是以这一群体为创作对象和主要受众，很多刚刚步入社会和职场的年轻女性都会碰到工作和感情上的双重压力，因此她们和电影中的“小妞”们能够找到共同语言，能够在电影里找到自己的影子，同时也能够在幽默轻松的电影氛围里得到放松，她们也就会在做观影选择的时候偏向于选择“小妞电影”。“电影《欲望都市》在首映当天，女性观众的比例高达85%，而在25岁以上的观众群中，女性所占比例为80%。影片在上映首周便以5000万美元登顶北美票房榜，而3-4亿美元的总票房几乎全部由女性撑起。” 二、新女性主义下的寻找自我与成长 新女性主义开始于20世纪60年代末70年代初，新女性主义不仅要求变革法律制度、争取女性的合法权利，而且呼吁突破父权制思想的压迫，建构女性意识，形成一种新的价值观念。也就是说，现代女性从内心更希望活出自己的一片天空，渴望突破现实生活中的性别歧视，获得自由，不再成为男性操纵的对象，强调男女性别平等。她们渴望进入社会，参与竞争，让自己以一个独立女性的身份在社会站稳，而不是作为男人的附庸，以男人为自己的生活中心。现代的新女性主义随着社会的不断开放，各种思想的激烈碰撞，也探索出解决性别冲突的一系列手段，其中非常重要的一种方式就是文学和影视作品(这里对文学作品不做赘述)。 在杜拉拉的职场奋斗过程中，她始终信奉着自己的职业理想，将工作永远放在第一位。影片里有四处地方能够体现杜拉拉追求独立的精神： 一是杜拉拉在DB公司面试时回避说出离开之前公司是因为性骚扰的原因，而是强调要追求自己的职业理想; 二是杜拉拉在公司内部竞聘HR的时候，拒绝王伟一起出去散心的提议，而是说到“我还有我的职业理想”; 三是当王伟提出让拉拉和自己一起当背包客的时候，杜拉拉摇摇头，说到自己从来没有想过放弃工作;四是在公司年中年会的上，王伟评价杜拉拉更在意自己的工作和公司对她的看法。显然，无论是从杜拉拉自己的口中还是从他人的角度，我们都可以看出杜拉拉对职业的追求和热爱，甚至放在至高无上的位置，不可撼动。 并且在好友海伦因为办公室恋情曝光，主动离开公司，甘心做DB员工家属的举动，也可以衬托出杜拉拉的独立个性，渴求和男人站在同一个高度。其实，这样的情况不只发生在杜拉拉一个人身上，而是发生在拥有新型婚恋观的新女性身上，她们认为“爱情不是依附，爱情是各自坚强独立，在努力走到一起”，就像《非常完美》里的苏菲在失恋时体会到的“女人只有找到自我，才能找到真爱”。都市里的年轻白领们接受了高等教育，独立个体的意识很强烈，反对职场中的性别歧视，渴望成为职场精英，以至于成为“女强人”，在获得事业上的成功时又失去了情感和家庭。情景再现，使女性观众找到自己的影子，她们找到了一个“发声筒”，一个“反光镜”，所以这样一个能够充分找到共鸣的电影类型成为广大年轻女性观众的重点观影对象，是可以理解的。 社会的发展推动了新女性主义的发展，女性开始争取属于自己的权力。小妞电影作为新女性主义文化的反光镜之一，用独特的视听语言表达了新时代女性的追求与向往。国产小妞电影起步较晚，存在着类型不明确、故事牵强等不足，目前小妞电影需要根据受众和市场需求，塑造出独具中国特色的小妞电影。 电影类论文3000字左右篇2 浅析电影《大追捕》对暴力场面的美学处理 随着电影工业的蓬勃发展，电影已将触角伸至社会生活的各个角落，逐渐成为人们日常休闲生活不可或缺的精神食粮，一场90分钟的电影，可以是一场洗礼，洗尽观者一身铅华;可以是一台闹剧，缓释观者紧绷的神经;可以是一次穿越之旅，带领观者体验不一样的人生……电影银幕恰似一方神奇的所在，纯白幕布上跳跃的影像就如同电影导演这位“自由的画家”挥洒的不同风景，传递人生喜怒、世间伦常，带给观者心灵的感悟和视觉上的享受。电影就是这样直观的所在，即使于影像之外体悟到不同的思想内涵，那也是社会经历和文化背景的映射，我们不得不承认，一位优秀的导演就是有那样的能量，仅仅依靠视觉上的冲击，就带给观者心灵的震撼，因此在场景上大做文章是一部影片优秀与否的重要考量。 纵观世界电影发展历程，“暴力”是一个重要的社会问题和哲学问题，暴力场面在多种题材的影片中的展现长盛不衰，但由于其本身具有的社会功能和道德功能，导演在暴力场面的处理上逐渐归于一种“美学”呈现，弱化了暴力场面的血腥和冲突感，在表现上趋于柔和的观感和视觉的盛宴，影片《大追捕》在暴力场面的处理上就别具匠心。 一、打斗场面的美学处理 由周显扬执导的影片《大追捕》上映于2012年3月15日。该片围绕两宗相隔二十几年却被警方认定是同一凶手所为的凶案展开，通过警匪间扑朔迷离的故事将真相娓娓道来，其中暴力情节的存在一方面强化了影片情感的表达，另一方面也推进了情节的发展。片中共有10处暴力场景的呈现，其中最为精彩的当属影片开端男主人公王远阳在狱中与人打斗的情景，四人搏命相争、刀拳相向，本为血腥气最为浓重的一场戏，却被导演打造成了一场精彩绝伦的武舞大戏，堪称视觉佳宴。 (一)色彩情感的运用 色彩情感是一种色彩心理反应，当人在视觉上接收了不同的光信息后，会经由思维并融合过往的经历等而生发情感，感染人的情绪。影片导演周显扬很巧妙地利用了色彩情感对暴力场面进行了美化，在降低了打斗场面的血腥味的同时又完好地保留了暴力塑造人物性格、推动情节发展的功能。该片主要采用了昏黄的色调对暴力场面进行了渲染。黄色是一种明亮的色彩，通常给人以灿烂、辉煌、积极向上的感觉，而当黄色被降低色度，虽然会瞬间失去光彩，却给人以沉重、肃穆的压迫感，而用在王远阳与人打斗的场景中，则一方面弱化了具象斗殴场面带给人的惊惧感，一方面加强了整个过程的恢宏气势，与浴室喷头潺潺而下的水帘相得益彰，在光影的作用下，充满暴戾气息的浴室瞬间化作一个炫目的舞台，成为王远阳四人的“斗舞场”，张扬而不牵强。 (二)形式化搏斗场面的打造 电影中音乐的运用能够在烘托气氛、美化视觉效果等方面发挥重要作用，一段低回婉转、舒缓悠长的乐曲是治愈忧伤的良方，渲染影片氛围，直抵观众心田;一段欢快优美、高亢悠远的歌声是快乐情绪的催化剂，促进观众情感的迸发，使其与影片人物同喜同乐。而在该片中，音乐始终贯穿于王远阳与三人的打斗过程中，弱化了喊叫声的呈现，其中咄咄紧逼的节奏更是增强了整个场景的紧张感，使武舞形式下打斗场面的戾气以更加温婉的气势直抵人心，引导人们以一种欣赏的眼光来看待整个过程，从而削减了这个暴力场面的道德意识。 影片开头，水帘下王远阳一张扬起的脸像是一个亮相，预示着“好戏”即将开场，果真，镜头一转，映入眼帘的便是在王远阳的徒手撕扯下一张狰狞的脸，镜头中王远阳对对方的拳脚相向引来被打者的帮手，这些人的出现不是粗暴乱入，而是“踏水而来”，昏黄的灯光，溅起的水滴晶莹剔透，像是给那只脚穿上了水晶鞋，画面绚丽夺目，如果时间停留在那一刻，观众该会沉醉其中而不能自拔吧!但是“好景不长”，几人厮打在一起，王远阳扭曲的脸庞尽收眼底，此时一个慢镜头的运用，道尽了他被打的痛苦，而少去了凶暴之气。王远阳挣扎之余用脚踹开了对面的人，此人倒地时还是一个慢镜头的处理，借着飞舞的水花，眼前又是一个优美的“舞蹈地面动作”，美轮美奂。与此景相同的处理还有被王远阳打到晕倒而撞墙的人物形象，撞向墙壁的瞬间，都在慢镜头的处理中，与周围晶莹的水线构成了一幅优美的画面。整个过程中，几个人扭打的场景，都被呈现于全景镜头中，雾气缭绕，水声阵阵，健硕的身体线条，无一不为弱化场面的暴力气息发挥了作用，给观众呈现了一出优美而壮阔的舞蹈大戏。 二、暴力虐待场面的美学处理 影片中有两段对立且纠缠不清的关系，都与在音乐方面极负盛名的徐翰林有关，他是杀死养女徐依云并伪造现场掩盖真相最后嫁祸于人的凶手，又死在也有着他养女身份的徐雪的错手推搡下。徐翰林与两人的纠缠在于他看不得他的养女们与任何男人的交往，一旦发现，哪怕是眉眼间传情，都要被他侮辱和大骂。影片中徐翰林的第一次暴怒源于他在接徐雪放学时发现有一个男生对徐雪微笑，虽然当时他并没有什么反常的反应，还友好地和徐雪就读学校的校长谈笑风生，但回到家后，他就像是变了一个人，对徐雪大肆唾骂，骂她不要脸、不知廉耻，言语之间尽是变态与不堪，完全不是一位父亲应有的姿态。 面对徐翰林的质问，徐雪一句“没有”就遭到了他的暴打，显然这个回答并没有让他满意，但接下来的情形则充分显露了徐翰林的变态，他一方面对徐雪否认的回答产生质疑，逼她承认与那个男生有关系;一方面又阻止徐雪产生与其他男生在一起的想法，而且还摸徐雪的手，与她耳鬓厮磨，告诉她这么做都是为了她好。徐翰林对徐雪第二次暴怒发生在发现徐雪将电话号码告诉了别人，在并未弄清这个电话到底源于哪里时，就对徐雪一顿暴打，不问青红皂白就辱骂徐雪太不要脸了。这两个场景的处理上有异曲同工之妙，无论是徐翰林的暴打还是辱骂，徐雪都没有任何反抗，这无疑弱化了两者对抗间的冲突感。此外，这其中还穿插了4个徐太跪拜佛前的场景，这是对徐翰林罪恶的救赎，也化解了影像的戾气，缓和了观众的情绪。徐翰林与徐雪的第三次冲突其实是第二次冲突的续写，徐太的口供道出了徐翰林死亡的真相，而徐雪也第一次对好朋友吐露心声，承认是自己失手将徐翰林推下楼。第三个场景中，徐翰林的行径更加恶劣，其下手之狠戾透着杀气，徐雪被推向酒柜，酒瓶瞬间倒落，足以见得徐翰林推搡徐雪力气之大，而后徐翰林仍没有放过虚弱倒向沙发的徐雪，这时徐雪开始反抗了，她拿起棍子打向徐翰林的腿，但此时导演则采用了近镜头，镜头中徐翰林的腿和后背成为主体，弱化了整个争持场面的紧张气氛。 徐翰林与徐依云的冲突源于徐依云想要带着孩子离开家里，她打电话求助男朋友王远阳，没想到这一切被本来因为酒醉熟睡的徐翰林听到，他因此而暴怒，大力将徐依云推向墙壁和钢琴上，最后推到地上，徐依云被地上的尖锐物扎到，然而这一切并不足以消解徐翰林的怒气，他拽起徐依云倒在床上，嘴里说着让她说话，却狠狠地捂住她的口鼻，最终徐依云死在他的手里，为了掩盖自己的罪恶，徐翰林撕碎徐依云的衣裙，制造了她被奸杀的伪证，并报了警，打开门想让王远阳替他背死罪，此时应徐依云要求来接她们母女的王远阳赶到徐依云的家，看到徐依云被害的场景，他惊呆了，警察赶到，王远阳成为这起谋杀案的嫌疑人。这一场景中，徐翰林对徐依云动手的整个过程中，除了眼泪的控诉徐依云没来得及说一句话，冲突感因此而大大减少，另外，雨帘下徐翰林残忍谋杀徐依云的情境被模糊化，削弱了血腥气的呈现，使徐翰林杀人的整个经过在情绪渲染上柔缓了些，更易于观众接受。 三、警匪暴力对峙场面的美学处理 影片中10个暴力场面中有5个是王远阳与警察之间的暴力对峙。第一个是王远阳接受审讯的过程，面对警方的暴力质问，王远阳一声未吭，被逼到忍无可忍，他的一句“不是我啊”却遭到警方暴打，一脚将他从凳子上踢下来，揪住他的头撞向桌角，但此时镜头并未直接对这一情景进行细致的刻画，而是通过晃动的桌腿展现出来的，削减了血腥感。整个过程中音乐元素再次被启用，肃穆低沉的乐曲似乎在为这个无辜青年鸣不平，银幕上大片的黑色一方面透出回忆的味道，同时也加强了压抑感，虽然视觉上观众并未看到更多王远阳被打的细节表达，但从心理上却已经感受到了他的哀怨，这是导演对该场面的处理之美。 王远阳对警察实施暴力行为的第二个场景其实算不得一场真正的对峙，他来找阿萤并用衣服罩住她的头却并未给她造成致命的伤害，随着后来的情节推进可以知道，他去找阿莹的目的其实是想引导警察偏离真相，将罪责引到自己的身上，替亲生女儿徐雪顶罪。王远阳挟持阿萤走进房间，抵抗中的阿萤被王远阳抱起抡到地上，过程中阿萤的腿扫向桌上的酒瓶等玻璃容器，瓶子散落摔下，是两人冲突间力量的最好诠释。阿萤被迫躺在王远阳身上并挣扎时，镜头为观众呈现了阿萤的视角，一个被衣服盖住的白色空间，压迫感顿时倍增，加强了阿萤的情感诉说，无助而恐惧。 王远阳与警察的第三次对峙是与整个案件的推动者林正忠的对决。林正忠是个“死脑筋”的警察，执著而倔强，为了探求真相不惜付出一切。林正忠怀疑王远阳是徐翰林被杀案的凶手，意图套出口供将他逮捕。林正忠在惩教所等到来报道的王远阳，并将他带到大屿山，那个王远阳与徐依云曾经常常约会的地方。缆车上，林正忠对王远阳循循善诱，试图让他承认因为恨徐翰林不同意他跟徐依云在一起而起杀意，出狱后就杀了他，无奈20年牢狱中隐忍的生活已经让王远阳声带受损，他已经说不出任何话了，而他的手势林正忠也并不理解。而后王远阳猛然拿出刀子，与林正忠两人扭打在一起，这一切在林正忠掏出手枪后结束，然而这并不是结局，显然，此时王远阳在狱中的苦练显现出成效，林正忠并不是他的对手，林正忠头部被打后，变得晕晕乎乎，王远阳趁机对缆车底部开枪，并用力踩踏，最终他和林正忠掉下来摔倒在山林中，王远阳一瘸一拐地逃跑了。在这场冲突中，肢体语言的表达淋漓尽致，但导演却将场景选在了美丽的大屿山，绿意盎然、辽远开阔的视野带给观众非常美的观感，不失为一场视觉上的享受。 王远阳与警察对峙的第4个和第5个场景源于同一事件，王远阳面对的对立者同为警察，但他却有不同的目的。金钟大厦里面，黑暗中王远阳只身打伤了两名警察并拿走了他们的手枪，黑暗场景的设置，摒除了部分打斗过程的暴力感，而警察的喊叫声为这场争斗做了说明。之后，王远阳来到女儿身边，将带有徐雪母亲徐依云照片的项链戴在已经晕过去的徐雪身上后离开。而后，由林正忠带队的警察赶到，却是王远阳开枪引起了他们的注意，王远阳将他们引到天台，天台上在枪声中飞奔的王远阳矫健的身影，又一次为画面增色，添一抹美感。最后王远阳站到天台边上，林正忠赶过来，他已经知道了一切，他丢掉手枪，屏退身后的同事，向王远阳道出自己所知的真相，而他所叙述的王远阳和徐依云都是受害者，徐雪是杀死徐翰林的凶手这一线索的确就是真相所在，王远阳听完之后用已经坏掉的嗓子发出了咿咿呀呀的声音，然而他最终说出了什么，林正忠的理解对不对，都听不到正确的答案了，为了替女儿顶罪并把这件事做到天衣无缝，王远阳选择了投进身后的万劫不复，结束了自己的生命，意图换来女儿的新生。深沉的父爱掩盖了一切，包括暴力，包括隐忍，包括真相，这是导演的高明所在，也让我们深深地感受到父爱的伟大和美好。 猜你喜欢： 1. 电影类的论文参考范文大全 2. 电影类型的论文 3. 关于科技论文3000字左右 4. 电影类的论文例文 5. 有关于电影论文