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19世纪以来在西方流行的主要美术流派 19世纪以来在西方流行的主要美术流派：新古典主义美术、浪漫主义与现实主义美术、印象画派、现代主义美术五大流派。 新古典主义美术产生的社会背景:新古典主义美术产生于18世纪末19世纪初的法国，与资产阶级革命有关。18世纪末19世纪初，法国社会动荡不安，伴随着启蒙运动和法国大革命的到来，资产阶级反对旧制度下的陈腐艺术风格，他们需要艺术成为宣传革命，鼓吹自由、平等和共和的有力武器；需要用艺术培植人们的斗争勇气，树立英雄主义的气概。他们追求古代希腊罗马的英雄主义精神，新古典主义美术应运而生。 它的基本特点是：采用古典形式，体现理性和新制度，大多选取了古代希腊罗马的历史和神话题材，人物充满着为自由和共和而战的英雄气概；画风古朴、庄严、典雅，注重素描，强调线条的清晰和准确，追求形式上的完美。 该流派的代表人以及代表作品：法国画家大卫《马拉之死》和《拿破仑加冕式》，安格尔《泉》。 二，浪漫主义美术出现的社会背景、基本特点 浪漫主义美术产生于大革命失败以后的波旁王朝复辟时期，人们对启蒙运动宣扬的理性王国越来越感到失望，一些知识分子感到苦闷，他们反对权威、传统和古典模式，从而产生了浪漫主义美术。 浪漫主义美术代表人物以及代表作品 法国的德拉克洛瓦是最伟大的浪漫主义画家之一，西奥岛的屠杀》描绘了希土战争中希腊人民遭受土耳其军队虐杀的情景，画家表现了对希腊人民极大的同情。《自由引导人民》描绘的是1830年7月革命，法国的工人、市民和小资产阶级知识分子走上街头反对封建政权的场面。浪漫主义绘画另一位杰出代表是西班牙画家哥雅，他的艺术具有鲜明的“民族特性、现代性和实际的历史性感觉。”他最有代表性的绘画是《枪杀马德里市民》，画家描绘了1808年西班牙人民起来反对拿破仑入侵的史实，他以无法抑制的热情歌颂了爱国的人民。 现实主义美术出现的社会背景、基本特点 现实主义美术产生于19世纪中期的法国。资产阶级夺取政权后，资本主义社会的黑暗使得人民及先进的知识分子产生了不满和苦闷的情绪。因此他们要求真实的表现现实，并且对现实加以暴露和批判。现实主义的基本特点是：强调艺术的时代特点，直接描写当前的时代风貌和斗争。 现实主义美术代表人以及代表作品 米勒出身于农民，擅长用农民的眼睛看这个农民的世界，他的艺术像一面镜子真实地反映了法国19世纪40～60年代农村的面貌。他既歌颂农民的善良、淳朴、热爱劳动的本质，也表现他们的保守、虔诚、逆来顺受的弱点。代表作品《播种者》和《拾穗者》都反映了这样的特点。列宾是俄国现实主义绘画的主要代表之一,《伏尔加河上的纤夫》是他的成名之作。列宾曾去伏尔加河写生,纤夫的生活给他留下了难忘的印象，画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难地拉着纤绳，纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。
这世界的Sunflower——梵高的梦摘要：简单地插在花瓶里的向日葵，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。梵•高以重涂的笔触施色，好似雕塑般在浮雕上拍上一块黏土。黄色和棕色调的色彩以及技法都表现出充满希望和阳光的美丽世界。然而在画此作的同时，画家死命想抓住的这个世界还是缓慢却无情地溜走了。或许这画的表面反映了他悲剧性的短促一生接近终结时期的心理状态。他是个热爱自然并能从简单的事物看到纯粹之美的画家，他说他宁可画从窗户向外看到的树影而不想象中的美丽幻像。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高的生活，如梦如幻，在世间轻轻地挥毫，为这世界留下一片刺眼的明黄！关键词： 生平 艺术 价值一、 他的一生像向日葵一般——明亮得悲哀（一）梵高与梵高家族 文森特•威廉•梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，是年他才37岁。梵高的祖父是一位牧师。也叫文森特（Vincent van Gogh ） 梵高的祖母叫伊丽莎白（Elisabeth Huberta Vrijdag 1790-1875）来自一个瑞士家庭。他们生育了12个孩子，其中一个在幼年时就死了，剩下了5个女儿和6个儿子。 梵高的父亲西奥多卢•梵•高（Theodorus van Gogh ）1849年就在尊得特布道，他是一位基督教牧师。两年后他与梵高的母亲安娜•科尼莉亚（ Anna Cornelia Carbentus -1907）结婚，安娜生于海牙，她的父亲在海牙被誉为“国王的装帧师”，因为他被选中装订第一部荷兰宪法。他的几个女儿中，有一个嫁给文森特•梵•高叔叔。他们的第一个儿子刚生下不久就夭折了，而当梵高降生后，他被取了那个死去的兄长的名字：Vincent willem。 梵高在家中是老大,他还有三个妹妹和两个弟弟。在凡高一生中，他只与弟弟提奥和妹妹威廉明娜保持了亲密的关系，而提奥也是凡高这一生中最大的支持者和崇拜者。在梵高1890年去世六个月后，提奥也追随他的兄长去了…虽然梵高的父亲只是一位牧师，但凡高家族在当时是很有社会地位的，因为梵高的几个叔叔伯伯在当时都是“很有影响”的人物。（二）梵高与梵高人生 梵高1853年3月30日生于津德尔特，早期因为表达内心的悲痛，曾割断了自己的耳朵。1890年7月29日在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。曾在巴黎结识E.贝尔纳、P.西涅克和P.高更等画家。 1888年2月，梵高在朋友推荐下来到法国南部小城 －阿尔，并很快爱上了这儿。猛烈的阳光和刺目的麦田使他 “疯狂”。创作进入了高峰。虽受法国印象派和日本浮世绘影响。但他的作品已极具个性，这源自其独特的视角和敏感的性格。他热爱大自然，热爱生命； 他不满足于只是理性的 “模仿事物的外部形象”，而要借助绘画 “表达艺术家的主观见解和情感，使作品具有个性和独特的风格” （引号中的是凡高的原话）。所以， 梵高是用心灵作画的大师。梵高在小城广场边租下“黄房子”， 想建立“画家之家”。后来高更前来同住。不幸的是，梵高梅毒进入三期，引发精神时常， 他与高更日夜争吵，后发生著名的 “割耳事件”。在阿尔居民的抗议下，梵高迫离开，并自愿前往距阿尔不远的圣雷米的圣保罗精神病院接受治疗。梵高在阿尔创作了大量的作品，但仍无法卖出以养活自己。《向日葵》《收获景象》 《夜间咖啡馆 - 室外》《夜间咖啡座-室内》 等是这一时期的代表作。精神病的恐惧和对前途的迷茫中。他每隔几个月发一次病，但事后却非常清醒，并且经常到户外作画。令人惊叹的是，梵高在这样的情形下并没有颓废，而是画出了一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。这一时期的作品，许多都表现出强烈的情绪和“视觉冲击”，旋转的线条，粗犷有力，让人感到画家复杂强烈的感情和表达的冲动。代表作品有：《星月夜》《柏树》等。值得一提的是，正是这时，评论家开始评论梵高，而且卖出了他生前唯一一张油画。7月27日下午，梵高外出作画时开枪自杀。29日黎明，凡高在提奥身边死去。当时他只有37岁。关于梵高自杀的原因始终存在争论。个人认为，梵高的自杀并不只是由于精神问题，《麦田上的乌鸦》等作品绝对是画家极其清醒的状态下画的，但这些画暗示了梵高的死亡却是很明显的。梵高在成名前夕突然自杀，也许终是一个谜。但请记住他的遗言：“The sadness will last forever…” 梵高死后，他的名气越来越大。随着作品在各地的展出和书信的出版，甚至传记小书的出版，凡高在世界各的逐渐家喻户晓，俨然已成了最受爱戴的艺术家之一。凡高生前穷困潦倒，而死后，其作品竟成了亿万富翁炫耀的资本！在世时的穷困潦倒，离世后的辉煌腾达，他的一生像向日葵一般，明亮而悲哀！二、 他的艺术像刺目的阳光——炽热却温暖（一） 梵高的作品意味深长1 朴实的画这里展示的是梵高最早的油画。当梵高画它们时已经是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881-1883年间。此前，梵高在博里那日矿区受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。可以说，凡高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差，但画中所表现出的气质与精神却是永恒不变的。 梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生和习作后，他完成了第一幅著名作品（所谓的著名都是后人评价的结果，当时的凡高只是个待业青年）－《吃土豆的人》。这幅作品和他这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响，画面深沉，有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结，他似乎很想成为一位农民画家。一方面，他受到“精神导师”米勒的影响，更重要的可能是内心深处对乡间生活的向往，对淳朴农民的尊敬和对诚实劳动的赞美！2 意向的华丽 割耳朵后的自画像1888年梵•高邀请高更来阿尔同住，起初他们相处愉快，但随着梵高病情反复，两个的艺术家却是不断的争吵。在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵•高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的右耳。 世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师——就像曾经给他的笔端注入魔力。我们惊讶地注视着梵•高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势：他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。想到这里，也就能理解梵•高作品中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。 梵•高死了，却留下了一只著名的耳朵——这最后的遗物似乎并没有失去听觉，收集着后人的议论。 梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。 夜间露天咖啡馆梵高的激情，来自他所生活在其中的那个世界，来自他所认识的人们所做的按捺不住的强烈反应。这绝不是一个原始人或小孩子所做的那种简单的反应。他写信给弟弟提奥的信，是一个艺术家写出来的最动人的故事。信中表明了他高度敏感的知觉力，这种知觉力完全符合他他那感情的反应。他敏锐地意识到，自己正在获得效果，这种效果是通过黄色或蓝色来取得的。虽然他的大部分色彩观念用来表达对于人物和自然的爱，及其表现过程中的愉快，但他对较深的色彩十分敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时说：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的黄色地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索，但是没有一种探索，能有如此震撼人心的力量。 鸢尾花《鸢尾花》，画面上的花依稀是模样怪异状，但细细品味中，鼻间处飘过那浓烈的气味，淡淡地、阵阵地、传说中的“味”，好似刻在你的画盘上、你的心上，继而翩跹飞舞着。宛如我们心灵，不语的期盼和那蓝紫色的浅浅的回忆。也极像我们将要绽放的青春一样，飞扬与燃烧在火红的岁月，尽管也要殆尽。但那美丽、那光芒、那生机，就在你注视瞬间的鲜活中像火山样喷薄。是炫耀与欢乐，是宣泄与任性，那样的记忆，那样的刻骨铭心。也许人们在历史的回放片段中，在生物进化链上，似乎早已遗忘了过去那寂寞的衣角、阴郁的阁楼、深邃的世界。而只用赞叹的目光，感受梵高，感受他寂寞、孤独与死亡。只凭这一纸画作的定格，抛弃梵高蓝紫色的忧郁和灰褐色的悲伤，也抛弃了人们对自己心痛的灵魂与愧疚，一次又一次，一天又一天，永永远远 向日葵这些简单地插在花瓶里的向日葵，呈现出令人心弦震荡的灿烂辉煌。梵•高以重涂的笔触施色，好似雕塑般在浮雕上拍上一块黏土。黄色和棕色调的色彩以及技法都表现出充满希望和阳光的美丽世界。然而在画此作的同时，画家死命想抓住的这个世界还是缓慢却无情地溜走了。或许这画的表面反映了他悲剧性的短促一生接近终结时期的心理状态。他是个热爱自然并能从简单的事物看到纯粹之美的画家，他说他宁可画从窗户向外看到的树影而不想象中的美丽幻像。《乌鸦群飞的麦田》 在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪，这种画面处处流露出紧张和不详的预兆，好像是一幅色彩和线条组成的无言绝命书。就在第二天，他又来到这块麦田对着自己的心开了一枪。（二） 他创造了艺术 也成为了艺术梵高作品的价格是随着他名气的增大而上涨的，这些价格只能说明梵高是最受推崇的艺术家之一，并不能代表艺术品的真正价值。艺术品的价值在于它本身，那是无法用金钱计算的。 梵•高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而日复一日地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。 梵•高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。 梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。 梵•高是一位具有真正使命感的艺术家，梵•高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……” 梵•高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。 在他完成了他举世瞩目的十一幅向日葵后，他选择了自杀。 梵•高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震撼人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。 梵•高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。高这位绘画天才，在年仅37岁时就结束了自己的生命。但生命的最后一段岁月中，他留下了多幅最为著名的画作，其中包括他于1889年在法国南部的精神病院画下的《星夜》、1890年所作的《有丝柏和星星的小路》及《麦田上的乌鸦》。研究人员称，在所有这些画作中，都能找到湍流经典数学模型的影子。 好几个世纪以来，众多科学家一直试图用精确的数学模型来描述湍流现象，然而这个被视为比量子力学还要深奥的难题，至今依然没有人能够解决。如今的现代湍流理论，其中一个重要基础，还是前苏联科学家柯尔莫哥洛夫在上世纪40年代提出的。柯尔莫哥洛夫经过多番钻研，最终得出一个描述流体间任意两点间速率差的数学公式。这种关联如今被称为"柯尔莫哥洛夫微尺度"。 能够用绘画作品如此精确地还原漩涡现象的画家，全世界似乎也只有梵高一个！梵高，在他生活的哪个时代，他的作品很难被人们所接受。但他的画，却对后来西方20世纪的艺术有着深远的、不可质疑的影响。后人以梵高的真实生活为模板，创造了一部又一部关于梵高的经典，涤荡后人的心灵！ 1 渴望生活——梵高传简介：1956年，好莱坞拍摄了这部根据小说《渴望生活》改编的同名电影。由美国著名影星 柯克•道格拉斯饰演梵高。 评价：梵高的一生无法拍出一部令人微笑的电影，尽管名画"向日葵"中"不可复制的灿烂之黄色"给予后人无与伦比的激情和炫耀,柯克•道格拉斯以对画家崇高的尊敬，塑造了这位"上帝的弃民"的绝望一生--其悲烈,正如那幅"向日葵"永不枯败的灿烂。 2 中文片名：梦英文片名：Dreams 简介：《梦》是日本电影大师黑泽明的第28部作品。影片由导演的八个梦组成。影片中的第5个梦是关于梵高的。黑泽明梦到梵高是有道理的。他从小就对绘画产生了浓厚的兴趣，尤其喜欢梵高。他的画保持了梵高式的浓烈画风。好莱坞大导演斯皮尔伯格，科波拉，卢卡斯从上世纪70年代起就是黑泽明的忠实支持者，为他寻找资金。这就不奇怪本片的制片是斯皮尔伯格，而梵高的饰演者竟然是大导演马丁•斯科西斯3中文片名：文森特和提奥英文片名：Vincent&Theo 剧情简介：本片主要记叙了1890年，梵高在巴黎近郊的奥维尔度过的最后十天的生活4 编辑本段一首写给梵高的歌Don Mclean(唐.马克林）是一位美国出生的游吟歌手。1971年，Don Mclean在阅读了一本关于梵高生平的书之后，写下了这首歌的歌词。第二年，这首歌在英国排行榜登上第一名，美国榜单第12名。 这首歌亦是和梵高的作品之一《星夜》有相关性，正如歌曲开头的第一句歌词一样，starry,starry night，让人联想图画中的场景。三 他的梦被这世界铭记普罗旺斯的太阳又大又圆，在世界任何地方都见不到这样大的太阳。它距离大地很近，阳光直射，不但照亮了也照透了世上的一切，也使梵高一下子看到了万物本质——一种通透的、灿烂的、蓬勃的生命本质。他不曾感受到生命如此的热烈与有力!他在给弟弟迪奥的信中，上百次地描述太阳带给他的激动与灵感。而且他找到了一种既属于阳光也属于他自己的颜色——夺目的黄色。他说“铭黄的天空，明亮得几乎像太阳。太阳本身是一号铭黄加白。天空的其它部分是一号和二号铭黄的混合色。它们黄极了!”这黄色立刻改变了梵高的画，也确立了他的画! 大太阳的普罗旺斯使他升华了。他兴奋之极。他急要与高更一起建立起一间“未来画室”。幻想着他们共同和永远地使用这间画室，并把这间画室留给后代，留给将来的“继承者们”。他心中充满一种壮美的事业感。他真的租了一间房子，买了几件家具，还用他心中的黄色将房子的外墙漆了一遍。此外又画了一组十几幅《向日葵》挂在墙上，欢迎他所期待的朋友的到来。这种吸满阳光而茁壮开放的粗大花朵，这种“大地的太阳”，正是他一种含着象征意味的自己。他选择离开这个世界后，他的弟弟也随他而去了。 一片浓绿的长春藤像一块厚厚的毯子，把他俩的坟墓严严实实遮盖着。岁月已久，两块墓碑全都苔痕斑驳。惟一不同的是梵高的碑前总会有一束麦子，或几朵鲜黄的向日葵。那是来自世界各地的人们献上去的。但没有人会捧来艳丽而名贵的花朵。梵高的敬仰者们都知道他生命的特殊而非凡的含义。他生命的本质及其色彩。 梵高的一生，充满世俗意义上的“失败”。它名利皆空，情爱亦无，贫困交加，受尽冷遇与摧残。在生命最后的两年，他与巨大而暴戾的病魔苦苦搏斗，拼死为人间换来了艺术的崇高与辉煌。 如果说梵高的奇迹，是天才加上精神病；那么，梵高至高无上的价值，是他无与伦比的艺术和为艺术而殉道的伟大的一生。 真正的伟大的艺术，都是作品加上他全部的生命。
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里， 梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生和习作后，他完成了第一幅著名作品－《吃土豆的人》。这幅作品和他这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响，画面深沉，有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结，他似乎很想成为一位农民画家。一方面，他受到“精神导师”米勒的影响，更重要的可能是内心深处对乡间生活的向往，对淳朴农民的尊敬和对诚实劳动的赞美。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，凡高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往。但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，凡高的疯病(有人记载是“癫痫病”)时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。这位易于激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说： “作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利·福西隆在论述凡高时说道： “他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。 为了能更充分地表现内在的情感，凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。 采用点彩画法。 他的大部分作品如《奥维尔教堂》等，画面色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。 梵高最早的油画——包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。当梵高画它们时已经是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881年—1883年间。此前，梵高在博里那日矿区受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。可以说，凡高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差，但画中所表现出的气质与精神却是永恒不变的。 他的早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。 “梵高不仅是一个伟大的画家，而且是一个出色的作家与哲学家！”获得这项殊荣的时候，梵高已经去世了47年。 当他在世时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。同时对现代人也有着积极的影响。 法国的野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。 梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。 梵高在巴黎结识了印象主义画家群体，并多次参与他们的画家交流聚会之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。 梵高把他的作品列为同一般印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。 尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但他们的个人性格特点又有某些不同。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”. 梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。
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在西方艺术史上，如果说，十五十六世纪是意大利艺术史上的黄金季，十七世纪是荷兰艺术史上的黄金季，十八世纪是英国艺术史上的黄金季，那么十九世纪，绝对是法国艺术史上的黄金季，是法国艺术史上最重要辉煌最璀璨的一章。
十九世纪的法国，是西方乃至世界的艺术中心，巴黎是西方乃至世界的绘画之都。西方绘画史上从来没有像这一时期那样，云集了那么多的画技精湛的绘画大师，产生了那么多的风格迥异的艺术流派。新古典主义、现实主义、浪漫主义、印象主义等等，而最具突破性最具划时代开创意义的就是印象主义油画的产生。
十九世纪初，在西方工业技术革命大潮中，照像技术产生了。这时，一直主导西方绘画发展的古典主义写实油画已经走过巅峰，而照像技术的应用又使一向以还原客观物象本貌有着照像功能的古典主义写实油画受到前所未有的影响和冲击，一度陷入进退两难的处境。而这时印象主义油画的应运而生脱颖而出无疑给当时的西方绘画注入新的生机和活力。
以莫奈、马奈、德加、雷诺阿、梵高、高更、塞尚等为代表的法国印象派，对油画艺术发展的主要贡献突出地体现在以下几个方面：
一，打破了自油画诞生以后几百年来古典主义写实油画“一统天下”的局面，开启了油画从创作技法到创作形式到表现手法表现风格等真正意义上的多元化时代。
二，突破了古典主义油画在造型具象上十分注重“写实”的传统，画家的主观感受和自然状态下光影色彩变化成为印象主义油画侧重表现的内容，这是油画艺术史上一次具有实质性意义的重大突破和变革。
三，突出强调了写生的重要性，将户外写生提升到了一个新的高度，并将写生纳入绘画理论体系，列入美术教学基础课程。
四，顺应了社会时代发展潮流。在社会时代发生巨变的背景下，改变和丰富了油画的表现形式和风格，更有利于适应和满足人们精神文化上的需求，成为二十世纪以后现代油画的启蒙和前奏。
建议你读欧文斯通的《热爱生活》，这是最好的传记。
文森特·梵高 Vincent Van Gogh，1853年3月30日－1890年7月29日荷兰人，后期印象画派代表人物梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。梵高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而日复一日地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”.梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。在他完成了他举世瞩目的七幅向日葵后，他选择了自杀。梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震撼人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但要设想他们的个人特点有多在不同则是很难的。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。在他有了一段生活经历之后，这种爱使他成为一个美术商人，并产生了进行理论研究的愿望，进而成为比利时煤矿区的一名传教士。1880年他开始学画，后来他在布鲁塞尔、海牙和安特卫普进修。于1886年来到巴黎，他在这里见到了劳特累克、修拉、西涅克和高更以及原先的印象主义小组的成员。梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非梵的个性。这从来都是如此的。而这种色调与向日葵永远朝向太阳的精神又如此吻合。“无论多高多大，永远不会忘记自己的来处”.这就是向日葵的精神。文森特·梵高 文森特·梵高（1853 - 1890）是继伦勃朗之后被认为是荷兰最伟大的画家。他和高更、塞尚并称为后印象派。他们吸收了印象派的精髓，却反对印象派纯客观理性的描绘，提倡事物的实质和象征意念，是现代艺术最重要的先驱。梵高27岁时才开始绘画，在短短十年间, 绘画了800多幅油画及同等数目的素描, 却几乎从未能觅得买家, 只能长期依赖弟弟Theo 在经济上和精神上的支持。他的一生，就正如毕加索所说: 『这人如不是一位疯子, 就是我们当中最出色的。』 1873年，梵高在伦敦其伯父经营的画廊中工作，并热烈追求房东的女儿。后来，因为失恋，梵高尝透了爱情的苦楚，他辞去画廊的工作，一心投身传道，以安抚人类痛苦的心灵。1876年，梵高在学校任义务教师，帮助低下层的小孩学习。1878年，梵高到比利时Borinage矿区任传道员的工作。就在这年冬天, 矿洞发生坍塌的悲剧，伤亡惨重，上帝的神迹并没有出现，令梵高对宗教开始失望。1879年，教会撤除了梵高的职务。被撤职后的梵高仍然留在矿区，开始对绘画发生兴趣。 1886年，梵高跟随弟弟，去到艺术之都巴黎，认识了高更、塞尚、秀拉及罗特列克等同道中人，并深受印象派及日本板画的影响，开始形成了日后强烈的个人风格。 1888年，梵高受塞尚的影响，到法国南部的普罗旺斯省，寻找创作的灵感。他在阿尔定居，并在此绘画了二佰多幅油画，当中却只能卖出一幅 (注:红葡萄园)，得到一则画评。在贫困的生活中，赤热的阳光下，不竭的创作令梵高变得神经衰弱。为了加强自己的信念，梵高喜孜孜地邀请高更到阿尔共同居住，并大肆粉饰了他的黄屋。但两个固执的艺术家共同生活的结果，却是不断的争吵。在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的左耳。从此，他不但失去高更这个好朋友，还给所有人笑作疯子。1889年，梵高入住St. Remy的精神疗养院。1890年5月，梵高搬到Auvers-sur-Oise, 靠近弟弟居住，并在短短两个月内，绘画了七十多幅油画。狂热而不可抑制的创作激情，有如烈火焚烧着他的内心，使他心力交瘁，精神濒临崩溃。1890年7月27日早上，文森特·梵高在麦田中开枪自杀，延至7月29日伤重不治，享年37岁。 梵高不描绘任何事物，他就是他画中的主题和目的。而这个世界给他的感觉太过强烈，他只得消失。 凡高和《向日葵》作者：郑鑫尧的博客 转贴自：雅昌艺术网 点击数：3561 文章录入：建彬 在世界绘画作品排行榜前十名的作品中，凡高（Vincent van Gogh，1853～1890）占有四幅：《加歇医生》、《没胡子的自画像》、《鸢尾花》和《向日葵》，数量位居第一。尽管四件作品中《向日葵》卖价最低，仅4000万美元，但《向日葵》是最先创造印象派油画拍卖世界纪录的作品，凡高因此画而享盛名。 《向日葵》确立凡高在世界画坛的地位 这幅《向日葵》油画高99厘米，宽76厘米，作于1888--1889年间，是凡高以向日葵为题材的十三幅作品中最大的一幅。画面中，即将枯萎的向日葵象征着在巴黎的角落里奄奄一息的凡高，呈血红色的茎被剪断，如同凡高的生命被切断，明亮的黄色和阴暗的浅蓝色形成对比，似乎是一种非现实的美。画面左上角用“跳动”的红点涂过。这“跳动”的色点融汇在笔触的浅蓝色中，这一片小小的火焰，意味着画家的生命之火。评论界认为，就是这一幅《向日葵》确定了凡高在世界画坛上的地位。 这幅《向日葵》原为英国著名私人收藏家、采矿工程师出身的矿业家贝蒂爵士和夫人伊迪丝所有，他们是一九三四年在巴黎买进这幅画的，无人知道当时他们付了多少钱。此画后由其遗嘱执行人交给佳士得拍卖行拍卖。佳士得拍卖行印象派 部朗德尔在拍卖会前曾向客户介绍说：“在现代艺术中没有比《向日葵》更富有魅力的了，这幅画是最令人难忘的，世界各地都把它制在海报、圣诞卡和日历等各种东西上。这幅画完全可期待打破绘画作品拍卖的世界纪录”。 1987年3月30日（凡高诞辰134周年纪念日），佳士得拍卖行隆重推出荷兰绘画大师凡高的巨作《向日葵》，拍卖这幅作品前后用了4分半钟。“起拍价500万英镑。”拍卖师高声宣布。价格很快上升到1000万英镑，这正是拍卖行对这幅画事先估计的成交价。买主一个个退出竞价，竞争渐渐集中到两位通过电话报价的经纪人身上，两位不露身份的顾客在热线电话中竟相不让。闪光灯、摄像机的镜头对准了经纪人。价格仍在上升：2000万英镑，2100万英镑……“2250万英镑，最后一次报价，还有加价的吗，”拍卖师手举樱桃木小槌。“成交！”《向日葵》最后被日本安田水上火灾保险公司以2250万英镑（约4000万美元，58亿日元）的价格买走。英国当局为平息民愤留住此画，曾援引超过 13400美元的艺术品必须取得出口许可和英国公民享有优先购买权的法令，等待愿出同样售价的英国买主出现。结果没有人舍得出那么多的钱，只能眼睁睁地看着这幅《向日葵》在精心护卫下运往日本。 从拍卖开始到将《向日葵》自伦敦运往东京，安田公司大肆渲染，广而告之，吸引了亿万人关注的目光。如今这幅画被放置在安田公司营业大厅中央，成为一件绝妙的广告品，无声地显示着安田公司雄厚的经济实力。安田公司一时名声大振，保险生意接踵而至。同时，仅参观名画的门票收入千一年就达数千万日元。《向日葵》的拍卖，也使凡高的名声一跃而起，在世界画坛独领风骚。 日本泡沫经济催化世界艺术市场 20世纪80年代，日本经济繁荣，一跃成为世界经济大国。许多有钱的企业和大富翁都把目光瞄准高价位的西方艺术品，作为收藏和投资。1987年3月，安田公司耗资58亿日元成功购得《向日葵》，日本政府不满安田公司的过分渲染，大藏省指责他们损害了日本国的形象。可指责归指责，并没有阻止日本商人的抢购风：1988年，日本零售业巨头三越百货公司以亿日元购得毕加索的名作《杂技演员与年轻丑角》；西武百货公司以13亿日元购得莫奈的名作《睡莲》；1989年11月，日本奥特波利斯公司以75亿日元（约1570万美元）拍得毕加索的佳作《皮耶瑞特的婚礼》；1990年日本纸业大王斋藤分别以8250万美元和7810万美元购得凡高的名画《加歇医生》和雷诺阿的《红磨坊街的舞会》；金融大亨高桥治宪购买德国现代艺术大师基弗的11幅作品花了逾千万美元，地产大亨鹤卷购买塞尚的《水中倒影》也花了500多万美元。仅1990年一年，日本人收购世界名画就花了33亿美元。 日本富商不仅抢购名画，而且在拍卖行业中投下了巨资。据资料显示，日本东京的爱知公司在1991年已控制了英国著名的佳士得拍卖公司的股份，是佳士得的五大股东之一。根据日本海关统计资料，1987年1月至8月日本从海外购入87万多幅画，总金额734亿日元。其中从欧美购入的名画有12000多幅，约685亿日元，平均每幅画价约538万日元。这些名画有毕加索、凡高、雷诺阿、塞尚以及莫纳等著名画家的作品。截止到1989年11月，苏富比和佳士得拍卖行所卖出世界名画中，美国人只购买了其中25%，欧洲购买了其中，而日本人的购买量达，成了拍卖行最大的买主。 然而，好景不长。进入90年代后，日本经济开始显露颓势，出现零增长，甚至出现了负增长。破产倒闭或周转不灵的富商巨贾们纷纷抛售手中的世界名画。高桥治宪购买的基弗的11幅作品运抵东京仓库不久，因公司相继倒闭，这11幅作品未及拆封便又被卖出，斋藤的《加歇医生的肖像》与《红磨坊街的舞会》最终以7000万美元和3500万美元卖出。经济学界认为，日本企业当年疯狂投资的那部分钱是交了“广告费”，日本公司的投资行为亦被作为MBA课堂的“经典案例”。 《向日葵》：凡高一生追逐的太阳 凡高1853年3月30日出生在荷兰的一个小村庄，他的父亲是牧师。他很早就表现出一种只会在心中苦恼、不愿与外界交往的性格，由于缺乏与周围人交往的能力他被人指责为生性孤僻。他年轻时在一家美术商行工作，23岁时他决定当一名传教士。直到26岁时，他才认识到绘画是他真正喜爱的职业，初始临摹米勒作品。在安特卫普，他看到了日本的浮世绘，掌握了用色技巧；到巴黎后遇见了高更，绘画技巧更加娴熟。1888年2月，他移居法国南部的城镇阿尔。 在阿尔，凡高每天天不亮就出发，寻找一个吸引他的地方开始画画。傍晚，他带着完成的油画回家。他把自己变成了一部绘画机器，三个月的时间完成了190幅作品，几乎是他在巴黎两年时间所画的总和。乡野的果园鲜花盛开，他怀着极大的热情描绘着向日葵、桃花、梅花、杏花。他只是不停地画，画得好与不好无所谓，他陶醉于色彩之中。 凡高对向日葵的喜爱和到阿尔追求阳光，是对旋转、炎热的天体的一种憧憬。《向日葵》有着单纯的色面和明确的造型，是凡高同类作品中的优秀之作。它以黄色调为主，加上一点青色和绿色，奏响了一支黄和绿的交响曲。这些花在画面上有一种装饰性的安排，由于笔触有力，显得富有生命力。他画看到的东西，画他的感受，他用自己的方式解释大自然，利用他的表现手段来表达他极其强烈的思想感情。 向日葵是凡高的崇拜物，因为在他的眼里，向日葵是太阳之光，是光和热的象征，是他内心翻腾的感情烈火的写照，也是他苦难生活的缩影。夏天里，凡高表现出一种异常旺盛的创作欲望。凡高在给他弟弟的信中说：“我想画上半打的向日葵来装饰我的画室，让纯 净的或调和的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最浓的委罗奈斯的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要让这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框。就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。” 凡高全部杰出的、富有独创性的作品，基本上是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地顶着烈日描绘令人逼视的太阳本身，来描绘向日葵。一位英国评论家说：“凡高用全部 精 力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”
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梵语在印度教中被视为古老的语言，在那里被印度教天神用作交流和对话的手段，然后被印度雅利安人使用。梵文也广泛用于耆那教、佛教和锡克教。术语“梵语”源自前缀“Sam”的连接，意思是“samyak”，表示“完全”，“krit”表示“完成”。因此，该名称表示在交流、阅读、听力以及使用词汇来超越和表达情感方面完美或完全完成。它是一种极其复杂的语言，词汇量很大，今天仍然广泛用于阅读圣经和赞美诗。 梵文的起源和纯度 梵语被称为 Deva-Vani（'Deva' Gods - 'Vani' 语言），因为人们认为它是由梵天创造的，梵天将它传给了居住在天界的仙人（圣人），然后他们传达了对他们在地球上传播的地球门徒也是如此。以书面形式语言的起源追溯到当前2千纪钻机吠陀，神圣赞美诗的 *** ，假定正在持续了几个世纪通过在Guru-口头传统和语言知识的保存后已被写入弟子关系。这个版本（吠陀时期，公元前 1500 年至 500 年）梵文的纯洁性无疑反映在对自然力量的完美描述的华丽中。钻机吠陀。 吠陀梵语 梵文就其文学关联而言，分为吠陀和古典两个不同时期。吠陀梵语存在于吠陀经 中，尤其是梨俱吠陀、往世书和奥义书，其中使用了最原始的语言形式。所述的组合物，吠陀可追溯到公元前 1000 至 500 年，直到梵文具有通过口头交流持续使用的蓬勃传统。这种早期梵文的词汇、音韵、语法和句法都很丰富，直到今天仍然保持着纯洁的状态。它由52个字母、16个元音和36个辅音组成。这 52 个字母从未被调整或更改过，并且被认为从一开始就保持不变，因此使其成为最完美的构词和发音语言。“掌握这门语言几乎是一生的劳动；它的文学似乎无穷无尽”WC泰勒 梵语一直是印度教、耆那教、佛教和锡克教的传统交流方式。梵文文学享有被用于古代诗歌、戏剧和科学以及宗教和哲学文本的特权。语言被认为是通过观察人嘴中产生的声音的自然发展而产生的，因此将声音视为语言形成的重要元素。这就是梵文拥有丰富的诗歌及其表达品质的主要原因之一，它通过对人耳具有舒缓作用的完美声音带出最佳意义。吠陀梵语还包含在任何其他语言中都找不到的抽象名词和哲学术语。辅音和元音足够灵活，可以组合在一起表达细微的想法。在所有， 古典梵语 - AshtadhYayi 古典梵文起源于吠陀时期末期，当时奥义书是最后被写成的神圣文本，之后帕尼尼的后裔、语法和语言研究者帕尼尼引入了该语言的精炼版本。帕尼尼的时间线被认为是在公元前 4 世纪左右，当时他介绍了他的作品“Ashtadhyayi”，这意味着八章，形成了唯一可用的梵文语法基础和分析文本。它被认为是今天梵文语法和词汇的唯一来源，因为以前存在的一切都没有被记录下来，除非它们在帕尼尼的Ashtadhyayi 中被提及。 该Ashtadhyayi包含在简洁未稀释3959分系统化的规则，充满精彩的分析，解释，语言和文字形成的优惠用法。该语言是如此庞大，以至于它有 250 多个词来描述降雨、67 个词来描述水、65 个词来描述地球等。与当前的现代语言相比，这证明了梵语的宽宏大量。然而，印度教的亚种姓可能在方言、种族、信仰和等级上有所不同，梵文被认为并被接受为唯一的神圣语言，它产生了所有人唯一可用的神圣文献，即使印度拥有 5000 种口语的存储库。帕尼尼负责语言的标准化，直到今天仍然以多种形式使用。梵语作为口语很少见，在印度的一些地区使用，有些人甚至声称它是他们的第一语言，但在其宪法中自豪地提到它是印度的 14 种原始语言之一。它主要以 bhajans、shlokas、stotras 和 kirtanas 的形式在卡纳提克音乐中使用，所有这些都表示对诸神的各种赞美诗，以及敬拜上帝的歌曲和咒语。 对其他语言的影响 梵语对其他印度语言产生了重大影响，例如目前是印度官方语言之一的印地语，以及卡纳达语和马拉雅拉姆语等印度-雅利安语。它以梵文佛经及其翻译和传播的影响，影响了汉藏语言。泰卢固语作为一种语言被认为是高度词汇梵语，从中借用了许多词。它作为中国影响了汉语从梵文中挑选了多个但具体的词。此外，泰国和斯里兰卡受梵文影响很大，有许多发音相似的词。爪哇语是另一种受梵文影响的语言，还有印度尼西亚的现代语言和马来西亚的马来语传统语言。例如，菲律宾受到梵文的影响较小，但比西班牙文的影响要小。最重要的是，英语，当前的现代国际语言也受到梵文的影响，并从古代语言中汲取了许多借词（例如，'primitive'来自' prachin '，意思是历史，'ambrosia'来自' amaruta '，意思是食物。众神，来自' akramana'的'攻击'意思是采取积极的行动，“ patha ”来自“ patha ”，意思是道路或方式，“man”来自“ manu ”，意思是男性，“nirvana”来自“ nirvan ”，意思是神圣的解放或超越，“门”来自“dwar”的意思连接两个空间的门口，“蛇”来自“ sarpa ”，意思是蛇等），因为两者都被认为是印欧语言。 梵文有着悠久而神圣的历史，通常可以追溯到诸神和他们的崇拜。作为众神的口语开始，它已经落入地球并被稀释了它的纯度，因为它的可变解释，精确的语法和使用的复杂性已经被少数人接受并被许多人避免，因为它在浩瀚和理解中所向披靡. 尽管词汇量大，语法和散文丰富，但今天的许多古代经典和文本都是从梵文翻译过来的，因为没有比梵文更能提供对过去如此奢华的文学理解的了，因为它是完美人类表达的工具。备受推崇的著名历史学家和作家威廉库克泰勒承认：“掌握这门语言几乎是一生的劳动；它的文学似乎无穷无尽”。
佛教引入后，必然要求佛经的翻译，对音韵学起到很大的影响，如“四声三问”说的提出，及永明体诗歌格律都收佛经、梵语翻译的影响。这一时期，也是中古汉语的一个大的转折时期，语音、词汇、语法等方面都受其影响
解读梵文的语言特征
导语：现代语言学研究表明，梵语是印欧语系的印度-伊朗语族的印度-雅利安语支的一种语言，是印欧语系最古老的语言之一，同时对汉藏语系有很大的影响。下面我解读梵文的语言特征，欢迎参考!
梵语在历史上使用过一些不同的字母。目前在印度流行的是天城体(Devan╣garī)字母。
梵语元音分简单元音、二合元音、三合元音，辅音分喉音、腭音、顶音、齿音、唇音、半元音、咝音和气音等。
名词有性(阳性、阴性、中性)、数(单数、双数、复数)、格(体格、业格、具格、为格、从格、属格、依格、呼格)的变化。
动词变位包括单数、双数、复数;人称有第一、第二、第三人称;时间分现在时、未完成时、完成时、不定过去时、将来时、假定时;语态有主动、中间、被动;语气分陈述式、虚拟式、命令式、祈使式(不定过去时的虚拟语气);语尾分原始和派生两种。
动词
梵文的动词有两种语态：为他(parasmaipada，parasmai = para“对面的、别的”的与格，pada=“句”)和为己(ātmanepada,ātmane = ātman“自己”的与格)。另外还有被动态，是由为己态加-ya-后缀构成的。
有三种时态，现在时、不定时、完成时，现在时有直陈式、命令式和祈愿式三种语式，吠陀经梵文中还有虚拟式，但在后期的文献中已被淘汰。
未来时是从动词词根的第二等加-sya或iṣya构成的，变位跟第一类动词的现在时一样。
现在时
动词可以根据现在时态变位分成十大类别。
梵语文献 在世界上所有古代语言中，梵语文献的数量仅次于汉语，远远超过希腊语和拉丁语，内容异常丰富，可以称为人类共有的瑰宝。广义的梵语文献包括四吠陀：《梨俱吠陀》、《娑摩吠陀》、《夜柔吠陀》和《阿达婆吠陀》,包括大量的梵书、经书、奥义书,两大史诗:《摩诃婆罗多》(图1)和《罗摩衍那》，以及大量古事记。此外，它还包括大量的语法书、寓言故事集，以及医学、自然科学、文艺理论等著作。用典型的古典梵语(也就是狭义的梵语)写成的印度古典文学作品,更是文采斐然,影响深远。许多著名的作家,如跋娑、首陀罗迦、迦梨陀娑、檀丁、波那、苏般度、薄婆菩提等等，在印度文学史上，灿如列星。佛教大乘的经典大部分也是用梵语写成的'。有几部原始佛教的经典，原来用俗语写成,后来逐渐梵语化,形成了一种特殊的语言──佛教梵语或混合梵语。
欧美的梵语研究 18世纪末至19世纪初，梵语文学作品引起了欧洲学者的注意，用近代科学方法研究梵语，从此开始。一方面产生了19世纪最重要的新兴学科之一：印欧语系比较语言学;另一方面又促成了德国学者称之为比较文学史的学科。由后者又衍变出现在几乎风靡世界的比较文学。
中国古代的梵语研究 中国有1000多年的翻译佛经的历史，对梵语的语言特点当然非常注意，但是系统的研究却非常缺乏。既没有翻译梵语语法，也没有写出梵语语法。唐代出现了一批有关梵语的书籍，比如智广撰《悉昙字记》，义净撰《梵语千字文》(图2),全真集《唐梵文字》(图3),礼言集《梵语杂名》,僧怛多蘖多、波罗瞿那弥舍沙集《唐梵两语双对集》等等。这些书的撰写目的是为了翻译佛经。但是这些书中有的只研究字母，有的则是模仿中国流行的《千字文》一类的书籍，只列举梵汉两语的单词，而根本不讲语法。义净在《梵语千字文》的序言中说："并是当途要字，但学得此，则余语皆通,不同旧千字文。若兼悉昙章读梵本,一两年间即堪翻译矣。"但是,这是难以做到的。其后还有一些书,如《翻梵语》、《翻译名义集》等,也只是单词对译一类的书。从《高僧传》中可以看出，唐代一些佛教寺庙教授梵语，至于用什么课本，怎样教，我们都不清楚。唐代和唐代以前的一些僧传和其他书籍中间或有一些论述梵语语法的记载，如《大唐大慈恩寺三藏法师传》等，但所记几乎只限于名词变化。
梵文采用词式分写，词间空格；而藏文则采用音节分写，音节间加点号，没有采用词式分写。如果说苗文越南文受汉文影响，所以采用音节分写；但是藏文没受过汉文影响，只受过梵文影响。藏文却偏偏不采用梵文现成的词式分写，而自创音节分写。
美术教育论文开题报告
范文一
一、课题的目的意义：
课题的目的
1、现实的景色不同于绘画表现，绘画是对表现的再创造，它承载了作者对景色认识与对作者内心感受的表现意图。将现实中斑驳的光影、繁杂的色彩、以及杂乱的空间层次进行梳理，将绘画回归到简约、直接的画面形式语言中，明确并增强画面的表现力度。
2、将客观现实转化为绘画作品过程中，明确画面表现意图，探求现实世界和画面平面化语言需求之间的关系，更直接的明确体现画面视觉语言的本质。
课题的意义
1、将绘画者从现实世界中解放出来，使绘画者面对现实世界进行表现时能够变得从容、清晰，意图更加明确。
2、通过对平面化油画语言的研究，明确平面化油画语言在画面形式意味中的组织技巧和审美彰显，为更好的提高绘画水平和作品质量提供理论的支持和方法的指导。将有助于绘画实践中更自由的进行表现，形成自己独特的绘画风格。
二、文献综述 (分析国内外研究现状、提出问题，找到研究课题的切入点，附主要参考文献，约2000字)：
“平面化”在如今的绘画领域，出现的频率越来越多。所谓的平面化，指的就是在绘画的作品中不追求三维真实空间为目的，更好地运用色彩、形状、线条等形式因素，使绘画更臻于作为平面艺术的本质。英国美术评论家赫伯特·里德在《现代绘画简史》中对艺术史的发展有过经典的概括：“整个艺术史就是一部关于视觉方式的历史，是关于人类观看世界所采用的各种不同方式的历史”。康定斯基认为，画家作为创造者应该追求对自己内心世界的表现，不应把模仿自然现象当做自己的目的，画家应当用绘画自身的形式语言，创造出能够展现意图的画面;美国视觉艺术批评家苏珊·格朗在《艺术的问题》中指出：“艺术品是种在某些方面与符号相类似的表现形式，这个表现形式就是艺术符号。”这些论述讲明了绘画形式与现实的关系，现实只是画面创作的依托完全不同于现实世界。更有英国艺术理论家克莱夫·贝尔在《艺术》中提出：“艺术是一种有意味的形式”。清晰地表述出绘画的表现不同于现实的写照，而是创造一种平行于现实世界的平行体。” 与土地和乡村的亲近，仿佛是人与生俱来的天性。无论是在再现现实世界风景画还是个性平面化语言的画面再造的形成都一开始便于土地和乡村息息相关。在土地和乡村同呼吸共命运的绘画取向中，无不充满着生命的气息，无不闪耀着人性的光芒。油画进入二十世纪已不再满足于再现现实世界，逐步进入到对人的本性和个性语言的画面再创造的研究和探索中。在这个多元化的时代，艺术语言形式丰富多样，平面化的艺术语言形式在其中占据了重要的分量。说起平面画，早在旧石器时代晚期，图绘在岩洞深处墙壁上的“洞穴壁画”就初露端倪。平面化的形式语言在印象派时期已经有明确的倾向，在塞尚、高更、和梵高的部分作品中已经能够看到作者在逐步的减弱所现物体的明暗、体积，把更多的精力放在画面的形式布局和结构当中，塞尚以画面的独立表现为目标，从而实现了平面化。他对空间进行再构成，使二维画面可咀自由处理，而不再一味的拘泥于再现。应该说是从塞尚的画法之后，绘画史上开始出现了平面化的画面自立。梵高的作品，在东方绘画的影响下只保留了一些微弱的颜色变化。毕加索在其作品《梦》中突出运用了平面化的形式手法，将画面用舒缓的线条分割，填充色块，形成了具有立体主义语言特点和装饰性效果的油画。马蒂斯是法国二十世纪最为著名的表现性画家之一，他笔下的物体完全是他在作品当中把人物和物体做出了极大地简化处理，有些作品中甚至只保留了物象的大致轮廓;其作品利用色彩的对比关系和画面形的分割，将画面进行了平面化的组织、表现，达到了强烈的视觉效果。在抽象主义的绘画当中，多数作者更加彻底的放弃了现实世界，更为自由的在画面上进行着形与色的自由组合，用更为直接的个性语言传达着对世界的认识，代表性的画家有米罗、克里、康定斯基和蒙德里安等。康定斯基和蒙德里安的作品在抽象表现主义绘画里面具有很强的代表性，康定斯基的热抽象绘画，画面热情，色彩跳动，充满运动感;蒙德里安的作品相比之下则显得安静、理性，简单的色块对比和线条分割，展现着画家对世界和画面平面化语言构成的理性思考。由国内绘画的发展和演变来看，传统的中国画主要是由平面化的形式语言构成，但由于文化背景和认识的不同，其视觉构成不同于西方油画的平面化形式语言。由于受到西学东渐的影响，中国出现了不少油画家，但运用平面化形式语言进行表现创作且能够融汇中西美学思想的为数不多。主要的代表性画家有：四五十年代的林风眠由于受到了西方现代绘画思想特别是马蒂斯等画家的影响，经过多年的探索形成了具有东方韵味的平面化表现形式的油画，成就了很高的艺术造诣。在他的影响下，现代画家吴冠中也形成了运用平面化形式语言结合中国文化和审美特点的绘画形式。另外，现代还有画家如：王克举、谭平等在不断地探索能够融汇中西审美的平面化表现形式，并取得一定得成就。 在探索的过程中，作为中国的画家面临着西方审美思想和东方审美思想的碰撞，西方的绘画材料和中国传统审美根基的不协调等问题。虽然西方油画当中也存在大量的平面化形式语言的绘画形式，但毕竟审美的根基不同，不能完全适合画面意图的表现。 绘画源于对现实世界的观看，观看中将审美意识、意图与现实世界融汇，形成最终的画面。平面化表现语言应注重展示视觉理解世界的方式，在最初的观看中将本民族的审美融汇到画面的平面化形式语言当中。绘画发展越来越注重个性化语言的形成和主体意识的张扬，对平面化形式语言的研究符合本民族审美需求，符合绘画中主体意识增强的发展趋势，亦将促进绘画个性化语言展现。
提出问题：
通过对平面化油画语言的研究，笔者发现在国内外对其的研究不计其数。但真正将画面回归到简约、直接的画面形式语言和真正探究现实世界与画面化语言需求之间关系，还需要在前期学习的基础上做进一步的探索。如何真正将画面回归到简约、直接的画面形式语言?真正探究现实世界与画面平面化语言需求之间关系?
研究切入点：
在国内外对平面化油画语言研究的基础上，在《乡村》创作中将画面回归到简约、直接的画面形式语言中，更直接的体现画面视觉语言本质作为切入点进行研究。
主要参考文献：
[1] 英.克莱夫·贝尔.薛华译.艺术[M].南京.江苏教育出版社,2005
[2] 房建平另一种艺术上的真实——浅析油画的平面化特征,2011(5)
[3] 赫伯特·里德.现代绘画简史[M].上海.上海人民出版社，1979
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[5] 让-吕克·夏吕姆.解读艺术[M].北京.文化艺术出版社,2005
[6] 朱良志.中国艺术的生命精神[M].合肥.安徽教育出版社,2006
[7] 张元、赵扬.艺术材料的遐想.北京.高等教育出版社，2005
[8] 王凡.浅谈当代油画创作中平面化倾向[D].四川美术学院
[9] 易苗苗.中西方现当代油画平面性风格比较[j].美术大观，2009(4)
[10] 靳凤华绘画的抽象性--从中西方绘画比较谈抽象[期刊论文] (2004(4)
[11] 何政广.世界名家画集——克里姆特.石家庄.河北教育出版社，2006
[12] 张弘昕.西方画论辑要[M].南京.江苏美术出版社,1998
三、课题研究的内容、方法和预期目标：
课题研究的内容
1、现实世界与画面平面化形式语言表现的需求存在巨大的差异，如何将现实世界转换成画面意图的需要，成为油画创作的重点。在转换过程中，如何体现绘画的意图和如何有意图的观看成为平面化形式语言形成的关键。
2、如何在创作中把握形式语言：创造能够彰显个性特征的平面化形式语言，并能在油画创作中熟练地运用，能够很好的展现创作意图，使创作意图与平面化形式语言完美结合是创作的最终目的。
3、利用平面化油画语言创作油画作品《乡村》。把现实中斑驳的光影、繁杂的色彩杂乱的空间进行梳理，在画面中充分体现出来，将画面回归到简约、直接的画面语言形式中去。
课题研究的方法：
1、读画法：搜集各种相关平面化形式语言表现的作品进行研读，包括不同画种、不同材料和不同国度的绘画。对比、比较大师平面化表现语言的差异，领会画面中表现技法与表现意图和内容的关系。
2、临 摹 法：选择自己喜欢，适合自己的名画进行临 摹 ，研究名家在创作过程中的材料运用、表现方法、意图与画面的结合等，提升对平面化表现形式语言技法的把握能力。
3、实验法：对材料和表现技法结合个性化的表现意图进行反复的实验，在实验过程中发现问题、修正问题，不断寻求更好更适合的表现方法。
课题研究的预期目标：
通过对油画创作中平面化油画语言的研究和应用，初步形成适合画面意图和自我个性化语言的表现形式，形成一篇优秀的论文，并且能够应用平面性油画语言创造出一幅完整的有意味形式的油画作品《乡村》。
四、所需仪器设备、材料情况：
1、各种纸、笔等;2、油画颜料;3、油画内框、油画布;4、媒介剂、乳胶等。五、课题分阶段的进度计划 序号 起止日期工作内容 阶段成果 1 2012年10月22日-2013年1月12日查阅收集论文资料，完成 读书笔记 确定论文选题 2 2013年1月13日-2013年3月14日分析资料，撰写开题报告完成报告开题3 2013年3月15日-2013年4月20日论文开题答辩，确定设计(创作)草图完成论文框架和创作草图4 2013年4月21日-2013年5月10日撰写论文初稿，绘制设计(创作)初稿 完成论文初稿和创作初稿5 2013年5月11日-2013年5月20日修改完善论文初稿，绘制设计(创作)正稿完成论文二稿修改创作正稿6 2013年5月21日-2013年6月10日修改完善论文二稿，绘制设计(创作)正稿完成论文三稿和创作正稿7 2013年6月11日-2013年6月15日修改论文三稿和设计(创作)正稿，参加评审答辩资格审查8 2013年6月16日-2013年6月25日 毕业论文答辩，毕业汇报展览 成绩评定推优
指导 教师 意见 (详细填写指导教师意见) 签字： 年 月 日
范文二
题目：试论水彩画创作的表现形式
(一)选题的根据：
1)本选题的理论、实际意义
理论意义：
水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的`效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。绘画艺术审美意识物化形态的特征简单说来，就是——“写意性”。不同的表现形式能够表现出不一样的情感。
实际意义：
对水彩画家来说，作品中表现的物象与反映生活，都有自己的认识和方法。在水彩画作品中,写意性也可以直接作用于观赏者的心理感官,强化着作品所要表达的内涵和作品的意图,以产生深刻的寓意,来丰富作品的艺术表现力和艺术感染力。同时,写意性的运用也进一步触动了人们的潜意识,并感染观赏者对作品的欣赏情绪。掌握水彩画中的写意性的规律和技巧，能够准确、鲜明、生动自然地描绘对象及其色调的特征的惟一途径就是时刻和大自然保持着联系，并且从自然中获取充足的养分，去更进一步追求更高的境界。艺术家借助一定的表现形式直接塑造出可感的艺术形象，以此来表现艺术家对现实的审美认识和创作体验，以此来表达他的情感内容。通过表现形式的运用，艺术家能够灵活、自由、含蓄地表现复杂的现实生活，抒写自己丰富的情感和独特的审美体验。
2)综述国内外有关本选题的研究动态和自己的见解
研究动态:
国外研究动态：有明确文字记载的就可以追溯到150万年以前，西班牙旧石器时代的阿尔太米拉石窟壁画中的野牛、古埃及盛行于Memphie时期用芦笔画在草纸和墙壁上的画以及我国西南地区诸省的崖画，都可以说是原始社会早期的水彩画。水彩画是标志人类文化与文明的最早的艺术形式之一 。但水彩画真正发展成为独立画种，则主要是通过英国水彩画家们的努力来完成的。18世纪到19世纪中期，英国水彩画取得辉煌成就，使水彩画作为一门独立画种真正登上艺术殿堂，在世界艺术格局中占有一席之地。因此，人们把英国作为水彩画的发源地。但几经沿革，由钢笔淡彩发展成多彩风格，直至逐步突破古老画法，大胆追求自然光色，从而创造出英国水彩画最辉煌的时代。技法日趋成熟， 水彩画特性更为明显，名家辈出，享誉世界， 19世纪中期，达到了可与油画相媲美的水平，终于登上绘画艺术的巅峰。然而现代水彩画在美国发展蓬勃，美国已成为 20世纪以来新崛起的“水彩画王国”。流派纷呈，画家众多，如大卫.理勒 .米勒得 (David Lyle Millard)、安德鲁.怀斯 (Amdrew Wyeth)、法兰克.韦伯 (Frank Webb )、查理斯.雷德 (Charles Reid)等。美国最大、最有权威的水彩画组织——“美国水彩画会”建于1866年(前身为纽约水彩画会)，每年举行一次画会年展，推动着水彩画的进一步繁荣和发展。现在，水彩画不仅在西方，也在东方蓬勃发展，水彩画已成为一个世界性画种。
在国内研究动态：新中国成立后，在“百花齐放、百家争鸣”方针的指引下，水彩画蓬勃发展。 1949年，“中华全国美术工作者协会”在北京成立，组织创作活动。1954年，中国美术家协会举办“全国水彩画、速写展览”。1956年举办的“全国第一届青年美术作品展览”展出水彩画一百多件。20世纪五六十年代，画家们深入生活，用水彩画来反映新中国的新面貌，写实风格得以确立，奠定了中国水彩画重写实的传统模式。李剑晨的《晨 曦 中的人民英雄纪念碑》、古元的《延河饮马》、萧淑芳的《丁香花》都是当时影响广泛的佳作。
20 世纪50年代，苏联格拉西莫夫、茹可夫、克里马中等画家的水彩画相继传入中国，他们“讲究造型严谨和色彩真实 ” 的写实传统极大地影响了中国水彩画艺术的发展。
自己的见解：
目前存在的许多问题比较复杂，很难归纳。从近几年举行的几次大型美展来看，有一个很突出的现象：水彩画作品中缺少画家内心活动的具体表现。现在画画的人大多都是靠临 摹 照片，缺少对事物的感触，缺乏自己对事物的认识和产生的独特的感觉。水彩画进一步发展，绘画形式的多元化与单纯的技法进一步影响着水彩画的意境。还有一些高科技手段开始被运用到水彩画创作中，甚至使用微喷技术，在专业的美展上这应该是受谴责的。
(二)研究内容
本文从理论出发，联系实际，对水彩画中的写意性进步作了一系列的研究，并对提出了各种技艺对水彩画创作的影响，具体内容如下：
一、题材选择是水彩画创作的“质”
二、作画技巧是水彩画创作中的“法”
(一)干画法和湿画法影响着画中的空间变化
(二)水分是水彩画中不可或缺的媒介
1、时间问题
2、空气的干湿度
3、画纸的吸水程度
(三)“留空”为水彩画中的“点睛之笔”
三、构图方式是水彩画创作中的“形”
四、艺术内容是水彩画创作中的“情”
(一) 静物水彩画
(二)风景水彩画
(三)人物水彩画
五、总结
(三)研究方法、技术路线及可行性分析
研究方法：
(1)调查法：通过对近现代画家的调查，了解水彩虚实技法的发展进步过程。
(2)文献研究法：通过查阅大量的书籍资料，从而全面的、正确的了水彩技法及在当代中国艺术教育中的发展过程和状态，以及在这个过程中出现的一些问题。
(3)定性分析法：对于本研究课题，我们除了要掌握一些资料之外，更多的要形成自己的思维体系。对获得的各种资料进行思维加工，从而了解中国当代水彩技法的虚与实在美术教育中的地位和影响。
可行性分析：
1、资料来源充足：现代网络设备，各种的期刊，报纸杂志都能为我们提供信息。相应的理论研究比较多，对本课题的研究提供了丰富的基础性支撑;
2、导师的精心指导：在导师的精心指导下，我修改论文，查找相关资料，使论文研究更彻底;
3、准备及研究时间充足：我校开展论文写作的时间充足，从2010年7月份开始选题，到2011年5月中旬定稿，将近半年的时间可以供我们写作和研究。
(四)进度安排和采取的主要措施
1、2010年7月10日——8月10日 收集资料，重读作品，确定论文题目，查阅相关资料。
2、2010年9月1日——9月12日 在指导老师的指导下，拟定写作提纲，并按学校相关要求完成开题报告，准备开题答辩。
3、2010年7月13日——12月30日 完成论文初稿，并交指导老师评审。
4、2011年1月1日——3月10日 认真听取指导老师的意见，修改论文。完成论文2稿。
5、2010年3月11日——5月10日 完成第三、四稿，毕业论文中期考核。
6、2010年5月11日——5月20日 定稿，装订，成册，准备答辩。
(二)主要措施：
1、查阅有关文献，去期刊网或报纸、杂志等媒体了解相关资料;
2、分析问题，运用所学知识、结合事实分析并解决问题;
3、与指导老师及同学共同探讨有关本题的相关内容。
(五)主要参考文献
[1] 孔新苗,张萍.中西美术比较[M].济南:山东画报出版社,2002.
[2] 蒋跃.水彩画艺术[J].美术杂志社,2000,(5).
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[9]文金扬.绘画色彩学[M].济南:山东美术出版社,2001.
[10]王伯敏.中国画构图[M].天津:天津人民美术出版社,1981
艺术是社会生活的反映。艺术的社会作用可概括为认识作用、 教育 作用和审美作用。艺术通过娱乐作用发挥她的教育作用。审美作用是艺术的独特的社会作用,也是艺术的社会作用的核心。下面是我为大家推荐的论美术的社会作用，供大家参考。
论美术的社会作用 范文 一：美术的社会作用
美术的范围非常广泛。从大的方面说，它可以大体分成观赏性艺术和实用性艺术两种类型。从观赏性艺术来讲，它主要包括绘画和雕塑两大类。而绘画，由于它使用的物质材料和工具的不同，又可分成中 国画 、油画、 水彩画 、水粉画、版画、 素描 等画种。雕塑也有圆雕和 浮雕 等多种形式，所用材料则有石、木、泥、石膏、青铜等。实用性艺术同样包括两大类：工艺美术和建筑。目前，国内外对工艺美术这个概念的理解虽有不同的看法，但按照通常的说法，工艺美术包括了传统手工艺品、现代工业美术和商业美术三大部分。传统手工艺品如玉雕、象牙 雕刻 、漆器、金属工艺品等;现代工业美术(或称“工业设计”)包括一切为满足人民日益增长的物质生活和精神生活需要的适用而美观的生活用品，以及现代化的交通工具和机械的造型和色彩设计;现代商业美术主要是指商品标志、包装装潢和商业 广告 等。建筑之所以也属于美术的范围，那是由建筑本身包含的技术科学和艺术的两重性所决定的。任何一座建筑物总是以具有某种空间形体的物质结构矗立在大地上的，这就必然有一个造型是否美观的问题。从这个意义上讲，建筑和雕塑一样是一种非常具体的造型艺术。
通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。十七世纪欧洲开始使用这 一名称时 ，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。随后不久，我国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。 美术是艺术的种类之一，它和人类社会有着密切的关系，美术创造是人类文明发展的重要而鲜明的标志之一。在现代社会，美术更是渗透到日常生活的方方面面， 满足着人们日益提高的物质生活和精神生活的需要。如室内设计：各种风格、服饰艺术：松糕鞋、雕塑：玉海广场的玉字造型等。从这些美术作品中可以看出，美术要利用各种物质材料创造立体的或平面的视觉形象，作为人们之间交流审美信息的手段，所以美术又称为"造型艺术"。他的种类主要有绘画、建筑、雕塑、工艺美术。
从本质上来看，美术是一种精神意识创造的产品。周代的《盂鼎》记录着周王赏赐给奴隶主土地、奴隶的铭文，它包含着象征奴隶主统治权力的观念盂铸此鼎以纪念，实际是宣扬自己的奴隶制特权，并表示忠于周王和纪念祖先。罗丹的《思》塑造了一个非常年轻、秀美的女性头像，她低着头，那忧郁而凝视的目光，禁闭的双唇，表现出丰富复杂的内心世界，仿佛陷入无法摆脱社会束缚的沉思，周围萦绕着梦想的气氛，不具形的“思想”在静止的"物质"中吐放出来，就像罗丹自己说的：“形体表达内在的精神”，“一切都是思想”。由此可见，美术的本质就是一种意识形态，是通过服务于某些中介环节而从属于社会经济基础的上层建筑。美术还是一种人类审美认识和审美创造的产物，它体现着社会的和个人的审美观念和理想。
自然界的万事万物本身并没有什么“美”与“不美”的界限，就像色彩本身无所谓“美”与“不美”一样。事物和色彩之所以有“美”与“不美”的区别，都是在和人的“社会生活”发生关联之后才显现出来的，所以，“美”与“不美”是“人”自己的生活观念及价值取向的一种标准，特别是作为“社会人”的一种意识反映。人在进行“审美”活动的过程中离不开对对象的“形象”联想，创作者在作品中注入了自己的情感，因而艺术作品已经不再是对象的简单模仿和复制，总是带着作者强烈的审美情趣。如詹建俊的《狼牙山五壮士》形象地再现了抗日战士英勇战斗、宁死不屈的革命英雄主义气概，无疑能激发起人们的爱国主义精神和热情。公益招贴画《维系生命的泉——粮食》以鲜明、醒目的形象突出揭示了“珍惜粮食”的含义，教育和提醒着人们 注意养成勤俭、节约的品质和作风。通过形象的感染与激发效能，启发观者的意识与情意活动，从而达到提高思想、品德和情操的目的。这就是美术在社会中起着教育功能的作用。而张择端的《 清明 上河图》：美术的“素材”取自于现实生活，现实生活中的"素材"本是分散的，艺术家把这些分散的“素材”集中起来，用自己的“构思”去“丰富”它，用自己的“构图”来提炼它，使现实生活的某个断面更加典型，呈现出来的画面、形象都以典型化了的特点而打动欣赏者。反过来说，欣赏者在这些典型的作品中之所以能够被“打动”，就是因为可以从中更清晰地认识到“生活”的本质。这是美术在社会中起着让人们有认识功能的作用。
论美术的社会作用范文二：美术的功能论文
流行的理论中关于美术功能多重性的解释,可以化为一个等式:美术作品功能=实用+认识+教育十审美 一一术能美功长期以来,这种“多重论”笼罩着理论界并迫使实践就范,导致出美术的畸形肥胖病和贫血症。因此,准确地估价美术功能以恢复美术素质,是理论上不容忽视的任务。本文打算就这一课题,阐述个人的一孔之见。(一) 严格地说,美术,是指美术家塑造可视美这一活动的过程,不是指这一活动的结果。过程和结果之间固然有着因果关系但却没有一个等号。“多重论”的破绽,就在于它把结果等同于过程,把美术作品的功能等同于美术功能,使后一概念变成一堆芜杂的混合物。’j此相反,我认为: 第一,美术不是实用的。实用的是供饮食的器皿,供穿戴的服饰,供乘坐的舟车,供居住的建筑,而不是附丽于这种种物质实体之1.的美术特质。 第二,美术不是认钻铂勺。起认识作用的是美术作品中形象的显现、说明、暗示或象征,而不是这些形象中所蕴含的美术特质。 第三,美术不是教育的。教育作用是通过美术作品中的形象所表现的主题思想去产生的,这种主题思想在本质_L与美术特质完全是风马牛不相及的事。 使美术区别于生产、科学、道德、宗教...
美术的功能是什么?古今中外,众说纷纭,莫衷一是。
绘画的三大社会功能
1、认识功能:通过美术作品认识不同时代、不同民族、不同 文化 、不同社会制度的人们的生活、历史、风俗、行为、器物、观念，等，甚至认识包括我们自己再内的整个宇宙。
2教育功能：指美术作品的题材所表现出来的内容和主题对观众形成的思想和道德上的感染与影响
3审美功能：培养人们对美的事物、美的形式的辨别力、敏感性和感受力 《画品》在序中首先阐明“夫画品者，盖众画之优劣也”，即本书系品评画家艺术高下之著作，又提出绘画的社会功能为“明劝戒，著升沉，千古寂寥，披图可鉴”。特别是提出了“画有六法”，不但全面地概括出绘画批评的艺术标准，也完整地确立了绘画创作的艺术规范，成为绘画美学思想优秀遗产的一个重要组成部分。
在人们普遍的认识中,美术教育仅仅只是技能的传授、美感的培养、欣赏能力的培养。但人们却忽视了这样一些功能:创新能力和形象思维能力的培养。目前各中小学美术教师对此问题还缺乏足够的认识,有的甚至还认识不到,在教学中也就没有能够采取相应的 措施 和教学手段去培养中小学
对美术功能的认识
【摘要】：美术在知识经济时期的主要育人功能不仅只是培养学生美术技能和审美情趣,更重要的是去培养学生的创新能力。但目前人们对这一问题缺乏足够的认识。教学中观念陈旧, 方法 单一,所培养出来的学生大都属于模仿型、技能型。针对这一问题,提出改变教学观念,完善 教学方法 ,用崭新教学手段去培养学生的创造能力和形象思维能力,提高其综合素质。
【关键词】： 美术教育 ，绘画，社会功能
【正文快照】：
美术这个专有名词，在中国的五四新文化运动中开始被文艺家和教育家普遍运用。它源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的还包括拳术、 魔术 、医学等。中国所谓“百工技艺”，也是包括同样广泛的范围。在古代，无论东方或西方，都只有“工艺”、“手艺”这类说法，却未见类似“美术”这样的专有名词。这是因为人类的审美意识，是首先从满足生存需要的工艺品萌生的。在欧洲，“艺术”和“美术”这两个概念，直到文艺复兴之际才确立并被公认。
美术的功能是什么?古今中外,众说纷纭,莫衷一是。美术的认识功能:通过美术作品认识不同时代、不同民族、不同文化、不同社会制度的人们的生活、历史、风俗、行为、器物、观念，等，甚至认识包括我们自己再内的整个宇宙。
美术教育功能：指美术作品的题材所表现出来的内容和主题对观众形成的思想和道德上的感染与影响 美术审美功能：培养人们对美的事物、美的形式的辨别力、敏感性和感受力 ，《画品》在序中首先阐明“夫画品者，盖众画之优劣也”，即本书系品评画家艺术高下之著作，又提出绘画的社会功能为“明劝戒，著升沉，千古寂寥，披图可鉴”。特别是提出了“画有六法”，不但全面地概括出绘画批评的艺术标准，也完整地确立了绘画创作的艺术规范，成为绘画美学思想优秀遗产的一个重要组成部分。
美术的主要功能，从用途角度看，美术可分为纯美术和工艺美术两大系统。所谓纯美术(fine art)，主要指满足精神娱乐和欣赏的需求，以审美为目的的绘画、书法、雕塑、篆刻，有时也包括音乐和诗歌。因为这些美术凝结着社会文化意识和审美意识，所以有时有人亦称之为文艺美术;所谓工艺美术，我们一般将它分实用美术、特种工艺品两大类，它们主要包括建筑、园林、工艺美术、工业设计。这些美术具有一定的功利目的，能满足人们在吃、穿、住、行等各方面的物质需要。当然，这种划分也不是绝对的。
如 编织 工艺品、玩具、绢花等，它们介乎实用与纯欣赏之间。可见，纯美术并不排斥功利目的，工艺美术也不能完全丢弃追求美的目的流行的理论中关于美术功能多重性的解释,可以化为一个等式:美术功能=实用+认识+教育十审美 一一术能美功长期以来,这种“多重论”笼罩着理论界并迫使实践就范,导致出美术的畸形肥胖病和贫血症。因此,准确地估价美术功能以恢复美术素质,是理论上不容忽视的任务。本文打算就这一课题,阐述个人的一孔之见。(一) 严格地说,美术,是指美术家塑造可视美这一活动的过程,不是指这一活动的结果。过程和结果之间固然有着因果关系但却没有一个等号。“多重论”的破绽,就在于它把结果等同于过程,把美术作品的功能等同于美术功能,使后一概念变成一堆芜杂的混合物。’j此相反,我认为: 第一,美术不是实用的。实用的是供饮食的器皿,供穿戴的服饰,供乘坐的舟车,供居住的建筑,而不是附丽于这种种物质实体之1.的美术特质。 第二,美术不是认钻铂勺。起认识作用的是美术作品中形象的显现、说明、暗示或象征,而不是这些形象中所蕴含的美术特质。 第三,美术不是教育的。教育作用是通过美术作品中的形象所表现的主题思想去产生的,这种主题思想在本质_与美术特质完全是风马牛不相及的事。 、美术的社会功能自然界的万事万物本身并没有什么美与不美的界限，就像色彩本身无所谓美与不美一样。事物和色彩之所以有美与不美的区别，都是在和人的社会生活发生关联之后才显现出来的，所以，美与不美是人自己的生活观念及价值取向的一种标准，特别是作为社会人的一种意识反映。
人在进行审美活动的过程中离不开对对象的形象联想，创作者在作品中注入了自己 的情感，因而艺术作品已经不再是对象的简单模仿和复制，总是带着作者强烈的审美情趣，也唯因此，才能在欣赏者中引起共鸣。9L8E-m所以，黑格尔说：美是人类最早的老师，美的教育具有解放思想的品质。没有审美的过程，谈不上美术的功能。因此美术的审美功能是它最主要的功能。当然，由于美术与社会生活联系的广泛性以及美术创作的多样性，美术的社会功能也不是单一的审美功能，而是体现在多方面的。概括地说，美术主要具有认识功能、教育功能和审美功能。好，接下去我们就欣赏作品来理解一下美术的社会功能。
(1)詹建俊的《狼牙山五壮士》形象地再现了抗日战士英勇战斗、宁死不屈的革命英雄主义气概，无疑能激发起人们的爱国主义精神和热情。公益招贴画《维系生命的泉--粮食》以鲜明、醒目的形象突出揭示了珍惜粮食的含义，教育和提醒着人们注意养成勤俭、节约的品质和作风。通过形象的感染与激发效能，启发观者的意识与情意活动，从而达到提高思想、品德和情操的目的。--教育功能。 B8D"W!X4^gu)J (2)张择端的《清明上河图42页》：美术的素材取自于现实生活，现实生活中的素材本是分散的，艺术家把这些分散的素材集中起来，用自己的构思去丰富它，用自己的构图来提炼它，使现实生活的某个断面更加典型，呈现出来的画面、形象都以典型化了的特点而打动欣赏者。反过来说，欣赏者在这些典型的作品中之所以能够被打动，就是因为可以从中更清晰地认识到生活的本质。--认识功能。(3)《蒙娜丽莎》《虎座鸟形鼓架》当我们惊叹于达芬奇是如何捕捉住蒙娜丽莎容貌与内心的迷人魅力的时候，当我们佩服于我国先民是以何等巧妙的智慧创造出那优美而又寄寓着美好愿望的凤鸟形象的时候，或者是置身于具有深刻文化内涵的建筑环境中的时候，就会从这些美的创造中获取到全身心的审美满足和巨大的精神力量。--审美功能。当然，审美功能还决定于欣赏者的心境和情绪状态。同样的自然山川在一些人看来，可以是山河无限好，在另一些人看来，又可以是满目萧条的残山剩水。大自然作为审美客体本身其实并没有什么本质的变化，之所以在不同的人看来会有如此大的区别，完全与审美主体的心境、情绪和他们不同的生活阅历有关。但是，不论他们的感受有多么大的不同，作为美术的审美功能，其作用都能使审美主体在或优美、或恬适、或悲壮、或苍凉、或雄浑、或冷寂的一种意蕴中得到审美体验，从而在精神上得到某种解脱和慰籍。
这三个方面又是互相联系的，因为美术的认识作用和教育作用主要是依靠情感的引导和美的感染潜移默化地实现的，而培养美感和陶冶情操也起着认识和教育作用。事实上，具体作品更加明显地体现哪种功能，是各有侧重的。总起来说，美术的社会作用就在于它可以帮助人们认识世界，普及教育，开拓文明，陶冶情操，全面提高人的精神素质，对社会主义精神文明和物质文明建设有着不可或缺的重要作用。"
3、美术欣赏、体会 G P1h#oO
美术的功能的研究，一直为我们艺术探寻者苦苦寻觅着。
美术功能的衍变，一直是一个我很想研究的话题，对绘画功能的全面认 识必将经历一个长期的认识。伴随我国近些年来经济的迅速发展，人们的生活水平也在一步步的提高，人们不再仅仅满足于物质生活的享受，对于精神层面的要求也越来越高。不管走在繁华的艺术区，还是穿梭在市井小街，绘画已然走向人们的日常生活中。研究绘画的功能衍变，并通过应用加以实践，对我们绘画者来说是很有价值和意义的。
1.绘画功能的分类
绘画的交互性功能
在我看来，绘画功能总体来说分为社会功能、文化功能、经济功能等几大类。再细分开来而讲，社会功能包括：政治教化功能、审美功能(包括自娱功能)、环境美化装饰功能、。文化功能包括：文化传承功能、文化交流功能、科学研究功能、教育功能。经济功能包括：经济建设功能、商品功能等。虽然绘画的功能能够用条条框框细分开来，但在实际情况中，往往几个绘画功能角色交织在一起，比如谈到绘画的经济功能中的经济建设功能，往往离不开绘画的社会功能中的环境美化装饰功能。这些绘画在社会中所扮演的各种角色往往都是相辅相成的。
绘画的政治教化功能
先说绘画的政治教化功能，《左传》中曾有记载：“昔夏之有德也，远方图形，贡金九牧，铸鼎象物，百物为之备，使民知神奸”。三千多年前的商周青铜器上面的那些龙、凤、夔、饕餮、虎、牛、羊、象等夸张的图案不仅仅起着装饰的作用，还对人们起着教育警戒作用，它让当时的百姓(包括奴隶)知晓什么是善与恶，什么是神与奸，在青铜器上面雕刻着众多被人们所敬仰的龙、凤、和一些被人民尊崇的道德模范等图案，这些图案除了起到装饰青铜器的作用外，还起到了教化的作用。统治者通过这种方式教化他的子民，遵法守纪的模范可以被后世一直所敬仰。这个应该是绘画的教化功能最早被人们所认可。到了春秋战国时代，在殿堂上画壁画已经开始盛行。这个时期的壁画不光光只有装饰图案，人物壁画图开始登上历史的舞台。自此， 人物画 逐渐成为了中国早期绘画的主旨。等到了西汉年间，人物画的范围开始扩大，内容不光有君主，也有将相，并且成为一种社会风尚。
绘画的文化传承功能
再说绘画的文化功能，到了唐朝，绘画的教化功能已经被人所熟知，而且绘画的地位有了很大的提高。张彦远的《论画》中记载"夫画者，成教化、助人伦、穷神变、测幽微，与六籍同功"此时的绘画地位已经并齐与“诗书礼易乐春秋”了。在唐朝初年，从事宫廷绘画的艺术家大多并非专职画画，如阎立德、阎立本皆为工部将作大匠、工部尚书。但吴道子却是因为绘画而仕途大顺，“盖吴道子初为翰林院供奉，开元二十六年改翰林学士，又仿弘文馆，指导生徒者亦称内教博士”可见，绘画水平高亦可“学而优则仕”。绘画的文化功能在唐宋时期尤为显著，更有甚者，北宋看门小吏郑侠因画劝谏则被列入正史之中。时值王安石变法，赶上连年大旱，灾民遍野，加上新法施之不当，民不堪言。郑侠知王安石文法难谏，便“悉绘所见为图”，以密件送入宫中。宋神宗看到郑侠的《流民图》，第二天便责令官府开仓赈济，郑侠本人也被列为正史之中。在唐朝，由于画技超群而在宫廷任职的人居多。唐朝其他一批宫廷画家，如张萱周昉程修等。张萱乃周昉之师，周昉乃程修之师，三人皆唐朝宫廷画家，不知有无内幕，无从查询。
2.绘画功能的衍变
唐太宗时，由于国势强盛，此时的画的主题也大部分是宣扬国威，此时的绘画起着政治宣传功能，到了唐玄宗以后，国势渐衰，宫廷画的主题也转向描写宫廷女子多姿多彩的生活了。此后绘画的自娱功能开始“小荷初露尖尖角”了。在这个时期，宫廷人物画得到了前所未有的发展，这个时期除了出现大量描写宫廷女子人物的图画外，还有一部分画室描写唐朝的外交情况的，有描绘唐朝天子接待外来使臣的，还有描绘唐朝使臣出使外域的。到了宋朝，画家往往与诗人同居一人，除宫廷画家外，往往“画不为人，自娱而已”许多士大夫把画画看作是审美和自娱的一种高雅活动。绘画自娱论，不但陶冶了人们的情操，而且促进了中国绘画的发展。
唐朝的许多绘画影响着自唐朝自后的很多画家，唐以后的画家在这些流传下来的作品中汲取营养，然后自成一派，影响自他以后的画家们，为后世津津乐道。 在唐以后，在一定意义上来说，古墓壁画充当着部分文字的角色。某中意义上说，绘画和文字一样，起着传承文化的作用。
3.新时代绘画的功能
总体说来，绘画的社会，文化等功能都是穿插交错的。而绘画功能也是随着时代的发展逐步增多的。绘画功能的全面拓展是改革开放以后，随着我国经济的快速稳定发展，物质生活不断升级的同时，社会主义精神文化也得到全面发展，并催生了很多文化的培育。在伴随着绘画的教育教化功能、文化传承交流功能、审美功能、自娱功能继续延续的前提下，绘画的商品功能、科学研究功能、经济建设功能、环境美化功能等也逐渐登上了历史的舞台，并为人们越来越重视。近些年来，出现了居多以文化人进军商业的职业，绘画在这其中充当了最为关键的角色，以宣扬城市文化、净化城市环境、提高市民素质为主题的文化墙遍布沿海城市的各个角落。以美化室内环境，宣传低碳环保为主题的壁画得到了诸多大型酒店和休闲场所的亲睐，以彰显主人文化品位，改善居住环境，提高审美情趣为主题的小型壁画也走进了众多平常百姓的家中。伴随着我国经济的不断发展，绘画的功能必将越来越多，而绘画也必定会为我国经济的发展和人民生活中精神水平的提高贡献自己的力量。
参考文献
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梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。记得一句关于梵高的话：“灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毁灭了自己
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里， 梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生和习作后，他完成了第一幅著名作品－《吃土豆的人》。这幅作品和他这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响，画面深沉，有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结，他似乎很想成为一位农民画家。一方面，他受到“精神导师”米勒的影响，更重要的可能是内心深处对乡间生活的向往，对淳朴农民的尊敬和对诚实劳动的赞美。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，凡高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往。但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，凡高的疯病(有人记载是“癫痫病”)时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。这位易于激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说： “作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利·福西隆在论述凡高时说道： “他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。 为了能更充分地表现内在的情感，凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。 采用点彩画法。 他的大部分作品如《奥维尔教堂》等，画面色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。 梵高最早的油画——包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。当梵高画它们时已经是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881年—1883年间。此前，梵高在博里那日矿区受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。可以说，凡高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差，但画中所表现出的气质与精神却是永恒不变的。 他的早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。 “梵高不仅是一个伟大的画家，而且是一个出色的作家与哲学家！”获得这项殊荣的时候，梵高已经去世了47年。 当他在世时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。同时对现代人也有着积极的影响。 法国的野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。 梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。 梵高在巴黎结识了印象主义画家群体，并多次参与他们的画家交流聚会之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。 梵高把他的作品列为同一般印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。 尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但他们的个人性格特点又有某些不同。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”. 梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。
美术鉴赏是一种视觉艺术，在发展学生的视知觉，获得以视觉为主的审美体验，陶冶审美情操，提高生活品质等方面，具有其他学科难以替代的作用。下文是我为大家整理的关于美术鉴赏3000字论文的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈中国绘画艺术
博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术 文化 、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在!
从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室 彩绘 砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方!
在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡(今江苏无锡)人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。
顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得” “以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的 故事 ， 《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。
恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰;笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。
而在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，也不乏优秀的作品出现。比如在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺，但同时，从来使的衣着与恭敬地神情以及唐太宗面庞的丰润、目光深邃、神态威仪而不失和蔼也能充分展露出盛唐一代明君的风范、一种神圣不可侵犯的威严所在。可谓是既表现了对吐蕃的蔑视，又在表现唐太宗风貌的同时表达了自己对唐朝不敢与吐蕃对抗的看法和讽刺。
古代绘画给我留下无穷的回味，而当代大师的作品亦能展现出中华民族的灵魂所在。
“痴于绘画，能书。偶为辞章，颇抒己怀。好读书由，略通古今之变。”一代书画名家范曾用这二十四个字评价自己。
范曾，字十翼，别署抱冲斋主，江苏南通人，当代中国著名的 国画 大师，开 人物画 一代风气之先。作品熔山水花鸟人物于一炉，集诗、书、画三绝于一身，在绘画语言上有创新，功力不凡。他的古代人物画，识者谓其气韵生动，神彩飞扬，精湛娴熟，笔力遒劲，线条简括，形象生动。
《鬼才范曾》封底上的那幅《钟馗雅趣图》，正是范老“鬼才”的一个集中表现。范老擅作写意人物泼墨人物，力追古代梁楷、法常诸人，笔墨浑厚，造型生动。他继承了南宋梁楷以来简笔泼墨的手法，形成了自己独特的风格。其人物作品之传神，固出于其才气之敏悟与博学好思之修养，至于其笔墨之能得其神，则应出于其锲而不舍的勤奋和努力。这幅《钟馗雅趣图》
1.笔法洗练、形象生动豪放。简单几笔构型有状，神采豪放，线条有样，生动鲜活。钟馗的坦胸开衫的简洁笔法将健硕洒脱的形象描绘得入木三分。卧蚕双眉，红脸多髯，使钟馗的戾气渐隐，英气伶伶俐俐的流露出一点点，不可谓不惟妙惟肖。颈肩与手部的洗练线条使人物更具质感，跃然纸上。
2.用墨有方，浓淡变化得体，则墨色活泼精神，有光彩，妙趣横生。前人论画谓“气韵生动”，常以用墨佳劣为主要衡量标准不是没有道理的。当然，一幅画是否达到“气韵生动”，还包括画体的内在精神刻画，作者情感的传递，以及用笔能否恰如其分地再现主客体的谐调一致。所有这些最终还是要靠墨色的变幻来体现的。
这幅《钟馗雅趣图》用墨也是十分精巧。墨色丰富,“墨分五色”既有变化又有统一。钟馗的衣衫以浅淡与中度墨色为主，将白衫的褶皱与光影差别以不同于西方 素描 的写意手法行云流水般的表现出来。而浓密的髯发更是展现出范老用墨的不俗功底，纠结浓密却不凌乱，恣意张扬却不繁杂，渐变与层次感以一种特有的手法显露，下笔犹如闲庭信步一气呵成。最可赏的便是范老整个人物的笔触与构图，人物有骨有肉，多利丰筋，形象饱满。
3构思精巧，构图简洁爽利，人物神态传神，别有妙趣。范老多画钟馗，这幅却备受瞩目，这和此幅钟馗的“与众不同”大有干系，是范老的“鬼气”赋予了此画别样的感受。范老打破传统，一改钟馗凶神恶煞的民间形象，以雅趣为旨，将钟馗塑造成一位气质介于文人与武将之间的另类，使人顿感新意。而右肩上的小鬼不再抱头鼠窜而是站在肩头搔弄。旧往打鬼擒妖的鬼判官钟馗，在画中以这些情态出现，诧异者有之，不解者有之，无奈者有之，最终却化作一笑，独品出另一味道。这种超脱出传统拘泥的作品，不愧为鬼才的画作。
其实，个人认为，我觉得中国绘画是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括着我国五千年来的文化积淀。
面对文化，我们要有一种使命感，维护我国文化积淀、传承我国文化瑰宝;面对艺术，我们要有一个积极的心态，发现生活之美、感受来自于艺术的强大力量;面对美术，我们要有一个欣赏的思想，发现生活的不同、感受来自美术的无限魅力。
浅谈大学美术鉴赏
摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、 经验 对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。
关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏
一、对绘画的鉴赏
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。
就像梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。 他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。 画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。 观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
总之梵高笔下的向日葵不仅仅是植物;而是带有原始冲动和热情的生命体。我更爱看窗外那一片向日葵，爱看她们在阳光下开出灿烂的笑容。我不敢展示真正的我，我也不知道真实的我是什么样。在向日葵面前，我有一种自信的感觉，展示着那个成功、全新的我;我在看见向日葵时，心里总有种暖洋洋的感觉。 我看见梵高背着画夹，在向日葵丛中专心致志地画着那幅热情奔放的向日葵。我看着向日葵明朗的脸，眼睛一亮。我对梵高喊道：“你必须面对自我，绝不能逃避。不管这有多么困难，需要多大勇气!”其实这句话不仅是对梵高说的，也是对我说的。虽然梵高已经成为过去，而我却可以改变。我要感谢的不仅是那扇窗，更要感谢窗外精彩世界为我带来的美好遐想。
二、对中国建筑的鉴赏
中国建筑，具有悠久的历史传统和光辉的成就，是世界上最古老的建筑体系之一，有7000年以上有实物可考的历史。3000年前已形成以木构架为主要结构、以封闭的院落为基本的群体布置方式的独特风格。它的发展从未中断，并对朝鲜、日本和东南亚各地的建筑有重要影响。它从陕西半坡遗址发掘的方形或圆形浅穴式房屋发展到现在，已有六、七千年的历史。修建在崇山峻岭之上、蜿蜒万里的长城，是人类建筑史上的奇迹;建于隋代的河北赵县的安济桥，在科学技术同艺术的完美结合上，早已走在世界桥梁科学的前列;现存的高达米的山西应县佛宫寺木塔，是世界现存最高的木结构建筑;北京明、清两代的故宫，则是世界上现存规模最大、建筑精美、保存完整的大规模建筑群。至于我国的古典园林，它的独特的艺术风格，使它成为中国文化遗产中的一颗明珠。这一系列现存的技术高超、艺术精湛、风格独特的建筑，在世界建筑史上自成系统，独树一帜，是我国古代灿烂文化的重要组成部分。它们像一部部石刻的史书，让我们重温着祖国的历史文化，激发起我们的爱国热情和民族自信心，同时它也是一种可供人观赏的艺术，给人以美的享受，所以，我国古代的建筑艺术也是美术鉴赏的重要对象。
中国建筑体系是以木结构为特色的独立的建筑艺术，在城市规划、建筑组群、单体建筑以及材料、结构等方面的艺术处理均取得辉煌的成就。传统建筑中的各种屋顶造型、飞檐翼角、斗拱彩画、朱柱金顶、内外装修门及园林景物等，充分体现出中国建筑艺术的纯熟和感染力。七千年前河姆渡文化中即有榫卯和企口做法。
半坡村已有前堂后室之分。商殷时已出现高大宫室。西周时已使用砖瓦并有四合院布局。春秋战国时期更有建筑图传世。京邑台榭宫室内外梁柱、斗供上均作装饰，墙壁上饰以壁画。秦汉时期木构建筑日趋成熟，建筑宏伟壮观，装饰丰富，舒展优美，出现了阿房宫、未央宫等庞大的建筑组群。魏晋、南北朝时期佛寺、佛塔迅速发展，形式多样，屋脊出现了鸱吻饰件。隋唐时期建筑采用琉璃瓦，更是富丽堂皇，当时所建的南禅寺大殿、佛光寺大殿迄今犹存，举世瞩目。五代、两宋都市建筑兴盛，商业繁荣，豪华的酒楼、商店各有飞阁栏槛，风格秀丽，明清时代的宫殿苑囿和私家园林保存至今者尚多，建筑亦较宋代华丽繁琐、威严自在。近现代中国建筑艺术则在继承优秀传统相吸收当今世上建筑艺术长处的实践中，不断发展，有所创新。
中国古代建筑的艺术成就令世界各国人民叹为观止，取决与它那独特的结构。在我们来看一看古代建筑的特点。下面是我们从网上和图书馆查阅收集来的关于古代建筑的信息。
中国古代建筑艺术的特点是多方面的。从美术鉴赏的角度来说，以下一些特点是应当了解的：
1、巧妙而科学的框架式结构
这是中国古代建筑在建筑结构上最重要的一个特征。因为中国古代建筑主要是木构架结构。“墙倒屋不塌”这句古老的 谚语 ，概括地指出了中国建筑这种框架结构最重要的特点。这种结构，可以使房屋在不同气候条件下，满足生活和生产所提出的千变万化的功能要求。。这种构件既有支承荷载梁架的作用，又有装饰作用。只是到了明清以后，由于结构简化，将梁直接放在柱上，致使斗拱的结构作用几乎完全消失，变成了几乎是纯粹的装饰品。
2、庭院式的组群布局
从古代文献记载，绘画中的古建筑形象一直到现存的古建筑来看，中国古代建筑在平面布局方面有一种简明的组织规律，这就是每一处住宅、宫殿、官衙、寺庙等建筑，都是由若干单座建筑和一些围廊、围墙之类环绕成一个个庭院而组成的。一般地说，多数庭院都是前后串连起来，通过前院到达后院，这是中国封建社会“长幼有序，内外有别”的思想意识的产物。家中主要人物，或者应和外界隔绝的人物(如贵族家庭的少女)，就往往生活在离外门很远的庭院里，这就形成一院又一院层层深入的空间组织。宋朝欧阳修《蝶恋花》词中有“庭院深深深几许?”的字句，古人曾以“侯门深似海”形容大官僚的居处，就都形象地说明了中国建筑在布局上的重要特征。
中国的这种庭院式的组群布局所造成的艺术效果，与欧洲建筑相比，有它独特的艺术魅力。一般地说，一座欧洲建筑，是比较一目了然的。而中国的古建筑，却像一幅中国画长卷，必须一段段地逐渐展看，不可能同时全部看到。走进一所中国古建筑也只能从一个庭院走进另一个庭院，必须全部走完才能看完。北京的故宫就是最杰出的一个范例，人们从天安门进去，每通过一道门，进入另一庭院;由庭院的这一头走到那一头，一院院、一步步景色都在变换，给人以深切的感受。故宫的艺术形象也就深深地留在人们的脑海中了。
三、丰富多采的艺术形象
如前所述，建筑不仅仅是技术科学，而且是一种艺术。中国古代建筑经过长时期的努力，同时吸收了中国其他传统艺术，特别是绘画、 雕刻 、工艺美术等造型艺术的特点，创造了丰富多采的艺术形象，并在这方面形成了不少特点。其中比较突出的，有以下三个方面：
1、富有装饰性的屋顶
2、衬托性建筑的应用
3、色彩的运用
伟大的中华民族，文明传承了几千。中国建筑，一个代表着中华民族的辉煌成就的标志，在历史的长河中留下了光辉灿烂的一页。伴随着对劳动人民的深深敬佩。我们的研究接近尾声了，古代建筑的艺术成就，是我们每一个中国人的骄傲。让我们期待中国的明天更美好。
结束语
美术鉴赏课更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。 美术鉴赏有益于我们灵魂的雕铸和人格的完善 艺术 教育 注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。
人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。
满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高我们的鉴赏水平问题而是如何发展我们的价值取向问题。提高我们对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。陶冶我们的思想情操、提高了我们的精神境界。
致谢：
通过学习本课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。
参考文献：
书名 作者 出版社 出版日期
1、《中外美术鉴赏》 徐改，刘晨 清华大学出版社 2009-08-01
2、《美术鉴赏》 李新平，成文光 哈尔滨工程大学出版社 2009-07-01
3、《中国建筑史》 梁思成 中国建筑工业出版社 2005年版
4、《西方美术史》 李春 陕西人民美术出版社 2002年版
浅谈新课改下美术鉴赏课中的情感教学
摘要：新课程标准的实施越来越注重学生个人能力和个人素质的发展和提高。美术教学也是如此。在美术教学中，教师应充分发挥学生的主人公意识，让学生积极主动地参与到教学中来，离不开情感的运用。利用情感开展美术教学可以有效地拉近师生之间的心理距离，能够让学生更热爱美术学习，更积极地参与美术教学。本文是我在实际教学中 总结 的一些运用情感开展美术教学的经验，希望能够起到抛砖引玉的作用。
关键词：爱 用心 赞赏 学生 真心
“想要别人怎样对你，你就要怎样去对待别人，同样，想要别人爱你，尊敬你，你也要同样先去爱别人，尊敬别人。”以前，总是听到这句话，但真正地体会到这句话的含义是在我这两年的教学生涯中。我真正体会到：“爱是教师最美丽的语言，只要你真心地去爱学生，发现学生的闪光点，用心去和学生交流、沟通，用爱鼓励学生。”这是开展情感教育，运用情感教育促进美术教学的前提。我们必须与学生加强沟通和了解，与学生建立良好的师生关系，以起到“亲其师信其道”的教学效果。那么，我们在实际教学中应该如何落实好情感教育呢?笔者认为主要应做到以下几点。
一、用你的真心去和学生沟通，建立信任感
“谁爱孩子，孩子就爱他;只有爱孩子的人，他才可以教育好孩子。”我非常欣赏这句 名言 。教师在教育工作中不仅关心学生的学习，而且还关心他们的生活，做他们的知心朋友。“没有爱就没有教育”，教学的成功不仅和教师有很大关系，也同样和学生有很大的关系。对于学生而言，但凡是自己喜爱的教师给予的教育，他们很快便能接受、掌握。即便是批评，也能愉快的接受，这便是学生所说的喜欢的教师的课就爱上，不喜欢的教师学生往往有抵触情绪，从而不爱上这一门课程。所以，我们要用爱建立情感的磁场，使教学产生良好的效果。
在一次高一美术鉴赏课上，我正在讲课，一位学生踢门而入，并且用挑衅的眼光看了看我，然后走到座位上趴着，好像在说：“看你能把我怎么样?”面对这位“刺头”学生，我没有发火，继续讲课。讲完课后，我走到他的座位旁边对他说：“怎么了，你不舒服吗?要不要去医务室?”那个学生坐直了说了句：“没事。”我继续说：“既然身体上没有原因，那么就是不喜欢我的课喽?那么你 说说 为什么不喜欢我的课?”这位学生这时有些不好意思了，说道：“没有，老师，是我错了。”从此以后，我每次上他们班的课，他总是很认真听讲，再也没有出现过类似的事。我认为，这就是情感的收获，也是爱的收获。对于学生而言，只有“亲其师”，才能“信其道”。学生只有真正的信任你，才会接受和相信你的道理。如果教师和学生建立了真正的情感，达到了信任的程度，就会成为一种巨大的教育力量。
二、用心鼓励，用爱让学生建立自信
如果一个学生生活在表扬之中，他就学会了感激;如果一个学生生活在鼓励之中，他就学会了自信。自信心是一种精神能源，是人行为活动的内驱力。一个人有信心，心里活动就积极、稳定，就会以持久的毅力去实现自己已定的目标。因此，培养学生的自信心是非常重要的，但这也是一项艰巨而神圣的使命。在教学过程中，学生不管是完成作品还是回答问题，总是希望教师予以肯定。这就是一个心理学家曾经说过的：“人性最深切的需求就是渴望别人的欣赏。”赏识是树立学生自信心最重要和有效的 方法 ，适时对学生进行激励性的评价，是使学生产生情感增长的关键性 措施 。
学生在学习过程中不可避免地出现失败，教师首先要对学生积极参与的态度表示赞赏，再对学生出现的问题作具体的点评分析，帮助学生在失败中挖掘闪光点，及时进行激励性评价，使学生体验到温暖，既保护到学生的学习热情，也帮助学生认识自己的不足，鼓励学生增强信心，争取获得成功。而在学生获得成功时，也对学生及时进行激励性评价，使学生体验到成功的喜悦，转化为学习的动力。鼓励学生是一个教师爱的具体体现。那么，怎样才能让学生感受到你的鼓励和关爱呢?其实做法很简单：一个简单的动作、一个肯定的眼神、一句简单的话语……都会在不经意间发挥着奇妙的作用。
三、经常赞美学生，让学生充分感受爱的魅力
现实生活中许多事例也告诉我们，在对学生的教育中，责难和赏识，方法不同，结果也大不一样。经常赞赏学生，用赏识和赞许的目光关注学生，往往会收到更好的教育效果。当一个教师真正爱学生时，他的注意力将不再放在学生错误的行为上，而是放在自己所喜欢和欣赏的行为上，赏识就在这个过程中自然发生了。在我们真诚地赞扬学生时，学生也会自然而然地显示出友好合作的态度，激发学习热情。
一次，一个美术班的学生找到了我，他说：“老师，我有事情请教您，但是您得答应我，不许和别人说。”我说：“好。”他说：“我喜欢我们班里一个女生，我不知道要不要和她表白，我很苦恼。”我一听，这是早恋啊，脑子里第一反应就是要劝他放下早恋，把精力投入到学习当中去，但是又不能直接说。于是，我说：“是哪个女生能不能告诉我?”他说了女生的名字，我一听，原来是最漂亮的那个女生。于是我就说：“我得表扬你!你看，你喜欢的女生是班里最漂亮的，这说明你的审美能力很高嘛!你说说，你除了喜欢她漂亮还喜欢她什么?”他说了这个女生的几个优点。
我表示同意，我接着说：“你看到的都是她的优点，是一个人，她就会有优点也有缺点。你再去观察观察她的缺点，我再告诉你你该不该表白。”过了一个月，他又来找我，这回他说：“老师，我不想表白了!”我说：“为什么?”“我按照您说的去观察她的缺点，我发现了不止有十条，而且有些是我不能容忍的!”我说：“你看，现在你的烦恼自己就解决了，根本就不用我帮忙了!不过，人都是有优点和缺点的，恋人之间也要能包容所有的缺点才能称之为恋人。你包容不了，这说明她不适合你。那么，这一篇就掀过去，你以后要把她还当朋友一样对待。”“谢谢您，老师!我开始跟您说的时候，您没有批评我，反而表扬了我，我很感谢您!”后来，这个学生考上了很好的大学。
赞赏学生时，心灵的感受非常重要，这就是为什么人和人在吵架的时候要很大声，因为他们的心离得远了，他们越大声心离得越远，而爱人之间在甜言蜜语的时候都是轻声细语的，因为他们的心离得非常近。所以，我只要用我一颗炽热的心去接近学生，用心灵与学生交流，建立和谐的师生关系，让每一位学生热爱美术学习，获得属于自己的成功。
美术教学应该充分体现新课程标准要求的以学生为主体的教学思想，从学生的角度入手开展教学。情感教育的运用正是体现了这一点。情感的沟通也是一种教学方式，他不仅是对人的尊重更是对我们美术教学的促进和补充。作为美术教师，我们在钻研美术基础知识完成好美术教学设计的同时，还要注重情感教育的研究和实践，多运用情感教育丰富、充实自己的教学课堂。只有这样，我们才能在完成美术教学任务的同时促进学生个人素质和能力的全面提高。
写作思路：真情实感的表达，结合实际情况描写，正文：
博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在!
从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。
通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方!
在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡(今江苏无锡)人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。
顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得” “以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事，《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。
曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。
曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹睿将它改名为《洛神赋》。
恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰；
笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。
而在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，也不乏优秀的作品出现。比如在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺；
但同时，从来使的衣着与恭敬地神情以及唐太宗面庞的丰润、目光深邃、神态威仪而不失和蔼也能充分展露出盛唐一代明君的风范、一种神圣不可侵犯的威严所在。可谓是既表现了对吐蕃的蔑视，又在表现唐太宗风貌的同时表达了自己对唐朝不敢与吐蕃对抗的看法和讽刺。
古代绘画给我留下无穷的回味，而当代大师的作品亦能展现出中华民族的灵魂所在。
“痴于绘画，能书。偶为辞章，颇抒己怀。好读书由，略通古今之变。”一代书画名家范曾用这二十四个字评价自己。
《鬼才范曾》封底上的那幅《钟馗雅趣图》，正是范老“鬼才”的一个集中表现。范老擅作写意人物泼墨人物，力追古代梁楷、法常诸人，笔墨浑厚，造型生动。
他继承了南宋梁楷以来简笔泼墨的手法，形成了自己独特的风格。其人物作品之传神，固出于其才气之敏悟与博学好思之修养，至于其笔墨之能得其神，则应出于其锲而不舍的勤奋和努力。这幅《钟馗雅趣图》
笔法洗练、形象生动豪放。简单几笔构型有状，神采豪放，线条有样，生动鲜活。钟馗的坦胸开衫的简洁笔法将健硕洒脱的形象描绘得入木三分。卧蚕双眉，红脸多髯，使钟馗的戾气渐隐，英气伶伶俐俐的流露出一点点，不可谓不惟妙惟肖。颈肩与手部的'洗练线条使人物更具质感，跃然纸上。
用墨有方，浓淡变化得体，则墨色活泼精神，有光彩，妙趣横生。前人论画谓“气韵生动”，常以用墨佳劣为主要衡量标准不是没有道理的。当然，一幅画是否达到“气韵生动”，还包括画体的内在精神刻画，作者情感的传递，以及用笔能否恰如其分地再现主客体的谐调一致。所有这些最终还是要靠墨色的变幻来体现的。
这幅《钟馗雅趣图》用墨也是十分精巧。墨色丰富,“墨分五色”既有变化又有统一。钟馗的衣衫以浅淡与中度墨色为主，将白衫的褶皱与光影差别以不同于西方素描的写意手法行云流水般的表现出来。
而浓密的髯发更是展现出范老用墨的不俗功底，纠结浓密却不凌乱，恣意张扬却不繁杂，渐变与层次感以一种特有的手法显露，下笔犹如闲庭信步一气呵成。最可赏的便是范老整个人物的笔触与构图，人物有骨有肉，多利丰筋，形象饱满。
构思精巧，构图简洁爽利，人物神态传神，别有妙趣。范老多画钟馗，这幅却备受瞩目，这和此幅钟馗的“与众不同”大有干系，是范老的“鬼气”赋予了此画别样的感受。范老打破传统，一改钟馗凶神恶煞的民间形象，以雅趣为旨，将钟馗塑造成一位气质介于文人与武将之间的另类，使人顿感新意。
而右肩上的小鬼不再抱头鼠窜而是站在肩头搔弄。旧往打鬼擒妖的鬼判官钟馗，在画中以这些情态出现，诧异者有之，不解者有之，无奈者有之，最终却化作一笑，独品出另一味道。这种超脱出传统拘泥的作品，不愧为鬼才的画作。
其实，个人认为，我觉得中国绘画是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括着我国五千年来的文化积淀。
面对文化，我们要有一种使命感，维护我国文化积淀、传承我国文化瑰宝;面对艺术，我们要有一个积极的心态，发现生活之美、感受来自于艺术的强大力量;面对美术，我们要有一个欣赏的思想，发现生活的不同、感受来自美术的无限魅力。