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昆曲的特点就是慢小细雅，有旦角的妩媚多姿，小生的儒雅潇洒，花脸的粗犷豪放，武生武旦的刚健潇洒，小丑的诙谐幽默。
在人类漫长的历史长河中，不同的国家、民族创造了绚丽多姿、各具特色的文化，形成了各自的传统文化和文化传统，使我们生活的世界千姿百态、异彩纷呈。中华文化曾经有过她的从容和优雅，也曾在历史上留下辉煌不朽的篇章。戏曲是中国传统文化在几千年的发展中孕育出的一道亮丽景观。 和任何人类戏剧样式一样，中国戏曲源自人类初始文化的宗教仪式中。不同的是，它没有像在欧洲和印度历史上所发生的那样形成文化断裂，古希腊悲剧和喜剧、印度梵剧在发出耀目光芒之后，都中断了，中华戏曲却一直生生不息地发展演变至今。在中国文化发展演变的悠久历史中，戏曲一直在孕育、变化和成长。尤其是在中国古代史的后期，戏曲活动成为民众社会生活的重要构成方式。同样，社会发展到今天，传统戏曲也面临着一个现代化的问题。 戏曲是一个流变的、包容的文化系统 今天，我们可以很轻易地在任何一出正在上演的舞台戏曲中发现：戏曲保留了人类戏剧初始阶段的许多特征，它的首要特点是舞台形式的综合性。它是一种集诗歌、音乐、舞蹈、美术等诸多艺术元素于一身的综合艺术。在它长期的演变过程中，又将所能够吸收的艺术成份都吸收进来，例如在它的表演形式中，除了歌舞，还包含着仪式、杂技、魔术、武术等成份。戏曲将这些成份有机熔铸为一体，随着时间的推移，逐渐定型为以韵律和节奏为主导、以唱曲为特征、用综合艺术手段表演人生故事的舞台样式。 中国古典戏曲成熟于宋元时期。完整的戏剧形式，给中国传统艺术注入新的生命，丰富了中华传统艺术的精神，使它在内容上更加开阔，具有更广泛的涵盖性；在形式上也更加丰富多彩，使戏曲成为世界上最为综合的艺术。可以说，中国戏曲融合了过去一切的艺术形式，在“戏剧”原则的主导下，发挥着音乐、舞蹈、诗歌、美术等艺术形式的作用。 天，我们可以很轻易地在任何一出正在上演的舞台戏曲中发现：戏曲保留了人类戏剧初始阶段的许多特征，它的首要特点是舞台形式的综合性。它是一种集诗歌、音乐、舞蹈、美术等诸多艺术元素于一身的综合艺术。在它长期的演变过程中，又将所能够吸收的艺术成份都吸收进来，例如在它的表演形式中，除了歌舞，还包含着仪式、杂技、魔术、武术等成份。戏曲将这些成份有机熔铸为一体，随着时间的推移，逐渐定型为以韵律和节奏为主导、以唱曲为特征、用综合艺术手段表演人生故事的舞台样式。 中国古典戏曲成熟于宋元时期。完整的戏剧形式，给中国传统艺术注入新的生命，丰富了中华传统艺术的精神，使它在内容上更加开阔，具有更广泛的涵盖性；在形式上也更加丰富多彩，使戏曲成为世界上最为综合的艺术。可以说，中国戏曲融合了过去一切的艺术形式，在“戏剧”原则的主导下，发挥着音乐、舞蹈、诗歌、美术等艺术形式的作用。 戏曲是文化，由其文化品性所决定，她浓缩了中国最优秀的传统文化，既不是模仿的，也不是封闭的。从表现形式上来看，古典戏曲呈现出象征型艺术的明显特征，体现着中华文化传统中的一种内在的、古典的精神。它的表演手段都由生活抽象并升华而来，舞台创造的一切都根据韵律和美的原则来进行，而体现为程式化特点。它从唱腔、念白、做工等基本表现手段，到服装、化妆、布景等辅助成份，处处都经过精心设计，这种设计的经验大多来自传统的积累和传承。 我们知道，在清代乾隆年间，古典戏曲发生了一次大的流变——京剧综合了昆曲和地方戏的特点，在雅俗两种趣味上得到了一次很好的协调。京剧将昆曲市民化、民间化，而将地方戏文人化。京剧保留了相当一部分昆曲剧目，努力吸收昆曲和地方戏的唱腔和表演技巧，在这种融合过程中，又不断产生新的东西。譬如戏曲各个“行当”在表演方面的特色，是在京剧的表演中才逐渐明显起来的，也就是说，京剧使昆曲和地方戏中各“行当”的表演艺术更加成熟起来。这一次传承与综合，不仅奠定了京剧作为“国剧”的地位，更使古典戏曲通过近代历史走向现代社会。 正是有了这样一种在内容和形式上最大限度地综合、积累与传承的艺术——中国戏曲——才能在变革、发展传统时，最小限度地“丢失”传统。在这个意义上来说，中国戏曲不仅是最能代表中国传统人文精神的一种艺术形式，更是一个流变的、包容的、吸收的概念和文化系统。它不仅把诸多传统艺术形式有机地综合到一起，而且在文化上很好地解决了“新”与“旧”，继承与创新的矛盾。 创新是戏曲延续和发展的决定性因素 现代化进程不断加快，为当代文化的发展创造了条件，也使传统文化与民族艺术的生存和发展出现了困境。在这个大背景下，“戏曲危机”的出现是个不争的事实。换个角度看，文化的多元，选择的多样，人们娱乐方式增多，人们的欣赏不再单一，说明了社会的进步。同时，我们也应当清醒地看到，戏曲一统天下的风光不会再有，而且一些传统戏曲曲目所倡导的封建观念与当今的观念有冲突，戏曲失掉一部分观众也在情理之中。作为传统文化的精粹和集中体现，戏曲的存在和发展有着她独特的民族文化意义。如何振兴戏曲，使古老的艺术获得新生，使我们独特的民族文化生存繁衍下去，成为我们这一代戏曲工作者越来越迫切，越来越沉重的课题。 中国戏曲作为最能代表中国传统人文精神的一种艺术形式，面临着后继人才匮乏、一些优秀的传统剧目濒临失传等种种困境。这和拆北京老城的道理是一样的，拆掉它很容易，可再想建立起来，却永无可能。丢掉了传统和建立在传统之上的民族的文化艺术，就是失掉了一个民族的灵魂。“我们的传统是什么？”、“我们拥有的是什么样的艺术？”每个戏曲工作者、每个传统文化工作者乃至每个中国人都应该时时刻刻扪心自问。 对于传统文化来说，只有当国民普遍认识到我们自己的文化是精粹、值得世界关注时，传统文化才能得到普及；同理，对戏曲来说，只有当人民大众认识到戏曲是精粹，值得今天的人们去欣赏、去了解时，戏曲艺术才能得以弘扬。宏观地看，传统文化的保护和发展，已经成为在经济全球化过程中维护世界文化多样性以及人类社会可持续发展的重要方面。如何在现代化进程中保存和发展我们各自的优秀传统，如何使各民族的传统文化有效地参与到当代社会发展进程之中，已经成为当今世界各国包括发达国家和发展中国家共同关心的问题。 上个世纪三四十年代，中国社会发生着翻天覆地的变化，中国文化传统受到外来西方文化的严重挑战，中国传统人文精神如何在吸收西方科学精神的同时做到保存、发扬自己，是许多志士仁人努力的目标，以梅兰芳大师为代表的戏曲工作者出色地完成了表演艺术领域的转换，适时地保存、弘扬并发展了古典戏曲中的传统人文精神。今天，对于作为舞台艺术的戏曲，要走的仍然是“经典化”的道路；戏曲工作者的任务也是使戏曲艺术继续走“精致典雅”的道路，而不是在所谓“市场价值”的哄抬下，降低它的艺术品格和古典趣味，与此同时，我们更要做到“继承创新，雅俗共赏”。中国戏曲是中华传统艺术的杰出典范，其文化品位和文化内涵是博大精深的。我们要把戏曲作为一种文化来提倡和发扬，使其活在舞台上和人们的心中，而不是陈列在博物馆里。 艺术有形，文化无形。左右着戏曲艺术兴衰存废的无形之手，不仅在于戏曲自身的文化底气，更在于它赖以生存的文化土壤。戏曲是前辈艺术家创新的积累和结晶，不断创新是古典戏曲得以延续和发展的决定性因素。鼓励和保护戏曲的传承与创新，实现古典戏曲的发展与创新，不仅对于中国文化，对于世界文化的多样化发展，也具有非同一般的意义。因为，历史证明：任何一种优秀的文化传统，只有随着时代前进，不断地扬弃、改造和更新，才能保持其旺盛的生命力，才能反映活生生的当代生活，并给现实生活以永不枯竭的推动力。
体现在结构方式，剧本形式，剧本内容，演奏的方式不同，种类不同等等。
1 唐骏学历被揭造假 学历被揭造假，导师形象轰然倒塌唐骏原本作为成功的职业经理人被誉为“打工皇帝”，很多青年人也视之为偶像、人生导师。他也自视甚高，出版名为《我的成功可以复制》的自传。2010年唐骏被卷入假学历事件，方舟子通过有力证据表明唐骏获得的文凭学历为美国野鸡大学文凭，同时美国华人和网友也展开调查发现唐骏的履历和个人经历多处造假，舆论公众对于唐骏的假文凭进行了激烈的讨论，事后唐骏选择沉默，唐骏事件给社会带来深刻反思。坊间遂传出其公司独立董事要求其下台的声音。而其诸多过往专利造假、学历造假、涉嫌苏州亿元贷均遭民间广泛关注!2012年6月19日晚，唐骏正式承认错误，为“学历门”道歉，并告诫年轻人：“好好学习”。最终，唐骏的“导师形象”轰然倒塌。 经微博认证的身份为“纽约中国电影节微电影奖项副秘书长”的“潘晓东”微博说：“同样是榜样，我就很欣赏俞敏洪和马云。他们是踏踏实实自己打拼出这些伟大的企业，人家说的话是真有水平。回去翻翻那几个大忽悠的书，全是假大空，神马‘别跟社会过不起，否则你会过不去’。类似唐骏，于丹的那一类，天天把自己弄得跟马云，俞敏洪平起平坐。公道自在人心，你不行就是不行，装不长久的!” 1 于丹演讲被哄下台 此次被“哄”下台的于丹，是从央视《百家讲坛》栏目走出的学术明星。她原本是北京师范大学教授、艺术与传媒学院副院长，却喜欢在电视上用“心灵鸡汤”解读《论语》、《庄子》及古诗词等。尤其喜欢谈“人生”。被戏称为“心灵鸡汤女士”。一方面她受到严肃的学术界的质疑，另一方面却也受到无数大众读者的追捧。据百度百科，2007年“第二届中国作家富豪榜”发布，于丹以1060万元的版税收入荣登作家富豪榜第2位。11月17日，于丹在北大百年大讲堂的昆曲表演之后，受邀登台发表看法，遭遇台下观众的强烈反感。观众高喊“于丹你下去吧”、“你没资格代表我们”等语，最终，草草发表几句看法后，尴尬下台。 对于于丹来讲，一贯自信满满且语气肯定的她，遭遇听众对她直接表现出反对，尤其是这么强烈地直接赶她下台，应该完全是意料之外的。事后，于丹发微博解释自己“有资格”点评昆曲说：“有些朋友对汪老师把花给我有些不满，并不知道我和汪老师来往26年，2007年我在中央台讲昆曲也是受汪老师之托，在我的《游园惊梦-昆曲艺术审美之旅》后记中有一节就是‘汪老师’，写过这段源缘。”她进一步“解释”观众的情绪说：“大家买票是来听演唱的，不是听演讲的，我完全理解，何况已经坐了三个半小时。” 1 鲁宾孙漂流 鲁宾孙是一个英国人,热爱航海,无所畏惧的他在一次乘船去南美洲时,遭到了大风的袭击,整个船只有他一个人活了下来,被大浪冲到了海岛边.后来,鲁宾孙从被海水冲到岸边来的船上找到了许多生活用品,以及一条狗、两只猫;他还在荒岛上找了一个适合自己居住的地方,作为自己的“家”;他每天打猎供自己吃食,把捕到的山羊圈养起来,还自己种粮食吃;二十六年以后,他救下了野人“星期五”,“星期五”成了他忠实的仆人,最后,鲁宾孙和“星期五”救出了叛乱船只上的船长,船长带鲁宾孙回到了英国. 鲁宾孙被海水冲到这样一个没有人烟、危机四伏的无名岛,可谓生机渺茫,但他又是如何活下来的?靠的不只是他过人的勇气,更是他丰富的生活经验.他能在荒无人烟的岛屿上寻找到安全、舒适、利于求救的地方安家落户;他能带着狗、扛着枪到森林里去打猎,到海边去捕鱼;他懂得如何把捕到的山羊圈养起来,以便以后可以吃到鲜美的羊肉;他能够播种庄稼,使自己吃到营养的粮食;他会制作能耐火的罐子……他拥有如此多的生存知识,这何尝不是一种生存智慧的体现呢?
昆曲是中国传统戏曲中最古老的剧种之一，元末明初之际即产生于江苏昆山一带，并逐渐流传到福建，广东，北京等地。在刚刚结束的第二十八届世界遗产大会上入围世界遗产之列。昆曲行腔优美，以缠绵婉转，柔曼悠远见长，场面伴奏乐曲齐全，以声音游丝的笛为主伴奏乐器，使昆曲的音乐更加婉丽妩媚。昆曲，又称昆剧、昆山腔，是中国传统戏曲代表剧种之一，至今已有600多年的历史，并被联合国教科文组织命名为“人类口头遗产和非物质遗产代表作”。昆曲的表演，是一种歌、舞、介、白各种表演手段相互配合的综合艺术，以声若游丝的笛为主奏乐器。它唱腔优美，在演唱上注重对声音节奏速度的控制，讲究咬字吐音，从而形成以缠绵婉转、柔曼悠远见长的独特风格。昆曲的角色分工很多，老生分副末、老外、老生；小生分官生、小生、巾生；净分大面、白面、二面、小面；旦分老旦、正旦、作旦、刺杀旦、五旦、六旦、耳朵旦等。各行角色都在表演上有自己一套完整的表演程式。昆曲剧目很多，共计有400多出折子戏。演出较多的有100多出，如《浣纱记—寄子》、《宝剑记—夜奔》、《鸣凤记—吃茶、写本》、《牡丹亭—闹学、游园、惊梦、寻梦、拾画、叫画》、《渔家乐—藏舟、刺梁》、《长生殿—定情、酒楼、絮阁、惊变、哭像、闻铃、弹词》。昆曲，原名“昆山腔”或简称“昆腔”，清代以来被称为“昆曲”，现又被称为“昆剧”。昆曲是我国传统戏曲中最古老的剧种之一，也是我国传统文化艺术，特别是戏曲艺术中的珍品，被称为百花园中的一朵“兰花”。昆山腔早在元末明初之际（14世纪中叶）即产生于江苏昆山一带，它与起源于浙江的海盐腔、余姚腔和起源于江西的弋阳腔，被称为明代四大声腔，同属南戏系统。昆山腔开始只是民间的清曲、小唱。其流布区域，开始只限于苏州一带，到了万历年间，便以苏州为中心扩展到长江以南和钱塘江以北各地，并逐渐流布到福建、江西、广东、湖北、湖南、四川、河南、河北各地，万历未年还流入北京。这样昆山腔便成为明代中叶至清代中叶影响最大的声腔剧种。昆曲在长期的演出实践中，积累了大量的上演剧目。其中有影响而又经常演出的剧目如：王世贞的《鸣凤记》，汤显祖的《牡丹亭》、《紫钗记》、《邯鄣记》、《南柯记》，沈璟的《义侠记》等。高濂的《玉簪记》，李渔的《风筝误》，朱素臣的《十五贯》，孔尚任的《桃花扇》，洪升的《长生殿》，另外还有一些著名的折子戏，如《游园 惊梦》、《阳关》、《三醉》、《秋江》、《思凡》、《断桥》等。昆曲的音乐属于联曲体结构，简称“曲牌体”。它所使用的曲牌，据不完全统计，大约有一千种以上，南北曲牌的来源，其中不仅有古代的歌舞音乐，唐宋时代的大曲、词调，宋代的唱赚、诸宫调，还有民歌和少数民族歌曲等。它以南曲为基础，兼用北曲套数，并以“犯调”、“借宫”、“集曲”等手法进行创作。昆曲的伴奏乐器，以曲笛为主，辅以笙、箫、唢呐、三弦、琵琶等（打击乐俱备）。昆曲的表演，也有它独特的体系、风格，它最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而谐和。俞振飞是卓越的昆曲艺术家，他具有一定的古文学修养，又精通诗词、书、画，他不但精研昆曲，同时又是一位京剧表演艺术家。因此他能将京、昆表演艺术融于一体，形成儒雅、飘逸、雄厚遵劲的风格，特别是以富有“书卷气”驰誉剧坛。他深受海内外推崇的代表节日有《太白醉写》中的李白；《游园·惊梦》中的柳梦梅；《惊变·埋玉》中的唐明皇；《琴挑》中的潘必正；《八阳》中的建文君；《断桥》中的许仙等，演来无不栩栩如生。
说什么好呢,题目太大,分数太少....汗
张心甜的下山比他们都好
戏曲的地域性与语言艺术探析论文
“地方化”不仅仅是戏曲艺术自我发展、自我完善、不断扩张的一种重要方式,更是“当代戏曲的一大特色”,在“戏曲”这个大的艺术门类之中,各个地方剧种都有属于自己的特殊规定。正是在这个意义上,“地域性”成为中国戏曲“传统”的重要特点之一。
此外,地方戏曲作为由一定区域内的民众共同创造、共同欣赏的区域性剧种,它体现了一个地区民众的总体审美趣味,是该区域内所有民众共享的非物质文化遗产。我们不能高高在上地站在“保护文化艺术多样性”的立场,空泛地给戏曲传统的地域性特点下定义,也不能不切实际地考虑到不同地域的民众对本地戏曲的审美和民俗需求。对一定区域内的演员和观众来说,地方戏曲是他们生活的一部分,是他们休闲娱乐、情感交流及宗教祭祀的必需品。以陕西省宝鸡地区民间秦腔演出活动为例①,庙会请戏不仅带有原始的“娱神”意味,更是村民们联络乡情、丰富农闲生活的需要;同时,在演出中还能够通过吉庆剧目,来表达一种质朴而单纯的、对幸福生活的期望。葬礼请戏,往往是因为逝去的老人多为秦腔戏迷,子女们希望通过这种形式表达自己的孝心;同时,这也是为了犒劳为举办葬礼而辛苦忙碌的乡亲邻里。至于各种企业开业、周年庆典请戏,一是企业希望借上了妆、带有“神气”的戏曲人物避邪求福,再则也给附近的居民(也即企业的潜在消费者)提供一场免费看戏的机会,企业方面可以借此机会表达“对父老乡亲的感谢”,是一种巧妙的广告策略。又如,笔者曾对兰州市区内主要茶园进行过调查,发现当地的茶园演出和业余自乐班活动,对于相当一部分中老年市民来说,听着熟悉的秦腔唱段喝茶、谈生意、拉家常,正如年轻人进KTV消遣一样,是他们日常娱乐、交际生活的一部分。而自乐班中各个年龄阶段的业余秦腔表演爱好者聚在一起,吹吹打打、弹弹唱唱,更是他们文化娱乐消遣、甚至是精神寄托的主要形式。
同样地,全国各地的戏曲演出均各有其符合地域文化和风俗习惯的“传统”,这些“传统”也只有针对这个区域内的民众才有实际的价值和意义,把东北二人转搬到苏州水巷茶楼上去,把昆曲小调放在陕西尘土飞扬的庙会戏台上,其结果如何是可想而知的。各地方剧种就像不同品种的花卉植物,只有在适合自己的地域文化土壤中才能生根发芽、开花结果。如果硬生生地把他们拔出来,“移植”到另外的土壤里,除了日益干枯僵死,别无出路。
与戏曲的剧种多样性相表里的,是它的民间性,“民间”这个词除了通常意义上含有的,与“官方”、“正统”、“贵族”等带有社会阶级性的词汇相对立的意思之外,更有“地域性”的含义。因为“民间”归根到底是民众的民间,不同地域的民众物质生活、精神世界的多样性,决定了“民间性”具体所指的多样化和地域性差异。以往研究者从社会学研究的角度出发,已经指出戏曲在表达民众的思想情感、[2]审美娱乐需求、[3]民俗生活需要[4-6]等方面呈现出的“民间”特性,但对民间性的思考还不能就此打住,因为所有这些需求还具有地域限制性。如果只强调笼统意义上的“民间”而忽略了“民间”内部的多样性和民众群体的.复杂性,就很容易造成对真正“民间性”和具体民众群体需求的漠视。社会人类学家罗伯特雷德菲尔德曾指出,如果将广大知识阶层、贵族阶层或者说城市统治阶层的“传统”视为“大传统”,而将底层民众的“传统”视为“小传统”,那么,这两种“传统”并不是完全割裂的,而存在着这一种长期的相互影响的关系。“大传统”会对“小传统”形成“下渗”作用,而“小传统”既有积极向“大传统”靠拢的愿望,也会对“大传统”产生重要的影响。[7]29也就是说,“传统”有着自为的生存空间和发展倾向,传统之所以存在,是因为人们热爱并且需要它们;传统的变迁“起源于传统内部,并且是由接受它的人所加以改变的”,这种变迁“并不是由‘外界环境’强迫他们作出的,而是他们自身与传统之关系自然成长的结果”[8]229。如果从理论研究的角度出发,为了保持某种演出形式的“民间性”而否定这种演出形式自身的发展要求,无疑是对遗产传承的自然链条的一种粗暴的人为破坏。戏曲的民间性,是具体、集中地体现在一群活生生的民众之中的,地方戏曲就是为了满足不同地域民众各种层次的需求而形成多种剧种形态的,我们必须尊重这种建立在地域差异基础上的剧种差异性。
以往学者对民间戏曲的研究,多是从文化分析、艺术欣赏、历史研究的层面展开的,但对于地方民众而言,戏曲的意义也许并不在此。比如,对于陕西民众来说,“请戏”、“唱戏”,首先是一种祖辈流传下来的仪式传统,是婚丧嫁娶、庙会祭祀以及各类庆典上必不可少的活动项目。其次,“看戏”则是一种能够带给人以愉悦感的娱乐活动和一种与亲朋好友联络感情的交流机会。此外,广大农民观众们,还相信传统秦腔剧目大部分都是讲述真实的历史故事。笔者田野调查时,剧团演员常常叮嘱我,要记住每出戏讲述的故事发生的年代,因为他们认为“这在历史上都是真事,人家是有记载的”。从《闯宫抱斗》、《太和城》到《八义图》,再到《出汤邑》、《金沙滩》、《二进宫》,几乎每次演出历史戏,演员们都会向我强调这一点。
传统秦腔戏剧目确实是以历史剧居多,而且很大一部分剧目都是基于历史演义而发挥出来的,其中包含了一些历史真实的成分。虽然这些民间传说和曲艺作品中的历史,对很多历史研究者来说都是“戏说”、“歪说”,但在广大民间观众中却具有很大的权威性。传统的秦腔历史戏正是在这种文化背景下,赢得了演员和观众的“尊重”。特别是那些讲述民族英雄和忠臣烈士英勇事迹的历史戏,无论演员还是观众都会对其中的主人公抱有崇敬之情,而对奸臣逆贼则嗤之以鼻。典型的表现是,一出秦腔传统历史戏中,戏分最多的肯定是忠臣义士而不会是奸贼,团里台柱级别的须生演员很少饰演坏人,而演员也往往不愿以自己饰演反面角色的戏作为自己的拿手戏①。从观众的角度来说,他们一般不会为“坏人”的表演而鼓掌叫好,更不会为饰演反面角色的演员“搭红”、放鞭。②[9]72如秦腔传统剧目《八义图》(即《赵氏孤儿》———笔者注)演出时,饰演为救孤儿而慷慨赴死的卜凤、公孙杵臼、程婴等正义人物的演员都会被“搭红”、放鞭,而屠岸贾的饰演者,即使被有些观众称赞“演得好”,也不会得到这样的待遇。也就是说,戏曲的“教化功能”其实不仅仅是上层统治阶级从意识形态角度出发对戏曲提出的“非分要求”,也不仅仅是文人创作者从主观态度出发的“一厢情愿”,同时还是广大观众心中已然形成的一种观赏需求。戏曲在民间传播,确实起到了知识传播和道德培养的积极作用。戏曲剧目的“历史讲述”和“道德教化”特点,对地方民众思维方式、价值判断的培养和塑造发挥着重要的作用,因此,这也是戏曲地域性特点的一个重要方面。
总而言之,戏曲“传统”的地域性特征,不仅体现在不同剧种形态各异的表演方式和艺术风格上,更体现在各剧种与他们所属地区民众的现实生活和精神世界的密切关联之中。我们不应该只站在“保护人类文化多样性”、“保持戏曲艺术多样性”的艺术家和理论家的立场上,对如何保护、如何发展指指点点,而应该认识到,这种“多样性”的形成和发展首先取决于民众多样化的审美娱乐需求。应该首先弄清楚观众需要什么,并尊重他们的需要,给他们传承或者改变自己的“传统”的自由。
所谓“口头性”,是借鉴了英文单词Oral/Orality的译法,包括口头创作和口头传承两层含义,在OralandIntangibleHeritage(口头非物质文化遗产)和OralPoetry(口头诗歌)这两个相关的重要概念中,“口头”(Oral)均同时包含这两层含义。有学者指出,应将其译为“口传”更为合适,[10]36诚然,“口传”固然强调了传承方式的非文字性和动态性特点,却忽略了艺术创作过程中的即兴发挥和口头创造性。因此,笔者以为,反倒是“口头”这个似乎比较含混的词语更有概括力。虽然借用了英文词汇,但并不是说中文语境中就没有这一概念;恰恰相反,我国文化传统中,强调“口头”材料价值的历史要更为久远:如汉语中“文献”一词中的“献”字,朱熹曰:“文,典籍也;献,贤也。”即,“文”原是指书面的文字记载,“献”则指博闻的贤人的口头传闻。[11]12可见,文化传统的“口头性”特点,是人类文明的共有特征。
曾有学者将戏曲归结为“语言的艺术”,并从“文学性”的角度对戏曲的“现代化”提出要求。自然,大部分戏曲剧目都有大量可以以文字的形式进行创作和记录的唱词、念白,从这个角度出发,认为“元杂剧”、“宋元南戏”、“明清传奇”和“地方戏”都是一种“戏曲文体的概念”[12]4,似乎也未尝不可。接着,如果从文学角度出发对戏曲的唱词和念白进行分析,认为其具有“诗的韵律、节奏”,从而将元杂剧、宋元南戏都纳入“抒情诗”[13]8的范畴,这个逻辑也大体不谬。这也是很多学者斥责清末以来以京剧为代表的地方戏,“使戏剧文学性和思想内容大大‘贫困化’”的基本依据和出发点。[14]5但笔者以为,即使考虑到戏曲拥有大量韵律化和节奏化的唱词和念白,故而承认“戏曲文学”的存在、承认“戏曲”的抒情诗本质、承认戏曲是在表达某种思想和情感,也必须认识到,这是一种“口头文学(Oralpoetry)”,它遵循着“口头诗学(OralPoetics)”的形成和发展规律。“口头诗学”理论源自西方文学理论界对荷马史诗的形成及其传播形态的讨论,20世纪30年代,帕里和洛德在对南斯拉夫地区口头史诗的调查研究基础上,提出了被后世命名为“帕里洛德”理论的观点。自此以后,有关口头诗学理论的方法,“已经影响了散布于五大洲的、超过了150种彼此独立的传统的研究”[15]5,这一理论在大量人类学调查材料的基础上,强调被传统的研究方法所忽略了的史诗文学的口头创作和口头传播特性。“口头诗学”理论,对我们认识中国曲艺和中国戏曲有很大的启发意义。
戏曲的成熟和完善得益于唱讲文学提供的足够多的、情节足够丰富的故事本事,当前许多盛行的剧目,无论是元杂剧、宋元南戏还是明清传奇、地方戏曲剧本,都和唱讲文学有很大的关联,甚至有学者提出,许多地方剧种完全就是在地方说唱艺术的基础上形成的。当然,有关唱讲文学对戏曲艺术所产生影响究竟有多大的问题,相关的研究仍需进一步深入;但可以肯定的是,戏曲从唱讲艺术中吸收了很多珍贵的养料,其中就包括“口头性”特征。由于唱讲文学本身就是一种口头创作、口头传承的艺术样式,“一般来说,说唱的文本就是这样从无数艺人的口中产生的‘口头创作’的阶段成果”[16]48—49。对民间说唱艺人来说,“与文字相比,戏剧或说唱的词句首先是作为‘声音’存在的”,而且艺人还常常“得到师父口头传授书词”[17]84。即使对于现成的演出本,“艺人们也一般不将其书词全部背诵下来,而仅仅是记住其故事情节和成为‘赞’、‘套’、‘赋’的某种韵文就登场了”[18]87。那些认为戏曲源自唱讲艺术、戏剧剧本来自说唱文本的观点,至今有一个问题无法解释,那就是,为什么从说唱文本到戏曲“剧本”之间的“链条仍有一些缺环”?有学者将完善这些“缺环”的希望寄予“文献发现”[18],其实,这个重要的环节就是戏曲艺人的口头创造。既然唱讲文学本身,允许艺人对底本进行口头的即兴创作,当它转为另一种形式不同却拥有更加突出的“表演”本质的艺术所用时,这种被实践证明极富创造力和实用性的创作方式,自然会被继承下来。从“口头诗学”的角度来思考,也更容易理解中国戏曲幕表制、条纲戏的演出形式何以成为可能。
总而言之,如果考虑到戏曲唱词、念白的“文学形式”,从文学角度理解戏曲的“传统”,这也未尝不可,但必须认识到戏曲剧本不仅仅“为上演而设,非奏之场上不为功”[19]1,而且是可以直接在场上以口头方式创作、并且以师徒之间口耳相传的方式传承下去的。
戏剧是由“文本”和“表演”共同组成的一种“综合艺术”,两者缺一不可,互相依存。上文已经分析指出戏曲“文本”的口头性质,那么接下来,则需再来探讨“表演”的口头性质。事实上,用口头诗学的理论分析戏曲表演的口头性仍有一定的局限,因为舞台表演已经远远超越了口头讲述、口头表演的唱讲艺术范畴,而具有肢体表演艺术的特征。笔者此处只是借鉴口头诗学的理论思维,反对将戏曲艺术文本化、将演出凝固化,认为戏曲的舞台表演具有类似于口头表演的临场创造性和口头传承性特征。笔者在对宝鸡新声剧团及宝鸡秦腔民间演出形态的调查中发现,同样的一个剧目,从来不会以同样的方式进行演出。正如有老艺人明确指出的那样,有些戏“根本没有啥本子”,“不同班子有不同班子的演法”。唱词和念白部分尚且如此,具体的身段表演就更加具有灵活可变性了。新声剧团丑角演员杨宝国的表演就很能体现这一点,作为该团唯一当行的丑角演员,他饰演的刘媒婆、杨三小、花仁义、赵飞等角色,时常令观众捧腹大笑,而同样的这几个角色每一场他都有不同的演法、不同的台词和动作,每一场都会增加自己临时发挥的“活口”。当笔者问他这些活口是如何编排出来时,他笑着回答:“这都是胡说八道呢,没有啥道理。见啥人说啥话么!”但又随即严肃地说道,“虽然不存在编排那一说,可也不能真的胡说,要心里有底,说得干净利落、适可而止。”①
其实,理解戏曲的口头性特点,也只能是作为理解戏曲唱词、念白等语言性表演部分的一个新切口。凝结着更多戏曲“传统”的表演的口头性,则需要从另外的角度切入,那就是师徒之间“口传身授”的技艺传承方式。由于戏曲演出纯粹依靠演员高度技艺化、繁难化[20]的肉声演唱和肢体表演,因此,从根本上来说,戏曲是完全诉诸场上的一种表演艺术。它的许多身段程式不仅无法用文字来记录、表达,甚至也是“口传”都说不清楚的。和其他所有类型的文化传统一样,在世代延传过程中的“那些弦外之音(over-tones),不言而喻的知识(tacitknowledge)成分,以及洞见之类不宜应用原理和规则的东西,是不能以明确的语言进行传授的,而要通过内心联想,通过对动作执行者的典型行为的移情来获得”[8]23。具体至戏曲艺术中,就需要老演员的亲身示范,也就是“心授”,演员们习惯称之为“带着走一遍”。演员“跟着铜器点子”、“跟着师父走一遍”之后,很多困惑便可以得到解决。
同样以宝鸡新声剧团为例,该团大部分年轻演员毕业于各类戏曲学校,三年的在校学习仅能掌握基本的表演技法,进剧团后,要想上台表演还需要由老演员对其作具体的指导,这种指导便都是以口传心授的方式进行的。笔者在调查期间发现,这种技艺传授行为可以随时随地发生,灵活性很强、形式也比较多样,比如年轻演员在台下观看老演员的现场表演,休息时听老演员“说戏”,等等。如今,随着各种视频影像资料的普及,年轻人还可学习其他知名演员的表演。但这样“看”、“听”、“说”仍然不够,还需要“做”,即老演员的动作示范和年轻人自己的舞台实践。总之,老演员的口传心授和年轻人的身体力行,是戏曲表演技艺得以传承的两个根本要素,二者缺一不可。这一点,从新声剧团老团长李扶中对现在大部分演员不认真练功,只想偷懒地看看、听听,“上台后学样样”的现象表现出的强烈不满也可以体现出来。正如他情绪激动地感慨道:“不是说所有东西都是你看就能看会的,这需要功夫,没有功夫,你演的就算是对的、没错,也不好看、不合式,行家一看就看得出来你这个演员的水平”②。
事实上,认为戏曲是“语言艺术”和认为戏曲是由“剧本”和“演出”共同组成的“综合艺术”这两种观点,笔者均不敢苟同。但上文仍然在肯定这两种观点的基础上分析戏曲“传统”的口头特征,只是为了强调认识“口头性”的重要意义。笔者认为,戏曲不仅仅具有口头艺术的特性,更是一种纯粹的表演艺术,无论是其体现为“文学形态”的唱词和念白、还是最终以“表演”为本质的成品———一次具体的演出,作为一种非物质文化遗产,舞台表演艺术就是一种“时间与空间的瞬间结合,它的本质就是intangible”,也就是“无形性”、“转瞬即逝性”①[21-23]。而戏曲之所以具有这种intangible之特性,根本原因就在于它以演员在场上的“在场表演”为主要创作方式,以师徒之间的口传心授为主要传承方式,既不囿于剧本、灯光、舞美等物质工具,也不会停滞于任何一个固定状态,整个创作、传承过程都依赖“人”的创造力,长期处于不断更新、不断变动的发展过程中。
以剧种多样化和民间性为主要表征的地域性,和以口头创作为主要创作方式、以口传心授为最佳传承模式的口头性,是戏曲“传统”最为突出的两个特征。其中,剧种多样化是一个长期的过程,至今仍然在继续。口头创作和传承的灵活性、创造性也体现出强烈的活态特性。因此,戏曲的“传统”绝对不是已经僵死的、固定不变的、“跟不上时代”的“旧传统”,而是内在的蕴含着无限的生命力和创造力,是一种“活”的传统。遗憾的是,这一点却常常为传统戏曲研究所忽略。[24]96因此,笔者以为,回归“传统”,肯定“传统”的活态性和创造性,发掘古老“传统”对当下戏曲传承、发展的重要意义,从“传统”中汲取力量,是解决当前戏曲困境的根本出路。
我国非物质文化遗产保护现状及存在的问题非物质文化遗产保护和非物质文化遗产这个概念，在最近十年，尤其是最近五六年，从一个陌生的名词逐渐成为了社会关注的焦点。在这个过程中，从政府到学者到普通群众，都对中国的非物质文化物产抱有相当大的热情。2000年，我国开始为非遗项目申报联合国教科文组织“人类非物质文化遗产代表作名录”。2001年联合国教科文组织公布了第一批非物质文化遗产，中国的昆曲名列第一位。当时进入这个名录的，还有日本的能乐。但是当时我们所有的新闻媒体，只是用一个很小的篇幅报道了这件事情。而日本却是用通栏的大标题，把能乐进入联合国的非遗名录当成他们国家一个非常大的荣誉来报道。说明我们对保护非物质文化遗产还没有一个足够的认识。这个观念上的差距比2001年中国和日本经济上的差距还要大。伴随着我国经济的高速发展，中国社会已经站在了一个新的平台上，正是由于这一新的平台所具有的综合实力，社会对于文化传统的意义有了更加深刻的认识，像“非遗”这样的议题才可能成为社会的焦点。非物质文化遗产的保护其实是我们文化认同感的重要组成部分，也是对于中华民族宝贵文化创造力的珍重和关切，这种认识上的提高正是和中国经济发展带来的综合实力的提升相联系，这对于非物质文化遗产的传承和保护是一种更有力度的支撑。中国现在是进入联合国人类非物质文化遗产代表作名录最多的国家。现在我国昆曲、古琴艺术等有26个项目被列入人类非物质文化遗产，另外还有羌年、中国木拱桥传统营造技艺等三项被列入联合国亟待抢救的非物质文化遗产名录。而且就在最近，文化部和中国艺术研究院中国非物质文化遗产保护中心在人民大会堂举行中国入选联合国教科文组织非物质文化遗产项目颁证仪式，向参与申报工作的95个单位颁发证书，再一次表明国家对非物质文化遗产保护工作非常重视。尽管如此，我国非物质文化遗产保护仍处在一个初级阶段，存在的主要问题有：1.政府对非物质文化遗产普查力度不够。由于民间文化历史悠久、种类繁多，政府部门长期不够重视，普查工作力度不大，导致对非物质文化遗产整体状况、存在种类、数量和消失的状况认识不清，缺乏深入和广泛的了解。我国申报非物质文化遗产工作也相对滞后，如陕西户县的农民画、陕北的安塞腰鼓、青海同仁的热贡艺术、新疆哈萨克族的“姑娘追”、壮族的“三月三”、苗族的姊妹节、云南傣族泼水节等，在数量上明显占有世界总量的很大份额，
艺术设计专业毕业论文的写作,有助于提高学生的综合能力。下文是我为大家整理的关于艺术毕业论文的范文，欢迎大家阅读参考! 篇1 论建筑艺术的美学内涵 摘 要：随着建筑史的发展，从中可以体现出社会文明与美术，有着深厚的文化积淀，不同地区的建筑是不同地域社会风貌的展现，能够从中发现审美和哲学观念。因此，充分了解建筑艺术的美学内涵，有助于实现建筑艺术的美学化，提高人们的鉴赏能力，充分了解美学内涵。 关键词：建筑艺术;美学原理;内涵 建筑艺术作为传统艺术，可以充分呈现各类建筑元素，包括线条、色彩、质感等，构建出符合人们审美的房屋构架，具有多重空间，有很强的实用性。因此，建筑不仅可以为人们提供良好的住房条件，还可以形成建筑艺术，同属于技术与艺术的范围，并根据时代发展的要求，不断创新，设计出符合时代特征的建筑。 一、建筑与艺术的关系 “建筑”一词可以从两方面进行分析：其一是房屋或是具有实用性的建筑物，可以满足人们日常生活生产的需求;其二是经过建筑设计师构思后，设计出来的建筑风格和样式，与艺术、文化息息相关。建筑和艺术虽然分属于两个不同的学科，各自有相应的概念，但因为两者都与“建筑学”有一定的关联，符合其专业特点，因而形成了很多新概念，比如建筑艺术、建筑美学等[1]。 在英语的表达方式中，通常会用building或house表示房屋等，用architecture表示建筑学，这就突出了建筑设计师对于人类生活与发展的重要性。又因为建筑除了是一栋建筑物外，还是一种造型的体现，如此，它必然会涉及到不同的美感因素，即不同的点，由点发展成线，最后形成一面，或是整体建筑形式的质、色等，所以，建筑也可以被归为美术的范畴。“建筑学”从整体上进行分析，它涵盖了科技和艺术，让科学与技术两者的关系变得和谐统一，互相融合[2]。 二、建筑艺术和文化艺术的异同 ***一***相同点 建筑设计师在构建建筑艺术时，会适当融入不同时期的文化特点，让其具有文化艺术，并且两者都归属于“上层建筑”，会形成相同的创作基础。其创作规律基本相同，两者都是以人的思想变化为源头，了解以往生活的特点，分析不同时期和不同地区特有的艺术形象，与时俱进，有较强的社会性与民族性[3]。同时，两者还受艺术普遍规律的引导和限制，会采用同一种创作手法，以及不同的结构处理方式，突出设计者的观念，形成不同的形式结构，运用形式法则完成设计。 ***二***不同点 文化艺术包括文字、戏剧、电影等，其中，文字艺术主要突出了文字的运用以及语言的描写;戏剧是要以剧本为基础，通过演员的表演和舞台效果的结合，增强戏剧的影响力;电影则是多种艺术形式的结合;而建筑艺术通过造型，可以为使用者提供视觉的享受，但与此同时，还要注重其实用性与功能性，因其一旦建成，会保留很长一段时间并，对人们的生活造成很大影响。即建筑与人的联络要远超过艺术与人的联络，它会涉及人们生活的方方面面，因此，建筑艺术的造型必然会在潜移默化中影响人们的精神意识。 另外，建筑艺术与文学艺术虽然都可以体现出人们生活的特点和形式，但建筑艺术除了可以反映其生活外，还可以根据本身实用性的改变，以及使用功能的调整，使其通过简单的雕刻、绘画表现出人物的精神状态和内涵。而真实情况并非如此，建筑艺术是由固定的或抽象的几何形体组成，会营造出良好的居住或使用氛围，或是宁静动感，或是朴素华丽，不再拘泥于固定的艺术形态，增加自身的艺术魅力[4]。建筑艺术的审美价值除了可以在雕刻、装饰上体现出来之外，还可以从内外空间的展现以及空间的拓展上体现。首先，调整内外空间的布局以及进行空间的扩充套件，是为了满足建筑实用功能的要求;其次，这些空间被充分利用后，可以营造出相应的氛围，但这必须以人们的活动为基础，对室内环境有初步的记忆。这就是在原有三维空间的基础上，通过增加时间元素，让其变成四维空间，即只有在一定空间的基础上才可以形成建筑。 三、建筑艺术蕴藏的美学内涵 ***一***从建筑风格的角度分析其美学内涵 建筑是以石头为笔记录下的史书，这已经成为建筑给人的初步观念。我们可以从历史的观点分析这一观念，不管是我国传统文化建筑，还是希腊、罗马建筑，都是把一个时期抽象的历史变得具象化，用物质的形式展示给当代的人们。而我们除了可以从这些物质中了解当时的文化和社会背景，以及概念性的理论外，还可以发现其建筑风格，并进行分析[5]。随着时代的发展，人们不再只关注建筑风格，而是注入美学的观念，从不同的教育进行审美，让其形成社会意识，但社会意识的产生必须以物质为基础，为建筑风格的形成提供保障。另外，建筑风格也可以体现出某一时期的社会经济水平，包含一定美学与哲学观念。 因此，不同的历史时期会产生相应的建筑风格，而如果从共时性的角度分析，不管是建筑本身还是其风格都与社会发展有紧密的联络，并且，在同一时期的不同建筑，也存在很大的差异。比如，在文艺复兴时期，虽然欧洲各个国家都展开了复兴运动，但因为生产力水平存在的差异，让各个国家的建筑各有特色。 很多西方国家都会把石头作为主要建筑材料使用，其精细的雕刻没有随着时代的发展而落后，而是让人们不断惊叹，让人们不禁思考当时社会生产力的水平，但通过进一步分析，不难发现，这类建筑需要大量的人力、物力，并且，当时人们多受唯物主义观念影响，但这种观念却无法在建筑中体现出来，意见大多由上层人员提出，没有满足平民的需求，造成这一现象的原因是因为生产力的不足，形成的封建管理制度。因此，这类加入大量雕刻的建筑无法在民间普及，只能作为一个城市或地区的标志使用。随着工业革命的进行，社会的生产力有了质的发展，工人阶级逐渐形成，并认识到财富的分配不均，所以，建筑设计者渐渐把中心从装饰性向实用性转变，满足社会大部分人的住房要求，形成平民化的趋势[6]。另外，人们普遍认为美学是哲学的一种表现方式，是艺术哲学，即美学和审美发生改变的同时，也就是哲学观念的改变。如果随着工业革命的进行，出现大量需要消耗较多材料的建筑，并以技术美学思想为指导，这种思想从哲学的角度分析，具有很浓的理性主义色彩;而注重建筑资讯的现代西方建筑，着重突出了反理性色彩。 通过上述分析，很容易发现当代建筑设计者开始注意到无序、冲突等对建筑风格的影响，改变了传统的建筑哲学观念，让建筑艺术实现了精确与模糊的完美融合。 ***二***从我国传统民居的角度分析其美学内涵 在世界众多的建筑风格中，我国的传统建筑无疑成为其中必不可少的部分，它把不同的设计元素融合在一起，让其具有整体感与美感;并且，其表达的生态观念，也和我国传统哲学有着紧密的联络[7]。在古代，很多哲学界就已经提出了人和自然是一个整体的观念，即“天人合一”，同时，“天人合一”的思想观念也是传统哲学的重要组成部分，“天”是指包罗永珍的大自然，为客体，“人”是指在大自然中进行生产生活的人，为主体，主体和客体完美融合，便可达到天人合一的效果。 我国传统民居在正式建设前，必然会遵循相应的原则选择房址，即背阴朝阳、北山面水、坐北朝南，便于形成房屋整体的良性生态系统。而背阴朝阳，加入山水的设计则可以通过整体布局完成，无需遵照原有的设计观念。此外，传统民居在室外实际上也体现了这一观念，很多大户人家会在庭院安放假山，修建湖泊，而平民人家也会种植花花草草，体现出人与自然的和谐。现代建筑设计师在进行室内设计时，也会在室内放置一些装饰用的盆栽，让自然景色融入人们的生活，以此形成现代装修风格。同时，我国传统民居还可以体现出不同地区的特色景观[7]。比如，在高原生活的居民大部分都是傍山建房，让房屋错落排列，在平原生活的居民大部分都会把房屋安放在深巷内，而江南水乡的民居则会结合当地的自然景观，改变庭院或外墙的景观，增加人们与自然景观的亲切度。 四、建筑艺术的美学意义 建筑艺术的美学是一门形象思维的学问，它是在文艺批评的基础上产生的新理论观念。 随着时代的发展，建筑艺术已经逐渐成为社会的一种文化形式，要求人们运用哲学的观点分析建筑艺术，完成现代建筑的设计。而建筑艺术作为一种分析观念，在哲学的思考范围内，也就要求人们坚持从哲学的角度思考问题，分析建筑艺术形成或出现的各种现象，即通过辩证的分析，以及唯物主义的观点运用，解答其存在的问题，全面思考。因美学提出的观点中着重突出了协调的观念，所以，人们在进行审美工作时，要充分运用这一观念分析其规律，明确科技和艺术的关系，让两者在整体的建筑中变得和谐、统一，以增强设计的整体感[8]。 此外，现代科技和艺术在建筑中的应用，也改变了建筑设计师的设计理念，实现了美学观念的创新。比如，很多设计师以往只从三维空间着手，进行设计，但在加入现代科技后，逐渐向四维空间改变，形成新的建筑群体。因此，建筑艺术的美学除了要让设计者客观分析当前的现状外，还要提高自身的认识，不断完善建筑学的理念，丰富其内容，促进“建筑学”研究水平的提高，使其向前发展。 综上所述，建筑艺术作为一种融合多种形式的艺术造型，在长期的发展中已经形成了独有的艺术规律和美学理论。因此，建筑设计师必须明确建筑与艺术的关系，了解建筑艺术和文化艺术之间的相同点与不同点，明确其美学的内涵，用哲学的观念进行分析，确定其美学的意义，让现代建筑设计观念与传统设计观念相结合，体现“天人合一”的理念，丰富建筑艺术的美学内涵。 参考文献： [1]朱根杰.建筑与美的分析――建筑美学漫谈[J].安徽建筑工业学院学报***自然科学版***，2015，***06***：55-57. [2]刘华龙.论建筑艺术的美学内涵[J].中州学刊，2015，***03***：230-232. [3]李立.浅论建筑艺术与美学的辩证关系[J].安徽建筑，2013，***05***：23-25. [4]潘天波，胡玉康.建筑美学：美学的建筑学内涵与后果[J].艺术科技，2011，***01***：43-47. [5]唐孝祥.论建筑审美与艺术的共通性[J].新建筑，2015，***06***：37-39. [6]艾定增.符号论美学和建筑艺术[J].建筑学报，2015，***10***：26-29. [7]张鹏，赵彦，马秀荣.论建筑艺术与美学[J].科技资讯，2012，***25***：278. [8]李道先.试论建筑艺术的审美特征[J].高等建筑教育，2015，***02***：101-103. 篇2 刍议戏曲艺术的表演特性 摘要：传承至今的我国传统表演艺术--戏曲，将歌曲、舞蹈、杂技等很多艺术融为一体。戏曲通过特殊的表演形式将人物的生平经历绘声绘色地展现出来。探讨戏曲的表演特性，一方面是让戏曲演员们对戏曲表演能有更深的理解，能够获得更好的表演领悟，另一方面积极探讨戏曲艺术也是为其他人研究戏曲提供一个良好的参照。针对戏曲艺术的四个表演特性，本文将对此展开实质性的探讨研究，以便让人们更轻松地熟识戏曲这门中国传统艺术。 关键词：戏曲艺术 表演特性 综合性 写意性 程式性 虚拟性 中国戏曲所包含的剧种内容十分广泛，延伸发展的地方戏曲特色也是各有千秋，主要是京剧、昆曲、越剧等等，虽然在具体表演唱法上有所差别，但是总体的风格还是大同小异的。中国戏曲有着这主要的四个共同特点，也就是高度综合的特性，用歌舞演故事的写意性、程式性以及虚拟性。 一、高度综合的特性 中国戏曲是融合了多种艺术表演方式，使之融合在一起转换成一种新的表演方式，不仅仅只是在“听”上下功夫，在“视”上也是花样繁多。例如国外的戏剧，仅仅只是以对话动作来表演的，十分单调，与之相比，中国戏曲将歌、舞、剧三者结合，经历了历史的更替，吸取了历史传承下来的经验，不知疲倦的吸收其他艺术表演的优点来丰富自身，中国戏曲逐渐成为了无比丰富多彩的，感情逼真，视听双享受的表演形式。戏曲的器乐有着带动表演气氛至关重要的作用，它渲染了表扬情景当时的氛围，或激动或悲伤或萧索或热闹。戏曲的声乐讲究声随韵转。戏曲里表演演员的脸谱绘画，讲究十足的功夫，将人物的性格展现无遗。戏曲里的武打、滑稽等内容也是精彩至极，扣人心弦。另外，在经历了历史的变迁后，中国戏曲吸收了很多明见感人至深的故事，利用戏剧的形势来再现故事中的情景，有神话有鬼怪，将故事的跌宕起伏，生动形象地展现出来。发展至今的戏曲在唱词上也有所扩大，例如吸收了散文、白话、诗歌的特性，表演形式更加丰富复杂。总之，中国戏曲的高度综合性毋庸置疑，这是一个令人目不暇接的综合艺术，这正是戏曲的重要表演特性之一。 二、写意性 写意性，通俗的来讲，就是利用歌舞来描绘故事情节。大到历史神话故事，小到我们生活的细节，都成为了中国戏曲表演的内容。戏曲演员们苦练“唱”、“念”、“做”、“打”也只是为了更好地将故事中的人物性格完美地展现出来，戏曲演员必须将这“唱念做打”融会贯通，不能只精通其中几种，而是要样样精通。可见，一出戏曲从开幕到落幕，虽然短短的几小时，可是这些戏曲演员为了在这么短的时间内让大家看到完美的表演而更加刻苦练习，俗话说，台上一分钟台下十年功正是这个道理。演员们用玲珑妩媚的身段，华美绝伦的舞姿，真切感人的表情，抑扬顿挫的道白和犹如歌莺般婉转的唱腔在舞台上尽情表演，都只是为了描绘出故事中一个个的人物形象。戏曲的写意性贯穿着戏曲始终，在很多方面都有所体现，例如：舞台布置的写意。我们通常看到舞台上背景很简单，只有一桌二椅，但是戏曲演员却能赋予这简约的舞台布景多样化，有时候一张桌椅可以幻化出身处书房、厅堂甚至是世外仙境等等故事环境。有时候桌椅却又不是桌椅，它变成了山，变成了石头等等。不管桌椅到底是代表什么，这都是考验演员的功底。心之所想，便能成真。这也充分显示出中国戏曲的写意性。 三、程式性 戏曲如果没有了规范，将是如脱缰的野马，难以掌控。我们把这种用来规范戏曲的制约称为“程式”。戏曲的程式性主要是指戏曲当中人物的角色。我们俗知的“生旦净末丑”，正是对人物的表演特性的划分。每一种角色都有其特定的性格、唱腔和表演形式等等。例如老生，老生通常是指中年以上，发音浑厚，站如钟鼎的人物形象，这类角色讲究端正刚直庄重肃穆，这都是有规范的。仅仅只是哭和笑，就分成了很多种表演形式，就算是一声咳嗽也要将人物的性格身份展现出来。在台上，这“生旦净末丑”各有所要展现的人物形象，每个角色都有其代表性的层面，从唱腔到呼吸都是有条例的。虽然中国戏曲没有那样逼真的模仿实际，它的表演某种程度上也算是比较夸张的，但是这种夸张不能随心所欲的乱来，而是要有一个度。戏曲演员的表情、动作都是有制约的，例如在在表演身段上，凡是袖口有甩袖、抛袖、抓袖等;手有云手、穿手、三刀手等;足有正步、跑步、滑步、跌步等。程式化不仅是对人物神动作有所规范，对人物所使用的道具同样也有制约。为了更好地展现人物的形象特征，戏曲艺术家们经过长期的历史研究，创造出了脸谱、蟒袍、水袖、长胡子、兰花手以及其他奇形怪状的道具兵器。中国戏曲所包含的所有内容都是有着严格的规定，不能逾越界限，这正是体现了戏曲的程式性。 四、虚拟性 虚拟性在中国戏曲中是至关重要的，戏曲演员在台上表演时，仅凭著一桌二椅就能描绘出故事中的环境，例如开门关门，跨门槛，上楼下楼，喂鸡喂鸭，穿针引线，上轿下轿等等，这里面的门、门槛、楼梯、鸡鸭、轿子都是虚拟的。可是戏曲演员必须表现出它们的实际存在，都是充分展现了戏曲演员的表演功底。这些虚拟的动作，都是让观众知道你所表达的内容，能够跟随人物身临其境一般，并且在所描绘的虚拟环境中，实质性地表达人物感情心理，让观众受到感染。很多戏曲中会有骑马或骑驴千里赶路的情景，显然舞台上不可能有那么大的空间来千里赶路的，所以演员通常会利用转圈来表示赶路的过程。另外在时间转换上，演员的进场退场，都标志著戏曲时间场景的转换，这都是需要演员通过表演来点明的。戏曲的虚拟手法很大程度上给了演员们极宽的演技表现自由，可以充分发挥自身的想象力，利用深厚的表演功底，都可以再现出翻山越岭，行舟过桥等等难以真实呈现的环境。不仅仅是需要演员们来联想，更是需要带动观众也能身临其境。 五、结语 除了以上这四个特性，中国戏曲还具有很多特点，这其中也需要戏曲演员和爱好者们去探讨，去学习了。只有对这些特性精通，才能在舞台上绽放光芒，才能完美的展现京剧的灿烂夺目。中国戏曲博大精深，值得我们继续学习的地方还有很多，我们需要去创造新的内容，给中国戏曲增加更多无与伦比的魅力。 参考文献： [1]李德秀.浅谈戏曲艺术的虚拟性[J].戏剧之家，2010，***02***. [2]李素萍.戏曲艺术的“程式”化表演[J].当代戏剧，2008，***05***. [3]王少群.论戏曲艺术表演的写意性[J].黄梅戏艺术，2005，***03***.
昆曲历史久远，素有百戏之祖之称，文人雅士的大幅度介入，从一开始就有着清新脱俗，典雅别致的特性，以至它的"声腔"永远都是那样雅雅的、酥酥的、糯糯的，夹杂着书韵。下面和我一起来看看有哪些方法吧！
1.岳、石发音的缺点
昆曲小生发音分三种：阴嗓（小嗓）、阳嗓（大嗓）、小阳调（大小混合嗓），特别强调交替使用。岳和石在曲唱上各自发音是有缺憾的，虽然都在用技巧极力掩盖，但这种缺憾是由具有女性特点的生理条件造成的，只能在一定程度上减少。
岳（指现在的岳，80年代岳发音稍正）的发音基本都在头腔音，难分阴阳。从听觉上很难分辨大小嗓，高音区的小嗓比较宽厚，这跟她本人的音质有关。沈先生曾指出她“缺小阳调”，从现在来看也是这样的，所有发音指向越剧——明显没有膛音、没有昆曲小生的胸腔/腹腔的较低沉浑厚大嗓。
石。相对于岳来说，石的大小嗓比较清楚，且有膛音。她音质比较清亮，但嗓音不宽。这个缺点在大嗓上很明显体现出来。她在小阳调和大嗓的控制上很有特色，发声位置是靠后的，声音很扁，吐字多带膛音，以增强力度。这并不是传统昆曲的发音。石主要靠气息调节，弱点和岳一样在于，声音只能上去，但下不去！
总结：岳石共同的很明显的缺点就是胸腹音的大嗓的缺失，听上去很薄弱。这也是为什么她俩不唱大官生的原因！（蔡伯伯多次强调大官生就是唱膛音。。寒）女性声音较窄，气力相对不足，这是生理决定的。相对于曲唱，两位老师的舞台表演更值得称道，都十分地，有特色！
扩展阅读：
一直以来昆曲被人以‘宫廷艺术'、‘文人艺术'供奉着，虽说它在明末清初曾经风靡一时（‘家家收拾起，户户不提防'就是昆曲鼎盛时期的真实写照），但是昆曲的这种特性注定它是小众的艺术，‘阳春白雪'的昆曲正是以这样的高姿态‘曲高和寡'着。京剧的形成不过两百多年的历史，但是他的"声腔"艺术的发展却达到了相对的极致。无论生、旦、净、丑，各个行当匀称相长，流派纷呈，形成了全面开花的局面。尽管时代改变了，但是京剧留在我们心里，挥之不去的还是他经久不衰的大量唱段（声腔）。何谓"声腔"，"声"即声带也；"腔"即口腔也。"声腔"就是通过声带的不停振动把声音从口腔中送出来。每个人都有一副声带，但每个人的声带都不尽相同（有肥有瘦），因此出来的音色，效果都不同。正因为如此，才会有（像梅、尚、程、荀；谭、余、马、杨等等）流派的涌现。京剧的"声腔"尤其体现在它"发声"的技巧上面，四大名旦，十大须生我就不一一例举了。从古到今，京剧和昆曲小生演员都是非常难培养的，京剧也就出了三只"老虎"即姜妙香、俞振飞、叶盛兰，昆曲就更少了，俞振飞是其代表人物。为什么小生不能像青衣、老生、花脸那样人才辈出呢？我认为，这跟我们小生行当"发声"的高标准、高要求有着密确的关系。因此，在这我主要想谈一谈京剧和昆曲小生的"发声"。
一．京剧和昆曲小生的"发声"
为什么我说京剧和昆曲小生的"发声"是高标准、高要求呢？因为它不同于其它所有的行当，你看，旦角用的是"小嗓"，老生用的是"大嗓"，而小生却是"大小嗓"并用，也就是用旦角的"小嗓"来发老生的音，并且小生还分很多种（有稚尾生、官生、巾生、穷生等等），每一种"发声"都不尽相同。所以，让我们先来分析一下它们的"发声"特点和方法吧。
（一）京剧小生"发声"的特点和方法
京剧小生和京剧旦角都是用小嗓子来塑造人物的，因此我们的先辈为了区别于旦角，在小嗓的基础上创造了"龙音"、"凤音"、"虎音"。"龙音"即‘龙调'是京剧小生唱法之源，萧长华老先生说过："在皮黄戏逐渐形成以及在它开始盛行的时候，小生的唱腔中有一种称为‘龙调'的唱腔。这种腔是用宽嗓唱的，腔调比较接近老生的腔，声调非常高亢，有些类似今天‘娃娃生'的唱法①"。所谓"龙音"，唱时像行云流水般，由于‘龙调'的调门非常高，唱的时候光用宽音是盯不住的，必须以整个胸腔为‘底座'；气自‘丹田'一蹿而起；"牙关"打开，"内口"张开，这些动作基本上是同时进行的。"凤音"接近于旦角的音色，但是唱法和劲头不一样。大小嗓掺着用，俞振飞先生说："姜妙香先生借鉴旦角的唱腔唱法，贵在‘化得好'。虽说他的[娃娃调]吸收了许多旦角腔，但都已使之小生化了②"。尽管融入旦角的腔，而唱法仍必须带有阳刚之美。该拔高的地方就得高耸入云，该出亮音的时候就得响堂。"凤音"唱时流畅委婉、棱角分明；必须以气带声、声情并茂。要以高亢的情绪带动气息，积极主动地配合声音的流动。用气息裹住声音，使声音听上去饱满醇厚；丰富充实而情韵不匮，具有立体感。"虎音"是小生和旦角在唱法上最根本的区别。萧长华老先生说："小生的唱要有‘虎音'③"。虎音指的就是刚劲的音，吐字要有力，行腔起落也都要有力，从我个人的经验角度来说，我认为"膛音"也应该算在"虎音"里面。"膛音"即小嗓的低音。它是一种来自"胸腔"的共鸣，在低音区把小嗓放宽放亮，使它听上去能和中音区统一。而"虎音"同样来自"胸腔"，但它始终是贯穿于低音区和中音区，乃至高音区。唱来气宇轩昂，虎虎生威，当然，更多的是靠气息的支撑。小生的唱必须要有"虎音"，吐字行腔由始至终都要带刚劲儿。老前辈著名小生徐小香先生唱《监酒令》，大段的[二黄慢板]、[西皮原版]等，用的就是"虎音"。这些唱腔的结构和格调，几乎和旦角没有什么区别，但徐小香唱来，犹如虎啸龙吟。由于他唱得好，使人听起来确信是小生决不误会为旦角。
我觉得京剧小生的"发声"可以分为两种。一种即以周瑜、吕布这种"武小生"为主的，多是"龙音"和"虎音"相结合的方法辅以"凤音"。一种就是以许仙、梁山伯这种"文小生"为主的，多是"凤音"和"龙音"为主旋律而辅之以"虎音"。当然还有像陆文龙、李存孝等以武功身段为主的"武小生"，在这里，我主要想讲讲前面两种。我的京剧开蒙戏是《罗成叫关》，它是一出典型的‘龙'、‘虎'音并用戏。一上来就是一套完整的〔唢呐二黄〕，这种唱腔必须用演员的声音盖过唢呐的声音，我们常说的"嘎调"再这里得以体现。这出戏表现的是自刎疆场英雄的气概，故以唱腔古朴简洁，浑厚磅礴著称。整个唱段要以头腔共鸣为核心，喷口要有力，由于整段唱腔都非常高，声音要求"低开高走"，‘挂'在上面，我为什么说声音要‘挂'在上面呢？因为，声音在非常高的`时候，很容易虚掉，发飘，就像断线的风筝一样。因此，‘挂'在上面，下面要像有根线一样拽住它，声音越高，下面拽得越紧。"龙音"和"虎音"再这里得以发挥到极致。为了把这出戏学好、学瓷实，每天清晨六点不到，我就跑道学校操场旁边的竹林里‘喊嗓子'。我的导师毕高修先生，嗓音圆润、色泽透亮。他每天领着我一起喊，一喊就是两年多，这段宝贵的时间让我受益非浅。老师让我模仿他的声音，用‘伊'‘啊'或拌上音符‘ 1 3 5ⅰ5 3 1 '来进行训练，老师唱一遍我跟一便，还用‘哈气'来锻炼气息的弹性。要求气息：短促、有力；小腹：收紧、外扩（感觉）。"文小生"顾名思义就是文弱书生，因此它的"发声"就不能太冲，"虎音"稍微收敛一点。就拿叶盛兰的《柳荫记》〈远山叠翠〉一段〔西皮原版〕来说吧，他在这段描写山峦叠翠，碧波小桥，鸟语花香的唱段里，运用柔和甜润的"凤音"唱出了梁山伯温文儒雅赞美大自然的心声；而又在〈我好似万箭穿心〉〔西皮小导板〕和〔西皮散板〕里，使用"龙音"来表现高腔，唱来难度较大，但他却能信手拈来，游刃有余。低腔，他又运用了"擞音"、"哭音"等来表现人物，使人物有内涵、有深度。这种"文小生"的发声训练基本延续了"武小生"的方法，只是在塑造人物时略有不同。我们都知道假嗓子是‘伊'音好‘啊'音差，因此我们还要用‘呔咳'、‘呔！马来--'等开口字来训练喷口和开口音，这很关键。
（二）昆曲小生"发声"的特点和方法
昆曲小生的"发声"主要分"大嗓"、"小嗓"、"中（阳调）嗓"。昆曲泰斗俞振飞说过："唱昆曲小生曲子，必须交替使用大小嗓④"。一般习曲之人都知道D调‘ 3 '以上的中、高音要用"小嗓"唱，D调‘ 3 '以下低音用"大嗓"唱，"中嗓"即‘阳调'，就是大小嗓过渡的音。"大嗓"即本嗓、真嗓。它低柔沉缓，唱来容易声音塌坠，露出嘶哑低沉的喉音。所以要用底气托住，使它平稳、饱满。《玉簪记》〈琴挑〉[懒画眉]一段就是典型的唱段，音调低沉，把潘必正寄居尼姑庵，孤欹独枕、闲步无聊的心境表露无疑。整段旋律在低音区流转，特别是‘月明云淡'这句，低音‘ 3 '贯穿始终，这对演员嗓音的要求非常严格。 "小嗓"即假嗓。唱来清新委婉、流丽悠远，昆曲的声音绝大部分都在中、低音区，因此特别强调：身心放松、两肩下垂、一唱三叹。当然高音区也很重要，例如《长生殿》〈迎像哭像〉[快活三]‘ 俺只见宫娥们 ' [朝天子]‘ 存殁参商 '‘ 你在哪厢 '等等。这些高声部在这折戏里可谓是至关重要的，它是表现唐明皇在看见杨贵妃的雕像时，心生思念、悔恨交织的情绪至高点，它既是一种感情的宣泄、也是一种情绪的渲染。唱时爆发力十足，必须依靠强而有力的腹肌、利用横膈膜的弹性作为依托，使情绪能够在霎那间随着气息喷发出来，这在昆曲里也是十分常见的。"中嗓"是大小嗓过渡的声音，也就是昆曲里常说的‘阳调'。这种音既不是旦角的尖嗓，也不是老生的阔嗓，它是昆曲小生特有的阴、阳调相互渗透的过渡音，这种阴、阳调在昆曲的每个曲牌里都是有所体现的。《牡丹亭》〈惊梦〉[山桃红]‘则为你如花美眷'里如花美眷的音符‘ 1 2 1 2 1 2 6 '， ‘ 1 '是真声：气要拎起、托住，‘ 2 '是假声：声音要含住、气息要顶住（这是关键）；《长生殿》〈迎像哭像〉[端正好]‘是寡人'的寡字，音符是‘ 2 '，‘比翼孪凰'的凰字，音符也是‘ 2 '，它们都是在‘ 2 '音上放‘阳调'的，也就是说，这个‘ 2 '必须真假结合。前面[山桃红]的‘ 2 '音是假声，唱时要先由前面的真声滑到假声；后面[端正好]的‘ 2 '是真声，唱时却是从前面的假声滑到真声。‘阳调'不好掌握，唱实了扎耳、生硬；唱虚了出不了音、和旦角没区别。因此，我认为这是昆曲里面的‘真声阳调'和‘假声阳调'，也就是真嗓放宽和假嗓放宽发出的声音。这种‘阳调'乃昆曲小生特有，也是区别于昆曲旦角声音最重要的标志。
我觉得昆曲小生的"发声"也不外乎两种。一种即以唐明皇、建文帝、李白等等，以戴髯口、穿蟒为主的"官生"，并且以洪钟大吕般的声音赋予其地动山摇的气魄。一种即以柳梦梅、潘必正、秦钟等等，以拿扇子、穿褶子为主的"巾生"，并且以声若游丝、一酣三宕的声线赋予其翩翩潇洒的柔情。昆剧表演艺术家蔡正仁，素有活‘ 唐明皇 '之雅号，他塑造的‘ 唐明皇 '实有乃师（俞振飞）之风范。我的"官生"开蒙戏《迎像哭像》就是蔡正仁老师教的，老师说：‘唐明皇'是皇帝，必须要有皇家气派。首先要从声音上面去塑造它，要求声音，要沉稳厚重、坚若磐石；要有气势、有力度；要像大吕洪钟一般。老师还说，为了模仿俞振飞老师的声音，每天跑到河边喊嗓两个小时，而且经常用京胡来吊嗓，一吊就是好几个小时。老师教我们用‘ A '即‘ 啊 '音来练习，‘ 啊 '是开口音，只要微微张口，不断用气息冲击声带即可。要求：站如松，身体自然放松；下巴微收，抬软腭；嘴角微抬（微笑），提笑肌。昆剧表演艺术家岳美缇，乃当今昆曲界德艺双馨的"巾生"翘楚，她塑造的"巾生"形象，个个栩栩如生、气韵流芳。我跟老师学了《拾画叫画》、《偷诗》、《湖搂》等戏，老师反复强调说：你所表现的人物是个年轻的书生、俊朗的才子，从声音上，首先就要年轻、挺拔、漂亮。怎样年轻？首先声音必须具有‘儒气'，不能过于洪亮，而又不失清亮悦耳、清新雅致，这就需要有充足的气息来控制声音。要求：气沉丹田，蜻蜓点水；字字珠玑，音膛相会。老师要求我们用‘笑声'来练气息，由高到低、由矮到高；由小声笑到大声、由大声笑到小声。
二．"发声"的误区与科学的"发声"
我们都知道，追求"大嗓门"是很多演员的通病，就怕别人听不见。这种"大嗓门"近听挺响堂的，但是不打远，金属音不够，传不出去。我们再听一些老先生的唱片，他们的"发声"都是近似于小声‘哼唱'这种，但是调门是高的，就像生活当中的讲话一样，只不过它是有旋律的。这种像讲话一样的"发声"是"松弛"的，也是我们当前一些演员所不具备的，它是靠气息来支撑，气息是声音的动力、源泉，没有气息就不会有声音的存在。任何人，无论是有意识还是无意识，都一定是用肺部经气管来传递气息的，因此，无论有意还是无意，都有或多或少的共鸣，区别只在于共鸣的质量而已。而共鸣的质量却取决于气息与声音如何调配和处理，首先让我们来谈谈"发声"的误区吧。
（一）关于"发声"的误区
现在的一些演员（小生）在"发声"上存在的"大嗓门"问题非常普遍，以为声音越响亮越好，其实不然，这样很容易造成声带与喉部肌肉的过分紧张和气压推力的过于猛烈，从而导致声音过实、僵硬，流动性差，缺乏弹性和柔美之感。长期用这种习惯"发声"，声带很容易发生各种病理变化，导致的直接后果就是声音‘塌钟'、‘声带小节'，现在的一些演员在四、五十岁就出现‘塌中'情况，这都是其用声不当造成的后果，这是误区存在的一方面，也是我们演员自身的误区。俞振飞是昆曲界‘泰斗'级的人物了，他吸收、借鉴了京剧的发声，使其在京剧和昆曲里面如鱼得水。在他八十多岁的时候，他的嗓子还是那样有共鸣、有金属味。当然，这离不开他"发声"的科学。误区存在的另一方面，是当前的戏曲教育误区。什么是正确的"发声"？我相信，每个老师都能讲出一套与"发声"有关的理论，关于正确与否，仁者见仁，智者见智罢了。这就是目前戏曲教育界的现状，没有一套"行之有效"的方法。这些老师大部分没有受过系统的西洋发声的训练，却用这种他自己也在摸索的、吸收借鉴过来的方法在施教育人，这种方法也许适合他自己，但并不适应每一个人。一味的叫学生‘打开、打开、再打开，'无止尽的打开只能让声音空洞无力，缺乏色泽和明亮度，而且容易造成声带的疲劳和麻木。这种情况屡屡出现，我"道听途说"，中专在校期间的一些重点培养对象，到头都把嗓子唱没了，相反，那些曾经被搁在一边的、不被看好的同学"幸免于难"，最后"破土而出"。说得好听是"倒仓"的结果，细想来，何尝不是老师们在教学上面的败笔呢？我非常幸运能同时接触京剧和昆曲艺术，但同时也让我尝到了在声音的"鬼门关"里那种痛苦的滋味。由于我有美声唱法的基础，在我刚接触京剧和昆曲的时候还是很容易就上手的，那是因为我可以不必过多的考虑别的，只需单纯的把声音发好。随着对京剧和昆曲的进一步了解，问题也就出现了，怎样处理京剧、昆曲和西洋发声之间的关系？三者之间的气息如何协调？我一片茫然、不知所措，以至我在很长一段时间里丧失信心、苦苦相撑、难以为继。幸运的是我及时认识到了问题的严重性，尽管我的声音还处在修复时期，但我希望把我的经验提供给大家，希望大家尽量少走弯路。
（二）关于科学的"发声"
关于科学的"发声"，意大利人有一句老话："歌唱的艺术就是研究呼吸⑤"。我国古人也曾高度地概括："夫气者，音之帅也；气为声之本，犹如树之根；气动之声发；善歌着必先调其气⑥"。可见，对于科学的"发声"，自古到今、从内到外都有一定的定论，那就是呼吸对于一个歌者的重要性。首先让我们来看一下什么是正确的呼吸状态。
1．正确的呼吸及运用
呼吸，太极里通常称之为"吐呐"，吐即呼气，呐即吸气。吸气的状态：首先是身体姿势要正确。无论坐还是站，都要保持上半身端正平稳、自然挺拔、立腰挺胸的状态，双肩、脖颈、下巴、牙关、舌头等一却非呼吸器官都要放松，让呼吸器官处于自然的工作状态。口微微张开，口鼻并用，让气流同时进入肺部。同时，肋骨像扇子一样自然打开，胸腹部和腰围四周向外扩张，气息感觉慢慢下沉，横膈膜下压，但小腹要微微收紧，以托起横膈膜，不使之过分下降。呼气的状态：为了持久的"发声"和掌握、支配声音变化的本领，就必须要有相对松弛的呼气状态和均匀有节制的呼气能力。我们要始终保持吸气时的状态，同时渐渐收紧小腹，向内向上托起胸腔，形成吸气肌肉群与呼气肌肉群的对抗力量；然后，以横膈膜与腰腹肌的收缩力量，将气息集中到身体中央形成一个气柱，有控制、有节制地将气息通过呼吸道送出口外。当然，这种状态对于戏曲（京昆小生）演员来说是比较困难的，因为它是一种逢动必舞（武）；唱、念、做、打并重的综合艺术。所以我们戏曲的"发声"状态被提炼到一个更高的高度：它必须‘内紧外松'，比较抽象，你必须去冥想，把身体外在的一切器官都‘松'掉，但在身体的里面却有一股气流在流动，它灌到身体的每一个角落；它更像是在打太极，这股气流由内透外，在你身体的周围形成一个强大的磁场，只有这样你的声音才不会受到外部的干扰。
2．呼吸对于"发声"的重要性
早在一千年前，唐段安节《乐府杂录》中，就利用医学科学，将歌唱呼吸总结出来："善歌者，必先调其气，氤氲自脐间出，至喉乃噫其词，即分抗坠之音，既得其术，即可致遏云响谷之妙也⑦"。自外国的"西洋发声"传入中国之前，纵观我们的一些前辈艺术家，他们在声腔艺术上都有令人 "叹为观止"的造诣。别的行当我就不细数了，小生这个行当吃力不讨好，要求"五子登科"（嗓子、翎子、扇子、褶子、靴子），嗓子排在第一位。叶盛兰就是京剧小生史上一位杰出的代表人物，他的"发声"可谓登峰造极，曾经有国外的专家盛赞他的声音是中国的古典唱法，我觉得他的声音具有‘惊天地、泣鬼神'之妙。他的气息真是动时"多则千发、少则毫厘"。到二十世纪七、八十年代，"西洋发声"开始风行，戏曲也开始吸收这种外来的声腔营养，叶少兰是我最想说的一个。他是叶盛兰的儿子，各方面条件优越，惟独没有嗓子，以至他一直都唱出不来，是科学的方法再造了他。在那段艰苦的日子里，他要比别人早到两小时到后台喊嗓、练气息才能保证每场演出的顺利进行。石小梅是当今昆曲界四大小生之一，她对昆曲的诠释有她独到的一面（特别注重气息对声音的控制能力），享有"气韵"小生之雅称。她的气息和声音自然流畅，高低音运用自如；她的气吸得深，吸得自然，唱时喉咙不使劲，是典型的气音结合唱法。这种呼吸和吐呐的运用直接关系着你对声音的掌控能力。
3．如何寻求科学的"发声"
如何寻求科学的"发声"？最重要的就是要减少追求"大嗓门"，用 "松弛" 的声音来获取优美的效果。如何才能获得"松弛"的声音呢？我曾经师从上海音乐学院的声乐理论教育家谭冰若教授，学习的是意大利正统的西洋歌剧"发声"。谭冰若教授把声音比做一个建筑，即声音的建筑。他说：优美的声音是靠"松弛"来得到的，声音是建筑，就必须有梁，必须有柱，还得要有地基；那些理论都是些看不见摸不着的东西，我们要的是既看得见又摸得着的，能切实改变我们声音条件的东西。他说：我们要用哪里的力量来歌唱（发声）？我们要把脸部的力量尽量减至零分，只用额头的力量。要求："下巴贴脖、喉头下放、五官放松、顶天立地"。用‘哇'字来训练，先用‘ W '把声音送到前端，在前端形成柱子变成‘ A '字开口音，声音靠前，提起到达眉心前方，形成一个盖口，这就是所谓的梁。柱有了，梁也有了，当然不能没有地基，喉头以下都是我们的地基，地基越深建筑就越牢固。我觉着和我们戏曲（小生）的"发声"有着"异曲同工"之妙：下巴贴脖，我们也讲梗脖，这样有助于竖起咽管；喉头下放，把喉头稳定在深吸气（打哈欠）时的状态，唱得好的，气息顺畅之人，终究是喉头托着声音的；五官放松，对我们来讲就更需要了，保持微笑的深度（一点点），这样不会带来面部肌肉的紧张，从而影响你所要表达的情感；顶天立地，就是要求我们上下顺畅，气息贯通，我们戏曲要求：脚粘着地，气息灌到地面以下；头顶着天（感觉），气冲九霄。气息也是随着我们的声音高低来取决于地基的深浅的，用气息的张力来获取我们所需要的声音大小。我以往的经验告诉我，每个人的"音质"是不一样的，不要去刻意模仿某个人的音色，模仿的越像就越丧失你声音的本质，永远都是别人的替代品。在这里我想强烈的呼吁一下：在你张口之前，先关闭喉头挡气，屏息瞬间，声带随之迅捷调节好状态，使气流到达声门的瞬间与声带准备发声的时间一致，这种发声的方式，能促使最大限度地将气能转化为声能，既省力又能发出浑圆响亮的声音。要想达到要求，就必须坚持不懈地反复锻炼横膈膜的弹性，以及横膈膜和声带两者有机配合的控制能力。因此，无论是京剧还是昆曲的"发声"亦或是西洋的"发声"，只要你是‘松弛'的，只要你的声音和气息同步了，必然能发出相对优美自然的声音。当然，更重要的还要加强老师的队伍，我非常乐意和大家一起分享我的心得，也希望大家能在艺术"发声"的道路上少走弯路，这就是我写这篇论文的初衷，也许有什么不适之处，望大家多多指正。
1）昆曲文化价值2）昆曲艺术格调3）昆曲经典剧目赏析4）昆曲传播路径；
很喜欢昆曲，迤逦在她悠扬的曲调中，常常让我流连忘返。侧耳细听她的唱词“花落水流红，闲情万种！”这是何等的缠绵悱恻，何等的流丽悠远！闭眼的那一当儿，禁不住会看见红楼女儿们自远处袅娜而来，她们或是眼圈微红，或是香腮带赤，那一种软怯娇羞，轻怜痛惜之情竟难以言语形容。
只可惜今日懂她的人太少，读不出那“水磨调”里的韵味。看不明那眼神里饱含的清雅。生活太绚丽，以至于少了耳根的清净。对此，我无言，亦无语！
生活本来就是平淡的，有时清晨醒来听见窗外悦耳的鸟鸣，心中便会升腾起一种莫名的感动。那才是属于大自然的律动。平凡却真切。
昆曲是属于自然的，她不经修饰，没有激昂的曲调，我却能从她咿呀的唱腔中听见风婆娑着竹叶，看见雨亲吻着芭蕉。我却能感受到满地的白雪正在那儿“皑皑轻趁步，剪剪舞随腰！”
中国昆曲博物馆位于平江历史街区中张家巷14号全晋会馆内，占地约有5亩。
会馆由清光绪年间山西寓苏商人集资兴建，是苏州历史上100多所会馆、公所中迄今保存最为完整的一座。
门厅：沿街置门厅。
门厅宏伟轩敞、富丽堂皇，两侧各有亭阁式吹鼓楼一。
歇山顶，山面沿街，为全国罕见的古典礼意式建筑。
” 戏台区：古典戏台是戏台区整个古建筑群的精华所在，特别是戏台上的穹窿一藻井项，大红底色，镶黑泳金，顶壁花板雕刻精巧，18条324只黑编妈浅雕相间着18条306颗金黄色舌头圆雕，盘旋向上凝聚在穹窿藻井顶端铜镜片上。
这不仅体现出搞起的古典建筑艺术，而且显示了科学地运用声学原理使之能产生余音绕梁音响效果的绝妙构思。
陈列室：馆内现辟有昆队评弹、苏剧和古典民族乐器四个陈列室。
一件排实物、史料，一张张图片、说明，充分反映出苏州是昆剧等中国古典戏曲的发祥地之一。
除此之外，馆内还有评弹、苏剧和古典民族乐器等陈列室。
这里可看到明刻本《还敢记》《即《牡丹亭助，清乾隆年间的手抄本《牡丹亭·游园》，神采飘逸的犯人“江湖十二色”，精雕细琢的红木戏船，镇玉嵌宝的灯彩昆曲堂名担，西汉宣帝墓葬中出土的说书涌（复制品），马如飞的说书笔记《梦史》，”琵琶王薛拉卿曾使用过的琵琶。
蒋月泉的红木三弦以及“先辈图”、“道训”，古籍珍本《白雪道音》、《文星榜传奇》等，还有《醉归》与《荡湖船》两级戏文模型，一套24只的古代宫廷乐器双音编钟，一套37面的云供，以及新石器文化遗址出土的乐器同观（仿制品）等等。
交 通 乘游5线、9、146路、47、148路、51、68路可到
很喜欢昆曲，迤逦在她悠扬的曲调中，常常让我流连忘返。
侧耳细听她的唱词“花落水流红，闲情万种！”这是何等的缠绵悱恻，何等的流丽悠远！闭眼的那一当儿，禁不住会看见红楼女儿们自远处袅娜而来，她们或是眼圈微红，或是香腮带赤，那一种软怯娇羞，轻怜痛惜之情竟难以言语形容。
只可惜今日懂她的人太少，读不出那“水磨调”里的韵味。
看不明那眼神里饱含的清雅。
生活太绚丽，以至于少了耳根的清净。
对此，我无言，亦无语！ 生活本来就是平淡的，有时清晨醒来听见窗外悦耳的鸟鸣，心中便会升腾起一种莫名的感动。
那才是属于大自然的律动。
平凡却真切。
昆曲是属于自然的，她不经修饰，没有激昂的曲调，我却能从她咿呀的唱腔中听见风婆娑着竹叶，看见雨亲吻着芭蕉。
我却能感受到满地的白雪正在那儿“皑皑轻趁步，剪剪舞随腰！”...
诗词有《牡丹亭》文章：白先勇的《只因相思有相牵》白先勇的《只因相思有相牵》中关于昆曲的文段。
“一样的话题，白爷爷已经说了不下百遍了。
”从北大到师大，再到国家大剧院，“白牡丹”的粉丝如是说。
白先勇自己也知道，“我讲过很多次，大家大概已经听过了。
但我还是要讲，我把自己当成传教士，一遍遍地讲，讲到大家都相信，昆曲跟宋瓷、青铜器一样，是国宝。
”不管别人信不信，观众们看来是信了，否则也就不会对这场演了八年的戏如许追捧。
《牡丹亭》中关于昆曲的描述，情不知所起，一往而深，生者可以死，死可以生。
则为你如花美眷，似水流年，是答儿闲寻遍，在幽闺自怜。
学戏中国的戏曲，源远流长，有着鲜明的民族风格。
每种戏曲都有各自的特点，如京剧的容华美；昆曲的雅精致；梆子戏的高亢悲凉，越剧的轻柔婉转，黄梅戏的悠扬委婉……为了感受它博大的内涵，去品味它悠长的韵味，我特地去“师学戏”。
“树上的鸟儿成双对\绿水青山带笑颜\你耕田来我织布\你挑水来我浇园……”不见其人，只闻其声，不用猜就知道张奶奶又在一展歌喉了。
点明来意后，张奶奶乐得合不拢嘴，二话不说便开始教我唱戏了。
张奶奶给我选了一段既简单又好听的黄梅戏《天仙配》选段。
张奶奶先找来了《天仙配》的音乐让我欣赏一番，那似乎散发着清香的泥土气息的黄梅小调使人仿佛感受到了剧情人物的欢喜幸福，看到了潺潺的溪水，在枝头欢歌的小鸟……突然，我感到一阵摇晃，猛地睁开眼，才知道是张奶奶正唤醒沉迷于戏曲的我。
原来戏早已唱完了。
真是不听不知道，一听吓一跳，原来戏曲也并不亚于现在的流行歌曲，同样挺好听。
接着张奶奶开始一句一句地教我唱，她唱一句，我学一句。
一曲下来，原本婉转的黄梅戏被我唱得“面目全非”，没一句是着了调的。
在场的叔叔阿姨听后笑得前仰后合，我不禁愁眉苦脸开始丧失了学戏的信心。
奶奶看到我这副表情，便和蔼地对我说：“别急，万事开头难，只要有毅力一定能学好。
”听了这话，我心头一热，信心之火又重新燃起。
张奶奶也继续教我唱。
遇到较难的让我重复练习，不厌其烦地示范唱，直到把我教会为止。
几遍下来，我已能完整并着调地唱下来了。
又跟着音乐练几遍后，我便能与张奶奶一个“牛郎”一个“织女”地对唱起来了。
常言道：想知道梨子的味道，就得去尝尝。
其实，很多东西不能光看表面，需要亲自去实践，才能知道事物的真假，做事的难易。
同时，我还悟出另一个道理，凡事熟能生巧，只要有决心，有毅力，一定能把事情做好！
戏曲源远流长，是我国的经典，不同地方的戏曲有不同的风格和特色，它让人赏心悦目，其情节有的催人泪下，有的振奋人心，多姿多彩，出神入化。
小的时候，看见自己的父母看戏曲时，我总认为他们实在太老土，赶不上潮流，打死我我都不会去看那老掉牙的玩意。
俗话说：“要知道梨子的味道，最好亲口尝尝。
”不尝不知道，一尝吓一跳呀！今天的语文课上，当我珍惜仔细欣赏了中国别具一格的戏曲时，我真是为之震撼，原来我们中华民族的戏曲是那么的有艺术魅力呀！我真是井底之蛙呀！这老祖宗留下来的宝贝，外国人又怎么能比得上？难怪呀，老一辈的人都是那么的热衷于这些戏曲，那么喜爱戏曲。
我现在才感受到什么是“不看戏曲的人，枉做中国人”。
不是吗？这些戏曲，就像我国的一部部历史，只有懂得欣赏它的人，只有懂得关注它的人，只有懂得挖掘它的人，才称得上是真正的中国人。
因为他们深深地明白一个道理，戏曲是我们的国宝，戏曲是我们的国粹，戏曲是我们的国剧呀！我们怎能忘记它们？如今的社会，我们这些青少年们的视野，已经转移到流行音乐、影视和网络，我们似乎已经忘记了我们中华民族的传统艺术。
其实，当我们细心的欣赏我们的戏曲时，我们就会发现它们犹如一个个精彩的历史故事，将历史的画卷一一展现在我们的面前，将我们带入了历史的隧道，让我们身临其境，让我们感慨不已。
戏曲的艺术魅力，我们怎可忘记？我们要多去欣赏我们中华民族的传统艺术，让它永远永远放光芒，让它世世代代流传下去！
歌曲中加入中国传统元素璀璨的中华文化——戏曲中华文化，源远流长、武术等等，这些绚丽的文化经过几千年的发展已经变得丰富多彩，融入了我们的生活之中、歌星也开始在自己的影片。
有许许多多的现代偶像的粉丝对中华传统文化不屑一顾，认为那样的艺术、文化不适合喜欢追赶潮流的自己，发展到现在的辉煌。
中华文化。
戏曲是中国传统的戏剧形式。
是包含文学、音乐，所以称作“戏曲”。
中国戏曲主要包括宋元南戏，这一中华独特的文化；而老艺术家们也开始在传统中融入新元素，是传统戏剧在原有的基础上更加吸引年轻人，使年轻人不仅追赶潮流也爱上传统，对戏剧有更加深入地了解。
现在，我也喜欢新生代的偶像，但是我觉得对于传统的文化也应该有一定的了解。
现在，越来越多的人们开始意识到，现代的文化需要发展，但传统的文化更需要发扬光大。
于是、舞蹈在人群之间流传、服饰、饮食，戏剧已经成为了一个庞大的，完美的整体。
据不完全统计，到底哪一个才能站得住脚呢？我曾经看过一个电视节目，记者到街上进行随机采访，对象都是一些年轻人，记者一些老艺术家的名字，问他们知不知道，而大多数被采访者都表示没有听过。
现在、武术、杂技以及表演艺术各种因素综合而成的。
它的起源 历史悠久，早在原始社会歌舞已有萌芽、舞蹈、美术、阿房宫，新编历史剧和表现现代生活题材的现代戏，都受广大观众热烈欢迎。
比较流行著名的剧种有：京剧，我并不觉得追赶潮流不好，让更多的年轻人喜欢上了中国传统的戏剧；新一代的影星，也是世界上持续时间最长的文明。
从盘古开天辟地，到如今的现代科技飞速发展。
然而，戏剧在现在的发展中却面临着一个非常大的问题：现代文化的冲击。
随着老一辈艺术家的渐渐衰老，新一代的年轻人逐渐崛起，现代文化正和传统文化商讨着一个问题：我们两个、小说、神话，并不等于他们也应该去知道。
这是多么令人心寒啊！当然、粤剧、秦腔，尤以京剧流行最广，遍及全国，无疑是能够很好地体现中华民族传统、精神和特色的一项文化，也有许多外国人喜欢上中国的戏剧、革新与发展。
它不仅是世界上最古老的文明之一；对老一辈艺术家和传统节目一无所知，认为父母那一代人知道、豫剧、湘剧，希望将戏剧，中华文化也从几千年前的单调、安庆黄梅戏，经过八百多年不断地丰富，在漫长发展的过程中。
戏剧从原始社会发展代中国古代，经历了一个重大改革。
中国古代戏剧因以“戏”和“曲”为主要因素、戏曲、曲艺、元明杂剧、传奇和明清传奇，也包括近代的京戏和其他地方戏的传统剧目在内，它是中国民族戏剧文化的通称。
正是从古代的戏剧开始，虽然原始的戏剧很粗糙，也可能称不上是戏剧，但任何一项文明的发展都是要经历刚开始的粗糙，才能逐渐得趋于完善的，不受地区所限。
戏剧的发展可以说是相当的成功的，有众多老一辈的艺术家和群众们热衷戏剧，对中华文化也有深入地了解。
戏剧。
原始的戏剧为后来完美的戏剧打下了坚实的基础、医学、农学，范围广阔。
传统学科中的数学、川剧、河北梆子，新一代的文化如浪潮般席卷而来，新一代的偶像受到众多粉丝的追捧，新一代的歌曲，传统剧目数以万计。
中华人民共和国成立后又出现许多改编的传统剧目。
而在众多的传统文化中，戏剧、火药、造纸术、印刷术；建筑中的万里长城，毕竟，这些年轻的歌手的老师也是上一辈的老艺术家，到如今、湖南花鼓戏……等等众多剧种，我国各民族地区的戏曲剧种，约有三百六十多种、寓言；还有书法；绘画中的中国国画；文学中的中国古典诗词、音乐、舞蹈，利用他们自身的号召力，让更多的年轻一代对戏剧有更多地了解，为发扬传统戏剧献上自己的力量；四大发明中的指南针、昆曲、越剧，才逐渐形成比较完整的戏曲艺术体系。
戏剧的发展可以说是随着文明的出现就出现了，媒体开始越来越多地把传统文化向年轻的一代用他们喜欢的方式进行发扬、宣传，这项中华的璀璨文化发扬光大
昆曲（原应为“昆”），是我国古老的戏曲声腔、剧种，原名“昆山腔”或简称“昆腔”，清朝以来被称为“昆曲”，现又被称为“昆剧”。
昆曲的伴奏乐器，以曲笛为主，辅以笙、箫、唢呐、三弦、琵琶等（打击乐俱备）。
昆曲的表演，也有它独特的体系、风格，它最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而和谐。
该剧种于2001年5月18日被联合国教科文组织命名为“人类口述遗产和非物质遗产“代表作”称号。
国家非常重视非物质文化遗产的保护，2006年5月20日，昆曲经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。
历史沿革】 昆曲形成的历史，可谓源远流长，它起源于元朝末年的昆山地区，至今已有六百多年的历史。
宋、元以来，中国戏曲有南、北之分，南曲在不同地方唱法也不一样。
元末，顾坚等人把流行于昆山一带的南曲原有腔调加以整理和改进，称之为“昆山腔”，为昆曲之雏形。
明朝嘉靖年间，杰出的戏曲音乐家魏良辅对昆山腔的声律和唱法进行了改革创新，吸取了海盐腔、弋阳腔等南曲的长处，发挥昆山腔自身流丽悠远的特点，又吸收了北曲结构严谨的特点，运用北曲的演唱方法，以笛、箫、笙、琵琶的伴奏乐器，造就了一种细腻优雅，集南北曲优点于一体的“水磨调”，通称昆曲。
之后，昆山人梁辰鱼，继承魏良辅的成就，对昆腔作进一步的研究和改革。
隆庆末年，他编写了第一部昆腔传奇《浣纱记》。
这部传奇的上演，扩大了昆腔的影响，文人学士，争用昆腔创作传奇，习昆腔者日益增多。
于是，昆腔遂与余姚腔、海盐腔、弋阳腔并称为明代四大声腔。
到万历末年，由于昆班的广泛演出活动，昆曲经扬州传入北京、湖南，跃居各腔之首，成为传奇剧本的标准唱腔：“四方歌曲必宗吴门”。
明末清初，昆曲又流传到四川、贵州和广东等地，发展成为全国性剧种。
昆曲的演唱本来是以苏州的吴语语音为载体的，但在传入各地之后，便与各地的方言和民间音乐相结合，衍变出众多的流派，构成了丰富多彩的昆曲腔系，成为了具有全民族代表性的戏曲。
至清朝乾隆年间，昆曲的发展进入了全盛时期，从此昆曲开始独霸梨园，绵延至今六、七百年，成为现今中国乃至世界现存最古老的具有悠久传统的戏曲形态。
它以清唱的形式出现，终于使昆腔在无大锣大鼓烘托的气氛下能够清丽悠远，旋律更加优美。
同时，魏良辅对伴奏乐器也进行了改革。
原来南曲伴奏以箫、管为主要乐器，为了使昆腔的演唱更富有感染力，他将笛、管、笙、琴、琵琶、弦子等乐器集合于一堂，用来伴奏昆腔的演唱，获得成功。
昆山腔开始其流布区域，开始只限于苏州一带，到了万历年间，便以苏州为中心扩展到长江以南和钱塘江以北各地，并逐渐流布到福建、江西、广东、湖北、湖南、四川、河南、河北各地，万历末年还流入北京。
这样昆山腔便成为明代中叶至清代中叶影响最大的声腔剧种。
【历史地位】 昆曲（昆山腔）的得名即产生于江苏昆山一带，它与起源于浙江的海盐腔、余姚腔和起源于江西的弋阳腔，被称为明代四大声腔，同属南戏系统。
昆曲是我国传统戏曲中最古老的剧种之一，也是我国传统文化艺术，特别是戏曲艺术中的珍品，被称为百花园中的一朵“兰花”。
明朝中叶至清代中叶戏曲中影响最大的声腔剧种，很多剧种都是在昆剧的基础上发展起来的，有 “中国戏曲之母”的雅称。
昆剧是中国戏曲史上具有最完整表演体系的剧种，它的基础深厚，遗产丰富，是我国民族文化艺术高度发展的成果，在我国文学史、戏曲史、音乐史、舞蹈史上占有重要的地位。
【濒危状况】 昆曲之入选“人类口头与非物质文化遗产”，在于它是我国古典表演艺术的经典。
但“成也萧何，败也萧何”，昆曲的辉煌与落败都与其特性有关。
昆曲的兴盛与当时士大夫的生活情趣、艺术趣味是一脉相承的。
士大夫的文化修养，为昆曲注入了独特的文化品位，他们的闲适生活和对空灵境界的追求，赋予了昆曲节奏舒缓、意境曼妙的品格，加之士大夫内心深处含有对社会对人生的哀怨、悲凉的感受，使得昆曲在音乐、唱腔上每每显示出惆怅、缠绵的情绪。
而到了清乾隆时期，市民阶层崛起，舒缓、惆怅的风格显然与他们格格不入，即使士大夫们也开始务实起来，昆曲在不受市民青睐的同时，也失去了士大夫阶层这一阵地。
于是，昆曲便逐渐走向衰落。
到1949年新中国成立以前，全国范围内已没有一个职业昆剧团。
20世纪50年代，一出《十五贯》救活一个剧种，全国随之成立了6个昆曲院团。
韩世昌、白云生、顾传、朱传茗、周传瑛、俞振飞、侯永奎等老一辈表演艺术家及解放后培养出的李淑君、蔡正仁、计镇华、张继青、洪雪飞、汪世瑜等一批优秀演员，整理、编演了《牡丹亭》、《西厢记》、《千里送京娘》、《单刀会》、《桃花扇》等大量优秀剧目。
但在今天，昆曲严格的程式化表演、缓慢的板腔体节奏、 过于文雅的唱词、陈旧的故事情节，丧失了时尚性和大部分娱乐功能，离当代人的审美需求相距甚远，因而难以争得观众，演出越来越少，以至在演出市场上难觅其踪，形成了恶性循环。
10年前，全国大约有800人在从事昆曲工作，号称“八百壮...
昆曲是中国最古老的剧种之一，距今已有五百多年的历史。
昆曲在我国元代末年，明代初年，即公元十三世纪末就已流行在江苏省昆山县一带，后来在明代嘉靖、隆庆年间（1522——1572年）昆山曲音乐家魏良辅等人，在总结南北曲传统基础上，吸收了南戏诸声腔的特点和长处，创造出一种细腻轻柔的腔调，称为“水磨腔”，在伴奏方面除了弦索之外，又加上了笙、箫、管、笛等乐器，这比当时流行的其他声腔有很大的进步，令人耳目一新，很快就流传开来，后来人称昆山腔，也叫昆曲。
五百年来，经过无数剧作家、音乐家、演员和人民群众的不断丰富加工，昆曲成为我国最有代表性的戏曲剧种之一，很多剧种至今还保留演出昆曲剧目，成为多种古典艺术高度综合的代表剧种。
昆曲特点：主要表现在剧本、音乐、表演三个方面：l、剧本：昆曲剧本采用了宋、元时代的杂剧传奇的结构方式，每出大戏分很多折子，每折戏自成单元，都有一个贯串在总的情节上相对完整的小段情节，它的许多单折戏可以独立演出。
在文学语言上，它继承了古代诗歌、唐诗、宋词、元曲的优点和长处，采用了长短句的方法，使每句参差错落、疏密相间，把汉语的音乐性发挥得非常充分，通过字调、韵律、句法结构，产生一种刚柔、长短轻重和谐的艺术效果，京剧则采用七言诗歌发展而来的七字句、十字句，每句唱的字数都是固定的。
昆曲直到现在还经常原封不动，演唱几百年前作家的作品。
2、音乐：中国的戏曲音乐大致分成两种结构形式，即曲牌体和板腔体。
昆曲音乐呈曲牌体结构形式，有一千多个曲牌，昆曲的每出戏就是演唱其中的北曲、南曲或南北曲全套的曲子，它的唱腔婉转细腻、吐字讲究，有四声、尖团之分，而京剧音乐是板腔体结构，它分为西皮二簧等几个板式。
昆曲唱腔没有过门。
一支曲子一直唱到底，而且音域非常宽，如女声要真假声结合，难度非常大，京剧则每句都有过门，昆曲的主要伴奏乐器是笛子，而京剧主要是京胡。
3、表演：昆曲由于它的剧本和音乐的特点，使之舞蹈化、程式化的动作非常高，昆曲最大特点是载歌载舞，由于昆曲文词非常典雅，所以在每句唱段中经常用舞蹈动作来表现人物的内心感情，或者用动作来辅助对文词的解释，昆曲的舞蹈动作经过意象、变形和装饰性的各种手法使动作非常优美。
连绵不断，但难度也非常大，必须经过刻苦的训练，才能一边演唱、一边舞蹈，京剧则是演唱时没有大幅度的舞蹈动作，或舞蹈动作时，一般都不演唱，凡载歌载舞的剧目，一般都是演昆曲剧目，象《挡马》、《闹天宫》都是昆曲剧目，后来经过加工提高，也成为京剧经常演出的剧目。
昆曲的表演非常细腻，每个行当都有不同特点，如旦角的妩媚多姿，小生的儒雅潇洒，花脸的粗犷豪放，武生武旦的刚健潇洒，小丑的诙谐幽默。
那得看你要从什么角度来写了。
不过，我个人觉得，一般如果是那种老师要求大家写的作文，比如说像考场作文或者是像语文书上要求的作文题那样的普通的作文的话，要写戏曲方面内容的，一般就写你喜欢什么戏曲、然后为什么喜欢、它给你的感觉好在哪里等等；或者是像回忆的那种，比如说写自己小时候在农村和大人去看草台班子，然后后来长大了到城市读书了就渐渐远离了戏曲，某次偶然的机缘让你又听到或者看到了一小段戏曲，于是从前的许多美好回忆纷涌而至等等；或者，可以说自己喜欢戏曲，比如说京剧如何、像什么（你可以把它比喻成某个事物），昆曲如何，越剧如何等等，就形成有点像排比段那样的形式的，就跟那种文化作文比如用古诗词的句子来作为文章一段的开头来引出下文那样相似的写法；或者，可以说戏曲的妆你觉得如何如何好看、写意，戏曲的词如何你觉得如何好、文学性如何（这个就有点像古诗词那样的了），戏曲的程式、表演方法你觉得如何给你一种想像等等，可写的不少。
但是这样普通的作文，我个人是觉得不建议去写一些比较在一般人不看戏的人看来比较深奥（尽管你自己可能觉得很浅显）的东西，比如去讨论某个流派的唱腔的异同、表演的不同等等，因为这些东西，在他们看来，是比较枯燥无味的，而且，不大适合这种作文的形式。
因为，这种普通的老师布置的作文，主要看的对象是老师而不是戏迷。
如果你的老师正好是个戏迷或许还好可以看懂，但是，还是不大适合去写这种内容，所以，我个人是不大建议。
如果是写论文那种形式的作文的话，那倒可以来谈一谈关于某个剧种的表演、流派等等这些东西，或者，说一说某个剧种的起源、发源地等。
这也有区分，如果你是学那种和艺术、戏曲那些有关的东西的话，可以深谈；如果是普通的学生，比如说高中生（因为有的高中现在不是新课改有研究性学习的嘛~）的研究性学习的论文的话，那就浅谈一下就差不多了。
而且，如果是后者的话，差不多讲讲也就是了，不需要太深入的，一般来说，字数和内容要求达到了，老师不会怎么去看的，如果里面个别有错的，也就交上去就是了，一般不会再有什么下文的。
我不知道你们那边是怎么样的，反正我们这里是这样的。
当然，如果是普通作文的话，现在一般写戏曲方面的还不是很多，有学生写的话会给老师一种新颖的感觉，而且，用的例子不容易和别人的撞上，这样的作文如果写好的话，用作文书上那作文后面的评论，就是一句“可以看出小作者的文学功底很深厚，而且对中国传统文艺有一定的研究”（虽然这话说跟没说差不多）~个人感觉这样的作文应该也可以算是文化作文的一种吧，写好的话得分应该会比较不错的。
以上纯属个人见解，仅供参考。
近年来，我国的泰山、长城、苏州古典园林等已被评为世界历史 文化遗产。
越来越多的人开始意识到其中蕴藏的巨大价值，并自觉地 为保护这些遗产作出种种努力。
今年在上海举办的重大国际会议还将 周庄等江南古镇介绍给各国来宾，作为“让世界了解中国”的有效途 径。
人类文化遗产不仅有物质的，还有精神的，即“具有特殊的文化 和口头文化表述形式，其中包括语言、故事、音乐、游戏、舞蹈、风 俗及各种艺术表达手段”。
今年5月，我国古老的艺术品种昆曲被联 合国教科文组织授予“人类非口述和非物质遗产代表作”的称号。
我国的文化遗产除了世界级的，还有各级各类的，它们分布于全 国各地，有的就在我们身边。
你注意过这些大大小小、远远近近的文 化遗产吗？请说说你对它们的了解、认识和思考，写一篇1000字左右 的文章（不要写成诗歌）。
题目自拟。
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《姑苏行》采用昆曲音调，具有江南风味。乐曲典雅，表现了古城苏州（古称姑苏）的秀丽风光和人们游览时的愉悦心情。宁静的引子，是一幅晨雾依稀、楼台亭阁、小桥流水诱人画面。抒情的行板，使游人尽情的观赏精巧秀丽的姑苏园林。中段是热情的小快板，游人嬉戏，情溢于外。接着再现主题，在压缩的音调中，更感旋律婉转动听，使人久久沉浸在美景中，流连忘返，令人寻味。此曲韵味深长，发挥了曲笛音色柔美，宽厚而圆润的特征，再结合南方笛子演奏常使用叠音、打音、颤音等技巧，使乐曲表现更加动人完美。《姑苏行》是一首深受广大人民群众喜受的竹笛经典名曲，亦是每一个吹笛者的必修曲目。这首乐曲旋律优美亲切、风格典雅舒泰、节奏轻松明快、结构简练完整，是南派曲笛的代表性乐曲之一。乐曲如同一幅描绘江南美景的水墨丹青，亦如一蛊雨前清茗——其清香沁人心脾。此曲的作者是著名笛子演奏家江先谓先生。 江先谓先生1924年出生于山东威海。12岁起即跟哥哥学艺，民族乐器中的吹拉弹打他都能演奏。14岁随全家赴大连卖艺维持生活。1949年参加革命，并考入解放军前线歌舞团独奏演员。 他在民族乐器演奏方面是位多面手，竹笛专业主要是靠自学，江南丝竹音乐演奏风格的掌握尤其地道。六十年代他采用江南民歌和昆曲音调为素材，创作并演奏了《姑苏行》和《脚踏水车唱山歌》，并因此而享誉笛坛。 江先谓曾在1959和1965年两次随中国艺术团先后到过奥地利、苏联、波兰、印尼等国演出。 《姑苏行》这首乐曲的旋律取材于昆曲音乐，曲式为“慢（A）——快（B）——慢（A1）”加引子组成的三段体结构。乐曲技巧采用的是江南丝竹中典型的“颤、叠、赠、打”的手法，手指要灵活并具有弹性。同时，要求气息饱满、流畅；音色上要追求“润、厚、松”与甜美。 引子，散板。其音乐表现的是一个“晨”字。力度弱起渐强，旋律音域由低向高进行，如旭日渐渐东升，描写出了江南春早、万物荣欣、一派祥和的迷人景象。 A段，优雅的行板。这里的演奏要突出一个“行”字，而且是优雅、欣然的“行”，如同徜徉在如苏园林的美景中。因此速度应稳健而流畅。指法上，强调江南丝竹中“颤、叠、赠、打”手法的运用（乐谱中有详细的标记，应严格照谱演奏）。要注意换气位置的准确，因此错误的换气位置会破坏旋律句法的完整。同时，换气位置的处理也是江南丝竹音乐风格的一个组成部分。吹奏弱音段时，口锋要精细，发音要纯，并显得玲珑剔透。 B段，热情小快板。其演奏要突出一个“舞”字，这里的“舞”有舞榭歌台上的“舞”、花园中万紫千红的“舞”、游人心中心神荡漾的“舞”，亦有音乐与演奏技法上的“舞”；突出旋律的起伏、流动与力度的强弱对比；手指灵巧、富有弹性，仿佛在笛上“舞”动。同时，速度不宜过快，应突出一种优雅的“舞感”。 A1段，稍慢的行板。音乐中表现的是一个“归”字，如同夕阳西下，游人念念不舍地归去。演奏手法上仍采用A段“颤、叠、赠、打”的技法，但气息应柔和一些并逐渐减弱，直至曲终
“每一滴流到根部的水，最终会开出娇艳怒放的花朵。”我为大家整理议论文素材摘抄赏析，供大家参考!
议论文素材摘抄赏析(1)：金钱是万能的吗
金钱，在现实社会中起到很大的作用，所以有人说：钱不是万能的，但是没有钱是万万不能的。还有人说：有钱就拥有了一切。这言下之意就是说钱是万能的，只要有了钱，就会有种种物质享受，就会幸福，快乐以及健康。
在现在这种物欲横流社会里，那些所谓的“有钱人”，无论什么事都会用钱去摆平，贿赂领导，高价买关系，甚至还出现了“包小三”，“富二代”的现象，这些人统统都认为钱就是一切。
但是，钱真的是万能的么?
我记得以前看过这么一个故事：从前，有一个年轻人，没有钱觉得很痛苦。于是，他就离家出走，到处寻找挣钱的方法。第一次，他向一位盲人求教，盲人说：“请把你的眼镜送给我，你就可以得到五十万美金。”
年轻人想了想，说：“如果我失去了眼镜，就看不到这美丽的世界，那要那么多钱还有什么用?”第二次，他请教了一个囚犯，囚犯说：“你替我服刑，我可以给你三十万美金。”年轻人想了想，说：“失去了自由，有钱还能做什么呢?”最后，他请教了一位老者，老者说：“你把青春给我，我给你一百万美金”这时年轻人恍然大悟：原来有许多东西是用金钱是买不到的!可见钱并不是万能的。
钱，可以买到好药、名医，但买不到健康;钱，可以买到感情，但买不到真心和幸福;钱，可以买到漂亮的衣服和名贵的首饰，但是买不到心灵美;钱，可以买到娱乐，但买不到快乐;钱，可以买到书籍，但买不到智慧;钱，可以买到“小人之心”，但买不到“君子之志”。即使你家财万贯，没有家的温暖，再多的钱又如何?没有生活的快乐，再多的钱又如何?
由此可见，钱并不是万能的。在现实生活中，金钱固然需要，它可以买到许许多多的东西，但是，也有
很多东西比金钱更重要，都是金钱所“遥不可及”的。
议论文素材摘抄赏析(2)：一步一个脚印
有人说，成功迈出第一步，那么你离成功就不远了。其实，每一步都不简单，周围的困难随时都会依附上你，让你寸步难行，不是吗?
从我们出生的那天起就意味着我们将开始一段旅程，这条路很长很艰辛，当我们在路上寻找梦想时，留下一个个脚印，里面有太多故事，充斥着欢笑和泪水，或许，有人曾深深的陷进去，无法动弹，又或者，开始抱怨并放弃。
每一步都不简单，从牙牙学语，到朗读诗文，我们经历了许多挫折，现在看来，其实并不算什么。想到这，不禁联想到表演千手观音的那些聋哑人，他们天生失去语言和听觉的不幸，我相信换做任何人都不会希望自己是如此，可是，他们并没有因此抱怨或者放弃生命，而是珍惜每天的阳光，极力的做些有意义的事，不让自己后悔。他们表演千手观音，让台下的观众们欣赏，让他们开心。台下的人怎知台上人的辛苦?台上华丽整齐的动作，是他们在台下不知反复练习多少次才有的成就，十次，百次，甚至上千次，可他们没有抱怨，不怕辛苦，一遍遍地练习，再练习，最后穿着闪亮的衣服用熟练的动作将表演发挥得淋漓尽致。他们的路，走得艰辛，却在沿途播种了快乐，自己也收获了快乐。每一步都不简单，挫折的压迫需要自己的调解才会渐渐消退并转化成动力。
每个人都有自己的偶像，看到他们在台上放声歌唱，华丽的表演，我相信每个人都会有种羡慕感，他们每次都穿着漂亮的衣服化着美丽的妆，看起来很幸福，这是他们该得的，这是他们劳动的回报，要知道，当明星，是很让人羡慕的，受人追捧，崇拜。可是又有多少人真正明白，在他们光鲜靓丽的背后隐藏着多少汗水泪水。每一次表演，曾有过多少次排练，一个动作，曾有过多少次错误，多少次的磨练，终于有了现在的成就，他们需要面对粉丝的质疑，媒体的八卦，随时都要注意自己的形象，这样看来，好像我们的生活更加快乐，因为我们自由。但那时他们的梦想，他们朝着梦想不断奋进，跌倒，爬起，跌倒，再爬起，反反复复，终于没有让梦想落空。
“我只是孩子。”这是我们常用来逃避责任的话，没错，是孩子又怎样，你一样有自己的责任，一样需要努力付出才会有所回报。不要遇到困难就找借口，那样的自己，终有一天，连你自己也会瞧不起自己，对吧!
每一步都不简单，那么久敢于迈出第一步，船只上的帆，遇到风暴一样无谓前进，那么，我们一样可以迎难而上，跌倒怕什么，失败又算什么?一步一个脚印，终有一天，你的终点站就到了，回头再看看那些深深浅浅的坑，它会是一道美丽的风景。
议论文素材摘抄赏析(3)：阅读是一种享受
阅读是一种享受，给予我们精神的寄托，阅读中，我们会有无限的乐趣。休闲时，坐在公园的凳子上或是庭院里，一边享受阳光的沐浴和风的轻抚，一边读一些优美的散文，你会觉得心情舒畅，一切都很好美!
我爱阅读，正如明代王心斋所说“乐是乐此学，学是学此乐，不乐不是学，不学不是乐”。因快乐而阅读，因阅读而快乐。知识的海洋无穷无尽，我通过阅读获取知识，了解文化发展，体会思想得到满足的愉悦。阅读不需要应试性的去读，而是带着一种享受的感觉去读，心烦意乱时，可以随意翻翻，或许文中的某段语句会让你静下心来，心情闲适时，阅读更是一种精神满足感的催化剂，让你感到世界的变化也有美丽之处。
阅读是发动机，给予我们奋斗的动力。当我们遭受挫折，意志消沉或心情烦闷时，何不去找一些励志作品读一读呢?比如罗曼。罗兰的《名人传》，奥斯特洛夫斯基的《钢铁是怎样炼成的》。看如何磨练意志，从而使自己勇敢的面对困难，乐观的看待一切。阅读让生活变得充实，书卷中的'意念像一股无形的动力，影响我们的思想和心态。
阅读是塑造一个人内在品格的重要途径。书就是社会，一本好书就是一个好的世界，好的社会，它能陶冶人的感情与气质，使人高尚。冰心也敬告我们“读书好，多读书，读好书”。犹记“谈笑有鸿儒，往来无白丁。可以调素琴，阅金经。”并达到“斯是陋室，惟吾德馨。”的境界。我想这其中必不可缺阅读的功劳吧!阅读，是用心在读，每次阅读，都是我们心灵的一次旅行。好的阅读带给心灵的充盈与美满，提高人的内在修养与外在气质，从而成为人的一种享受，一份乐趣
“书中自有黄金屋，书中自有颜如玉，书中自有千钟粟，书中自有车如簇”。读书可以明智，读书可以使人心理健康，读书可以使人心态平衡，读书可以使生活滋润起来，读书可以使人生潇洒开去。阅读是一种享受，如品茶，似喝酒，若弹琴，像下棋，耐人寻味!
议论文素材摘抄赏析(4)：两个文明，一种品性
王朝乱世，统治衰微，君主荒唐，民不聊生，生灵涂炭，义旗四举。
有这样俩位文人，他们的时代同是黑暗，同是动乱不断，社会百姓隐含下的是难以名状的暴悸与疯狂，整个国家的马车犹如脱缰般咯吱咯吱，走到哪里?兴许只有悬崖。
也许枭雄举荐高呼，可以义聘天下，可以渲名青史;也许霸主功成名就，可以威策天下，可以替天行道——但终究，只是文人矣。
战火年代，儒生只是弱者。
有这样俩个文人：周敦颐、明，儒学思想上的拒擎。一种品性，忧国思民，痛恨时代现实。
周敦颐在官场上完全不得志，落个闲职，种片荷花，赋诗访客，如此如此，《爱莲说》就让他名传千古，留给我们的只有唏嘘与感伤。
明，由于性直耿秉，被直贬到万里漠疆当一个都督参军，周敦颐方可扶栏赏莲，清流饮酒，而他，只有每天埋头苦读，裹着一块破被，灯油都没得点，条件极其艰苦。 明只有读书，等待。
大奸既倾，官复原职。未至数月，又被发到镇州做刺史。人生起伏，不过至此。明作为一介文儒，何来享世惊名?
不久，宁王叛乱，明以拼凑之军击溃敌军三十万精兵强将，开始东征西讨。攻无不克、战无不胜、所向披靡。后人甚至称他为明朝的“战神”。时代依然黑暗，明自身高洁，却闯出一片火红的天，老牛又贬，却专心学术，成为集思想、学术、词文、军事、谋略于一身的全能大儒。“一生跪首拜阳明”。
我想说，时代的黑暗，其实遮掩不住你光芒的心，同样的严酷暑旱，仙人掌内敛蜷避地度过一生，大黄光彩灿烂地走完花季。同样自身高洁，决不同流合污，周敦颐隐了，明忍了，一字之差，造出了隐士和另一个传奇。
俩个文人、一种品格;俩个文人、俩种经历;俩个文人，不同传奇。我羡慕赞扬周老的雅适，但更崇尚阳明的强键。将叶子上的每一滴水都流到根部，将逆境中的每一滴滋养都流到心田，充实自己、强大自己。
奸臣江充使者来“慰察”，正在带兵的明正值练兵，使者有意让明射箭。平日明以文儒示人，没有将士能看得起他的武艺，都静下来，等待看他被弓震倒在地下——或射到十万八千里外——
一片寂静，明沉稳搭箭，拉弓——
第一发红心中，第二发中，第三发——四——五——六——七——十发皆中。
全场爆发出呐喊与欢呼，使者目瞪口呆。数十年苦功，明已练就绝世箭艺，从此威震全军，名扬天下。
就是这样，每一滴流到根部的水，最终会开出娇艳怒放的花朵。被贬的苦练，造就传奇。当那花绽放时，能让沙漠动容，让时代光明，让天地震撼，困境中，更要活得灿烂。
不要消沉、请像沙漠大黄一样。
播种与收获
在春天农民伯伯就会播种下种子，到了秋天农民伯伯就会收获一年的劳动成果。而我们的学习也是一样的，播种下辛勤的汗水，收获成功的喜悦。
每一次的播种多多少少多会有收获。正如一个努力上进的人，内心已经开始在播种了，渐渐的你就会成功。说明你收获了成功的果实。一个一点也不上进的人，一点也不努力的人，他既没有播种也没有收获，说明了他将是一位一事无成的人。每一位成功人士的背后，都有一段鲜为人知的秘密。正如一位农村大学生，他来到了一座大城市，在大城市里想要找一份好工作是多么的困难，可是他却一直不放弃，一直都在努力找工，后来他找到了一家小公司，在那里当一名小职员，他每天都在努力工作，后来，在未来的两年里，他当上了这家公司的部门经理，后来又经过他不断的努力，和公司规模的不断壮大，五年后，他已经成为这家公司的董事长了。在这件故事的背后，他吃了多少苦，付出了多少努力，付出了多少辛勤的汗水。正如我们一样，现在我们不努力，将来难道要做一个一事无成的人吗，满足不了自己物质上的生活需求吗?
现在的我们最主要的就是努力学习，从一位小小的中学生开始努力现在学习还来得及。有多少老人现在还想从返校园，因为他们知道学习才是最好的出路，虽然虽然有些人也不只是靠学习，也是靠努力，只有你努力了，才会成功。
在日常学习和工作中，大家都不可避免地会接触到论文吧，论文可以推广经验，交流认识。如何写一篇有思想、有文采的论文呢？以下是我为大家收集的议论文论据素材，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。 素材一：艾利斯泰·无腿伞兵 39岁的艾利斯泰并非天生的强者，即使他从数千米高空，纵深一跃，做“自由落体”运动。这个曾经的英国皇家陆军伞兵团成员，17年前在一场爆炸中失去双腿。和所有剧情相似，他也想“懦夫一样”把枪管对准了自己，后来历经磨难，成为励志故事里完美的主人公。这位跳伞冠军与妻子每年要完成约700次跳伞。大半迫于生计。他只想做一个“脚踏实地”、靠自己能力过日子的好男人。尽管捉襟见肘，他却从不想要社会捐赠或者福利补贴。他坚持只要一个正常人的生活，因为“只有在空中飞翔时，我才觉得自己像一个健全人”。 素材二：身陷囹圄志不移 尼可洛·帕格尼尼是意大利小提琴家、作曲家，被人称为“独弦琴上练出来的小提琴家”。他的艺术道路坎坷不平。他生于一小商人家庭，据说，曾因为政治犯罪坐了20年牢。但即使是身陷囹圄，他也不曾灰心，而是坚持狱中学习。他在狱窗边，用一把只剩下一根弦的提琴，坚持苦练，几十年如一日，终于在演奏技巧方面达到了出神入化的境地。他的创作和演奏，奔放不羁，富于激情，对同时代的浪漫派作曲家有较大的影响。 素材三：博迪眨眼写作 博迪是一名法国记者。他在一次心脏病发作后四肢瘫痪，只有左眼可以活动。但他决心把打好腹稿的作品《潜水衣与蝴蝶》写出来，于是他要求笔录员门迪宝协助他，每天花6小时笔录他的著述。而他们之间的沟通只能靠左眼的.眨动来完成。每次，门迪宝按顺序读出法语常用字母，博迪每眨眼一次表示字母正确，眨两次表示错误，然后拼成词语。这种常人难以想象的“写作”终于在数月后奇迹般地完成了。这本150页的著作已被出版，受到人们的欢迎。 素材四：隔绝 古希腊著名演说家戴摩西尼年轻的时候为了提高自己的演说能力，躲在一个地下室练习口才。由于耐不住寂寞，他时不时就想出去溜达溜达，心总也静不下来，练习的效果很差。无奈之下，他横下心，挥动剪刀把自己的头发剪去一半，变成了一个怪模怪样的“阴阳头”。这样一来，因为头发羞于见人，他只好一心一意地练口才，演讲水平突飞猛进。正是凭着这种专心执著的精神，戴摩西尼最终成为了世界闻名的大演说家。 1830年，法国作家雨果为了能把全部精力放在写作上，把除了身上所穿毛衣以外的其他衣物全部锁在柜子里，把钥匙丢进了小湖。就这样，由于根本拿不到外出要穿的衣服，他彻底断了外出会友和游玩的念头，除了吃饭与睡觉，从不离开书桌，结果作品提前两周脱稿。而这部仅用5个月时间就完成的作品，就是后来闻名于世的文学巨著《巴黎圣母院》。 在漫漫人生路上，往往只有不留下退路的奋斗，才更容易赢得出路。 素材五：泥泞中的脚印 韦伯是美国圣日公司一名普通的员工。一开始他还勤勤恳恳地做自己的工作，可是后来他发现在公司里像自己这样的人有上千个，想靠勤奋工作脱颖而出简直是难于上青天。于是他的热情锐减，每天漫不经心地工作。一天，公司派韦伯去城郊的一个农场送资料，农场主是一位黑人大叔。办完事后，这位黑人大叔问韦伯：“小伙子，你在圣日公司干得怎么样?”韦伯苦笑着回答：“我是一名普通的员工，做着再普通不过的工作，而公司里像我这样的人有上千个，就算我再成功，也不会有什么辉煌的业绩，更不用说什么前途了!”黑人大叔“呵呵”一笑，问：“小伙子，你回头看看，能不能找到我们走过的足迹?” 此时二人正漫步在农场的小路上，韦伯回头看了看，平整的路上根本没有一个脚印，于是他摇了摇头。黑人大叔说：“找不到吧!其实我们的脚印已经留在上面了。最初这里是没有路的，只是走的人多了，他们的脚印重叠在一起，才成了路。在成千上万人走过的地方，是很难看到自己的脚印的!“黑人大叔说：“你看，只有在别人没有涉足的地方，甚至是在泥泞之中行走时，才会留下深深的脚印!” 韦伯心里一震，忽然就涌起了一种前所未有的激情。他不断得到重用和提升，15年后成为圣日公司第四任总经理。 你发现了吗?奋斗就像是在泥泞之中行走时留下的深深脚印，是它成就了成功。 素材六：读料 玉雕师王先生在石材毛料市场看中了一块石头，一块极普通的玉石。他用300元买了下来，想雕刻个作品。可他拿回家后端详了半天也没琢磨出要雕刻个什么，他就把那块石头放在了角落里，一放就是5年。5年后，他又把那块石头搬了出来，并且很快就雕刻出了一件作品：《祝福》。一个双手合十、慈眉善目的老奶奶，一脸的慈祥和虔诚，似乎正在祝福人间万物吉祥平安。有人想购买，而且出价高达38万元。有人不解，一块区区300元的石头，雕刻也没用多少工夫，怎么就变得价值连城了呢?这不是点石成金了吗? 王先生说，雕刻前它不过是一块石头，但雕刻后却不再是一块石头，因为它有了灵性和意境。我雕刻它只用了很短的时间，但为了赋予它灵性和意境，我读料整整用了5年啊! 读料，是雕刻专业术语，意思是说雕刻师对毛坯料的形状、色泽、质地等原始形貌和特点进行审视，在脑中形成轮廓，最终构思出定型的雕刻图案。 的确，这5年来，他从没忘记那块石头。没事的时候，他总爱坐在那块石头跟前，瞅过来瞅过去的;有时候睡到半夜会突然起来，端详那块石头，有时候会彻夜不眠地与石头对坐。他不知“读”了它几千遍还是几万遍，最终才创作出了这件作品。 没有5年的潜心读料。他就不可能点石成金，也就没有这件昂贵的艺术品的面世。那块石头也许还会继续寂寞地躺在角落里。所以，读料，是他创作中的一个极为重要的过程，更是一个无人知晓的奋斗过程。 素材七：重振旗鼓创辉煌 艾柯卡是美国汽车业超级巨星，他那誉满汽车行业的推销术为福特公司创造了上百亿的美元。可是1978年7月13日，艾柯卡在毫无思想准备的情况下被嫉贤的老板开除了。老板把他赶到一个仓库中的小房间，还美其名曰是给艾柯卡还没有找到新工作之前的办公室。在奇耻大辱面前，艾柯卡没有消沉。在被解雇受辱之后，艾柯卡接受担任濒临倒闭的克莱斯勒汽车公司总裁一职，他以卓越的管理才能，使克莱斯勒公司喜获新生。仅1984年一年，他就为公司赚取了24亿美元的利润，比这家公司前60年的利润之和还要多!顽强的精神、超群的才智、辉煌的成就，使得艾柯卡成为美国人心目中的英雄。 素材八：从根部吃起 一个大学毕业生致力于创业。因缺少资金，只好从摆水果摊做起，但那年因气温较低，甘蔗与香蕉的价格波动大，但大学毕业生的水果摊却价格稳步上扬。原因很简单，因大学生发现，顾客吃甘蔗，就是期待“甜”。于是他就此甘蔗的根部着眼，将根部削好，递给顾客，吃起来更甜，如此，就迎合了他们的感觉而已。很多人以为，一个人的成功一定有着不为人知的秘诀，但事实并非如此，就像故事中的主人公一样——重要的是用心去做每件事，哪怕只是卖一根甘蔗，也要想到，适当的时候给它掉个头。奋斗需要智慧，发展需要灵感。