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首先乐队会开启音乐，然后京剧演员就开始跟着音乐来唱。不需要很高的默契，只需要能够听到音乐就可以了。
京剧是中国戏剧舞台上的主要剧种，被誉为国粹。几百年来，经过几代艺术家的努力，已经形成了一个比较完整的专业歌唱和多种体裁风格的歌唱。然而，无论歌唱多么好，如果没有好的伴奏，它都会黯然失色。好的伴奏应该能够引导演员。媒介伴奏是跟随和支持演员，最重要的是跟随演员。如果伴奏是一个坠落的演员，那是最可怕的。因此，伴奏和歌唱是鱼和水的关系，谁都不能离开谁。
在表演之前，京剧演员要和乐队一起表演。我们称之为“坐着唱歌”。目的是在演员和乐队之间进行充分的沟通。京剧乐队的鼓手和钢琴家总是配合我们。他们观察演员的动作，倾听演员的声音，并仔细陪伴我们，比如：什么曲调适合我唱，在哪里退出，在哪里多唱，在哪里多演奏。只要它是正确的，讨论就很容易。即使演员唱得走调，语调偏离调子，鼓手和古筝手也能及时帮你掩盖演员的错误。
伴奏乐队一成立，演员的特权就被完全剥夺了。伴奏乐队由乐队提前录制。语调、节奏、轻声、速度等已成定局。因此，我认为在伴奏乐队上演唱之前，歌手必须像练习书法一样仔细地“读笔记”，以便意识到这一点，否则他不能唱好伴奏乐队。就拿红灯时唱“一个男人应该是这样的男人”来说吧。一开始很难掌握散乱的棋盘。
传统京剧乐队基本上是齐声演奏的，演员们习惯于依靠镜湖的拐杖。但现代歌剧的伴奏增加了现代乐器，注入了现代作曲和编曲方法。他们会时不时地放弃，不管演员是谁，时不时地来个和弦，通过门来代替原来的京剧，把头枕起来。钢铁伴奏为歌手服务。记住不要占主导地位。艺术的主要任务是合作。我们应该熟悉歌手的演唱和处理习惯，尽量做到得体和谐。
唢呐，在木制的锥形管上开八孔（前七后一），管的上端装有细铜管，铜管上端套有双簧的苇哨，木管上端有一铜质的碗状扩音器。唢呐虽有八孔，但第七孔音与筒音超吹音相同，第八孔音与第一孔音超吹音相同。
唢呐的中、低音区音色豪放、刚劲，各种技巧都易于发挥，非常富有表现力；高音区紧张而尖锐，在乐队中应用要谨慎。
单皮鼓又称小鼓。是打击乐和管弦乐的指挥乐器，演奏时用两根细竹(通称鼓箭子、鼓签)。指挥方法用底鼓，有时并配合手势，各种乐器都随着它的指挥来演奏。歌唱时辅助板打节奏。司鼓、板者称为鼓佬(即鼓师)。
六场通透嘛。文三场，胡琴、月琴、三弦，后加京二胡；武三场，鼓、大锣、小锣，后加铙钹。
文场从外到里依次是：京胡、京二胡、月琴、三弦。
武场：鼓师、大锣、铙钹、小锣。
鼓师座位底下一般垫个大的木盒子，叫“沓拉方”（音），特殊时候有跺台板的效果。
胡琴主要看口型，鼓师看身段，所以胡琴坐前边，鼓师坐后边，垫高。下手活儿们都看这俩人。
哦对了，笛、唢呐、海笛子、大堂鼓、小堂鼓、齐钹这些也得算京剧的主要乐器，不用不行的。笙是程派用，中阮大阮可用可不用，我是挺不喜欢的，搅和。也有加秦琴的。其实老生来说，三大件儿最好听。
一则京剧入中小学教材看似很平常的消息，没想到在互联网上掀起了巨大的波澜。抛开引入样板戏是否合适的争论不谈，对传统京剧艺术价值的看法，也在网民中形成了壁垒分明的阵营。当年徽班进京并扎根下来，既逢天时地利也仰人和。1790年，曾经在京城盛极一时的秦腔被清廷禁演巳五个年头了，“都中人士，喜听新声”。当浙闽总督伍拉纳为给乾隆皇帝八十寿辰祝寿，带了当时在南方颇负盛名的由高朗亭领班的安庆徽戏班“三庆班”入京时，历史给了京剧一个千载难逢的机遇。京剧不是从小到大，从简到繁，独立孕育诞生的，而是从其它地方戏的基础上发展起来的。它一开始就站在很高的起点上，以徽汉同台，皮黄并用为开端，继承和发展了徽剧、汉剧和昆剧的优良传统，并不断吸取梆子、高腔以至各种地方小戏的优秀剧目、音乐和表演艺术来丰富和发展自己，集中戏曲艺术优秀传统于一身，兼容并包，化而用之，很快就在京城红极一时，继而成了风糜全国的剧种。众所周知，昆剧曾在我国历史上是第一个堪称“国剧”的剧种，独领风骚几百年，其艺术价值之高早有定评，但继它之后而崛起的京剧的艺术水平却超过了它。京剧不但继承了昆剧的精华，也大大扩展了艺术表现力。昆剧那种“水磨腔”过于柔媚，其细腻婉转的特点对表达那种高亢激昂的内容有所局限。而京剧吸收了大量北方戏曲的因素，能把那种慷慨苍劲的情感表达得淋漓尽致。京剧这种刚柔并济的特点使它能轻而易举地表现人类生活和情感的无限领域，在这个方面也超过了其它剧种。昆剧以曲笛托腔，既费力气，和腔又欠婉转。而京剧改用京胡托腔后，音调从容婉转表现力大增。有些人看不起京剧中大量的打击乐，视之为噪音。其实京剧中的打击乐是为了表演的需要（比如京剧有很多武戏的成份等），而且打击乐多并不能成为音乐落后的理由。且不论非洲鼓乐那震撼人心的艺术效果，就是在西方现代音乐大师如巴托克、斯特拉文斯基、梅西昂等手里，打击乐成了他们许多重要音乐作品的主角，而弦乐等则退及次要地位甚至不用。有些人认为京剧中唱腔和曲牌的程式化特点缺乏艺术价值，其实程式化并不妨碍表演中根据需要灵活处理，伟大的德国作曲家瓦格纳的乐剧就有很多所谓的“主导动机”（每个重要的人和事及物品就用一段固定的旋律短片来代表），而他作品中最动人心弦的音乐往往就是由若干个“主导动机”巧妙地交织在一起达到的。其实，欣赏京剧如同欣赏西方古典音乐一样，在开始时也是不太习惯难以领悟的。但只要放下成见，多多聆听，它回馈给你的丰富的艺术享受是难以言传的。
京剧包含的知识类目比较多，流派方面可以写《小生流派的传承》、《老生的流派与发展》；唱法方面可以写《京剧唱腔方法分析》、表演方面可以写《京剧程式表演的渊源》、行头方面可以写《京剧服装砌末考证》等
京剧艺术最早起源于昆曲，从历史上看，由汉乐府至唐诗、宋词、元曲再到明清小说，最终又有了西方体系的音乐，这种音乐可以说是现代流行音乐的前身，现代音乐虽然说与古乐不同，但其却是同根同源。从现代流行乐上我大可分为通俗、摇滚、流行等等，摇滚由上世纪引进的，但要明确的是中国流行音乐其文字上绝对是汉字。从汉乐府音乐可以看到中国音乐源远流长，现代音乐形式不过是一个历史的必然性演变过程，昆曲是从宋词元曲的基础上形成的，而清乾隆中期徽班进京促成了京剧艺术的扎根于京城。《同,光十三绝》的诞生就生在此时。刘赶三、谭鑫培、程长庚、梅巧玲可说是形成现代京剧的分水岭，他们影响了现代的京剧流派。谭鑫培老先生在中国第一部电影中担任演出，而第一张唱片也是谭先生录制的，可见京剧的出现影响了流行音乐。
未来的京剧引言：京剧作为中国的国粹，当前却面临这严峻的考验，它的未来是令国人担忧的。甚至有人妄言：“如果中南海不在北京，京剧不会是国粹，也只是普通剧种之一，有水分的国粹不会长久，如果北京不是国都，迁都别处，京剧很快就没戏了，现在国家每年为京剧是补贴好多银子来维持，给足镜头让它显.”如今的京剧迷大多都是中老年人群，年轻人却是对京剧“敬而远之”，虽然央视和教育部都开始注意到了京剧的“危险”，但究竟会有多大的成效却还在等着时间的见证。随着时代的变迁，社会的进步，渐渐已经有很多东西被我们中国人忽略或是遗忘……虽然有些已经被重新拾起，但也因为尘封已久，而失去了往日的风采！中国的戏曲是伴随着封建王朝的发展而成长起来的，到了现在却不知是该说它是处于鼎盛时期还是已经被国人所冷落，面对这一切，作为戏剧之首的京剧又该身处何处？难道真的会应验盛极而衰的发展规律？我想这是国人所不愿看见的……京剧是中国的“国粹”，也称“皮黄”，由“西皮”和“二黄”两种基本腔调组成它的音乐素材，也兼唱一些地方小曲调（如柳子腔、吹腔等）和昆曲曲牌。京剧形成于北京，时间是在1840年前后，盛行于20世纪三、四十年代，时有“国剧”之称,已有近200年历史。现在它仍是具有全国影响的大剧种。它的行当全面、表演成熟、气势宏美，是近代中国戏曲的代表。国家非常重视非物质文化遗产的保护，2006年5月20日，京剧经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。如果说中国的社会在进步，却不如说中国人在变。自从改革开放以来，国人对西方的崇拜变得愈深，对中国的传统文化开始冷落……这是与中国不同年龄的人的审美心理有关系的。06年的超女在中国掀起了什么样的浪潮，已经不用我们去说了，就连李宇春也十分荣幸的上了美国时代周刊的封面，“笔迷”、“凉粉”等各色粉丝也在中国年轻一代中产出，对这些我并不想评论什么，我只是在想京剧什么时候也会创造出这样的奇迹，或是哪位京剧演员会上美国时代周刊，也许你会觉得可笑，超女和国粹怎么能相提并论呢？但很遗憾的是事实已经很清楚的表明国粹已经被超女压倒……现在的中国年轻一代又有多少深深的为京剧痴迷？流行音乐在中国年轻一代中已经占据了大半壁的江山，年轻人中学习并能坚持走戏曲道路的更是寥寥无几，现在的曲迷基本上都是些老年人，而中国将是属于年轻人的世界，那是不是就意味着京剧这个国粹必然会在今后中国的博物馆中出现呢？也许现在这很难想象，但也许有一天它真的只能在博物馆中出现！在京剧与流行音乐的对比之下，我们显而易见的是现代中国年轻人的审美大多都是在基于社会的普遍审美外表之上的主观心理审美，他们追求的美在于“新颖”、“流行”、“适用”，他们追求时尚，所以京剧正缺少了这三种元素，以至于不能吸引年轻人。京剧四大名旦：程砚秋、荀慧生、梅兰芳、尚小云，也已经成为了京剧的神话，人们所尊敬的为中国国粹的发展做出自己贡献的人……现在的戏曲表演者能超越他们的又能有几个？甚至可以问—还有吗？值得深思……京剧在现代已经陷入了困境，少有人在真正喜欢京剧了。只有一些京剧的执着守旧者还在自以为是的沉迷其中，认为现在的京剧已经是改无可改的，没有任何缺点的了。我个人认为京剧必将断送在这些执迷者手中。京剧在长期发展中，在程砚秋、荀慧生、梅兰芳、尚小云等老一辈大师的变革发展中而成为国粹。中国人从不屈服，一直都在不断努力，不断在为振兴中华而努力，而作为国粹的京剧怎么能不发展，不变革呢？我想程砚秋、荀慧生、梅兰芳、尚小云等老一辈大师如果还在世，一定会改革京剧，把京剧以发展成为“世粹”为目标，这并不是没有可能（国外有相当多的曲迷），而是没有人去做，而是就连中国的年轻一代都开始将其冷漠，留下的只有无奈和遗憾。虽然教育部将戏曲纳入小学课本，而如今培养的只是兴趣，我们可以试想小学生是处于对社会中各项事物好奇的阶段，兴趣十分宽泛，而且据调查真正喜欢京剧的小学生依然很少，大多都是专注于偶像明星的流行歌曲。央视虽然已经开始重视戏曲，并单独成立了戏曲频道，而且在春晚中极力推崇戏曲，但仅仅单调的所谓经典曲目只能带给观众乏味的感觉，对年轻人更是毫无吸引力，现在的世界是一个不断创新的世界，中国的年轻一代也更重视这些，他们喜欢的是新鲜的，流行的，时尚的东西。为什么央视没有发现这些呢？如果发现了，为什么央视不带头做一个支持改革京剧的先锋传播平台呢?年轻人喜欢流行音乐并不是没有道理的，不仅因为其音响效果还是音乐内容、MV等都是不断改变，不断发展的，而且偶像们和唱片公司也注意到了并抓住了年轻人的心理，定期的有歌曲或是专辑发行并注重不同音乐风格，从中从事京剧表演的人员为什么就不能看出什么呢？换而言之，京剧为什么总是反复唱着经典，而并没有出现新的曲目呢？没有编曲，没有编段，更没有像周杰伦等人一样有影响力和号召力的明星。如果让年轻人说流行音乐的偶像明星一定能说出很多，如果说戏曲明星，我想结局是不言而喻的……最可笑的是一些明星都知道改变风格，对自己的歌曲加入中国戏曲的成分，而他们的唱功却显示出他们并不是纯正的戏曲唱腔，竟还能让这种歌曲在歌曲排行榜上遥遥领先，我们戏曲的专业人士确并没有从中看出中国戏曲的出路，还是一味的重复唱着……重复唱着……也许某一天就会成为绝唱！事实证明如果不能吸引年轻人的目光那国粹的命运将是可悲的！前人所做的努力只能付之流水！我们不能在博物馆中见证国粹的精彩，而要在发展中领略国粹在舞台上的风采
未来的京剧——将在何处？引言：京剧作为中国的国粹，当前却面临这严峻的考验，它的未来是令国人担忧的。甚至有人妄言：“如果中南海不在北京，京剧不会是国粹，也只是普通剧种之一，有水分的国粹不会长久，如果北京不是国都，迁都别处，京剧很快就没戏了，现在国家每年为京剧是补贴好多银子来维持，给足镜头让它显.”如今的京剧迷大多都是中老年人群，年轻人却是对京剧“敬而远之”，虽然央视和教育部都开始注意到了京剧的“危险”，但究竟会有多大的成效却还在等着时间的见证。随着时代的变迁，社会的进步，渐渐已经有很多东西被我们中国人忽略或是遗忘……虽然有些已经被重新拾起，但也因为尘封已久，而失去了往日的风采！中国的戏曲是伴随着封建王朝的发展而成长起来的，到了现在却不知是该说它是处于鼎盛时期还是已经被国人所冷落，面对这一切，作为戏剧之首的京剧又该身处何处？难道真的会应验盛极而衰的发展规律？我想这是国人所不愿看见的……京剧是中国的“国粹”，也称“皮黄”，由“西皮”和“二黄”两种基本腔调组成它的音乐素材，也兼唱一些地方小曲调（如柳子腔、吹腔等）和昆曲曲牌。京剧形成于北京，时间是在1840年前后，盛行于20世纪三、四十年代，时有“国剧”之称,已有近200年历史。现在它仍是具有全国影响的大剧种。它的行当全面、表演成熟、气势宏美，是近代中国戏曲的代表。国家非常重视非物质文化遗产的保护，2006年5月20日，京剧经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。如果说中国的社会在进步，却不如说中国人在变。自从改革开放以来，国人对西方的崇拜变得愈深，对中国的传统文化开始冷落……这是与中国不同年龄的人的审美心理有关系的。06年的超女在中国掀起了什么样的浪潮，已经不用我们去说了，就连李宇春也十分荣幸的上了美国时代周刊的封面，“笔迷”、“凉粉”等各色粉丝也在中国年轻一代中产出，对这些我并不想评论什么，我只是在想京剧什么时候也会创造出这样的奇迹，或是哪位京剧演员会上美国时代周刊，也许你会觉得可笑，超女和国粹怎么能相提并论呢？但很遗憾的是事实已经很清楚的表明国粹已经被超女压倒……现在的中国年轻一代又有多少深深的为京剧痴迷？流行音乐在中国年轻一代中已经占据了大半壁的江山，年轻人中学习并能坚持走戏曲道路的更是寥寥无几，现在的曲迷基本上都是些老年人，而中国将是属于年轻人的世界，那是不是就意味着京剧这个国粹必然会在今后中国的博物馆中出现呢？也许现在这很难想象，但也许有一天它真的只能在博物馆中出现！在京剧与流行音乐的对比之下，我们显而易见的是现代中国年轻人的审美大多都是在基于社会的普遍审美外表之上的主观心理审美，他们追求的美在于“新颖”、“流行”、“适用”，他们追求时尚，所以京剧正缺少了这三种元素，以至于不能吸引年轻人。京剧四大名旦：程砚秋、荀慧生、梅兰芳、尚小云，也已经成为了京剧的神话，人们所尊敬的为中国国粹的发展做出自己贡献的人……现在的戏曲表演者能超越他们的又能有几个？甚至可以问—还有吗？值得深思……京剧在现代已经陷入了困境，少有人在真正喜欢京剧了。只有一些京剧的执着守旧者还在自以为是的沉迷其中，认为现在的京剧已经是改无可改的，没有任何缺点的了。我个人认为京剧必将断送在这些执迷者手中。京剧在长期发展中，在程砚秋、荀慧生、梅兰芳、尚小云等老一辈大师的变革发展中而成为国粹。中国人从不屈服，一直都在不断努力，不断在为振兴中华而努力，而作为国粹的京剧怎么能不发展，不变革呢？我想程砚秋、荀慧生、梅兰芳、尚小云等老一辈大师如果还在世，一定会改革京剧，把京剧以发展成为“世粹”为目标，这并不是没有可能（国外有相当多的曲迷），而是没有人去做，而是就连中国的年轻一代都开始将其冷漠，留下的只有无奈和遗憾。虽然教育部将戏曲纳入小学课本，而如今培养的只是兴趣，我们可以试想小学生是处于对社会中各项事物好奇的阶段，兴趣十分宽泛，而且据调查真正喜欢京剧的小学生依然很少，大多都是专注于偶像明星的流行歌曲。央视虽然已经开始重视戏曲，并单独成立了戏曲频道，而且在春晚中极力推崇戏曲，但仅仅单调的所谓经典曲目只能带给观众乏味的感觉，对年轻人更是毫无吸引力，现在的世界是一个不断创新的世界，中国的年轻一代也更重视这些，他们喜欢的是新鲜的，流行的，时尚的东西。为什么央视没有发现这些呢？如果发现了，为什么央视不带头做一个支持改革京剧的先锋传播平台呢?年轻人喜欢流行音乐并不是没有道理的，不仅因为其音响效果还是音乐内容、MV等都是不断改变，不断发展的，而且偶像们和唱片公司也注意到了并抓住了年轻人的心理，定期的有歌曲或是专辑发行并注重不同音乐风格，从中从事京剧表演的人员为什么就不能看出什么呢？换而言之，京剧为什么总是反复唱着经典，而并没有出现新的曲目呢？没有编曲，没有编段，更没有像周杰伦等人一样有影响力和号召力的明星。如果让年轻人说流行音乐的偶像明星一定能说出很多，如果说戏曲明星，我想结局是不言而喻的……最可笑的是一些明星都知道改变风格，对自己的歌曲加入中国戏曲的成分，而他们的唱功却显示出他们并不是纯正的戏曲唱腔，竟还能让这种歌曲在歌曲排行榜上遥遥领先，我们戏曲的专业人士确并没有从中看出中国戏曲的出路，还是一味的重复唱着……重复唱着……也许某一天就会成为绝唱！事实证明如果不能吸引年轻人的目光那国粹的命运将是可悲的！前人所做的努力只能付之流水！京剧，你的未来在哪里？谁能告诉中国人……如果连国粹都陈列在了博物馆，那中国还会有未来吗？接着，又会有什么将成列在博物馆？永远封存……我们不能在博物馆中见证国粹的精彩，而要在发展中领略国粹在舞台上的风采
中国的民族民间音乐是世界民族音乐之林红的一棵古老而长青的叁天大树，是我们华夏子孙的骄傲。中国的民族民间音乐是浩瀚的大海。仅仅从我们通常所说的民歌、器乐、曲艺音乐、戏曲音乐的数量来看，也是令人惊叹的。据不完全统计，至今已收集到的民歌约有30万首左右。民族民间器乐约有200余种乐器，独奏、重奏、合奏乐曲难以数计，中国的曲艺约有200多个曲种。戏曲约有360多个剧种。曲艺和戏曲都是综合性艺术，音乐是其重要的组成部分之一，同时也是各种剧种、曲种特征和风格的主要体现者。至于这众多的剧（曲）种中丰富多样的剧目、曲目、声腔、板式、行当、流派、唱段、文武场音乐等等。更是难以数计。 产生我国这么丰富的民族音乐的原因有：第一，悠久深厚的历史传统；第二，复杂多样的自然环境；第三，博大的文化背景；第四，众多民族和人口。 包括民歌与歌舞、民族器乐、曲艺音乐、戏曲音乐四章内容。 一、 民族与歌舞 民歌与歌舞是联系在一起的，所以书中也是一起放在第一章一起介绍。民歌和歌舞都来自人民的生活和劳动，这是它们一个很大的特点。民歌的体裁大体分号子、山歌、小调3个大类。号子直接为劳动服务，是在人民体力劳动中编唱的，它的音乐坚实有力、粗犷豪迈，和劳动联系十分密切，音乐节奏和节奏紧密结合。山歌则产生山野劳作中，声调高亢、嘹亮，节奏较自由，具有直畅而自由地抒发感情的民歌。小调是产生在群众日常生活的休息、娱乐、集庆等场合的民间歌曲。中国的歌舞音乐也很丰富，他的音乐特点与小调很接近，只是因为要配合舞蹈动作，常家用更多的衬词、衬腔和重复腔等。歌舞音乐大体分：秧歌类、花鼓类、花灯类、风俗舞类。此外，还有旱船、莲湘、小车、拉花、春牛等歌舞形式及其音乐。二、民族器乐 分类有吹奏、弹拨、拉弦、打击乐器，曲式结构大多以曲牌为基础，段落性很强。三、曲艺音乐 曲艺是一种表演艺术，也是综合艺术，它以讲唱文学为脚本，安排布局，展开情节，汲取各种艺术表现手段。曲艺是叙事性的音乐，是在“演故事”，深受人民群众的喜爱。千百年来，文学、音乐、表演三者在曲艺这一综合体中相铺相成，有机结合，达到了今日曲艺的丰富、成熟的境地。中国曲艺有200多种，分类问题很复杂，一般根据音乐特点分8类：鼓词类、弹词类、道情类、牌子曲、走唱类、琴书类、杂曲类、数唱类；曲艺唱腔体式分曲牌体、主曲体、综合体。曲艺分南北不同，各自有长处，我们熟悉的如北方京韵大鼓、南方评弹。 四、戏曲音乐 戏曲，是一种综有诗歌、音乐、舞蹈等多样表现手段的中国传统戏剧艺术。音乐是戏曲艺术中的一个重要组成部分，包括唱腔和器乐两种成分。中国传统戏曲约有360多个剧种，音乐遗产非常丰富，形态十分复杂。戏曲的艺术特点有综合性、戏剧性、民间性与专业性的结合三点。戏曲的唱腔具有抒情性、叙述性、戏剧性三方面特征。戏曲的器乐特点大多处于伴奏、陪衬的较次要的地位。戏曲的剧种全国性剧种有昆剧、京剧、两种。我对京剧特别喜欢，对其中内容了解较详细。京剧是以皮黄腔为主的全国性戏曲举重之一，约有200年的历史，因形成与北京而得名。由于京剧名师辈出，19世纪后半期至20世纪初，有了谭鑫培等一带新人出现，谭鑫培是这一阶段杰出的代表，他博采众长，继承余、张、程等又有所创新，为京剧老生的一带宗师。这时京剧不仅受群众欢迎，而且得到清王朝统治者的赞赏，逐渐取代了昆曲的地位而影响全国。从此，建国前后，老生有言菊明、谭福英、马连良、周信芳、李少春、杨宝森等；旦角有王瑶卿、梅兰芳、程砚秋、荀慧生、尚小云等；武生有盖叫天、厉慧良等；小生有姜妙香、叶盛兰等；净角有金少山、裘盛戎、袁世海等；老旦有龚云匍、李多奎等；丑角有肖长华、刘斌昆等；琴师有孙佐臣、徐仁沅、王少卿、杨宝忠等。。。。。。他们在各个行当中都有重大建新，在唱腔、表演、念白等方面都有所创新，自成一派，将京剧艺术推到了鼎盛时期。京剧约有1000多个传统剧。故事大多取材于“列国演义”、“西汉演义”、“三国演义”、“隋唐演义”、“西游记”、“杨家将”、“水浒传”、“说岳全传”等，也有从昆剧和其他地方小戏、民间歌舞中移植过来的，范围十分广泛。京剧的唱腔以皮黄腔为主。二黄强苍凉深沉，长于抒发悲愤之情，有正、反二黄之分；西皮腔刚劲明快，长于表现灵活、昂扬、欢快之情。除了皮黄腔外，京剧还有南梆子、四平调、高拨子、吹腔、昆腔和许多民间小调等唱腔。京剧演唱也很讲究，注重按字行腔、要求字正腔圆，声情并茂。京剧器乐文场以京胡为主，辅以月琴、京二胡、小三弦，有时还用笛、笙、唢呐、海笛等；武场有鼓板、大锣、小锣、钹，有时用堂鼓、水钹、碰铃、大饶等。京剧著名的传统剧目有《二进宫》、《玉堂春·三堂会审》、霸王别姬》、《卧龙吊孝》等。其他的戏曲剧种如北方秦腔、晋剧、河北梆子、豫剧、评剧、碗碗剧，南方赣剧、川剧、湘剧、黄梅戏、越剧、湖南花鼓戏、锡剧等，各个戏曲剧种的唱腔都有分别，也各有自己的长处。 学习体会《中国民族音乐欣赏》后，感触颇多，以前我们总是认为欧洲音乐是最优秀的，而我们民族音乐是不足以登入大雅之堂的，现在知道了民间音乐浩瀚如海，并不比欧洲优秀的音乐差了多少，也是那样需要我们努力学习和发扬光大的，我们更应为我们民族音乐能够走向世界多做贡献。
我认为京剧脸谱中所代表的传统文化是一种象征，象征着古时的人们对于人物性格的理解，比如黑脸代表着铁面无私，白脸代表着奸诈，红脸代表着忠义。
每一个脸谱代表了不同的形象和不同的内心独白，然后通过人的脸部清晰的显示出来。
脸谱是运用色彩和线条构成各种图案，以象征人物的性格和品质。
脸谱的根源，不少学者皆归纳为以下两个来源：
1、祭舞面具说：源于古代祭典所用面具，像驱逐旱魃的傩舞，使用凶宁的面具来突出恶魔可怕的形象；
2、乐舞面具说：历史传说中北齐的兰陵王面目秀美，作战时戴上威猛的面具，以慑服敌人。
后来，由于俳优头罩面具，在舞台施展动作，究竟不自然，而且无法操纵面部肌肉和眼神的收放来表达现实人物的情绪，于是逐渐放弃面具，于是发展到以脸谱替代面具，提高面部化妆的戏剧功能。
脸谱的作用可归纳成四点：
暗示性格、介绍特点、褒贬善恶、明辨美丑。
基本可分为十类：红、白、黑、黄、蓝（青）、绿、紫、粉红（灰）、金和银。
1、 红：表示忠勇正直、义薄云天、精忠报国、有血性，如关羽、岳飞、姜维、常遇春、颖考叔、赵匡胤、吴汉、关胜。
2、 白：表示奸诈狠毒、笑里藏刀、工于心计，如曹操、秦桧、赵高、董卓、魏忠贤、严嵩、司马懿。
3、 黑：表示刚正、鲁莽、勇猛、粗中有细，如包拯、张飞、项羽、李逵。
4、 黄：表示凶狠残暴、有勇无谋、富有心机，如典韦、宇文成都。
5、 蓝（青）：表示中性、猛烈、暴躁、草莽英雄，如夏侯惇、程咬金、窦尔敦、马武。
6、 绿：表示妖魔鬼怪，如蝎子精。
7、 紫：表示肃穆、稳重，富有正义感，如专诸、张郃、荆轲。
8、 粉红（灰）：表示年迈老弱、血气衰弱，如黄忠、严颜、廉颇。
9、 金和银：表示神秘、高贵、庄严，代表妖神佛一类。如如来佛、孙悟空。
扩展资料：
艺术特色
京剧脸谱的艺术特色，主要表现在变形、传神、寓意三个方面。
脸谱是一种图案化的化妆艺术，它在表现肤色、面部器官和肌肉纹理时，虽有一定的生活依据，但必须经过变形。脸谱的变形包括两层意思，一是离形，一是取形。离形，就是不拘于生活的自然形态，敢于夸张、装饰：取形，就是要讲究章法，把脸部一些重要部位的色彩、线条，巧妙地组织、归纳到一定的形的图案中来。
通过取形来达到寓形得似，是脸谱的常用手法，取形还有一个更高的目的，就是要倚神；要性格化。脸谱的性格化，并非要把人物性格全画在脸上。人物性格的独立性和它自身的复杂性，只有在情节发展中，通过表演，才能充分显示出来；
脸谱的性格化，就是要表现出符合人物性格的基本神气，是脸谱的色彩和纹榉的综合效果。由于脸谱是图案化的，可以把某种神情表现得非常鲜明、强烈是它的优越性，但越是把某种神情表现得非常明确，就越是不可能在同一个脸谱上表现人物神态有重大变化，因此也带来了它的局限性。
演员的面目表情虽然可以使脸谱的神气有些变化，但不能完全突破这种局限性。这就是京剧脸谱不可能一个人物只有一种勾法的基本原因。钱金福勾的张飞的笑脸，很适合于《芦花荡》；而演《战马超》，尚和玉强调张飞威猛的勾法就更合适些。
脸谱的传神，又是同寓意相结合的。演员在创造脸谱的时候，总要渗透着他们对剧中人物的审美评价。脸谱的夸张性、装饰性，不仅使人物的神情鲜明起来，同时也使创作者的思想倾向鲜明起来。寓褒贬、别善恶，也是脸谱艺术的重要特色，而寓意，也往往离不开取形。
脸谱中有许多取形，既是装饰手法，又是象征手法，亦是对这个人物的某些本质方面的象征。脸谱的创作过程往往带有浓厚的民间想象成分。想象本身就有积极与消极之分，也都会反映到脸谱的象征手法中来，这就需要加以鉴别。
所以，正确地区别脸谱中的精粗美恶，发扬其精华，剔除其糟粕，乃是提高表演艺术的重要环节之一。
参考资料：百度百科-京剧脸谱
京剧是我国传统文化中的国粹，而京剧还有一个特色，就是它有五颜六色的戏剧脸谱，每一个脸谱都具有中国风格的艺术特点。现在戏剧的脸谱逐渐成熟并且定型，所以脸谱也是中国传统文化中独有的化妆方式，不同于其他国家戏剧的化妆。而年谱中的象征性和夸张性，体现了它的民族特色。
脸谱的形式有一种固定的模式，大多数都是来源于生活。通过对人类面部五官形状和轮廓布局的调整，反映出人物的年龄以及所经历的事情，或者生活条件。例如关羽的丹凤眼，赵匡义的面色如重枣等这些描述都会被撩谱所吸收并表现出来。所以每一个历史人物都会有一个大概固定的谱式。脸谱的存在体现了中国古代对美学的探究，这种美学不仅体现在绘画上，也体现在艺人们将戏剧舞台表现淋淋尽致的追求。
根据戏剧学家的说法，我国戏剧脸谱最早的灵感来源是上古的图腾，到了唐代的时候发展成为面具，宋元两代的时候，则是直接涂抹在脸上，形成最后明清时期的脸谱。但其实清朝的脸谱吸收了各家的长处，以及剧种的精粹。为了追求表演上的完美，所以，在人物外部造型方面也更为讲究，脸谱艺术在清朝时期获得了空前的发展，脸谱的样式也非常多样化和个性化，在图案上的表现就是更加复杂。这个现象的出现体现了中华传统文化的包容性。
在舞台上，京剧的脸谱也被称为是角色的内心画面。由此可以看出脸谱的存在，不仅表现了人物的性格，身份以及内心活动，还是我国古代对艺术完美的追求。而脸谱本身也有很高美学价值。
随着个人素质的提升，报告使用的次数愈发增长，我们在写报告的时候要注意涵盖报告的基本要素。我敢肯定，大部分人都对写报告很是头疼的，以下是我收集整理的音乐专业毕业论文开题报告，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。
课题名称：浅谈莫扎特歌剧的艺术特点和演唱技巧
一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：
沃尔夫冈.阿.莫扎特，奥地利著名作曲家，出生于萨尔茨堡，是18世纪欧洲维也纳古典乐派的重要代表人物，也是世界音乐史上少有的“神童”和多产作曲家。莫扎特一生创作了700多部作品，他的著名歌剧作品有《魔笛》、《唐璜》、《费加罗的婚礼》等。
《魔笛》是集歌唱剧之大成的作品，在安绍石编译的《西洋歌剧名作解识》中，其研究的动态是从体载上和各个唱段的一些风格，比如，帕帕盖诺和帕帕盖娜的维也纳风格民谣调和意大利喜歌剧的音调，还有塔米诺和帕米娜的意大利风格的咏叹调和德意志风格等等。《魔笛》是以德奥歌唱剧形式为主干的歌唱剧，同时也保留了意大利正歌剧、喜歌剧的因素。其中，夜后的花腔、萨拉斯特罗的'宣叙调，塔米娜动人的咏叹调，帕帕善诺的排萧和歌声等等，这些的艺术特点、演唱风格、技巧等，成为国内音乐专业人士的研究方向。作为一个声乐专业的学生，选择这个题目有利于自己对歌剧的了解，对某个时期，某个作家的作品的演唱风格和演唱技巧处理的一些了解。
选择这个题目也是为了使大家了解音乐大师莫扎特和其重要的歌剧作品，和怎样去欣赏业部歌剧做一个简单的了解。
二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：
1、莫扎特歌剧《魔笛》的艺术特点、演唱技巧、风格。
2、对夜后的花腔、塔米娜动人的咏叹调、帕帕善诺的排萧和歌声的演唱技巧、风格进行分析。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：
步骤：1、参考相关资料
2、对谱子的一些特点进行分析
3、总结提出个人看法的思考
进度安排：1、11月查询要关资料
2、11月28日确定研究方向，继续查询相关资料
3、12月写开题报告并作好开题答辩
4、xx年1月开始正文写作
5、xx年3月中旬接受中期检查
6、xx年4月修改完善文稿
7、xx年5月准备参加论文答辩
四、主要参考文献：
[1]《音乐笔记》
[2]《青年必知艺术知识》
[3]《西洋歌剧名作解说》
[4]《西方音乐通史》
五、指导教师意见：
签名：
六、教研室意见：
签名：
声乐是音乐专业学生的一门选修课，学好声乐有很大的作用。下面是我为大家推荐的声乐 毕业 论文，供大家参考。声乐毕业论文 范文 篇一：《民间音发展趋势》 摘 要：民间音乐一直是传统音乐中的重要组成部分，而当今许多的民间音乐被列为世界非物质 文化 遗产，这不禁引起了人们对它的关注，同时它的传承与保护也变的尤为重要。通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。 关键词：民间音乐;传统音乐;发展趋势 中华民族有着广阔的疆域，众多的民族，丰厚的文化底蕴，传统音乐这种世代相传、具有民族特色的本土音乐也是我国悠久历史文化的一部分。民间音乐是传统音乐中不可缺少的的部分，民间音乐是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分。 一、中国传统音乐与民间音乐 中国传统音乐指的是中国人运用本民族固有的 方法 ，采取本民族固有形式创造的，具有本民族形态特征的音乐，其中不仅包括在历史上产生的、历代相传至今的古代作品，也包括当代中国人用本民族固有形式创作的，具有本民族固有形态特征的的音乐作品。民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。伍国栋老师对其作如下界定“民间音乐是当今世界各国、各民族传统音乐文化中存见的一部分既古老又现代的音乐文化类型，是创造于人民大众又供人民大众在日常生活中通过口传心承方式来共同操纵、共同享用、共同演绎和共同传承的一种非专业的社会音乐文化产品。”①如此一来更有效地认证了民间音乐的地位。 二、民间音乐的独特价值 民间音乐是人类音乐中最丰富的宝藏，也是世界非物质文化遗产的重要成员，它随着历史进程的发展，是人类历史的见证，具有独特的价值，如人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值。(1)人文价值，是指民间音乐反映的历代各族人民的社会生活、历史事件、生活习俗等人文资料。如在编写地方志时，民间音乐是不可或缺的部分。(2)学术研究价值是指民间音乐自身的发生、发展、演变及其规律，如五声性调式的特点、多声部民歌的研究等都可作为世界上的中国音乐文化符号。(3)审美价值则体现在民间音乐积累了优秀的曲目，它们是以中国人民的审美和要求而流传下来，在流传中千锤百炼、凝聚成为高度艺术感染力的音乐形象，有的催人泪下，有的令人心旷神怡，具有高度审美价值和欣赏价值，是人们精神生活中不可多得的艺术。(4)民间音乐具有音乐创作的素材价值，民间音乐作为民族音乐的基础，曾哺育了历代的文人音乐家和宫廷音乐家;同样也启发了中国新音乐的专业创作和通俗音乐创作。 三、民间音乐的发展趋势及思考 1.民间音乐的传承与保护。“民族音乐文化是民族本质最完美的音乐表现”②。民间音乐不仅是中国传统音乐的瑰宝，更是世界民族文化的骄子，因为它不仅代表着一种艺术，更诠释着一个民族的本质，也是人类精神文化交流的一种媒介。于此，保护和传承民间音乐是我国经济环境下的一项重要的文化策略，而人民也应根据各民族音乐的特点做出适当的保护 措施 ，以便更完整的保留住它的本质。然而民间音乐内容形式的多样化使得保护工作变得困难，它不仅是一种文字或影像上的保护，更是一种无形的深入人们内心的认可与保护。于此，音乐工作者应该注重民间音乐的传承和发展，做好这项艰巨的任务。深入民族地区进行田野考察，立足于国际，各地区各民族等全方位，多角度的学术视角，采取科学的研究和论证。在尊重民族、尊重传统的基础上对民间音乐文化进行传承与发展，是我国更多的民间音乐走向国际化的舞台。 2.民间音乐的传承与发展。民间音乐是中国传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有活力的部分，它在在历史的长河中紧随着人民生活，既延续又演变的流动着。世界上每个国家都有自己的民族和他们独特的音乐文化，也是这种音乐文化代表着当地人们的一种生活环境和精神上的审美。也正因为如此，世界才呈现出多元化，而随着社会全方位的发展，各个国家对自己音乐文化的保护也上升到一个重要的阶段。中国作为一个多民族的国家，有着有着辉煌灿烂的民族文化，民间音乐作为一种丰富多彩的文化，对中国音乐的发展起着极其重要的作用。同时，在国际音乐中，他们也渐渐代表着一种中国独特的音乐形象。“传承发展是延续传统的动力，是传统音乐的生命力。只有建立传承人保护机制和抓好传承措施，中国民族民间音乐作为一种非物质文化遗产，才能随着物质文明和精神文明的不断传承发展而日益繁荣。”③ 四、结语 民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。民间音乐具有独特的人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值，通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。 注释： ①伍国栋.中国民间音乐[M].杭州：浙江 教育 出版社，1995. ②杨立梅.柯达伊教育体系中传统音乐传统的继承与发展[J].中国音乐，2000(01). ③冯光钰.传承发展是对非物质文化遗产———中国传统音乐的最好保护[J].音乐研究.2006(01). 声乐毕业论文范文篇二：《音乐论文发表-音乐游戏》 摘 要：在音乐游戏教学中教学生听辨音乐的音高、节奏、强弱、节拍、速度、情绪等基本要素，并在训练听觉的同时引导他们用身体动作来表现这些要素。使自己的身体与音乐默契配合成为一个整体。 关键词：音乐游戏;音乐教育 一、游戏的定义 拉夫·科斯特：(索尼在线娱乐首席创意官)游戏就是在快乐中学会某种本领的活动。辞海这样描述游戏：以直接获得快感为目的，且必须有主体参与互动的活动。这两个定义说明了游戏的两个最基本特征：(1)以直接获得快感(包括生理和心理的愉悦)为主要目的。(2)主体参与互动。主体参与互动是指主体动作、语言表情等变化与获得快感的刺激方式刺激程度有直接关系。 二、音乐游戏的概述 首先是由音乐作为主导的游戏活动，音乐是一门培养 儿童 创造能力的重要学科，在教学中教师要善于运用各种直观的 教学方法 ，如生动有趣的 唱歌 游戏，律动自编舞蹈表演，加入伴奏乐器等，这些方法的灵活运用是音乐教学当中是直接有效吸引小朋友的办法，让他们在一节课四十分钟内感兴趣，专注聆听和学习的动力。针对小学生儿童的生理特点心理特点，应特别重视设计音乐游戏活动，对发展儿童的音乐 想象力 ，引导有意识的进行创新。儿童往往年龄小，好动的本性比较强，对于音乐学习来说，知识也好，技能也好，整体音乐素质也好，均离不开音乐兴趣与 爱好 这个根本源泉。美国著名音乐教育家穆塞尔和格连在其《学校教学心理学》中写道：“假如我们能在一个孩子身上唤起对音乐的一种强烈的热情，假如我们能把这种兴趣延长若干年并且缓步地把它提到更高水平的话，那么，即使他永远成不了一个技艺名家，他也将通过音乐找到他的个人幸福…….这是音乐教育的主要任务。” 三、奥尔夫音乐教育的特点 1.以人为本，突出音乐教育人性化。奥尔夫的音乐教育是以学生为中心、一学生的发展为本的，可以这样说，在奥尔夫音乐课堂上，学生在真正意义上“走进了音乐”。这种音乐与他们的生活息息相关，并能充分表达自我的情绪情感，体现出人文关爱。 2.在“做”中学，突出音乐教育游戏化。教育学家罗杰斯提出了活动学习理论，即有意义的学习都是在“做”中进行的，在做的过程中，新旧知识逐渐形成了自然地本质联系。对于年级较小的学生更是如此，以他们理解，“做”就是玩，就是游戏。高尔基说“儿童通过游戏，非常简单，非常容易的去认识周围的世界”。儿童他们的兴趣还不稳定，因此当他们从事某一项活动时，一遇到外界的一些干扰，就容易发声兴趣转移，但是，他们为不会变的兴趣是游戏。只要我们在音乐环节中加入游戏，加入合理儿童感兴趣的活动，他们就会专注，有兴趣去了解音乐带给他们的欢乐。德国音乐教育家奥尔夫主张，儿童音乐教育应该从孩子的生活天地里取材，让孩子在玩乐中学习音乐。音乐游戏具备了将音乐听觉表象体现在行动之中的功能。让儿童从音乐中来——感受音乐(听音乐)：到音乐中去(音乐游戏)：再回到音乐中去——达到音乐教学的目的(掌握音乐)。 四、游戏在儿童课堂中的实践 1.音乐游戏在音乐教育中具有承上启下的作用。课堂中的每一段引言、每一项教学活动，每一个音乐游戏都要有连贯性。有些课例我们可以通过这样去做的：通过用身体姿势创造形成各种图形，培养群体协作能力。 老师：我今天给大家出一道难题，你们会写阿拉伯数字吗? 学生：当然我们上幼儿园时就会写了。 老师：那你们会用身体写吗? 学生：……… 老师：你们现在笔直的站起来，就是一个“1”字，你们还可以躺在地上用身体摆出阿拉伯数字1—9来。现在你们讨论一下，看看怎么摆又准确又有创意。当学生遇到困难时，比如摆不出“2”的造型时，教师应该给与必要的提示，可以两三个同学合作完成这个造型。 让学生一同商议如何合作摆出图形，其他组可以评价哪些地方有创造性，哪些地方还不够准确，应如何改进。如果学生顺利完成任务，教师可以进一步加大游戏难度，在黑板上画出各种教学需要的图形，用打击乐器进行声音造型。当学生掌握声音造型的基本方法后，启发学生以组为单位，从生活中提炼可以用声音表达的图形。先将图形画出来，再用各种方法创造声音造型。 2.教师在音乐游戏中起贯穿作用。教师在运用游戏激趣法时必须注意四点：第一、游戏目的要明确。第二、游戏的规则要叙述清楚。第三、游戏纪律要张弛得当。第四、游戏道具提前准备，这样才能让游戏真正成为课堂中的“闪亮点”和“兴奋点”。点燃学生心中的音乐火花。另外，在运用游戏时除了向学生讲清楚游戏的规则和注意事项外，还要求儿童必须遵守规则，服从教师的指挥，掌握游戏的步骤和方法，如有歌曲的游戏一定要唱好歌曲，训练音准的游戏一定认真聆听琴声等，否则就会妨碍游戏的进行。 总之音乐游戏是一项很好的音乐实践活动。希望大家重视它的价值，走出自己教学中的一些教学误区，充分发挥音乐游戏教学的巨大作用。不仅要挖掘音乐教材中美的各种因素，而且还要善于启发诱导学生以美执行，使他们在学校美育教育活动的实践中，自己去认识美，体验美，掌握美、表现美、创造美。 声乐毕业论文范文篇三：《高校声乐教师如何提高声乐教学效率》 摘要：声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，教师要掌握科学的 发声方法 、全面的文学以及音乐素养，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。 关键词：声乐 高校声乐教师 教学效率 “音乐是人生最大的快乐，音乐是生活中的一股清泉，音乐是陶冶性情的熔炉。”这是我国著名的音乐家冼星海的 名言 。音乐是一种情感的艺术，而在音乐艺术中，最古老而又最受欢迎的音乐形式当属声乐，它能够具体的表达出演唱者的感情，引起欣赏者的共鸣，是一门传情的艺术。声乐教学是一门较为复杂的技能技巧课，需要长期的训练、实践才能看到效果，不是一蹶而就的课程。更不是一门简单的学科，需要在长期的训练中，掌握其中的方法，并且坚持进行反复的练习、深入的研究，才能够逐渐熟练地掌握演唱的方法及规律，达到较为理想的演唱效果。当前高校声乐教师肩负着提高声乐教学效率的重担，因此仅仅是掌握科学的发声方法、全面的文学以及音乐素养是不够的，还要精通教学之道并善于研究声乐教学的规律，才能够在高校声乐教学中取得良好的教学效果。 高校现行声乐教学中有存在着不少问题，如教学效率低、学生成才速度慢、学生声乐水平停滞不前以及学生声乐水平倒退甚至会有导致学生坏嗓的教学失误。而导致这些教学失误的原因主要有：部分高校声乐教师不能真正掌握歌唱艺术真谛、缺乏正确的歌唱艺术观念，无法正确引导学生进行声乐学习;很多高校声乐教师不懂得遵循声乐教学心理，没有很好的行之有效的教学方法及训练手段;学习声乐要有好的嗓音条件以及较强的乐感和良好的心理品质，而部分学生并不具备这些条件。因此，要正视现状并且结合高校学生的年龄特点，着重研究和提高声乐教学的方法及效率，提高高校声乐教学效果。 1.高校声乐教师要不断提高自身素质 一名专业的高校声乐教师应具备较强的专业技能水平，使学生信服于自己的专业素质，充分调动起学生学习声乐的兴趣。因此在声乐教学的过程中，就要求声乐教师要不断地提高自身素质，并且不断更新教学观念、改革教学方法，提升教学魅力，做一名德才兼备、“技”“艺”兼通、教研相融的声乐教师。 2.高校声乐教师应具备良好的乐感与文化艺术修养 要增加自己歌唱的自信、放飞自己的歌声，更好地表达歌曲的内涵就要有良好的音乐感觉。好的演唱是建立在科学的发声技巧、丰富的情感体验以及浓厚的文化底蕴的基础上的。作为高校声乐教师只有具备了良好的乐感以及全面的文化艺术修养，才能使技艺完美结合，更好地表达优秀的声乐艺术作品，才能够为祖国培养出更多优秀的声乐演唱艺术人才。 3.高校声乐教师应具备较强的声乐演唱能力和范唱能力 教学注重言传身教，而声乐教学尤其如此。只有具有较高声乐演唱水平及较好的范唱能力的教师才能在声乐教学中起到很好的言传身教的作用。声乐教学中最为直观的教学方式方法就是范唱，它可以通过直接的耳濡目染激发学生的学习兴趣，提高学生对歌曲的理解以及艺术表现能力，通过聆听教师的范唱学生还可以直接模仿教师的歌唱方法。而不具备良好舞台演唱及范唱能力的声乐教师，只是讲解理论，不管讲得多好，但是如果缺乏技能的实践操作，还是不能够使学生很好的理解，这样的教学就不能够起到应有的作用，可以说是失败的教学。声乐是一门复杂的技巧技能课程，不具备范唱能力的声乐教师会使学生学习起来感觉到迷茫，而一些教师的错误的范唱，就是误人子弟了。 4.高校声乐教学应遵循教学规律 高校声乐教师应遵循循序渐进得教学规律来进行教学活动。有浅入深、由易到难、由简到繁地进行教学，是学生循序渐进地掌握所学到的知识与技能。声乐教师在教学过程中要目的明确，每一堂课都必须做到能承上启下和前后呼应：当天所教授的内容与要求，应作为第二天所讲授内容的基础;而第二天的教学内容与要求，又是当天所教授内容的延伸与发展。 5.高校声乐教师要科学的组织课堂教学 水平不同的声乐教师就会带来不同的课堂效果。教师要科学有效地组织课堂教学：首先要熟悉教学大纲和教材并且掌握每一节课的训练意义及方法，对每一节课的每一个环节，例如练声、歌曲、节奏、停顿、高潮等做好周密的考虑和设计;其次要明确每一节课的训练目的和意义，确定达到这一目的的手段。 ① 教学过程要彰显民族化及个性化 声乐教师应不能用高高在上的威严姿态来面对学生，而应以民主平等的态度来跟学生进行心理上的交流，建立起民主的师生关系;以平等的、合作者的态度来创造课堂上轻松和谐的教学氛围，建立起课堂上的民主气氛。只有这样才能培养学生良好的歌唱情绪，在轻松的心理状态下歌唱。歌唱是一种二度创作的过程，学生的性格、文化素养以及理解能力和嗓音条件不同，就会有不同的演唱个性以及审美个性，声乐教师应充分尊重学生的审美个性，维护学生的主体地位，鼓励学生个性化处理。 ② 运用现代化的教学 传统的声乐教学几乎是凭借教师个人 经验 和感觉，教学效果不是很理想。现在可以引进现代化的科学技术，尽量减少主观因素，使教学更加直观。使用多媒体电脑和数字音频卡(或者能够录音的声卡)及音频软件，在声乐教学中利用数字化技术对声音的波形进行分析，使声音能够看得见，使声乐教学直观化。学生还可以在老师的指导下，以自己的声音为参照切实感受声乐学习中的点滴，比如声音的位置、咬字及音准等。教师还可以把上课的情况进行录音录像，让学生在课后观看练习，使课堂教学延伸到课外，提高学生的自主学习能力，从而提高声乐课的教学效率。 参考文献： [1]王岱超，胡郁青.如何提高高师声乐集体课的教学效果.西华师范大学学报(哲学社会科学版)，2005年.第4期. [2]蒋娟全.高师声乐集体课教学探讨.湖南科技学院学报，2008年.第10期. [3]陈晓鹏.浅谈高校声乐课的有效教学.佳木斯大学社会科学学报，2000年.第4期. 猜你喜欢： 1. 音乐学院声乐系毕业论文范例 2. 音乐系毕业论文题目 3. 音乐学院本科毕业论文范例 4. 音乐声乐教学毕业论文 5. 大学音乐论文的范文
人类赖以生存的不可缺少的重要条件是“呼吸”。在歌唱艺术中，它更是一个重要环节，它是歌唱的动力源泉，人体的这种功能，从本质上及生理上来说，在歌唱和在说话时是完全一样的，但在运用上两者存在着很大的差别，说话时人不需要考虑在什么时间，用什么方法进行呼吸，气息的进出量，可多可少，因为他有充分的机会呼吸，没必要考虑要把气息吸到哪里，也没必要把气息固定在一个位置以支持一个特定的长度和强度的声音上，换气的速度也没有限制，总之，是随意和自由的。歌唱的情况则不同，歌唱者要求有意识地去吸气，保持把所吸入的气息分配在要发出的一定数量的声音上，而每个音都要有特定的高度、长度、强度。唱一首歌曲时，歌唱者只能在休止的时候和歌词、乐句等情况下，才可以进行换气，总之，是有意识，有准备，有计划的。 歌唱需要气息，那是不是气吸得越多越好呢？不知你是否有过这样的体验：由于担心气不够用，就吸进大量的空气，结果还是觉得气不够用，而且唱起来觉得憋得很难受。这是因为气吸得过多过满时，呼吸肌受肉群用力过多，造成肌肉疆持的缘故，也就是气息吸得过多，会影响歌唱的正常运动。那么，吸出多少气才合适呢？当然这是一个无法用数字来回答的问题，而只有通过歌唱者的感觉来“计算”。就是说，歌唱呼吸是一个兴奋而放松的循环过程，在我国悠久的民族声乐艺术的历史长河中，就非常重视呼吸在歌唱中的重要作用，在唐代安节《乐府杂录》中说：“善歌者，必先调其气”还有宋朝张炎在《词原》中说：“忙中取其气急不乱，停声告伯慢不断！好处大取气流连，则少入转换。”也有人说：“唱在气上，而不是用气去唱；气息是经过喉咙发声，而不是在喉咙里发声；声音坐在气上，而不是坐在声带上。”在这个问题上，前人们不但在理论上加上阐明和研究，而且在实践中结累了丰富的宝贵经验，且取得了卓著的成效，总而言之，气息在歌唱中的作用之大，下面有几种吸气方法的学习，可体会正确的歌唱吸气： （1）、叹气式吸气； 我们都知道，叹气在日常生活中是很普通的现象，它是放松的也是向下的，它有利于吸气肌肉群的放松，以便更好的吸气，具体做法是先叹后吸，你心中主要想着叹气，而不是吸气，当气息随着“叹”被排出后，也就是吸气肌肉群的工作做完了，接着吸气肌肉群就开始工作——叹气，这个循环是自动完成的。如果你脑子里想的是吸气，就会使你的吸气肌肉群总处于一种工作状态，无法放松，气息也就难以正常的被吸入，应该注意的是叹到哪里就吸到哪里，而不要人为的强制性的动作，唱的过程中要保持叹气的感觉，每个乐句都要这样保持，形成良好的呼吸循环。 （2）、惊讶式吸气 惊讶式吸气就是利用人在惊讶时，生理作出的快速反映，达到快速吸气的目的，这种吸气既吸得快又吸得深，它能使呼吸肌肉群在瞬间完成收缩与放松的循环，能锻炼呼吸器官的快速灵活性，这种吸气称为“喘气”。表现悲愤和激昂情绪效果较好。 （3）、闻花式吸气； 这种吸气方法容易吸得深，而且没有叹气的抽气声和多余的动作，也较容易体会和掌握。闻花时，因花香使人的心情特别愉快，在辨别花香时又特别要求认真和用心，上身完全放松又兴奋的感觉，具休吸气时是：上身完全放松，腰很舒服地向外松垮下来，随即胸部也有抒张感，体内空间增大，使气息自己很自然地流进去，这样的吸气既松畅又适度，有一种兴奋，通畅的感觉，用这种吸气的感觉来歌唱，气息畅通，声音圆润，闻花式可开口，也可闭口，闭口时嘴不能闭得太紧，太紧了会影响进气的速度和灵活性，单纯练习吸气时，可采用闭口息气，歌唱时最好是自然张嘴与鼻子同时吸气为佳。总之不论是闭口还是开口与鼻子同时吸气，最关键的是要体会气息流入体内时的感觉。 以上三种吸气方法的学习和掌握，一方面可以通过做一些单纯性的练习，如快吸快呼，快吸慢呼，慢吸快呼的练习；另一方面就是在演唱中去练习，这是主要的练习方法，因为纯生理性的吸气动作不与歌唱结合起来，那么歌唱中所需要的那种深、松吸气就无法得到，也就是说，歌唱良好的吸气只有在歌唱实践中才能获得。 另外，还有一些根据歌曲情绪需要的吸气方法——歌唱中的气息保持和运用，唱歌的人都曾有这样的体会：歌唱中经常感到气短，气不够用，越唱越憋，很吃力。这与不会运用气息和保持吸气状态歌唱有关，虽然吸气吸得很深，但一唱起歌来，气息很快就浮上来了，或是很快就跑光了，应该如何保持和运用吸入的气息呢？ （1）、歌唱中要保持吸气状态： 吸完气后，有一个瞬间的停顿，这是吸气后，用气前一个自然的短暂停顿，这个停顿造成了吸气和用气二股力量的对抗，用气时要尽量利用这种对抗力。它不仅可以保持这种气息的深度，还能使歌唱时气息均匀、流畅、持久。这种对抗实际上是一种吸气好了的保持状态。这只是一种感觉，其实谁也不能在唱的过程中还能吸进气来，但是就用这种感觉便可以达到保持气息稳定的目的。这种状态能保证声音位置和气息的平衡，还能使气息保持一定的深度和畅能无阻，在演唱过程中，首先从无声练习开始，吸完气后，把舌尖轻轻触下门齿、发出“丝丝”声，一口气吐的时间越长越好，要求呼吸的气息要均匀，平稳和慢，让“丝丝”声强度一样，不可忽强忽弱，呼气越慢越长，就越能体会到呼与吸的对抗作用，传统声乐有一种吹蜡烛的方法。将一根点燃的蜡烛置于前面，吹蜡烛时，不许将蜡烛吹灭。要求慢慢把蜡烛火苗吹向一个方向，且火苗要平稳，摆动幅度不能大，练习后，如果自己的后腰和腹部有酸痛的感觉，说明你找到了呼气时对抗或说是控制的正确感觉。 （2）、歌唱中保持叹气状态： 歌唱中容易出现的气息不够用和憋气现象，除了与吸气状态保持不住有关，还有一点就是与气息不放松有关。歌唱中气息需要被控制，以保持气息通畅持久的使用，但如果气息被过份的控制，则会引起呼吸气官，呼吸肌肉群僵便，不灵活，导致气息无法畅通，难以持久。那怎样才能做到吸入的气息即能保持又不僵硬呢？最好的办法就是放松和叹气，这里所说的放松是对过份僵持而言的。叹气是指用吸气的感觉，而不是把体内的气全部呼出去。叹气动作是我们生活中的习惯动作，人人都会做，而且比较容易找到放松的感觉。在积极兴奋的气息保持中，不可忽略用叹气的感觉来歌唱，这样，气息不仅有深度，也自然，放松，流畅。在使用吸气状态进行歌唱时，要注意声音不能脱离呼吸，否则就会气声脱节，难以保持住呼吸了。也就是演唱中的叹气状态是和保持吸气状态同时存在的，哪一方都不能缺。保持叹气状态歌唱时，如果你感觉腰腹部膨张而不僵，胸部扩张而不憋，气息有控制的流出，这时，你就算是找到感觉了。 综上所述，我们知道，歌唱的呼吸与气息控制的正确运用，是多方面的，它不是孤立的，单独存在的，它涉及到全部发声器官的机能状态和全部的歌唱技巧。我们在实际学习中，决不能把呼吸孤立起来练习，我们对呼吸的要求，最终是把呼吸、发声、气息的保持紧密结合起来，以达到尽善尽美的歌唱这一目的，在具体的学习达程中，根据每个人各方面的差异，需要做更具体，细致的工作，勤奋努力，不断实践，探索出一条适合自己的声乐道路。