水彩论文研究方向

1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。5、论文正文：（1）引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义, 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、 论证过程和结论。主体部分包括以下内容：a.提出-论点；b.分析问题-论据和论证；c.解决问题-论证与步骤；d.结论。6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：（1）所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。（2）所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。

一般谈技巧咯

我也要写啊 你写好了没

论谈水彩风景写生作为色彩教学中的水彩风景写生，是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察，在研究绘画基本规律的同时，理解水彩画这一包含丰富技法的画种，有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色，树立起自己的审美意识，探寻自己的艺术表现形式（水彩语言）表达出自己的艺术个性。 通过多年的水彩风景写生和教学实践，以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节，并相互紧密联系，构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中，首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术，是要把繁杂、百变的自然景看成一幅画。由此，要有从局部看到一个大画面的能力，尽可能地掌握主动性，树立整体的作画意识，并忠实于自然。其次是要善于发现，要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中，从所关注的自然物象的结构、形态入手，从中寻找点、线、面的构成规律。如：建筑物的空间构成关系，树木枝叶的线面关系，天、地、物的形状构成及色彩构成，从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成，最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的，具有诱人的美，使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握，特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素，从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此，对光影与色彩瞬间的定格，也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力，也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度，依赖于画者表现技术（技法）的熟练程度。 表现是水彩风景写生的第二个环节。要把头脑中的画面景象表现出来，就必须通过一定的表现技法，水彩风景写生作为一门色彩写生离不开色彩与材料学原理，离不开表现技法。写生者首先要对所描绘的自然物象的色彩构成元素进行分解研究。对比分析每一块色彩的特点和不同的作用，找出所要描绘的自然物象的色彩对比、明暗对比、补色对比、饱和度对比、面积对比和基本色调等，确立丰富多变的各种色彩组合秩序。这其中的色彩组合秩序包括：色相、明度、纯度及特定色调的构成，控制各色彩区域变化和统一的秩序。在这一过程中主要要求写生者发挥主观特性的自由，以使画面色彩关系呈现出更高或更美的境界。物质材料是色彩表现的基础，不同的特性的材料工具会产生不同的技法。水彩风景写生所采用的工具材料具有相对的特殊性能，它不同于水粉、油画的工具材料，对画纸、颜料、画笔、水辅助材料与工具的性能要有一个全面的了解与掌握，并能从中找出特点，优势，克服材料工具的局限和弱点，才能把所见充分表现出来。针对不同的感受，选择适当的表现方法和技法，确定表现的基本次序和步骤，这是风景写生中的关键。水彩画作画的程序和步骤是决定作品成败的关键。因此要把水彩画的程序性与风景写生的程序性完美地结合起来，并针对具体的写生自然物象进行适当的调整，力求稳步、准确、快速地使用设想的方法、步骤表现自然物象。在具体的表现技法中，必须注意笔触与形体边缘线的处理，色层之间的相互叠加、笔触的干湿、色彩干湿之间的相互结合与浸润、笔与纸之间所产生的肌理等与表现物象的色彩变化、肌理特征的神似。多采用简单、便捷的表现方法表现自然物象的主要特征和神韵。同时要在表现中强调主观表现与客观再现的相互结合，客观再现为主，主观表现为辅，只是简单的形色关系再现的写生作品难以达到艺术表现的境界。 水彩风景写生从某种意义上讲，也是情感的表达与交流，是水彩风景写生的第三个环节。这里所说的情感指审美情感，是作为一种艺术形式或表现画者对客观世界的感受，抒发自己的情感，这也是水彩风景写生的最终目的。写生过程中情感源于自然物象，蕴集于画者胸中，流注于笔锋，凝结于水彩纸面。因此，水彩风景写生从开始到最后完成实际是一个运笔的过程，而笔触是传达情感的最重要的语言词汇，它构成写生作品的神韵。一幅风景写生作品的完成是画者感情投入和劳动的产物，它要求画者面对大自然作画时有整体意识的同时还要有真情实感，有感而发，使写生成为画者心灵深处诚挚情感的倾吐。康斯泰勃尔的纯真朴实，透纳的雄浑奇异，凡高的跳动狂热，柯罗的恬静温柔，印象派的热情奔放，无不表现出画家对大自然的情感内涵。画者的审美情感决定写生作品最终的艺术情趣与格调。在水彩风景写生中，情感贯穿于观察表现之中，流淌于整个写生过程。 情感来自于观察，亦影响画者的观察，它决定画者的表现，亦受制于画者的表现。

我有个朋友叫黄珂，是个有名的画家，写了《素描概论（述）》，是论还是述记不太清了！有不少教授去偷他的论文，结果上了法庭，每个教授给罚了10万元。网上都可以查到那档事啊！小心到时名利都没了。

特别水彩风景写生，应首先画天空，因为天空的色彩与云雾，是瞬间万变的，有的还须用记忆才能捕捉住，若稍一迟疑，就会时过境迁，只好望天兴叹了。又因为天空的色彩，直接反映在景物上，是构成画面色彩基调的重要组成因素之一，如早、晚的霞光和碧蓝的天空色彩对景物色调的影响是多么强烈与不同。再是因景物中参差不齐的树枝等画上去后，再去补天空，那就费力不讨好了。再由于天地交界处便是远景，远景较虚，色彩与天空相近，正适宜于在画天的色彩将干末干时画远景，易取得协调与深远感。当然，如果景物较整体，天空色彩影响不大，又急须抢抓景物的明暗节奏与时光色彩，那么先画景物后画天也无妨。这就要灵活掌握。1、由远到近，分部进行法水彩风景画，多从远到近、从浅到深、从虚到实进行渲染、描绘，这样容易掌握干湿与色彩和明暗层次，色阶的衔接过渡较自己然、柔和，对初学者也更便于掌握。不过，须注意掌握时间，否则前后时间差太大，色调与明暗就来统一，容易失调。特别早晚的景，日出日没，首先要定下明与暗色光对比和位置，不然就难于准确表现特定的效果。这种分部进行法，不能看一点画一点，须有整体观念，切勿孤立地抠局部，要尽量缩短“时光色彩”的差距，并加强色彩记忆，以便于补充与调整。2、由近及远，层次推移法在有些特殊情况下，如时间极为勿促，或早晚橙红色的阳光照射在险峻的绝壁与古刹上，出现一种神秘而绝妙的色彩与构图，那当然即应挥笔捉住这瞬间即逝的景象，首先定下光感与色彩在景物上的位置、对比强度及冷暖关系，而后调整形体，再从中景到远景、天空，这样反推移完成。很明显，这方法带有强烈的速写性，也须有一定绘画基础之后，才掌握得住。而这种或其他随心所欲的方法、对抢镜头、抓色彩，是势所必行的，否则按步就班地画过来，偶现的景观就早已景象全非了。3、全面铺开，统筹兼顾法这种画法，是先求“共性”，后求形象，要求有很强的整体观念和预见能力；在进行中，看起来画面有些零乱，实则步骤性是最强、最科学，是须有一定能力和经验才能掌握的。所谓先求“共性”，就是由浅到深地先抓基本调子（包括由浅到深的明暗关系与色彩倾向），即首先用浅色铺出受光面的最亮部分，留出高光，然后用最具有画面调子倾向的浅色由亮到暗，即由高光、亮部、次亮部、次暗部、暗部、最暗，再由浅到深，即次暗、次亮、亮部。又如色彩由淡黄、中黄、桔黄、桔红、大红、紫红、青莲......这样循环推移，直到取得统一而丰富，表现出协调而有节奏的色彩与明暗关系为止。这样，画面的大体关系就基本完成了。所谓后求形象，是避免一开始就把注意力放到具体的形体结构细部上而冲淡了对色彩的观察与感受，这首先要求集中精力把最突出的色彩感受，用最果断的笔法全面铺开，把握瞬间的微妙色彩效果后，然后才在这色调与节奏的统一下，具体地刻划出主要景物的形体结构与形象特征，最后再经调整而完成。这种画法要求有一定的基础和画前须胸有成竹，又要有灵活机动的顺应与驾驭色彩变化的能力，和预见到画面深入的效果与难度。否则，在画途中散神失态，丢掉了主宰和信心，就可能半途而废。水彩画练习中最常见的弊病与纠正水彩画练习中最常见的弊病与纠正水彩画物质材料的特性，决定了水彩画区别于其他画种的独特表现技法和审美趣味。在教学中，指导学生纠正与克服水彩作画过程中出现的种种弊端，是学习色彩知识，掌握水彩画表现技巧的重要环节。弊病之一：脏。水彩的特性决定了其“干净”的本质，而污浊的色彩产生出黯然不洁的画面，便会失去水彩画中最动人之处。“脏”是水彩画常见的毛病，其产生原因：①色彩的冷暖、纯度关系不明确，缺乏对比；②乱用黑色，造成色彩污浊；③用笔过度扫、刷、擦，着水色遍数过多。纠正“脏”的弊病，首先要避免对比色、补色颜料的等量相调。其次，要谨慎使用黑色或将低纯度、低明度的色彩渗透到高纯度、高明度的色块里。需要特别指出的是，通过色彩调配产生的黑色，不仅有明确的色彩倾向，而且与其他色彩相调时，可有效避免“脏”的感觉。另外，作画用笔用色要准确肯定，尽量避免过多的重叠、洗、刷、修改，否则，容易失去水彩画滋润透明的特色而色彩混浊。弊病之二：灰。一幅“灰”的水彩画会使人索然无味。画面“灰”的主要原因一是色彩明度对比太弱、缺少浓重、有重量感的色彩；二是色彩纯度对比不够，缺少明快、纯度亮的色彩。因此，解决“灰”的问题就应从素描和色彩两方面入手。自然界中的物体，会因其所处空间位置的不同，固有色深浅的差异及受到光线、空气等因素影响而产生色彩明度、冷暖和纯度等关系的变化。一般来讲，一幅画面中近处的物体实而具体、明暗对比强烈、色彩鲜艳偏暖；远处的物体相对虚而模糊、明暗对比较弱、色彩偏灰偏冷。培养正确的观察、认识方法，增强敏锐的色彩感受能力，掌握色彩变化规律，处理好表达对象的明暗、主次、虚实、冷暖、纯度这几个关系，是克服画面“灰”的根本所在。弊病之三：花。主次不分，色彩杂乱，各自为政，缺乏整体性是“花”的弊病产生的主要原因。面对自然景物，作者要依据画面主题的需要，大胆进行取舍、概括和提炼，删掉一些与主题无关的细节，使画面宾主分明，主体突出，这是纠正画面“花”的方法之一。要在画面上形成色彩的主色调，不宜在色相、明度、纯度上局部对比太多、太强，这是纠正“花”的方法之二。另外，画面半干半湿时不要过多重复，也可有效避免运笔留下明显痕迹而产生过多水花笔痕的弊病。弊病之四：焦。透明、亮丽是水彩画的特色之一。颜色稠浓，调色不当，干画法太多是造成画面“焦”的直接原因。以水调色作画是水彩画的基本特征，水的流动、透明、渗化等特性，赋予了水彩画淋漓、润泽、明快的韵味。调色中，除依靠颜色本身的明度调配以外，用水作为媒介颜色溶化、稀释并产生明度、纯度关系的变化，形成水与色、色与色的相互渗化、融合和自然、丰富的色彩效果，是克服色多于水，颜色太浓、太稠，避免画面“焦”的关键一环。水彩颜料中的赭石、熟褐等色，如果与群青、青莲等透明色相调配，用水适当，会产生颜色的沉淀，出现美妙丰富的肌理效果。相反，避免将赭褐等色与其他透明性差的颜色随便混合，又会避免画面色彩的干“焦”之感，所以调色时务必小心，尽量单独使用或在调色上不超过三种颜色。多采用湿画法作画，可以极大地增强画面色彩的透明感，避免“焦”的毛病。另外，慎用土黄、肉色、粉绿等色，也是防止画面失去色彩透明性的重要方面。弊病之五：粉。色彩冷暖倾向不明确是产生画面“粉”的主要原因。以水作为媒介调节色彩的明暗与纯净程序是水彩调色方法之一。要明确和加强色彩的冷暖关系，避免将或冷或暖的色调画成中间灰色。其次，画面色彩较深、较重的地方，也更应明确、肯定其色彩的明度关系，这些都是避免画面“粉气”的有效方法。弊病之六：松。“松”是水彩作画中水分控制不当而直接造成的画面弊病。水彩画创作中，应掌握水的特性及对其灵活运用，水分能决定画面色彩的浓淡、明暗、干湿、枯涩，决定形体的虚、实、硬、柔、聚、散，产生丰富的表现技巧，使画面充满生气与韵味。如果不能熟练地驾驭水，将会使形式俱散，色淡形“烂”，画面“松”散。因此，注意两面干湿，把握好湿时重叠的时间、色中水分的多少，是水彩作画中的重点和难点，也是避免水色泛滥的关键环节。作画时，概括处要大胆心细，一气呵成，细微处层层重叠、明确肯定，富有力度。另外，克服一味追求湿画法的效果也是纠正和避免水彩画“松”散的有效途径。水彩画作业中常见的6种弊病，既有色彩问题，也有技法问题，还有素描问题。有一个共同点是肯定的，那就是：多观察，重感受，找规律，勤实践。1、 干画法和湿画法干画法是一种多层画法。用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。干画法可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。层涂：即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。罩色:实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。某一块色过暖，罩一层冷色改变其冷暖性质。所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此法。接色：干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。枯笔：笔头水少色多，运笔容易出现飞白；用水比较饱满在粗纹纸上快画，也会产生飞白。表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。干画法不能只在“干”字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。湿画法可分湿的重叠和湿的接色两种。湿的重叠：将画纸浸湿或部分刷湿，末干时着色和着色末干时重叠颜色。水分，时间掌握得当，效果自然而圆润。表现雨雾气氛、湿润水汪的情趣是其特长，为某些画种所不及。湿的接色：邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。2、水分的掌握水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。充 分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。时间问题：进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。空气的干湿度:画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。在这种情况下，作画用水宜少；在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。画纸的吸水程度：要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜；描写局部和细节用水适当减少。3、“留空”的方法与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空”的方法。一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。水彩颜料的透明特性决定了这一作画技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空”的技法。恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力；相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。着色之前把要留空之处用铅笔轻轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。在实践中反复练习，就会熟能生巧。4、笔法笔法即用笔的方法。用笔与用水、用色是紧密相关的，作画时每一笔均含水与色，或水多色少，或色多水少，或水色适中。笔在纸上运动会出现笔痕，就是我们通常所说的“笔触”从笔触可以看出作画时的笔法。画纸的粗细，画笔的硬软，运笔的快慢，根据物体的结构，笔法变化多端，有点有线，刚柔渴润，从表现物象的形与色出发，恰当地用笔增强塑造性和画面生动性。水彩画面积较大的涂色，水分的渗化将笔触隐没，趁湿重置色彩笔触感觉含蓄，较干时作画，笔触清晰可见。着色过程中一刻也离不开用笔，越是接近完成用笔越重要，其笔触不再被覆盖，暴露无遗地展现给欣赏者。水彩画颜色的调配有哪几种方法？一般水彩画颜色的调配可采取以下几种：（1）混合法：把不同色相的颜料在色盘中用水调和，可不完全调匀，画到画面上去，使其趁湿混合形成需要的色彩。但必须注意调色种类不宜太多，否则色性和色度会减弱和浑浊，色性冷暖不同；对比色颜色互相调和时，不要等量相调（见图35）。（2）融合法：将颜色在画面上直接调配，使之相互渗透或融合，获得所需的色彩。这种调色比较生动，色彩鲜明，一般适合于画大面积的色块，如天空、背景等。（3）重置法：在画面画上一遍底色后，再在上面加上别的颜色。第一遍颜色可有意识地画暖一些，待干透后使用较冷的颜色轻轻罩上一层，使其冷色中透出一些暖色。也可先画冷色，再罩上一层暖色，根据实际情况而定，这样可使色彩丰富有变化。如画阳光下的天空，为了能表现一定的阳光感和空气感，避免把天空画成单调的蓝色，不妨用用这种方法。画人的皮肤也可用此法。（4）并置法：将不同色相的颜色，经水调和直接运用色点和小色块并置在画面上。整体看时可得出另外的一种色彩，如黄色与蓝色并置，从视觉上可得出绿色。这种方法可使画面色彩更为鲜明、活泼，产生一种闪烁跳动的感觉。