色彩在绘画中的研究意义论文范文

关于油画中色彩的明暗与冷暖运用思考论文

【摘要】作为我国最常见的绘画表现形式，油画凭借着自身的写实性以及艺术性而获得了人们的喜爱，并具有较为广泛的市场前景。事实上，画家在油画创作过程中为了表现自身的情感往往加强了对于色彩明暗以及冷暖的运用。本文基于此，着重论述色彩冷暖、明暗在油画绘制过程中的运用，并就色彩的运用所起到的作用进行了论述，最终为我国油画艺术的发展提供经验借鉴。

【关键词】油画;色彩;明暗;冷暖

画家在进行油画创作的过程中，为了增强画作的对比性并抒发自身的情感，往往加强了对于色彩的冷暖与明暗的合理运用。事实上，色彩的冷暖与明暗往往具有明显的关联性，且其在运用的过程中不仅实现了画作内容的丰富性，还能够体现出画作内在的情感寄托。本文基于此，着重论述画家在油画创作的过程中，如何进行色彩冷暖、明暗的搭配，并就色彩运用所起到的效果进行表述。

一、明确油画主体

在进行油画创作的过程中，为了确保色彩冷暖表现具有多样性，需要画家明确画作主体环境。一般而言，绘画对象的冷暖变化会受到外在因素以及光源照射角度的影响。诸如在白炽灯光的照射下，物体的受光面往往会呈现出冷光色的效果，而背光面则出现偏暖色的色彩效果。基于此，绘画者在进行作品创作时往往需要对光源的'来源以及角度进行预估，从而实现了绘画色彩的正确选择，确保作品的写实性更高。

诸如白墙在太阳光的直射下往往会呈现出偏橙色(黄色)的暖色效果，但是物体的投影部分则呈现出冷紫灰的效果。不仅如此，墙面即使处在相同的阴影，其所表现出的冷灰调仍旧具备多样性。事实上，这种冷调的变化尽管不受画家的主观控制，但是其与绘画者的心理以及生理视觉角度具有较为密切的关联。绘画者在进行油画创作的过程中，不仅需要对色彩的多样性进行把握，还需要确保整个画作的色调保持协调统一。

二、加强对优秀作品创作思想的学习

通过对油画作品进行对比分析不难发现：不同时期、流派的油画作品对色彩的处理方面存在着差异性。为此，绘画者在进行油画创作的过程中需要加强对于各流派以及各时期著名画作的创作思想进行了解以及临摹。

在印象派之前，画家在进行油画创作的过程中往往注重色彩的明暗状况，而对其冷暖色调则较为忽略。以伦勃朗油画作品为例，其在创作的过程中往往借助“光”这一元素抒发自身的情感，并加强了对于色彩明暗、冷暖对比的运用，从而增强了画作的戏剧性。事实上高亮度光线的运用，能够有效地突出作品的主题，并进一步增强了画作的空间感。以其作品《夜巡》为例，其在绘画创作时就借助光线手法突出表现了几个人的身体，并将另外部分的人员安放在阴暗背景之中。这种色彩的明暗对比在一定程度上凸显出了作品中的戏剧性以及深邃性。此外，在该画作中，小姑娘裙子的米黄色、库克上尉军装的黑色，在一定程度上都为整幅画作的平衡性以及过渡性起到了推动作用，并增加了画面色彩的层次感以及多样性。

印象派的出现在很大程度上改变了油画在创作过程中的色彩对比运用。印象派在绘画的过程中更加偏爱对于条件色的运用，注重色彩表现。不仅如此，印象派的画家在作品创作的过程中更加注重绘画与光学关系的研究，并注重运用色彩对比、冷暖、互补等方式进行画面色彩的凸显。

以雷诺阿的油画作品《阳光下的女人体》为例，画家在进行创作时，选用绿色、蓝色进行人体颜色的填充，但是这种有违常规的用色方法却凸显出画作的美观性以及协调性。不仅如此，雷诺阿还借助冷暖色彩的对比使用，从而凸显出阳光的光感，实现了阳光色彩的真实性。

除此之外，在画作中的暗面采用了较多的冷灰色，这一色彩的运用主要是为了凸显出树荫的斑驳。而雷诺阿在阳光的表现上也动了小心思，采用少量的暖色可表现出树叶缝隙下的阳光。事实上，这种鲜明的颜色对比能够凸显出整个画面的趣味性。

总而言之，印象派的出现在很大程度上改变了传统，优化了创作中色彩的明暗对比状况，而更多地关注到色彩冷暖的应用，从而突出了主观色彩感受的主导地位。

三、融入画家独特的个性

在油画创作中，为了确保油画色彩明暗、冷暖的合理运用，画家还需要加强对于自我个性的运用，从而确保画作中的色彩效果能够反映出观者情感。一般而言，油画作品中的冷暖色调能够引导观赏者对画家情感的了解，成为画家表达自我情感的媒介。这种色彩运用的方法实现了主客观的完美结合，故而能够充分展现出画家的情感，引发观赏者的共鸣。

此外，画家的情绪往往与油画的冷暖色存在明确的关系，但是如果画家完全凭借主观进行色彩运用，往往会导致观赏者无法产生共鸣。基于此，画家在色彩明暗、冷暖的运用过程中需要确保色彩的统一以及变化性，确保画面反映出人们的共感，从而帮助观赏者对于油画魅力的欣赏。

四、色彩明暗与冷暖应用的注意事项

为了确保绘画者能够创造出高品质的绘画作品，需要其在油画创造的过程中加强对于色彩明暗以及冷暖方式的运用。此外，为了确保各项作业效率的提升，工作人员需要遵循油画创作的相关事项。关于色彩明暗与冷暖应用于油画的注意事项，笔者进行了相关总结，具体内容如下。

画家在进行油画创作之前，需要对画作的色调进行明确，并对主体、背景的冷暖色彩处理状况进行确定，并选择正确的观察方法。在这一过程中，作业人员需要对绘画对象的整体以及对此物进行观察，并通过对比方法进行判断，合理确定各画面的关系。事实上，物体的色彩往往会受到光源色的影响，故而画家需要对光源色进行分析。一般情况下，在冷色光源的影响下，画作的亮部呈现出冷色，但是其暗部则呈现出暖色，反之则不同。

基于此，在画作处理的过程中需要在固有色考量的前提之下，加强对于环境分析探讨，从而实现了环境色与固有色关系的协调、一致，并凸显出冷暖色调的韵律感I实现整个画面的和蒜裔在这一过程中，绘画人员若无法对光冷暖色进行明确划分，其可以依据两个色彩的强弱程度进行相关的划分作业。一般而言，早晚的日光、火光、灯光等色调都为暖色系，而中 -午的阳光、天光等则属于冷光系列。

结语

为了进一步促进我国油画创作质量的提升，相关的人员需要在实际的作业过程中强调油画色彩的明暗以及冷暖。本文基于此，分析、探讨、明确油画主体，加强对于优秀作品创作思想的学习，融入画家独特的个性，并就色彩明暗与冷暖应用于油画的注意事项进行论述。笔者认为，随着相关措施的落实到位，我国的油曩裂作必将获得长足的发展，并由此促进相关的取得，确保我国的文化艺术事业的长足发展，满足社会居民的文化艺术需求，有助于促进我 。

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摘要 ：线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的

关键词 ：美术欣赏、美术创造、实践

线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系，然而这些能力的形成，又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。而绘画中的色彩，是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样，在漫长的历史时期中，经过历代艺术家的努力和探索，其观念也在不断地发生变化。如今，逼真地再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是绘画中色彩的最终目的，色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。

一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。

线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品;不论是写实，还是装饰;不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中.“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。

二、重点强调中国传统美术中线的作用。

中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品，鲜明、生动、挺拔的线条，描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象，体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，他画中的人物，衣袖飘动，生动异常，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画，画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能.画家用寥寥数笔，把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动，中国画家经过长期的艺术实践，从“文人画”“院体画”到民间画，对线的运用各具风采(在表现物象的同时，还传达出入的情绪)，传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。

三、东西方绘画用线的异同。

由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美;西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析，东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。

在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有厂新的发展和变化，特别是近十几年来，这一点更加突出，如：吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意，线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统，都应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。

“西为中用用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。

四、绘画中色彩的表现方法丰富多彩。

十五世纪上半叶，凡• 爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品，在坚实的造型基础上，加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色，这些色彩，通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的'大色块来进行创作，其色彩已具有一定的主观因素;达• 芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象;西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作，其色调已经超越了物象本身的色彩范畴，达到了一种色彩的抽象概括，其色彩运用，更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求，不受物象色彩的制约，他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调，作品富有现代精神;伦勃朗利用强烈的明暗对照，单纯而强烈的色彩来突出主题，人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光，作品充满了深度。

十九世纪，由于科学的发展，一些有关色彩理论的论述在欧洲问世，这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘，使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念，采用鲜明的色彩来描绘天空、田野，画家们致力于风景画中环境与光线的研究，莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。

艺术探索是无止境的，康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里，色彩还是依附于形体之上，色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中，已见不到传统绘画中的具象物体，色彩已不再依附于任何具体的物象而存在，他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新，而每一次创新，都需要勇气打破条条框框，用全新的视角去重新认识和感应世界，推动艺术的发展。

综上所述，不难看出，色彩艺术在其发展的过程中，没有一成不变的规则，我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识，而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份，全面推进学生的色彩感应力，应成为一个重要课题。