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市博物馆即将举办一个中国画展览会，这个消息让喜爱中国画的老爸高兴得像中了彩票头奖似的手舞足蹈扭起了秧歌。老爸抵挡不住我的软磨硬泡兼死缠烂打，终于松口答应带我一起去。我心里暗笑奸计得逞。
一进展览馆，我就被那一幅幅各具风貌，异彩纷呈的中国画给吸引住了，忙拉着对中国画颇有研究的老爸给我当解说员。
老爸的那一通专业的长编大论我全听进去了，唉，可是胃力不佳消化不了。我一句也没有听懂，却要装出一副听得兴致靡然津津有味的样子，痛苦啊痛苦！我绞尽脑汁想一个合理的理由让我自己去逛一逛。老爸好像洞穿了我的心思似的说：“你先把我说的参透参透，我到那边去看一下，不要乱跑。”我高兴地点了点头。
我接着独自走到一幅《牡丹图》旁边，上看下看左看右看俨然一个专业地鉴
赏师。那幅画上画着一朵美丽的粉红色的牡丹花，它栩栩如生地伫立在枝头，薄如蝉翼的花辫上滚动着一颗晶莹透亮的小水珠，如果现在有一只蜜蜂闯进来的话，它一定会被这无比逼真的牡丹花给。
我又看了《猛虎下山》、《樱花池》、《雨中江南》……每一幅画颜色各异风格不同，其中我最喜欢的是《金鸡报晓》，嘻嘻，因为我也是属鸡的，所谓惺惺相惜嘛。画上那只雄健的公鸡有着油亮的脖子，顶着大大的红冠，身上的羽毛被初升的太阳染成了夺目的金黄色。它昂着头挺着胸，雄赳赳气昂昂的让人仿佛能听见它嘹亮的报晓声。
展览会结束时，我和老爸依依不舍地告别了那些美妙地中国画。虽然我现在对中国画的认识还很肤浅，但我相信终有一天，我会成为一个中国画的专家。我坐在车上对我老爸说：“我会超过你的，咱们走着瞧！”老爸听着怔了怔，露出一个意味深长的笑。
在我家大屋的墙壁上，挂着一幅水墨国画。
它约有1米见方。这是那年我在锡九艺校学画画时，老校长为了鼓励我，亲笔给我画的，我至今都非常喜欢它。
水墨画的画面非常优美。在清晨温柔的阳光照耀下，密密麻麻的绿色紫藤叶中，夹杂着少数被阳光染黄的叶子。
树叶们还轻轻上扬，飘飘欲仙，像是有一阵微风将它们吹起来了。那弯弯曲曲缠绕在一起的藤蔓将一串串叶子串联起来。
那藤蔓不仅仅将叶子们串起来，上面还挂着一串串淡紫色的紫藤花。那紫藤花在绿叶中若隐若现，像是一个个害羞的小姑娘。
我想它们一定很香吧！因为怕虫子来吃它们，所以才让叶子将香味挡住的！紫藤花像是一串串葡萄，从上到下、从大到小的挂在主枝干上。近处的花朵清晰可见，远处的花朵模糊不清，朦朦胧胧的。
在紫藤花的下面飞着四只小麻雀。它们张着棕色的翅膀，像一阵风似的追逐嬉戏。
麻雀们的形态各不相同：落在稍后面的那只麻雀，嘴巴张得大大的，好像在喊前面的小鸟：“等等我们！等等我们！休息一下吧，实在太累了！”最前面的那一只正展翅高飞，已经遨游在蓝天上了，嘴里好像在喊着什么。可能是听到后面的叫声，正在回答：“赶不上我了吧！哈哈，我才是真正的飞翔冠军！”另外的一只，眼睛盯着上面的紫藤花。
好像是飞到这里，被紫藤花的芳香陶醉了，再也飞不动了！而最后面的那一只，展开双翅瞪着飞在最前面的那只麻雀，一副不服气的样子。它似乎没有听到前面的叫喊，一直在独自等待！也许正在等待着其他的鸟儿们吧。
它是不是在想：后面的怎么这么慢呀！还走不走了！真急死我了！要不是怕你们掉队迷路，能让他当冠军吗？我想这几只小麻雀一定是经过了长途跋涉，来到了这一片紫藤花丛，看到这心旷神怡的美景，忘记了一路的疲劳，又恢复了原先的活力。今天，我又细细的欣赏了一遍这幅画，觉得老校长在画上题的诗句真有道理：春风归林木，迟日复山川。
这句诗与这幅画珠联璧合，诗中有画，画中有诗，融为一体，诠释着春的意境：春天来了，万物复苏！春天的太阳照耀着大地，使山川大地都恢复了春的颜色，一派生机盎然。我喜欢这青春的色调。
历史不能忘
记得那是我刚刚康复的时候，孙老师就给我妈打来了电话，说我的“水粉画5级证书”考出来了，也就意味着我可以学国画，就这么迷迷糊糊地，我就与国画打上了交道。
第一章
出于国画的种类繁多，简易不同。老师决定让我工笔于花。虽然那天那个下午，我伴着红嫩的太阳，踩着愉快的节奏，伴着小鸟的歌声。飞快地跑到了教室。但是我却并不喜欢画花，于是DD
老师画，我就看；老师讲，我就听；老师一走，我什么都不会。等到老师要看时，我便乱画一团；高洁的菊花画成了花团，清淡的荷花画成了玫瑰（用色用错了。）只好回去重画，我也就成了没有课间的人。
哎，画吧，谁让咱交了学费的。
第二章
老师见我对花不感兴趣，便又让我画动物，第一天学的是猫。画猫有趣，楼下李爷爷家有一只白猫，我可喜欢了。倘若学会了，还可以给它来个“特写”呢！我便专心致志地学起来，于是DD
我的画意有了长进，人人都夸我。
哎，画吧，原来国画这么有趣！这么实用！
第三章
后来，孙老师走了，又转来了一个新老师，此人仔细看了我的画，便让我画山水。山水？容易吗？
老师并不知道我，而是让我自己去练习，我便渐渐对它产生了兴趣，于是DD
我的课间没了，我自己在认真练习。我在追求更高的成绩，从一张小纸到四尺三开，我越画越觉得它有趣，国画，成了我的必修课。
哎，画吧，它太让我着
范文：飞翔的空间学会预留空间，是艺术的规律，也是人生的规律。
让我们放飞自己，不做温室的花朵，要做苍穹下的雄鹰，勇敢的搏击长空，不顾周围的环境如何不如愿，也不顾寒风的凛冽，那是生命一次次的远航。给自己心灵一个空间，放松的空间，在生命中自然尽情地释放自己，展示自己，释放给蓝天，释放给白云，展示给日月星辰，即使前方的路充满了坎坷，布满了荆棘，也要给自己的心灵一个放松的空间，独自去享受，独自去承担。
给自己一个探索的空间，也许弱小的身躯把握不了自己的命运，那请让我去飞，去创造自己的空间，即使惨败下阵来，我也不后悔。也许经过人生的激烈搏斗后，我会飞的很坚强、很美丽。
给自己一个发现的空间，也许人生的每个阶段都有不同的选择，无论前面的路有多少种，都请让我自己去发现，自己去探索，即使伤痕累累，我也要坚强的往前飞，去寻找一条属于自己的路，给自己一个发现的空间，让自己去发现人生的各种奥秘。给自己一个飞翔的空间，没有泪水的人，他的心灵是干涸的，没有奋斗的人，他的人生是苦涩的，也许生命中的花开花落让我疲惫，但我绝不后悔给自己一个飞翔的空间。
风雨冰雪可能会让我心碎，但我不堪憔悴。在生命的征途中，我会留下我坚强的足迹，终有一天，那些勇敢、坚强和懈的奋斗，会成为一朵最美丽的花，盛开在飞翔的天空，留在那个飞翔的空间。
给自己一个飞翔的空间，让自己有勇气奔向浩瀚的大海。心灵空间，探索空间、发现空间……都是供我飞翔的空间，有了这些空间，才会让平凡的人生变得更有价值，更丰富多彩，更加浪漫，更加富有诗情画意。
给自己一个飞翔的空间，在那里，我可以忘我的飞翔，我可以探索出人生的真谛。飞翔的空间，是自己翱翔的天堂。
略。
国画的美感与欣赏
对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否看懂，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲故事的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助文学性的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。 但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以像或不像来衡量的。 就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。 那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其神韵，或者神似，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或形似。内行人的这种抓神韵的欣赏方法当然是抓住了实质，因为神韵就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。 当然，一般的人要从画中去体验到一种神韵却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种感觉。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。 但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。 审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。 我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。 到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。青少年朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。
缕缕墨香萦绕在心灵深处，绚丽的色彩渲染在宣纸表面，一枚精致的印章映入眼帘，水杯中的水折射出了细微描绘的身影……国画作品，高悬在墙面，这便是我喜爱的兴趣。
自打四年级起，我颤抖着双手跨入国画的门槛，听着老师的教导指示。可我活泼顽皮好动的天性总会让一张洁白的宣纸洒满墨水；一幅精美的作品论为败笔。
老师也曾告诉过我的母亲：“你的女儿学不好国画的，她太不安静了……恬静的课堂总会变成一锅粥……”母亲从未放弃过，她永远在激励着我。直至我描绘着蕴涵爱的国画。
再也不会搅乱课堂，取而代之的是稳重与耐心。我对国画的兴趣也走上了一条喜爱之路。
从那以后，我牢记住了了这份爱，由不羁变为了热爱。岁月吹拂起零乱的作品，我对画国画的兴趣也日益增加。
闲瑕时，我会情不自禁地毛笔写意眼前的山水；空闲时，时而提起笔勾勒出精美的线条；无聊时，用颜色渲染着面前的白纸；我会灵活地将国画化为一个美仑美奂的世界，将我对它倾心的喜爱绘入精致的工笔，豪放的写意。金光四溅，我迎来了省级国画比赛。
鼓起勇气参加了比赛。老师一次又一次地告诉我“要将墨的浓淡调好。”
母亲总会为我送来一杯温热的牛奶。但我的心里明白：我并不是为了得奖而比赛，为了那虚无的荣誉。
不因为别的，只因为国画它是我的挚爱，是我最喜爱的爱好……腰弯得痛，手累的酸。可我永远都会坚持着，它是我的兴趣，任何苦难也不能磨灭！数日后，作品交了上去，那一幅美丽的山水，被纳入了获奖作品中。
静静观望着那柔美的线条，我会心的笑了。你是我的兴趣，线条中洋溢着努力的汗水，包孕着母亲对我的爱！又一次站在桌前，品位着为完工的作品。
我不会放弃努力，更不会放下这一份爱好。失败，只不过是妖魔在考验我的坚贞；未完工，只不过是要浇灌更多的辛勤。
国画，是我喜爱的兴趣，也陶冶了我自己。画国画，永远是我最喜爱的兴趣。
【写作例文】乐观地生活有个谜语：你对它笑，它就对你笑；你对它哭，它就对你哭。
这是什么？人们都猜：这是镜子！我却认为：这是生活。不是吗？愁眉苦脸地看生活，生活肯定愁眉不展；开朗乐观地看生活，生活肯定阳光灿烂！心中没有阳光的人，势必难以发现阳光的灿烂；心中没有花香的人，也势必难以发现花朵的明媚！现代心理学认为：人生的追求是一种求得成功的乐观动机。
它是人们对自己所认为重要的或有价值的活动去从事、去完成，并欲达到某种理想境界的一种内在推动力。它能促使人在相关的活动中奋发努力，勇往直前。
正是有了这种乐观力量，才会有那么多可歌可泣的人生传奇。倘若失去了这种乐观力量，人在现实面前则会变为生活单纯的奴隶，而这样的人生必然是一场充斥着颓废和失败的悲剧。
曾听说过一个真实的故事。那一年，国画大师黄永玉带着他的画作来到北京，他住在示新巷“芥末”故居。
那是怎样的一间房子，不但陈旧，蛛丝网结，而且四壁连一扇窗户也没有，沉闷与压抑可想而知。但是黄永玉没有厌弃这间小屋。
他环顾四壁，哈哈一笑，拿出一张洁白的画纸，贴在墙上，然后信手在上面画了一扇窗户，栩栩如生，小屋顿显生机。这个世界就是如此的有趣，许多时候，上帝就是这样捉弄世人，他会给我们一间没有窗户的屋子。
但是这又有什么关系呢？我们完全可以画一扇窗户给自己，放进希望的阳光，照亮生命。有些时候，上帝给了我们黑暗的际遇，但是并没有剥夺我们追求光明的权利；上帝给了我们坎坷的遭遇，但是并没有剥夺我们快乐的心境。
要知道，上帝给谁的都不会太多，最重要的是我们不能向命运低头，而是要学会在没有路的地方踏出一条路来，在没有水的地方掘一口深井出来，这样，就可以汲取到甘洌的清泉，滋润生命，浇灌庄园，在贫瘠的土地上营造自己的绿洲。画一扇窗给自己，不是画饼充饥，自欺欺人。
有了这样一扇窗，人就有了生活的希望、生活的信心和生活的勇气。要知道，只要不泄气，就没有什么能将我们抛弃；只要肯努力，就一定会有花好月圆的那一天。
如何看待生活，的确与人的主观世界有关。惟有精神不倒乐观地生活着，才会有真正的、最后的成功，也才能拥有富于价值的人生。
试题分析：这是一道新材料作文题。材料讲述的是这样一件事：一间有压抑、憋闷感的房子，在由画家画了一逼真的窗户后，竟然立刻显得无比生动。
对于这件事，既可从窗子作用（重在比喻义）的角度立意，也可从小事的大影响的角度立意，当然还可从笑对困难等角度立意。
我的房间里有一幅山水画。
它是舅舅送我的。听说这是一幅获奖画，作者把它送给舅舅，舅舅又把它转送给我。
这幅画较大，大概两张桌长，一桌宽吧！画的上端写着四个字：清秋夏华。画上是几座山，山上隐约浮现出连绵的城墙，向远处蜿蜒隐去。
一条瀑布越过巨石的阻拦，从山间飞流直下，溅起无数晶莹的水花，激起了一片迷茫的白雾。雾隐去了山脚，使整幅画显得隐约。
瀑布流了下来，化作涓涓细流，从石头缝间流去。水波似乎上下抖动着，我仿佛还听到了流水哗哗流动的声音。
岸边是数株火红的梅花。梅花的颜色有深有浅，更显出层次感。
《清明上河图》画卷欣赏 《清明上河图》画卷，北宋风俗画作品。
传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最著名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事。
作者张择端，字正道，东武（今山东诸城）人。宋徽宗时为宫廷画家。
少年时到京城汴梁（今河南开封）游学，后习绘画，尤喜画舟车、市桥、郭径，自成一家。《清明上河图》是张择端的代表作，曾经为北宋宣和内府所收藏。
绢本、淡设色，高厘米，长厘米，原作现藏北京故宫博物院。 《清明上河图》以精致的工笔记录了北宋末叶、徽宗时代首都汴京（今开封）郊区和城内汴河两岸的建 筑和民生。
该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采 用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中，画中人物500多，衣着不同，神情各异， 其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。
全图分为 三个段落。 首段，汴京郊野的春光： 在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。
两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。
路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。
环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。 中段，繁忙的汴河码头： 汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。
还有"王家纸马店"，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。
宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。
船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。
船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。
这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。 后段，热闹的市区街道： 以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。
商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。交通运载工具：有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形 *** ，样样俱全。
绘色绘形地展现在人们的眼前。 总计在五米多长的画卷里，共绘了五百五十多个各色人物，牛、马、骡、驴等牲畜五、六十匹，车、桥二十多辆，大小船只二十多艘。
房屋、桥梁、城楼等也各有特色，体现了宋代建筑的特征。张择端的《清明上河图》是一幅描写北宋汴京城一角的现实主义的风俗画，具有很高的历史价值和艺术水平。
绘画史上名为《清明上河图》的画幅很多，但真本毕竟只有一幅。经过众多学者、专家对这一专题的研究，大家意见基本一致，都认为现藏北京故宫博物院的这幅是北宋张择端的原作。
其它的同名画作，均为后来的摹本或伪托张择端的臆造本。 现北京故宫博物院藏本的画卷本幅上，并无画家本人的款印，确认其作者为张择端，是根据画幅后面跋文中金代张著的一段题记。
张著题记也仅寥寥数语："翰林张择端，字正道，东武（今山东诸城）人也。幼读书，游学于京师，后习绘事，本工其界画，尤嗜于舟车市桥郭径，别成家数也。
"不过，张择端的姓名并未见于北宋后期成书的《宣和画谱》，有人推测说，可能他进入画院时间较晚，编著者还来不及将其收编书中。
关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。推荐内容关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。最佳答案浅谈对中国画的认识首先我想说对于我们建筑学来说，对国画的认识是更有裨益的。各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼在着我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。
国画是中国传统绘画的主要种类。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。油画最早起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的，用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。油画适合创作大型、史诗般的巨作。成为西方绘画史中的主体绘画方式，现在存世的西方绘画作品主要是油画作品。绝大部分壁画作品也是用油画颜料和创作方式制作的。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。油画是以易于油剂（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。油画是西洋画的主要画种。
相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族高度智慧、卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。中国画从形式上区分，大致可以归纳为工笔画和写意画两大类。其中工笔画的产牛源远流长，并有过辉煌的成就。1972午春在湖南长沙马王堆西汉(元前206—公元25年)墓中发现的汉代帛画，就显示出工笔画的高超水平。在唐代(公元618—907午)以前，工笔画可以说足中国绘画的主体。至宋代(公元960—1279午)工笔画和写意画虽然并重，但工笔画仍然占有一定的优势。只是到了元(公元1271—1368午)、明(公元1368—1644年)时期，某些文人画家崇尚写意手法，提倡水墨画而致使工笔画口趋衰微。然而发展到了近现代，人们受新文化运动的影响， 一些有识之士提出了革新中国画之后， 工笔画才逐渐有了转机，不过中国工笔画艺术真正得到复兴还是在现代。 1949年新中国成立之后， 国家重视民族艺术，提出了“百花齐放、推陈出新”的文艺创作方针， 中国画也随着整个文艺事业的发展进入了—个新的发展时期。不少画家在传统中国画以及年画、连环画、壁画等领域中，广泛地采用厂工笔画技法，在实践中取得了可喜的成绩。出现了如《考考妈妈》(姜燕作)、《西厢记》(王叔晖作)、《大闹天宫》(刘继卤作)、《同欢共乐》(刘文西作)、《玉兰黄鹂》(于非间作)等优秀作品。不过由于画坛积习甚深，致使工笔画这一画种尚未达到人们应有的重视程度。到了20世纪80年代中国大地才真正迎来了艺术的春天。这时工笔画艺术才得以显现出其蓬勃的生机。当今的工笔画创作题材广泛、形式多样，既有反映古历史题材或贴近现实生活内容的人物画， 又有意境清新、别开牛面的山水画以及牛机盎然、栩栩动人的花鸟画；画家们在艺术和技法的运用上也争相展示各自的特色， 并皆有所创新。更为可贵的足，画家们在实践与创新的过程之中，越来越发现工笔画艺术及其技法有着极大的潜能，其表现力之强、适应性之广，使其有着广泛的群众基础，也必然会有无限广阔的前途。艺术反映时代， 当今的工笔画艺术足在继承优秀传统的同时加以创造和革新的，它融进了新的内容和形式，在整体上真正展现出了时代的风采和面貌。这本画册正足反映这转变发展时期工笔画的艺术风貌。中国画构图的特点 1.散点透视 2.平面布置 3.随“意”组合 4.诗书画印 5.立轴、长卷、扇面、...构图，传统绘画中称为章法，现代绘画中称为构成，新老观念虽有不同，但基本含义还是共通的。人生活在时间与空间之中，现实世界的时间是流逝的、无限的，空间是三维立体的，无边无界的；而人的创造物——绘画，就时间而言是凝固的、有限的，就空间而言是二维平面的，有边界的。这两者是如此地截然不同，却又有着最密切的对应联系。所谓构图，就是将无限的立体结构转换成有限的平面结构。这种转换过程，本质上是一个创造过程。尤其是现代绘画，这种转换以纯粹创造的外表显示出来，生活与艺术之间的联系就更为抽象了。
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有一本书，对你写当代都市水墨绘画方面的毕业论文非常有用，强烈建议你一定要找到或借到。《水墨都市绘画研究》（陈浩著，荣宝斋出版社，2007年8月出版）。 现将这本书的主要章节给你录下来，可能对你有所帮助： 第一章 水墨都市绘画的范畴 第一节 水墨都市的范畴 第二节 中国画的新课题 第三节 中国传统宫室绘画 第二章 水墨都市绘画的特征和美学观 第一节 水墨都市绘画的特征 第二节 水墨都市绘画的美学观 第三章 水墨都市绘画的文化艺术特性 第一节 水墨都市绘画与中国传统文化的关系 第二节 水墨都市绘画与当代文化艺术的关系 第四章 水墨都市绘画的实践探索与理论前瞻 第一节 水墨都市绘画的早期实践探索与总结—20世纪中国山水画的城市题材 第二节 对水墨都市绘画探索的体会 第三节 水墨都市绘画的实践理论总结
山水画，中国画的一种。描写山川自然景色为主体的绘画。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。 系中国画，特有的画种之一。以下是整理好的关于山水画论文题目，供大家参考。山水画论文题目（导师拟定标题124个）山水画论文题目一：1、 河北山水画发展史2、 王蒙山水画中的繁密感探析3、 胸中丘壑是吾乡——我的山水画创作4、 山水画中的渔父形象5、 李可染现代山水画变革的学理启示6、 新疆山水画创作与“西北宗”实践的可行性7、 中国山水画与欧洲风景画的比较研究8、 山水画纵横谈9、 从“贵有古意”到“逸笔草草”——元代文人山水画的审美理想嬗变10、 分流与失道:从后结构符号学论清代山水画的衰落11、 从平面构成的角度解析黄秋园后期山水画:兼谈其平面化12、 从平面构成的角度看黄秋园后期山水画13、 胸中山水奇天下,删去临摹手一双——齐白石山水画独特性辨析14、 画吾自画——齐白石山水画的创作历程及特点15、 传统山水画大数据分析下的长三角地区山水资源的特色研究16、 生态美学观照下的六朝山水画论17、 略论文徵明青绿山水画的风格18、 董其昌对晚明青绿山水画发展大转变的作用19、 唐代青绿山水画点景研究——以“阎氏父子”“大小李将军”山水画为例20、 李圣峰山水画作品 为了心中的圣峰——李圣峰山水画漫谈21、 傅抱石山水画探微22、 山水画艺术在茶叶包装平面设计中的应用23、 在宋代山水画的意境里找寻当代建筑之路——以董豫赣、王澍的思考与实践为例24、 茶馆结合城市题材山水画元素的艺术风格探析25、 张正恒山水画的特色与成就探源山水画论文题目二：26、 为溪山写真——中国山水画写生中的人文情怀27、 论山水画写生中的笔墨造型28、 道释思想对山水画影响刍议29、 划时代的丰碑——李可染的山水画30、 浅析仇英青绿山水画风及形成的影响因素31、 临界与超越 许钦松山水画的创造特征32、 沈阳故宫藏明清山水画33、 写生:回归与重彰山水画学真义34、 文人意趣在山水画中的渗透——米芾、米友仁父子的水墨山水35、 生成意境与构成境域——黄宾虹山水画与塞尚风景画的比较36、 “对象化思维”与“非对象化思维”——基于中国传统山水画的讨论37、 山水画图案在现代旗袍创新设计中的应用研究38、 中国山水画审美意识与现代建筑设计39、 探寻山水画“象思维”之源流——“永嘉论道”综述40、 齐长城遗迹的山水画呈现41、 “一带一路”下之当代中国海洋山水画创作探析——以广西北部湾海洋景观为例42、 从顿悟到渐修——张捷的山水画43、 从择吉到气势——“龙脉”观念的社会民俗学内涵及其向山水画创作的递变44、 吞吐自然 意笔纵横——岳黔山山水画、花鸟画之语言特征45、 “《千里江山图》暨青绿山水画国际学术研讨会”纪要46、 墨非蒙养不灵 笔非生活不神——颜景龙山水画流向蠡测47、 符号延异与图像缺失:明代山水画中的寻道者意象与艺术主流的终结48、 听唱新翻杨柳枝——尤建清和他的山水画49、 以色写意 以彩畅神——张跃华山水画解读50、 孙宽山水画作品 赏心乐事谁家院山水画论文题目三：51、 石涛山水画点景人物研究52、 堪舆学在传统山水画中的运用探略53、 读汤江云的山水画54、 厌恶与洁癖——读肖培金的山水画55、 从环境美学的角度看唐代山水画论56、 马远、夏圭山水画中的“留白”理念与当代平面设计57、 略论晚唐五代山水画屏与仕隐心态58、 朴拙清新的世界——读董雷山水画59、 黄宾虹、李可染山水画写生观比较60、 《千里江山图》与宋代青绿山水画的复兴61、 展子虔《游春图》对中国青绿山水画的范式化意义62、 “文人山水画”文化建构功能摭论63、 从魏晋到南宋山水画概说64、 笔底刚柔任所之 千山奇秀墨华滋——记顾坤伯的山水画艺术65、 清代冷枚《避暑山庄图》皇苑实景山水画的新风尚66、 理学思想影响下的中国山水画67、 中国山水画的阴阳关系研究68、 中国山水画与中国古典园林的关联性发展研究69、 青绿山水画与边疆民族高校美术专业教学70、 魏晋南北朝时期山水画兴起的原因71、 黄秋园山水画作品中树木山石云水及点景笔法特征72、 由“似”而“真”——晋唐山水画流变的内在趋向性考察73、 新中国山水画时空表现中的速效填充现象74、 建构新图式——满维起山水画谈
美术欣赏活动是一种特殊的复杂的精神活动，是学生在认识美术作品过程中经过接触、领略、产生喜悦， 爱好 的过程。下文是我为大家整理的关于美术欣赏论文优秀 范文 的内容，欢迎大家阅读参考! 美术欣赏论文优秀范文篇1 浅谈高中美术欣赏 【摘要】中国 山水画 是最能反映中国人心境与思绪的艺术，在源远流长的山水画传统中，伴随着人与自然“相望相化”这一永恒的主题，山水画的诗性精神是长期伴随着山水画发展的。而作为当代高中学生来说,如何体会这种渊源流长的 文化 精神呢?现代学生似乎很难在现代文明程度下去理解古人的心绪。我们需要跨越历史的长河,来探寻高古的山水诗性精神. 【关键词】山水画起源魏晋山水诗“画中有诗”“画上题诗”“自然人格化，人格自然化” 一 山水画起源: 中国山水画的历史，源远流长。独立的山水画正式出现在魏晋南北朝之间。中国山水画较之西方 风景画 ，起码早了1000余年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。中 国画 从创作题材来看，出现最早的是 人物画 ，最初描绘的山川风光是作为人物画补景出现的，后来发展成为独立的画科——山水画。从东晋画家顾恺之在《论画》中云：“凡画，人最难，次山水，次狗马，……。”由此看出此时的山水画已经与人物画相提并论，并且已初步从人物画的陪衬中独立出来。 我们现在能见到最早的山水画是隋代展子虔的《游春图》。 此图描绘了江南二月桃杏争艳时人们春游情景，将山水画和人物画及花鸟画的抒情性提升到几乎相同的台阶。山水画就是从这里开始正式走上了蓬勃发展的道路。 二 魏晋山水诗 中国山水画的诞生或者说发明，是受山水诗启发的，而作者都是精通诗文的文人士大夫。而魏晋南北朝时期是中国历史上最动荡的时代，社会矛盾激化，民不聊生，人们生活极不稳定。加之，这一时期佛教、道教盛行，出世思想滋生。那些士子纷纷走进山林,抒情言志希望获得一种生活的宁静，以达到心理情绪的平和。“回归自然”成了人们文化精神的最高境界，自然物便成了人们刻意追求、反复观照的生活对象。 人们把这种生活内容用艺术表现出来，就是山水诗、山水画.于是这一时期中国的文学史上产生了山水诗，绘画史上则产生了山水画。山水画开始从人物画的背景中脱离出来，纯粹的山水画开始出现。于是，山水诗、山水画就这样盛行开来,志士高仁们将个人恩怨，爱国热忱，悲愁与无奈寄托于山水之间，于山水中寻求解脱。在那个特殊的时代里生根发芽,绽放出异样的光彩。人和自然互动的关系。 把自然看作是无限丰富的知识内涵和意义的发生处,感受自然和在自然互动中捕捉美. 山水画和诗歌的关系是很一致的。山水诗歌的本身的表述 方法 是很符合人的生命本身的思想法则的。诗性本身的那种“比”、“兴”，对于山水画的体现都是有一种非常深的渊源。诗歌的这种推进和时空对山水画的影响是非常大的。比如，以某一自然景物有益于自己景象比拟的这种“比”，把自己内心的情感偶然与自然景物出发的这种“兴”，我想这与山水画的表现的情志都是很一致的。 谢灵运是诗歌史上自觉以山水入诗的第一人。谢灵运长期游历名山胜境，写有大量的山水 诗。“山水含清晖，清晖能娱人”(谢灵运《石壁精舍还湖中作》)。谢灵运在不少的诗篇中,主动地刻画了自然界的优美景色,给人以清新之感。陶渊明的田园诗为中国古典诗歌开辟了一个新的境界，巧妙地将情、景、理三者结合起来描述农村风光和田园生活，诗歌风格清新、自然，描写细腻，具有强烈的艺术魅力。 高中学生了解山水画的起源,了解魏晋社会,而魏晋的社会状况导致山水诗在山水画的精神表象。从而导致独立的山水画正式起源.顺着这样的脉络来了解山水画的诗性精神,最终学会欣赏山水画的诗性精神. 三 “画中有诗”与“画上题诗” 山水画的诗性精神还表现为一种是以王维为典型的“画中有诗”，画面没有题诗，直接用绘画提供诗意化的视觉效果，让观者体味。一种是文人画流行以后普遍采用的“画上题诗”，直接结合文学形式，在画上题写诗歌，供观者品读。 在古代山水画中，“画中有诗”的山水画盛行于五代两宋。书写性介入绘画，增加了绘画的写意性。“意境”表现的物质基础受到削弱，不得不用直接题诗来补充。同时，文人画家也发现诗画的区别，不是所有的诗歌都可以入画，也不是所有 的诗意(例如声音美感)都可以用绘画形象来体现。例如李成最有代表性的<<寒林图>>，折射着道家对大自然与人类本身的生命体悟。寒林不是枯树，还有力量顽强地对抗萧杀季节，它比春夏葳蕤的树木更能显现生命力。由此再联系到出世高士的人格，尽管处境苍凉，却很自在，因此深受历代文人的喜爱。术中独树一帜。又例如郭熙《早春图》讴歌自然的美丽景色. “画上题诗”往往不是重述画中已有的形象和视觉效果，而是补充说明画外的或无法用绘画形象表达的抽象的精神性很强的东西。它们更贴近文学本身。为此西方学者注意到中国画这种题款的特殊性，认为它们像文学读本。由此构成中国画的最大特色.例如徐渭的题墨葡萄一诗： 半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。 很有“意境”，把自己怀才不遇一生坎坷的牢骚,患得患失的情绪，都表露了. 高中学生在欣赏不同绘画作品的同时体会不同时期,不同风格的山水画作品.从而在画面上感悟,这样就可以更加直接,具象地欣赏山水画.使山水画的诗化精神得以直接的体会,不同历史时期,不同人文风气导致的不同风格,都可以让学生一一学习体会. 四 “既可赋予自然以人格化，亦可赋予人格以自然化” 山水画自古以来便把自然当做是生命的一个整体，山水画是落实在物化精神，以境界生发的角度来讲是“既可赋予自然以人格化，亦可赋予人格以自然化”。它是相望而相化的，人与自然是通达相望相化互达互生的，因此历代山水画不仅仅是情愫、想象与感觉，乃是以诗境为本，带着含藏悠远的念想.是以学养为文心，一种包容内敛的精神，通过诗画语言物化山水来透视人格的气象。比如那种登泰山而小天下的气概，入庐山得到磊落的情愫，这些情怀都是自然造化刺激主体联想和创作方法在生活景象中的呈现，是作者的身心合一的一种体验。 这是由于隐含着不同历史文化内涵景观所引发不同的情感联想，也是为什么历代文人和山水画家，对这些具有着浓厚人文色彩和对名山大川有着经久不衰的热情原因之所在。对于现代高中学生来说,这点是最难理解的,需要不断的通过自身的修养来体会,积累文学知识,不断学习,才会提高自己的欣赏能力。在古代，山水画的作者即使不是隐逸之士，也有着“烟霞痼疾，泉石膏肓”的癖好，无限热爱大自然，面对山水才会像面对情人那样诗兴大发，才有涌泉般的“意境”源源而出。他们不是为画山水而画山水，而是将山水作为精神寄托的工具，功能和写诗无别。 因此，高中学生在学习诗词的时候融入欣赏山水画,在欣赏山水画的时候以读诗的心情去理解和感怀.以现代人的思想理解古人的审美情趣,文字似乎容易让人的心境跨越时间的距离,帮助学生体会古人高古的情节,体会山水画的精妙之处. 参考文献 [1] 顾恺之《论画》 [2]宗炳 《画山水序》 [3]王微 《叙画》 美术欣赏论文优秀范文篇2 浅析中学美术欣赏 摘要：审美 教育 是学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。罗克韦尔 肯特曾说过："艺术的最高目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。 关键词：高中美术;审美教育;现代艺术;罗丹;凡高;毕加索 马克思曾引用黑格尔设想的一个生动比喻，来说明人类在创造活动中实现其本质力量叫产生的愉悦：一个小男孩，将一块石子投入水中，他看到水的涟漪不断变大，他欣赏自己的创造，从中得到无比的欣喜……。而到了初中阶段，审美教育更显示出在素质教育方面的作用，这时的学生从原来的快乐、无拘无束、天真活泼变得沉默、羞涩和严肃，他们要寻找一种新的适合表现自我意识的方式，在这个关键时刻，我们如果灌输给他们一种起着心灵感应作用的思想教育---审美教育，就能让学生在美的享受中接受教育，不知不觉地受到高尚，健康的思想感情的熏陶。 这种教育的特殊效果，是一般道德说教难以达到的。而到了高中阶段，学生在生理，心理上已接近成热，是准备走向独立生活的时刻，他们的自信、自尊都在增强，他们有自己独立的思考能力，而接触面也更加广泛，他们求知欲强烈，学校教师传授的知识已不能满足他们的需求，他们渴望从各种 渠道 接受新观念，接受新知识。在这时，审美教育更能发挥其独特的作用，其鲜明的形象性和强烈的情感性正是对感情真挚奔放，形象思维极强的青少年作用是最大的。 在这种观念的影响下，美术也显得希奇古怪。如现代主义的美术，有入说是一种头脚颠倒得艺术。一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。他说："今天年轻的一代和我们这一代投有什么不同。他们也是逐渐懂事，也离家出走，也生孩子。只是顺序倒过来的。"的确，在现代主义和后现代主义的艺术家那里，艺术的含义更加宽泛，既包括美的，也包括丑的：既有善的，也有恶的;既包括物质的，也包括精神的：既有纯实体的东西，也有纯形式的纯数学的东西。 事实上，中国的近百年来科学落后不等于艺术落后，中国画作为一种风格独特的艺术早就与西洋画并起并坐，成为世界上最重要的两大绘画体系。 一、中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。据记载，早在春秋后期，周代都城的政治性建筑"明堂"里，就绘有"尧舜之容，桀纣之像，'以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画.可惜这些壁画因为建筑物的毁灭都已不存于世，但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象，略加色彩的绘画技巧来看，我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。 到了战国以后，随着中国社会的发展，中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式，表现手法，艺术风格以及各种绘画体裁，画家们将书法的结构，用笔运用到绘画中去。以加强绘画的表现力和艺术趣味，形成了具有具有浓厚的民族风格和鲜明的时代特色。它不仅是中国近代，现代绘画艺术发展基础，而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响，日本老画家中村不折在他的《中国绘画史》一书中指出："中国绘画是日本绘画的母体，不懂中国绘画而研究日本绘画是不合理的要求。我想，用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。" 而欧洲的绘画从时间来看，应该是早早承认，旧石器时代，世界上最早的美术品，都是发现于欧洲的西南部与中部。虽然考古学是一门不断发展的学问，但迄今尚无新证物以前无法动摇上述的观点。 到了中世纪以后，由于__成为统治国家的精神支柱，这一时代在绘画史上称之为"黑暗的中世纪"。直到文艺复兴时期，新兴资产阶级为了扫清前途的障碍，需要很有说服力的思想武器，他门终于从古人的武器宝库里找到了饱含着现实主义精神和科学理性的古希腊，古罗马的思想文化，从而打出文艺复兴的旗号，正如恩格斯所说："拜占庭灭亡之时抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，在惊讶地西方人面前展示一个新的世界，------希腊的古代：在它地光辉形象面前，意大利出现了前所未有的艺术繁荣。"因此，欧洲的绘画是时而浩瀚，时而干涸，这与中国地绘画地源远流长是不同的。 二、西方文化是以"神"为中心的文化。他们将人的发展归之于神的创造。在他们那里，"神"与"人"是分离的。所以他们习惯于将人与自然，人与社会，主体和客体对抗起来。探索各个领域中纵的逻辑关系，在种与类的基础上区别其层次，力求符合这些关系的客观秩序。 他们是属于哲学美学，叙事诗学，状物画学。 他们写实绘画的焦点透视，像一位独眼巨人在锁孔里看世界，只能老老实实地把看得见的画出来，把看不见的挡起来。他们的安琪尔要飞，只有实实在在地安上一双翅膀，其爱的信息的传达还得借助于一支有形的弓箭。 而中国的文化是以"人"为中心的文化。它以笔墨"线索"作为塑造意识形象的根本要求，并融诗入画，使画的意境，布局，笔墨，色彩完全诗化而成为"无声的诗"。他不仅是中国近代，现代绘画艺术发展的重要基础，而且对我国一些邻近国家的绘画也产生重要影响。因此，中国绘画是属于艺术美学，抒情诗学，写意画学。 中国绘画是多点透视，在游动中看世界，不但能画出肉眼之所见，而且能画出心眼之所见。山前山后，屋里屋外，长江万里，四季花卉，皆可同时纳入画面。 我们的飞天要飞，勿需安装沉重的翅膀便能"乘天地之正，而御六气之辩，以游无穷"，其爱的信息的传达虽然"身无彩凤双飞翼"，却能"心有灵犀一点通"。 一个是"无翼而翔"，一个是"有翼而飞"，哪个更高? 难怪毕加索反问："在这个世界上谈到艺术，第一是您们中国人有艺术;其次，是日本人有艺术，当然日本人的艺术又是源自你们中国;第三是非洲人有艺术。除二者外，白种人根本没有任何艺术可言。我最莫名其妙的，何以有那么多的中国人，东方人要到巴黎来学艺术"。 况且有专家认为，中国画是后现代主义的温床。进入90年代，伴着消费的发展，现代主义的热潮在中国迅速降温，而一种打破传统和新潮，艺术和非艺术，雅和俗的后现代主义以游戏的姿态悄然兴起，他兼容性更强，在这里，被排斥的古典艺术又有了自己的位置，并且是以一种游戏的姿态出观：维纳斯穿上了牛仔裤：蒙娜丽莎被戴上一副眼镜，弥勒佛扛起了 广告 牌等等。在这里，这些艺术既保持着自己的"风和雅"，同时更大众化。 现代主义重视看得见的形式，后现代主义重视道不清说不明的状态，他从东方神秘主义众吸取了信息，而崇尚"天人合一"中国早有"玄之又玄，天机不可泄露"之说。这些被某些学者视为不能用精确数值定量定性的落后乃至迷信的中国古老文化，说不定潜藏着科学主义未能认识的领域和未能解读的信息。 正如古希腊的奴隶制太完善了，所以他的封建社会就不发达。中国完善的封建社会决定了他不可能出现完善的资本主义，而在后工业社会形态中则可能获得充分的发展和繁荣。中国对现代主义艺术有着一定的排斥性，而对后现代主义却有着先天的亲和性。 学生通过多方面的了解，必定会对美术有新的认识，在欣赏美的同时，既自觉的接受了思想教育，也接受了新观念。 总结 ：以上是我对高中美术欣赏的几点肤浅见解。应该说，这是一个长期的过程，至于效果如何，还是未知之数。猜你喜欢： 1. 美术鉴赏论文3000字范文 2. 有关美术鉴赏论文范文 3. 美术鉴赏论文范文 4. 美术鉴赏相关论文范文 5. 初中美术欣赏浅谈学术论文范文
山水画，是一种表现山川之妙并能为人类寻求某种精神寄托的画种。中国的山水画起源甚早，据史书记载，秦汉时期已有了山水画，但实物未见流传。而今天我们所能见到的最早的山水画，当是东晋名画家顾恺之的《女史箴图》和《洛神赋图》中的背景山水。前面我们在人物画一节中已谈到，顾恺之的这两幅画是以表现人物为主体的，山水只是人物背景的衬托。 但是，作为人物背景组成部分的山、兽、林、鸟却结合得很完整，表现得也很真实。山石开始依靠线的变化来表现不同的面，依靠层次来表现不同的山峦变化，利用俯视的角度来表现纵横的山川。这些都是后来山水画的基本表现技法，尽管这种表现还停留在比较幼稚的阶段，但却为以后中国山水画的发展奠定了坚实的基础。所以，顾恺之的名字，不但与中国人物画的历史发展联系在一起，而且也为中国山水画的发展作出了贡献。 在顾恺之之后的南北朝时期，山水画勃然兴起，出现了一批能画山水画的画家和第一批专论山水画的论文。但是迄今为止，我们还没有发现一幅当时的山水画作品流传下来，我们只能根据当时的有关山水画的文献，来认识那一时代中国山水画的发展水平。不过从此之后，山水画艺术以较完备的表现技法和系统的理论登上了中国画坛。 中国山水画到了隋唐时代，有了一个大的发展。隋代以展子虔为代表的画家们的作品为我们研究这一时期的山水画状况提供了重要材料。展子虔，是今山东一带的人，他曾历任北齐、北周、隋三朝的大夫，是一个绘画的多面手，据说对于人物、山水、界画和车马无不精湛。被世人称为“唐画之祖”。但是，他的最为杰出的贡献还是在于山水画方面，而现今留传下来的他的惟一作品，就是现保存于故宫博物院的《游春图》。 《游春图》是一幅描绘自然景色为主的青绿山水画卷，表现人们春天出游的情景。画家在不大的绢幅上以妥善的经营、细劲的笔法和绚丽的色彩，画出了青山叠翠，花木葱茏，波光粼粼的春光佳境，图中山青水秀，水天弥漫，在波光潋滟的湖面上，一艘华丽的高篷游艇随波荡漾。船中三位女子纵目四望，陶醉于明丽的湖光山色，流连忘返。湖边数人或骑马或漫步于山间小道，或袖手仁立岸边，兴致盎然。画家通过时各种自然景色和人物活动的生动描绘，成功地体现了《游春》这一主题，展于虔的《游春图》为唐代青绿山水画派的形成开了绪端。 到了唐化，李思训和其子李道昭直接继承了展于虔一系的山水画画风。李思训为唐王朝宗室，曾任“武卫大将军”。他继承井发展了展子虔的画法，用笔工致严整，着鱼浓烈沉稳，画面格局宏伟，堂皇华丽，装饰性很强。他的几了李昭道又继承了他的画风，时称为“变父之势，妙又过之”，并首创海景山水。 这样，从隋代的展子虔，到唐代的李思训父子，一脉相承，形成了我国山水画中具有特色的青绿山水画派。在唐朝，还形成了另一山水画派的源头，那就是水墨山水画。 水墨山水画的开山始祖是王维，据说他诗、书、画、音乐都很擅长，而且还官至尚书右丞。王维的画喜用雪景、剑阁、栈道、晓行、捕鱼等题材，其画以笔墨精湛、渲染见长，具有“重”、“深”的特点。王维的山水画还有一个重要的特色，就是诗和画的有机结合。前面我们已谈到，绘画史一般把他看着是诗画结合的创始者。王维之后的中晚唐时期，山水画的发展出现了一场“水墨运动”，这样，中国山水画发展到唐代，已经进入了一个自由的新天地。 至五代两宋，是山水画家辈出和山水画派叠现的时代，这些画家继承并发展了南北朝、隋、唐山水画家的优秀传统，把中国山水画推向了前所未有的高峰，形成了五代时期的北派山水和南派山水，北宋时期的中原画派与院体山水画，北宋晚期的“米点山水”与青绿山水，以及南宋四大家为代表的南宋院体山水画。 五代时期，北派山水的代表人物是荆浩和他的学生关仝。荆浩是北方人，曾隐居于太行山，所以他接触的多是北方及太行山的崇山峻岭雄壮的景色。所画山水“上突巍峰，下瞰穷谷”，多作巨壑，具章法布局为中心全景式的布局，而以主峰为中心，用云蚰烟霞的断白，衬托出中、前景的全局安排。场面浩大，气势雄伟，空间感很强。据传《匡庐图》就为他的名作。他的弟子关仝则为长安人，师荆浩，却有“青出于蓝”之誉，自成一体，喜作秋山寒林、村居野渡的关、陕一带的风光。其传世之作为《关山行旅图》，画上巨峰高耸，气韵深厚；所画林木，有枝无干，却给人“乱而整，简而有趣”的感觉。 与荆浩、关仝为代表的北方山水画派相对应，南方有以董源和他的弟子巨然为代表的表现江南山水的江南画派，也称为“南派山水”。董源和巨然都是10世纪下半叶活跃在南方的画家，他们生活在长江中下游的环境，不同于旷寂、雄厚、寒冷的北方，而是地势起伏平缓、阳光和煦、温暖湿润的地区。他们体察自然，并以独特的艺术语言加以描绘。在董源的作品里，很难看到险峻奇峭的山峰，所见是平缓连绵的山峦映带无穷、林麓小溪、山村渔舍，全是江南丘陵江湖的动人景色。董源的代表作是描绘潇湘地区风景的画卷《潇湘图》和描绘夏日江南风景的《夏山图》，董源的弟子巨然，成了他画风的最好继承者，其代表作品有《秋山问道图》。此画表现深谷丛林中，临溪的草舍里，三个隐士正在谈经论道，周围是一片高爽的秋季景色，这也可以反映出画家的身份和心意。 到了北宋，出现了中原画派与院体山水画。中原画派以李成、范宽为代表，李成因徒居山东营丘，便常以齐鲁原野的自然环境为描绘对象，范宽长期居住在终南山和大华山，他的画也就崇山雄厚、巨石突兀、林木繁茂、气势逼人。继李成、范宽之后，山水画家接踵而起，在李、范的影响下，当时曾出现了“齐鲁之士惟摹李成，关陕之土惟摹范宽”的倾向。 北宋政权统一后，江南的画家们相继北上，并受到北宋画院的礼遇，这就冲击了以中原画派为主流的北宋山水画，南北画派开始了融合，便形成了以郭熙为代表的院体山水画。 北宋的山水画我们还要提到的画派就是“米点山水”和青绿山水。“米点山水”的创始人是米芾，他是北宋四大书法家之一，祖籍山西太原，后来移居襄阳、镇江等地，长江沿岸常常能看到的雾雨潆潆的云山烟树景象启发了他，于是他在山水画技法上进行了新的创造，用水墨点染的办法来画山水，以充分发挥水墨的融台。墨色晕染所形成的效果，形成了含蓄、空潆的神韵之趣。 再就是青绿山水。前面我们已经谈到，从隋朝的展子虔，到唐代的李思训父子，这一画派就已形成。但五代宋初，此种形式却为士大夫画家所不尚，被看成是职业画家的匠俗之作，曾一度在北宋消沉。北宋中期，一些画家们力排众议，又重新致力于青绿山水，创造出适合宫廷欣赏趣味的典丽的青绿山水画。使青绿山水画进入了成熟时期，其著名的代表画家有王希孟、赵伯驹等。 北方民族入侵，宋室南迁，称为南宋，在新的都城临安建立了南宋画院。由于政治上的变迁和画家生活地区的由北南移，使南宋的绘画艺术从内容到风格都有了新的变化，出现以李唐、刘松年、马远、夏圭这“南宋四大家”为代表的南宋院体山水画。 南宋院体山水画与北宋院体山水画已有了明显的不同，他们弃置北宋以来以主峰为中心的高山激流式构图和细密繁复的笔墨，而创新为简笔化、单纯化的形式。常用两对角远近对照方法，来形成对角线构图，使画面的重心偏离正中，坐落在半边一角。被称为“一角半边”式的艺术境界。 五代和两宋时代，是画家辈出和画派林立的时代，但我们还得谈到另一种薪的绘画风格——文人画。文人画兴起于北宋初期，苏轼最早提到“文人画”这一概念，文人画的意思是指区别于民间画工和宫廷画师风格的文人、士大夫的绘画，其主要特点是主张以抒发作者的主观情趣为目的；取材花鸟竹石、水波烟云、借物寓意、回避现实；在创作方法上不受程式束缚，在艺术形式上强调诗、书、画、印的结合等。文人画的兴起，促进了中国山水画和花鸟画的发展。在山水画的领域，这种画风在宋之后通过“元四家”的艺术追求和实践，成为画坛的主导。 “元四家”是指元代最负盛名的四大山水画家黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇。四家均善诗书，诗书画印结合就成为他们共同采取的艺术形式，都强调抒发个性，强调绘画的娱乐性，强调笔墨趣味。但四家经历不同，艺术偏好、审美理想也不一样，各有其鲜明的个性。黄公望的画只用两种规格，浅绛和水墨。笔法多变而平稳，用笔轻淡而浑厚，减少刺激，追求平静与和谐。 而王蒙的画则面貌丰富，有的以笔见长，有的以墨取胜，有的用色争雄。面又最为明显的区别是，三家都简，只王蒙繁。倪瓒呢？他的山水画的突出特点是简、干、淡，即是构图、笔墨、形象简，用干笔，用墨轻谈。再就是吴镇，最突出的是其他三家皆重笔，而吴镇却重墨，而且喜用湿笔。画面效果沉郁湿润，却保留着更多的来人遗风。 最后我们来看看明清的山水画。 明清山水画，除少数画家外，大多以摹古为能事，突出笔情墨趣，如明代早期的画坛就以崇尚南宋画院的院体、浙派为主。但之后的绘画，仍有所突破。他们多强调主观的审美感受。 融各家之长，手法灵活多变，构图不再遵循从揖让的传统格式，自由安排，强调生活情趣。明代中期的吴门四家——沈周、文征明、唐寅、仇英的山水画成就较高。为什么称为吴门呢？因为他们四人同为苏州府入，苏州别名“吴门”，故得名。 沈周融合了前代大师们如董源、巨然、米芾、吴镇、王蒙等诸家之长，创作出了多种风格的山水画，有的细密，有的粗简，有的壮阔，有的秀雅。有全景式的高山大川，小也有田园小景。手法简率，很富生活意味。他的山水画的传世作品有《芦山高图》、《沧州趣图卷》等。文征明是沈周的学生，当然也为同乡。他师法沈周，诗书画均能。他的山水画有工笔、写意两种规格，写意水墨山水，自由挥洒，水墨淋漓。工笔山水细致入微，但又不刻板，有着典型的书卷气和“文人”趣味。唐寅的绘画取法李成、范宽和南宋四家，兼采元人之法，集众家之长而自成一体。作品场面宏大，手法严谨，既沉郁又清逸，既奇峭又秀润，既浓厚又饶于气韵特色。仇英出身画工，不是“文人”，但他在艺术上受到了文人画家和民间画师的双重影响，所以他的绘画把这两方面加以融合，也得到文人高士的欣赏，具有一种雅俗共赏的艺术趣味。 在吴门四家之后，明代山水画坛也开始派别林立，像两宋画坛一样热闹了一番。比较大的派别有华亭派，苏松派和云间派，其中以华亭派影响为最大。而这三派由于同属一地区（松江），且美学思想和绘画风格又基本一致，人们又将三者合称为“松江派”。 明末派别林立的山水画坛，到了清代，也很具特色。出现了所谓的“正统派”和“创新派”，并一直左右整个清代画坛的风气。 清代是中国美术史上的一个重要时期，文人化体系内部在艺术思想、创作态度、艺术风格上出现了新的变化，这也与当时的政治思想文化的变化相随。由于清代统治者实行闭关自守和文化专制政策，极力巩固小农经济，压抑商品生产，使明中期以来增长的资本主义因素和在艺术上冲破传统的解放思潮，失去了滋生发展的土壤，全面的复古主义和禁欲主义盛极一时。 在这样的背景下，绘画领域内也开始出现倒退和变异。这以“清初六大家”为其代表，他们在艺术上强调“日夕临摹”、“宛然古人”，脱离现实，醉心于前人笔墨技巧的路线。摹古成为他们山水画创作的一大倾向。这种艺术主张和艺术风格颇能迎合当时清王朝的思想束缚政策以及士大夫的审美口味，很得当权者的支持和欣赏，被奉为所谓的“正统派”。 清初六大家以王时敏为首，其余的有王鉴，王翚、王原祁、吴历和恽寿平五人，而这五人似乎都与玉时敏有关系，王翚、吴历和恽寿平都是王时敏的学生，而王鉴则是他的同乡兼亲属，王原祁又是他的孙子，也许是这种家族关系造成了他们在艺术道路和艺术风格上的紧密结合。同时，王时敏与王鉴、王翚、王原祁在画坛上也称为“四王”。他们都提倡摹古，多以临摹所得来进行创作，笔法超凡，功力极深，使山水画在技术功力上被推进了一大步。但后来恽寿平放弃山水，另辟蹊径，专攻花卉，也别开生面，名盛一时。 当以六大家为代表的“正统派”向着复古主义的道路走下去的时候，一批民族意识强烈和富有创造精神的汉族知识分子画家，开始承接明朗中叶以后兴起的突破传统的解放思潮，在艺术上敢破敢立，强调个性解放，提倡“借古开今”，反对泥古不化，利用和改造传统的绘画形式来表达自己真实的生活情感。在画史上一般把这些人称为“创新派”，这一派的代表就是有名的清初“四大名僧”和“金陵八家”。 “四大名僧”是指石涛（原济）、石溪（髡残）、弘仁和八大山人。他们四人的特点都是因痛恨满族的统治而削发为僧，以绘画避肚山林，抒愤解忧。他们都反对摹古，主张自然创造。流露真实情感。但他们的绘画，又各有特点：石涛之画，奇肆超逸；石溪之画，苍古淳雅；弘仁之画，高简幽疏；八大山人之画，则简略精练。他们的画风对后来精干花鸟画科的“扬州八怪”有较大影响。 “金陵八家”以龚贤为酋，还有樊圻、高岑、邹喆、吴宏、叶欣、胡糙、谢荪等。因为他们都生长于南京而得名。他们的特点是不受摹古之风的影响，去从实际生活的经历和大自然中得到启示，作品的写实性较强。他们大多隐居不仕，往来于江淮之间，以卖画为生。同时也常常聚在一起，对酒当歌，以诗文书画相酬唱。“四大名僧”和“金陵八家”的画风，对后来中国山水画的发展，影响是非常深远的。
摘 要：宋元时期是中国传统绘画的巅峰，宋代的山水画也逐渐发展成熟，形成了许多具有生态意蕴的生态文本，在这些生态文本中，自然山水，人与自然，艺术与生命之间形成了对生性中和，共生性中和，和整生性中和，进而构成了宋元山水画的生态大和。 关键词：宋元山水;生态美蕴;共生之美;整生之美 宋元时期是中国传统绘画的巅峰时期，而描绘自然情怀又是中国画的重要母题之一，从宋代开始中国山水画开始逐渐发展成熟，并体现出了极其深厚的文化精神内涵和哲学底蕴。中国人通过对自然山水的描述，把自己和大自然融为一体，而艺术作为“天地之和”的产物，首先就是天地间万物和谐共生的反映，是宇宙广大和谐生命的缩影，作者通过艺术作品表达了自己的人生理想进而体现出生态中和之韵味，从而形成了山水画这个不断生长的生态文本，在这个生态文本中，自然山水，人与自然，艺术与生命之间形成了对生性中和，共生性中和，和整生性中和，儒家与道家和禅宗的思想也在其中耦合发展，构成了生态大和，深刻地影响着宋元山水画独有的生态审美意蕴。 一、宋元山水画生成背景 早在东晋时期著名的书法家顾恺之的《画云台山记》中最早的山水画就已经出现了，文中写道：“山有面，则背向有影，可令庆云西而吐于东方……西去山，别详其远近……”这些文字便体现出了山水的特有样貌。在之后，艺术家宗炳在山水画论《画山水序》中阐明的山水与道的关系，也为中国的山水画奠定了一定的理论基础，从而影响了后代山水绘画的趋势与山水画的特征。之后，王微创作的山水绘画理论著作《叙画》，点明了传统山水画不是地理绘图，而是为了进一步表达文人与画家们真情实感。这些系统的理论的出现，使中国古代文人画家们的创作开始逐步深入，并且开始注意到山水画的内在的表现效果。从宋代开始，传统的山水画已经开始达到了顶峰时期，这一阶段的官僚与皇室贵族士大夫阶级都开始关注与沉醉于山水画的创作。传统的山水画在宫殿与贵族厅堂中几乎到处都可见，并且也有一些小尺幅的山水画作品出现在案头与家中。伴随着生产力的提高，和经济的不断发展，人们对于文化与艺术的重视与钟爱程度日益加深，很多人为了体验自然万物的美好，常常亲身投入自然当中，去体验大自然的美妙与万物的灵性，并为此创作了大量的精品山水画作品，从而便开启了宋代这个山水绘画最为繁盛的时期。 二、宋元山水的生态之美 在宋元山水画中处处都渗透着无限的生态之美，天地山川，花鸟树木，都在画家的秒笔下呈现出气韵生动、虚实结合、缥渺致远的生态景致，而山水画作品便构成了一幅生机盎然的生态山水风景画。中国传统的生态山水作品从来都是秉承着“师法自然”的创作准则，徜徉于天地万物之间，品味着自然天地的美好，并将创作者内心的感情寄托于山水之中，创作出了大量的优秀的山水画作品。 由于南北地貌气候条件的差异，反映在山水绘画中就呈现出不同的生态意向：在北方的山水场景中多峻岭与巨石、悬瀑与峭壁。在艺术创作与山水画描绘中石头菱角分明，树木褐色参天，山峦起伏，笔法刚劲有力。正如郭熙在《林泉高致》中描绘到的“西北之山多浑厚，天地非为西北偏也。西北之地极高，水源之所出，以冈陇臃肿之所埋，故其地厚，其水深，其山多堆阜盘礴而连延不断于千里之外。介丘有顶而迤逦拔萃于四逵之野。如嵩山少室，非不拔也，如嵩少类者鲜尔，纵有峭拔者，亦多出地中而非地上也”。可见，北方的山水人文特征大体上给人以一种雄伟、壮观、粗犷、凌厉的生态美感。而南方的山水地貌却有着别样的风貌，南方峰峦叠起，雾霭繁花，江河复苏，画中用笔多温和细致，线条平缓朦胧。从山水画意上更突显出天真淡泊，宁静致远，婉丽和谐。董源作为南方山水画派的开山之祖，作品多描写江南之景，在他的作品《潇湘图》中，山峦起伏平缓，山脚林木扶疏，郁郁葱葱，水波不兴。整幅画作清新秀丽，雅致和谐，这便是典型的江南之景。因此，南方的山水作品给人一种平淡天真、秀雅温柔的生态美感。南北方的山水画作在审美特征和意态状貌上形成了深层次的对生之美，也进一步构成了生态中和之美。 三、人与自然中和的共生之美 宋时有名的艺术家们常常过着隐居山林的生活，这也对他们的绘画创作产生了深刻的影响。由于艺术家们倾心于传统山水画的创作，使宋代的山水画取得了巨大的发展和历史成就，进而形成了人与自然中和之美。 纵观宋代山水画作品，具有极其丰富的内容与内涵，但人物往往不占主导地位或根本没有在画作中出现，可这并不能说明人只是山水画创作中的衬托部分，而是进一步表达人与自然万物和谐相处的审美情境。这并不是刻意的表现自然或人文，而是“天地任自然，无为无造。”（三国魏・王弼：《老子注・第五章》）在这期间，人作为自然万物的一部分理应尊重自然、敬畏自然万物，这样才能使人与自然的精神达到和谐与统一，并且使人与自然相互促进发展，进而最终达到人与自然和谐的审美生境。在艺术创造中，人与自然不是主客对立的关系，而是一种中和的共生发展。在“天人合一”的道家观点中，人与自然是合二为一的，人融入自然万物的同时，也使本心回归自然当中。米友仁云：“画之为说，心画也”。在文人的艺术创作中，人与自然不是相互对立的，而是与自然息息相关的生命存在。所以在艺术创作过程中，不是人对于自然的掌控，而是自然与生命交融的过程。宋代艺术家讲求“外师造化，中得心源”，他们在艺术创作过程中，认真留意体味自然万物，抓住山水的细微特点，精妙的表达出直接内心的真情实感，最终达到 “中得心源”的艺术境界，从而实现人与自然和谐的境界。这不仅是对艺术家们内心的真实写照，也是欣赏者们在欣赏艺术作品的时候与艺术家产生共鸣的巧妙途径，这是一种对生性中和，在这种生态的中和中体现出画作之传神。因此在宋代，人们将传“神作”为创作中的最高要求，此处的传神之作便是人与自然中和构成的美的整体。例如，宋代著名山水画家范宽创作的《溪山行旅图》，在整幅画采用全景式构图，上有天，下有地，树木高低错落。从外部看，高耸的山峰，飞泻的瀑布，山丘与亭台，和若隐若现的溪流，这些创作元素都在范宽的笔下被生动的描摹出来。这些线条不仅表达出作者体味到的山水美蕴，也表达了作者内心的情感意蕴。这中的天地万物，与儒家“礼”的思想不谋而合，体现出儒家的伦理纲常。这幅画表面上似乎描绘的是关陕地区的自然风光，但是我们在当地却未曾发现与画中类似的景象，可见这是范宽对这一地区山水意象总结与提炼，其实这也更是作者对自己内心中自然的浓缩，整部作品展现出宋代山水画作品可游可居的高深境界，表现出山水之间的中和美，体现人与自然共生的情境，形成最具美感的生态意境。 四、艺术与生命“气韵生动”的整生之美 宋代的传统山水画意境幽深，在画中往往通过刚柔、动静、远近、虚实等技法，展现出自然生态与生命律动相契合的生态艺术作品，从而显示出人的生命与自然生态相融合后所体现出的自然整生之美。 中国绘画的第一准则便是“气韵生动”，在山水画的创作中正是体现出了这种自然生态审美智慧。正像曾繁仁先生所说的：“国画‘气韵生动’的重要美学原则是将大自然作为有生命的灵性之物加以描绘的。”并且此时的艺术作品不是独立的生命体现，而是自然生命之整体蕴含。在对自然生命的整体观照中，人之生命融合于自然万物生命中，并且人之生命与自然生命融合的同时，人之生命得到了进化与升华。在生态审美艺术作品中，作者追求的是自然生命的整体和谐之美，艺术家把山水自然视为一大生命。生命万物彼此相连，相互需要，构成了一个有机的生命整体。正如郭熙在《林泉高致》中所说：“山以水为血脉，以草木为毛发，以烟云为神彩。故山得水而活，得草木而华，得烟云而秀媚。水以山为面，以亭榭为眉目，以渔钓为精神，故水得山而媚，得亭榭而明快，得渔钓而旷落。”山川、草木、云霞全都是自然万物生命整体的组成部分，在这万物的生命整体之中，各个部分和谐共生，焕发出别样的生机与活力。 总之，宋元山水画虽是艺术的，但也是生命的，宋元山水画将人与自然和艺术连接起来，用艺术的手法，表现自然万物的美的同时，表达出艺术家关于生命的感悟与人生的追求。在中国画论中，绘画不仅是人与自然和谐共生理想的诗意表达，更是宇宙和谐生命系统的一部分。艺术家以中和为美，致力于表现的是宇宙生命的广大和谐。在构图、笔墨等作品构成的形式方面也渗透着浓郁的生态意识。它在人与自然和谐相处同时，在方寸间，感知万物，感悟生命，纵情于山水之中，表达人们对自然生命的崇敬;同时也让人们留恋与山水性情，体味生命的情趣，让人突破时间与空间的界限，将人与大自然万物真正的融合起来，只有这样，山水画的创作才能超越人类审美的想象，和大自然和谐共生达到全新的艺术境界。进而使人与自然和谐共存艺术与生命合二为一的整生生态审美境界。 在宋元山水的世界里，山水画家以儒家思想为正统，却又融合着道禅思想。人们感受到使心灵深沉、静默的和无限的自然汇合在一起的巨大力量，就像倪云林的一山、一水、一丘、一壑，简之又简、确实自然最深最厚的形状，纵然天地毁灭，此山此水精神不灭，这便是生态的永恒。山水之间融汇了一条回家的路，在当今社会中，人们若想再建美学传统，更要回归中国古典山水美学中的美妙意境。中国人看山看水其实就是在看我们自己的人生，山水中的自然是一个让人心驰神往的自然，也是古人为我们留下的永恒的精神家园。如今的人们依然向往山林悠壑，依然渴望行到水穷处，坐看云起时，所以宋元山水所蕴含的主客体共生的中和神韵也就显得特别的深厚，所显示的中华文化气韵也就特别深长。 参考文献： [1]周积寅.《中国历代画论》 南京：江苏美术出版社 2007 [2]夏晓春.《论中国画意境审美动态》《装饰》.2004年3期 [3]李泽厚.《美学三书》天津社会科学院出版社.2001年3月 [4]徐复观.《中国艺术精神》华东师范大学出版社2001年 [5]宗白华.《艺境》北京大学出版社，1999年 [6]袁鼎生.《超循环生态方法论》科学出版社 [7]朱良志.《中国艺术的生命精神》安徽教育出版社2006年 [8]邵金峰.《中国画论中生态审美智慧研究》 [9]杨建 康琼.《论中国山水画的生态美蕴》美术天地 [10]连晓红.《试谈老庄沂弊裸星翔寸中国山水画意境的影响》美术大观2007（3）12 [11]张子程.《论中国古典山水画之生态美蕴》绘画美学
徽州制墨的肇始时间当不迟于唐，这可从祁门县1978年从唐墓中出土的“文府”墨得到佐证。该墨在地下经历千余年而不败，足见其质地之佳。因墨面有“文府”二字，故人称“文府”墨。残墨长厘米、宽厘米、厚1厘米，今珍藏于安徽省黄山市博物馆。 徽墨，有文字记载的历史当不迟于唐末。唐朝末年，奚超至歙州，见歙地多黄山松、且质优，新安江流域的水质又好，故留此重操旧业。其子廷珪，更是有心，见当地穆姓墨工所制之墨颇具特色，便虚心求教、潜心揣摩。他们改进了捣烟、和胶的方法，形成了一整套操作规程，所造之墨在品质上超过了易州墨，被人誉为“拈来轻、嗅来馨、磨来清”，“丰肌腻理、光泽如漆”的佳墨，受到南唐后主李煜的赏识，召奚廷珪为墨务官，赐给“国姓”，因此，奚廷珪又称李廷珪。于是，奚氏全家一变而为李氏，成为千古美谈。从此李墨名满天下，其墨被誉为“天下第一品”，有“黄金易得，李墨难求”之说。因之，李廷珪成为古今墨家的宗师。李廷珪所制的墨，“其坚如玉，其纹如犀”。据记载，北宋书法家、文字学家徐铉，幼时曾得一锭李墨，与其弟徐锴共同研磨习字，“日写五千”，也整整用了十年。更令人赞美的是，磨过的墨，其边有刃，兄弟俩还常用它来裁纸。可见，李墨除了配料精良，在制作时是尤重捶打砸实，故其墨耐磨耐用，能裁纸。又据《遁斋闲览》记载：“(大中)祥符中(1008-1016)，治昭应宫，用廷珪墨为染饰，有贵族尝误遗一丸于池中。逾年临池饮，又坠一金器，乃令善水者取之，并得墨，光色不变，表里如新。”可见，李墨之质地确实有异于常墨。南唐时名家还有朱逢，他是歙县人。李墨虽被南唐后主李煜所赏识，但同属南唐的宠臣、名宦韩熙载却垂爱于朱逢。他把朱逢请到书馆旁烧烟制墨，名其作坊为“化松堂”，名其墨为“云中子”、“麝香月”。可见朱墨也不亚于李墨。李廷珪之弟廷宽，廷宽之子承晏，承晏之子文用及孙惟庆，也业墨，都是名墨工；惟庆还继续任过墨务官。自李廷珪被李煜封官赐姓后，徽州的墨工更重制墨技艺，因而历代都产生过一批批著名的墨工。 宋代结束了五代十国的分裂局面，国家得到了统一。经过一段时期的休养生息，经济文化又重新繁荣起来。宋代统治者重视文治，全国各地书院林立，科举考试制度进一步得到完善，印刷术突飞猛进，出现了一个文化高潮。尤其是宋室南渡后，徽州的制墨业获得了一个千载难逢的机遇：达官显贵、名门望族聚集江南，首先推动了经济的发展；文人墨客的南下，又促成了文化教育的发展；每年临安的科举考试更直接拓展了徽墨的市场。这时的徽州地区，制墨业已步入“家传户习”的繁荣普及阶段，仅官府每年就要向朝廷进贡“大龙凤墨千斤”，而要满足文人墨客、莘莘学子的用墨则要逾万。到了宣和三年(1121)改歙州为徽州时，“徽墨”之名便正式诞生并迅速风靡南宋都城临安，“徽墨”遂成了墨的代名词，代代相传，延续至今。宋代徽州的制墨业“流派纷呈，名工辈出”。黟县的张遇、歙州的潘谷、新安的吴滋等等，都是十到十一世纪徽州制墨业的著名人物。张遇，黟县人，他是油烟墨的创始者，以制“供御墨”而闻名于世。他制的墨因加入了麝香、金箔而称为“龙香剂”，其配方一直相传至今，成为墨中极品。“张墨”为历代收藏家追求的瑰宝。其子张谷、孙张处厚都是一代名墨工。沈桂以松脂、漆滓烧得极黑的烟，名为漆烟，人称其墨“十年如石，一点如漆”。他是漆烟墨的创始者。吴磁所造之墨的妙处在于“滓不留砚”，曾得宋孝宗犒赏缗钱两万的奖励。风靡一时的制墨高手潘谷，被世人誉为“墨仙”。他制的“松丸”、“狻猊”等墨品，具有“香彻肌骨，磨研至尽而香不衰”的优点，被称为“墨中神品”。他因嗜酒而不幸落水溺死，苏东坡深怀激情地写下了“一朝入海寻李白，空看人间画墨仙”的悼亡诗。此诗一直相传至今。宋代制墨业的繁荣，主要表现在四个方面：第一、油烟墨的创立，开辟了中国制墨业的新领域。千百年来，制墨主要以松烟为原料，由于长年累月取松烧烟，致使松树被砍伐殆尽。宋代科学家沈括在他的科学巨著《梦溪笔谈》中曾说：“今齐、鲁间松林尽矣，渐至太行、京西、江南，松山大半皆童矣。”面对松树大量砍伐，墨源严重枯竭，寻求新的制墨原料已迫在眉睫，于是一种新的制墨原料——桐油烟便应运而生。第二，制墨从业人员众多，名家辈出。宋代制墨名家见诸史册的多达百余人，张遇、潘谷、吴滋、戴彦衡、叶茂实等是其代表。他们在选料、配方、烧制、用胶、捣杵等工艺方面，都有独到之处，为后人留下了丰富的制墨遗产。第三，达官贵人及文人墨客与制墨工匠切搓技艺，促进了制墨技艺的发展。宋徽宗虽在政治上昏庸无能，但在书法绘画方面颇有天赋，他创造的“瘦金体”书法，名传千古。他喜欢墨又懂制墨，还亲自实践，推动了制墨业的发展。北宋大文豪苏轼也是一位制墨爱好者，此外秦少游、陆游、黄庭坚等文人都有过参与制墨的经历。文人的参与，极大地促进了制墨技术的发展。第四,人们不但用墨、也开始了藏墨，并出现了藏墨制墨的著作。又因墨中添加药物，人们在实用中发现了墨的药用功能，“徽墨家族”便有了药墨一员，药墨遂成为居家常备的非处方药品之一。 明代以南京为陪都，徽州属“京畿”，经济、文化教育得以发展，尤其是科举考试走向鼎盛后，使徽墨业的生产不仅得以恢复，而且得到迅速的发展。据明末麻三衡的《墨志》记载，明代徽州墨工就有一百二十多位名家，产品除供应国内，还远销日本、东南亚。徽墨发展到明代，其配方、其制作工艺，大多已定制、已公开。松烟、油烟并举；“桐油烟”、“漆烟”被广泛采用；徽墨普遍加入麝香、冰片、金箔等十几种贵重原料，使墨的质地达到一个新的水平。墨家的竞争主要集中在精工制作和墨面的创意、设计以及产品的包装、装璜创新上。各种质地、规格的墨品不断涌现，诸多历史画题、名家典故不断化为墨面的雕刻内容。徽墨已从单纯的文房用品、书写材料，进入了“实用兼欣赏”的工艺美术品行列。各制墨名家为了争夺市场，挖空心思，频出新招，所制墨千姿百态、异彩纷呈。嘉靖年间的方正、邵格之、罗小华以及万历年间的程君房、方于鲁、汪春元、叶立卿等，都是在激烈竞争中相继兴起、各树一帜的代表人物。这时期徽墨不仅质量精良，而且墨的图式、墨印的雕刻，也各尽其美，达到历史的新高。如程君房制的“玄元灵气”墨，董其昌赞赏说，“百年之后，无君房而有君房之墨；千年之后，无君房之墨而有君房之名。”与程君房同时驰名墨坛的当推方于鲁。方氏精制了一种“九玄三极墨”，被誉为“前无古人”的佳品，声誉已经“传九州，达两都，列东壁，陈尚方”。在此期间，富有装饰性的成套丛墨——集锦墨也开始出现。装墨的墨盒也非常精致，有从东南亚进口的楠木、红木等珍贵材料制作的木匣，还有螺甸镶嵌的漆匣。各种制墨的专著也纷纷涌现。竞争促使了徽墨的发展，尤其是印版的雕刻、墨品的装璜，或为名家绘图、或为高手刻版、或为巧手制盒，把制墨业推向一个新的高峰、辉煌的时代，使徽墨超越了文房用品的范围。明代很多著名的画家参与了墨式的绘图，著名的刻工参与了墨印的雕刻，其中画家有丁云鹏、吴廷羽、俞仲康等人；雕刻家有黄鏻、黄应泰、黄应道、黄德时、黄德懋等人。这样，到了正(德)嘉(靖)年间，徽墨便形成了歙、休、婺三大派。歙(县)派，因地处徽州府府治所在地歙县，历朝贡墨、达官显贵用墨几乎为其包揽，产品端庄儒雅，烟细胶清，重香料、重包装。其代表人物为罗小华、程君房、方于鲁、方瑞生等。休(宁)派的产品则雅俗共赏，墨品华丽精致，多套墨、丛墨(集锦墨)，墨面重彩饰，深受文人墨客的喜爱。其代表人物为汪中山、邵格之、叶玄卿、吴去尘等。婺(源)派则属于普及型墨。婺源人，尤其是詹姓墨工，利用当地盛产松烟的优势，所制墨品大众化，价格低廉，深受百姓与学子的欢迎。因婺墨不见重于文人墨客，故绝少记载。其代表人物主要为詹姓墨工，其中有詹华山、詹文生等。“三大派”，各以自己的优势，分摊了墨业市场的份额，各得其所，共同发展并垄断了全国的墨业市场。在明代的徽墨大家中当数歙县的程大约(约博)，世称“墨妖”。他既讲究墨的配方，又注重墨印的雕刻以及墨品的设计、装璜(匣子)，并有《程氏墨苑》行世。其弟程君芳(原名士芳)也制墨，是万历间的高手。他们制的墨，其墨印大多出自徽派著名刻工黄璘、黄应泰之手，因而备受文人墨客的喜爱。《程氏墨苑》也出自二黄之手，该书被郑振铎誉为“此国宝也，人间恐无第二本”(见《却中得书记》)。方于鲁是大约的徒弟，歙县岩寺人，曾与程君芳展开激烈的竞争，并刊有《方氏墨谱》与程氏抗衡，由是也促成了《程氏墨苑》的问世。方氏还以自己的诗作，参与了这场竞争。商场如战场，显示了明代徽墨业竞争之激烈。 徽墨发展到清代，先后出现了“四大家”，即曹素功、汪近圣、汪节庵、胡开文，他们都是徽墨业中的一代翘楚。曹素功，歙县岩寺人，名圣臣，字昌言，号素功，清顺治十二年(1655)秀才，十七年(1660)贡生。康熙六年(1667)，开始顶承吴叔大的铺子，并将吴的“玄粟斋”改为“艺粟斋”。相传康熙帝南巡时，他献的佳墨颇得赏识，康熙帝特赐“紫玉光”，一时名声大振，紫玉光成了曹墨的第一品牌。他著有《曹氏墨林》。其后裔(长子永锡，孙西侯、雨侯，曾孙阶立、鹤亭，六世孙献淮、尧千、德酬、引泉，七世孙毓东、佑桩，八世孙云崕，九世孙端友……)皆制墨，历经十三代未曾中断。乾隆年间曹素功墨肆迁苏州，咸丰10年再迁上海，新中国成立后，其墨肆与胡开文合并为上海墨厂。汪近圣紧跟其后，以制集锦墨著称；“其雕镂之工，装式之巧，无不备美”，更以他的次子汪惟高应诏入清廷内务府教习制墨而名声大振(详下节)。汪节庵，歙县信行人，名宣礼，字蓉坞。墨肆名“函璞斋”，设在岩寺。清乾隆中期崭露头角，为乾隆、嘉庆年间徽州制墨业的名家。汪节庵墨品常被一些高官大吏选作贡品，有“江南大吏，多献方物。入选之墨，必用汪氏”之说。清代学者阮元评说：“在今名第一者，为节庵汪氏”。其名墨有“兰陵氏书画墨”、“新安大好山水”、“青麟髓”等。“胡开文”是清代四大家中的最后一家，也是徽墨业中集大成的一家，同时又是把徽墨推向世界的第一家(详后二、三节)。清代制墨业有四大特点：一是把始创于明朝的仿古墨生产发扬光大并推向一个新高。清代的集锦墨，不仅数量多而且质量精，创历代之最；二是文人自制收藏墨成为雅事和时尚，自制墨的人数、墨种之多，也创历史之最；三是发明了不用研磨的墨汁，堪称中国制墨史上的一次革新；四是精品墨走向世界并获得好评。1915年胡开文后裔制“地球墨”“南极生辉墨”，获得巴拿马世界博览会金奖，为中国徽墨争得了荣誉。清代制墨业在咸丰年间、鸦片战争之后，逐渐走下坡路，这是由于国内战争、民生凋敝，加之帝国主义的入侵，制墨所用的漆和桐油被大量掠夺出口，严重阻碍了制墨业的发展。 新中国成立后，党和人民政府积极支持各地墨厂、墨店的恢复和发展。一九五六年，分别在屯溪、歙县成立了徽州墨厂和歙县徽墨厂；绩溪县则成立了墨业生产合作社；泾县的文化用品厂稍后也恢复生产徽墨，久负盛名的徽墨获得了新生。广大制墨工人在继承传统技法的同时，不断革新，工艺精益求精，品种日新月异。党的十一届三中全会后,尤其是进入80年代，绩溪的制墨业有一快速发展，诞生了以又玄斋为代表的高水平制墨工艺名家。他们在继承传统的基础上创新、发展，恢复了茶墨、青墨、朱砂墨、五彩墨和古香古色的手卷墨的生产，并增添、开发了新的品种。又将墨锭制成各种形态并施以五彩，嵌在锦匣当中，供人们鉴赏珍藏，成为中国又一高雅的工艺美术品。
砚 笔、墨、纸、砚是我国传统的书写工具，也是中华民族艺术中绚丽的瑰宝。千百年来，它以独特的神韵和风采，精美博深的艺术造型，为灿烂的中华文化谱写出累累篇章，被誉为“文房四宝”。现在，我就来为大家介绍一下“文房四宝”中的砚。 砚，也称“砚台”，被古人誉为“文房四宝之首”。因为墨须加水发磨始能调用，所以发墨之石就是砚。其中有陶、泥、砖瓦、金属、漆、瓷、石等，最常见的还是石砚。可以作砚的石头极多，我国地大物博，到处是名山大川，自然有多种石头，所以产砚的地方遍布全国各地。其中最著名的有广东肇庆的端砚、安徽的歙砚、山东鲁砚、江西龙尾砚、山西澄泥砚。 下面我给大家介绍一下著名的“龟形陶砚”。“龟形陶砚”长厘米，宽厘米，通高厘米，现收藏在故宫博物院里。“龟形陶砚”整体为龟形，龟背为盖，上刻精致的龟甲纹，腹部是一个斜坡砚面，底部有一个“寅”字。龟四足撑地，后高前低，龟首伸头微昂，作爬行状，形象刻画清晰，栩栩如生。泥质细腻，呈灰色，是唐代龟形砚中的精品。 笔、墨、纸、砚，各有各的用途，各有各的讲究，所谓“名砚清水，古墨新发，惯用之笔，陈旧之纸”，合起来是整个一套，再写出我们的文字，综合成为我们独特的传统书法艺术。
徽州，古称新安，自秦置郡县以来，已有2200余年的历史，溯源追本，这里曾先后设新都郡、新安郡、歙州等，宋徽宗宣和三年（公元1121年），改歙州为徽州，历元、明、清三代，统“一府六县”（徽州府、太平县、歙县、休宁、婺源、祁门、黟县、绩溪，除婺源今属江西省外，其余今皆属安徽省）行政版属相对稳定。1987年11月，国务院批准改徽州地区为黄山市；1988年7月，地级黄山市正式成立，辖三区（屯溪区、徽州区、黄山区）四县（歙县、休宁、黟县、祁门县）和黄山风景区，总面积9807平方公里，总人口147万。徽州地区是历史上中国经济文化重地，安徽省名中的“徽”字就是由徽州而来。古徽州是徽商的发祥地，明清时期徽商称雄中国商界300多年，有“无徽不成镇”、“徽商遍天下”之说。以徽商、徽剧、徽菜、徽雕和新安理学、新安医学、新安画派、徽派篆刻、徽派建筑、徽派盆景等文化流派构成的徽学，更是博大精深。它与敦煌学、藏学有同样影响。徽州旅游资源得天独厚，密度极大，品位极高，除拥有两处世界遗产外，还有一座全国历史文化名城，三处国家级风景名胜区，一处国家级自然保护区，一处世界地质公园，二处国家地质公园，三处国家森林公园和10处国家级历史文物保护单位，一处国家级历史保护街区。 雄踞域中的国之瑰宝黄山，以奇松、怪石、云海、温泉、冬雪“五绝”著称于世，是中华民族的象征和骄傲，黄山具备“山上有奇景，山下有奇观”的全方位立体之美。西递、宏村世界文化遗产是徽州物质文明的历史遗存，矗立的牌坊代表着徽州人的精神家园，更多的古村落、古建筑体现了徽州远古的繁华和富荣，牯牛降的原始自然传递出徽州大地的久远、淳朴和原生态的珍藏，横亘黄山南北的新安江、太平湖，更增添了黄山水之灵秀。主要名人：朱熹（1130—1200），中国南宋思想家。字元晦，号晦庵。婺源人。陶行知（1891—1946），教育家。1891年10月18日生于安徽歙县。胡雪岩（1823—1885），著名徽商，人称“红顶商人”。名光墉，字雪岩,绩溪人。胡锦涛（1942— ），中华人民共和国主席。绩溪人。胡适（1891—1962），著名学者。原名嗣穈，学名洪骍，字希疆，后改名胡适，字适之，笔名天风、藏晖等，绩溪上庄村人。戴震（1724—1777），清代考据学家，思想家。字东原，休宁隆阜人。方腊（？-1121年），北宋末年农民起义领袖。又名方十三,歙县人，一说睦州青溪人。程大位（1533—1606），明代数学家。字汝思，号宾渠，休宁率口人。汪机(1463—1539)，新安医学奠基人。字省之,别号石山居士,祁门城内朴墅人。吴承仕（1884—1939），经学家、古文字学家、教育家。字检斋，歙县人。弘仁（渐江）(1610—1664)，新安画派创始人。俗姓江氏，名韬，字六奇，又名舫，字鸥盟，出家后取法名弘仁，号渐江学人、渐江僧。歙县人。汪士慎（?－1759），扬州八怪之一。字近人，号巢林，又号溪东外史，休宁人（一说浙江人，或歙县人），流寓扬州。与金农相友善。笔墨习染，逐臻妙境。相关链接徽墨歙砚徽州古道关隘【徽安古道】古道名。由徽州府城至安庆府城。从歙县沿徽浮古道至祁门县城，由祁门县城北上，经臂岭、大但、大洪岭至雷湖；转向西北，经琅田、古楼墩至金汉培，入石埭县境；再经横渡、七里、矾滩，沿鸿陵溪北行，过唐家渡，经塔坑、九里冲入贵池县境；经十字路、牌楼、吴田、黄溢至安庆。全程210公里。这条古道，以祁门县境内大洪岭段最为难行。明万历年间，祁门县有儒妇郑氏，曾捐银修辟。其后之年久失修，洪水冲刷，山崩道塞，石瞪剥蚀，几至断绝交通。清道光年间，地方人士捐款整修，凿山平路，改善弯道，加铺石板，路况遂有改观。整段岭路上七里下八里，岭头有石碑二块，一刻修路经过及捐款、开支情况；一刻养护道路规定。现屯溪至安庆已通公路，古道荒废。【徽昌古道】古道名。由徽州古城至浙江昌化县。出歙县南门，东北行，经渔梁、鲍家庄、呈村降、大阜、霞坑、苏村、粑樟里、三阳、星岭关至浙江昌化县，通杭州。歙城至星岭关62公里。三阳之东，从竹铺至星岭关为高山地带，岭峻路险。其余路段，依山傍河，为走廊地带。星岭关路段相传为1131年岳飞提兵讨杨么过此而建，元代曾整修。这条古道1932年改建为公路。【徽池古道】古道名。由徽州府城至安庆府城。沿徽州至安庆古道，行至石添唐家渡分路，转向正北，经沟汀、鹪鹩入贵池县境；至虎子渡，沿秋浦河，指北偏西，顺流直下，经高但、殷家汇转。向东北行至贵池城。全程200公里。【徽浮古道】古道名。由徽州府城至江西浮梁县。从歙县城西行，经棠樾、唐模至潜口，转向西南，经塘贝，跨丰乐水，过塘坞，至休宁徽光，经万安至休宁县城；出休宁县西门西行，经夹溪桥、川湖街、蓝渡、岩脚至界首，过界首至至黟县渔亭；由渔亭西行，经楠木岭至祁门县的横路头、再西行，经金字牌、洪村至祁门县城；由祁门县城再西行，经新岭、小路口、石坑、大北埠、罗村铺至闪里；由闪里南下直趋浮梁县城，全程200公里。潜口至塘坞10公里，路宽之至3尺，石板路面；徽光至休宁县城10公里，路宽7尺，其路中为石板路面，宽尺；休宁县城至渔亭28公里，蓝渡桥南沿横江至岩脚段古道尚存，路宽尺，路中石板路面宽尺；渔亭至祁门县城27公里；祁门县城至浮梁县城125公里。徽浮古道横贯徽州西部，是古代驿道。现在这条路的大部分路段为慈张公路所利用。【徽泾古道】古道名。由徽州府城至泾县。出歙县城向东北行；经吴山铺、牌头、新管、上新入绩溪县境；经临溪、雄路至绩溪县城；从绩溪县城向西北行，经高村、翠岭、镇头、浩寨至分界山（绩溪、旌德县界）；过分界山，经七里铺至旌德县城；由旌德县城再向西北行，经新桥、柳山铺、高口铺、三溪铺至浙溪入泾县境；再北上，经榔桥至泾县城。全程94公里。歙绩段30公里，道路平坦，路宽6至9尺，修建慈张公路时被利用。绩溪县城至旌德县城段古代设有驿铺，自唐至清，为官员往来宣州、徽州的官道之一。其间，翠岭段陡峻难行。宋代在翠岭设立关寨，名"翠岭关"，1555年在关头重建城蝶，为军事要塞。清康熙年间，耿精忠响应吴三桂反清，攻绩溪，翠岭一带是两军争夺的战场。宋王安石为江东提刑时，由江西经徽州赴宁国府，经过此道，有"夜过翠岭月明中"诗句。清人施润章亦有《过晕岭》诗："崇冈郁峻脂，鸟道绕山腹。仰探白日短，俯瞰阴霞伏。鱼贯渡行人，马瘦艰踝囹。春晴多好风，吹我岩壑绿。农耕岭上云，妇饭溪中犊。羁心旷登陈，瘠土见风俗。华阳灵迹闪，杖策寻石屋。 50年代，镇头以北，沿古道走向建成绩溪至旌德公路，翬岭古道已少行人。【徽开古道】古道名。由徽州府城至浙江省开化县。出歙县城西门，过太平桥西南行，沿丰乐水直上，绕过圣僧庵，经七里头、冷水铺、梅村至岩寺；自岩寺向南行，经于村至莫墩，转向西南行，进入屯溪；由屯溪再甫行，经阳湖、临溪、汉口至珍源（古为休宁、开化县界），再前行，越马金岭，直趋浙江开化县城）歙县至屯溪段路宽3至尺，现绝大部分为兴建芜屯公路所利用。屯溪至开化段为石板路面，现在大部分路段为屯开公路所利用。【徽宁古道】古道名。由徽州府城至宁国县。沿徽径古道至绩溪县城，由绩溪县城向东北行14公里至丛山关，出关入宁国县境再向东北行，经金沙、三十八号桥至宁国县城。此道古代设有驿铺，是官员往来徽州的官道之一。明程敏政由京城返乡，经此道过丛山关，曾赋诗："江南江北路迢迢，马上朱颜觉渐调。今日故乡初入眼，丛山关下巧溪桥。"此道现为慈张公路所利用。【徽青古道】古道名。由徽州府城至青阳县。出歙县北门，西北行，过万年桥，经富惕至许村；由许村北上，经五猖庙、茅舍、茶但至窘岭关；过菩岭，入太平县境，至上岭脚，经谭家桥、感样里、迄溪、马兰地、三口至仙源；西行至甘棠，转向西北，经秧溪河至广阳，广阳北上直通青阳县城。此路多为石板道，石面光滑，路宽3至6尺。【徽婺古道】古道名。由徽州府城至婺源县。自歙县至屯溪，从屯溪起，向西南行，经黎阳、高枧、瑶溪、新村、霞阜、龙湾至五城；转向南，经山斗、于金担、官铺街、黄土岭、下但，出休宁县界，前行通婺源县。瑶溪至五城段古道仍存，石板路面。其余路段多为公路利用。古时，此道为婺源和徽州的联系孔道，婺源茶叶由人力通过此道挑运至休宁龙湾，然后由水路或陆路运屯溪；由屯溪运去食盐、布匹、粮食和其它日用品。休宁西南部的茶叶及其它土产，也大部分由此道运至屯溪交流。 "【徽饶古道】 徽饶古道始建于唐代，均用长约4尺青石板条铺砌而成的，由长江以北通往徽州、饶州等地的客商必经之道，故被称“古徽道”，“徽饶道”即属旧时的“国道”。 徽饶古道穿越是徽道的其中一段，全程15公里左右，由于年久失修，现在尚未完全开发，沿途断崖峭壁林立，崇山峻林，自然风光秀丽，适合初级户外爱好者的穿越体验。【江南第一关】关隘名。又名逍遥岩。位于绩溪县伏岭乡东部。海拔424米。乃徽州至杭州古道要隘。危岩陡绝，南北夹峙，上多怪石，下临深渊。1257年绩溪县人胡旦，随山势开凿瞪道，以便行旅。元大德和明成化年间曾重修。从关脚至隘口瞪道约1400余阶，部分绝壁嵌入2米长花岗岩石条，筑成瞪道。关门由四根巨大石条横架在天然石住上构成。东西两媚分别镌有"徽杭锁钥"和"江南第一关"字样。关东施茶亭旁岩石上，刻有记古道小史碑文。关名为明胡宗宪所取。徽州塔桥【下尖塔】塔名。位于徽州区潜口村南。建于1544年。塔七层八角，底层直径约10米，层层缩小，外观如锥，俗称"潜口锥"。塔空心仅两层，第一层：四面砌须弥座，墙上绘有佛像，第二层壁间嵌砖雕楣匾，内镌"翼峰"二大字，旁署"嘉靖二十三年甲辰岁，竹溪翁汪道植谨立"。其余五层为实心。现塔檐及顶部已毁，为徽州区重点文物保护单位。【岩寺塔】塔名。位于徽州区岩寺镇北，西临丰乐河；又名水口塔。始建于1544年，清康熙、道光年间曾作修葺。七层八面，高约66米，底径约8米，逐层略内收。塔楷底层外伸米，向上逐层加码，至第七层檐出3米，使上层檐水直滴至地，为古塔奇构。塔内有砖阶自复壁中盘旋而上，每层皆有佛龛、金匾。清末塔檐被焚，1914年塔顶又被雷击倒坍，现仅存珠墩以下砖砌塔身。塔东有凤山台，与塔同时建造。传说初建时，以塔为笔，以台作砚，以塔西余公桥（已毁）当墨，预示岩寺镇文运昌盛。现为戳州区重点文物保护单位。园林水口【徽州园林】区域园林名称。作为供游憩、文化娱乐、起居要求而兴建的徽州园林，有文献可稽者，从北宋开始。宋政和年间绩溪许润构乐山书院，建有天月亭、南楼等小筑，常登览其上。婆源朱氏园有池，有亭，朱韦斋写有"方塘荫瓦影，净见鲸鲤行"的诗句。宋至元代，徽州私家园林营筑较多，其中著名的有：宋绩溪乐山书院，婆源朱氏园，歙县醉园、先月楼，休宁竹洲吴氏园亭、首村朱氏园亭、东野山房、璜原吴氏园亭、龙源赵氏园亭，黔县培筠园；元代休宁有林泉风月亭、醉经堂、月潭朱氏园亭、秋江钓月楼等。除黔县培筠园尚存部分水石遗构，其余已不存，只能从有关文献中了解当初的面貌。明清时期，徽商将大量的金钱投入园林建设，使徽州园林达到极盛。徽州区西溪南村老屋阁右侧的私家花园，面积仅400多平方米，营构极精，花园内遍植花木。左侧为一方池塘，称"渔翁塘"，养荷放鱼，供人观赏垂钓。池畔建绿绕亭，老屋阁住宅拱立池、园之中，意境清新恬适。岩寺镇有八大名园：娑罗园、菜园、檀山苑、西墅、会心园、茂林修竹、香雪窝、方氏园。村落水口原为风水而建，通过人们的经营，楼、台、亭、阁、塔、桥隐现于古树绿荫丛中，成为普通村民休憩娱乐的场所，是中国最早的公园形式。歙县郑村经郑氏族属的经营规划，全村景致呈现园林化意境，族人郑九夏曾作《十二景图》，每图题诗一首，是人工造园与自然景观相结合的较早范例。徽州园林崇尚自然，就形造景，寓情于景（参见[竹洲吴氏园亭]）。尤其"新安大好山水"，处处是景，借景入园，全无人工雕饰的痕迹，为徽州园林的最大特色。【果园】庭园名。位于徽州区西溪南村。始建于明，盛于清。当年园内有亭台楼阁，假山湖池，曲桥石堤，名花修竹。四周花墙围筑，园内景致迷人，花香鸟语，四季如春。此园相传为江南才子祝枝山所设计，今大部分毁于兵灾，仅存假山、仙人洞、湖池及部分围墙遗址。【潜口水口】水口名。位于徽州区潜口村。紫霞峰为黄山山脉南侧起点，有"黄山第一峰"之称，此峰位于潜口村南侧，山下溪水婉蜒而过，石板大道直通村中心，水口即设于此。紫霞峰高不到50米，呈环抱状。山顶古树茂密，以甜丘树和枫树为主。石板道两旁遍植紫荆花。山拗处原建有观音大殿，观音塑像后有泉水流出，甘甜清凉。寺院除大殿外，二厢有附房供僧人住宿。院内地面全用石板铺筑。顺溪水，过小桥，迎面筑有灵官殿。石级迂回而上，有览胜亭。每逢节日或休闲时节，村人常到此游览或祈祷。
宣笔 泾县产笔，历史久远。相传古代自有书契以来，我国便开始有笔，不过早期的毛笔很简易，也不叫笔。战国时期楚称笔为聿，吴称不律，燕称弗，到了秦代始称为笔。据记载，公元前二二三年，泰将蒙恬南伐楚国，路过中山（即现在宣城、泾县一带），得 到毛纯质佳的兔毫，遂制造出第一批改良的秦笔。后人因称豪恬为笔工之祖师，那么，这种以中山之毫所制的亲笔，应该说就是今天宣笔的祖先. 宣笔选料严格、精工细作，具有装模雅致，毛纯耐用，刚柔得中，尖圆齐健兼全的独特风格。唐、宋时代，宣城兔毫（又称紫毫）笔极受书画名获的仰慕和追求。唐代诗人白居易曾写下脍炙人口的《紫毫笔诗》：“江商石上有老兔，吃刘饮泉生紫毫，宣城工人采为笔，千万毛中拣一毫。”又云：“每岁宣城进笔时，紫毫之价如金贵。”诗人耿伟在亲试宣笔后，欣然写 了《咏宣州笔》，盛赞道：“落纸惊风起，摇 空邑露浓，舟奇与纪事，舍此复何从！”唐律把宣笔列为“贡品”，作了“岁贡青毫六两，紫毫二两”的规定。到了宋代，笔工巧匠辈出，制笔技术又前进了一步，笔杆的雕镂艺术也达到了精美绝伦的地步。当时全国制笔业中，以宣城诸葛高、诸葛渐、诸葛元等名声最重。梅圣俞诗赞：“笔工诸葛高，海内称第一。”著名文学家苏东坡 应试时用宣州笔，经“终试不败”，遂“以为珍玩”，平生书字每得诸葛笔则宛转可意，自谓除宣城外，不仅岭南无笔，就连“都下”亦无称心之笔。宣笔产于我省泾县，已有二千多年历史。因品质优良，曾被列为“贡品”、“御用笔”。宣笔选料精慎，工艺要求严格，主要以兔毛、羊毛、狼毛为原料，有“装潢雅致、毛纯耐用、刚柔适中、尖圆齐健”的独特风格。有260多个品种，其中“古法胎毫”、“梦笔生花”’、“莲蓬斗笔”等品种，为笔中精品。 徽墨 徽墨产于徽州地区的屯溪、歙县、绩溪等地。距今已有千年历史。徽墨以松为基本原料，渗入20多种其他原料，精制而成。成品具有色泽黑润、坚而有光、入纸不晕、经久不褪、馨香浓郁及防腐防蛀等特点，宜书宜画。高档徽墨有超顶漆烟、桐油烟、特级松烟等。 徽墨的生产始于南唐。创制人是奚超、奚廷父子。唐中叶至唐未，由于藩镇之乱，连年征战，大量的人口和经济重心南移，奚氏一家由河北易水（今易县）南迁，为黄山白岳之奇和练溪、新安之妙所吸引，遂定居歙州。奚氏父子本是制墨能工，此时得皖南的古松为原料，又改进了捣松、和胶等技术，终于创制出“丰肌腻理，光泽如漆”，经久不褪，香味浓郁的佳墨。南唐后主李煜，雅爱书法绘事，将召奚廷担任墨务官，井赐给“国姓”的奖励。于是，奚氏全家一变而为李氏。李廷成为古今墨家的宗师。宋宣和年间，就出现了“黄金易得，李墨难求”的局面。 宋时，随着制里亚的繁荣，形成了“徽人家传户习”以及“新安人例工制墨”的盛况。黟县的张遇、黄山的沈桂、歙州的潘谷、新安的吴滋，等等，都是十到十一世纪制墨业的著名人物。张遇是油烟墨的创始人，以制“供御墨”闻名于世，其“龙香剂”为历代收藏家追来的瑰宝；沈以占松煤用脂、漆滓烧之，得烟极黑，名为漆烟，人称其墨“十年如石，一点如漆”；吴磁所造之墨的妙处在于“滓不留砚”，曾得宋孝宗犒赏缗线二万的奖励。风靡一时的制墨高手潘谷，被世人誉为“墨仙”。他制的“松丸”、“狻猊”等墨品，具有“香彻肌骨，磨研至尽，而香不衰”的优点，被称为“墨中神品”，他晚年不幸落水溺死后，苏东坡写下“一如入海寻李白，空看人间画墨仙”的诗句悼念他。 砚 笔、墨、纸、砚是我国传统的书写工具，也是中华民族艺术中绚丽的瑰宝。千百年来，它以独特的神韵和风采，精美博深的艺术造型，为灿烂的中华文化谱写出累累篇章，被誉为“文房四宝”。现在，我就来为大家介绍一下“文房四宝”中的砚。 砚，也称“砚台”，被古人誉为“文房四宝之首”。因为墨须加水发磨始能调用，所以发墨之石就是砚。其中有陶、泥、砖瓦、金属、漆、瓷、石等，最常见的还是石砚。可以作砚的石头极多，我国地大物博，到处是名山大川，自然有多种石头，所以产砚的地方遍布全国各地。其中最著名的有广东肇庆的端砚、安徽的歙砚、山东鲁砚、江西龙尾砚、山西澄泥砚。 下面我给大家介绍一下著名的“龟形陶砚”。“龟形陶砚”长厘米，宽厘米，通高厘米，现收藏在故宫博物院里。“龟形陶砚”整体为龟形，龟背为盖，上刻精致的龟甲纹，腹部是一个斜坡砚面，底部有一个“寅”字。龟四足撑地，后高前低，龟首伸头微昂，作爬行状，形象刻画清晰，栩栩如生。泥质细腻，呈灰色，是唐代龟形砚中的精品。 笔、墨、纸、砚，各有各的用途，各有各的讲究，所谓“名砚清水，古墨新发，惯用之笔，陈旧之纸”，合起来是整个一套，再写出我们的文字，综合成为我们独特的传统书法艺术。
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清朝末年，有一地方官，姓郑，名燮，为人清廉正直，体恤民情，倍受百姓爱戴。
深夜，郑燮在县衙内休息，听见风吹竹子发出萧萧金石之声，他立即联想到百姓啼饥号寒的怨声。心想：虽然自己仅是一介小官，但老百姓的一举一动也牵动着自己的感情呀！于是，他起身挥笔泼墨，作了一副墨竹图，并题诗一首，送予上级，望上级应允开仓放粮，缓解灾情。
但这幅诗画入却石沉大海，至今了无音讯。而这边情况紧急，百姓饥寒交迫，怨声愈来愈大。
爱民如子的郑燮不忍百姓受苦，决定不待上级的命令，提前开仓放粮。尽管事业苦口婆心地劝告：“大人，您这样做会自身难保的，若没有上级批准便私自开仓，是会被罢官的，望大人三思啊！”郑燮意志坚决，不顾劝诫，开仓放粮，灾情总算得到控制， 数日后，郑燮私自开仓之事传到上级耳中，上级觉得郑燮越权，是对自己不尊重，将其罢官。
郑燮也意识到如今官场昏庸，不是自己所能适应的，无官一身轻，何尝不是件好事？于是他和众多文友云游四海，写下不少抨击朝廷腐败的不朽杰作。 郑燮两袖清风，正直清廉，不畏权贵的气节最终流芳千古。
墨竹图题诗（清） 郑燮衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声。
些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。注释衙斋：衙门里供职官燕居之处。
萧萧：竹枝叶摇动声。吾：我。
曹：古代分科办事的官署。一枝一叶：一举一动，也指画上的枝枝叶叶。
关情：牵动感情。译文卧在衙门的书房里静听着竹叶沙沙的响动，总感觉是民间百姓啼饥号寒的怨声。
我们虽然只是小小的州县官吏，但老百姓的一举一动就像衙门卧室外竹子的一枝一叶，都牵动着我们的感情。赏析：诗的一、二两句托物取喻，而三、四两句畅述胸怀。
第一句“衙斋卧听萧萧竹”，写的是作者在衙署书房里躺卧休息，这时听到窗外阵阵清风吹动着竹子，萧萧丛竹，声音呜咽，给人一种十分悲凉凄寒之感。且"萧萧"二字表达了作者为人民着想的胸怀。
第二句“疑是民间疾苦声”，是作者由凄寒的竹子声音产生的联想。由自然界的风竹之声而想到了老百姓的疾苦，好像是饥寒交迫中挣扎的老百姓的呜咽之声，充分体现了作者身在官衙心系百姓关心百姓的情怀。
第三句“些小吾曹州县吏”，既是写自己，又是写包括，可见为民解忧的应该是所有的“父母官”，这句诗拓宽了诗歌的内涵。第四句“一枝一叶总关情”，这句诗既照应了风竹画和诗题，又寄予了深厚的情感，老百姓的点点滴滴都与“父母官”们紧紧联系在一起的。
郑板桥的这首题画诗，由风吹竹摇之声而联想到百姓生活疾苦，寄予了作者对老百姓命运的深切的关注和同情，一个封建时代的官吏，对劳动人民有如此深厚的感情，确实是十分可贵的，萧萧两字使作者联想到百姓啼饥号寒的怨声，表现了作者关心百性疾苦亲民爱民的胸怀。情怀：郑板桥的这首题画诗，由风吹竹摇之声而联想到百姓生活疾苦，寄予了作者对老百姓命运的深切的关注和同情，一个封建时代的官吏，对劳动人民有如此深厚的感情，确实是十分可贵的，萧萧两字使作者联想到百姓啼饥号寒的怨声，表现了作者关心百性疾苦亲民爱民的胸怀。
意思在一个凄风冷雨的夜晚，我一个人在衙门里休息的时候，听见门外的竹叶萧萧作响，仿佛听见了贫苦百姓生活疾苦的怨声。我们虽然只是州县里的小官吏，但是百姓生活上的每件事情都在牵动着我们。
原文：
《潍县署中画竹呈年伯包大中丞括》
清朝.郑燮
衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声。
些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情
扩展资料：
创作背景：
这首诗是郑板桥于乾隆十一、二年（1746年—1747年）间任山东潍县知县时所作。科举时代称同科考取的人为同年，对同年的父辈或父亲的同年称年伯。包括即是郑板桥的年伯，他当时任山东布政使，署理巡抚。清代巡抚又称中丞，“大”是表示尊敬之意。郑板桥曾画过一幅《风竹图》呈送包括，此诗即是题写在这幅画上的。
参考资料来源：搜狗百科-潍县署中画竹呈年伯包大中丞括
铁骨铮铮 心音娓娓 iRUE[.hO`——李照东《墨竹图》题诗赏析 [[3x©潮学网论坛 -- 潮学网，我的天地 zy99-xci\M 李照东，生于1954年，达濠人。署其居为闲杂草堂。5岁开始临习名家字帖，7岁因一手书法而享誉粤东，时称神童，并得到许多名书法家如侯过、容庚、商承祚、秦萼生等的指点。20岁以后学习绘画，开始从《芥子园画谱》和潮籍画家王兰若、刘昌潮、郑辅宣等作品学起，然后刻苦钻研历代名画，悉心研究李可染、傅抱石、黄宾虹等近现代画家的绘画技法，期间林丰俗晓以写生之道，从此走遍祖国名山大川，留下大量游记、写生。">`uf'h_A在长期学习传统的过程中，逐渐体会到，古代画家与西方画家的写生观念有所不同，他们重视主客观融洽，具象与抽象统一，再现与表现结合，因此他们重视的不再是山水形貌、云烟变幻、四时风物，不只是单纯、准确再现自然景物，而是将个人的精神意念和对自然、对人生诸多的理解形诸于笔墨，抒写自己的意趣和情感，自由地表现物象的形态和精神。这是他对传统情有独钟的原因，始终执著地视笔墨为其绘画的精神骨髓，其构思、立意以“闲”、“杂”为依归，格调因而显得大气磅礴。1979年在广东省梅州工艺厂任美术教师。1984年以后到深圳南山区工作。现为深圳市南山区美协主席。书画作品曾参加国内外、省内外各级展览，山水画《白水悠悠入暮云》在首届中国写意画展获优秀奖。出版有《李照东书画集》。iOT@rQo|I\|李照东所画《墨竹图》，画中写新竹三竿，交叉呼应，叶分几组，枝叶飘摇，清韵萧萧，似飒飒有声。此图竹竿圆劲饱满，铁骨铮铮，竹枝简练概括，清瘦挺拔，随手撇写的竹叶，俯仰向背，奔放流畅，富有立体感和层次感，勾节不落俗套，一笔之中墨色多变化，蕴含书法笔意，流露出无限生意，具有顽强生命力，给人以动感和力量。右上角用行草书题诗一首，斜构图的动势，竖题款的稳定，两相呼应，动中有静，表现和谐统一的美，诗曰："|`lGmT$W竹有虚心节，平生我敬之。竹有凌霄志，青云非我宜。清流自不息，艺海泛轻舟。 mvqJMSD6j题款“乙酉年冬，鸿杰先生雅正，李照东于述古堂。”诗人赋竹以生命力，把竹人格化，在赞美其虚怀与傲骨的同时，又有自己的取向，从有所取和有所不取中，表明自己的人生态度和艺术追求：竹有虚心节，指出竹子有气节、能“虚心”的品格。虚心能成大器，劲节方显奇才，其高风亮节确实让人敬之爱之，诗人平生抱负愿做一棵“虚心竹”，勤奋好学，敢斗苦寒。竹有凌霄志，竹子飘逸潇洒，挺拔向上，但诗人安贫乐道，怡然自得，淡泊名利，醉心艺术，丝毫没有青云直上的尘俗欲望。诗人这里心涌的清泉，是平淡质朴、从容而单纯的清流，这种有源头的活水，绵绵流淌，蜿蜒而充满生生不息的活力。6s2lswB在这诗中，诗人用朴素语言和自然音调，追求诗情和画意的互相渗透，表现出单纯又隽永的韵味，寄托悠悠情愫，吐露娓娓心音
这是郑板桥的《潍县署中画竹呈年伯包大中丞括》中的诗句，全诗是：
衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声。
些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。
这两句诗表面上是写竹子的，意思是：我们这些小小的州县官吏，衙门卧室外竹子的一枝一叶，都牵动着我们的感情。而实际的含义是：我们虽然只是小小的州县官吏，但老百姓的一举一动都牵动着我们的感情。充分体现了郑板桥对百姓疾苦的关心。
这首诗是郑板桥在乾隆十一、二年间出任山东潍县知县时赠给包括的。一二两句托物取喻。第一句“衙斋卧听萧萧竹”，写的是作者在衙署书房里躺卧休息，这时听到窗外阵阵清风吹动着竹子，萧萧丛竹，声音呜咽，给人一种十分悲凉凄寒之感。第二句“疑是民间疾苦声”，是作者由凄寒的竹子声音产生的联想。作者由自然界的风竹之声而想到了老百姓的疾苦，好像是饥寒交迫中挣扎的老百姓的呜咽之声，充分体现了作者身在官衙心系百姓的情怀。三、四两句畅述胸怀。第三句“些小吾曹州县吏”，既是写自己，又是写包括，可见为民解忧的应该是所有的“父母官”，这句诗拓宽了诗歌的内涵。第四句“一枝一叶总关情”，这句诗既照应了风竹画和诗题，又寄予了深厚的情感，老百姓的点点滴滴都与“父母官”们紧紧联系在一起的呀！郑板桥的这首题画诗，由风吹竹摇之声而联想到百姓生活疾苦，寄予了作者对老百姓命运的深切的关注和同情，一个封建时代的官吏，对劳动人民有如此深厚的感情，确实是十分可贵的。
这首诗意思是：卧在衙门的书斋里，静听着竹叶的沙沙地响动，总感觉是民间百姓疾苦号寒的怨声。在州县里像我们这些地位卑下的小官吏，民间每一件小事如同画上的每一条枝叶，总牵动着我们的感情。
这两句诗表面上是写竹子的，意思是：我们这些小小的州县官吏，衙门卧室外竹子的一枝一叶，都牵动着我们的感情。而实际的含义是：我虽然只是小小的州县官吏，但老百姓的一举一动都牵动着我的感情。充分体现了郑板桥对百姓疾苦的关心。
这首诗是郑板桥在乾隆十一、二年间出任山东潍县知县时赠给包括的。一二两句托物取喻。第一句“衙斋卧听萧萧竹”，写的是作者在衙署书房里躺卧休息，这时听到窗外阵阵清风吹动着竹子，萧萧丛竹，声音呜咽，给人一种十分悲凉凄寒之感。第二句“疑是民间疾苦声”，是作者由凄寒的竹子声音产生的联想。作者由自然界的风竹之声而想到了老百姓的疾苦，好像是饥寒交迫中挣扎的老百姓的呜咽之声，充分体现了作者身在官衙心系百姓的情怀。三、四两句畅述胸怀。第三句“些小吾曹州县吏”，既是写自己，又是写包括，可见为民解忧的应该是所有的“父母官”，这句诗拓宽了诗歌的内涵。第四句“一枝一叶总关情”，这句诗既照应了风竹画和诗题，又寄予了深厚的情感，老百姓的点点滴滴都与“父母官”们紧紧联系在一起的呀！郑板桥的这首题画诗，由风吹竹摇之声而联想到百姓生活疾苦，寄予了作者对老百姓命运的深切的关注和同情，一个封建时代的官吏，对劳动人民有如此深厚的感情，确实是十分可贵的。
今年山东闹饥荒，家家户户都家徒四壁，饭不能吃饱，街道上，好多饿死的尸体~我作为山东县父母官，应该帮主她们！我要召集衙役，让他们去统计街上逃荒的饥民大概有多少？按照一人一升米，需要多少，大概计算一下？再者，差人通知县里有名望的家族以及在职官吏，请他们会议大厅见面.我会对他们说：“虽然是些小小的州县官吏，但是衙要我们门万众一心，就一定能够卧战胜这次室天灾，外请大家多多帮主吧！竹外面的子的一枝一叶，都都相互关心的，更们是有血有肉的人呢！“请你们按照自己的能力去力所能及的捐献钱财或者粮食.我就拿出自己全部家当，去买米！可是还不够，我在奏折上报皇上，山东饥荒，我郑板桥擅自做主，打开衙门的粮仓，向饥民发放粮食，请皇上降罪！我还得找到米商，让他们不准囤货不卖，以便抬高物价，借此发国难财！凡是有违背的商人，立即斩首！希望帮得上你。
君不见，岁之寒，
何处求芳草。
又不见，松之乔，
青青复矫矫。
天地本无心，万物贵其真。
直干壮山岳，秀色无等伦。
饱历冰与霜，千年方未已。
拥护天阙高且坚，
迥干春风碧云里。
释字；解词：
君：你
阙：宫殿
迥：远
这首诗描绘了苍松的坚强质朴，表现了作者不屈从权贵，耿直廉洁的铮铮铁骨。
译文：
你看到了吗，天已经很冷了，到处没有绿草；可是，你又看见了吗，松树屹立着，还那么青翠挺拔。天地之间本来都不是刻意修饰的，世间万物贵在保持本真。松树的枝干像山岳一样雄壮，冬日里的青秀无与伦比。它饱经风霜，经历千年万年。它高直的样子表示拥护天宫，在青天只上期盼着春风。
1.品诗：引导学生课堂交流，大胆质疑，解决疑难。找自己最喜爱的诗句，说明理由。
（明确：“君不见，岁之寒，何处求芳草。又不见，松之乔，青青复矫矫”写出了松在寒冬之际为大地增添了绿意和娇姿。“天地本无心，万物贵其真。直干壮山岳。秀色无等伦。饱历与冰霜，千年方未已”这一层写出了苍松的品格，其中“直干壮山岳，秀色无等伦。饱历冰与霜，千年方未已”是对其品格高度赞美。而“天地本无心，万物贵其真”是隐语，隐含作者的褒扬之意。最后一层“拥护天阙高且直，迥于春风碧云里”，作者从松的外形入手，为本诗更添了悠远、清丽的意境，尤其最后一句，“春风碧云”带给读者无限的希望与憧憬，颇有“冬天已经过去，春天还会远吗？”之意。）
2.赏画：
(1)整体欣赏画面。
(2)图中的怪石、苍松各有什么样的特点，相互关系，各有什么寓意？
怪石：耸立（不屈不挠）象征诗人的铮铮铁骨；
苍松：挺劲（饱经风霜）象征诗人刚正不阿的气概。
（二者关系：怪石耸立，不屈不挠，为苍松设置了一个极好的生存背景，两者互为映衬更显其“苍、怪”。画中怪石耸立，不屈不挠，为苍松设置了一个极其恶劣的生存背景，但是苍松依然扎根岩石，挺拔青翠，可见其生命力之强。两者互为映衬更显其“苍、怪”。）
姜子龙老师的墨竹，写意山水画出灵感。竹笋可以厚积薄发，熬沥春秋四载，终能节节高升。四载春秋，四载风霜，根基基于大地深处，所能遇风不折，遇水而不如浮萍。竹生而有节、四季常青、却又外实内空、其枝弯而不折。姜子龙先生的墨竹如此，一竹观万物之性，一竹知万物之本。生而有节，竹节外露，表明了就算光滑的竹杆，相接出也依旧不能光滑如初，代表着万物都会为自己的生命做出改变而不是一踿而就的活着。四季常青，使象征着万物对生命有着无限的向往，对生有无比强大的向往，对命有足够尊重的态度。外实内空，则代表了虚怀若谷的姿态与气概，从而能舍己为人可以菩提树下割肉喂鹰，可以遵守这大自然为恶为善却又皆为生的食物链。而其枝弯而不折，明喻了万事万物生而脆弱却又刚强。万物皆善，万物皆恶。竹知万物，万物之中可知万物，万物皆相连。生从而为恶，生是建立在死的基础之上，没有人会永远年轻，但永远有人年轻着。从死到生不是剥夺而是汲取是传承是轮回。如果没有生，或许也不会有死了吧。生从而为善，生而善恶就如同一场又一场的轮回，生而为善是为了汲取，传承以及等待的下次的轮回。知其雌守其雄：知道万物的根源，万物的来源，才能掌握它们。才能统御万物，知常达变，故能殁世不殆；人无法统御万物，就会被万物所统御，丧己于物，失性于俗。一竹知万物，万物皆如竹。