后现代主义艺术论文

摘要:本文阐述的后现代主义艺术与当代人观念之间的相互影响,以一种批判的眼光,论述了后现代主义作品虚伪及做作,表达出作者盼望一种回归自然的审美观念,正如卢梭所说:"出自造物主之手的东西都是好的,而一到了人手里,就变坏了."自然的总是美的.关键词:古典主义,后现代主义,无序性,精神危机人和动物的一个区别就在于人最善于摹仿，并且通过摹仿获得了最初的知识，从最早的原始壁画中，人类对大自然进行的最初的摹仿，并且我们可以把这一行动看成是美术的起源。如果说大自然本身代表着一种和谐与完美，那么美术的本质就是对和谐与完美的一种摹仿，我们的一切对美的追求与创新都包含在这样的摹仿中，因为对大自然本身进行的摹仿就是一种创新。 将受后现代主义影响的美术作品拿来与这个美术的起源进行相对照，我们将会发现我们当代的美术发展已经远离了最初的目的，也许正是这个原因，许多支持后现代主义的人说后现代主义是一种革命和创新，其实则不然，这样的艺术发展是一种南辕北辙式的，导致的结果将是会产生畸形和荒诞的艺术作品，有人说这是风格问题，但是我认为不能将后现代主义看成是一种艺术风格，首先要形成某一种艺术风格，该艺术作品本身必须具有高度的有序性，我们可以把巴赫的音乐和莫扎特的音乐看成两种不同的艺术风格，但是绝对不能把音符通过随机的排列组合形成的音乐说成是一种艺术风格，而把提高到与巴赫和莫扎特音乐同样的高度。虽然我们说后现代时后面加上“主义”二字，但是后现代主义依然不能像古典主义或浪漫主义那样形成自己独特的风格和体系，更不能像文艺复兴那样成为我们这个时代的文艺运动。因为后现代主义艺术形式虽然有它自己的特点，但是它的特点却是建立在随意杂乱的无序性之上的，比如说达利将古希腊时期的《断臂的维纳斯》，中的维纳斯的身体画成一层层抽屉的叠加，这种专门以破坏和谐的美感来突出个性，达到一种歪曲的艺术快感，这样的作品存在就是对艺术的玷污。由于后现代主义艺术有很大的杂乱性，所以一般人只要弄出些怪异的叫人看不懂的作品，都可以把其归如后现代主义之列，而且利用作品本身的杂乱性和无序性来呈示作品的深奥，而对这些作品大加赞赏的人，则是抱着和皇帝新装中那些大臣和愚人们一样的心理来接受那些作品。由于作品的随意性，使得作品的创作过程变的简单，表现手法单一，将艺术的创作完全的归入创作者的意识形态中，而忽略艺术的技巧。从内容上看，后现代主义作品带有明显的自我堕落的意识，并且通过这样的方法来标榜一个以自我为中心的意识，虽然在文艺复兴时期，通过人文主义者的作品我们也可以发现那些作品中所折射出以人或自我为中心的精神，但是无论形式内容怎样变换，我们都能发现在这样的以人为中心的作品中，无时无刻不包含着神与自然，在以人或自我为中心同时，也保持着人与神，人与自然的对话。比如在拉斐尔的《金翅鸟圣母子》一画中作者将圣母，耶酥，约翰，三人置于明丽的色彩中并且通过背景的自然风光，将人与自然完美的统一起来。通过圣母那呵护孩子的动作，展现出一位慈祥的母亲，她以俯视的眼光，超然平静和安详的注视着耶酥和约翰，眼神中流露出的超脱，显示出圣母的神性，这样通过背景，动作，眼神拉斐尔巧妙的将自然，人与神完美的结合起来。在后现代主义的作品中作者将其创作完全的以自己个人的意识形态所表现出来，正如柏拉图主义将肉体看作是灵魂的束缚，后现代主义也将艺术形式当成内容的累赘。将达利《圣乔治与龙》与拉斐尔的相比,我们可以发现艺术的内容要以形式来承载的, 在拉斐尔的《圣乔治与龙》中,腾跃的白马呈向上趋势，圣乔治举刀作欲砍之势，动作十分英武优美.而达利的雕塑失去的形式的,而使作品在人物的内在精神、生死搏斗的勇武气质刻画极其缺乏力度。尼采在《悲剧的诞生》中说到：主观的艺术家不过是可怜的艺术家，而在各种艺术中，首先需要克服的是主观的成分，从自我解放中出来，制止个人的意志和欲望，任何一个作品，如果没有客观性，没有纯粹的超然的静观,我们就不相信它是真正的艺术。后现代主义为什么会产生？以及现代人都对其如此狂热呢？后现代主义的作品中赤裸裸的表达作者意识的表现手法是感情的宣泄呢，还是艺术的回归？为了弄清这些问题，我们就要比较我们的生活环境比之从前发生了哪些变化，并且这些变化中哪些改变的大众的审美情趣。首先是工业文明的产生，工业的迅速的发展，加快了社会化的进程，片面的社会追求和评价标准严重地冲刷和遮蔽了人类的精神遗产。人如果失去了丰富的文化思想资源和广阔的精神领地，那么，也就失去了形成共识的前提，也失去了思想和文化的想象力。人的生活节奏加快，生活目的的异换，失去了与自然的亲近，天然的赤子之情慢慢的消失，使人的性格异化，歪曲，在工业的噪声中诞生出重金属音乐，这样的一种与自然极其不相称的音乐，却迎合了许多人的口味，他们在噪声中宣泄自己。作为大自然最杰出的奇迹——人，已经开始不能在从大自然母亲中获得应有的慰籍，而却要依靠着出自自己手中的糟粕来发泄，这种不加控制的情感宣泄使某些艺术失去理性，产生了情感化偏向，甚至成为“疯狂”的代名词（如某些行为艺术）。这样无异与是在饮鸩止渴，在那样宣泄虽然可以使自己感到一时之快，却无法真正的安慰我们的心灵。其次二战结束后，人们陷入了精神危机之中，战争使人们看到自己的残忍和软弱，对于将来感到恐惧，上帝也死了，信仰在理性怀疑精神下崩溃，人类失去敬畏之心，导致罪感和羞耻感意识的淡化，人们生活在纵欲和无奈中，在这样的一种大环境中，诞生了后现代主义，光怪陆离的作品风格，迎合了大部分人的口味，内心的躁动和不安使得人们很难平下心来欣赏艺术的静美与和谐，金钱至上的生活使得人们需要的只是需要情感上暂时宣泄，而不是心灵永恒的安慰，比如说米罗的《哈里昆的狂欢》，就带有一种神秘的悲观基调，整副画以凌乱的特色来体现出狂欢的气氛，里面的刻画的事物都没有任何的特别的象征意义，唯一给人的印象就是发泄般的梦幻。后现代主义认为没有永恒不变的和普遍价值的事物，放弃了对“终极真理”追求，自然与神的概念从他们的作品中消失，人们只相信自己和能为自己带来享受的事物，作品中弥漫着自我的中心，也正是在这样的心境中，现在的艺术作品中将不会在出现《最后的审判》，《创世纪》等宏伟壮丽的图画，其恢弘的气势不仅仅体现在宏大的结构上，更体现在充满神性庄严的精神中，失去了这样的精神内涵，艺术也就失去了其灵魂。目前，可以说人类正在经历着一次空前的危机，这一危机归根结底是人类以牺牲精神与心灵为代价而对物质的无限追求和占有造成的恶果。精神与物质是人类的两根支柱，缺少任何一根，必然失去平衡。目前，以解构主义为代表的后现代主义已经部分解构了西方传统的 “中心主义”的哲学基础，然而，无论是相对于自然万物的“人类中心主义”，还是相对于全球的“欧洲中心主义”，其根本核心是“物质中心主义”，他们还没有解构到这一深度。对“物质中心主义”的超越，将被物质异化与奴役的精神与心灵从物质泥潭中解放出来,使物质与精神全面平衡地发展才是人类解放的真正的出路。

《红、黄、蓝的构成》，蒙德里安作，1930年，布上油画，45x45厘米，苏黎世私人收藏。

在《海堤与海》组画中，所有曲线的痕迹都消逝殆尽，直线统帅了画面。虽然，形式因素越来越显示出其自身的生命力，然而蒙德里安并未感到满足。他后来曾这样写道，“看着大海、天空和星星，我通过大量的十字形来表现它们。自然的伟大深深打动我，我试图表达那种浩瀚辽阔、宁静和谐、协调统一……但是，我感到我仍然象一个印象派画家那样，表现的是某种特殊的感受，而不是真正的现实。”

他的所谓“真正的现实”，就是隐藏在自然表象之下的“纯粹实在”。对于热衷通神论的蒙德里安来说，自然界的一切物象，无论是山水、树木，还是房屋建筑，都有其潜在的“纯粹实在”。虽然自然物外观各有差异，然而其实质却是相通的。画家的任务就是在画中把那隐秘的纯粹实在和普遍的相通性揭示出来。

他的这种思想，随着他与荷兰数学家、哲学家苏恩梅克尔的交往而日益成熟起来。

1916年，蒙德里安在拉伦偶然遇上苏恩梅克尔。此后，二人便经常会晤，并热烈交流思想。苏恩梅克尔是一位曾做过天主教牧师的通神论者，他提出了一种新柏拉图体系的哲学思想，称作“实证神秘主义”（PositiveMysticism，亦译为“积极神秘主义”）或“造型数学”（PlasticMathematics）。对于这两个看上去似乎毫不相干的名词，他这样解释道：“造型数学以创造者的观点看，意味着真正的有条不紊的思想。”而实证神秘主义则指出一种创作法则：“我们现在研究着把我们想象中的现实转变成可以为理性所控制的结构，以便随后在'一定的’自然现实之中重新发现这些相同的结构，从而凭借造型视觉去洞察自然。”苏恩梅克尔称，他的新哲学体系能够使人们”通过冥想深入自然，透察现实隐秘的内在结构。”他说，“大自然虽然在变化中显得活泼任性，基本上总是以绝对规律性来经常执行任务的，意即以造型的规律性来起作用。”关于造型的规律，他指出，自然中相互对立的一对对要素，如积极与消极、男性与女性、空间与时间、黑暗与光明，等等，都可以通过简化而压缩为水平线和垂线。在他看来，这两种线与宇宙的力量是相通的——垂线与太阳的照射有联系，水平线则与地球绕太阳的不变运行相关联。苏恩梅克尔对色彩也有类似的看法，他认为仅有三种原色存在，而三原色均具有象征的意义——黄色象征阳光的四射运动，蓝色象征着天空的无限延展，红色则是中性和搭配色，是“黄和蓝晨曦时的细语交谈”。

苏恩梅克尔的思想，对于蒙德里安来说是一种重要的启示。它提供了所有其他抽象艺术的先驱者都未能发现的东西，即一种途径，一种使一幅画被赋予精神意义，而与外在世界毫无瓜葛的途径。抽象作品本身所具有的象征性，使它与装饰图案迥然不同，这也是作品自身所固有的特质。根据苏恩梅克尔的思想，这是因为精神可以“通过纯造型的因素，诸如原色，以及黑暗与光明、水平线与垂线的对比，而得到最佳的表达。”

蒙德里安用了一两年时间，把这些思想运用于他自己的绘画实验，创造了独特的几何抽象的绘画语言。他排除了所有的曲线而起用直线。他把有色的长方形置于白底上，并以一种覆盖整个画面的直线网格把它们框起来。到1921年，他最终发展出那种简化和提炼到极致的几何抽象图式：三种原色、三种非色（黑、白、灰），以及“水平线——垂线”的网格结构。通过这种图式，蒙德里安寻求诸视觉要素之间的绝对平衡。其作品的每一构成要素都经过精心推敲，被谨慎安排在适当位置，显得恰到好处。

这幅作于1930年的（红、黄、蓝的构成）是蒙德里安几何抽象风格的代表作之一。我们看见，粗重的黑色线条控制着七个大小不同的矩形，形成非常简洁的结构。画面主导是右上方那块鲜亮的红色，不仅面积巨大，且色度极为饱和。左下方的一小块蓝色、右下方的一点点黄色与四块灰白色有效配合，牢牢控制住红色正方形在画面上的平衡。在这里，除了三原色之外，再无其他色彩；除了垂直线和水平线之外，再无其他线条；除了直角与方块，再无其他形状。巧妙的分割与组合，使平面抽象成为一个有节奏、有动感的画面，从而实现了他的几何抽象原则，“借由绘画的基本元素：直线和直角（水平与垂直）、三原色（红黄蓝）和三个非色素（白、灰、黑），这些有限的图案意义与抽象相互结合，象征构成自然的力量和自然本身。”

蒙德里安将他的新型绘画称作“新造型主义”，并专门写了一系列文章来诠释这个名词。他是从苏恩梅克尔那儿借用的这一术语。在他看来，新造型主义比浪漫主义和表现主义优越，因为它使艺术超越个人，而蒙德里安的主要宗旨便是在艺术中消除自我。艺术所表达的东西，应是艺术家对其所处世界的不自觉的反应，是那存在于我们所有人心灵深处的宇宙之力。新造型主义艺术的宗旨，便是获得和谐与平衡；失去和谐与平衡便会产生悲剧，而这是“对人类的诅咒”。从而，蒙德里安的艺术必然显示出一种乌托邦的色彩，正如他所说：“新的观看方式……犹如其导向新的艺术那样，必须导向一种新的社会；一种兼具两类等值因素（即物质与精神）的社会，一种和谐而平衡的社会。”他的绘画，提供了这—宇宙和谐的完美范例。它们平衡、有序，乐观，展示了非躁动的、宁静而清澈的人类本性。“在充满生机的抽象的现实中”，蒙德里安称，“新的人类发展已超出了怀旧、欣悦、狂喜、悲伤、恐惧等感情的作用范围：美使感情永恒，在这感情中，这些情感被表现得纯净而清澈。”

都是艺术 没什么 可以共同进步嘛

对于80后我本人作为一个旁观者的认为还是有点没落的意味了同嬉皮文学和白文学的成长在一起的80后文学从本质上基本脱离了文学推进社会进步的脚步而只是作为了一种应世而为的文字和编辑/更多的是依靠的观众的眼球而不是社会病症的呻吟当然不能一棍子打死说80后文学是一种落后或是什么的80后正在成长，80代正在三十而立的人生起步上好的作品，一定会不断涌现出来凝聚成中华民族灿烂文化的辉煌一脉。