分镜头论文题目

这个虽然不怎么是，但是是我原创的，希望能给您一点帮助哈动画场景塑造的艺术魅力——浅析《梦魇》场景设计对影片故事情节的推动作用【摘要】：动画场景设计是动画制作的一个必不可少的重要部分，动画场景的不同效果直接影响了动画片整体风格的形成。优秀的动画场景设计不是为了将画面内容填满，而是利用其影响影片的情感基调、角色性格、气氛渲染和情节发展等。为了探究场景设计对动画电影的作用，本文通过对场景设计的概念、意义和构思方法等进行分析，并且结合动画实例《梦魇》，重点分析了该动画场景中关于色彩、细节、光影和空间等要素，来论证场景设计对于动画电影故事情节的推动作用。关键词： 场景设计 故事情节 推动目录1.概述 32.动画电影中场景的设计的作用 动画场景塑造客观空间、奠定情感基调 动画场景烘托气氛 推动故事情节的发展 43.动画场景的构思 44.《梦魇》场景设计对影片故事情节的作用分析 色彩配置 细节刻画 光影效果 空间处理 55.总结 51.概述角色、剧情、环境是构成影视动画的三大基本要素，三者必不可少。场景服务于剧情的发展和角色的设定，因此在动画电影的创作过程中，场景设计是不可或缺的重要部分。动画电影中除了对人物角色的设定之外，随着故事情节的展开和角色发生关系的所有景物，例如影片中所设置的道具、社会环境、历史环境以及角色所处的家居环境等都属于动画场景的范畴。动画场景设计经历了一个由传统转向现代的过渡期，传统场景设计主要是根据动画的创作者通过在平面纸上手工绘制环境、场合等，通过后期对原画稿加以拍摄制作而成为影视作品。而现代动画场景设计则结合了现代高新技术，成功地由二维视觉平面向三维甚至更高维转变，对场景的设计包括了对角色活动与表演的场合与环境两个方面的设计。对于一部优秀的动画电影而言，独特的场景设计必不可少，它的意义不只停留在填补镜头的表象，而是对整部动画的情节、质量等都有着重要意义。在对动画场景进行设计时，必须准确地把握画面视觉感受的和谐度、与主题的契合度、与情节设定的匹配度等。近几年，影视动画的制作技术逐渐趋于成熟，动画片的风格也不断演变发展成多种不同的表现形式，并成功地塑造出了一批诸如米奇老鼠、千寻、龙猫等角色，满足了人们的精神需求。但在我国国内，由于影视动画在我国属于一门新兴的产业，加之对动画理论的掌握程度尚浅，因而国内影视动画的发展与美国、日本等发达国家相比，尚有一定地差距。2.动画电影中场景的设计的作用在影视动画中，角色性格、心理等表现需要配合特定的场景进行烘托表现，场景设计的成功与否直接关系到影片整体的效果，它不仅仅只是带给观众视觉上的感受，更多的是能在心理上引起观众的共鸣，从而打造出一部高品质的动画电影。在欣赏一部完整的动画电影时，给观众最直接的感受则是由场景所传达出的情绪，通过色彩、沟通光影渲染等手法来影响观众的主观感受。可以说，一部好的动画电影必须有恰当的场景展现作为依托。动画场景塑造空间、表现角色性格场景设计之于影视动画有其独特的作用，场景与角色相互依存，通过场景来为角色提供表演空间和心理活动空间，而角色也为场景的设定提供了现实意义。场景设计师通过研究故事发生背景，通过对镜头、色彩、景物等要素的设计来为角色设定表演空间，传达出故事发生的准确信息。除了客观空间的设定之外，影片还需注重角色心理空间的场景设计，角色的性格特点通常是在心理活动的体现出来，因此良好的场景设计为表现角色的性格特点起着关键的作用，观众可以通过画面中心理空间的设定来推测角色的兴趣爱好或是生活习惯等方面的内容，从而强化影片所塑造的角色形象，使其更加生动、丰满。动画场景烘托气氛、奠定情感基调在进行场景设计时，一定要注重整个场景色调的统一，这其中包括对画面主题、构图、风格、节奏等的协调统一，比如为了渲染欢乐、轻松的气氛，则采用明亮的色彩作为画面的主色调；为了表达痛苦抑郁的感受，则运用无彩色系来表现；为了烘托温馨祥和的气氛则采用暖色系来表现。从全局出发进行设计，把握整个动画影片的主题基调，抓住影片的灵魂，最终为影片的所要传达的思想服务。这也是考验场景设计师功力水平的标准之一。只有通过对日常生活敏锐的观察而累积的经验运用到场景中去，坚持真正的感动是来源于对生活的领悟这一道理，才能设计出具有独特个性的影片情感基调，才能在心灵上与观众达到契合。在动画影片中，场景气氛效果设计的好坏，直接影响影片主体的情感基调。推动故事情节的发展动画场景的设计要以符合故事情节发展为前提，在此基础上展现故事发生的时代背景、特征和地域特性，准确地把握好故事发生时的环境特征，为角色的表演提供合适的场合。一般情况下，动画场景不仅配合了故事情节的发展，而且在一定程度上也起到了推动故事情节发展的作用。动画场景通过变化时间、地点以及环境等，从侧面为观众说明故事情节的发展，表现出特定的情境，从而影响整个故事的发展。3.动画场景的构思在对动画场景进行设计时，构思无疑设计师考虑的最重要因素之一，只有构思新颖的动画场景才能够制造出特殊的视觉效果，最终赢得观众的好评。总的说来，场景的设计其实也是一门造型艺术，要求同时具备高的创作性和艺术性。在对动画场景进行构思时，首先应该对剧本有着深入地了解，站在观众的角度上思考如何进行场景的设计创造。一般地，动画影片中场景设计主要是为了营造特有的情绪气氛，例如使整部动画显得神秘、玄幻，或者恐怖、危机四伏。诸如此类的动画题材是应观众的需求而产生、发展，从而满足观众的心理期待。除此之外，还可以从场景的变化速度、复杂程度上着手设计，通过一连串高频率的场景变换来衬托情节的发展，当然，在用此种方法构思动画场景的设计需要时刻把握好度的问题，以免过快的变化频率和复杂多变的场景空间造成观众的视觉疲劳，导致降低对动画影片的好感度。4.《梦魇》场景设计对影片故事情节的作用分析前文已经对动画场景的作用进行了简单地分析，以下就结合动画《梦魇》场景设计对其推动情节发展这一作用进行实例分析，从而对场景设计的含义有更深层次上的了解。接下来对动画《梦魇》的故事情节做一个简短的介绍：故事是从一位贪婪的时尚女郎在见到一款心仪的，但是价格昂贵的名牌包开始，她非常渴望这个包，但却身无分文，无奈之下便垂头丧气地回到家中，然后进入浴室泡澡。在洗澡的过程中，她睡着了并开始做梦。在梦里她见到了一位拥有魔力的女人，在那位女人的帮助下拥有了金碧辉煌的房子和时尚的衣服首饰，并且也成功地拥有了白天见到的那个名牌包。但她突然惊醒过来，发现自己在洗澡，便开始怀疑刚才的一切是否只是个梦，可她却见到了梦中的那个女人，于是她确信自己刚才见到的一切都是真的。故事的最后，她猝然发现原先拥有的东西却是梦中梦，这一切都只不过是一场梦魇。故事的结局告诉我们一个道理：太过沉浸在贪婪中的人，将很难让自己醒过来。梦中梦，即使醒来，一切也将是梦魇。在动画《梦魇》的情节发展中，场景塑造必不可少，通过对场景的设计向观众展现了角色复杂的心理变化。动画通过对场景色彩配置、细节刻画、光影效果、空间处理等方面的塑造，表现了影片独特的艺术魅力。色彩配置色彩是画面表现的最直接要素，在动画场景中色彩设计既要与整个影片的总体色调协调一致，也要能够烘托出影片镜头的气氛，为情节的发展做铺垫。在影片《梦魇》的色彩配置上，主要运用了色调对比来突出情节的发展，从而使观众通过对画面色彩色调的比较上推出情节的下一步发展。影片一开头就用了非常炫目的颜色来展现名牌包外观、窗明几净的画面暗示了名牌包价格不菲，推出稍后女人买不起包而只能靠做梦才能拥有它的情节发展。影片中多次运用色彩色调、明度对比来反映梦境与现实的区别，同时也表达了对女人贪婪本性的嘲讽。整部动画的情绪情调大多都带有主观因素，因此在表现角色内心情绪的波动变化时，采用了不同的颜色气氛来表达。影片的色调主要经过了由暖——冷——暖——冷的变化，每一个阶段色彩构成要素都并非基于偶然拾得，而是为推动故事情节而作相应的变化，从色彩的对比来进行场景的设计，使画面富有表现力和感染力。影片中的主人公情绪波动较大，开始对于现实的沮丧以及回家过程中的垂头丧气，到之后在梦中激动的情绪转变，场景的画面色彩由起初的低沉、灰暗开始变得明亮甚至有些扎眼，这些转变都是为了衬托角色前后巨大的心理变化。而用暗紫色来对梦中女人的外表进行色彩塑造，一方面表现出梦中女人有着神奇的魔法这一特性，另一方面也从现实角度嘲讽了主人公的贪婪以及异想天开，推动“梦中梦”情节的发展。细节刻画动画场景除了向观众交代大体的故事发生的时间、地点和背景之外，细节刻画也是其重要的构成内容，细节刻画对角色形象的塑造、故事情节的发展、环境气氛的渲染等都起着一定的作用，甚至还能够使影片与观众之间进行互动，引领观众主动去注意场景中的细节，然后对情节进行预测。在动画《梦魇》中的角色类型十分简单，仅只有现实中的女人和梦中的女人二者构成，整部动画用夸张的动作来填补台词上的空白，看似不经意的动作都为后面的情节发展提供依据，并刻意对此进行一定程度地强化或弱化。影片中通过对女人梦中动作细节的刻画，如欢呼雀跃的表情以及夸张的舞蹈都将角色的情绪波动程度放大，此处也是影片的高潮部分，将此部分进行深入地细节刻画是为了突出表现梦醒后巨大的现实落差带给观众的震撼。光影效果同样地，光影效果也是场景设计中必不可少的一部分，光影效果在一定程度上可以弥补整个画面构图的不足，从而使画面达到较佳的视觉效果。《梦魇》中在女人进入房间以及浴室空间等都有进行光影效果的变化，营造出特殊的气氛。画面通过对现实生活状况的模仿，改变光的强弱、角度以及阴影等，为接下来“女人做梦”这一故事情节进行了气氛渲染和背景交代，暗示故事情节的发展，强调了故事的高潮。空间处理在对动画影片的制作中，画面空间的变化是必要的，假定在一段相对长的时间内，画面背景始终一成不变则容易引起观众厌倦及反感。因此空间背景的环境和角度变化对动画而言，直接影响故事情节的发展。真实的空间感是动画场景设计基础，通过对空间距离、景别、角度等变化来把握空间转变有利于协调画面各要素之间的关系。在《梦魇》中大量使用空间由近及远、由上而下的变化，为表现大局、展现细节两个方面都有重要的作用，使得画面更具有立体感，加强了空间的层次效果。影片在对主人公“梦中跳舞”情节塑造时就运用了俯视的角度，表现出角色沉迷于自我幻想中不能自拔，使角色塑造地极富戏剧效果，有着深化故事主题的作用。5.总结场景设计是动画创作中重要的组成部分，一部上乘的动画作品必须要有独具魅力的场景设计为基础，而好的场景设计则由色彩、细节、空间等要素协同配合构成。现代动画影视作品不能仅仅只在于追求精彩的剧情和角色的复杂程度，也要注意画面场景与其二者的相互关系，不断变化运动的画面场景有时更容易引起观众的兴趣，场景设计的成功与否直接关系到整部动画影片的情节发展。本文从对动画影片《梦魇》的场景分析中，得出场景设计有推动故事情节发展、塑造角色性格、突出影片主题等发挥着不可替代的作用。总而言之，只有在充分理解剧情故事和创作背景下才能设计出适合情节发展的场景，才能提高整部影视动画的质量。参考文献1.韩笑．影视动画场景设计[M]．海洋出版社，2005．72.韩新顺．场景设计中的空间表现在动画影视中的重要性[J]．电影文学，20073.李铁、张海力: 动画场景设计[M] 北方变通大学出版社20064.孙立军．影视动画场景设计[M]．北京：中国宇航出版社，2003．65.吴冠英：动画造型设计[M]．清华大学出版社2002

影视剪辑编辑艺术论文2007-12-02 12:32影视剪辑艺术是电影电视艺术的重要组成部分。剪辑艺术随着电影的诞生发展而逐步形成和不断完善。影视剪辑编辑艺术又推动了电影电视的发展和成熟。影视艺术的有四个基本特性 。一是：视觉和听觉形象。影视艺术是视听艺术，电影电视都是通过画面和音箱，直接诉诸于人们的视觉和听觉，产生占83%的视觉形象和占11%听觉形象以及二者合一的银幕形象，进行叙事、抒情、表意，给人们以艺术的享受和审美的愉悦。二是时间和空间艺术。影视艺术既是空间艺术，同时又是时间艺术，是时间艺术与空间艺术的综合体。电影电视都是时间的移动中展示空间，同时又是在空间变化中展示时间，二者联系紧密，不可分割。这种时间和空间的复合，时间艺术与空间艺术的综合，是影视艺术的又一基本特性。三是逼真性和运动性。影视是“活动的照相”既能逼真地再现生活，又能生动地表现生活的运动状态和主体动作。逼真性和运动性是影视与生俱来的的本性。艺术家要努力发挥影视艺术的这一特性，将影视片拍的真实、生动、精彩。影视剪辑也要运用剪辑技术剪除虚假，剪出动感，剪辑出内在的真实与外貌逼真高度统一的影视片。四是综合性和艺术性。影视既是现在科学技术发展的产物，又有人类文化艺术发展的结晶。影视是新兴的综合艺术。科技是影视发展的决定因素。因此，综合性和技术性也是值得我们认真研究和把握的。剪辑在影视创作中具有举足轻重的地位。剪辑，作为影视艺术的有机组成部分，是在电视电影的发展过程中应运而生，独立出现并逐步完善的。同时剪辑艺术的进步，又极大地影响和推动了影视艺术的提高和发展。影视剪辑的功能和作用，用一句话就可以概括，即：正确、合理、高明的剪辑，能够增强影视片的艺术表现力和感染力。反之，错误、平庸、低劣的剪辑，就会减弱甚至破坏影视片的艺术表现力和感染力。剪辑（Film editing）是电影的后期制作流程之一，是由电影剪辑师将前期拍摄的视觉素材与声音素材重新分解、组合、编辑并构成一部完整电影的过程的总称。电影剪辑要处理的最基础问题，是镜头与镜头之间的时间和空间关系。而剪接（cutting）指胶片的具体工艺处理，蒙太奇既指镜头组接的艺术技巧，又常指由剪辑而获得的艺术效果，但在有些国家，蒙太奇也是“剪辑”的同义语。将一部影片拍摄的大量素材，经过选择、取舍和组接，最终编成一个能传达创作者意图的作品，是电影创作的主要组成部分、一部影片从拍摄到完成的一次再创作。目录 [隐藏]1 剪辑综述2 素材的工艺处理3 剪辑的过程和功能4 主要剪辑技法 传统剪辑技法 创造性剪辑 叙事、戏剧性效果剪辑 模拟、表现性效果剪辑 速度、节奏性效果剪辑5 著名影人谈剪辑6 参考剪辑综述早期阶段的电影只是将舞台剧原封不动地拍摄到胶片上，实际上是舞台剧的活动照相。20世纪初，从美国电影导演格里菲斯开始，采用了分镜头的拍摄方法，将内容分解为一个个不同的镜头分别拍摄下来，譬如用近景、特写等镜头来突出细节，用全景、远景来介绍环境，用一系列短镜头的快速转换来制造气氛和节奏，从而使电影摆脱了舞台剧活动照相的框框，成为一门独立的现代艺术，也由此产生了剪辑的艺术。Edwin S. Porter一般被认为是最早发明剪辑的电影导演之一。爱迪生公司早期制作的电影多是静止拍摄的短片，随着电影长度的逐渐增加，Edwin S. Porter拍摄了里程碑般的The Life of An American Fireman（1902）。第二年他拍了The Great Train Robbery，现在被当作早期剪辑术的范例。剪辑本来是导演工作的一部分，而且是非常重要的部分。随着科学技术的不断发展，电影从早期的无声片发展到有声片，剪辑的工艺越来越复杂，加上电影表现手法的不断更新，导演的创作任务也愈来愈繁重，他不可能再有时间，甚至未必有能力再去亲自操作剪辑设备、并剪辑影片了，于是便逐步产生了剪辑专业人员：剪辑师和剪辑助理。剪辑师同摄影师、美工师、录音师一样，是导演的亲密合作者。他从摄制组的筹备阶段开始，参加与导演有关的一切创作活动，如讨论分镜头剧本、排戏（即拍摄前的分镜头排练）等。他须充分理解编、导、演的构思和设想，然后根据导演提供的分场、分镜头剧本和拍摄时的更为具体的方案剪辑影片。分镜头（导演设计）与蒙太奇（镜头剪辑）是同一事物的两个方面。前者是意图，后者是实施。因此，也有人称剪辑为“分镜头的后期工作”。但“后期”并不意味着单纯的工艺操作，它是一个富有创造性劳动的阶段。镜头组接是否恰当，直接影响到银幕形像的完整性和感染力，决定着完成影片的质量。对剪辑依赖的程度，因不同导演的工作方式而异，但剪辑师除了较完整地体现导演创作意图外，还可以在导演分镜头剧本的基础上提出新的剪辑构思，建议导演增加某些镜头或删减某些镜头、重新调整和补充原来的分镜头设计，以使影片的某个段落、某个情节的脉络更清楚、含义更明确、节奏更鲜明。素材的工艺处理剪辑是一项既繁重又细致的工作。一部故事影片往往少则几百个、多则上千个镜头。画面部分有内景、外景，有实景和搭制的景。同一景中的内容通常都是集中拍摄的，剪辑时要按照内容的顺序重新编排；影片中的重要镜头因表演或技术上的原因，往往要反复拍摄数次，需要剪辑时要进行选择。大部分的镜头都拍得较长，须从中寻找最为理想的剪接点；有些要作长短镜头交叉出现的画面，连续拍在了几条胶片上，需要在剪辑时分切成很多的镜头，再按照最有效的镜头顺序排列起来。声音部分有先期录音、同期录音、后期配音3种录音方法，对这3种录音方法所录下的声带，要以不同的工艺和方式进行处理。先期录音大都是完整的唱段和乐段，须严格按照音乐的旋律和唱词与画面组合；同期录音的声带多半是“对形”的对白和音响效果，通常都和相应的画面同时剪辑；后期录音的内容有“对形”的对白、内心独白及旁白，有背景气氛音乐，有“画面”和“画外”的音响效果等等，一般都在画面剪定的基础上录音，这就要求剪辑时预先考虑到声画结合和声音所能构成的一系列艺术效果。在影片没有最后剪辑定稿之前，须妥善、有条理地保存所剪下的画面和各种声带，以便需要延长时再黏接上去。剪辑的过程和功能从镜头到场景、到段落、到完成片的组接，往往要经过初剪、复剪、精剪以至综合剪等步骤。初剪一般是根据分镜头剧本、人物的形体动作、对话、反应等将镜头连接起来；复剪是在初剪的基础上进行修正；精剪更为细致、准确，对画面反复推敲；综合剪是在全片所有场景的镜头都齐全、每个场景已基本剪好后，在对整个影片的结构和节奏做整体考虑的基础上进行的调整和增减。有些片断孤立地看是可行的，但与前后场景连接起来看，会感到太紧凑或太松弛，这就需要通过剪辑加以调节。这一关系到影片总体结构和节奏的调节工作，通常是导演和剪辑师共同研究决定的。主要剪辑技法剪辑既要保证镜头与镜头组成的动作事态外观的自然、连贯、流畅，又要突出镜头并列赋予动作事态内在含义的表现性效果。叙事与表现双重功能的辩证统一，是剪辑艺术技巧运用于电影创作的总则。为要实现上述双重功能，需要掌握传统的剪辑技法和创造性的剪辑艺术技巧。传统剪辑技法连贯、流畅是传统的剪辑技法，也可称作剪辑的基本功。这一技法的功用主要有两个：一是在镜头的组接和修剪中，保证镜头转换的流畅感，使观众感到所有画面是一气呵成地进行的；二是在影片的段落转换中，使上下两个段落之间既有一定的连贯性，又能清楚地划分出段落的界限，使观众不致把不同时间，不同地点的内容误认为是同一场面。连贯、流畅的剪辑技法，就镜头转换而言，须注意以下几点：防止错乱。镜头动作间的衔接须准确无误，既不脱节也不重叠；人物行动的方向、彼此间的空间关系，不致因镜头转换而造成视觉印象的混乱。如画面中的人物在他的书房里活动，上一镜头他由书柜向写字台方向走去，并且是由画面的右边走出画面，那么下一个镜头他走到写字台旁，必须是从画面的左边进画。右出左进的方向是一致的，因此是流畅的。如果上镜头是右出画，下镜头又是右进画，同一人物在两个镜头中的行动方向势必相对起来，容易在视觉上造成错乱。尤其是剪辑双方交战和追击等场面，方向性必须清楚，否则就会使观众难以区分两方。镜头转换协调。剪辑往往以不同镜头中动作事态的造型、节奏类似的部分为剪接点，以达到和谐的转换。常见的技法是“动接动”、“静接静”。“动接动”指在镜头的运动中和人物形体动作中切换镜头，如上镜头是摇摄，在未摇定时切换到另一个摇摄镜头上，而且摇的方向、速度接近，衔接起来的效果相当流畅，观众会随着镜头摇动非常自然地从一个环境或景物过渡到另一环境或景物。在推、拉、移、跟等的运动中转换镜头，“动接动”的原理是相同的。“动接动”更多是在人物的形体动作中切换镜头。如人发怒时拍桌子的动作，在电影里往往就是上下镜头的剪接点，即上镜头手举起，下镜头往下拍。“静接静”指在一个动作结束后（或在静场时）切换镜头，切入的另一个镜头又是从静到动。“静接静”多半是转场时运用，即上一场结束在静止的画面上，下一场又从静止的画面开始。静接静既是衔接和谐的需要。又可留给观众思考的余地。省略实际过程。就是通常所谓的紧凑剪辑，即同一动作内容可通过镜头的转换来省略其间不必要的过程，而仍然保持动作的连贯流畅。有的对人物意向表白、间接暗示行动过程的省略，有的省略动向动势压缩实际过程。如一个演员正在向阶梯跑去。在左面的镜头进程中，观众已开始认识到，既然这个演员朝阶梯跑去，那么当他真正到达时，他就会跳上二、三级台阶。在这样的情况下，把表现演员到达阶梯底部前几英尺时的镜头（右上）剪接到他已经踏上两三个台阶的镜头（右下）前，常常是能够让人接受的，这就压缩了动向动势的实际过程。连贯流畅的传统剪辑技法，镜头的转换习惯用“切换”（将分切的镜头画面直接黏连），但场面段落的转换，一般用“渐隐、渐现”表现上一个场面段落的结束和下一个场面段落的开始；用“化”来表现一段省略掉的时间过程，划分两个不完整场面的段落；用“划”来表现地点、场合、事件的变换，划分两个以上的不完整场面的段落；以上是利用洗印或摄影方法制作在胶片上的“光学技巧”。此外，还可以用很多方法来划分段落，例如仍用切换方式，只是在前段落转换时沿用最有代表性的人或景物镜头做为下段落的开头。传统的剪辑技法，遵循的是生活的逻辑，但又不是自然主义地再现生活中的一切过程。紧凑剪辑、省略剪辑也说明了镜头间动作纯粹自然的连贯并非总是必要的，压缩（或延伸）真正的时间，让有意义的动作事件全部表现，把自然动作减少到最低限度，是连贯流畅剪辑技法的一条重要补充原则。创造性剪辑剪辑艺术技巧，在长期的制片实践中，已具有丰富的经验，在欧美的理论著述中，有时统称为创造性的剪辑；特别是经过爱森斯坦、普多夫金等导演师的开拓探索和理论总结，已形成为蒙太奇的某些根本性的原则和法则，并被作为电影艺术独特的结构表现手段，渗透于电影创作的全过程。常见的创造性剪辑技巧有下面几种叙事、戏剧性效果剪辑尽管经过剧作构思、分镜头摄录，但电影叙事的生动、戏剧性效果，最终还取决于剪辑能否控制关键镜头的时间安排。叙事技巧的要点是，运用调整重点、关键性镜头出现的时机和顺序，在镜头动作事态的连贯中，选择恰当的剪辑点，使每一个镜头动作的新发展都在戏剧上最合适的时刻表现出来。故事片常提前暗示或有意延缓“危机”、“事变”来制造紧张期待的悬念、出人意外的惊恐。模拟、表现性效果剪辑内容或形式不同的镜头间的对列，是创造性的剪辑广泛运用的表现手法。一般引人注意的是通过剪辑的安排和穿插，将一些与直叙故事的内容相对比或者相类似的镜头并列在一起，以取得揭示内在含义、渲染情绪气氛的艺术效果。表现性剪辑的要点是在保证叙事连贯性的同时，利用连贯性表现超越直叙事态之上的思想与情感。这样的剪辑不但不使观众感觉到跳跃和不舒服，反而恰恰符合情绪和节奏的需要。它大胆地简化自然动作，有选择地运用统一的情绪，来集中渲染气氛和情绪。速度、节奏性效果剪辑当不同景别的镜头组接技巧在空间的具体造型方面成为电影独特表现手段的早期，已发现镜头持续的长短，在心理方面具有影响情绪的感染力。镜头短，画面转换快，引起急迫、激动感；镜头长，画面转换慢，导致迟缓乃至压抑感；长短镜头交替切换可造成心理紧张度的起伏。因此，剪辑控制画面的长短，可强化或减弱镜头切换中动作事态的速度，调整与叙事内容格调相应的情绪节奏。这种通过镜头长短对比形成的速度节奏的技巧效果，一般称作剪辑调子，通常叫作快速剪接或慢速剪接。镜头的长短基本取决于镜头画面内容的简繁，画面快慢的切换不能超越镜头内容含义的充分表达和为观众了解的最低时限。剪接调子也表现于场面或情节的段落。快速剪接段落，往往与慢速剪接对列，起互相强调的作用。一个场面（段落）的剪接调子，是由其中那些占有一定长度、一定放映时间的镜头数目来计算的，称作剪接率。数目少意味着场面内长镜头占优势，称作剪接率慢或慢调剪接；镜头数目多意味着场面内短镜头占优势，称作剪接率快或快调剪接。准确运用速度节奏技巧的经典例子，是爱森斯坦的《战舰彼将金号》。全片由3大段较大的运动组成，每段又分布着无数较小场面不同调子的运动。在叙述兵舰起义的第一大段中，水兵和军官冲突时调子越来越强烈，最后水兵起义夺取军舰达到高潮，是用逐渐强烈的画面片断以及相应的愈益紧急的剪接调子；高潮后逐渐进入一组平静的场景，一个水兵的葬礼使用极长的回转的镜头，这些镜头都使用平静的、缓慢的剪接速率。这里显示出不同场面剪接调子间的强烈对照。

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写作思路：可以从任何形式、体裁的影视作品， 都离不开剪辑这一艺术再创造过程这个角度出发进行阐述，中心要明确，语言要具有逻辑连贯性等等。

正文：

任何形式、体裁的影视作品， 都离不开剪辑这一艺术再创造的过程。剪辑决不是剪剪接接的简单技艺性操作。一个合格的剪辑师， 应该在深刻理解作品思想内容和艺术形式及导演总体构思的基础上，富有创造性地对前期摄制的画面素材和声音素材加以整理取舍， 运用蒙太奇技巧进行有机组合，使之达到结构严谨、节奏张弛有度、具有较强艺术表现力和感染力的完整作品。

18世纪60年代―19世纪中期，随着工业革命的实现，资本主义生产完成了从工场手工业时代到机器大工业时代的过渡，原始资本开始迅速膨胀，这为电影电视产业夯实了基础。1895年上映的《火车进站》，全长50秒，仅仅只是火车从远处驶进车站的单一无声镜头。随着电影产业的不断壮大发展，1927年有了有声片，20世纪初期有了故事片，30年代出现了彩色电影，这样电影产业才慢慢成熟起来。剪辑是随着电影的发展而产生的，利用剪辑，把不同的单一镜头片段拼接在一起，形成一种新的理解和感知，构成一组戏剧性的段落。

众所周知，纪录片要通过前期选题、中期拍摄、后期剪辑完成。纪录片中期拍摄不同于影视故事片，故事片可以根据导演的分镜头脚本逐一拍摄，最后按照分镜头脚本稍加改动便可成片，这种剪辑观念在分镜头脚本里袒露无遗，是一种显现的剪辑观念。

纪录片的特征就在于，所拍摄的镜头没有分镜头脚本作为依据，剪辑观念蕴含在导演的思想里。中期拍摄的时候就需要采集大量的原始素材以保证后期剪辑能顺利完成，而且所有的素材都是在现场临时采集的，这就决定了纪录片拍摄的周期相对要比影视故事片长一些，素材的采集过程中往往一个动作过去就没有第二遍的重复，这不仅要求摄影师拍摄时的捕捉能力，更要求导演具有逻辑性的剪辑思维，因此，这种剪辑观念是隐现的。

电影开始发展以来，形成了两种理论学派，一类是以爱森斯坦为首的蒙太奇学派，他认为将电影进行剪辑之后可以产生新的意义。第二类是以安德烈・巴赞的长镜头理论，他从自己的摄影本体论中提出了与蒙太奇理论相对的长镜头理论，着重体现“空间的真实”。这两种学派，其实都是建立在剪辑这门艺术上的，很多时候我们把它定位于第三度创作。

一度创作是文学剧本的创作，剧本的创作不同于抒情散文的笔法，他要求具有严谨的结构，丰富的戏剧冲突，立体化的人物形象，合理的情节叙事以及完整的情景，文学剧本是一部影片的基础，只有坚实的基础，影视作品才能继续下去。

二度创作是导演拍摄的素材，这是建立在文学剧本之上，将文字转化为镜头画面的过程，要充分利用导演的调度安排和视角去诠释文学剧本，这时候影片的雏形已经可以看出来了。

三度创作就是剪辑了，剪辑要在感知文学剧本的基础上，充分了解导演的思想，将零散的镜头剪辑在一起，形成一种创新。要把握好影片的结构、速度，加之导演的先进世界观，这是一项复杂庞大的工作，最终才能形成一部视听语言准确、故事讲述通畅、并告诉观众导演眼中的世界的优秀影片。

要研究纪录片的剪辑效果，首先要从纪录片的定义说起，所谓纪录片，是以真实生活为创作素材，以真人真事为表现对象，并对其进行艺术的加工与展现的，以展现真实为本质，并用真实引发人们思考的电影或电视艺术形式。而电影的含义则是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续画面。

由此对比可见，纪录片是现实生活的重现，这就奠定了纪录片剪辑的风格。它不能像影视故事片那样加入很多的剪辑特技，必须以反映现实生活为前提，形成一种质朴的剪辑风格。

最初的纪录片是没有剪辑观念的，《火车进站》一镜到底，纪录片发展到现在，虽然必须保留着这种质朴的风格，但是在剪辑上也进行了较大的革新，《舌尖上的中国——脚步》一集中，对于白马砍树上树采蜂蜜这个过程就使用了碎片化剪辑，增强了这个过程的紧张感。

因此，现代纪录片已经摒弃了古老呆板的剪接模式，也抛弃了纪录片由多数长镜头组成的观念，开始走向技巧化和大众化。现代纪录片中不仅仅只有长镜头理论，也会运用蒙太奇效果。

纪录片《阳光宝贝》中使用了对比蒙太奇，美日和非洲蒙古宝宝在生活条件上的鲜明对比，意在形成反差和冲突。在潘小扬的《小留学生》中多次运用了象征蒙太奇，影片多次出现倾斜的道路镜头，是象征日本经济的下滑。

电视纪录片《沙与海》中，导演将两个家庭不同的生活方式和思想观念交织剪辑在一起，这两件故事同时发生，但是却发生在不同的空间里，这就是平行蒙太奇。纪录片《幼儿园》里面的“好一朵美丽的茉莉花”的歌曲重复了四次，便是重复蒙太奇。

蒙太奇是电影电视作品中最常用的叙事手法，用来交待情节，展现事件，依据情节发展的时间流程、因果关系来分切组合镜头、场面、段落，引导观众理解剧情。现代纪录片中也使用了这一手法，使得纪录片的发展不再单一，呈现出多元化的趋势。