浅谈指弹吉他毕业论文

有关吉他的起源及发展简史，我个人认为大体可以分为以下八个阶段：1、有根据的吉他的远祖应该是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的“赫梯吉他”。这是考古学家找到的最古老的类似现代吉他（一样具有内弯的琴体）的乐器，是。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器所不同（如琴体是半梨形的鲁特属乐器）的最显著特点。2、吉他一词最早出现为西班牙文吉他（Guitarra）一词,最早出现在十三世纪的西班牙。当时，已经出现“摩尔吉他”和“拉丁吉他”。西班牙语吉他（Guitarra）是由波斯语逐渐演化成的， 其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起，使用金属弦，演奏风格比较粗犷；拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构，使用羊肠弦，风格典雅。如图：摩尔吉他 拉丁吉他3、吉他发展史上的第一个鼎盛时期是文艺复兴时期。四对复弦的吉他演奏高峰的出现是吉他进入第一个鼎盛时期的标志。（1）文艺复兴是14世纪至16世纪在欧洲兴起的一个思想文化运动，进而带来一段科学与艺术革命时期，揭开了现代欧洲历史的序幕，被认为是中古时代和近代的分界。马克思主义史学家认为是封建主义时代和资本主义时代的分界。 （2）文艺复兴发端于14世纪的意大利（文艺复兴一词就源于意大利语Rinascimento，意为再生或复兴），以后扩展到西欧各国，16世纪达到鼎盛。1550年，瓦萨里在其《艺苑名人传》中，正式使用它作为新文化的名称。此词经法语转写为Renaissance，17世纪后为欧洲各国通用。19世纪，西方史学界进一步把它作为14至16世纪西欧文化的总称。西方史学界曾认为它是古希腊、罗马帝国文化艺术的复兴。 3、十六世纪（1500年-1600年）四对复弦的吉他和它的近亲──用手指弹奏的比维拉琴，在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受广大欧洲民众喜爱，而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰（Luis milan）、纳乐瓦埃斯（Luys de Narvaez）、穆达拉（Alonso mudarra），以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯（Gaspar Sanz）、科尔贝塔（Cor betta）、维赛（Vi see）等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他作品宝库中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱，而是用横线来代表各弦，用数字或字母表示音位和指法，与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。如图：四弦复弦吉他 （比维拉）当时十分兴盛的乐器还有被认为是吉他同宗的鲁特琴（Lute）。鲁特琴前身是阿拉伯的乌德琴（UD的原意是木头）。当时著名的鲁特琴大师道兰（Dowland）和魏斯（Weiss）等人的作品经后人改编，在今天的古典吉他曲目中也占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品中如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲，在古典吉他曲目中的地位举足轻重，尽管有学者对巴赫有没有创作过鲁特作品提出疑问，但他所传世的四首鲁特琴组曲和少量鲁特作品，首首都具有不朽的价值。巴洛克时期的其他一些作曲家如维瓦尔弟的鲁特琴、曼陀林协奏曲，和D.斯卡拉第的古钢琴奏鸣曲的吉他改编曲都在古典吉他曲中占有重要位置。4、吉他发展史上的的黄金时代出现在十八世纪后期。六弦吉他的出现，标志着吉他的发展的第一个黄金时代的到来。当时鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台，五对复弦和其后出现的六对复弦的吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后，全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐五对复弦吉他 六对复弦吉他六根单弦吉他5、有“吉他音乐的贝多芬”之称的索尔的出现，标志着六弦吉他发展到了颠峰。十九世纪初，活跃在当时古典吉他音乐中心巴黎、维也纳、伦敦的最著名的古典吉他大师有索尔（Sor），阿瓜多（Aguado），朱利亚尼（Giuliani），卡鲁里（Carulli），和卡尔卡西（Carcassi）。其中索尔和朱利亚尼除了是古典吉他大师外还是出色的音乐家，他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目，为六弦古典吉他日后的发展奠定了基础。尤其值得一提的是索尔，他在创作上承袭海顿、莫扎特的古典音乐传统，除写作歌剧、舞剧音乐外，还为古典吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品，被音乐评论家称为“吉他音乐的贝多芬”。阿瓜多、卡鲁里、卡尔卡西的重要作品和他们所作的大量练习曲与吉他教程至今仍是古典吉他中的经典。在十九世纪还有不少音乐家喜爱并演奏古典吉他，如舒伯特、韦伯和柏辽兹，小提琴魔王帕格尼尼不但擅长演奏吉他，而且还曾放弃提琴演奏，献身于吉他达三年之久，为吉他写下了大量作品。十九世纪后期著名的吉他音有乐家科斯特（Coste）、默茨（mertz）、卡诺（Cano）、雷冈第（Regondi）等，他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪古典吉他音乐的经典。6、十九世纪中叶，由于钢琴和提琴乐器出现了一批名震青史的演奏大师，吉他逐渐受到冷落，进入历史上第一个低潮。在钢琴、管弦乐、歌剧音乐发展的巨大冲击下，吉他在十九世纪中期以后渐渐失去了往日的辉煌，演奏与创作一度处于低潮，这种情况一直持续到十九世纪末吉他才再度复兴。7、泰雷加的《大霍塔舞曲》的创作成功，标志着古典吉他发展的再度复兴。古典吉他在十九世纪末再度复兴的生命力是在西班牙获得的。吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌，在很大程度上应归功于“近代吉他之父”泰雷加对吉他从制做、乐器性能、演奏技术直至曲目等各方面的深入研究和革新。泰雷加和他的老师阿尔卡斯一直致力于与吉他制作家托雷斯（Torres）合作，并最终生产出了琴体扩大、音量增大、乐器性能明显改善的现代古典吉他。毕业于马德里音乐学院和声与作曲专业，并且是位出色钢琴家的泰雷加尽管公开演出不多，但一生潜心研究吉他，创立了全新的演奏方法，创作了大量糸统和科学的练习曲与出色发挥吉他乐器性能的不朽名曲，其中，《大霍塔舞曲》被广泛流传，为复兴古典吉他作出重要贡献。除此之外，他还选择改编了许多适合吉他演奏的古典音乐名曲，以扩大古典吉他的目曲范围。由于泰雷加的杰出贡献以及他的学生、后继者柳贝特（Llobet）、普霍尔（Pujol）等人的不懈努力，终于使古典吉他在十九、二十世纪之交重新获得了新的生命，为二十世纪古典吉他的辉煌打下了坚实的基础。托雷斯（Torres）古典吉他 二十世纪古典吉他8、塞戈维亚时代的到来，标志着古典吉他的辉煌二十世纪古典吉他强大的生命力是由伟大的吉他大师－－塞戈维亚（&127;Andre Seqovia 1893-1987），以其近七十年的演奏和探索一步步推向高潮的。塞戈维亚以他超凡的天才、坚定的信念和坚持不懈的努力，使吉他最终摆脱了沦为酒店、咖啡馆民间乐器的命运，使古典吉他作为音乐会独奏乐器的魅力被音乐界与世人所公认，最终使吉他克服了种种偏见，成为了和钢琴、小提琴一样被人们广泛喜爱的高雅乐器。塞戈维亚遍及世界各地的频繁演出不但使全世界了解了古典吉他，使吉他在全世界流行开来，还吸引了许多专业作曲家为吉他写下了大量高水平的音乐作品。这些作曲家中最著名的如：为吉他写下《五首前奏曲》与《十二首高级练习曲》的巴西作曲家维拉-罗伯斯（Villa-Lobos），《阿兰胡埃斯》吉他协奏曲的作者罗德里戈（Rodrigo）等。塞戈维亚还为吉他改编了大量著名音乐作品，如巴赫的无伴奏小提琴作品《恰空》等，大大丰富了古典吉他的曲目，最终使古典吉他的曲目在二十世纪无论在数量和质量上都达到和其他重要乐器一样的水平。在上世纪初几乎没有一个音乐学院开设吉他专业，塞戈维亚不但积极从事教学工作，培养了大批年青的吉他演奏家，他还积极呼吁世界各大音乐学院开设吉他专业，并鼓励他的学生们从事教学工作，至此，目前世界著名的音乐院校不仅开设了古典吉他专业，而且把其列为重要的学科加以建设。这是塞戈维亚对古典吉他的又一巨大贡献。现在活跃在世界各地音乐舞台上的无数优秀的吉他演奏家，都曾直接或间接地受过塞戈维亚的教诲或影响的。虽然大师已经离开了人世，但是每当我们演奏起古典吉他、或是学习古典吉他、或是观赏古典吉他演奏、聆听古典吉他音乐，甚至仅仅是谈论起古典吉他时，我们实际上都是走在大师以毕生的功绩铺就的宽阔大道上和不朽的光辉中，尽管我们末必能时刻意识到这一点。 对二十世纪吉他音乐产生重大影响的其他音乐家中，特别值得一提的是巴拉圭吉他奇才巴利奥斯（Agustin Barrios Mangore 1885-1944）。这位具有印第安血统的巴利奥斯自称为“吉他中的帕格尼尼”而且毫不为过，他除了是位出色的吉他演奏家和作曲家外，还是位哲学家、画家、宗教学者和诗人，除了在世界各地成功地巡回演出外，他还是第一个为古典吉他录音的演奏家。巴利奥斯出色的艺术才华在二十世纪的大部分时间里并末得到世人的公认，在上世纪后期，巴利奥斯以多种风格创作的大量丰富多彩的吉他曲逐渐被发掘出来，并成为了古典吉他音乐作品中最重要和最受人喜爱的曲目之一

论文题目：

古典吉他演奏中国民族音乐的实践

选题的依据和意义，研究的主要问题，拟达到的目的：

选题的依据和意义：有着悠久的历史传统中国民族音乐，是中华民族传统文化的重要组成部分。古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。被认为是吉他艺术的最高形式。古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。近年来，不少国内外的吉他演奏家都为古典吉他改编过中国民族音乐，其中不少作品取得了很高的艺术成就享誉国内外，不仅为古典吉他的曲目风格拓宽了方向，也为中国民族音乐的传播起到了积极的作用。

研究的主要问题：

(一)中国民族音乐的特点和风格。

1、中国民族音乐的形态。

2、中国民族音乐的种类和特点。

(二)古典吉他的特点。

1、古典吉他的音色，和声等特点。

2、古典吉他的演奏技巧特点。

3、古典吉他不同民族曲目风格的列举。

(三)分析古典吉他演奏中国民族音乐的实践。

1、列举古典吉他演奏中国民族音乐的乐曲。

2、分别对乐曲改编前后的各种特点进行分析，对比，从而剖析古典吉他演奏中国民族音乐的可行性和特点。

研究方法、研究步骤：

方法：

1、到图书馆或上网查询相关资料，并下载曲目和曲谱。

2、总结归纳与同学交流，并视奏相关曲目。

3、由论文指导老师指导并与同学讨论。

步骤：

1、收集与题目相关资料。

2、与论文指导老师交流进行论文写作的展开。

3、归纳总结研究结果，撰写论文。

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研究吉他指弹的现实意义是为了更好的学习吉他。根据相关公开资料显示，指吉他(英语：FingerstyleGuitar)是吉他独奏的一种流派，指用一把吉他演奏多声部的乐曲，使吉他的表现力不仅限于单一的声部。一般使用相对与古典吉他而言较牢固的民谣言他(钢孩吉他)演奏，还有十二弦吉他等。指弹吉他也是古典吉他标准的弹秦方式，另外，美国的蓝调音乐、乡村音乐、民深音乐都有使用此技术，后来欧美的摇资乐和金属乐吉他手也都有使用指弹弹奏，伴奏歌曲。

七年前，高考结束，我从压抑的高中生活中解放出来，开始了百无聊赖的暑期生活。打小就羡慕那些在家长的安排下学习乐器的孩子，于是，我没有选择疯狂地玩耍，也没有为了“积累社会经验”去打工，而是开启了自己的音乐生涯：学习吉他。 选择吉他的原因很简单，它流行、廉价，亦不至于像那些传统乐器一样“没有市场”，完全可以满足一个有闲没钱的高中毕业生想要追求文艺的伟大理想。 况且，电视上时不时就出现的那些姿态洒脱的吉他手，仿佛总是能用极其轻松的手指动作刷完一首歌。看起来，弹吉他并不是一件难事。（如今那些把吉他扔在墙角看都不看一眼的朋友们，当初大概也是像我这样想的。）童话和小说里的英雄形象总是跟白色脱不开干系：白马王子、白衣侠客。抱着以二百元的价格从淘宝上买回来的纯白色吉他，我也时常暗暗赞许自己的品位。 然而对着电脑琢磨了一整个夏天，我迷茫的眼光还是时常在大横按和弦图跟低把处位距离指板半厘米高的琴弦之间游离，开始认真思考一种叫做“艺术天赋”的抽象概念。本科入学，歌曲《老男孩》正火，看着学长们在女孩子的簇拥下气定神闲地完成弹奏，我也差点被迷得神魂颠倒。后来，偶然听朋友提起一个叫做“押尾”的奇怪名字，在朋友的一再推荐下，我开始搜索押尾的视频。 接下来的情节大家都能猜到了。押尾光太郎神奇的演奏在一瞬间打动了我。 对于一个完全没有听说过“指弹”的吉他爱好者来说，在第一次看见那些动听又好看的演奏时，心中受到何等的震撼，恐怕每一位正在阅读这篇文章的朋友都可以心照不宣。押尾光太郎 在指弹圈子里的大伙，最初都是被一两首曲子瞬间吸引，仿佛见证这神奇演奏的那一刻，心里就认定：这就是我要追求的东西。便从此一发不可收拾。我也经历了同样的故事。当时，我心中满是欢喜： 原来我手里的小木盒子可以成为一个乐队，可以创造出如此多样的效果我要学！我也要做到这样！ 于是，从此以后我也被贴上了“玩指弹的”标签。TED讲台上的Tommy接下来的就真的是痴迷。 从压抑管制的中学走出来，第一次遇到自己如此爱不释手的东西，生活竟然因为一把吉他而变得妙趣横生起来，让我有了念想，有了追求。 寒假窝在房间里一个人琢磨到夜里一两点，拿右手满手的冻疮换来了结结巴巴的两三首指弹曲子，竟觉得这是自己生活中最满足的收获。 不久后，学校的一次晚会让我得到了登上舞台的机会。兴致冲冲抱着新吉他，生硬的刷完一首Wings，心想终于能秒杀和弦党们了。然而回到观众席，小伙伴围上来说： 弹得不错啊！不过你怎么不唱啊？我一直等到最后也没听见你唱。 那一刻，我内心满是诧异。 说者无心，听者有意。 “咦？你怎么没唱啊？”，这句话一度成为最能戳中指弹圈爱好者们敏感神经的一击。辛苦练习、潜心琢磨换来的自信跟期待，竟在这样一句中变得支离破碎。 很多像我这样“玩指弹的”，也是在这惊醒梦中人的一句话下，接受了一个事实：我们是一个小众的圈子。 什么是小众？不被大部分人了解跟认同。 时至今日，指弹也一直处在不温不火的境地，指弹玩家一度成为了吉他爱好者里的“极客”、“特殊人群”，甚至是大众眼中“看不懂”的异类表演。 当然，不能排除很多爱好者因为学艺不精，不能将这种艺术以最光鲜饱满的状态呈献给听众的情况。 然而很多时候——尤其是在这个口水歌盛行的时期——指弹爱好者们漫长的学习之路，总是要面对这样的不满情绪：那些自诩“独立音乐人”言之无物的无病呻吟为什么就能赢来满堂喝彩，大红大紫；而真正潜心琢磨乐理、苦练基本功、不断研习丰富技巧的我们，为什么就没有得到应有的关注呢？我想，热爱指弹的我们，不能再像从前那样不负责任地用一句“大众的审美能力有限”去自欺欺人。毕竟，真金不怕火炼，如果我们坚信指弹是一门有深度、有底蕴、有魅力的艺术，那我们或许更该以有担当的态度审视我们自己： 如何“征服”大众。 今天，我想就这个问题简单聊聊自己的看法。不足之处，还望海涵。什么是好的指弹？指弹吉他未来的路在哪里？ 这是一个如此宏大的命题，我不敢妄下结论，只能试着说出自己的看法。 不仅仅是指弹 实际上，我个人不太喜欢“指弹”这种叫法，而是更倾向于”guitar playing”（吉他演奏）。 看上去，这只是个简单的命名问题，然而由这个名字为原点所伸出的枝蔓，却无疑让许许多多的中国琴友陷入了一种“自我捆绑”的尴尬境地。 我个人非常喜欢的美国原声吉他玩家TraceBundy,是该领域当中炙手可热的人物，但在我的印象里，我似乎很少听他提及“fingerstyle”这个词。相比之下，他更习惯把自己写作的曲子归为“guitar songs”； 而强如Tommy Emmanuel这样极具代表性的钢弦吉他大师，似乎也是同样的情况： TED讲台上，Tommy在向听众们面前讲述自己在飞机上遇到的趣事时，他只是言简意赅地用“I’m aguitar player（吉他演奏者/吉他手）”这样的词汇介绍自己。TED讲台上的Tommy “指弹”是一个大集合，他并不代表过于繁复的含义。很多人说“指弹就是用手指头弹”，这很准确。从广义上讲，任何一种主要依靠手指进行弹拨的乐器演奏，都可以被称为指弹。 我们如今所看到的“指弹”，亦是几代充满智慧的钢弦吉他手们从各式各样不同的乐器和奏法当中提炼出来的充满想象力的大集合。 而这个不断提炼、不断完善的过程所丰富的演奏体系，其来源和受益者，也是整个吉他家族。而它也势必会影响到吉他甚至弦乐器之外的音乐世界。 更多时候，”指弹“似乎成了一顶我们强行扣在自己头上的帽子。我们称自己是“指弹玩家”并以此与“古典吉他演奏”、“弹唱”和“电吉他演奏”划清界限，想要标榜自己的与众不同，结果却是毫无意义地将自己禁锢在一个小圈子里。 我想，也许正是我们内心过分骄傲，让我们在第一步就走偏了方向。如果试着放开这个禁锢，我想我们会收获更多。 你真的是在“致敬”经典吗？经典改编跟翻弹，是指弹吉他手们经常做的事。这样的现象也很好理解，人们更容易对自己早前听过的旋律产生共鸣。 我曾经在国外演奏过皇后乐队的波希米亚狂想曲，在座的外国观众能满堂喝彩，然而在国内再尝试如此，观众便只会冷静听完而无动于衷。 我想这也是为什么郑成河、松井佑贵这样有很多改编作品的吉他玩家能够获得观众更多的关注与青睐。 然而很多时候，那些被改编成吉他曲的作品，却总是浓妆艳抹，穿上了过于华丽的外衣。仿佛人们都在遵循一条潜规则：只要改成指弹，那必须要花哨、要复杂、要难、要技惊四座！ 在此举个反例，摇滚里有两首名曲，我是首先听完指弹的改编被打动，继而去了解原作的。一首是枪花的Sweet Child ofMine, 另一首是U2的Where the StreetsHave No Name. 2012年，我一个人坐7个小时大巴来到上海听了Trace Bundy演奏了这两首歌的现场。Trace Bundy这两首改编不仅仅给我在大学的生活打开了了解两个摇滚乐队的门，同时也让我领略到指弹可以不仅仅只是为了去努力接近原曲，而是可以超过原曲，做出新的听觉效果的。 在此，我想提醒一下持有这种观念的朋友：指弹是音乐，不是杂技。 如果乐迷们没有在你改编的乐曲中寻找到他所期待的跟聆听原曲时等同的感动，他是绝对不会因为你的点弦跟敲击而瞪大双眼的！ （附上视频1） 从杂技回到听感 曾经在TED看到过一个初中生一般大小的外国孩子，在介绍过自己是如何被指弹吸引并开始悉心钻研的，便开始了一段近乎疯狂的点弦演奏。 然而除了“快速”和“猛烈”，我几乎再也找不到更多的词语可以描绘那些音符。我没能从他的演奏中找寻到任何美感，只觉得混乱。 表演结束后，观众象征性地献上掌声，他们或许感到了和我相同的困惑，眼花缭乱之外，没有获得听感上的享受。这样的推广似乎并没有起到积极的作用。 今年一月，一位叫Eiro Nareth的YouTube吉他红人，用两首分别改编自电影《星际穿越》与《盗梦空间》的配乐，赢得了惊人的点击量。这两部视频也一度在国内社交媒体热传。 视频里的编曲，演奏技巧简单得出人意料！几个泛音，几个简单的“常用”和弦，作者交出的却是一份震撼答卷，而这份答卷显然不是靠华丽技巧堆砌出来的。 视觉的冲击或许能让我们更快速地走近指弹，然而音乐性才是所有音乐家的安身立命之本命，无论如何花哨的演奏，其根基必须是经得起推敲的听觉效果。 相似的例子，是否也时常发生在我们身边？ 无论是出于对自身能力的展示，还是因为迫切地想要分享一种听众们“闻所未闻”的新手段，太多人为此变得急功近利，急着把自己的三脚猫功夫公之于众。 （附上视频2）Less is more 最后，附上本人在自己在学习吉他中总结出的一些拙见。 曾经在观看电影《断背山》时，被影片里的背景音乐打动，相信喜欢这首作品的朋友肯定不能否认，电影的背景音乐在情感的推动上起了不可或缺的作用。影片里的背景音乐开场、插曲，很多都是一把单单的吉他，很简单的几个音，寥寥几笔，使得音乐早已先于电影画面，在听众脑海里勾勒出了美国西部空旷、忧伤的氛围。 此曲是阿根廷的吉他演奏家Gustavo Santaolalla的创作。这样“用一把吉他撑起一部电影”的大胆做法相比于其他好莱坞大片的宏伟音效，显得格外出众，同时也给我们展现了吉他演奏的潜力。 （断背山音乐：）夏威夷的乌克丽丽演奏家JakeShimabukuro经常说到从自己研究、感悟的过程中悟出的一点就是：Less is more。Brokeback Mountain 1Gustavo Santaolalla当我们嫌原声吉他的琴弦不够多，音色不够丰富的时候，也许我们也能从他的四弦演奏中学习到一些新的思路。很多时候我们都在追求更多的打板、更丰满的和声，想要把整个乐队的效果都塞进指板，或许我们能换个方向，用几个单音符来挑动听众的听觉神经。安静与留白，也能让简单的旋律有对比的美。 还记得高考结束，一个高中的朋友在我家抱着他新买不久的吉他。 我说我也想学。 他说：“挺好啊，我觉得这可以玩一辈子”。 不求能让指弹人尽皆知，只求自己能乐享其中，能追求更好。 只弹不唱的我们，也能把这小木盒子玩一辈子。撰稿丨蔡森责编丨老于 了解更多教学、交流、曲谱、吉他周边等精彩内容，敬请关注指弹中国微信公众号：指弹吉他作者简介蔡森。指弹中国编辑部成员苏州大学英语口译硕士毕业，目前从事职业翻译，吉他/乌克丽丽教师

丰富多彩的拉丁美洲音乐 拉丁美洲指的是美国以南直到南美洲最南端的广大地区。面积相当于两个欧洲，包括墨西哥，中美洲，加勒比，南美洲四个部分，古代印第安人曾在这里创造了灿烂辉煌的玛雅、阿兹台克、印加三大文化。音乐在当时也得到了较高的发展。玛雅人的器乐与歌唱、舞蹈紧密地结合在一起，他们用敲击乐器较多，如用半个葫芦制成放在水盆中敲击的水鼓和用坚硬的长豆荚相互敲击的乐器，还有能吹出鸟鸣声的管乐器等。阿兹台克人则经常使用木鼓、竹笛、海螺和葫芦制成的摇铃。在印加人的音乐中，以排箫和竖笛著称，据说当时曾有多达百人的竖笛乐队为舞蹈伴奏。在印加贵族子弟的教育中，音乐是很重要的一部分。无半音的五声音阶是印第安人普遍采用的音阶。 经过300多年的殖民统治后，拉丁美洲的音乐文化发生了巨大的变化。由于大量欧洲（尤其是地处伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙）的音乐文化传播到了整个拉丁美洲。同时，来自非洲的黑人奴隶也带来了非洲的音乐艺术。长时期种族间的混血，也形成了各种新的混合民族。拉丁美洲的文化正是欧洲文化、印第安文化和非洲文化经过长期的碰撞、冲突、渗透、吸收后融合而成的一种统一而又多元的文化。它源于这三种文化而又不同于原有的文化，以崭新的面貌出现在世界上。从宏观的角度看，拉丁美洲音乐也是欧洲音乐、印第安音乐、非洲音乐的混合体。但由于混合的类型、层次、成份、程度各不相同，就形成了十分丰富、多种多样的音乐风格。如今，拉丁美洲音乐正以其色彩的丰富。节奏的独特，旋律的美妙，和声的浓郁，吸引着广大的音乐爱好者。它那无比的热情，充沛的活力，神奇的风貌，使世人为之瞩目。正如拉丁美洲伟大的革命家古巴诗人何塞·马蒂所说的：“这是一片用音乐和大自然秀丽景色装点的和谐和富有艺术的国土”。 拉丁美洲的音乐文化大致可分为三种类型：即印第安人音乐；以黑人音乐为中心的非洲--美洲音乐；以土生白人、混血人音乐为代表的拉美民间乐。 印第安人音乐大致可分为两类：一类是处于孤立偏僻地区印第安人的音乐，如亚马逊热带丛林区的印第安人。由于处于较原始的状态，其音乐比较简单；又如厄瓜多尔希法罗人的音乐只采用了三个音。巴西卡马尤拉人的音乐也比较简单，但却拥有世界上最长的管乐器--由两根植物茎（一长米、一长米）捆绑在一起的乐器，他们的音乐与舞蹈是紧密相连的，而且往往是在各种仪式、庆典上才表演。这些，对于研究音乐的起源和发展是很有用的。另一类是发展得较高的印第安人的音乐，如秘鲁、玻利维亚、厄瓜多尔等国的安第斯高原音乐，它是印加传统音乐的继承和发展。他们演奏的排箫、竖笛音乐很有特点，在表现高原印第安人的风情方面十分出色。庄严的太阳神颂歌，忧郁抒情的亚拉维情歌，欢快活泼的瓦衣诺舞曲，都是他们的创造。美妙动人的民间花腔女高音唱法一安第斯高原唱法是世界民间音乐中的瑰宝。印加古都库斯科被称为“美洲考古之乡”，每年6月24日是著名的太阳祭节日，在隆重的庆典上可以见到传统的印地安人音乐歌舞表演。玻利维亚高原的普诺也被誉为"美洲大陆民间歌舞之乡"。 黑人音乐亦称美洲--非洲音乐。这种音乐主要分布于加勒比海和巴西以及秘鲁、哥伦比亚、委内瑞拉的沿海地区。苏里南的原始森林中，逃亡的黑人奴隶和加勒比海的海地保存了较纯的非洲音乐。在巴西的巴伊亚地区和古巴、特立尼达多巴哥等国的黑人音乐，则受葡萄牙、西班牙文化的影响较多。美洲--非洲音乐的特点是节奏在音乐中起主导作用，切分很强烈，常采用多线条节奏，呼应式的歌曲，乐段结构不方整，使用欧洲乐器多，且偏爱敲击乐器。加勒比海流行的钢鼓乐就是黑人的创造。这是一种用汽油桶制作的旋律性敲击乐器。这种来自汽油桶的美妙音乐震惊了世界。巴西的桑巴、伦都和古巴的伦巴，加勒比海的卡立普索、曼波、恰恰恰以及秘鲁的马里涅拉、冬德达等舞曲，都是较典型的美洲--非洲音乐歌舞体裁。 拉美民间音乐指的是：主要受到欧洲音乐强烈影响的土生白人、印欧混血人的音乐。这类音乐直接来源于伊比利亚半岛，但在几百年的漫长岁月中己适应了拉丁美洲的风土人情，产生了变异。它基本保留欧洲音乐体系的基础（包括调式、和声、节拍、乐段结构等），但它那热情洋溢的风格，激荡人心的气氛，已根本不同于伊比利亚半岛的民族音乐了。这种音乐的特点是带有淡淡的怀乡、忧愁的色彩，重唱形式多，唱法放松，音色柔和抒情，采用3/4及6/8节拍多，乐段结构较方整，采用吉他很多。来自西班牙的竖琴在拉美也流行很广，但乐器音色变得嘹亮明快、"竖琴之国"巴拉圭还发展了用竖琴伴奏的独唱、重唱等形式。具有小吉他形状和曼陀林音域的恰朗戈（五弦琴）、蒂波里（三弦琴）、瓜德罗（四弦琴）等弹拔乐器都是欧洲音乐文化与印第安音乐文化巧妙结合的硕果，现已成为拉美音乐中不可缺少的乐器。在墨西哥还发展了一种溶吉他、小号、小提琴、低音吉他为一体的马里阿奇乐队音乐，特色鲜明，很受欢迎。 墨西哥的松，智利的库艾卡，阿根廷的探戈，秘鲁的秘鲁园舞曲等都是典型的拉美民间音乐歌舞体裁。