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随着国内服装设计 教育 的发展,学院专业教育已经成为连接服装产业和设计人才之间的重要纽带,服装设计人才的培养为我国服装产业可持续发展不断注入新鲜血液。下面是我为大家整理的浅谈服装设计论文 范文 ，供大家参考。
《 谈谈舞台服装设计 》
摘要：本文主要从舞台服装的历史背景开始谈起，舞台服与消费者日常着装不同，舞台服要表现剧本内容，考虑剧情渲染。它不同于生活装也不同于流行时装。舞台服有它独有的特征和舞台审美需要。舞台服装特征是多角度，深层次的。
关键词：舞台 服装 造型 材料 表现
中图分类号：G712 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn.1672-8181.2014.04.058
1 引言
在古希腊戏剧演出时，演员戴着色彩绚丽的 脸谱 ，穿厚底的靴子，采用标志性图案的衣服和裤子起到夸张人体的效果。观众距舞台很远，也能看清角色。现代戏剧及舞台美术的设计思想不断变革，为写实、非写实的舞台服装设计者开创了各自的广阔天地。
2 舞台服装的内容
舞台服装一般分人物服装、演员服装两大类。舞台服装不同于时装或生活服装。舞台服装有着自身剧情需要。首先就是它的美化效果，其次是时代效果，再次是服务效果。 由此可见，舞台服装是多元化的，需要从事舞台服装设计师深刻领悟，才能设计出广大戏剧 爱好 者喜欢，又符合剧情需要的经典作品。
3 设计舞台服装的的四个要素
我们知道，时装设计师多是依靠个人思维和主观性进行服装造型、色彩变化、面料改造。而舞台服装设计师却要受到很多客观因素的制约，影响舞台服装设计四个要素：剧本、导演、演员、舞台。
舞台服装设计之前，设计师必须反复阅读剧本，通过揣摩和分析渐渐转化为人物形象，并通过服装语言表现出来。人物信息研究，让人印象深刻过目不忘的舞台服装，具有标志性和代表性。准确、深刻表达是对剧本，角色的诠释。好的舞台服装直接关系到一个剧目是否成功。
不同的导演执导下，应有不同的构思。由于导演人生经历不同，受到东西方 文化 影响，审美自然各有千秋，各有喜好。舞台服装设计师应随机应变，适应不同风格的导演。沟通、磨合、聆听，阐述自己的设计理念与表现手法。利用一切技术处理手法，结合导演对剧本的要求，可以造型夸张变形，色彩多样丰富甚至怪诞。新版《红楼梦》的服装设计就是一个很好的例子。结合导演理念，加入中国戏剧的元素，创造出全新的舞台服装。
演员是舞台表现的灵魂，形象、性格、气质与学识构成了他的个人魅力。舞台服装符合剧情，导演也欣赏，但是未必合适演员的形象特质。服装与演员良好的结合，是舞台服装设计必须思考的问题。杨丽萍《孔雀》舞剧，结合她的纤细形体，加入夸张的色彩，以及舞蹈特有的动物元素，设计出来的舞台服装产生了强烈视觉冲击力，是设计作品的典范。
以“舞台”为标的物的设计，舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具。它们影响着角色的外部形象，没有光的配合，整个演出将会黯然失色，平淡而无味。舞台布景需要灯光来渲染气氛。在2013年cctv 春节 晚会的舞台表现中，加入大量的灯光设计，同时配合情景服装，给了全国人民一个全新的视觉享受。
4 舞台服装设计中材料的运用
服装材料，可以各种全新的面貌出现。柔软型面料可任意塑形，产生的线条柔顺，优美。硬挺爽型面料制作的服装立体丰满，外形膨胀，视觉面积大。光泽型面料在灯光的照射下发出七彩的光芒，炫目灵动。透明型面料质地轻薄而通透，具有优雅而神秘的艺术效果。
打破常规的服装选材，运用人工合成材料。如建筑材料的使用;有石头、木材、金属条、各色玻璃等。包装材料的使用;卡纸、塑料、喷画等。植物材料的使用;新鲜的花朵，风干的花束，植物的根茎，树叶等都是很好的舞台服装选材。对面料进行改造，运用材料的多次缝制粘贴及 刺绣 色彩的搭配，化学腐蚀抽纱烂花改变面料的质感。使面料形成不规则，不对称，不完整的破烂质感，会给观赏者产生意想不到的视觉冲击，具有超现实主义的意味。
5 舞台服装设计中解构主义的表现
从结构到解构，是时代发展审美的新趋势。因为它充满个性，富有生机，聚集表现力受到推崇。解构主义是建立在对传统空间结构的怀疑基础上，设计重新分解，完全背离服装人为的穿着理念，变构重建从独立的艺术品的角度去考虑舞台服装设计的理念。毫不犹豫的摧毁传统，以现实感、随意感，以自由的心态，采用扭曲变形，折皱拼接进行混搭。使舞台更具活力，表现更有张力。同时加入建筑、雕塑的空间元素，脱离服装原有的人体工程结构，看似凌乱无形，却充满强烈的生命力。服装体积巨大，外形怪诞的解构主义设计更能在舞台上独树一帜，受到观众的喜爱。
6 舞台服装发展现状及趋势
舞台服装设计的现状，舞台美术设计从简单幕布式搭台布景，到立体化实物化并运用各色幻灯和电子激光，逐渐形成舞台设计的潮流。以往舞台服装单调的款式、过时的色彩、保守的造型，都不能满足现在舞台美术设计的需要。多样性、时尚感的创新意识，融合社会 热点 话题，将娱乐大事件、影视大片等观众关注的内容融入服装设计理念中，对创作意图至关重要。观众能直观的欣赏到更为前沿的流行元素，使舞台服装融入舞台剧中。
目前国外已经有很多著名品牌的企业生产舞台服装。而在中国单独设计生产舞台服装的公司却寥寥无几，大多数为小型工作室制作完成，缺乏系统完善的品牌竞争。我国舞台服装无论是在艺术表现力还是美感上远远不及欧、美、日、韩等国。发展我国的舞台服装设计要结合中国元素。我国由多民族组成，设计素材源源不断，坚持特色文化并可借鉴国际化的理念。总之，舞台服装设计要有超前的设计理念，同时对发展实用类服装起到了导航推动作用。这种推动作用将是众多服装设计的风向标。
参考文献：
[1]希弗瑞特.时装设计元素：调研与设计[M].中国纺织出版社，2009.
[2]潘健华.舞台服装设计与技术[M].文化艺术出版社，2000.
[3]吕志昌.影视服装设计[M].中国传媒大学出版社，2009.
[4]马蓉.服装创意与构造 方法 [M].重庆大学出版社，2007.
《 如何进行服装设计 》
穿什么衣服才美?服装设计师有一句 名言 “能烘托你的自然美,又能适当掩盖你的不足的衣服,就是适合你穿的美的款式。”这就告诉我们服装美的一个重要的因素,即要根据每个人的“个性”来设计,选择“得体”的衣服。
一、服装的造型美
服装的整体造型,即服装的轮廓,来源于人体,是外部造型同内部结构有机的结合,它是服装的总体风格。根据现代服装的流行趋势,设计师们在表现人体自然美突出个性追求的基础上,通过夸张修饰,调节服装的肩宽、胸围、腰围、臀围、衣长等,从而形成风格各异的造型效果,通常有以下几种造型风格。
X型,是以人体肩宽,腰细,臀围大的特征,而设计的贴合人体曲线的服装,充分体现女性姿态的自然,这种造型被人们广泛地接受,也是连衣裙的主型,适合理想体型的人穿着。
A型 ,通过分割、修饰肩宽、夸张下摆,整体造型上窄下宽,如由四片、六片或八片上下大裁片衣缝合的喇叭裙。这种造型稳重、端庄、走路时,线条自然变化无穷,给人以飘逸之感,受到青年女士的青睐,适合于臀部较窄的人穿着。
H型,通过放宽腰围,从肩端处直线垂下,具有整洁、利落、轻松随和、自由的感觉。穿着这种造型的连衣裙,走路时,裙身与腰部,臀部若离若现,产生一种朦胧美,韵味顿生,腰围大的人穿着,能掩盖其缺陷。
T型,采取夸张肩部及袖山,然后向臀部方向收拢,装饰上身,简洁下身,增强了挺拔感,使优柔的女性,增添了男子的洒脱,阳刚之俊。
二、服装的形式美
人体有美的,也有不美的,上帝没有给每个人都造成一个理想的身姿,服装美通过形式美的规律来表现人体的自然美,运用比例,均衡,分割,视错等到来弥补体型不匀称的缺陷,使穿着趋近于比例美。
统一与变化,统一与变化是构成形式美的主要规律之一。
统一在服装上主要指型、色、面料相互协调和谐。
变化造成一显著对比的感觉,其特点是生动、活泼、有动感。变化手法很多,常见的有省道的转换与分割,不同原料的搭配利用等。
统一必须适度,否则就会千篇一律,缺乏生气,在变化中求统一,统一中求变化,平中求奇,使两者有机地结合起来,服装才有生气。
对称与均衡,有服装设计的过程中,最常用的手法是将对称与均衡综合运用,即能取得稳重、活泼的艺术效果,在对称中变化而产生动感。
视错是指在某种情况下,使人的视觉造成与外界事实不一致的感觉。通过点、线、面的装饰及分割,把人们的视线引向一方,突出其长处,遮掩短处,达到趋近于比例美的效果。
旋律,主要指服装各种工艺线和色彩,有规律,有组织节奏变化,引诱目光可以产生旋律感,目光从一方移动到另一方,使造型上有运动效果。
三、款式,色彩与体型的和谐美
面孔,在设计上起着焦点的作用,领子是最易于吸引人们视线的部位,它的造型,直接影响着面孔。
例如,圆脸型的人,不宜穿一字领,圆领或领上有花边的上衣,因为,水平线把注意力吸引致横向,产生宽大的感觉,瘦脸型的人不宜穿领口长而尖的“V”型领,或长驳头西服领。因为这种领型引起的视错,会使人感觉到脸型越加瘦长。又如,身材高瘦的人,要减少直线分割或常有直条的图案,套裙会增加你的宽感,使你体态匀称,倘若上下略有色差,效果更佳。瘦人不宜穿过紧或过松衣服,穿连衣裙最好有腰带,袖子采用泡泡袖,胸部用花边做些修饰,臀围小的人宜穿百褶裙,在圆摆裙,有丰满之感。
胖人的款式要简洁,繁杂多样会显得臃肿,对于横向线条,图案及灯笼袖,蝴蝶领结,领花边,过量的衣褶,都应避免使用,上下身不能使用强烈的对比色,否则,上下身分成两段,显得越加短胖。
为了表现体型,突出个性,选择颜色很有讲究。红黄橙几种有代表性的暖色,有兴奋、热烈、温暖的感觉,它能给人的精神振奋之感,因此,适合于冬季服装。黄色调的服装,皮肤细白的穿着,能产生极好的效果,如果肤色比较粗黑,色感应选择较深沉的土黄色,或黄灰色。深绿、青、紫等到冷色,有沉静,高雅的感觉,适合于夏季服装,绿色调服装,肤色较黄或较黑的人穿着,会产生单调感,而孔雀绿,橄榄绿,暗灰绿则可以广泛用于服装中,青色是希望,智慧的象征,适合我国人民的肤色。
暖色,明快热烈,有扩张之感,冷色,沉着,稳重,有收缩之感,有服装的配色中,要很好了解色彩,在什么时候和什么条件下能发生的作用。一般说,深色有收缩感,浅色有膨胀感,体瘦的不宜穿深色和冷色的衣服。反之,体胖的人不宜穿浅色和暖色的衣服。任何肤色穿白色和浅色衣服,效果都比较好,因为它反光,使你的脸更富有色彩,具有生气。
黑、白、灰三处无彩色,在服装中被广泛运用。白色,象征着纯洁,朴素。白色与个性强烈的颜色拼在一起,会显得活泼,年轻与泼辣;黑色,坚实,庄重,黑色服装更有精神,表现出摩登与高雅;灰色,象征着中庸、温和。在服装上与艳丽的色彩配合,既能起到稳定色彩跳耀的效果,又能衬托其色彩,更加漂亮,如灰色常有色彩倾向,显得格外高雅。
四、服装的装饰美
服装造型本身就是一种装饰,它来源于人体,又能改造人体。
省道在造型中具有重要地位,如肩省、腋下省、腰省等,它的作用表现为适应人体曲线变化的需要,同时又可以利用省道的变化,获得造型上的分割效果,起到装饰的作用,这里介绍几种常用的装饰方法:
扎明线,是利用线的粗细和变化,起到装饰效果,它有一种流畅、明快、典雅的感觉。
打褶裥,采用不同褶裥打法,能产生动与静的感觉。如对褶,有一种静止,稳定的感觉,而百褶和飞边,便产生一种动感。褶裥在服装上,不但便于人们活动,而且直接产生富有无穷变化的线,形成不同的扇面,时合时张,富有情趣。
补绣、刺绣,补绣,也叫“贴布绣”,是利用零碎布料拼成各种图案。这种效果,概括简洁、装饰性很强,刺绣的手法很多,不同技巧者有独到之处,采用的面料不同,其效果也不一样。
手绘,在服装上,用不同的涂料,染料手工绘制,多彩用中 国画 的一些技法,如:工笔、写意等,其特点是色泽质朴清淡,浓郁雅丽,浓淡变化无穷,其效果是手工印花和机印无法达到的。
此外还有镶色、镶花边、镶条等到多种手法。现在人们更加注意腰带的装饰性。一套新颖的裙装,系上合适的彩带,使人体外形富有曲线,充满活力,会显得更加窈窕多姿,并能使人体的比例得到调节,倍添美感。
纽扣,它不但有着实用性,还起到画龙点睛的作用,有人称它是服装的眼睛,你千万不能忽视其作用。
五、服装的朦胧美和流行美
服装的魅力,表现在似露非露之间,给人以联想,产生一种美感。
在款式的表现上,如直身裙和一些宽松裙装,造型上,从肩端处直线垂下,似乎没有表现出人体的形体美,但随着人体的活动,柔软宽松的衣裙,与肉体若离若现,使形体间接地显露出来,便会产生一种朦胧感,又如旗袍是以人体结构为基础的紧身式,穿着之后,随着人体的起伏形成清晰流畅的曲线,随着活动,使旗袍一张一合。把腿部处理在露与不露之间,显露出的腿部线条,把人的视线移向整个腿部,产生一种特殊的韵味。
服装的流行美,符合了时代的潮流。服装随着科学文化的进步,制衣工业的发展,与人们求新的心理需求而变化,流行着。它也受到世界重大事件的直接影响。
服装变化总有一个起主导作用的基调。如裙装,这几年流行长裙。过几年又流行短裙,不是紧身,就是宽松。这是因为人们都穿式样近似的衣服,就会产生厌倦心理,为了脱俗,人们就开始寻求另一种式样,一旦这种式样普遍被人们效仿,就会继而流行。
随着社会的变革,妇女要求同男性一样,在社会上奋斗,拼博,追求,表现出男性的某些气质和风度。同样,服装也受到这种影响,女性服装开始追求男性化。
人们使自己爱美的心理得到满足,推动着服装设计周而复始地变化着,流行着,流行美就在这个潮流的和谐之中。
为使你穿的仪表堂堂,更好地体现出女性富有的魅力,让我们怀着美好的心灵,来进行美的探索,美的追求吧!
参考文献
[1]王蕴强,马玖成.色彩・服装与美.北京:中国轻工业出版社,2000.4
《 浅谈服装设计风格 》
摘要：本文对服装设计风格先作源头阐述，再结合大师作品对该类设计风格进行分析，试图从文化、艺术角度挖掘服装设计的风格与内涵，并赋予其实用价值。
关键词：设计;风格;服饰
作者简介：黄鼎奇(1962.9-)，男，辽宁沈阳人，沈阳师范大学工程技术学院副教授，硕士研究生导师。
[中图分类号]：J523[文献标识码]：A
[ 文章 编号]：1002-2139(2011)-21-0126-01
服装设计风格是指服装设计作品从总体上看，在内容和形式等方面都达到了统一的效果，其外观造型独特、新颖，具有很强的艺术感染力和鲜明的时代特征。纵观世界流行服饰史，服装设计风格可以说多种多样。如：东方风格、古典风格等等。风格经过历史及审美的积淀，具有一定的成熟性，它不会随着时间的流逝而消失，而经典的服装风格将永存。当今服装发展最显著特点就是风格多元化，因此作为现代服装艺术的诠释者，要充分了解各种服装的风格与内涵，这样才能创作出风格独特的作品。
一、东方风格
主体印象：给人以自然、朴素、含蓄的服饰印象。
东方风格主要是指以中国为代表的东方服饰文化为背景的时装主题。东方文化艺术历史悠久、源远流长，如：中国的书法、绘画，日本的书道、浮世绘等艺术形式都具有深远的影响。就服饰造型形态而言也是非常丰富的，典型的式样有中国的唐装、旗袍，日本的和服，印度的沙丽等。如：日本时装设计师三宅一生是一位具有东方情愫的服装艺术大师，他的设计充满东方的禅意，张扬着鲜明的日本民族精神，融合了东西方文化之精髓，尽情抒发玄奥的东方文化的神奇魅力。
二、古希腊风格
主体印象：给人以简朴、单纯及优雅之感。
古希腊是西方文明的发祥地，也是欧洲古典服饰风格的源头。早在公元前四世纪，希腊不仅在建筑、雕塑、哲学等方面取得了很高的成就,同时也创造出了无与伦比的服装式样，其造型优雅轻松、和谐自然，没有丝毫的奢华和矫饰，被世人称为是古典造型完美的典范。进入21世纪，人类开始对生态环保投入了更多的关注,古希腊服装自然的造型、披挂的方式、流动的线条、单纯的色彩正吻合了人们渴望返朴归真的心理需求。如：法国时装设计师玛德琳•维奥内特被称为是“设计师中的设计师”。她的设计具有古希腊风格特点，注重雕塑感，反对紧身衣等填充，体现女性自然身体曲线，松弛、浪漫和优雅。
三、巴洛克风格
主体印象：给人以夸张、浪漫、高雅、奢华之感。
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，盛期是17世纪。巴洛克彻底打破了文艺复兴时期的艺术特点，在艺术形式上追求享乐主义思想，突出浓重的宗教色彩，强调新奇特和极具运动变化的戏剧感。在服装方面主要是指17世纪以法国为代表的欧洲宫廷服饰，造型宏伟华丽、色彩绚丽夸张。如：黎巴嫩时装设计师祖海•慕拉是黎巴嫩时装设计军团的领军人物，典雅奢华的巴洛克宫廷风格形式是他的标志之一。他的设计风格特点是剪裁简洁、线条柔美，面料和辅料集尽奢华，造型上追求极致的完美。
四、罗可可风格
主体印象：给人以纤巧、精美、浮华、繁琐之感。
罗可可(Rococo)反映了十八世纪法国路易十五时代宫廷贵族的恣情享乐生活方式。它是巴洛克时期式样的延续，两者之间的主要区别是巴洛克服装雄健、奔放，罗可可服装艳丽、优雅。在造型上两者都强调女性的优美曲线，追求装饰及光影的变化，在表现题材上除了有花草、果实、波浪等外还加入了罗马和东方装饰形式。如：法国时装设计师克里斯汀•拉克鲁瓦被时装界称为是“调色大师”。他的时装秀向来都是一场华丽的视觉盛宴，精美的刺绣、丰富的色彩、闪亮的配饰及华丽的蕾丝极具罗可可古感风貌。
五、未来派风格
主体印象：前卫、时髦，体现了浩瀚宇宙神秘之感。
50年代以来人类就从来没有停止过对宇宙太空的探索，人类从最初的能把人造卫星送入太空，到阿姆斯特朗等人登月成功，直至今日人类能够乘坐航天飞机前往太空旅游，实现了人类遨游太空的梦想。因此未来太空服饰热潮多年来持续不断，许多表现未来主题的艺术流派也应运而生。在服装造型上，这类主题的作品具有构筑式硬质材料拼接和几何学直线运用的设计特征，彻底否定了传统造型的构成方式，强调简练的设计语言，材料运用比较丰富。
如：英国时装设计师亚历山大•麦克奎恩的设计理念匠心独具，在面料的选择上常用许多新奇的高科技面料。他的未来派时装设计给人以独特的视觉享受，仿佛置身于宇宙星际之间，令人惊异难忘。
六、朋克风格
主体印象：给人以一种强烈的、刺激的、恶俗的前卫服饰倾向。
朋克(Punk)最初是指一种摇滚乐，诞生于七十年代中期，并且很快在英美两国得到了蔓延。当时由于二战后上世纪工业危机，社会下层年轻人对生活现状不满，对未来失去了信心，他们用自己特立独行的装束风格彰显自己，提倡“性和颠覆”表明与主流文化的不同，最终形成了朋克风格。朋克服装风格在设计上，多以异国、异教服饰为设计元素，强调奇特和个性。在装束上不拘一格，如：有废旧的垃圾、金属、骨质品等，在图案的选择上更是令人毛骨悚然，如：人骨头、蟒蛇、毒蝎等，在发型上也很怪异，如：常见形式有光头、染发、纹身等。
如：英国时装设计师维维安.维斯特伍德被时装界称为“朋克之母”。她设计的服装具有强烈的后现代反叛精神和独特的创新意识。她颇能掌握时代精神，将叛逆的元素融入作品之中。她极强敏锐的洞察力和敢于突破传统陈规的胆识，彻底改变了人们的审美方式和着装方式。
七、解构主义风格
主体印象：给人一种反对称、反完整以及打破原有成规的服饰印象。
解构主义(Deconstruction)可理解为有分解与构成结构的含义。它产生于20世纪60年代，是由法国哲学家•德里达为代表所提出的一种哲学理论，波及人类文化的方方面面，对哲学、文学、建筑学等方面产生了深远的影响，推动了后现代主义的产生与发展，也是整个后现代思潮最重要的理论源泉之一。在服装设计领域解构主义风格从20世纪70年代兴起，80年代开始传播。特点是把原有服饰结构进行破坏和重组。在造型上避免出现常规完整的对称形式，结构后的结果体现了服饰疏松零散、支离破碎、变化层出、耳目一新的效果。
如：比利时时装设计师马丁•马吉拉被时装界称为解构怪才，“解构主义大师”。他一向以解构及重组衣服的技术而闻名，他锐利的目光能看透衣服的构造及布料的特性。他的每件作品背后都隐藏着无穷无尽的 想象力 。
参考文献：
[1]21世纪国际时尚品牌礼服，主编：华梅，中国时代经济出版社，北京，2008.1。
[2]时装设计艺术，主编：刘小刚，中国纺织大学，上海，1997.11。
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旅途罹病，荒原驰骋梦魂萦。看到博物馆里面的浮世绘展上，我想起了很久以前在一个日本电视剧上美丽的艺妓，妖娆妩媚，唱着这首歌。随着，讲解员拿着麦克风一声响起：“欢迎来到深圳南山博物馆的浮世绘展。”我听到讲解员用麦克风给我们开头介绍浮世绘。浮世绘这个产生于江户时代，日本封建社会社会等级甚严。商人们掌握大量财富，却还是社会最底层-----町人阶层。所谓町人，就是市民。市民崛起以后，产生一种市民文化，这种市民文化表达日本市民的情趣和审美，也展现了他们精神于物质追求的狂热化。在政治上，没有出路，索性把内心的压抑，反叛转向生活。 讲解员给我们介绍的是第一幅名叫《吉田街道》，是由菱川师房所画的，颜色是黑白两种单调组成，是早期浮世绘的代表作之一。画里面人物有四个人物，一位男士穿着长袖和服，头梳绑着被称为十河额的头发，赤脚，左侧佩戴者两把武士刀，双手撑住油纸伞为前面的女士遮风挡雨。而前面女士头转向后面，看着为她撑伞的男士，双手抱胸，同样左侧佩戴一把武士刀，和后面男士不同穿着一双木制鞋。里面有另外两位女士则跪坐在榻榻米上，手持书卷在哪里阅读。同时，讲解员告诉我们。早期浮世绘，风景画只作为美人绘的背景。成熟的浮世绘被葛饰北斋的《富岳三十六景》和歌川广重的《东海道五十三次》等这两位大师一系列作品问世推向巅峰。我在一幅破损浮世绘停下来，这是武士绘《源义朝》。武士绘是以传说，传奇，历史小说中武士为题材。破损的画里面依然看到源义朝骑马威武形象。源义朝是日本平安末期武将，东国武士集团的首领。统领关东群豪，在保元之乱中为朝廷立下大功，后因发起平治之乱而以叛臣身份留名史册。看完武士绘主题后，我和同伴在一幅浮世绘停下来。在我眼中这是一幅不同于其他浮世绘这是关于爱情情侣相处的描绘，名叫《梅花树下的男女见立玄宗皇帝与杨贵妃》是鸟居清长所画的，画面描绘梅花树下恋人相处的场景，采用红褶绘。他笔下的美人符合当时社会的审美观念，生动优雅，窈窕多姿。同时，他充分发挥红褶绘中对红，绿，黄的运用，填色饱满，手法细腻，画面洋溢着热烈的情趣。 我对随行同伴说:“古人浪漫还真是与众不同。”他对我说了一句：“静静，要不我们两个要不要试一下上面这一对。”我露出了嫌弃的表情：“咦，你没看清楚，上面是两个人拿是两个人各用一只手拿着笛子，画中美人手里拿着笛子在吹笛子。”可他说了一句话：“要不我把我家闺厕留给你。”我立即回了他：“一边去。”给了他一个白眼。这个是放在美人绘里一幅作者无名氏的《无题》。画里面是一位妇女半遮半掩的睡觉。我不知道我为何会想到春宫图。 这是《远眼镜》是葛饰北斋所画的美人绘，画面描绘了两位妇人。其中，一位手里拿着伞染着黑齿武士妻子，她和另外一位妇人拿着红色的望远镜在看画。当时日本流行通过望远镜和其他光学仪器来欣赏绘画。同时，《远眼镜》是葛饰北斋自称“可候”时期相当罕见的大首绘。 注:将牙齿染成黑色是日本贵族女性身份与地位的象征。 我们又在美人绘里面看到不同与其他画，这是一幅名叫《山姥和金太郎》作者是喜多川歌磨。画中描绘的是日本创说中生活在山中的母子山姥和金太郎，山姥和金太郎在旷野中一起看景，显示了母子和睦相处，家庭和谐的温馨场面。 山姥是栖息在深山的女妖怪，称作鬼婆，鬼女，也称作“山姬”，“山女郎”。山姥会化身成美丽的妇人，提供给山中旅人住宿和食物，但在旅人就寝后将其吞食。但山姥年轻时也曾养育了日本有名创说人物—金太郎（坂田金时）而传为佳话。 《今昔物语集》中，976年，源赖光从上总国上京途中，在相模国足利山发现像是完全没有颜色一般皮肤雪白头发漆黑的女人和幼子一起生活，寻问后得知这是赤龙之子。源赖光认为此人并非常人，将其纳为家臣并取名为坂田金时，后成为源赖光麾下四大天王之一。随后，我们跟随讲解员进入了美人绘的主题展区，美人绘是浮世绘最主要的题材。美人绘通过描绘半身像展现女性肌体的温润丰满。她给我们介绍的是溪斋英泉所画的《花魁》。画着身穿黑色和服，和服绣着精美的花纹，腰束一条蓝色的腰部条，头戴精美的头饰，身材呈S形，显得画中的美人是那么婀娜多姿。 看到这幅画给我感觉就是强烈的视觉冲击，脑海只有一句话:这那是美女？这分明是一条蛇。在当时人们或者在溪斋英泉眼里她就是美人。我后来转头想把这幅画的艺妓当做符合自己中规中矩的审美观念。讲完美人绘之后，我们跟随讲解员一起来到浮世绘六大宗师的成就。铃木春信，首创色彩丰富的“锦绘”。“鸟居派”第四代传人鸟居信长，精研仕女，形成了独特的“清长美人”式风格。喜多川歌麿独创表现人物脸部特写的半身胸像---“大首绘”。东洲斋写乐大胆夸张地强调人物面部特征，通过极端的画风表达演员们的内在情感。葛饰北斋和歌川的风景画，对西方印象派产生启蒙作用。 我最喜欢的就是葛饰北斋作品《富岳三十六景—神奈川冲浪里》。讲解员则重点讲这幅画的特点：画面的构图奇谲巧妙，浪花的边缘有如利爪，海浪亦如怪兽向人扑来，在某种程度上具有抽象意义。画面前方涌动的浪花形成一座小山，与远方的富士山构成强烈对比，这种处理方式让人禁不住想到人类在自然灾害面前的渺小和无助，也有人说这是灾难的特征，蕴含着画家的忧患意识。这个浮世绘展虽然展出主题不多，但对我而言是全新认识的版块。看完浮世绘展我和同伴两个人走出博物馆商量晚餐吃什么。 同伴：“静静，你想吃什么？” 我：“随便，都可以只要不辣或者微微辣,微辣就可以。” 同伴：“那烤肉？” 我：“可以，是哪家烤肉？” 同伴：“是一家韩式烤肉。” 我：“那就去这家。” 我们两个人并肩而行，行走在人行道上。由于在夏季深圳下午五点天空阳光四射，风和日丽。远处看依旧两人慢慢的一起行走渐行渐远。
日本文化日本的文化一方面不断吸收外来文化，同时也产生了自己的特色。自公元4世纪到9世纪，就有渡来人带来大陆的文化。日本同时也派遣遣隋使和遣唐使积极吸收中国的文化。随后到10世纪左右，日本与东亚大陆的交流变少，开始发展具有独自特色的国风文化。16世纪中叶欧洲文化进入日本，给日本文化带来很大刺激，然而之后因为禁基督教和锁国而陷入停滞。17世纪以后的江户时代在封闭与锁国的稳定环境中再次发展自己的独特文化。明治维新后，日本快速西化，传统文化遭遇一定的抑制，日本快速吸收欧美文化，都市也迅速西化，给庶民的生活带来很大变化。大正时期因为经济景气，日本吸收了美国的大众文化如体育、电影等享乐文化。但1920年代以后，因陆军的政策，在第二次世界大战的战时体制下对欧美文化进行了严格的统制。日本战败后，美军在推动民主化的同时也推广了美国文化，这一时期也有否定日本传统文化的声音。在经济高速成长期，生活习惯发生大幅度变化，很多传统习惯流失。另一方面日本人日益自信，对本国文化也重新审视。近年来日本的文化迈向了国际，动漫和电子游戏在海外拥有很大的影响力。 文学日本最早的典籍，如古事记和日本书纪等都是采汉字书写。直到平安时代才出现了日本特有的文字——假名。紫式部的著作《源氏物语》被认为是世界上第一部小说。和歌是日本特有的以假名写作的一种诗歌，通常由5韵、31个假名组成；《万叶集》是最知名的和歌总汇书籍。俳句也是日本独特的一种文学体裁，知名的俳人松尾芭蕉有「俳圣」之称，他的《奥之细道》闻名于世。明治以后，日本文学受西方影响，出现了夏目漱石、森鸥外、芥川龙之介、谷崎润一郎、三岛由纪夫、川端康成，以及有「双村上」之称的村上春树及村上龙等知名作家。日本有两位诺贝尔文学奖得主，分别是川端康成（1968年）和大江健三郎（1994年）[60]。 艺术日本传统的表演艺术有歌舞伎、能剧、狂言、文乐、漫才、落语等。能是一种日本独有的古典歌舞剧，演员须带著面具（能面）表演。歌舞伎起源於战国时代末期，演员必须是男性，是比能更大众化的艺术。文乐又名人形净琉璃，是一种木偶戏。日本的传统音乐被称为邦乐，包括了雅乐、声明、神乐、演歌等。邦乐的演奏乐器种类繁多如三味线、尺八、能管（横笛）、筝、笙、和太鼓等，琵琶由中国传入日本后，也发展出不同的形式。十九世纪末期西方音乐进入日本，给日本音乐带来了很大的影响，昭和后期产生了融合西方元素与日本特色的J-POP。卡拉OK则是日本人最重要的休闲方式之一。日本漆器工艺在世界享负盛名，「japan」一字除了解作「日本」，亦为漆器之意。日本漆器的特色是以金银作为装饰花纹，即所谓的「莳绘」，以金、银屑嵌贴於漆液中，乾后推光处理，表现出极尽华贵的金银色泽，有时并以螺钿、银丝、沈金嵌出花纹花鸟草虫或吉祥图案，具有极高的艺术价值。花道、茶道和香道都是伴随著佛教进入日本的，现在已在日本扎根，成为了日本艺术的组成。日本绘画有单色画和双色画之分。浮世绘是日本画中最广为人知的一种，其对西方的印象派艺术产生了不小的影响。日本的动漫与游戏产业在国际上拥有很高的地位。 宗教神道与日本佛教是日本的主要宗教。现在大多数日本人心理上并没有特定的宗教信仰，但是许多宗教仪式或活动已经与日本人的生活融为一体，如婚礼和葬礼。神道教是在日本本土所发展出来的宗教，祭神的场所是神社，神道教认为自然界万物皆为神。在《日本书纪》中，佛教于公元552年传入日本。7世纪初，圣德太子兴建法隆寺，致力推广并普及佛教。1549年，天主教进入日本，至17世纪初，教徒大约有75万人。然而后来德川幕府实行禁教政策，直到19世纪后期传教活动才再次兴盛。现在日本经过正式受洗的教徒不超过总人口的1%。 请采纳，谢谢~
一、浮世绘的的产生及涵义浮世绘是日本的一种流行于17世纪到19世纪的绘画形式，主要以木刻版画为主的艺术,日本江户时代的民俗风情和风景是其主要的描绘内容。“浮世”原指佛教术语,意思为世俗生活,日本人的发音“ukiyo”和“悲伤”同音,有悲观的意义。江户平民文化兴起于16世纪，“浮世”一词是民众所用的反义,在这个城市,对世俗的享受是生活水平的追求。受世俗化佛教哲学的影响，这时的‘现世’成为了人们追求的目标,“厌世”也由此替代了“浮世”。而日常生活的描写在文学中的称为“浮世草子”,“以艺伎和服务对象(歌舞伎演员)为主要表现对象，这时期的绘画被称为“浮世绘”,后世用来指所有版画和民俗民风绘画。二、浮世绘版画的审美特征（一）构图大胆而新颖浮世绘版画艺术作为日本美术的代表作,非对称的构图是其主要特色，然而浮世绘非对称成分并不意味着纯粹的模仿自然的概念，也不等于破坏和谐,是在保持整体合理构图的基础上实现一个统一的整体,从而达到更高层次的和谐。与追求完整性的景观图片和垂直深度的西方油画,国画相比，浮世绘效果在二维平面的打印性能是建立在平面空间的绘画基础上。日本绘画成分改变中国绘画、中国传统绘画、尤其是两宋绘画，在中国产生了很大的影响,但日本传统绘画的过程中接收和吸收所有加入了日本国籍的审美概念。歌川广重景观使用这项特写局部技的绘画形式。画家经常夸大主体形象,组成核心位置,形成主体地位为视角的图像,视觉中心的其他内容的对象通常是由于画家夸大,只显示“不完整”的画面效果。非对称概念可广泛应用是因为非对称在自然界普遍存在。当人们面临不平衡的组成构图时，视觉上会形成一种异样美的感受,将会尝试去体验一种不平衡的美,事物的平衡和平衡条件是对称的,但事实上并没有绝对的对称,通常包含一些互补因素，同时还存在一些差异。对于追求对称应当反映在人们的视觉心理,一般表现为不完全或局部对称。在日本,不对称的艺术作品,包含了更为深刻的文化心理特点,而不是表面的简单风格
浅谈浮世绘艺术
江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。以下是我为大家整理的论文范文，希望能帮到大家，更多内容请浏览(www.oh100.com/bylw)。
摘要：浮世绘为日本的风俗画、版画。是江户时代日本市民文化兴起后，形成的一种具有民族特色的艺术风格画。日本浮世绘在亚洲和世界艺术宝库中呈现出特异的色调与风姿。本文将以描述浮世绘各个时期几位重要大师的创作风格、艺术表达方式甚至创作“偏好”及艺术成就为脉络，分析浮世绘的创作特色。
关键词：浮世绘;中国画;中国风俗版画
一、浮世绘小介
浮世绘为日本风俗画、版画。为日本江户时代(1603-1867)，即德川幕府时代兴起的一种民族特色艺术风格。是典型的世俗风格艺术。主要描绘人们的日常生活：风景、演剧、艺伎等。浮世绘常被认为专指彩色印刷的木版画(日语称为锦绘)，即浮世绘;此名称的由来是因为其内容最初主要描绘“浮世”的歌舞伎和花街柳巷。除版画外，浮世绘也有手绘作品，浮世绘的早期就是“肉笔浮世绘时期”即画者用手描绘画作的时期。浮世绘历经300多年，影响深及欧亚各地;19世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师也无不受此画风启发。
二、浮世绘的发展
江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。浮世绘最初盛行于京都和大阪，由于市民文化迅速发展，需求量扩大，需要大量印制，降低陈本，易于购买，以供需求，于是浮世绘开始由“肉笔浮世绘”阶段进入“版画浮世绘”阶段。这一时期作者云起，“版画浮世绘”的印刷技巧初为单纯的墨摺本，后发展为丹绘和漆绘;真正的套色版画在1643-1765前后出现。这一时期浮世绘的印刷技术达到高潮，代表日本民族在艺术上的高度成就。1)1670年，菱川师宣将单一墨色印刷的木版画售出，被称为浮世绘的“创始人”。起初，市场上仅有单一墨色印的画(墨摺绘)，但不久出现了“赤版”，以红色为主，再加印黄和绿。2)1750年左右，由于歌舞伎的繁盛，木板技术的进步，以及浮世画深受人们欢迎;以画美人画而闻名的大师铃木春信、鸟居清长、喜多川歌麿出现。其中铃木春信创造出了彩色印刷的浮世绘——“锦绘”。但这些人的作品没有个性，缺乏活力;往往暗示着那个颓废的社会。3)与喜多川歌麿同一时期出现的东洲斋写乐是描绘男性主体的高手。如果说喜多川歌麿是美人画的顶峰，那么役者绘的巨擘则非东洲斋写乐莫属。写乐第一次出版的浮世绘是1974年5月在江户的三个剧院为演员绘制的特写像。演员的头部及上半身突出于深银灰色的背景，他们的个性及所扮演角色的面貌与姿态都使人难以忘却，写乐以高超的敏感度捕捉到艺人的个性特征。他手下的作品，都是同样的强烈手法，同样的无情夸张而处理的。与浮世绘典雅精致或浮华艳丽的美完全相反。写乐的创作方式使人物从背景中剥离出来，这是前所未有的题材——肖像画。4)在人物和风俗的主体已近枯竭时，葛饰北斋和歌川广重(原名“安藤广重”)带来了新的主体内容——风景。葛饰北斋受到西洋铜版画的影响，立志风景画的创作，他在《富岳三十六景》中采用大胆的构图和色彩，受到观者的喜爱。此后，他在自己的浮世绘创作中描绘了各地的风景名胜。歌川广重在《北海道五十三次》系列画中以抒情的笔调描绘了日本的旅行者。他的名望甚至超过了北斋。歌川广重后期又创作了《木曾路六十九》等以日本各地为题材的系列画。
三、浮世绘最主要的创作题材
1)美人画：是以年轻美丽的女子为主要题材，是早期浮世绘最重要的创作主体。这些女子的.身份以艺伎、游女、和茶屋的招牌女郎为主。代表画家喜多川歌麿。2)役者绘：役者指著名的歌舞伎演员，与他们相关的浮世绘有肖像画和广告招贴画。代表画家东洲斋写乐。3)名所画：对名山大川和屋宇楼寰的描绘。用来满足当时无法迁徙和旅行的民众对花花世界的好奇心和渴望;偶尔也起到旅行指南的作用。代表画家歌川广重。
四、浮世绘的创作特色
1)由于浮世绘的创作方式以版画为主，因此其线条中的浓淡、粗细、宽窄变化甚微，均以色彩区分物体间的关系及作者情绪的变化。由于西方绘画的冲击，浮世绘的线条在人物外部造型时可以准确、果毅的将人体结构表现出来。在此基础上，浮世绘人物画尤以夸张丰满的姿态出现，此间可以看到中国唐代人物画在日本人物画史上具有深远的影响。2)浮世绘普遍用色大胆，尤其与同时期的中国画相比;但浮世绘色彩间的关系控制和谐，因此画面效果极趋统一。其装饰图案中以简明概括的图形为主，浮华中不失淡雅。3)浮世绘由于受中西方绘画的共同影响，风景画中“焦点”、“散点”透视均有所体现;但其特色是以某处“小情境”为主要刻画对象，与同时期的中国山水画“大场景”相较有些许区别。且浮世绘山水画更加写实，也更有生活气息，民俗风味也更加饱满。
五、结语
浮世绘艺术是日本绘画中的瑰宝，在世界美术史上的作用也功不可没。在浮世绘艺术中既能够看到对中国绘画的传承，也能看到它吸收中国画美的精髓后与本民族文化、审美、风俗以及世界美术的有机结合。19世纪末，随着茶叶包装流传到欧洲的浮世绘艺术被当时许多画家所吸收;如莫奈、德加、梵高、高更、马蒂斯等，在他们的绘画中往往都能看到浮世绘的身影。可以说浮世绘对西方印象主义和后印象主义起到了重要的推动作用。此外，浮世绘中的色彩搭配及构图设计也奠定了现代日本平面设计的基础。
作者:牟逸萌 单位:西南大学
参考文献:
[1]姜文清.东方古典美--中日传统审美意识比较[M].中国社会科学院出版社.1997
[2]刘晓路.日本美术史话[M].人民美术出版社.1985
[3]潘力.浮世绘[M].河北教育出版社.2012
[4]宫竹正.艺伎的故事[M].陕西师范大学出版社.2006
[5]潘力.浮世绘的故事[M].科学出版社.2015
艺术效果从广义上应分为两类，在文学或艺术作品中，指通过某种手法或是某种工具以达到从思维或是视觉上的某种效果。艺术效果一词的意思：艺术：①通过形象塑造来反映社会生活，表现作者思想感情的一种社会意识形态。因表现手段和方式不同，通常分为：表演艺术(音乐、舞蹈)，造型艺术(绘画、雕塑)，语言艺术(文学)和综合艺术(戏剧、电影)。②富有创造性的方式、方法：说话得讲究点艺术。③指独特优美而丰富多彩：这房间布置得挺艺术的。效果：①由某种因素造成的结果：收到良好的效果。②指演出中人工设计安排的光照、声音等：模拟火车开动的音响效果很逼真。合起来就是：通过某些工具或者手段技巧等，使文章或者照片、雕塑、电影等等一些艺术作品可以更好的表现，或者表现出更加丰富的内容。一般，艺术效果和所谓的艺术手法差不多来着，答题的话，可以先分析一下句子，看看用了那些手法，再写写自己的感受就差不多了。艺术手法，艺术作品形式的要素之一，又称表现手法。指艺术家在艺术创造过程中为塑造艺术形象、表现审美情感时所运用的各种具体的表现手段。人类在长期的艺术实践中，创造和积累了十分丰富的艺术手法，较为常见的有叙述、描写、抒情、议论、说明、对话、比喻、夸张、象征、变形、烘托、渲染、对比、反衬、伏笔、暗示、双关、拟人、排比等。艺术手法与内容有着密切的互为依存的辩证关系，艺术手法之间也存在着诸多的辩证关系，终极目的在于使艺术作品的内容得到充分、完美的表现。
中国《浮世绘》------六六著日本《浮世绘概斯》——田中喜著日本《德川时代的艺术与社会》——阿部次郎著日本《性与婚姻的冲突》——大井正著 希望我的回答能带给你帮助！
浅谈浮世绘艺术
江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。以下是我为大家整理的论文范文，希望能帮到大家，更多内容请浏览(www.oh100.com/bylw)。
摘要：浮世绘为日本的风俗画、版画。是江户时代日本市民文化兴起后，形成的一种具有民族特色的艺术风格画。日本浮世绘在亚洲和世界艺术宝库中呈现出特异的色调与风姿。本文将以描述浮世绘各个时期几位重要大师的创作风格、艺术表达方式甚至创作“偏好”及艺术成就为脉络，分析浮世绘的创作特色。
关键词：浮世绘;中国画;中国风俗版画
一、浮世绘小介
浮世绘为日本风俗画、版画。为日本江户时代(1603-1867)，即德川幕府时代兴起的一种民族特色艺术风格。是典型的世俗风格艺术。主要描绘人们的日常生活：风景、演剧、艺伎等。浮世绘常被认为专指彩色印刷的木版画(日语称为锦绘)，即浮世绘;此名称的由来是因为其内容最初主要描绘“浮世”的歌舞伎和花街柳巷。除版画外，浮世绘也有手绘作品，浮世绘的早期就是“肉笔浮世绘时期”即画者用手描绘画作的时期。浮世绘历经300多年，影响深及欧亚各地;19世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师也无不受此画风启发。
二、浮世绘的发展
江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。浮世绘最初盛行于京都和大阪，由于市民文化迅速发展，需求量扩大，需要大量印制，降低陈本，易于购买，以供需求，于是浮世绘开始由“肉笔浮世绘”阶段进入“版画浮世绘”阶段。这一时期作者云起，“版画浮世绘”的印刷技巧初为单纯的墨摺本，后发展为丹绘和漆绘;真正的套色版画在1643-1765前后出现。这一时期浮世绘的印刷技术达到高潮，代表日本民族在艺术上的高度成就。1)1670年，菱川师宣将单一墨色印刷的木版画售出，被称为浮世绘的“创始人”。起初，市场上仅有单一墨色印的画(墨摺绘)，但不久出现了“赤版”，以红色为主，再加印黄和绿。2)1750年左右，由于歌舞伎的繁盛，木板技术的进步，以及浮世画深受人们欢迎;以画美人画而闻名的大师铃木春信、鸟居清长、喜多川歌麿出现。其中铃木春信创造出了彩色印刷的浮世绘——“锦绘”。但这些人的作品没有个性，缺乏活力;往往暗示着那个颓废的社会。3)与喜多川歌麿同一时期出现的东洲斋写乐是描绘男性主体的高手。如果说喜多川歌麿是美人画的顶峰，那么役者绘的巨擘则非东洲斋写乐莫属。写乐第一次出版的浮世绘是1974年5月在江户的三个剧院为演员绘制的特写像。演员的头部及上半身突出于深银灰色的背景，他们的个性及所扮演角色的面貌与姿态都使人难以忘却，写乐以高超的敏感度捕捉到艺人的个性特征。他手下的作品，都是同样的强烈手法，同样的无情夸张而处理的。与浮世绘典雅精致或浮华艳丽的美完全相反。写乐的创作方式使人物从背景中剥离出来，这是前所未有的题材——肖像画。4)在人物和风俗的主体已近枯竭时，葛饰北斋和歌川广重(原名“安藤广重”)带来了新的主体内容——风景。葛饰北斋受到西洋铜版画的影响，立志风景画的创作，他在《富岳三十六景》中采用大胆的构图和色彩，受到观者的喜爱。此后，他在自己的浮世绘创作中描绘了各地的风景名胜。歌川广重在《北海道五十三次》系列画中以抒情的笔调描绘了日本的旅行者。他的名望甚至超过了北斋。歌川广重后期又创作了《木曾路六十九》等以日本各地为题材的系列画。
三、浮世绘最主要的创作题材
1)美人画：是以年轻美丽的女子为主要题材，是早期浮世绘最重要的创作主体。这些女子的.身份以艺伎、游女、和茶屋的招牌女郎为主。代表画家喜多川歌麿。2)役者绘：役者指著名的歌舞伎演员，与他们相关的浮世绘有肖像画和广告招贴画。代表画家东洲斋写乐。3)名所画：对名山大川和屋宇楼寰的描绘。用来满足当时无法迁徙和旅行的民众对花花世界的好奇心和渴望;偶尔也起到旅行指南的作用。代表画家歌川广重。
四、浮世绘的创作特色
1)由于浮世绘的创作方式以版画为主，因此其线条中的浓淡、粗细、宽窄变化甚微，均以色彩区分物体间的关系及作者情绪的变化。由于西方绘画的冲击，浮世绘的线条在人物外部造型时可以准确、果毅的将人体结构表现出来。在此基础上，浮世绘人物画尤以夸张丰满的姿态出现，此间可以看到中国唐代人物画在日本人物画史上具有深远的影响。2)浮世绘普遍用色大胆，尤其与同时期的中国画相比;但浮世绘色彩间的关系控制和谐，因此画面效果极趋统一。其装饰图案中以简明概括的图形为主，浮华中不失淡雅。3)浮世绘由于受中西方绘画的共同影响，风景画中“焦点”、“散点”透视均有所体现;但其特色是以某处“小情境”为主要刻画对象，与同时期的中国山水画“大场景”相较有些许区别。且浮世绘山水画更加写实，也更有生活气息，民俗风味也更加饱满。
五、结语
浮世绘艺术是日本绘画中的瑰宝，在世界美术史上的作用也功不可没。在浮世绘艺术中既能够看到对中国绘画的传承，也能看到它吸收中国画美的精髓后与本民族文化、审美、风俗以及世界美术的有机结合。19世纪末，随着茶叶包装流传到欧洲的浮世绘艺术被当时许多画家所吸收;如莫奈、德加、梵高、高更、马蒂斯等，在他们的绘画中往往都能看到浮世绘的身影。可以说浮世绘对西方印象主义和后印象主义起到了重要的推动作用。此外，浮世绘中的色彩搭配及构图设计也奠定了现代日本平面设计的基础。
作者:牟逸萌 单位:西南大学
参考文献:
[1]姜文清.东方古典美--中日传统审美意识比较[M].中国社会科学院出版社.1997
[2]刘晓路.日本美术史话[M].人民美术出版社.1985
[3]潘力.浮世绘[M].河北教育出版社.2012
[4]宫竹正.艺伎的故事[M].陕西师范大学出版社.2006
[5]潘力.浮世绘的故事[M].科学出版社.2015
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教管本科论文答辩时学员要注意的问题1、学员在答辩前要做好充分的准备：熟悉自己文章的主要内容，基本框架，主要观点，自己的创新之处，理解、领会文章中涉及到的相关概念及理论知识。 2、可以携带必要的资料和用品：包括论文的底稿和主要参考资料，在回答过程中，允许翻看自己的论文和有关参考资料的，还应带上笔和笔记本，以便把答辩老师所提出的问题和有价值的意见、见解记录下来，可以帮助自己思考。 3、要有自信心，不要紧张：过度的紧张会使本来可以回答出来的问题也答不上来。只有充满自信，沉着冷静，才会在答辩时有良好的表现。而自信心主要来自事先的充分准备。 4、听清问题，仔细思考： 学员要集中注意力认真聆听，仔细记录答辩老师的提问，仔细推敲答辩老师所提问题的要害和本质是什么?如果对所提问题没有听清楚或对相关概念不太理解，可以请提问老师重复或做些解释，或者把自己对问题的理解说出来，并问清是不是这个意思，等得到肯定的答复后再作回答。只有这样，才有可能避免答所非问，答到点子上。 5、回答问题要简明扼要，层次分明： 回答问题，一要抓住要害，简明扼要，不要东拉西扯，使人听后不得要领；要力求客观、全面、辩证，留有余地；要条理清楚，层次分明。此外还要注意吐词清晰，声音适中等。 6、对回答不出的问题，不可强辩： 如果遇见的问题不太有把握，可以审慎地试着回答，能回答多少就回答多少，即使讲得不很确切也不要紧；如果确是自己没有搞清的问题，就应该实事求是地讲明自己对这个问题还没有搞清楚，表示今后一定认真研究这个问题，切不可强词夺理，进行狡辩。 7、当论文中的主要观点与主答辩老师的观点相左时，可以与之展开辩论：答辩中，可以反驳提问老师与自己观点相对立的思想，不要因为答辩老师提出不同的见解，就随声附和，放弃自己的观点。否则，就等于是你自己否定了自己辛辛苦苦写成的论文。不过，与答辩老师展开辩论要注意分寸，运用适当的辩术。 8、要讲文明礼貌： 在整个答辩过程中，答辩人应该尊重答辩委员会的老师，言行举止要讲文明、有礼貌，尤其是在主答辩老师提出的问题难以回答，或答辩老师的观点与自己的观点相左时，更应该注意如此。答辩结束，无论答辩情况如何，都要从容、有礼貌地退场
问题如下：答辩时老师一般会问的问题主要有：一、为什么选择这个课题进行研究？二、研究这个课题作了哪些调研？三、你通过研究这个课题有什么新发现、新看法？四、研究这个课题有何意义和作用？五、在研究过程中是否发现了不同的见解？你又是如何认识处理这些不同见解的？六、在课题研究中，支持你观点的依据是什么？七、在课题研究中，有没有未涉及但与课题密切相关的内容或观点？八、这个课题还有什么值得研究但目前尚不明确的问题？九、你通过本课题的研究，获得了哪些启示或收获？十、在课题研究中，你主要参考了国内外哪些研究成果？还有什么不足之处？当然，虽然答辩老师所提出的问题比较灵活，但多与课题研究内容有关。
1、携带必要的资料和用品。首先，学员参加答辩会，要携带论文的底稿和主要参考资料。如前所述，有的高等学校规定：在答辩会上，主答辩老师提出问题后，学员可以准备一定时间后再当面回答，在这种情况下，携带论文底稿和主要参考资料的必要性是不言自明的。即使像中央党校函授学院那样，老师提出问题后，不给学员准备时间，要求当场作答。但在回答过程中，也是允许翻看自己的论文和有关参考资料的，答辩时虽然不能依赖这些资料，但带上这些资料，当遇到一时记不起来时，稍微翻阅一下有关资料，就可以避免出现答不上来的尴尬和慌乱。其次，还应带上笔和笔记本，以便把主答辩老师所提出的问题和有价值的意见、见解记录下来。通过记录，不仅可以减缓紧张心理，而且还可以更好地吃透老师所提问的要害和实质是什么，同时还可以边记边思考，使思考的过程变得很自然。 2、要有自信心，不要紧张。在作了充分准备的基础上，大可不必紧张，要有自信心。树立信心，消除紧张慌乱心理很重要，因为过度的紧张会使本来可以回答出来的问题也答不上来。只有充满自信，沉着冷静，才会在答辩时有良好的表现。而自信心主要来自事先的充分准备。 3、听清问题后经过思考再作回答。主答辩老师在提问题时，学员要集中注意力认真聆听，并将问题回答略记在本子上，仔细推敲主答辩老师所提问题的要害和本质是什么?切忌未弄清题意就匆忙作答。如果对所提问题没有断清楚，可以请提问老师再说一遍。如果对问题中有些概念不太理解，可以请提问老师做些解释，或者把自己对问题的理解说出来，并问清是不是这个意思，等得到肯定的答复后再作回答。只有这样，才有可能避免答所非问。答到点子上。 4、回答问题要简明扼要，层次分明。在弄清了主答辩老师所提问题的确切涵义后，要在较短的时间内作出反应，要充满自信地以流畅的语言和肯定的语气把自己的想法讲述出来，不要犹犹豫豫。回答问题，一要抓住要害，简明扼要，不要东拉西扯，使人听后不得要领；二要力求客观、全面、辩证，留有余地，切忌把话说“死”；三要条分缕析，层次分明。此外还要注意吐词清晰，声音适中等等。 5、对回答不出的问题，不可强辩。有时答辩委员会的老师对答辩人所作的回答不太满意，还会进一步提出问题，以求了解论文作者是否切实搞清和掌握了这个问题。遇到这种情况，答辩人如果有把握讲清，就可以申明理由进行答辩；如果不太有把握，可以审慎地试着回答，能回答多少就回答多少，即使讲得不很确切也不要紧，只要是同问题有所关联，老师会引导和启发你切入正题；如果确是自己没有搞清的问题，就应该实事求是地讲明自己对这个问题还没有搞清楚，表示今后一定认真研究这个问题，切不可强词夺理，进行狡辩。因为，答辩委员会的老师对这个问题有可能有过专门研究，再高明的也不可能蒙他。这里我们应该明白：学员在答辩会上，某个问题被问住是不奇怪的，因为答辩委员会成员一般是本学科的专家。他们提出来的某个问题答不上来是很自然的。当然，所有问题都答不上来，一问三不知就不正常了。 6、当论文中的主要观点与主答辩老师的观点相左时，可以与之展开辩论。答辩中，有时主答辩老师会提出与你的论文中基本观点不同的观点，然后请你谈谈看法，此时就应全力为自己观点辩护，反驳与自己观点相对立的思想。主答辩老师在提问的问题中，有的是基础知识性的问题，有的是学术探讨性的问题，对于前一类问题，是要你作出正确、全面地回答，不具有商讨性。而后一类问题，是非正误并未定论，持有不同观点的人可以互相切磋商讨。如果你所写的论文的基本观点是经过自己深思熟虑，又是言之有理、持之有据，能自圆其说的，就不要因为答辩委员会成员提出不同的见解，就随声附和，放弃自己的观点。否则，就等于是你自己否定了自己辛辛苦苦写成的论文。要知道，有的答辩老师提出的与你论文相左的观点，并不是他本人的观点，他提出来无非是想听听你对这种观点的评价和看法，或者是考考你的答辩能力或你对自己观点的坚定程度。退一步说，即使是提问老师自己的观点，你也应该抱着“吾爱吾师，吾更爱真理”的态度，据理力争，与之展开辩论。不过，与答辩老师展开辩论要注意分寸，运用适当的辩术。一般说，应以维护自己的观点为主，反驳对方的论点要尽可能采用委婉的语言，请教的口气，用旁说、暗说、绕着说的办法，不露痕迹地把自己的观点输入对方，让他们明理而诚服或暗服。让提问老师感受到虽接受你的意见，但自己的自尊并没受到伤害。 7、要讲文明礼貌。论文答辩的过程也是学术思想交流的过程。答辩人应把它看成是向答辩老师和专家学习，请求指导，讨教问题的好机会。因此，在整个答辩过程中，答辩人应该尊重答辩委员会的老师，言行举止要讲文明、有礼貌，尤其是在主答辩老师提出的问题难以回答，或答辩老师的观点与自己的观点相左时，更应该注意如此。答辩结束，无论答辩情况如何，都要从容、有礼貌地退场。
论文答辩的时间是在你的论文通过学校论文检测的一个月后进行的，一般是在每年的五月份左右，具体的时间是要看你所学的专业和你的论文的字数来决定的，如果是你所学的专业比较热门的话，答辩的人数就比较多，答辩时间也会相应的延长；如果是你所学的专业比较冷门的话，答辩的人数就比较少，答辩的时间也会相应的缩短；如果是你的字数比较多，答辩时间就会相应的延长；如果你的字数比较少。
毕业论文答辩记录表填写范本：
1、论文标题。向答辩小组报告论文的题目，标志着答辩的正式开始。
2、简要介绍课题背景、选择此课题的原因及课题现阶段的'发展情况。
3、详细描述有关课题的具体内容，其中包括答辩人所持的观点看法、研究过程、实验数据、结果。
4、重点讲述答辩人在此课题中的研究模块、承担的具体工作、解决方案、研究结果。
答辩一般程序
学员必须在论文答辩会举行之前半个月，将经过指导老师审定并签署过意见的毕业论文一式三份连同提纲、草稿等交给答辩委员会，答辩委员会的主答辩老师在仔细研读毕业论文的基础上，拟出要提问的问题，然后举行答辩会。在答辩会上，先让学员用15分钟左右的时间概述论文的标题以及选择该论题的原因，较详细地介绍论文的主要论点、论据和写作体会。
毕业论文答辩记录表填写范本如下图：
毕业论文答辩的时候，会有一张答辩记录表，需要写上答辩过程中评审老师提到的问题，如何作答的，以及论文还有哪些地方需要改进。
评审老师会根据情况，在答辩记录表上给论文打分（有两项打分：一项是论文指导老师打分，一项是答辩评审老师打分）。
答辩结束之后，需要拿着这张表与论文文本一起做最后的装订，上交给学校存档。如果论文答辩被评为不合格，则需要重新修改好才能装订。
答辩流程
毕业论文答辩流程一般包括自我介绍、答辩人陈述、提问与答辩、总结和致谢五部分。
自我介绍：自我介绍作为答辩的开场白，包括姓名、学号、专业。介绍时要举止大方、态度从容、面带微笑，礼貌得体的介绍自己，争取给答辩小组一个良好的印象。
答辩人陈述：自述的主要内容包括论文标题；课题背景、选择此课题的原因及课题现阶段的发展情况；有关课题的具体内容，其中包括答辩人所持的观点看法、研究过程、实验数据、结果；答辩人在此课题中的研究模块、承担的具体工作、解决方案、研究结果。文章的创新部分；结论、价值和展望；自我评价。
提问与答辩：答辩教师的提问安排在答辩人自述之后，是答辩中相对灵活的环节，有问有答，是一个相互交流的过程。一般为3个问题，采用由浅入深的顺序提问，采取答辩人当场作答的方式。
总结：答辩人最后纵观答辩全过程，做总结陈述，包括两方面的总结：毕业设计和论文写作的体会；参加答辩的收获。答辩教师也会对答辩人的表现做出点评：成绩、不足、建议。
致谢：感谢在毕业设计论文方面给予帮助的人们并且要礼貌地感谢答辩教师。
答辩记录内容怎么写：
1、学生的姓名、学院以及专业：这一点比较简单，按照你学校的名称以及专业来填写即可，但是一定要注意，这里的填写不要写简称，一定要写全称。
2、学生的学号以及指导教师和职称：如实去填写，老师的话可以去问一下，千万不要将指导老师的名字写错，也不要写某科目老师，要写名字以及自己是否有职称，如果没有的话就不填写。
3、学生的答辩时间以及论文自述的情况：学生答辩时间按照你第一次答辩的时间来填写，论文自述的情况尽量是要以第三方语气来描写。
4、教师提问以及学生回答情况：这一点尽量挑选重点来书写，一些小问题或者没办法加分的情况就不要填写了。
答辩记录上的评价项目：
1、选题符合专业培养目标，体现综合训练基本要求。
2、对实验结果的分析能力（或综合分析能力、技术经济分析能力）。
3、论文（或设计）规范化程度（论文（或设计）栏目齐全合理、SI制的使用等）。
4、综合运用知识的（涉及学科范围，内容深广度及问题难易度）。