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本年度作曲与作曲技术理论研究最显著的特点，就是传统意义上“四大件”学科分支中相对较弱的“配器”与“复调”，强势超越“和声”乃至“曲式”。这既与高等专业音乐教育中“配器”与“复调”方面高层次人才培养力度的逐年加大有关，也与近年来相关学科的学术研讨会的直接推动有关，更与作曲与作曲技术理论学科的整体发展趋势、各分支的交融，特别是与作曲实践的更加贴近有关。1.0.0有关配器的研究，本年度成果最丰。中外现代作曲家的经典管弦乐作品，成为各位学者的热衷对象与博士学位论文的重要选题。1.1.0于京君的《配器新说》(责任编辑:王璐)，对西方管弦乐队当代配器实践中体现出来的新思路和新方法作了概览式的归纳，在理论上加以浓缩、提升、总结、归类并分别命名，梳理出一套可以普遍运用的新型配器原则和方法。论文提出了三个新概念并分别予以命名，认为它们显示了当代配器思路与技法的主要走向：(1)为配器服务的新型的乐器分类法：突破传统的乐器分类框架，将乐器以其发音方式分为延音类乐器和非延音类乐器；(2)新型的配器原则与技法：以原型素材为音源的延音功放配器法——主要由非延音类乐器提供音源，由延音类乐器对其进行延音或功放；(3)配器与作曲关系的新概念：配器自由度及其划定标准。论文还强调：配器法不应该只是一种被动的、机械的编配技法，它应该是一种发展乐思、创新作品的重要手段，是一种创造性的艺术。1.2.0郭鸣的博士学位论文《约翰·科瑞里亚诺管弦乐写作技术研究》，选择当今仍活跃于国际乐坛的美国作曲家约翰•科瑞里亚诺的6部乐队作品为研究对象，结合其在文化背景、美学观念、审美趣味等方面的形成，以及由上述因素所导致的作曲技法为视角，发掘其管弦乐配器法的“继承”与“发展”。并通过具体写法的“透视”与“分析”，对科氏在6部乐队作品中的音色、织体及具体的配器手段等方面进行梳理与研究。论文主体部分由导论、正文及结论组成。在导论中，首先对论文选题的缘起及论题的意义做了简要的论述，并对美国当代音乐中“回归”现象做了概括性的梳理，同时对6部乐队作品做了概况的介绍。正文由五个章节组成，前三个章节主要是对6部乐队作品的横向音高结构与织体、纵向和声结构以及复调结构与织体等诸因素分别进行了研究，进而还对各种技法的相互渗透、相互融合、相互对比做了较为深入地分析，并归结出这些技法导致的织体的形成、音色的处理等直接影响管弦乐配器风格的各种因由。第四、五章是在前三章的基础上，对乐队的编制、乐队的摆放位置及多维声向的形成与意义做出详细的论述。随后又在微观上对管弦乐配器中特殊演奏法的运用，不同音区的运用与处理，以及纵向多声部结构中的配器特征等方面也做了较为详实的分析与论述。1.2.1竹岗的长篇论文《潘德列斯基早期管弦乐创作的颠峰之作——<第一交响乐>之管弦乐法分析》（《乐府新声》2008年第4期、2009年第1、2期连载，责任编辑：王进），包括“克里斯多夫·潘德列斯基和他的音乐创作”、“乐队编制——对传统的继承和发展”、“对传统乐队音色的充分挖掘”以及“配器新观念及新演奏法和记谱法”等四章。论文认为：《第一交响乐》是潘德列斯基整个以前作曲实践的“鸟瞰”，同时也是他管弦乐队的全部经验的集大成之作。潘德列斯基对传统乐队的音色挖掘达到了出神入化的境界，尤其是他对弦乐音色的发掘是“革命性”的。尤其是他对乐器的“极限高音”和“极限低音”、弦乐的拨奏加滑音奏法、以及密集微分音块的使用开发，堪称经典，增加了乐队的有效使用音域。潘德列斯基对管弦乐织体的运用表现出了多样化和灵活性。在对织体的使用和处理上，潘德列斯基最喜欢使用的手段就是“扇形对称结构织体”或“斜形结构织体”，以及“同一个片段之内的各个声部不同节奏的组合（或扩大、收缩组合）并循环”。在潘德列斯基的作品中，充斥着大量的各种微分音，以及由此构成的“音块”、“潘式音墙”。在《第一交响乐》中，微分音技术不但体现在弦乐器上，同时也扩展到了木管组和铜管组。微分音技术本身，与前述的弦乐“拨奏加滑音”技巧、织体的扇型结构等技术相结合，其所产生的由“密集音块”和“音高连续体”构成的“音墙式”音响效果是极具创新意识和震撼力的，是一种崭新的音响效果和技术手段。由于新技术手段会产生新的音响效果，现有的旧的乐谱记录方式已经不能满足新技术手段的要求了，因此，如何为这些新技术手段做比较恰当、适用的记录，就成了作曲家要面临的新问题了。潘德列斯基的绝大部分作品都采用了非节拍性的“半偶然”的时间记谱法，以及“有音才有谱、无音只有空白”的“黑白”记录方式，并发明和沿用了很多新的演奏法和标记。这些新的演奏法和标记，以及记谱法有些已经成为当代公认的记谱标准，直到现在都对我们的音乐创作有着巨大的影响。1.2.2胡磊的《勋伯格<乐队变奏曲>的十二音处理与配器技术》（责任编辑：刘永平），以勋伯格按照十二音技法创作的第一部大型管弦乐作品勋伯格的《乐队变奏曲》（Op．31）为研究对象，通过音高分析与配器分析，认为：在勋伯格的《乐队变奏曲》中，体现的十二音序列音乐配器基木原则不仅使十二音体系所强调的“音高平等”甚至是“音色平等”得以很好的体现，并且，也赋予了作品音色多样化的乐队音乐特点，但是，十二音规则上一些局限性的原则对乐队效果、配器手法上产生的束缚力使勋伯格在《乐队变奏曲》之后，再没有使用十二音序列技术来创作真正意义上的乐队作品。另外，勋伯格在这部作品中由始至终体现的“音色平等”观念不仅与十二音序列音乐的“音高平等”观念相一致，同时也是平等原则的进一步升华，并且对二战后期兴起的“整体序列主义”起到了一定的启发意义。1.3.0中国作曲家、管弦乐法专家杨立青教授成为本年度的热门研究对象。龚华华的《积墨·破墨·泼墨——杨立青<荒漠暮色>中的几种管弦乐配器技法》，借用中国画中的三种常用技法“积墨”、“破墨”、“泼墨”，来阐释杨立青1998年完成的管弦乐《荒漠暮色》中的几种管弦乐配器技法。积墨与破墨是指用两种不同的方式对主体声部进行整体和局部的叠加，而泼墨则是指用多个乐器声部共同构成一个类似于“带状”的加厚式织体形态。1.3.1李洋的《从杨立青<引子、吟腔与快板>看管弦乐队与二胡音色的溶合技术及其结构力功能》，通过对管弦乐队各乐器相对于二胡音色溶合性的分析与量化，借助统计学方法，以可视性图表为材料，探讨了分析对象各乐器组、整个管弦乐队相对于二胡音色的溶合性变化过程，以一种新视角观察管弦乐队乐器与民族乐器之间的音色溶合技术。1.3.2徐越湘的《浅谈杨立青关于20世纪作曲技法理论的研究成果》，从传统作曲手法的六要索入手，对杨立青的《管弦乐配器风格的历史演变》、《梅西安作曲技法初探》、论文集《乐思·乐风》、译著《二十世纪音乐的和声技法》等篇章中的核心技术予以剖析，力图总结出他在20世纪作曲技术理论中所作的探索。1.4.0姜盛林的《色彩的“五行” 逻辑的“五行”——谈陈其钢管弦乐组曲<五行>的音色布局与结构关系》，认为其分析对象的每个段落虽然短小，但构思新颖、奇特，语言精练、细腻，段落内部及段落之间的结构形成严密的逻辑关系。在配器方而，这部作品的音色布局与调配以及音响的对比控制非常完美，可以称得上是一部难得的“现代配器教科书”。2.0.0有关复调的研究本年度成果丰富，特别是出现了对于国内学界而言具有开拓性、创新性意味的选题与成果。2.1.0姚亚平的著作《复调的产生》（责任编辑：金原），主体包括“复调起源的各种理论及其评价”、“‘附加’与复调的产生”、“欧洲文化精神的兴起及其对音乐的影响” 以及“权力的话语：欧洲早期复调语言机制的文化意蕴”等四章，从“音乐之外”的文化角度切入，抽象、智性地讨论了“复调的产生”这个令人关注的课题。特别值得一提的是，该著的第四章通过“引言：‘权力’、‘话语’、‘只是’”、“横向维度分析”、“纵向维度分析”三节，讨论了“作为权力的话语的西方早期复调的构成：1.两个要素；2.两个要素地位的不平等；3.在历史进程中，不平等地位的逆转。2.2.0刘永平长期致力于的现代复调研究与教学。他的现代音乐复调技法研究之六《论十二音对位》认为：十二音对位是基于十二音技术的对位法，是多种音列形式同时作线性陈述而构成的非调性复调织体；十二音列及其变体形式、音程顺序以及陈述方式，是十二音对位中音高组织、声部对比、织体构成的主要结构特征；通过分析、归纳各音列形式结合的对位类型及其和声处理原则，进而探讨了十二音对位与十二音技术相关联的独特复调思维与技法。2. 2.1孙晓晔的《谢德林<复调手册>中的对位技法研究》，对谢德林由25首体裁各异的复调前奏曲《复调手册》进行了深入仔细的分析，将作曲家运用次数最多、使用手法最独特的几种对位技法进行了归纳,并试图通过分析此作品能够对现代复调音乐的创作和教学提供有价值的参考。另外，徐昌俊、左延芳的《里盖蒂<永恒之光>中的微复调技法》也值得关注。2.2.2叶思敏的《斯特拉文斯基<士兵的故事>中的拼贴复调技法》（责任编辑：刘永平），包括“拼贴复调的基本乐思构成”、“拼贴复调的旋律写作”、“拼贴复调的调性语言”、“拼贴复调的和声手法”、“拼贴复调中的节拍手法”、“拼贴复调织体”等部分，结合作曲家的美学观念，逐一研究了作品中运用拼贴技术所涉及到的种种写作手法，提出了斯氏以复调思维作为诱导的拼贴技法的运用，为复调的现代发展开拓了广阔思路的论述。2.3.0龚晓婷的《陈怡四部混合室内乐的复调技法研究》（责任编辑:刘莎），以陈怡近年创作的为胡琴与弦乐四重奏而作的五重奏《胡琴组曲》(1997)，为小提琴、琵琶、大提琴而作的三重奏《宁》(2001)，为长笛、黑管、小提琴、大提琴、钢琴而作的五重奏《春夜喜雨》(2004)以及为长笛、大提琴与钢琴而作的三重奏《静夜思》(2004)为研究对象，探究了作品中所贯穿的线性思维及丰富的复调技法。论文认为，它们不仅表现为多变的结构形态，还以融合进作曲家个性化语言的形式充分表露出她独特的审美意识。2.3.1吴磊、唐荣的《王西麟<第四交响曲>中的复调技法研究》，通过较为仔细分析，认为这部作品“将连续演奏的四个部分或乐章整合到一个乐章之中，同时，四个部分分别被理论家冠以四个标题:‘寻觅、毁灭、挽歌、抗争’，在整体结构上由于音色的布局及其织体结构与运动使其具有奏鸣曲式的结构特征”。最重要一点，复调技法在该作品中的运用占有重要的地位，一方面，可以看出作曲家有效地将各种复调技法作为乐思表达的载体，体现出“织体主题化”的结构功能；另一方而，作曲家对新型复调技法汲取的同时，追求对乐队整体音响、音色及新型织体的尝试。有关中国作曲家音乐创作以及复调技法的研究，还有徐玺宝《谭小麟<小提琴及中提琴二重奏>的创作特征》等。3.0.0相对于常年，本年度有关曲式或音乐分析或音乐形态方面的研究，在数量上有所减少，但质量上乘，特别是一批博士论文的出版，提升了该分支方向的总体学术水准，并呈现出聚焦本土专业音乐创作与我国民族民间音乐的显著特点。3.1.0觉嘎的《西藏传统音乐的结构形态研究》(责任编辑:迟凤芝、王赛)，是第一部全面研究西藏传统音乐形态特征的专著。该著从西藏传统音乐的文化源流开始，探讨了社会生活与西藏传统音乐的关系；从西藏传统音乐的类别属性入手，探讨了文化交流对西藏传统音乐的影响；论文还着重探讨了西藏传统音乐的结构特征：个性与共性，变异与发展。这是一篇严谨、深入、厚重的优秀博士学位论文！3.2.0杨和平的博士论文《谭盾歌剧研究》(责任编辑:陈欣)，以谭盾歌剧为研究对象，主要从剧本、音乐材料、结构与结构力、戏剧思维等四个方面展开分析，涉及谭盾自1989年以来创作的《九歌》、《马可·波罗》、《牡丹亭》、《茶》、《秦始皇》等五部歌剧。正文共分五章，第一章分析了上述五部歌剧的剧本，从人物、情节、戏剧以及剧本特征等方面来展开。第二章探讨了谭盾歌剧中的材料设计，内容分为六节，对主题、音型化材料、吟诵材料、拼贴与仿作材料、打击乐等进行了分别研究。第三章分析了谭盾歌剧音乐的组织及相应的技术手法，包括材料布局、即兴与机遇对位、织体设计、空间设计等四个方面的内容。第四章对五部歌剧的整体结构及分场结构进行了阐释。第五章对谭盾歌剧的戏剧思维进行了研究，内容分三节，第一节探讨了谭盾歌剧中巫傩/戏曲色彩的成因。第二节探讨了谭盾歌剧中器乐的戏剧作用，并进而探讨了谭盾的“整体声音观念”，器乐在谭盾歌剧中具有与声乐并驾齐驱的地位。第三节探讨了文化配器与复风格的内容，除《九歌》外，其余四部歌剧均通过“文化配器”的手法来组织音乐材料、设计音乐结构，从而让作品具有“复风格”的特征。3.2.1郭新的《采用中国民间曲调的结构原则——陈怡赴美后作曲风格形成阶段之二》(责任编辑:高拂晓)，也是作者博士论文《中国音乐语言用西方乐器习惯用法诠释——论陈怡创作西方器乐曲时中西方观念和技术的融合过程》中的一个章节。论文着重分析讨论了陈怡在哥伦比亚大学学习的最后阶段的两部作品《烁》和《钢琴协奏曲》，认为：此时陈怡的创作注意力,开始从注重音高结构方面，逐渐转到了整体与局部的曲式结构中。她在作品中系统性地运用节奏组合和结构比例原则，而且对音响的调配和织体在曲式结构中的作用，给予了更多的关注。同时，陈怡在对中国民间乐曲结构原则的深入研究后，力图将中国民间音乐曲式结构思维与西方无调性音高结构原则相结合，并积极探索使西方乐器按中国民间器乐合奏方式演奏的具体手法。3.2.2刘涓涓的《这是一个诱人沉醉的黄昏——析罗忠镕艺术歌曲<黄昏>》，以背景性研究、关联性研究和技术性研究相结合的方式，分析总结了罗忠镕艺术歌曲《黄昏》的创作特点：即借用同名现代诗歌中强烈的主观意识和象征意义表达个人对于理想与现实的理解，创作思想上流露出人本主义特征；人声旋律处理为宣叙调以表现歌词的意识流风格；钢琴声部的写作体现出多种技术与音乐表现之间的必然联系。论文还注意到罗忠镕一向把他的艺术歌曲写作当作整体创作的技术实验田，《黄昏》又是这些歌曲中技术化特征最突出的一首。3.2.3娄文利的《单声思维控制下的音响结构——郭文景歌剧<夜宴>音响结构技术特点》认为：单声思维控制下的音响结构逻辑，是《夜宴》所有音响技术的核心理念所在。它表现在三个方面：就织体形态来说,单声织体、装饰性支声织体和主调型织体均体现出突出线性逻辑的特点；时值控制系统中不规则变换节拍、避免重音周期性起伏、符合人物形象的节拍设计、板式或速度对位等手段，也与作曲家追求线性逻辑的单声思维相辅相成；在多声技法方面，注重色彩性、音响性的和声意识代替了功能性和声手段，其作用在于调节单声线条的粗细轻重，而复调多表现为在特定戏剧情节中特定主题间的对置，意在凸显各主题暗示或隐喻的戏剧功能。3.2.4李吉提的《秦文琛<幽歌Ⅱ号>的音乐结构及其他——中国现代音乐分析随记》，通过分析认为，从作品中可以看出草原文化和现代专业音乐教育对作曲家的影响，以及该作与作曲家后来音乐创作的关系。论文还从作品的内容与宏观结构、作曲家笔下的乌日图道与原生态乌日图道的结构比较及其与现代技术的关系，揭示了音乐结构的张力、内聚力、平衡力在作品中所发挥的作用。3.2.5胡静波的《云翻一天墨——关于大型歌剧<太阳雪>与说、唱、剧<解放>音乐创作上的研究》，作为作者“张千一音乐创作研究系列”之一，包括“《太阳雪》与《解放》在创作上的异同”、“《太阳雪》的内容布局”、“《太阳雪》音乐的结构形式”以及“《太阳雪》音乐的写作内涵”等四个方面的内容。3.2.6周倩的《多元语境中的作曲新路朱世瑞<草-词的微变奏>之创作思维与技法》，从隐形主题与微变奏、音高形态与节奏模式、复语言和复文化与创作思维的创新等方面对《草-词的微变奏》的创作特征进行了研究。3.2.7房晓敏的《五行作曲法在民族管弦乐创作中的应用》摘记了作者多年来研究五行作曲法与民族管弦乐创作相结合的心得体会,以二胡协奏曲《幻想曲》、民族管弦乐曲《山寺》、梆笛与二胡双协奏曲《客风》、民族管弦乐曲《火之舞》4首风格各异的民族管弦乐代表作来阐述自己的创作理念与思路。3.3.0桑桐的《勃拉姆斯两首歌曲的分析》，从歌词内容简介、歌曲的结构形式、艺术手法分析三方面，进行具体的介绍分析，从中了解勃拉姆斯歌曲中的艺术表现技巧、音乐形象创造与和声处理手法等方面的特色。3.3.1钱仁平的《一个被误会了的回旋奏鸣曲式乐章——贝多芬<第三钢琴奏鸣曲>第二乐章曲式新析兼评相关陈说》，从“疑问：贝多芬不会写出如此比例失调的回旋曲式吧?”切入，讨论贝多芬《第三钢琴奏鸣曲》第二乐章的曲式结构，进行“解析:原来是一首被误会了的典范回旋奏鸣曲式”，并加以“引申:是魏纳·莱奥误会了贝多芬还是我们误会了魏纳·莱奥?”，说明了徳系与前苏联系曲式思维的不同，并由此引发对我国曲式学教学体系现状的思考。3.3.2郑中的《梅西安的对称排列置换作曲技法》认为：梅西安作为20世纪最重要的作曲家之一，在现代音乐的发展进程中占据独有的地位。不可逆行节奏、对称排列置换、色彩和弦、有限移位调式等创新技法，是形成他独特音乐风格的直接手段。3.3.3符方泽的《马勒交响曲中的“递延”现象研究——以马勒“器乐三部曲”为例》，借用“递延”这一概念，以浪漫主义晚期作曲家马勒的器乐三部曲为主要对象进行了专门性的分析和研究。在分析中，围绕递延这个主要观点，分四个部分对马勒交响曲在调性、主题及音乐意象等方面的相关性、传递性和统一性特点及其表现方式作了较为深入的探讨。文章以较新的观念阐释马勒交响曲特有的形式风格,一方面能为马勒交响曲的形式特点及相关方面研究提供新的角度；另一方面，也为观察和总结音乐作品之间可能存在的潜在而多元的关联及统一建立了新的视点。3.4.0安宁的《布里顿的两部歌剧研究》选取被认为是英国自17世纪普塞尔以来最杰出的作曲家布里顿全部歌剧作品中最富特色的《彼得·格莱姆斯》与《命终威尼斯》为研究对象，从体裁形式、题材内容、音乐风格及具体技术手法和美学追求等方面展开比较研究，并对影响作曲家创作的，“性取向”问题进行解读，以音乐本体分析与文本意义阐释的双重视角进行审视，进而探究造成这些变化与发展的原因。在布里顿宏富的音乐创作中，歌剧占据极为重要的地位，也是他全部作品的重心所系。因此，对于歌剧创作的研究便成为了解布里顿音乐创作思想、技法乃至风格流变最主要的途径之一。3.4.1宋莉莉《斯克里亚宾晚期音乐观念与创作的研究》主体由引言、四个章节、结语和附录几大部分组成。引言部分述及本课题的学术价值和国内外研究现状。第一章对斯克里亚宾所处的历史背景和文化环境及个人创作生活进行了考察。第二章对斯克里亚宾音乐观念内涵进行了宏观分析。第三章对斯克里亚宾音乐创作手法进行了具体分析，并对其音阶观念的扩大、主音观念的固守、调式调性观念的扩展、主题和和声观念的变化、不协和和弦观念的演变、节奏节拍观念的变化等方面的创作特征进行了阐述。第四章主要述及斯克里亚宾的创作对后世的影响。全文以斯克里亚宾的音乐作品和其他音乐家对他的评说、回忆录、笔记、书信等史实资料为依据，以历史学、社会学、音乐学分析、作品分析为研究方法，对斯克里亚宾晚期音乐的思想观念和创作实践进行了梳理，阐述了其音乐创作的主要手法和独特的艺术思维。3.5.0赵晓生的《音乐活性构造（一）》认为：音乐活性构造的核心点在于，由音乐的构造寓于过程之中。过程即结构，过程即构造。过程的状态即结构形态，过程的特征即结构范式这一基本观点出发，依据音乐的时间性(历时性)与空间性(共时性)特征，将音乐在其运动状态、时间过程与音响体现、空间组合中所呈现的组织构造范式，进行节奏(时值模型)、过程(结构范式)、音高(音集运动)、音响(和音色调)、组织(活性基因)五个相对独立范畴的分析研究，以有机的、整体的、合一的、活性的视角,从根本上把握音乐时间性与空间性二位一体的活性运动的组织构造核心奥秘。3.6.0有关音乐分析方法论的研究，主要有王中余的《集合复合型理论的实质、应用与效能》，首先对集合复合型理论的实质与分析应用问题进行教程式释介，在此基础上揭示这一理论的分析效能。事实上，集合复合型理论是音级集合理论的重要组成部分，也是对无调性音乐作品深层结构进行揭示的有效手段。3.6.1值得关注还有[德]克列门斯著、钱泥译《音乐分析法》，从各个不同角度出发，为学习者提供音乐作品分析丰富多样的可能性，并用大量作业鼓励学习者用自己的思路和视角作各种分析判断的尝试。《音乐分析法》可说是第一本实用音乐分析“工作手册”，是专业师生和自学者理想的教材。3.7.0本年度该领域最重要的学术著作当属贾达群的《结构诗学》（责任编辑：王赛）。我们赞同高为杰教授在该著《序II》中的评价：“《结构诗学》中的许多构想很有见地，富有原创性新意。我特别赞赏其中关于‘结构对位’理论的提法。过去虽已有诸如‘混合曲式’、‘复合曲式’以及‘边缘曲式’等等提法，但我以为‘结构对位’的理论更能抓住音乐结构思维的本质。”4.0.0本年度有关和声方面的研究，几乎是历年来最少的。倒是两本译著的出版，具有重要的影响。4.1.0冶鸿德的《亨策“移动和弦”的结构与功能》(责任编辑:高拂晓)认为：在亨策的和声体系中，三音固定的移动和弦占有重要的地位。其独特的结构方式及在作品中广泛系统的应用，使它具有了传统和声体系中某种功能意义。移动和弦的结构特点与功能充分体现了作曲家根植传统、锐意创新的创作观念。移动和弦是亨策音乐创作技法和风格特征的一个缩影。4.1.1刘文平的《勋伯格的全音阶理论及其实践》（责任编辑:吴晓丹）认为：勋伯格的全音阶创作，完全与他的理论相适应，系统地为我们展示了这种音阶发展演化的全过程。对于勋伯格本人的创作来说，全音阶的运用主要是在调性扩张的过程中通过拓宽和弦构成的调式基础丰富和声材料，促成调性解体的重要手法之一。由于全音阶中各音之间的相对独立和缺少倾向性的特点，在局部可以形成无调性的段落或片断，因此，勋伯格一方面充分发挥全音和弦的结构特色，选择特点突出的增三和弦以及五、六音和弦的结构形式，结合旋律中的全音阶片断集中使用；另一方面，他也清楚地意识到这种结构的和弦在表现上的局限性，做到与各种三度结构、四度结构和弦等其它和弦材料融合，真正起到了丰富旋律与和声解放不协和音，最终促成调性解体的作用。
在写作音乐论文过程中，正确地标注以及合理地引用参考文献不仅关系到音乐论文的质量 ，也在一定程度上反映了作者的学术态度。下文是我给大家带来的关于音乐论文的参考文献的内容，欢迎大家阅读参考!
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我自己写了，一个关于歌剧《图兰朵》的鉴赏选修课论文。可供参考我觉得音乐剧和歌剧都有声乐演唱这门艺术在其中。音乐剧重在表演，它是以声乐、舞蹈、舞台美术、剧本等等组成的综合艺术；而歌剧中歌唱占主要地位，虽然它也有剧本中的戏剧冲突表演，但人们会为欣赏一出精彩的表演去看音乐剧，而不会单单为欣赏表演去看歌剧。音乐剧并不只是由音乐伴奏的表演。音乐剧中的歌曲很多并非独唱曲，音乐剧中的歌曲更短，更简单，易于传唱，人们可以在散步或洗澡的时候唱这些歌曲。而歌剧则靠独唱的咏叹调引领全局。咏叹调会伴随着每一次戏剧性的转折将整部戏推向高潮。歌剧《图兰朵》中，一个为了报祖先暗夜被虐走之仇的图兰朵，采用女高音唱法与卡拉夫即鞑靼王子男高音唱法，两人演绎了一段凄美动人的爱情故事。正是由于图兰朵总保持着优雅而高贵的举止来生活、相爱和逝去，下嫁与鞑靼王子，最终以完美的结局呈现，剧中有交响乐团伴奏，配合歌唱得以淋漓体现。这和音乐剧相比是不同的。在音乐剧中，主人公与爱人告别的场景可以是杂乱的集市，甚至是垃圾场，他们也一定是疲惫不堪和心神憔悴的。尽管音乐剧中的歌曲更容易从整部剧中独立出来，但这些歌曲本身不一定适合剧情发展的需要，这就需要演员通过舞蹈或其他的表演来烘托气氛，带动剧情进入高潮。歌剧它表现的是人类的共性，提取情感的精华，蔑视日常生活中的小智慧。剧中的反面角色被刻画成十恶不赦的的坏人，英雄们则勇敢无畏。音乐剧中的男女主角更加人性化，他们并不追求卓越与出众，也没有野心，音乐剧它是赞扬那些在平凡生活中追求浪漫幸福的普通人。因此，音乐剧被人们认为是平庸的创作。以上即是我所领悟到的音乐剧和歌剧的大致区别，请老师点评。通过学习《音乐鉴赏》这门课程的学习，收获了不仅仅是对音乐知识的深刻了解，同时也领悟到了音乐带给我们的更深层次的精神感受。在这短暂的学习当中让我受益匪浅，因为有老师的深刻指教，以及细心教导，让我对艺术产生了浓厚的感情，特别是音乐这块。我想我以后一定会珍惜这段美好的学习时光，因为有老师的相伴，让我终身难忘。
对西方音乐的鉴赏，教师要激发学生的学习兴趣和学习热情，促使学生热爱高雅艺术。下面是我为大家整理的西方音乐鉴赏论文，供大家参考。西方音乐鉴赏论文篇一 《关于西方音乐的鉴赏》 摘 要： 巴洛克时期以及巴洛克时期的 音乐欣赏 ;古典主义时期的音乐鉴赏;结合当时历史背景，分析其音乐的发展过程。 关键词： 历史背景; 西方音乐史; 文艺复兴 在这音乐的长河中，一部分的经典之作都来自于西方，西方音乐的起源大致始于巴洛克时期以前，而这一部分又大致可分为三个阶段：①古希腊时期;②中世纪时期;③文艺复兴时期。而后又在巴洛克时期出现了伟大的歌剧，歌剧《优丽犹茜》就是流传下来最早的完整的歌剧，其作者是李努基尼和佩里，到了古典主义时期，主要是歌剧及器乐的发展。如：喜歌剧，格鲁克的歌剧改革、奏鸣曲、协奏曲…… “音乐是唯一真正生存的艺术，它的振颤律动，也就是生命的要素，任何有生命的地方也必然有快乐。”是著名钢琴家帕德莱夫斯基对音乐的认识，他的这一精湛见解揭示了音乐和人生的关系。 的确，当我们陶醉于优美的乐海时，那典雅抒情的小夜曲使你心旷神怡;那流畅轻盈的舞曲使你温文尔雅;那铿锵雄壮的进行曲使你精神振奋;那优美如梦的室内使你充满冥想;那史诗传奇般的交响乐使你情志高远;那刚劲有力的时代曲使你豪情满怀。这就是音乐的魅力，作为一种情感艺术，音乐能陶冶人的性情，提高人的道德素养，推动人们奋发向上，一般认为音乐的目的有三种：即道德 教育 ，消遣闲瑕和精神方面的享受。音乐中所含有的情感与理想，反映了不同历史时期的社会风貌，在影响人们情感的同时，也在影响着人们的意志。中国历代流传下来的“一曲解围”“四面楚歌”的 成语 ，就是音乐战胜对方的例子。我们熟知的《马赛曲》，《义勇军进行曲》，《第三英雄交响曲》以及《列宁格勒交响曲》都极大的激发了人们对国家和民族的尊严，引导人们热爱自己的国家，热爱自己的生活。接下来，让我们来了解一下西方音乐在这几个时期的发展历程。 古希腊的音程理论——悲剧——格里高利圣咏——奥尔加农——狄斯康特——克劳苏拉——孔杜克图斯——经文歌——游吟诗人——恋歌诗人——名歌手——新艺术——法国歌谣曲——意大利牧歌。 古希腊优秀的音乐 文化 持续了约650年，它对西方音乐文化的发展产生了巨大的影响。中世纪起止时间的上、下限在学术界是一个颇具争议的问题，通常较公认的上、下限时间是公元476(西罗马帝国灭亡)至1460年(英国资产阶级革命)。按照西方音乐史研究的习惯，文艺复兴时期的音乐专指从1430年前后至1600年前后这一历史时期的音乐。 古希腊音乐最基本的音乐理论是音程的理论，这归功于毕达哥拉斯。古希腊音乐是一种单音音乐，偶尔也出现支声复调，古希腊音乐在音乐创作与表演上有即兴的传统，音乐的即兴创作和即兴演奏在一种法则的控制下进行。古希腊人一开始使用希腊字母指示的简单记谱法，最早的记谱法大约是从公元前5世纪开始出现，是用希腊文的24个字母来标记的字母谱，分为声乐记谱法和器乐记谱法两类。在历史的记述中，曾提到希腊人所使用的各种乐器，其中最为重要的当属弦乐器乐里拉琴和基萨拉琴，阿夫罗斯管。发展到公元前5世纪达到黄金时期，出现了三位伟大的作家：埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里底得斯，他们创作的悲剧作品使古希腊悲剧这种音乐戏剧达到登峰造极的地步。古罗马帝国的世俗教育是帝国文化的一个重要组成部分，它继承了希腊文化的精华，又融入了本民族的特点，形成了一种独特的教育模式。它的具体模式，它的具体表现、特点等与当时的社会状况相适应，反应了罗马帝国的社会文化情况以及罗马民族的特征。 有的学者把中世纪分为初期、中期和晚期三个阶段。总的说来，中世纪是欧洲(主要是西欧)历史上的一个经历了封建社会从兴起到繁荣，最后走向衰亡的时代。中世纪的音乐依照类型可以分为宗教类型的音乐与世俗音乐。宗教类型的音乐泛指的是格里高利圣咏，此为单音音乐的作品，后来也发展成为复音音乐，奥尔加农等等。这类音乐都是为了____教会的仪式所作、所有的演出都是在教堂里，依照教会的年历而举行不同的仪式，其音乐就是为了要配合诗歌的朗诵而作的。宗教类型的音乐一路发展下来就成了后来的弥撒曲、安魂曲，在古典时期许多伟大的音乐家都会有这样的创作作品产生，例如海顿的创世纪，莫扎特都有这样的作品留下来。中世纪的世俗音乐所包含的内容就更为广泛、大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出。 文艺复兴时期约为公元1450—1600年，在中世纪“新艺术”的基础上，更加追求人性的解放与对人的内心的情感的抒发与表达。这时的音乐家在人文主义思潮的推动下，对复调音乐进行了发展和变革，声乐与乐器逐渐分离而独立发展。这一时期 五线谱 已得到完善，印刷术也运用到 曲谱 上，这都使音乐的传播更加便利和广泛。这一时期有以下几个较有影响力的乐派：尼德兰乐派，主要音乐活动在尼德兰的一批音乐家，创作内容多为弥撒曲与经文歌等宗教音乐，也有世俗音乐，代表人物有迪费，若斯坎、班舒瓦、奥克冈等。乐派：在1530—1620年间的一个器乐乐派，其特点是音响气势宽广宏大，对比效果鲜明。创作内容有铜管乐与弦乐的重奏曲，管风琴的前奏曲，幻想曲与托卡塔等，代表人物有维拉尔特，加布里埃利等。 罗马乐派：此时期的一个专门制作服务于宗教作品的乐派，以无伴奏合唱的形式为主。代表人物有帕莱斯特里纳、纳尼诺索里亚诺。 通过对《西方音乐史》的学习，我对西方音乐的历史有了进一步的了解，并且对西方音乐长寿了浓厚的兴趣，在优美、激昂的旋律里感受到了温暖、坚强……，在1838年某个下雨的日子，一间漏雨的屋子成了浪漫主义作曲家肖邦灵感的来源，生病的他因被“困在”屋里感到了烦躁与惧怕，因而起身写下了《雨滴》，这道作品自始至终重复着一种单音调，其音色低沉，节奏稳定仿佛滴滴答答的雨声，而主旋律流畅舒适，轻柔变化的音色表现出了丰富的情感，在开始部分幽静的旋律恬谈而自然就像细细的雨滴正在渐渐落下，然而到中段部分，主旋律与伴奏的音色都明显降低，变得沉重低落，仿佛可以看见肖邦一个人静坐，看着窗外的 雨水 逐渐变大，屋里的漏水也变的一发不可收拾，情绪也跟着悲伤与惆怅。在音乐的最后部分，音调与节奏变得相对轻而缓踵而来，犹如细微的哀伤缠绕心头，给人一种“才下眉头却上心头”的哀愁，与《雨滴》不同，同为浪漫主义代表的舒曼所谱写的《梦幻曲》让人感觉简单而温暖。据记载《梦幻曲》是为 儿童 所创作的，但在成年人听来，同样能勾起他们对儿时的回忆。其节奏缓慢柔和，主题简单纯洁就像单纯美好的童年生活。在心情低落时，静静的聆听这首曲子，在略微变化的重复着主题的旋律里回到简单的童年，抛开世俗感受单纯的温暖。也可以听听格里格的《晨景》，感受双簧明朗清亮的音色里感受第一束阳光让海买你波光粼粼的炫目，并在太阳缓缓升离海面，照亮明眸时的喜悦以及普照大地时万物苏醒的希望。 西方的音乐就像是一部气势恢宏的史诗巨作，不仅仅是因为有贝多芬、亨德尔、肖邦、海顿这类的音乐巨匠，还有它从社会中散发出来的那种浓厚的艺术素养，都是其他地方所不具备的。这也恰恰是西方音乐发展如此蓬勃的原因了。高雅的意大利歌剧、完美的维也纳、塞维利亚等等，他们自内而外散发出的迷人魅力，无一不打动人的心灵。 最后，就以罗曼·罗兰的一句话为结束吧：“艺术正如生活那样，他是无穷无尽的。因此，也不可能有什么能使我们认为还有比本身就是时代的海洋的音乐更美好的东西”。 西方音乐鉴赏论文篇二 《论湘版高中音乐鉴赏教材的西方古典音乐教学》 摘要：西方古典音乐是世界音乐海洋中一颗璀璨的明珠。作为高中音乐鉴赏教学的重要内容，同时也是学生最难接受的学习内容，湘版高中音乐鉴赏教材在第四单元音乐与时代中，以《音乐――从宗教走向世俗》等三个标题，展示出西方古典音乐的发展脉络，并选取各时期代表作曲家的经典作品，引领学生走进西方音乐殿堂。 关键词：高中 音乐鉴赏 西方古典音乐 湘版教材 学生素质的全面提高，修养情操的提升及对美感的认识，离不开古典音乐的熏陶。如何能在高中生对古典音乐兴趣不高、音乐基础知识贫乏的学情下，让学生发自内心地喜欢和接受古典音乐，一直是教育工作者研究的重难点。湘版教材中，将西方古典音乐教学按巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、现代主义时期的发展顺序结合作曲家及其代表作品设计教学内容。现笔者就实际的音乐课堂 教学 总结 出一些策略。 一、合理运用对比，把握时代风格 湘版教材中的标题很清晰地向学生阐述了西方古典音乐发展的历史脉络，并引导性地将两个时代的不同音乐风格进行比较。如在学习巴洛克音乐与维也纳古典音乐时，让学生从巴赫的《G弦上的咏叹调》和海顿的《时钟交响曲》进行比较，平稳而庄重的宗教色彩和充满生活情趣的艺术格调反映出宗教与世俗的时代背景，细听复调织体与主调音乐的不同音效，不易吟唱与歌唱性的旋律区分，固定规整节拍与灵活变化的节奏律动，通过音乐要素的不同呈现方式，学生在比较中对时代风格有了更深刻地体验和理解。同样是《月光》，贝多芬持续的三连音，微弱的音响勾画出忧郁、哀愁的月夜，在德彪西笔下，明亮的音程散落地跳动，月光时而点滴坠落，时而缓缓流淌，时而流水倾泻，思绪随着音符走走停停，飘渺如梦。贝多芬内心的表达与德彪西月光印象的景致变幻正透过《月光》，向我们诠释着古典的传统和声与印象的朦胧意境。 对比除用在纵向的时代风格比较上，也可用于同一首作品的不同片段上，帮助学生对音色、节奏、和声有更灵敏的感知。如欣赏《G弦上的咏叹调》弦乐重奏与人声合唱版的对比聆听，音色变更带来的不同感受，复调织体在人声的演唱中也更清晰。在《蓝色狂想曲》中主题音乐从乐首法国号与萨克斯稍显慵懒的奏出，到乐中庞大乐队以强有力地节奏雷鸣般奏响，再到乐尾钢琴以渐慢的速度陈述。截取这三个片段对比听赏，提高学生在变化中把握音乐原型的能力，音乐音色、速度、配器的转变带来三种风格各异的音乐形象，使学生进一步感受古典音乐的神奇。对比聆听贝多芬的《命运交响曲》和《致爱丽丝》，气势磅礴的命运抗争与倾诉衷肠的爱意表达，学生便不难理解这位音乐家是连接古典与浪漫的音乐巨匠。 二、以熟知引入经典，由浅入深 总结学生熟悉的古典音乐如《哈利路亚》《命运交响曲》《蓝色多瑙河》等，我们会发现学生所熟知的都是极强旋律性，乐句短小，易记忆，易哼唱的开头片段，由于音乐篇幅过长，即使后面也有动人的音符，也因听觉疲劳失去了兴趣和音乐的记忆而中途放弃。 用熟知的片段作为导入引发学生的共鸣，再延伸至同类题材作品，同一作品的整曲欣赏或不同乐章。在这过程中，教师要将新作品较清晰易哼唱的旋律主题提取出来，片段性地让学生品味，可用钢琴或小提琴等器乐范奏及范唱方式，加入互动讨论、节奏律动等活动让每一次聆听有不一样的体验，在反复中加强音乐的记忆和感受，融入音乐的深层次赏析如动机展开、变化再现等手法，将这些有趣的音乐片段设计成听辨游戏和情境想象。当新作品多个主题旋律已熟悉后，让学生在整曲欣赏中找出新鲜出炉的音乐记忆和感受，学生便不会因陌生、听不懂而无法进行下去。选择多片段聆听，片段与整曲相结合的欣赏方式，将欣赏时长控制在5分钟左右，会收到良好的效果。 三、巧用流行乐和影视片段激发兴趣 充满时代气息、情感直白的流行乐一直是学生们的钟爱。选择运用古典音乐元素创编的歌曲如《不想长大》与莫扎特的《第四十交响曲》，《remember》与柴可夫斯基的《天鹅湖组曲》，五月天的《快乐很伟大》与贝多芬的《欢乐颂》，不同配器处理，加入歌词，增强节奏感和律动感的流行表达方式给古典音乐带来全新的听觉感受。这些曲目通过音乐方式的演变，让学生探求其中不同韵味，究其根源。在流行与古典的对话中，激发学生探求古典音乐的兴趣。 很多古典音乐也被运用到影视作品中，如《不能说的秘密里》，肖邦的《升c小调圆舞曲》，巴赫的《c大调前奏曲》，这些影视片段都能勾起学生对原作的好奇与欲望。同时，纪传影片如《一曲难忘――肖邦传》《贝多芬传》《莫扎特传》，在反映作曲家性格、情感、人生经历的影像中学生走进了作曲家的内心世界，就不难体会肖邦赤忱的爱国之心，贝多芬不屈的抗争，莫扎特超脱困境的乐观和激情。此外，为古典音乐创编的动画片也能帮助学生听赏篇幅较长的音乐，如《猫和老鼠》中的《匈牙利狂想曲》，动画格什温的《蓝色狂想曲》等。 四、关注音乐的形象性与抽象性 古典音乐的欣赏，不宜让学生一开始就把握作品的风格、形式体裁、价值和意蕴，音乐形象和情感才是学生易于体会的信息。湘版教材就此选取了大量形象鲜明的作品，如维瓦尔第的《四季――春》、海顿的《时钟交响曲》、瓦格纳的《飞行的女武神》等。在教学中，笔者会结合文学、建筑、绘画等综合艺术感受音乐形象。在《音乐――从宗教走向世俗》一课中，听赏《哈利路亚》时展示两幅不同风格的建筑图片，学生很快就将华丽洒脱的巴洛克音乐与富丽堂皇的巴洛克建筑结合在一起。此时，引入《四季――春》的主题旋律，让学生体会想象，小提琴明亮的断奏激情而蓬勃，鲜明富有动力性的节奏仿佛阳光灿烂的春之大地万物复苏。学生用“拉”随着音乐哼唱主题，用歌声表达欣喜，体会清新中的华丽。此曲鲜明的春景音乐形象是欣赏的亮点，我将作曲家为乐曲配以的简短文字配以BCD的字母标头，哼唱主题为A，随着春景的展示，回旋曲式被学生轻松的用字母罗列了出来。富有抽象性的作品如教材中的《夜曲――海妖》《远古孩子的声音》等，不需要学生去深究音乐形象是由什么音色、节奏、和声来塑造，你只用闭上双眼让双耳感受音响的意境，在脑海中绘图。 西方古典音乐的教学要抛开急功近利，以一种熏陶方式，通过学生有共鸣的乐曲互动参与，从短小精悍的作品入手，在轻松愉悦的积累和体验中，西方古典音乐将拥有更多的听众。 西方音乐鉴赏论文文献 [1]王慧敏.高中西方古典音乐欣赏教学模式初探[J].学科研究，2017，(07). 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[5]金亚文.高中音乐新课程教学论[M].高等教育出版社，2004. 西方音乐鉴赏论文篇三 《初中音乐乐感及音乐鉴赏教学》 初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学 措施 ，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。 音乐乐感 音乐鉴赏 教学导入 对比教学 初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。 一、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的原则 音乐教学具有其自身的独特性，与语言类学科相比，音乐学科更重视学生的个人兴趣。同时，它还需要学生投入更多的实践以及长久的训练。首先，音乐学科通过更加直白且明确的方法表达个人情感。学生在学习的过程中需要置身于不同音乐曲目所提供的场景之中，真实感受其所表达的感情。只有这样学生才可以更深刻的体会音乐的魅力。这种方式只是学生个人的感官感受，非专业音乐欣赏者亦可以做到。然而音乐教学则是通过理论教授学生怎样更好的体会音乐的美妙，以及怎样从一个专业的角度评价不同音乐。由此可见，理论教学在音乐教学中的重要性。与此同时，教师在教学过程中不可忽视的是学生的相关实践。音乐教学的实践性极强，学生只有通过实践才可以更深刻的体会相关情感。学生通过自主创作以及练习相关音乐技巧，从而可以更好的体会乐曲炫技之处。 二、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施 1.合理导入教学 好的开始是成功的一半。而音乐教学在很大程度上对学生个人的投入度有着一定的要求，这就更突出了音乐教学中教学导入的重要性。随着社会的发展，学生更加注重张扬个性，对于音乐、美术等学科的兴趣更大，然而理论教学毕竟存在一定的枯燥性。因而出现了众多学生对音乐非常感兴趣却不愿意上音乐课的现象。初中学生由于学业的压力等原因，在音乐课上的积极性远不及小学生来得浓厚。这就要求我们的教师注重运用有吸引力的手段进行教学。因此，教师如何引导学生正确的上音乐课，以及在教学过程中保持学生的注意力都是十分重要的。合理导入教学就是指教师利用学生的兴趣点引导学生更快的进入教学情境之中。 首先，可以利用传统的教学导入方式，例如讲 故事 以及 成语 典故 等方式。故事有一定的曲折性，好的故事对学生有着重要的吸引力。学生可以跟随音乐故事的情节，走入故事中感受故事主人公的心情，从而更好地对相关音乐更加感兴趣。而成语典故则包含了一定的故事性以及相关 传说 等，更是传达了先人为人处世的道理等。向学生讲述 成语故事 对学生的长远发展也有着不可言喻的重要作用。同时，很多成语故事是学生在日常生活中常见常听的，教师讲述其中的典故更加可以吸引学生的注意力。其次，教师还可以运用游戏教学法导入引领学生更好地进入音乐课堂。初中生毕竟具有一半儿童爱玩的天性，教师在教学过程中不应该视之如猛虎，而应该正视它。只有这样才可以看到其本质，并进行合理利用。教师可以利用一些音乐小游戏培养学生的乐感，增加学生对音乐课的兴趣，这样学生就可以更加主动的进行音乐学习。同时教师更应该与时俱进，积极利用当前的先进技术进行导入教学。 2.运用对比教学 对比教学是教师培养学生音乐鉴赏力的一种重要手段。所谓对比教学是根据一定的标准将两件事物进行一定程度上的区分。这种方法很好的培养学生独立思考的能力，以及表达个人见解的能力。音乐的对比教学法则是教师在教学过程中运用多种手法教授学生从各种对比因素分析音乐。不同音乐在音乐家的创作、演奏以及相关技巧方面也存在极大的不同。因此教师应该合理运用音乐对比教学法帮助学生全面提高音乐鉴赏能力。 首先，可以将同一音乐作品的不同演绎形式进行对比。尤其是经典作品常常会被后人进行改编或者运用不同的乐器予以演绎。然而，为什么要这样改编，改编之后的作品与前人的作品相比有什么有点与不足。教师可以引导学生从这些不同的方面以及各种角度进行分析判断，从而得出新的结论。 其次，教师还可以引导学生将不同的作品进行对比。不同主题不同类型的作品在演奏过程中的要求必然存在不同。一些炫技性的作品与注重情感宣泄的作品在表面看来是极为不一样的，但是其实质却有着本质的相同。而这些需要学生经过实际对比、思考才会真正总结出来的。《野蜂飞舞》与《春江花月夜》在很多方面有着不同。它们的主题、传达的情感已经以及演奏方式等都存在着极大的区别，然而就本质而言，它们都传达了作者内在的情绪。说到底，这两部作品在抒发作者情感这一作用上起到了殊途同归的效果。这种效果是怎样渲染出来的，学生必须通过自己的深刻思考才可以得出。不容置疑，学生这种对比性思维模式则需要教师的引导。 3.运用多媒体教学 随着计算机多媒体的不断发展， 网络技术 已经深入到人们社会生活的点点滴滴之中，在教育界尤甚。音乐教师应该合理利用这一资源进行音乐教学，以便更好的帮助学生培养音乐乐感以及相关音乐鉴赏能力。互联网将世界联系成一个整体，从某一种程度上来说实现了世界资源的共享。这就很大程度上方便了教师对这些资源的收集利用以及创作型改编。教师在教学的过程中合理利用相关资源，利用创造性思维帮助学生，必然可以收到较好的教学效果。 当教师进行教学前，应该教会学生演唱相关作品，只有熟悉了相关旋律之后，教师才可以更好的带领学生领会其中的乐感并进行一定程度上的鉴赏。学生通过亲生感受可以从感性上体会相关情感，把握其中的主题。随后，教师则通过理论知识加以分析，使学生从理性上更深刻的认识相关音乐主题。 三、总结 随着音乐的不断发展，音乐的教学方法更是多种多样。初中生的音乐乐感不是一朝一夕就可以练就的而是需要教师耐心培养。而音乐鉴赏能力更是音乐学习过程中的一种高要求，并不是人人都可以很好的鉴赏音乐的。这就要求我们的教师在教学过程中多下功夫，科学有效的帮助学生进行音乐学习。只有这样学生的综合能力才可以得以提升。 参考文献： [1]林南国.初中生音乐教学[M].上海：音乐出版社，2005. 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对西方音乐的鉴赏，教师要激发学生的学习兴趣和学习热情，促使学生热爱高雅艺术。下面是我为大家整理的西方音乐鉴赏论文，供大家参考。西方音乐鉴赏论文篇一 《关于西方音乐的鉴赏》 摘 要： 巴洛克时期以及巴洛克时期的 音乐欣赏 ;古典主义时期的音乐鉴赏;结合当时历史背景，分析其音乐的发展过程。 关键词： 历史背景; 西方音乐史; 文艺复兴 在这音乐的长河中，一部分的经典之作都来自于西方，西方音乐的起源大致始于巴洛克时期以前，而这一部分又大致可分为三个阶段：①古希腊时期;②中世纪时期;③文艺复兴时期。而后又在巴洛克时期出现了伟大的歌剧，歌剧《优丽犹茜》就是流传下来最早的完整的歌剧，其作者是李努基尼和佩里，到了古典主义时期，主要是歌剧及器乐的发展。如：喜歌剧，格鲁克的歌剧改革、奏鸣曲、协奏曲…… “音乐是唯一真正生存的艺术，它的振颤律动，也就是生命的要素，任何有生命的地方也必然有快乐。”是著名钢琴家帕德莱夫斯基对音乐的认识，他的这一精湛见解揭示了音乐和人生的关系。 的确，当我们陶醉于优美的乐海时，那典雅抒情的小夜曲使你心旷神怡;那流畅轻盈的舞曲使你温文尔雅;那铿锵雄壮的进行曲使你精神振奋;那优美如梦的室内使你充满冥想;那史诗传奇般的交响乐使你情志高远;那刚劲有力的时代曲使你豪情满怀。这就是音乐的魅力，作为一种情感艺术，音乐能陶冶人的性情，提高人的道德素养，推动人们奋发向上，一般认为音乐的目的有三种：即道德 教育 ，消遣闲瑕和精神方面的享受。音乐中所含有的情感与理想，反映了不同历史时期的社会风貌，在影响人们情感的同时，也在影响着人们的意志。中国历代流传下来的“一曲解围”“四面楚歌”的 成语 ，就是音乐战胜对方的例子。我们熟知的《马赛曲》，《义勇军进行曲》，《第三英雄交响曲》以及《列宁格勒交响曲》都极大的激发了人们对国家和民族的尊严，引导人们热爱自己的国家，热爱自己的生活。接下来，让我们来了解一下西方音乐在这几个时期的发展历程。 古希腊的音程理论——悲剧——格里高利圣咏——奥尔加农——狄斯康特——克劳苏拉——孔杜克图斯——经文歌——游吟诗人——恋歌诗人——名歌手——新艺术——法国歌谣曲——意大利牧歌。 古希腊优秀的音乐 文化 持续了约650年，它对西方音乐文化的发展产生了巨大的影响。中世纪起止时间的上、下限在学术界是一个颇具争议的问题，通常较公认的上、下限时间是公元476(西罗马帝国灭亡)至1460年(英国资产阶级革命)。按照西方音乐史研究的习惯，文艺复兴时期的音乐专指从1430年前后至1600年前后这一历史时期的音乐。 古希腊音乐最基本的音乐理论是音程的理论，这归功于毕达哥拉斯。古希腊音乐是一种单音音乐，偶尔也出现支声复调，古希腊音乐在音乐创作与表演上有即兴的传统，音乐的即兴创作和即兴演奏在一种法则的控制下进行。古希腊人一开始使用希腊字母指示的简单记谱法，最早的记谱法大约是从公元前5世纪开始出现，是用希腊文的24个字母来标记的字母谱，分为声乐记谱法和器乐记谱法两类。在历史的记述中，曾提到希腊人所使用的各种乐器，其中最为重要的当属弦乐器乐里拉琴和基萨拉琴，阿夫罗斯管。发展到公元前5世纪达到黄金时期，出现了三位伟大的作家：埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里底得斯，他们创作的悲剧作品使古希腊悲剧这种音乐戏剧达到登峰造极的地步。古罗马帝国的世俗教育是帝国文化的一个重要组成部分，它继承了希腊文化的精华，又融入了本民族的特点，形成了一种独特的教育模式。它的具体模式，它的具体表现、特点等与当时的社会状况相适应，反应了罗马帝国的社会文化情况以及罗马民族的特征。 有的学者把中世纪分为初期、中期和晚期三个阶段。总的说来，中世纪是欧洲(主要是西欧)历史上的一个经历了封建社会从兴起到繁荣，最后走向衰亡的时代。中世纪的音乐依照类型可以分为宗教类型的音乐与世俗音乐。宗教类型的音乐泛指的是格里高利圣咏，此为单音音乐的作品，后来也发展成为复音音乐，奥尔加农等等。这类音乐都是为了____教会的仪式所作、所有的演出都是在教堂里，依照教会的年历而举行不同的仪式，其音乐就是为了要配合诗歌的朗诵而作的。宗教类型的音乐一路发展下来就成了后来的弥撒曲、安魂曲，在古典时期许多伟大的音乐家都会有这样的创作作品产生，例如海顿的创世纪，莫扎特都有这样的作品留下来。中世纪的世俗音乐所包含的内容就更为广泛、大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出。 文艺复兴时期约为公元1450—1600年，在中世纪“新艺术”的基础上，更加追求人性的解放与对人的内心的情感的抒发与表达。这时的音乐家在人文主义思潮的推动下，对复调音乐进行了发展和变革，声乐与乐器逐渐分离而独立发展。这一时期 五线谱 已得到完善，印刷术也运用到 曲谱 上，这都使音乐的传播更加便利和广泛。这一时期有以下几个较有影响力的乐派：尼德兰乐派，主要音乐活动在尼德兰的一批音乐家，创作内容多为弥撒曲与经文歌等宗教音乐，也有世俗音乐，代表人物有迪费，若斯坎、班舒瓦、奥克冈等。乐派：在1530—1620年间的一个器乐乐派，其特点是音响气势宽广宏大，对比效果鲜明。创作内容有铜管乐与弦乐的重奏曲，管风琴的前奏曲，幻想曲与托卡塔等，代表人物有维拉尔特，加布里埃利等。 罗马乐派：此时期的一个专门制作服务于宗教作品的乐派，以无伴奏合唱的形式为主。代表人物有帕莱斯特里纳、纳尼诺索里亚诺。 通过对《西方音乐史》的学习，我对西方音乐的历史有了进一步的了解，并且对西方音乐长寿了浓厚的兴趣，在优美、激昂的旋律里感受到了温暖、坚强……，在1838年某个下雨的日子，一间漏雨的屋子成了浪漫主义作曲家肖邦灵感的来源，生病的他因被“困在”屋里感到了烦躁与惧怕，因而起身写下了《雨滴》，这道作品自始至终重复着一种单音调，其音色低沉，节奏稳定仿佛滴滴答答的雨声，而主旋律流畅舒适，轻柔变化的音色表现出了丰富的情感，在开始部分幽静的旋律恬谈而自然就像细细的雨滴正在渐渐落下，然而到中段部分，主旋律与伴奏的音色都明显降低，变得沉重低落，仿佛可以看见肖邦一个人静坐，看着窗外的 雨水 逐渐变大，屋里的漏水也变的一发不可收拾，情绪也跟着悲伤与惆怅。在音乐的最后部分，音调与节奏变得相对轻而缓踵而来，犹如细微的哀伤缠绕心头，给人一种“才下眉头却上心头”的哀愁，与《雨滴》不同，同为浪漫主义代表的舒曼所谱写的《梦幻曲》让人感觉简单而温暖。据记载《梦幻曲》是为 儿童 所创作的，但在成年人听来，同样能勾起他们对儿时的回忆。其节奏缓慢柔和，主题简单纯洁就像单纯美好的童年生活。在心情低落时，静静的聆听这首曲子，在略微变化的重复着主题的旋律里回到简单的童年，抛开世俗感受单纯的温暖。也可以听听格里格的《晨景》，感受双簧明朗清亮的音色里感受第一束阳光让海买你波光粼粼的炫目，并在太阳缓缓升离海面，照亮明眸时的喜悦以及普照大地时万物苏醒的希望。 西方的音乐就像是一部气势恢宏的史诗巨作，不仅仅是因为有贝多芬、亨德尔、肖邦、海顿这类的音乐巨匠，还有它从社会中散发出来的那种浓厚的艺术素养，都是其他地方所不具备的。这也恰恰是西方音乐发展如此蓬勃的原因了。高雅的意大利歌剧、完美的维也纳、塞维利亚等等，他们自内而外散发出的迷人魅力，无一不打动人的心灵。 最后，就以罗曼·罗兰的一句话为结束吧：“艺术正如生活那样，他是无穷无尽的。因此，也不可能有什么能使我们认为还有比本身就是时代的海洋的音乐更美好的东西”。 西方音乐鉴赏论文篇二 《论湘版高中音乐鉴赏教材的西方古典音乐教学》 摘要：西方古典音乐是世界音乐海洋中一颗璀璨的明珠。作为高中音乐鉴赏教学的重要内容，同时也是学生最难接受的学习内容，湘版高中音乐鉴赏教材在第四单元音乐与时代中，以《音乐――从宗教走向世俗》等三个标题，展示出西方古典音乐的发展脉络，并选取各时期代表作曲家的经典作品，引领学生走进西方音乐殿堂。 关键词：高中 音乐鉴赏 西方古典音乐 湘版教材 学生素质的全面提高，修养情操的提升及对美感的认识，离不开古典音乐的熏陶。如何能在高中生对古典音乐兴趣不高、音乐基础知识贫乏的学情下，让学生发自内心地喜欢和接受古典音乐，一直是教育工作者研究的重难点。湘版教材中，将西方古典音乐教学按巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、现代主义时期的发展顺序结合作曲家及其代表作品设计教学内容。现笔者就实际的音乐课堂 教学 总结 出一些策略。 一、合理运用对比，把握时代风格 湘版教材中的标题很清晰地向学生阐述了西方古典音乐发展的历史脉络，并引导性地将两个时代的不同音乐风格进行比较。如在学习巴洛克音乐与维也纳古典音乐时，让学生从巴赫的《G弦上的咏叹调》和海顿的《时钟交响曲》进行比较，平稳而庄重的宗教色彩和充满生活情趣的艺术格调反映出宗教与世俗的时代背景，细听复调织体与主调音乐的不同音效，不易吟唱与歌唱性的旋律区分，固定规整节拍与灵活变化的节奏律动，通过音乐要素的不同呈现方式，学生在比较中对时代风格有了更深刻地体验和理解。同样是《月光》，贝多芬持续的三连音，微弱的音响勾画出忧郁、哀愁的月夜，在德彪西笔下，明亮的音程散落地跳动，月光时而点滴坠落，时而缓缓流淌，时而流水倾泻，思绪随着音符走走停停，飘渺如梦。贝多芬内心的表达与德彪西月光印象的景致变幻正透过《月光》，向我们诠释着古典的传统和声与印象的朦胧意境。 对比除用在纵向的时代风格比较上，也可用于同一首作品的不同片段上，帮助学生对音色、节奏、和声有更灵敏的感知。如欣赏《G弦上的咏叹调》弦乐重奏与人声合唱版的对比聆听，音色变更带来的不同感受，复调织体在人声的演唱中也更清晰。在《蓝色狂想曲》中主题音乐从乐首法国号与萨克斯稍显慵懒的奏出，到乐中庞大乐队以强有力地节奏雷鸣般奏响，再到乐尾钢琴以渐慢的速度陈述。截取这三个片段对比听赏，提高学生在变化中把握音乐原型的能力，音乐音色、速度、配器的转变带来三种风格各异的音乐形象，使学生进一步感受古典音乐的神奇。对比聆听贝多芬的《命运交响曲》和《致爱丽丝》，气势磅礴的命运抗争与倾诉衷肠的爱意表达，学生便不难理解这位音乐家是连接古典与浪漫的音乐巨匠。 二、以熟知引入经典，由浅入深 总结学生熟悉的古典音乐如《哈利路亚》《命运交响曲》《蓝色多瑙河》等，我们会发现学生所熟知的都是极强旋律性，乐句短小，易记忆，易哼唱的开头片段，由于音乐篇幅过长，即使后面也有动人的音符，也因听觉疲劳失去了兴趣和音乐的记忆而中途放弃。 用熟知的片段作为导入引发学生的共鸣，再延伸至同类题材作品，同一作品的整曲欣赏或不同乐章。在这过程中，教师要将新作品较清晰易哼唱的旋律主题提取出来，片段性地让学生品味，可用钢琴或小提琴等器乐范奏及范唱方式，加入互动讨论、节奏律动等活动让每一次聆听有不一样的体验，在反复中加强音乐的记忆和感受，融入音乐的深层次赏析如动机展开、变化再现等手法，将这些有趣的音乐片段设计成听辨游戏和情境想象。当新作品多个主题旋律已熟悉后，让学生在整曲欣赏中找出新鲜出炉的音乐记忆和感受，学生便不会因陌生、听不懂而无法进行下去。选择多片段聆听，片段与整曲相结合的欣赏方式，将欣赏时长控制在5分钟左右，会收到良好的效果。 三、巧用流行乐和影视片段激发兴趣 充满时代气息、情感直白的流行乐一直是学生们的钟爱。选择运用古典音乐元素创编的歌曲如《不想长大》与莫扎特的《第四十交响曲》，《remember》与柴可夫斯基的《天鹅湖组曲》，五月天的《快乐很伟大》与贝多芬的《欢乐颂》，不同配器处理，加入歌词，增强节奏感和律动感的流行表达方式给古典音乐带来全新的听觉感受。这些曲目通过音乐方式的演变，让学生探求其中不同韵味，究其根源。在流行与古典的对话中，激发学生探求古典音乐的兴趣。 很多古典音乐也被运用到影视作品中，如《不能说的秘密里》，肖邦的《升c小调圆舞曲》，巴赫的《c大调前奏曲》，这些影视片段都能勾起学生对原作的好奇与欲望。同时，纪传影片如《一曲难忘――肖邦传》《贝多芬传》《莫扎特传》，在反映作曲家性格、情感、人生经历的影像中学生走进了作曲家的内心世界，就不难体会肖邦赤忱的爱国之心，贝多芬不屈的抗争，莫扎特超脱困境的乐观和激情。此外，为古典音乐创编的动画片也能帮助学生听赏篇幅较长的音乐，如《猫和老鼠》中的《匈牙利狂想曲》，动画格什温的《蓝色狂想曲》等。 四、关注音乐的形象性与抽象性 古典音乐的欣赏，不宜让学生一开始就把握作品的风格、形式体裁、价值和意蕴，音乐形象和情感才是学生易于体会的信息。湘版教材就此选取了大量形象鲜明的作品，如维瓦尔第的《四季――春》、海顿的《时钟交响曲》、瓦格纳的《飞行的女武神》等。在教学中，笔者会结合文学、建筑、绘画等综合艺术感受音乐形象。在《音乐――从宗教走向世俗》一课中，听赏《哈利路亚》时展示两幅不同风格的建筑图片，学生很快就将华丽洒脱的巴洛克音乐与富丽堂皇的巴洛克建筑结合在一起。此时，引入《四季――春》的主题旋律，让学生体会想象，小提琴明亮的断奏激情而蓬勃，鲜明富有动力性的节奏仿佛阳光灿烂的春之大地万物复苏。学生用“拉”随着音乐哼唱主题，用歌声表达欣喜，体会清新中的华丽。此曲鲜明的春景音乐形象是欣赏的亮点，我将作曲家为乐曲配以的简短文字配以BCD的字母标头，哼唱主题为A，随着春景的展示，回旋曲式被学生轻松的用字母罗列了出来。富有抽象性的作品如教材中的《夜曲――海妖》《远古孩子的声音》等，不需要学生去深究音乐形象是由什么音色、节奏、和声来塑造，你只用闭上双眼让双耳感受音响的意境，在脑海中绘图。 西方古典音乐的教学要抛开急功近利，以一种熏陶方式，通过学生有共鸣的乐曲互动参与，从短小精悍的作品入手，在轻松愉悦的积累和体验中，西方古典音乐将拥有更多的听众。 西方音乐鉴赏论文文献 [1]王慧敏.高中西方古典音乐欣赏教学模式初探[J].学科研究，2017，(07). 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[5]金亚文.高中音乐新课程教学论[M].高等教育出版社，2004. 西方音乐鉴赏论文篇三 《初中音乐乐感及音乐鉴赏教学》 初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学 措施 ，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。 音乐乐感 音乐鉴赏 教学导入 对比教学 初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。 一、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的原则 音乐教学具有其自身的独特性，与语言类学科相比，音乐学科更重视学生的个人兴趣。同时，它还需要学生投入更多的实践以及长久的训练。首先，音乐学科通过更加直白且明确的方法表达个人情感。学生在学习的过程中需要置身于不同音乐曲目所提供的场景之中，真实感受其所表达的感情。只有这样学生才可以更深刻的体会音乐的魅力。这种方式只是学生个人的感官感受，非专业音乐欣赏者亦可以做到。然而音乐教学则是通过理论教授学生怎样更好的体会音乐的美妙，以及怎样从一个专业的角度评价不同音乐。由此可见，理论教学在音乐教学中的重要性。与此同时，教师在教学过程中不可忽视的是学生的相关实践。音乐教学的实践性极强，学生只有通过实践才可以更深刻的体会相关情感。学生通过自主创作以及练习相关音乐技巧，从而可以更好的体会乐曲炫技之处。 二、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施 1.合理导入教学 好的开始是成功的一半。而音乐教学在很大程度上对学生个人的投入度有着一定的要求，这就更突出了音乐教学中教学导入的重要性。随着社会的发展，学生更加注重张扬个性，对于音乐、美术等学科的兴趣更大，然而理论教学毕竟存在一定的枯燥性。因而出现了众多学生对音乐非常感兴趣却不愿意上音乐课的现象。初中学生由于学业的压力等原因，在音乐课上的积极性远不及小学生来得浓厚。这就要求我们的教师注重运用有吸引力的手段进行教学。因此，教师如何引导学生正确的上音乐课，以及在教学过程中保持学生的注意力都是十分重要的。合理导入教学就是指教师利用学生的兴趣点引导学生更快的进入教学情境之中。 首先，可以利用传统的教学导入方式，例如讲 故事 以及 成语 典故 等方式。故事有一定的曲折性，好的故事对学生有着重要的吸引力。学生可以跟随音乐故事的情节，走入故事中感受故事主人公的心情，从而更好地对相关音乐更加感兴趣。而成语典故则包含了一定的故事性以及相关 传说 等，更是传达了先人为人处世的道理等。向学生讲述 成语故事 对学生的长远发展也有着不可言喻的重要作用。同时，很多成语故事是学生在日常生活中常见常听的，教师讲述其中的典故更加可以吸引学生的注意力。其次，教师还可以运用游戏教学法导入引领学生更好地进入音乐课堂。初中生毕竟具有一半儿童爱玩的天性，教师在教学过程中不应该视之如猛虎，而应该正视它。只有这样才可以看到其本质，并进行合理利用。教师可以利用一些音乐小游戏培养学生的乐感，增加学生对音乐课的兴趣，这样学生就可以更加主动的进行音乐学习。同时教师更应该与时俱进，积极利用当前的先进技术进行导入教学。 2.运用对比教学 对比教学是教师培养学生音乐鉴赏力的一种重要手段。所谓对比教学是根据一定的标准将两件事物进行一定程度上的区分。这种方法很好的培养学生独立思考的能力，以及表达个人见解的能力。音乐的对比教学法则是教师在教学过程中运用多种手法教授学生从各种对比因素分析音乐。不同音乐在音乐家的创作、演奏以及相关技巧方面也存在极大的不同。因此教师应该合理运用音乐对比教学法帮助学生全面提高音乐鉴赏能力。 首先，可以将同一音乐作品的不同演绎形式进行对比。尤其是经典作品常常会被后人进行改编或者运用不同的乐器予以演绎。然而，为什么要这样改编，改编之后的作品与前人的作品相比有什么有点与不足。教师可以引导学生从这些不同的方面以及各种角度进行分析判断，从而得出新的结论。 其次，教师还可以引导学生将不同的作品进行对比。不同主题不同类型的作品在演奏过程中的要求必然存在不同。一些炫技性的作品与注重情感宣泄的作品在表面看来是极为不一样的，但是其实质却有着本质的相同。而这些需要学生经过实际对比、思考才会真正总结出来的。《野蜂飞舞》与《春江花月夜》在很多方面有着不同。它们的主题、传达的情感已经以及演奏方式等都存在着极大的区别，然而就本质而言，它们都传达了作者内在的情绪。说到底，这两部作品在抒发作者情感这一作用上起到了殊途同归的效果。这种效果是怎样渲染出来的，学生必须通过自己的深刻思考才可以得出。不容置疑，学生这种对比性思维模式则需要教师的引导。 3.运用多媒体教学 随着计算机多媒体的不断发展， 网络技术 已经深入到人们社会生活的点点滴滴之中，在教育界尤甚。音乐教师应该合理利用这一资源进行音乐教学，以便更好的帮助学生培养音乐乐感以及相关音乐鉴赏能力。互联网将世界联系成一个整体，从某一种程度上来说实现了世界资源的共享。这就很大程度上方便了教师对这些资源的收集利用以及创作型改编。教师在教学的过程中合理利用相关资源，利用创造性思维帮助学生，必然可以收到较好的教学效果。 当教师进行教学前，应该教会学生演唱相关作品，只有熟悉了相关旋律之后，教师才可以更好的带领学生领会其中的乐感并进行一定程度上的鉴赏。学生通过亲生感受可以从感性上体会相关情感，把握其中的主题。随后，教师则通过理论知识加以分析，使学生从理性上更深刻的认识相关音乐主题。 三、总结 随着音乐的不断发展，音乐的教学方法更是多种多样。初中生的音乐乐感不是一朝一夕就可以练就的而是需要教师耐心培养。而音乐鉴赏能力更是音乐学习过程中的一种高要求，并不是人人都可以很好的鉴赏音乐的。这就要求我们的教师在教学过程中多下功夫，科学有效的帮助学生进行音乐学习。只有这样学生的综合能力才可以得以提升。 参考文献： [1]林南国.初中生音乐教学[M].上海：音乐出版社，2005. 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音乐学参考文献
引用参考文献论证自己的观点或者理念是十分必要的,关于音乐参考文献有哪些?
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音乐以它独特的魅力打动人心,而影视音乐又以它的特殊性占据着影视与音乐的双重重要地位。下面是我为大家整理的中外影视音乐赏析论文，供大家参考。
西方影视翻译的语言艺术赏析
中外影视音乐赏析论文摘要
[摘 要] 历年来人们概念中的影视，不管国产影视还是西方影视都只是茶余饭后的“甜点”，仅供娱乐，其自身只具备娱乐性，但是随着影视自身行业的发展，影片被赋予的东西越来越多，更多道德观、价值观、人生观以及各种人生意义被电影人载入到影片当中，影视淡漠其娱乐性，顺利成长为各国 文化 交流的使者，西方影视的翻译要求语言的真实准确性，也要求译文的优美诗意性。本文从翻译中的几个 方法 与技巧出发，赏析其中几例西方影视翻译。
中外影视音乐赏析论文内容
[关键词] 西方影视;翻译;语言艺术
当福尔摩斯的名字飘浮在所有侦探电影 爱好 者的心中，当迈克俊俏沉默的面孔深深地埋在《越狱》迷的脑海，当所有的电影爱好者身上都开始流淌着蓝色的“阿凡达之血”，蓦然回首，我们终于发现，西方影视作为一种视觉盛宴，正在入侵人们的精神生活。
电影在全世界文化传播的轨迹中无疑是最闪亮的一幕风景，“如果电影是一场梦，那就让我醉生梦死”，这句话很长一段时间里，成为笔者的QQ签名。电影的变革我们历历在目，从最初的无声、黑白的“卓别林式幽默时代”——粗糙的黑白有声电影——声音色彩画面俱全的彩色电影——3D电影时代——5D电影横空出世，在这些电影变革流程中，电影语言的变革，像是衬托红花的绿叶，成为不可或缺的变革章节，语言作为文化传播里面最强有力的支撑系统，对文化的发展、传播起着最为重要的作用。影视从诞生的那一天起，就注定担负起传播人类文化的重任，当岁月的章节翻到华丽的21世纪，经济全球化、文化多元化这些概念像浪花一样四处翻飞，世界各国之间的文化交流日益频繁，国际的影视文化交流也越来越密切。一部通过翻译工作者精心翻译的外国影视作品，就像长着翅膀的使者，双翅携带着各个国家不同的文化，在世界之间传播着人类文化。纵观现今影视翻译，不难看出，与普遍的书本翻译、音译迥然，电影翻译无论是从其翻译规律或者翻译的语言艺术上都有其独特的规律属性。
一、影视语言翻译的理论基础
语言翻译历史悠久，中国最著名的翻译理论是大翻译家严复提出的“信、达、雅”，所谓“信、达、雅”指的是在翻译的时候一要“信于原文”，即翻译要与原文原意相符;二要“达于原文”，即翻译时表达要顺畅;三要“雅于原文”，即翻译时译文要有文采要优美。严复的翻译理论很大程度上适用于文本翻译，因为一个成功的影视翻译，需要不只是台词即影视脚本文字的“信达雅”，还需要考虑影片其他非文字因素的翻译，比如影视演员的情感表达、影视图像信息的传达、不同国家语言表达的差异性等，影视翻译翻译的不是文字，而是一部有血有肉的影片，它或许是由风格迥异的图像、南辕北辙的声音、代表不同文化的文字构成的一个预期向观众传达海量情感信息的多符号载体，是一个信息量丰富的整体。所以影视翻译不仅局限于语言学、翻译学，它还涉及媒体传播学、影视本身所具备的艺术特征等，是一个多学科交叉研究的整体。
二、翻译的诗意性
我们都知道，一部地道的外国影片，它身上往往携带着巨大的信息资源，它包含着本地民族的历史血脉与文化背景，深刻地反映本地民族原汁原味的生活方式与思维节奏。且电影语言与一般语言不尽相同，电影语言是指电影艺术在传达和交流信息的过程中使用的媒介手段的结合，它直接为观众的视听感官服务，它直观、鲜活、具体，用形象来表达语言，携带着巨大的感染力。要将西方影视的电影脚本翻译成中文，绝非易事。原因如下：中西文化差异巨大，西方信奉上帝就如同我们中国人相信客厅里有一张茶几存在一样;中国文化往往重视意会、注重自我感悟，较为感性，而西方文化则注重概念内涵、注重分析，较为理性。这些差异性反映到语言上，就是中国语言较为感性，靠语意贯彻全文，而西方语言则强调语法、词语的上传下达，语句的相互衔接与呼应。相信大家看到“中国式英语”，都会莞尔一笑，在影视翻译中，这个问题无处不在。
Gone With The Wind：
This car，Goeth would have bought this car.Why do I keep the car? Ten people by that，ten people，ten more people.This pin，two people.This is gold，two more people.He would have given me two for it，at least one.He would have given me one ，one more，one more person，person，Stern，for this.I could have got one more person，and I didn’t ，and I didn’t…
译文如下：
这辆车，歌德应该会买。我为什么留这辆车，它能换十条命，十条命，多救十个人。这枚胸针，可以救两条命。这是黄金，可多救两个人，他会让我换两个，至少一个人，他会多救一个人，多一个人，是一个人，斯滕，这个可以换一人的命，我本可多救一个人，可我没有，可我没有……
这段译文语气柔和哀伤，语义流利通畅，字里行间无不流露出淡淡的伤感与诗意，忠实于原文的语义，文字诗意优美，文字情感与原文相契合，可称上乘译作。
再比如《狮子王》：
I laugh in the face of danger.
译作：越危险就越合我心意。
三、翻译的时效性与准确性
人们在观赏一部影片时，要同时启动视觉、听觉、触觉以及内心丰富的情感神经，可谓“工作量巨大”，这就一如我们看小说，很多小说当我们看第一遍时，感觉是囫囵吞枣，云里雾里的只知大意，很多细节都是模糊的，但是纸质的小说有一个好处就是，我们可以读很多遍，一部好的作品总是百读不厌，而且每读一遍随着读者年龄与阅历的增加就会产生新的情感体验，但是电影不一样，电影主要是以画面和声音相结合向人们传达信息，很多信息转瞬即逝，所以人们在处理这些信息时出现用时短的特点，如果翻译中出现一些艰涩难懂的词语或者某个词义含糊不清，而且很多电影本身的魅力也具有时效性，很多电影在欣赏的时候感觉很震撼，但是却总是提不起兴趣再看第二遍，只有一些经典影片，才能经得起时间推敲，与时光一起变成永恒。很多翻译，如果不具备时效性与准确性，那么就很可能影响观众的整体感官，让整部影片索然寡味。 比如《教父》：
I never wanted this for you.I work my whole life——I don’t apologize — to take care of my family，and I refused to be a fool，dancing on the string held by all those big shots.I don’t apologize——that’s my life——but I thought that，that when it was your time，that you would be the one to hold the string.Senator Corleone; Governor Corleone.Well，it wasn’t enough time，Michael.It wasn’t enough time.
我从来没有想过要带给你这些。我工作了一辈子，来养家糊口，我没有道过歉，我不愿意当个傻瓜，可我总是在大人物所牵的绳子上跳舞。我不会道歉的，这就是我的本色，不过我也想到过那一点，我想那时候是你的天下，你就是牵绳子的那个人。考利昂参议员，考利昂州长。好了，时间不多了，迈克尔。时间不多了!
这段台词赋予了丰富的信息，首先，这是维多的心里独白;第二，维多是个清醒的傻瓜;第三，维多愿意做个清醒的傻瓜，即便迫于无奈。
比如：《飘》
I think it’s hard winning a war with words.
译文：我认为纸上谈兵没什么作用。
四、翻译的直白性与深刻性
在一段成功的影视翻译中，电影文字脚本翻译在忠于原文进行翻译时，要注重刻画其深刻性。
比如：Schindler’s List
What is right? When a person committed a crime，the judge sentenced him to death in accordance with the law.
This is not right，It’s called justice.
When a person has committed a crime Similarly，the emperor could sentence him to death，
Can not sentence him to death，then pardoned him，this is called right!
什么是权利?当一个人犯了罪，法官依法判他死刑。
这不叫权利，这叫正义。
而当一个人同样犯了罪，皇帝可以判他死刑，
也可以不判他死刑，于是赦免了他，这就叫权利!
当听到这句台词的翻译时，相信很多人都会内心深深地呼出一口气，然后，心里产生强烈的共鸣。翻译出来的语句，使权利深刻得入木三分，相信多年后，很多人都会忘记这部Schindler’s List，但是却没有人会忘记什么叫权利!
五、翻译的口语性
在观看国外的电影大片的时候，笔者相信大家在沉醉于这些好莱坞大片带来的精彩情节时，一定也会像看我们的国粹京剧一样，看到精彩处，不禁大叫一声“好”!而西方影视译制片里口语化式的翻译，就具备这个特征。翻译片里对于口语化的需求不外乎要考虑到观众范围广，年龄跨度大，口语化可使影片通俗易懂，老少皆宜。
Batman：How much do you weight?
Vicky： About 1 20 pounds，I think.
Batman： Hold on.Vicky：AAH!OOH!
译文1：蝙蝠侠：你的体重是多少?
维奇：我想大概有120磅吧。
蝙蝠侠：坚持住。
维奇：啊!噢!
译文2：蝙蝠侠：多重?
维奇：120磅吧。
蝙蝠侠：抓紧。
维奇：啊!噢!
译文2使用的语言简洁明了，口语特色一览无遗，恰如其分地增加了影片的紧张感与幽默感。
现今的影视已不仅仅是人们茶余饭后的消遣，而是越来越肩负着各国文化交流与传播的使命，随着大量西方影视作品进入我国，我国的影视翻译团队在不断扩大的同时，翻译水平也日渐攀升，翻译的语言艺术涵盖广阔。本文只选取几个方面加以阐述，以期抛砖引玉，在国外影视翻译上推陈出新。
中外影视音乐赏析论文文献
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英美影视赏析课与大学英语教学
中外影视音乐赏析论文摘要
摘要：在大学英语教学改革的过程中，我校开设了英美影视赏析公选课，旨在完善多元生态化的大学英语课程体系，帮助学生学习英美文化和文学知识，提高其英语听说和写作能力，从而提高学生的英语综合应用能力。
中外影视音乐赏析论文内容
关键词：英美影视赏析课;多元生态化;大学英语教学
中图分类号：G642.41 文献标志码：A 文章编号：1674-9324(2014)20-0089-03
英美影视赏析课作为一门公选课，有利于加强文化教学，培养学生对英美文化差异的敏感性，使学生灵活地应对各类文化差异。英美影视赏析课作为大学英语教学的有益补充，可以为学生营造自然真实的语言环境，充分调动学生 学习英语 的积极性。
目前我校力争完善多元生态化的大学英语课程体系。“多元生态化的大学英语课程体系是指根据生态学原理把课程设置看作一个动态、开放的生态整体，讲究‘兼容、动态、良性’。”在这种大学英语课程体系当中，各种课程要素相互依存、作用，灵活协调，随环境的变化而变化，最终实现动态平衡。相比之下，传统教学过程和手段缺乏开放性和灵活性，教学评价体系缺乏层次性、多元性和激励性，学生常感受不到学习的成就和喜悦。增设英美影视赏析课，可以改善这种状况，寓教于乐，实现大学英语课堂教学多元生态化。
一、激发学生学习英语的兴趣
一般说来，学生 兴趣爱好 的广度和深度，会影响其学习动机的稳固性和深刻性。因此，在教学过程中，教师要以丰富有趣的内容以及生动的 教学方法 来吸引学生，使学生通过学习得到精神上的满足，从而进一步激发学生的学习兴趣。新异事物会引起学生的好奇和探究，教学内容与方法的不断更新与变化，可以不断引起学生新的探究活动，从而在此基础上产生更高水平的求知欲。电影一般都有有趣或刺激的 故事 情节，在较短的时间内将故事呈现在观众面前，给人带来感官上的享受。相对于刻板的教材，电影集画面、声音、故事情节于一体，更能刺激学生的视听器官，激发学生学习英语的兴趣，从而达到有效地学习语言目的。
二、营造真实的语言环境和氛围
在语言教学过程中，为学生营造真实的语言环境非常重要。电影语言生动活泼，取材于现实生活，能对学生产生吸引力和感染力。电影中的光、色、声、影、形很容易抓住学生的注意力，调动学生的视听神经，形成相对直观的语言交流和自然吸纳的语言环境。
著名语言教育理论家Krashen认为语言习得取决于大量的语言输入。他认为语言习得是通过理解信息，即通过接收“理解性输入”而产生的。因此，教师应为学生提供大于学生目前语言能力的信息输入。Krashen提出了“理想输入”的说法，认为输入应具备四个特点：可理解性，既有趣又有关联，非语法程序安排和要有足够的量。“语言环境决定语言输入的质量。‘此时此地’原则从语言习得的角度论证了这一观点。在语言输入的过程中，应该为学习者提供较为真实的语言使用环境。”影视赏析课能为学生创设愉快的学习氛围，使学生在心理障碍最小的状态下自然习得语言。
三、有助于学生提高听力和口语水平，赋予学生成就感和满足感
英语电影中富含原汁原味的语音素材，其内容贴近生活，语言真实地道，表达句式多样。电影台词可分为采访、演讲、购物等。这些台词可作为学生真实自然的听力材料。台词大都语速正常，属于实际生活中的正常语言，有利于学生模仿并学以致用;还利于学生体会 英语口语 中常用的弱读和连读，养成听说英语的正确习惯。
如影片《阿甘正传》中脍炙人口的语句：“生活就像一盒巧克力，结果往往出人意料。”《狮子王》中：“世界上所有的生命都在微妙的平衡中生存。”《TITANIC》中：“我觉得生命是一份礼物，我不想浪费它，你不会知道下一手牌会是什么，要学会接受生活。”这些 名言 言简意赅，富含人生哲理，既可教给学生新词汇，又可引发学生对人生的思考。
在观看有趣的电影时，学生会自觉使用所学过的知识进行思考、假设和预测，从而学习吸收信息。教师可以使用电影语料开展各种教学活动，从而提高学生情景对话时的英语口语表达能力。比如老师可以要求学生讨论电影内容，交流感受。在交流时，要求学生灵活使用电影中的词汇、句式和 名人名言 。好的电影比教材更能激发学生的交谈欲望，促使他们用新词汇交流感受，学以致用，给学生带来学会新知识的成就感和满足感。
四、有助于学生学习英美文化知识
语言是文化的载体。好的影视作品可以更直接地向学生展示西方国家的历史、文化和风俗。语言和文化是相辅相成的。“文化所涵盖的大量信息是促使语言鲜活、推动语言发展的强大动力。学生社会文化能力中最薄弱的环节在于语言本身所涉及的文化因素上，尤其是词汇的文化内涵。”学生如果不了解目的语背后的文化，就会使该语言的表达苍白无力，有时甚至会产生误解。因此，在英语教学过程中，不仅要教给学生语法和句式，还要向学生传授背景文化知识，“使学生了解英语国家的历史、地理、社会、经济、政治、教育等方面的情况及其文化传统，提高学生对文化差异的敏感性、宽容性和处理文化差异的灵活性，培养学生跨文化交际能力。”最终使学生达到语言与文化融会贯通。
通过电影学生会学到很多文化差异，从而进一步提高英语水平。比如，美国新娘结婚时身着白色长裙并佩戴面纱。新娘还要按照四句韵文去做，即穿戴something old，new，borrowed，and blue。舞会结束前，新娘会将花束扔向未婚的女子，接到花的女子被认为是下一位该结婚的人。这些习俗跟中国的传统婚礼习俗相差甚远。学生在欣赏《老友记》中菲比和莫妮卡两位主角的婚礼时，就可以学习到这些文化差异。由此可见，“外语影视以其最直接、最真实、最准确的方式集中表现着目 标语 文化场景，并以其丰富的语汇和具体生动的形象传递着异域文化的语言习惯、 思维方式 、生活方式、价值观念与行为准则”。
在课堂上，教师应精选与教材中课文主题相似的影片，并解释影片背后隐含的文化内涵，帮助学生加深理解。比如在解释文化差异时，笔者选用了《世界是平的》这部电影，影片中多次描述了印度和美国的文化差异：印度房东初次见面就问美国房客的收入、家庭和婚姻状况，这对美国人来说都是隐私;牛在印度宗教中是神圣的，印度人不吃牛肉，可是美国在印度的外包服务中居然卖烙牛的烙铁和牛排煎锅，印度人对这难以接受;印度人对美国人独有的一些小商品很陌生，因不知道具体用途而无人购买，如美国人在观看比赛时戴的奶酪形状的帽子。这一系列文化差异使得美国的外包业务在印度进展得很不顺利，从美国来的销售经理在了解了大量印美文化差异后，终于取得了成功。看完电影后，学生们踊跃发言，补充了很多印美和中美文化差异的例子，有效地练习了英语口语，并对中西文化差异有了更深入地了解。 五、有助于学习英美文学知识，提高其 英语写作 能力
学生在赏析由名著改编的电影时，会学到很多英美文学知识。如《哈姆雷特》、《傲慢与偏见》等作品，会使学生对经典作家和作品有更深刻的认识。电影《死亡诗社》故事情节曲折，内涵发人深省。主角基丁是一位被学生们亲切地叫做“船长”的教师，他提倡学生们用崭新的视角观察世界，学生被他那反传统的教育方法所感染，创建了新的“死亡诗社”。基丁所提倡的自由发散式的思维哲学引起了巨大的反响，但同时也遭到这所传统学校中各种腐朽思想的抵触。该影片台词中出现了很多著名英美诗人的名句，如莎士比亚、梭罗、惠特曼、罗伯特・弗罗斯特等。基丁老师的话也很有哲学意蕴和音韵美。如：(1)因为信不信由你，这个房间里的每个人，总有一天都要停止呼吸，僵冷，死亡.我要你们向前到这儿来，细细玩味过去的面孔，你们经过这儿无数次，但从未真正看过他们，和你的差异并不大，对吧?……孩子们，让你的生命超越凡俗。(2)森林，因为我要为了活着而活着，深刻地活着，吸取生命中所有的精髓。把生活的糟粕抛到九霄云外，以免当我的生命终结时，才发现自己从没有活过。
学生是教学中的主体，教师的教法要通过学生主体活动来获得效能。教师要善于激励、启发和引导学生，教会学生如何学习。学生赏析完影片后探讨了 经典台词 的人生哲理，同时对英美诗歌知识也有了初步的认识。此外，笔者就影片内容设置了两个辩题(基丁老师的反传统教育模式是否可行?学生自杀的悲剧应由基丁老师负责还是由家长负责?)，鼓励学生采用合作式学习的方法，展开小组 辩论 ，学生可以随意进行 观后感 与影评等思想交流。鼓励语言能力比较好的同学在小组讨论的基础上，完成一篇观后感或影评，也可对故事进行改写，对学生提出更高一层的要求。写完之后学生提交，由老师评分。很多学生就片中的教育体制、亲子关系等问题有感而发，写出了切身体会，比以往写的大学英语精读课后 作文 更有深度，遣词 造句 也不错，由此提高了学生的英语写作能力。部分学生还主动背诵了挑选出的经典台词，展现出极大的学习英语的热情。
综上所述，英美影视欣赏课作为一门大学英语选修课，有助于激发学生学习英语的兴趣，有利于学生学习英美文学和文化知识，可以提高其英语听说和写作能力。这门课还有助于教师转变教学理念，促进教学手段多样化、教学机制弹性化和课堂管理方式人性化。广大教师应有效规划课堂教学活动，使英美影视赏析课在大学英语教学中起到更好的作用。
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《猫》是音乐剧史上最成功的作品。1981年5月11日首演于伦敦西区新伦敦剧院，每周8场，星期一休息，连续演出至2002年5月11日在它21岁生日时，在同一个剧场落幕。音乐剧是一门十分年轻的表演艺术，经过近百年的发展，产生了众多风格炯异的作品。《猫》属于更靠近歌舞类的音乐剧。由作曲家安德鲁劳伊德伟铂根据诺贝尔文学奖得主T S 艾略特的长诗《擅长装扮的老猫精》改编谱曲。《猫》的故事：杰里科猫族每年都要举行一次舞会，众猫们会在着一年一度的盛大聚会上挑选一只猫升天。于是，形形色色的猫纷纷登场，尽情表现。最后，当年曾经光彩照人今日却无比邋遢的猫格里泽倍拉以一曲《回忆》打动了所有在场的猫，成为可以升上天堂的猫。《猫》的歌词由特拉维·拿恩（Trevor Nunn）改编。它的故事来自T·S·艾略特（T.S. Eliot）在1939年出版的诗集《老负鼠讲讲世上的猫》（Old Pussom's Book of Practical Cats）。这一部诗集，事实上是艾略特写给他的教子的。大部份的歌词是从诗集里原封不动拿出来的。只不过，因为要和谱出的曲子相和，拿恩在诗词上作了微小的改动，比如"杰里科之歌"（The Song of the Jellicles）里就多了八行歌词的重复。此外，"楔子"、"The Marching Song of the Pollicle Dogs"和 Grizabella 的故事，是从艾略特未出版的故事里找到的。而最有名的一首《记忆》（Memory），是拿恩根据艾略特的另一首《风夜狂想曲》Rhapsody on a Windy Night）改编的。全剧近三个小时，共由二十首乐曲组成。除了配合不同舞蹈场面的舞曲外，前后四次出现的主题曲〈回忆〉更是一首百听不厌的金曲。《猫》的诞生：《猫》的剧本取材于英国诗人托马斯.斯特尔斯.艾略特(Thomas Sterns Eliot)的诗集《擅长装扮的老猫经》，这首诗作是艾略特为儿童创作的，所以诗句比他的其他诗作都要简单易懂得多。诗作完成于1939年10月，而音乐剧《猫》的创作却开始于1977年，两者相差了38年。著名音乐剧作曲大师安德鲁.劳伊德.韦伯(Andrew Lloyd Webber)于1977年开始着手为《擅长打扮的老猫经》编配音乐，他完全是源于对小时候读过的这首诗的浓厚兴趣。一开始韦伯只打算写一些在舞台上演出的散曲，完全没有创作音乐剧的念头。因为这首诗没有戏剧情节，更没有戏剧张力，不具备创作为音乐剧的条件。而后来，韦伯和导演特雷沃尔.努恩(Trevor Nunn)，在剧中解决了许多人们认为无法解决的戏剧问题。还有舞蹈设计是吉莉安.莱尼(Gillian Lynne)，她在观察了《猫》之后，发现猫具有孤癖，冷淡，多情，充满柔韧性与神秘感等特征，于是他将这些特征融进《猫》中，创作出了富有新概念和充满能量的舞蹈。还有著名服装设计师约翰.纳皮尔(John Napier)，他于1980年11月开始了他的设计并设法创作了一个猫儿们聚集一堂的场景。他根据T.S.艾略特的诗集，结合了猫和人类的因素，为每一只猫设计了服装。绝大多数的服装都是柔韧而易于移动的，而且带有强烈的舞蹈特质。《猫》剧情梗概第一幕 子夜的舞会使猫疯狂在一个特殊的夜晚，每年一次的杰里科族的猫的家族庆贺会上，每个猫依次向来访的人类解释他们是谁，并且指出猫有三个名字：家庭里日常使用的名字、较高雅文气的名字和秘密的名字。年轻天真的白猫维克多利亚跳起了独舞"请到杰里科舞会来"作为开场，他们正在等待他们的领袖--英明的老杜特罗内米，今晚由他挑选一只杰里科猫，这只猫将被派到九重天上"获得"新的生命。每一只猫都用歌曲和舞蹈来讲述自己的故事，希望能够被选中成为获得重生的杰里科猫。珍尼安尼朵茨是一只老刚比猫，她整天不是睡觉就是闲逛；"兰塔塔格"，是一只爱搞恶作剧、对异性魅力十足的猫；被遗弃的"富有魅力的格里泽贝拉"是一只杰里科猫，她已离群多年，到外面的世界去闯荡，这次她发誓要回到家族里；强壮的"布斯托夫·琼"是只25磅重的猫，他把时间都花在吃上；突然一阵雷鸣般的碰撞声，警笛声大作，邪恶的猫麦克维第大摇大摆地来了；"蒙哥杰瑞和兰普利第泽"是一个爱开开玩笑、爱搞作剧的捣蛋鬼小组，老是给他们家惹麻烦；当仁慈而英明的领袖"老杜特罗内米"到场时，整个家族一片欢腾。它们准备了一些节目：群猫表演了一出名叫"波里科狗进行曲下的佩克族与波里科族的可怕的战斗"的戏。猫们穿着敌对派的狗的衣服向对方狂吠。表演被邪恶的麦克维第打断，猫们四散奔逃！老杜特罗内米平息了骚动，"杰里科舞会"如期开始，全体猫们跳舞欢庆。第二幕 夏天为何迟到，时光怎样流逝"剧院猫格斯"是一位老演员，曾经与他那个时代的最伟大的演员共事过，他正受着痛风之苦。"铁路猫斯金伯·申克斯"是所有猫的友善大叔。邪恶的麦克维第绑架了老杜特罗内米，麦克维第装成老杜特罗内米，有两只猫认出他来：一只是蒂米特(吓坏了的小猫)，一只是最性感的大个子猫鲍巴露瑞娜(无忧无虑的女孩)。麦克维第的恶行使他得到了一个浑名--"犯罪的拿破仑";麦克维第被揭穿后与曼库斯特拉普及其他的雄猫打了起来，他把电线弄短路使得所有的灯都熄灭了，杰里科猫陷入黑暗之中。兰塔塔格叫来"米斯特腓力先生"，要他施魔法找回领袖。米斯特腓力成功了，灯又亮了。老杜特罗内米决定哪一只杰里科猫将获得重生的时刻到了。此时，格里泽贝拉以"回忆"一曲唱起过去的事情。家族接受了她的回归。她被选为"去九重天"而获新生的猫！《猫》的正式上映：经过这些人的协同努力，在1981年5月11日《猫》正式登场了，首演于新伦敦剧院。1982年《猫》开始在全世界的舞台剧圣地，美国纽约的百老汇大街上公演，到2000年夏天停演，早已打破了百老汇连续公演最久而且也次数最多的记录。而直到现在.《猫》仍在伦敦西头公演。除此之外，《猫》也是美国最长的巡回演出剧目(目前为止至少已经有四次全美巡回演出)。《猫》的高潮：而比起其他著名的音乐剧，中国听众最熟悉的一定是《猫》。原因不在其他，而在于剧中一首歌的力量，那就是<回忆>。自《猫》诞生以来，<回忆>这首歌就开始传播四海，那如泣如诉的旋律，一下就能抓住人们的心。对于中国听众而言，这首歌的知名度要远远高于《猫》。大多数人也是听了<回忆>之后才知道了音乐剧的《猫》。<回忆>这首歌是由剧中的魅力猫“格里泽贝拉”演唱的，这是一只年轻时魅力十足而年老后邋遢肮脏的猫，她孤独衰弱，遭人唾弃，流浪在最下等的街区，受到猫族的排挤。她也渴望能升入天堂，但这对她显然是一种奢望。在这个情景下，她演唱了这首<回忆>。在她唱完之后，猫儿们都被感动了，一致推选她升上天堂，全剧落下帷幕。从中我们就可以看出，这首歌在剧中所占的份量，可以说，它是全剧的转折点，也是高潮点，因为所有的猫对“格里泽贝拉”的看法都将在这首歌后发生改变，如果这首歌不感人，无疑就是全剧的失败。据说在首演已经临近的时候，导演努恩依然对剧中这个高潮点的音乐不够满意。他总觉得这个音乐还撑不起整部剧目，应该是一首更感人，更能让观众投入的歌曲。韦伯起先并不愿意重写，但最后还是不得不听从了导演的要求。他当时告诉努恩，不要对下一首抱太大的希望。第二天早上，韦伯在钢琴上给努恩弹奏了他整晚熬夜写作的音乐。努恩听完后，对旁边的人说：“请你们记住这一刻，因为你们听到的，就是一首能被称为传奇的乐曲。”这首曲子，就是后来在音乐剧中流传最广的《回忆》。在当时，《回忆》还没有歌词，只是一个旋律。同其他《猫》中的歌曲不同，《回忆》并不是根据艾略特的诗作编写的，也没有其他可以套用的诗。为此，努恩找了三位词作者写作《回忆》的歌词，但都没有得到满意的结果。努恩看时间已经不多，于是决定自己来写作《回忆》的歌词。他来到自己在乡下的别墅，花了整整一个星期的时间重读艾略特的诗集，借用了艾略特的另一首诗作《风夜狂想曲》为参照，写出了这首动人心魄的《回忆》，也更明确了整部《猫》的主题。格里泽贝拉猫成为了《猫》剧的感情出口。她在《回忆》里表达了她遭受的痛苦，她曾经的快乐和美丽，以及最后对温暖的渴望。简单的歌词中传达了太多的情感。格里泽贝拉猫(Grizabella)的最初扮演者是著名英国女演员朱迪.登切(Judi Dench)，后来她在排练期间患上了严重的跟腱炎，所以才不得不在首演前五天替换了著名的伊莲.佩吉(Elaine Page)来担任这个角色。伊莲.佩吉在扮演了“格里泽贝拉猫”后大红特红，之后就在音乐剧舞台上一帆风顺20年，如今她已被认为是音乐剧舞台上的第一夫人。赏析剧中角色：剧中“领袖猫”。猫族中的首领，充满智慧和经验，他必须出席一年一度的猫会，并最后决定哪一只猫能够升天获得重生；“迷人猫”，剧中成熟女性的代表，全剧舞会高潮时她是领舞者，在青蓝色调的光线下，惟有她的红色皮毛洋溢着温暖；“魅力猫”。年轻时是猫族中最美丽的一个，厌倦了猫族的生活到外面闯荡，但尝尽了世态炎凉，再回到猫族时已丑陋无比——她的样子最像人类，长发披肩，身穿黑色晚礼服，脚蹬一双高跟鞋。一曲《回忆》平息了所有猫儿对她的敌意，唤起了对她的深深同情和怜悯。还有“富贵猫”、“保姆猫”、“剧院猫”、“摇滚猫”、“犯罪猫”、“迷人猫”、“英雄猫”、“超人猫”、“魔术猫”等。这群五花八门、各不相同并被拟人化了的猫儿组成了猫的大千世界。在舞会上，它们各显身手；或歌或舞或嬉戏，上演了一出荡气回肠的“人间悲喜剧”，诉说着爱与宽容的主题。《猫》中的舞蹈和音乐相当突出。为了传情达意，编导们不惜用了大量的舞蹈场面来表现猫的不同特征和性格。这里既有轻松活泼的踢踏舞，又有凝重华丽的芭蕾舞，还有充满动感的爵士舞和现代舞。怎么好看怎么编，没有框框，别具匠心，不拘一格。尤其是那段长达十几分钟的“杰里克舞会”的舞蹈，场面宏大，激情澎湃，让人看得如痴如醉。《猫》的舞台也极精彩。它的设计概念是“从猫儿眼里看到的世界”。《猫》的服装全按各个猫儿的形象特征来设计，共有250多套，上面逼真地绘出了不同年龄、性别的猫的肤色和皮毛花纹，每个演员都被画成了一个与其身份相符的猫脸，再配上30多个不同色泽和质感的假发，活灵活现地装扮出了一只只性格各异的猫儿。而且《猫》有它精神升华的东西在里面，它是拟猫而不是拟人，但是又是按人类社会来描写猫族的，从音乐一开始就是族群仪式的场面，而到最后格雷兹·贝拉升入九重天，每一只猫都接纳了它，这也是人类社会惯用的，很像早期的宗教仪式，很神圣，可能感觉比人类社会的宗教感还强烈，甚至会让人类觉得惭愧，但同时又带着一种欢愉的东西，一种神秘的东西，它也来自于几千年来人们对猫的揣测、认识，神秘、信仰的东西都在里面了，看的时候会觉得很真切，但又不会太直白。所以，一场戏就是一个社会的缩影，一个猫群就是一个人类的缩影。
英国音乐剧《猫》被誉为当代四大经典音乐剧之一，故事通俗易懂但戏剧结构逻辑严密，多元化的音乐风格作为多层次的线索，在给观众带去审美感受的同时增强全剧的逻辑性。我通过对它歌词、歌曲创作与声乐表演等声乐审美特征方面进行赏析。
英国音乐剧《猫》被誉为当代四大经典音乐剧之一，故事通俗易懂但戏剧结构逻辑严密，多元化的音乐风格作为多层次的线索，在给观众带去审美感受的同时增强全剧的逻辑性。本文通过对它歌词、歌曲创作与声乐表演等声乐审美特征方面进行赏析。
《猫》的剧本取材于英国诗人T·S·艾略特的诗作《擅长装扮的老猫精》，由著名音乐剧大师、作曲家安德鲁·劳埃德·韦伯作曲，其后请来了导演特雷沃尔·努恩，舞蹈设计师吉莉安·莱尼，著名服装设计师约翰·纳皮埃等人加盟《猫》的创作工作。1981 年5 月11 日在新伦敦剧院正式首演，获得了极大的成功。次年10 月7 日在美国百老汇的冬日花园剧场进行了首演，又获得成功。如今，《猫》与《悲惨世界》、《西贡小姐》、《歌剧魅影》共同跻身于“四大音乐剧”之列。
音乐剧《猫》简介
本剧由原诗的15段改为19段，共分为两幕，以杰里科猫们一年一度的月圆之夜升天大会为故事背景, 讲述形形 *** 的猫纷纷登场, 聚集在垃圾场内, 等待着百岁高龄的首领老杜特洛诺米的到来。它们尽情地用歌声和舞蹈来讲述自己的故事, 希望能够被选中升入天堂后重获新生。一直厌倦猫族生活到外面闯荡的“魅力猫”格瑞泽贝拉也来到了聚会中, 她此时已尝尽了世态炎凉, 失去了当年光彩照人的容颜, 而且变得蓬头垢面、无比邋遢, 她渴望重新回归到猫族中, 但猫儿们不愿接受这只背叛猫族的流浪者, 对她非常敌视。最终,她以一曲《回忆》追忆往事, 平息了所有猫们对她的敌意, 唤起了对她的深深同情和怜悯。也因这曲《回忆》她被选为上天堂重获新生的幸运猫。
此剧是以简单的戏剧结构来承载舞蹈、音乐及舞美等元素来展现百老汇式的音乐剧。在整体音乐展现上它沿用以节奏多变的爵士音乐风格来贯穿全剧, 再配以多种元素的电子音乐作为辅助勾勒, 描绘出一台梦幻般的音乐诗剧。
整部音乐剧的乐曲尤其非常优美动人, 除去欢快的爵士型音乐, 还有激烈的摇滚、幽怨的布鲁斯以及高贵典雅且带古典风味的古典流行乐, 在将近三小时的演出中, 共容纳了二十三首独创乐曲, 随着剧情的推进, 曲式氛围由主线爵士音乐转接各种型别音乐元素, 形成主曲副曲相互呼应的流畅式倾泻，带给观众无尽的审美享受。
音乐剧《猫》的声乐审美特征分析
首先，歌剧《猫》歌词的隐喻性让人回味无穷。作者把本该聚集到人身上的特质回复到我们身边的一种可爱的动物身上, 而韦伯通过音乐剧又清晰化了拟人的猫, 并把所有内容返回到观众。杰米玛的每次出场几乎都与格瑞泽贝拉有关, 唱出的旋律也与格瑞泽贝拉相同。一个是天真无邪、拥有令人羡慕的青春年华, 生命旅途才刚刚开始, 另一个则饱经风霜、已近风烛残年, 使人不禁联想到杰米玛就是年轻时的格瑞泽贝拉, 看到杰米玛就不难理解格瑞泽贝拉对过去快乐时光留恋。她们一个面朝月落, 一个面朝日出; 一个在痛苦地回忆, 一个在天真地憧憬; 一个饱经沧桑, 一个天真无邪, 这也暗示着生命的轮回。
其次，《猫》的旋律风格迥异，音色变化多样，带给人们强烈的听觉 *** ,同时对表现不同角色的性格起到了重要作用。《甘比猫》中珍尼点点的嗓音明亮抒情, 旋律婉转动听。英雄猫的男中音音色缓慢地唱出了抒情部分, 接着音乐突然变成欢快的爵士风格, 杰里罗伦、迪米特、邦巴露娜的三重唱合在一起时立刻形成华丽花哨的音调, 一种快乐夸张的感觉油然而生。母猫杰米玛浑身散发著青春的气息, 音色极其甜美、纯净和自然, 她唱的《回忆》虽然和格瑞泽贝拉所唱的旋律相同, 但赋予歌曲不同的感情。格瑞泽贝拉唱得铿锵顿挫, 充满了沧桑和沉重感。杰米玛则处理得非常淡, 让人能清楚地感觉出她的清纯和天真, 但都共同表现著爱和宽恕的主题。猫首领虽是男高音, 但音色暗淡沙哑, 已有明显的虚弱、颤抖和苍老的痕迹, 没有底气, 声音很空, 非常适合老人的特点。
最后，该剧虽然表现了形形 *** 的猫, 实际是以猫喻人, 正如猫首领所唱“猫很象你们”。杰利科猫都有三个名字, 第一个是日常居家的名字, 第二个是奇特而更加尊贵的名字, 第三个是人类无法发现也永远猜不到的名字。所谓猫的几种名字, 实际上就是人性的各个方面。每个人的人性都是多面的, 既有日常生活中普通的一面,也有附庸风雅、装模做样的一面, 第三个名字则恰似人性中欲望的一面, 因为它们复杂、隐晦却又是绝不可缺少的, 属于每个人心灵深处的秘密。观众在接受了这样的暗示后, 就会明白后面各种猫的表演其实就是在表现各种不同的人性。舞台上每只猫都有自己鲜明的个性, 都代表着现实生活中的每一类人，让每个观众感同身受。
音乐剧《猫》的观后感
因为之前在课堂上被经典的《歌剧魅影》吸引，所以我抱着好奇心与之齐名的歌剧《猫》。但在认真两遍之后，《猫》给我的印象比魅影更加深刻。 乍看上去，这似乎是一部童话剧，并无什么更深的意义，可是细细的品味，这 些猫儿们身上的某些特性和人类是多么的相似。当步履蹒跚、蓬头垢面的魅力猫格瑞泽贝拉再次出场吐露心声的时候，我心被抓住了，她独特的表达宣告了音乐剧历史上不朽的名曲的诞生，那就是《回忆》。出走之后而又落寞潦倒地返家的“ 格里泽贝拉” 要追回那失去的脚印，要找回记忆中的温暖与幸福，她渴望获得新的生活，她在外面的世界领悟了幸福的真谛，所以她回来了，这实在让人牵挂了，让人心疼了，那曾经的世界是什么样子，在悠远的歌声中使人们回到了一个单独的可以倾诉的世界。猫的领袖最终选择把这只出走流浪的、曾经美丽的魅力猫送上天堂去获得新生，给了魅力猫一种崇高的谅解。
迷失了，但永远在寻找。喜欢这部音乐剧，迷失者在《猫》剧中被艺术地宽容和谅解了，这种宽容与爱深深打动了我，让我浮躁的心得以平静下来重新思考：关于追求，关于自由，关于真正的幸福。
《猫》是音乐剧史上最成功的作品。1981年5月11日首演于伦敦西区新伦敦剧院，每周8场，星期一休息，连续演出至2002年5月11日在它21岁生日时，在同一个剧场落幕。 音乐剧是一门十分年轻的表演艺术，经过近百年的发展，产生了众多风格炯异的作品。《猫》属于更靠近歌舞类的音乐剧。由作曲家安德鲁劳伊德伟铂根据诺贝尔文学奖得主T S 艾略特的长诗《擅长装扮的老猫精》改编谱曲。《猫》的故事：杰里科猫族每年都要举行一次舞会，众猫们会在着一年一度的盛大聚会上挑选一只猫升天。于是，形形色色的猫纷纷登场，尽情表现。最后，当年曾经光彩照人今日却无比邋遢的猫格里泽倍拉以一曲《回忆》打动了所有在场的猫，成为可以升上天堂的猫。《猫》的歌词由特拉维·拿恩（Trevor Nunn）改编。它的故事来自T·S·艾略特（T.S. Eliot）在1939年出版的诗集《老负鼠讲讲世上的猫》（Old Pussom's Book of Practical Cats）。这一部诗集，事实上是艾略特写给他的教子的。大部份的歌词是从诗集里原封不动拿出来的。只不过，因为要和谱出的曲子相和，拿恩在诗词上作了微小的改动，比如"杰里科之歌"（The Song of the Jellicles）里就多了八行歌词的重复。此外，"楔子"、"The Marching Song of the Pollicle Dogs"和 Grizabella 的故事，是从艾略特未出版的故事里找到的。而最有名的一首《记忆》（Memory），是拿恩根据艾略特的另一首《风夜狂想曲》Rhapsody on a Windy Night）改编的。全剧近三个小时，共由二十首乐曲组成。除了配合不同舞蹈场面的舞曲外，前后四次出现的主题曲〈回忆〉更是一首百听不厌的金曲。《猫》的诞生：《猫》的剧本取材于英国诗人托马斯.斯特尔斯.艾略特(Thomas Sterns Eliot)的诗集《擅长装扮的老猫经》，这首诗作是艾略特为儿童创作的，所以诗句比他的其他诗作都要简单易懂得多。诗作完成于1939年10月，而音乐剧《猫》的创作却开始于1977年，两者相差了38年。著名音乐剧作曲大师安德鲁.劳伊德.韦伯(Andrew Lloyd Webber)于1977年开始着手为《擅长打扮的老猫经》编配音乐，他完全是源于对小时候读过的这首诗的浓厚兴趣。一开始韦伯只打算写一些在舞台上演出的散曲，完全没有创作音乐剧的念头。因为这首诗没有戏剧情节，更没有戏剧张力，不具备创作为音乐剧的条件。而后来，韦伯和导演特雷沃尔.努恩(Trevor Nunn)，在剧中解决了许多人们认为无法解决的戏剧问题。还有舞蹈设计是吉莉安.莱尼(Gillian Lynne)，她在观察了《猫》之后，发现猫具有孤癖，冷淡，多情，充满柔韧性与神秘感等特征，于是他将这些特征融进《猫》中，创作出了富有新概念和充满能量的舞蹈。还有著名服装设计师约翰.纳皮尔(John Napier)，他于1980年11月开始了他的设计并设法创作了一个猫儿们聚集一堂的场景。他根据T.S.艾略特的诗集，结合了猫和人类的因素，为每一只猫设计了服装。绝大多数的服装都是柔韧而易于移动的，而且带有强烈的舞蹈特质。《猫》剧情梗概 第一幕 子夜的舞会使猫疯狂在一个特殊的夜晚，每年一次的杰里科族的猫的家族庆贺会上，每个猫依次向来访的人类解释他们是谁，并且指出猫有三个名字：家庭里日常使用的名字、较高雅文气的名字和秘密的名字。年轻天真的白猫维克多利亚跳起了独舞"请到杰里科舞会来"作为开场，他们正在等待他们的领袖--英明的老杜特罗内米，今晚由他挑选一只杰里科猫，这只猫将被派到九重天上"获得"新的生命。每一只猫都用歌曲和舞蹈来讲述自己的故事，希望能够被选中成为获得重生的杰里科猫。珍尼安尼朵茨是一只老刚比猫，她整天不是睡觉就是闲逛；"兰塔塔格"，是一只爱搞恶作剧、对异性魅力十足的猫；被遗弃的"富有魅力的格里泽贝拉"是一只杰里科猫，她已离群多年，到外面的世界去闯荡，这次她发誓要回到家族里；强壮的"布斯托夫·琼"是只25磅重的猫，他把时间都花在吃上；突然一阵雷鸣般的碰撞声，警笛声大作，邪恶的猫麦克维第大摇大摆地来了；"蒙哥杰瑞和兰普利第泽"是一个爱开开玩笑、爱搞作剧的捣蛋鬼小组，老是给他们家惹麻烦；当仁慈而英明的领袖"老杜特罗内米"到场时，整个家族一片欢腾。它们准备了一些节目：群猫表演了一出名叫"波里科狗进行曲下的佩克族与波里科族的可怕的战斗"的戏。猫们穿着敌对派的狗的衣服向对方狂吠。表演被邪恶的麦克维第打断，猫们四散奔逃！老杜特罗内米平息了骚动，"杰里科舞会"如期开始，全体猫们跳舞欢庆。 第二幕 夏天为何迟到，时光怎样流逝"剧院猫格斯"是一位老演员，曾经与他那个时代的最伟大的演员共事过，他正受着痛风之苦。"铁路猫斯金伯·申克斯"是所有猫的友善大叔。邪恶的麦克维第绑架了老杜特罗内米，麦克维第装成老杜特罗内米，有两只猫认出他来：一只是蒂米特(吓坏了的小猫)，一只是最性感的大个子猫鲍巴露瑞娜(无忧无虑的女孩)。麦克维第的恶行使他得到了一个浑名--"犯罪的拿破仑";麦克维第被揭穿后与曼库斯特拉普及其他的雄猫打了起来，他把电线弄短路使得所有的灯都熄灭了，杰里科猫陷入黑暗之中。兰塔塔格叫来"米斯特腓力先生"，要他施魔法找回领袖。米斯特腓力成功了，灯又亮了。老杜特罗内米决定哪一只杰里科猫将获得重生的时刻到了。此时，格里泽贝拉以"回忆"一曲唱起过去的事情。家族接受了她的回归。她被选为"去九重天"而获新生的猫！ 《猫》的正式上映：经过这些人的协同努力，在1981年5月11日《猫》正式登场了，首演于新伦敦剧院。1982年《猫》开始在全世界的舞台剧圣地，美国纽约的百老汇大街上公演，到2000年夏天停演，早已打破了百老汇连续公演最久而且也次数最多的记录。而直到现在.《猫》仍在伦敦西头公演。除此之外，《猫》也是美国最长的巡回演出剧目(目前为止至少已经有四次全美巡回演出)。《猫》的高潮：而比起其他著名的音乐剧，中国听众最熟悉的一定是《猫》。原因不在其他，而在于剧中一首歌的力量，那就是<回忆>。自《猫》诞生以来，<回忆>这首歌就开始传播四海，那如泣如诉的旋律，一下就能抓住人们的心。对于中国听众而言，这首歌的知名度要远远高于《猫》。大多数人也是听了<回忆>之后才知道了音乐剧的《猫》。<回忆>这首歌是由剧中的魅力猫“格里泽贝拉”演唱的，这是一只年轻时魅力十足而年老后邋遢肮脏的猫，她孤独衰弱，遭人唾弃，流浪在最下等的街区，受到猫族的排挤。她也渴望能升入天堂，但这对她显然是一种奢望。在这个情景下，她演唱了这首<回忆>。在她唱完之后，猫儿们都被感动了，一致推选她升上天堂，全剧落下帷幕。从中我们就可以看出，这首歌在剧中所占的份量，可以说，它是全剧的转折点，也是高潮点，因为所有的猫对“格里泽贝拉”的看法都将在这首歌后发生改变，如果这首歌不感人，无疑就是全剧的失败。据说在首演已经临近的时候，导演努恩依然对剧中这个高潮点的音乐不够满意。他总觉得这个音乐还撑不起整部剧目，应该是一首更感人，更能让观众投入的歌曲。韦伯起先并不愿意重写，但最后还是不得不听从了导演的要求。他当时告诉努恩，不要对下一首抱太大的希望。第二天早上，韦伯在钢琴上给努恩弹奏了他整晚熬夜写作的音乐。努恩听完后，对旁边的人说：“请你们记住这一刻，因为你们听到的，就是一首能被称为传奇的乐曲。”这首曲子，就是后来在音乐剧中流传最广的《回忆》。 在当时，《回忆》还没有歌词，只是一个旋律。同其他《猫》中的歌曲不同，《回忆》并不是根据艾略特的诗作编写的，也没有其他可以套用的诗。为此，努恩找了三位词作者写作《回忆》的歌词，但都没有得到满意的结果。努恩看时间已经不多，于是决定自己来写作《回忆》的歌词。他来到自己在乡下的别墅，花了整整一个星期的时间重读艾略特的诗集，借用了艾略特的另一首诗作《风夜狂想曲》为参照，写出了这首动人心魄的《回忆》，也更明确了整部《猫》的主题。格里泽贝拉猫成为了《猫》剧的感情出口。她在《回忆》里表达了她遭受的痛苦，她曾经的快乐和美丽，以及最后对温暖的渴望。简单的歌词中传达了太多的情感。格里泽贝拉猫(Grizabella)的最初扮演者是著名英国女演员朱迪.登切(Judi Dench)，后来她在排练期间患上了严重的跟腱炎，所以才不得不在首演前五天替换了著名的伊莲.佩吉(Elaine Page)来担任这个角色。伊莲.佩吉在扮演了“格里泽贝拉猫”后大红特红，之后就在音乐剧舞台上一帆风顺20年，如今她已被认为是音乐剧舞台上的第一夫人。 赏析剧中角色：剧中“领袖猫”。猫族中的首领，充满智慧和经验，他必须出席一年一度的猫会，并最后决定哪一只猫能够升天获得重生；“迷人猫”，剧中成熟女性的代表，全剧舞会高潮时她是领舞者，在青蓝色调的光线下，惟有她的红色皮毛洋溢着温暖；“魅力猫”。年轻时是猫族中最美丽的一个，厌倦了猫族的生活到外面闯荡，但尝尽了世态炎凉，再回到猫族时已丑陋无比——她的样子最像人类，长发披肩，身穿黑色晚礼服，脚蹬一双高跟鞋。一曲《回忆》平息了所有猫儿对她的敌意，唤起了对她的深深同情和怜悯。还有“富贵猫”、“保姆猫”、“剧院猫”、“摇滚猫”、“犯罪猫”、“迷人猫”、“英雄猫”、“超人猫”、“魔术猫”等。这群五花八门、各不相同并被拟人化了的猫儿组成了猫的大千世界。在舞会上，它们各显身手；或歌或舞或嬉戏，上演了一出荡气回肠的“人间悲喜剧”，诉说着爱与宽容的主题。《猫》中的舞蹈和音乐相当突出。为了传情达意，编导们不惜用了大量的舞蹈场面来表现猫的不同特征和性格。这里既有轻松活泼的踢踏舞，又有凝重华丽的芭蕾舞，还有充满动感的爵士舞和现代舞。怎么好看怎么编，没有框框，别具匠心，不拘一格。尤其是那段长达十几分钟的“杰里克舞会”的舞蹈，场面宏大，激情澎湃，让人看得如痴如醉。《猫》的舞台也极精彩。它的设计概念是“从猫儿眼里看到的世界”。《猫》的服装全按各个猫儿的形象特征来设计，共有250多套，上面逼真地绘出了不同年龄、性别的猫的肤色和皮毛花纹，每个演员都被画成了一个与其身份相符的猫脸，再配上30多个不同色泽和质感的假发，活灵活现地装扮出了一只只性格各异的猫儿。而且《猫》有它精神升华的东西在里面，它是拟猫而不是拟人，但是又是按人类社会来描写猫族的，从音乐一开始就是族群仪式的场面，而到最后格雷兹·贝拉升入九重天，每一只猫都接纳了它，这也是人类社会惯用的，很像早期的宗教仪式，很神圣，可能感觉比人类社会的宗教感还强烈，甚至会让人类觉得惭愧，但同时又带着一种欢愉的东西，一种神秘的东西，它也来自于几千年来人们对猫的揣测、认识，神秘、信仰的东西都在里面了，看的时候会觉得很真切，但又不会太直白。所以，一场戏就是一个社会的缩影，一个猫群就是一个人类的缩影。
英国有史以来最成功、连续公演最久的音乐剧。打破了百老汇连续公演最久而且也次数最多的记录，也是美国最长的巡回演出剧目。 1981年荣获伦敦晚会权威奖、奥利弗奖，1982年荣获百老汇的七项托尼奖。 《猫》剧自1981年于伦敦西区剧院（West End Theatre）首演以来，至今已有17年历史，期间曾于美、日、法、德等国公演，都造成空前的轰动，往往一票难求，现在仍是纽约百老汇最长青、卖座最好的剧码、无庸置疑是韦伯最受欢迎音乐剧作之一。 《警》剧改编自诗人艾略特的诗集(OLD POSSUM'S OF PRACTICAL CATS)。韦伯发挥独特的想像力，将艾略特诗集中猫世界作了可爱又俏皮的诠译。 韦伯完美的音乐功功力巧妙融合古典、爵士及摇滚乐，动人地呈现剧中角色的情感与性格。 本剧自年于伦敦首演以来，至今仍是伦敦及纽约百老汇最卖座的音乐剧。 此外本剧更是年音乐剧东尼奖七项大奖包括最佳音乐剧，最佳音乐剧主题曲得主，是一出活泼有趣更引人入胜的绝佳剧作。经典情歌[回忆]（Memory）即源于此剧。