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艺术设计是一种通过物质表达精神的创作手段,是一个能衍生和追溯到多方面的专业集群,也是一种现代化的技术行业。下面是我为大家整理的艺术设计博士论文，供大家参考。

【摘要】

剪纸艺术是中国传统民间艺术的突出代表，具有象征性、平面化、装饰性、符号化等特征。在现代艺术设计中有效融进传统剪纸艺术，既可以保持艺术设计的历史特性，传承中华优秀 传统 文化 ，又使得艺术设计在表现形式与构成手法上避免了简单、肤浅和粗糙，实现了功能需求满足和精神价值的有效统一，使现代艺术设计更具有欣赏价值。本文，笔者综合分析剪纸艺术对现代艺术设计的影响，并为如何在现代艺术设计中融进剪纸艺术提供若干参考建议。

【关键词】剪纸艺术 现代设计 艺术特征

中国剪纸集中反映了我国各族人民辛勤劳作的过程，是人们长期实践积累而成的艺术精粹。剪纸艺术活泼生动的表现形式背后包含着民族的情感气质、群体意识及习俗心理，突出反映了中华民族生存的智慧与纯粹的情感。

一、传统剪纸艺术在现代设计中的应用

首先，传统剪纸艺术被广泛应用于平面设计中，通过对传统图形或一些极具民族色彩的元素进行提炼、改造，使视觉语言得到不断的拓展和丰富。可以说，剪纸艺术在现代设计中的独特表现力不可复制。如，一些动画片造型、影视节目布景、 广告 招贴、插图漫画、印刷包装、书籍装帧等平面设计的领域中就活跃着剪纸艺术的影子。其次，一些雕塑设计之中也不难窥见传统的剪纸艺术元素，增加了雕塑的艺术感染力。由于剪纸艺术自身具备着地方历史文化、时代特色、民俗特色等层面内容，可以有效拓展现代艺术设计领域，并丰富了艺术设计者的艺术表现形式。再者，剪纸艺术丰富了服装设计的形式及内涵。现代人在进行服饰设计过程中。不忘加进一些传统元素，以保证设计既与传统一脉相承，又能做到与时俱进。如，剪纸艺术的传统气质就得到了设计师的青睐，因而市场上很多的衣服、鞋包、被单等图案、花色等满目琳琅，应有尽有，这些图案及花色上均不难窥见剪纸艺术的踪影。因此，剪纸艺术在服装领域得到了广泛的应用或借鉴。

二、现代设计对传统剪纸艺术的创新应用

1.有机结合剪纸功能与特征。

现代设计形式繁多、内容丰富，涉及了产品设计、视觉传达设计、服装设计、环境艺术设计等领域。随着社会的不断发展进步，现代人的审美标准越来越高，传统简单的、视觉的设计已经不能满足人们的审美需要，基于此，辅以现代设计历史内涵和精神灵魂意义重大。因此，现代人在进行设计时，应该传承剪纸艺术的特征，保证其功能性，在此基础上根据人们的个性化需求，针对性变换剪纸艺术的构成手法及表现形式，有机结合剪纸功能与特征。

2.实现“传统性”和“时代性”有效统一。

随着信息化、数字化进程的不断加快，如何在继承和发扬优秀传统的基础上实现开拓、创新是摆在现代设计师面前的一个重要课题。剪纸艺术传统的艺术表现形式如何为现代人欣赏与接纳，并有效渗透到现代人的生活之中，是值得思考的一道难题。纵观世界艺术发展史，我们不难看出，无论是毕加索，还是马蒂斯都曾经尝试着将中国的这种民间传统剪纸艺术渗透到艺术创作过程中。因此，剪纸艺术的魅力及价值是无可替代的。现代设计师要保全这一份艺术精髓，必须发挥丰富的 想象力 、培养创新精神、捕捉创作灵感，使得中国传统的剪纸艺术以一种更为恰当的姿态存在于现代艺术设计之中。

3.运用和发扬剪纸艺术语言。

无论在哪种设计中融进剪纸元素，都应该对剪纸艺术语言保持一种尊重的态度。通过刀工长短、大小、曲直、粗细、疏密、顿挫、刚柔及参差变化等，将剪纸的生态美、朴素美形象生动地表现出来。相反，粗细均匀、整齐划一的现代数字化有时则表现得不伦不类。此外，现代设计在融合剪纸艺术过程中，也可以通过运用变形、夸张等手法将剪纸艺术语言有趣地展现出来，保证文化内涵的象征性、符号化。在设计过程中，剪纸元素的文化意境只有通过语义学、符号学角度去表现才能称得上真正意义上的好设计。避免单纯运用形似元素，有效展现深厚文化底蕴值得深究。

4.创新与发展传统剪纸艺术。

现代设计在继承和发扬传统剪纸艺术的基础上，应该积极进行剪纸艺术的发展与创新，发展方式应该尽量多样化。设计师在选择材质和颜色的时候，应该选择色彩鲜明的彩色剪纸制作现代剪纸画，在设计过程中，避免受传统剪纸模式的局限，坚持选用质地坚硬、寿命较长、厚度较大的艺术纸。以现代科技为支撑，保证制作出来的剪纸画具有独特磁性，可进行重复粘贴，这样就跟现代人生活需求较为接近。剪纸是现代设计不可或缺的一种元素，可以辅助设计出多维、立体、灵活的作品。以艺术家夏阳品为例，夏阳进行长期的海外创作，而其本身偏爱中国文化传统，因而他巧妙借助西方媒介，将中国民间艺术和艺术精神生动、全面地演绎出来，两者的有效协调，不仅体现了深厚的文化底蕴，还富含现代感。他将剪纸元素穿插拼贴到文人的画作构图之中，绚丽多彩的形式之下却保持着质朴天真的本性。

三、结束语

剪纸艺术与现代设计应该相辅相成，剪纸技术的渗透可以保全现代设计艺术的文化底蕴和传统特色，而现代设计的发展和创新，又促使剪纸艺术的发扬与传承。因此，加强剪纸艺术在现代设计中的应用意义重大。

参考文献：

[1]吴俊,丁倩倩.剪纸艺术在礼服中的应用[J].轻纺工业与技术,2012:03.

[2]胡梅芳.民族服饰要素与创意[M].重庆:西南师范大学出版社,2002:57-62.

[3]易心,林曦.民间剪纸艺术图形的象征意义及其造型规律[J].浙江工业大学学报(社会科学版),2003:02.

[内容摘要]本文对目前高校艺术设计专业设计素描教学的现状进行分析，针对存在的问题提出了三个方面的改革 措施 。力求通过对传统的教学模式进行改革和创新，建立更能适应不同的设计专业发展需要的专业素描体系，为学生后期的专业学习与提高设计专业能力奠定良好的知识、技能和思维基础。

[关键词]艺术设计;设计素描;教学模式; 教学 方法 ;改革;创新

一、高校艺术设计专业的设计素描教学现状

1.师资队伍结构不合理

由于专业发展太快而导致师资队伍出现了严重的问题，致使大量既无学校教学 经验 又无企业实践经验的高校应届 毕业 的研究生一毕业就直接进入高校进行一线教学工作，他们以书本知识直接去面对新进入高校的专科学生或本科学生，结果就可想而知了。

2.教学模式单一，教学改革滞后

在相当长一个阶段，设计素描教学无一例外地选择了与平面构成和图形创意联系非常密切的构成性和创意性的设计素描形式，但这种单一的设计素描教学形式并不适合每一个设计类的设计基础教学。众所周知，早在20世纪80年代后期就已经对绘画艺术的素描形式进行了改革，创造了针对 国画 、油画、版画等不同绘画形式的不同素描方法，且取得了非常明显的教学效果。在设计类专业出现的初期，无一例外的沿用了绘画素描的方式来训练学生的设计基础，来解决设计中的基本造型、基本结构和空间等在设计中要运用的基本要领和元素，在很长的一段时间里这种教学模式无可厚非地对当时的设计教学起到了非常积极的作用。然而进入21世纪后，随着整个社会各方面的飞速发展，艺术设计类专业的日新月异，专业分工也越来越细，这么多的设计门类和设计专业还是采用以往的单一的设计素描教学形式显然是行不通的，这种忽视了设计学科不同专业的指向性的教学形式并不适合每一个设计专业。正如在 体育运动 中体能训练和力量训练只是所有的体育项目的通识基础，每个门类的运动还有自己这个项目的特色基础训练，如 篮球 需要练习运球投篮， 足球 需要练习颠球、射门等。由此笔者提出，当今每一个不同的设计门类必须要建立一套与之相适应的设计素描教学体系，在这里我们权且称之为专业素描，也就是逐步与每个专业密切相连的专业设计素描。例如我们已经建立起的影视动画卡通艺术的卡通素描等。

3.教学方法陈旧，学生的 创新思维 能力差

我国素描教学长期以来一直沿袭俄罗斯体系与欧洲传统学院派的传统的教学方法，使学生掌握技法，强化造型能力，却缺少创造环节，这种教学方式在一定程度上制约了设计类专业学生的想象力。设计素描较传统素描而言，其主要任务不再是再现客观对象，而是发现和表现对象。对于设计师来说，丰富的想象力与创造力远比娴熟的技艺更重要。目前国内一些设计类院校已做了一系列调整，提出设计素描的命题，但大多数设计素描的教学仍沿袭传统素描的教学模式，没有和设计类专业的专业特点相结合来开发学生设计思维。

二、设计素描教学改革的措施

笔者就艺术设计的设计基础 教育 中设计素描的教学内容早在2007年就提出来必须进行改革，经过多年的教学实践 总结 ，笔者今天再次提出：现在大多数高校设计素描教学内容只具有一种通识性，而缺乏与每个设计类专业相匹配的设计素描教学内容，因此必须建立适用于不同设计专业门类的专业设计素描教学体系。那么怎么通过专业特点来建立与之相适应的专业设计素描呢?这是我们从事设计基础教学的老师必须解决的问题。

1.建立一门通识性的基础素描课程支撑后续的专业设计素描

设计素描教学应从自然到素描，然后再进入设计的连续的整体，在实际的教学中应对自然与素描的型及设计因素做专门系统的研究，着重培养学生准确的造型能力与丰富的空间思维能力，使基础与专业接轨，环环相扣，由浅入深、由易到难、递进式地进行教学。

2.创建与专业教学相对应的多元化专业素描教学体系和教学环境

各个不同类型的艺术设计专业还必须建立一套与自己这个设计学科相适应的专业设计素描，着重训练学生与自己所修专业的基础性的内容。虽然这类专业素描的训练有可能与某些课程相交叉或重合，但是建立一套与各个门类艺术设计专业相适应的专业素描体系已刻不容缓。艺术的多元化发展需要教学多元化，更须注重艺术实践教学环节。例如产品造型设计的专业设计素描可以多采取以结构造型为主的素描训练形式;视觉传达和广告设计专业可用以创意素描为主题的训练形式;室内空间设计则应以大量的研究透视和装饰性的设计素描为教学方向;园林景观设计可以大量地进行自然风景和人文景观素描为设计素描教学主题。这类教学不一定非要在室内完成，可以把课堂搬到大自然中去，加强学生对自然环境和人文景观的描绘。家具设计专业除了研究传统的装饰素描外，还要让学生更多地研究物体的构成结构、结构的隼接等方面。

3.着力加强创新能力的培养与训练

设计素描教学应以“为设计服务，为人服务”为出发点，结合不同艺术设计专业所需的思维、观察能力与表现方法，运用循序渐进的教学方法有针对性地强化学生创造能力训练，采用多种方法、多种思维将设计意识与创新能力融入训练过程中。在教学中应让学生在全面了解形体、结构、空间、材料等基本特征的基础上，培养学生研究素描本体形式语言、审美表现，以及从视觉特征、效果、传达的感受认知中探寻自我个性的追求和探索的能力;同时通过创作实践活动开发学生设计思维，提高学生的想象能力和创造能力。

三、结语

总之，高校设计基础课教师在设计素描教学中要结合各专业的特点对传统的教学模式进行改革和创新，坚持以设计观念为指导，不断实践和总结经验，建立更能适应不同的设计专业发展需要的专业素描教学体系，着力培养学生的想象能力和创造能力，为学生后期的专业学习与提高设计专业能力奠定良好的知识、技能和思维基础。

参考文献:

1.王中义,许江.从素描走向设计.中国美术学院出版社,2002

2.林家阳,冯俊熙.设计素描.高等教育出版社,2005

3.刘源.从设计的角度学习素描.中国农业出版社,2009

4.李富莉.设计素描教学现状分析与教学探索.大众文艺,

5.刘树龙.设计素描课程教学现状及其改革刍议.新西部：下旬•理论,

6.罗琴.优化设计素描教学方法与手段的若干思考.文艺生活：中旬刊,

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从立体主义和未来主义到至上主义。 以往艺术家处于一个屈从的地位，画家记录、启发、美化，观众评判、被取悦；之后画家地位提升，画家希望观众置身于想象之中，如同聆听音乐一般（抽象主义）；之后艺术家开始对观众有了要求，艺术变成了由艺术家制定规则的智力游戏。 一、未来主义：快进，1909-1919 当马奈在他的画中，比如《喝苦艾酒的人》，去除形象化的细节时，其实已经开启了抽象艺术之门。随后，每一代艺术家去掉更多的视觉信息以捕获富有情调的光线（印象派），强调色彩的情感特质（野兽派），或从多重角度观察某一题材（立体主义）。第二篇文章说，立体主义是从多角度观察单个事物。在立体主义多视点的基础上加上了表现速度和时间的因素，这便迎来了未来主义。也就是，未来主义是加速了的立体主义。 那些勾起未来技术革新幻想的事物，被简单地称为“未来主义的”。从主题上说，立体主义单单为艺术，而未来主义想要激起真真切切的情感反应，为政治发声，从此艺术和政治扯上了关系。 未来主义雕塑和绘画在很大程度上要归功于立体主义在技法和构图上的创新。两者都将时间和空间毁坏，然后融进一个形象里，采用了相似的重叠技巧和断裂的平面来创造效果。不过立体主义者认为他们艺术的主题就是艺术，而未来主义者则期望激起真真切切的情感反应，他们想要发出政治声明，并在所描绘的真实世界的物体之间造成一种动态的张力。 未来主义将一段时间里发生的事都呈现于同一画面中，情节丰富，时间压缩，这种技巧被未来主义者概括为：同时性。 意大利艺术家薄尼丘的三联画《心境》：《告别》正像你所预期的那样，旅客在一列正在离开的火车上招手；《离开的人》描绘的是将要登上火车的人，薄丘尼形容他们被“孤独、悲伤和令人茫然失措的困惑”所折磨；《留下的人》则表现了在那些留下的人中间弥漫的深刻忧郁。 未来主义者打破了巴黎对现代艺术发展的牢固控制，从1912年开始，世界上各座城市都谱写着艺术史的新篇章，它们对立体—未来主义作出各自的回应，彼此间平起平坐。 爱泼斯坦说，他在“1913年战前充满试验性的日子里”创造了以下这件作品，“被自己对机械的激情所燃烧……这就是今天和未来的样子：全副武装，险恶不祥”。未来主义不可避免地与法西斯主义联系在一起。 二、康定斯基／俄耳浦斯主义／青骑士：音乐之声，1910-1914 艺术的发展是不断的去除细节来表达情感、揭开生活隐秘真相，这一不断去除的过程似乎最终将不可避免地导致所有细节的消失和抽象艺术来临。画家和雕塑家热切而不懈追求新的自由和自我赋予的天马行空的权利，简化题材、扭曲其面部特征、将其身体剁碎变成几何形状的拼缀物，打着“艺术进步”的旗号。 艺术家不再以物质，而是以颜色作为表现对象。此外，音乐对艺术和生活的影响如影随形，艺术家创造出一种视觉“音景”：可以让观者听到色彩“内在之声”的油画。艺术家康定斯基追求的是一种“总体艺术品”，以音乐象征的方式，让观看者去聆听画作。 下图《印象3》。画面右上方一大块三角形的黑色颜料代表三角钢琴，它的魅力吸引着热情洋溢的听众——站在左下角——越靠越近。钢琴和听众构成一条将画面分为两部分的对角线。其一侧是大片生气勃勃的黄色，代表着钢琴发出的美妙声音。另一侧则朦胧得多。它的颜色不那么浓重，大量的白色与紫、蓝、橙、黄混合在一起。它或许暗示着什么，但你很难说清到底是什么。 康定斯基断然拒绝提供任何可指向已知事物的提示，挫败了人们尝试解读图像的天然倾向。这使得对此画的研究既令人兴奋，又令人精疲力竭。就它想要达到的效果而言，它显然成功了：你确实开始“聆听”画作。 作曲系列包括《作曲7》是康定斯基的生涯顶峰，是一副可以与交响乐比肩的抽象作品。没有给观众留下任何的视觉线索，要求我们直面画作本身。 艺术不是为了“再现可见的事物，而是使得（生活）成为可见的事物”。音乐作为艺术的主题已是抽象之旅的终点。 三、至上主义／构成主义：俄国人，1915-1925 至上主义，它是一种纯粹抽象的形式，一种彻底非描述性的绘画风格。它将所有视觉线索都去掉了，这样观众就可以享受非客观的体验……纯粹感觉的至高无上。至上主义的理论和创作对同时期的 构成主义 、以及欧洲的抽象绘画产生了重要的影响，它之所以重要，在于令人产生的感觉，而不是客观的事物或环境。 至上主义是一种强调基本几何形（如圆、方、线条等）。马列维奇的《黑色正方形》看起来或许简单，但作者的意图却很复杂。他希望人们认真研读《黑色正方形》，去思考白色边界和黑色中心之间的关系与平衡：享受颜料的质地，感觉一种颜色的轻盈和另一种颜色的厚重。他甚至希望这个极端静止的图像里所包含的种种“张力”能带给人们活力和运动的感觉。去除芜杂，简化形状，精简颜色，专注于形式的纯洁性。我们不禁感到，简约的外表其实是智慧、深思、现代性和精密性的象征。 在以往历史中，艺术家处于屈从的地位。画家和雕塑家记录、启发和美化着什么，描绘已知世界来取悦我们或激发我们的兴趣；康定斯基的抽象画要求双方各让一步，他会画一幅惹人喜爱、充满生气的作品，但期望我们能抵制住将色彩转化成已知物体或主题的诱惑，反将自己置身于一个想象中的世界，就像听音乐时的那样；马列维奇颠覆艺术家与观众间传统关系的结果，艺术家对观众要求很高。 这幅画对整个视觉艺术有着深远影响，创造性、真实性、稀有性——将这3个元素综合起来，你就明白为何马列维奇的《黑色正方形》价值百万美元而你我的卖不出这个价。 马列维奇的至上主义和塔特林的构成主义。塔特林认为：苏联艺术应该有明确的目标——为人民和政权的需要服务。塔特林的《角落的反浮雕》意在引起人们对于作品构造、材料本性及其体积，以及它们所占据的空间的关注。和毕加索不同，他不怎么通过绘画或准备工作来改变所用的零碎材料，也不会把它们构造成某些形态，使人们相信它们象征着什么。虽然塔特林比马列维奇更为实际，但两人的非客观艺术有许多相同的关注点：空间中的物体，违抗重力规则，质地，重量，张力，格调和平衡。 只有一种颜色的画《纯红、纯黄和纯蓝》，罗琴科说，他那些整幅的单色作品没有象征含义。伊夫·克莱因却称他的单色画比他说的丰富得多，具有神秘的情感深度和精神深度。 1921年，罗琴科正式宣布构成主义的到来。他们抛弃了艺术，投身创造有用之物的事业，变成了设计师。他们设计海报、字体、书籍、布料、家具、建筑、戏剧布景、壁纸和日用品，产量颇丰。这些看起来微不足道的形状，若以某种平衡而富有技巧的方式组织在一起，的确能激起观众的情感反应。 马列维奇、塔特林、罗琴科、波波娃和利西茨基是出色的预言家，是最早的纯粹抽象艺术的先锋。

在西方现代艺术史中"文化际"是比"国际"更为重要的概念，因为在20世纪的西方虽然有民族传统、国民性格和国家精神的区别，但是作为一个现代性的整体，其一致的方面占较大的比重，而西方文化之外的文化如非洲、阿拉伯、东亚和南美、南太平洋文化，或主流文化之外的亚文化如同性恋文化、迷信文化、地域文化、疾病文化，它们与西方主流文化之间的交流和冲突，构成了西方现代艺术发展的重要规律。即"文化际"的冲突在某些方面造就了现代艺术的创始。 "交流"无论在文化际，或者在国际、派际、人际之间都不是追求同一的过程，这也是西方现代艺术史中关于交流的特别的性质。首先，交流的双方（或多方）是对对方的主动误取的过程，也就是交流者出于自我创造和改善的需要而吸收他文化的因素。这与中国20世纪美术的"出门与回归"的被迫性交流有根本的不同（见本书第八卷导论）。虽然被迫性交流也是主动误取的过程，但其目的是为迎合已被西方先行确定的标准和"走向世界"。 西方现代艺术中各流派之间，各现象之间常常有着根本的绝对冲突，也就是如果接受这一种艺术，就是以否定另一种艺术为前提的，不可两全。所以对西方现代艺术史的整体叙述包括了对互为排斥，互为抵消的不同现象的解释。这些解释并列在一起往往是互相矛盾的，那不是研究者的疏忽，而是一种事实，这就必须运用"不理解原则"。在此原则，由于研究者的自我立场，也会不可避免地误解、主动误取和不理解自己叙述的对象。尽管我们对历史和科学充满信心，但是历史一旦为人所解释，就带有作者的私见，所以人们需要同一专题的不同的历史，而且不断重写历史。20世纪西方现代艺术史是一个他文化的历史，但是这种文化对20世纪中国和新世纪的中国的必然的影响，使我们对它的研究成为一种责任。