油墨配色毕业论文

绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文

印刷过程中对油墨颜色的调配心得体会—在印刷过程中，无论是何种方式印刷，也无论多色还是单色印刷，印刷前遇到的首要问题就是油墨颜色调配，使之适应被印产品的需要，因而，经常要进行油墨颜色的选择与调配。无论多么鲜艳的油墨，如果操作者不懂一些油墨性能和配色知识，混合出来的油墨也无法达到满意的外观和应有的质量水平。为此，本文想介绍一些调色方法，以供参考。 一、配色原理任何一个彩色均由色相、明度和饱和度三个特性表示，因而在配色过程中必须考虑上述三个因素。尽管理论上说黑色是光线的完全吸收，但黑墨仍然具有光泽。油墨是颜料（色粉）与树脂连结料研磨而成的，颜料的粒子周围包裹着一层近乎透明的树脂油，这层树脂油对光线具有折射及反射作用，因而我们能感觉到黑墨印刷在基材上仍然具有一定的光泽。在油墨配色过程中，要根据实际印刷工艺、墨层厚度、印刷基材等条件来决定所用油墨。在选择油墨时，要考虑油墨本身光泽、色相、着色力、遮盖力。1．光泽光泽既可以用仪器测量，亦可以凭肉眼判断，通常在配色过程中仅凭肉眼观察。光泽实际上指的是油墨印刷样受光照射后向同一个方向反射光线的能力大小的程度。其直接影响印刷品外观，是一个非常重要的指标。同时，在选择油墨时，要分清油墨本身是亮光、半光还是哑光型油墨，避免混合错误。2．色相是颜色的基本特征，用于质的区别，配色时，首先要考虑色相是否一致，其检测方法通常是通过刮样纸刮色或者进行模拟印刷，凭人的眼睛对标准样和试样进行观察比较。3．遮盖力是油墨遮盖其底色的程度。遮盖力越好则其透明度越差，透明度高低影响着油墨套色的效率及受印刷基材影响的程度。4．着色力是表示油墨浓度高低的一种方法。其测定是以一定量的油墨再加入一定倍数量的标准白油墨冲淡混合后，再行与标准样比较的方法。差色力强弱反映该墨混色程度，影响着印刷墨膜厚度。通过颜色鉴定刮色纸做刮色试验（Drowdown）可以比较油墨试样与标准样在光泽、色相、遮盖力三个方面的差异。具体方法：在鉴定纸左上角放标准油墨，右上角放配色油墨，两者之间大约相距一厘米左右，用刮刀在与刮色纸近乎垂直的角度用力展平薄敷部分和以倾斜角度轻力快速展开厚敷部分。待油墨表面干燥后，可以薄敷部分观察油墨色相，在黑带部分鉴定油墨遮盖力、透明度，在厚敷部分判断两者之间光泽的差别并观察整个颜色外观。通常黑色及彩色油墨采用白刮色纸，而白墨则采用黑刮色纸。二、油墨配色时应注意的问题1．仔细观察色样，特别注意观察被印基材，从基材粗糙与光滑、反射程度来选择油墨。例如，油墨印刷在光滑、反光极强的铝板或易拉罐上，选择透明性高的油墨，将有助于大大增强油墨的金属光泽。2．选择配色所需的油墨时，尽可能避免混合过多油墨，尽量使用接近于标准色及由单一颜料制成的油墨。配色使用色墨越多、离标准色越远，则亮度越差，混合出来的颜色哑光程度越高，不可能借配色来调制原色。3．要特别注意油墨着色力。如果所选用油墨浓度不够高，不论怎样拼配，也无法达到标准颜色浓度。4．需要加入白、黑墨时，应特别注电所加入的分量及称量的准确性。在所有油墨中，白墨的遮盖力特强，加入过多，不但会冲淡颜色，同时也会阻止底材反光程度。不过，对于印刷凹凸不平基材如尼龙布、纸板时，为了保证印品外观，最好印刷一层作为底色的白色。由于黑墨的着色力特强，稍不慎加入过多，就需要加入相当多其它色墨来调整颜色，造成浪费，因此需特别注意。5．制作淡色油墨时，应从墨膜透光程度判断其应加入多少白墨或者调墨油（冲淡剂）进行调色。绝对不允许把溶剂（稀释水）用于冲淡颜色。溶剂加入过多，不但会影响印刷性能，而且会破坏油墨结构，造成颜料与树脂油分离，出现沉淀或者大大地降低油墨光泽。6．提高印刷墨膜光泽方法（1）在颜色浓度允许范围内加入适量调墨油。（2）在印刷墨膜表面涂一层罩光油或者调墨油。（3）增加油墨透明度，如选用高透明度的高油墨或者加入适量调墨油，利用光滑、反射力强基材的反射增加光泽。（4）防止基材表面吸附，合理改进基材印刷面的光滑程度。（5）注意印刷环境的温度、湿度。在湿度高、温度低的情况下，进行塑料凹版印刷时，由于溶剂挥发速度快（通常1分钟内墨膜表面就已干燥），吸收墨膜周围热量而造成该处空气中水蒸汽急剧冷凝，使印刷墨膜表面形成雾气，致使墨层失去光泽。在梅雨季节中，要特别注意控制印刷环境的温度与湿度，保证良好的印刷效果。7．荧光油墨不能与大量非荧光油墨进行混合配色，否则会失去油墨荧光效果。三、特殊颜色制作1．金、银墨制作：采用调墨油加入适量金粉、银粉搅拌均匀即成，要注意选择合适细度的金粉及银粉，同时也要选择适应该印刷基材的调墨油，并应在印刷时再配制，以防止该墨因放置时间过长而出现沉淀及分层。金墨也可使用银粉、透明黄色和调墨油进行混合制作。2．珠光油墨：珠光颜料与合适比例的高透明性油墨或调墨油混合均匀即成。油墨的遮盖力强，很可能会丧失珠光效果。3．夜光油墨：油墨具有吸收光能后在一定时期内再放光的效果，因而往往能在夜晚发光，故称为夜光油墨或者磷光油墨。通常将夜光颜料分散在透明性高的调墨油中，搅拌均匀即可。以上各种油墨都不能研磨，金墨、银墨研磨会损坏研磨设备，珠光、夜光油墨研磨会破坏表面或晶体结构，丧失应有的效果。

关于彩报、海报设计用色的几个问题。近年来，我国报业发展迅猛，呈现出前所未有的勃勃生机。报纸数量雨后春笋般增多引发了激烈的市场竞争，而五彩缤纷的彩色报纸更形成一道亮丽的风景线。进入读图时代，彩报以其艳丽的色彩、清晰的图片和新颖的内容，赢得了读者的青睐。然而，由于科技的进步、竞争的必然和读者审美的要求，彩报普及的速度之快让人始料不及，匆匆出笼的彩报并非都尽如人意。许多报纸虽然运用了色彩手段，却不一定能达到办报者所期望的客观效果，不少彩报存在色彩运用上的种种问题，归纳起来，不外乎四个方面： 一、色彩单一，缺少对比 二、不分主次，没有调子 三、纯度过高，缺少层次 四、用色不当，色不表意 造成目前彩报用色问题的原因有许多，主要有以下几点：一是编辑和电脑操作者缺少专业的色彩知识，其业务素质有待进一步提高；二是具有色彩学专业知识的美术编辑没有发挥重要作用，出版环节存在美编与岗位需要之间的脱节现象；三是从业者对色彩手段认识和重视不够，认为只要根据自己的喜好标上色彩，就是彩报了，即使用色不当，也不会被认定为差错。这就难免造成报纸的一般化和色彩的低俗化。 如何运用色彩为报纸服务，是当前摆在报人面前的一个重要课题，从业者需要掌握一定的色彩专业知识，而美术编辑便可发挥更好的作用，可以用美编的专业知识武装及培训电脑操作人员和组版编辑。也就是说，在彩报出版过程中，美编可以发挥举足轻重的作用。这方面曾获得全国彩报评比第二名的《郑州晚报》就是一例。 彩报用色，即印刷色彩通常为四色：红、黄、蓝、黑，也就是三原色加黑色。三原色混合可产生间色（两色混合）、复色（三色混合），加上黑色混合，可产生千变万化的色彩效果。一种色彩单独使用是一种效果，同其他色彩并置在一起使用又是一种效果，这叫做色彩的对比效应。对比可有色相对比、明度对比、纯度对比、冷暖对比四种，色彩的环境不同，视觉效果就不同。色彩还有同种色与对比色之分，冷色与暖色之分，深色与浅色之分等等。作为彩报从业者，要掌握色彩的基础知识和基本规律，并成功地运用到工作实践中，只有这样，所出的彩报才能真正受到读者的喜爱和认可。 下面介绍一下各色彩的运用： 色彩是人的视觉最敏感的东西。主页的色彩处理得好，可以锦上添花，达到事半功倍的效果。色彩总的应用原则应该是"总体协调，局部对比"，也就是：主页的整体色彩效果应该是和谐的，只有局部的、小范围的地方可以有一些强烈色彩的对比。在色彩的运用上，可以根据主页内容的需要，分别采用不同的主色调。因为色彩具有象征性，例如：嫩绿色、翠绿色、金黄色、灰褐色就可以分别象征着春、夏、秋、冬。其次还有职业的标志色，例如：军警的橄榄绿，医疗卫生的白色等。色彩还具有明显的心理感觉，例如冷、暖的感觉，进、退的效果等。另外，色彩还有民族性，各个民族由于环境、文化、传统等因素的影响，对于色彩的喜好也存在着较大的差异。充分运用色彩的这些特性，可以使我们的主页具有深刻的艺术内涵，从而提升主页的文化品位。下面介绍几种常用的配色方案： 1.暖色调。即红色、橙色、黄色、赭色等色彩的搭配。这种色调的运用，可使主页呈现温馨、和煦、热情的氛围。 2.冷色调。即青色、绿色、紫色等色彩的搭配。这种色调的运用，可使主页呈现宁静、清凉、高雅的氛围。 3.对比色调。即把色性完全相反的色彩搭配在同一个空间里。例如：红与绿、黄与紫、橙与蓝等。这种色彩的搭配，可以产生强烈的视觉效果，给人亮丽、鲜艳、喜庆的感觉。当然，对比色调如果用得不好，会适得其反，产生俗气、刺眼的不良效果。这就要把握"大调和，小对比"这一个重要原则，即总体的色调应该是统一和谐的，局部的地方可以有一些小的强烈对比。 最后，还要考虑主页底色（背景色）的深、浅，这里借用摄影中的一个术语，就是"高调"和"低调"。底色浅的称为高调；底色深的称为低调。底色深，文字的颜色就要浅，以深色的背景衬托浅色的内容（文字或图片）；反之，底色淡的，文字的颜色就要深些，以浅色的背景衬托深色的内容（文字或图片）。这种深浅的变化在色彩学中称为"明度变化"。有些主页，底色是黑的，但文字也选用了较深的色彩，由于色彩的明度比较接近，读者在阅览时，眼睛就会感觉很吃力，影响了阅读效果。当然，色彩的明度也不能变化太大，否则屏幕上的亮度反差太强，同样也会使读者的眼睛受不了。 总之，用色是一种手段，又是一门艺术，需要从业者不断探索总结才能取悦读者，也只有这样，才能在激烈的市场竞争中使自己的立于不败之地。

1.色卡与用户确定的颜色有差别因为目前所用的色卡和配色系统是由胶印系统提供的，因此，当丝印过程 中印刷参数的变化会引起颜色的变化，故仍需微调处理，其油墨的着墨量影响到配墨颜色。油墨的着墨按平印、凹印、凸印、丝印的顺序逐渐增加，如下表，所以在三原色加网印刷的油墨是非常不好印的，因为丝印过程中的每一个变量都影响到墨层厚度，从而影响到印刷品的颜色。 几种印刷方式的油墨厚度及转移率 印刷方式平均墨层厚度（U）转移率（％） 平印0．7～1．430～50 凹印～50 凸印～60 丝印～10090～100 2．颜色的外观 颜色的外观受透射率、反射率、同分异物现象（即在同光源下两种颜色非常匹配，而在另外一种光源下却不匹配的现象）、观察条件、照明、墨层厚度、油墨的不透明度、叠印、承印物性质等变量的影响。 3．承印物的影响 承印物的表面光洁度、处理、吸墨性和表面颜色等。 4.墨层厚度 墨厚会引起颜色变化。墨厚受丝网网丝的直径、绷网张力、网版类型和厚度的影响较大，另外，胶刮外形及硬度、刮压力、刮压速度、刮印角度、网距、复墨板的压力、速度、外形和印刷机类型的不同，其墨厚度也不同。 5．网板张力及其他因素的变化引起色相的变化 6．光源和观察条件的标准化 具有专门光源的观察室。通过光谱仪，可测出每种颜色都有自己的光谱曲线。 7．色差：即不同颜色有不同的色差，可以通过光谱检测仪测出。人眼能分辨的色差为1DE，计算机输出的样品色差为2DE，黄颜色它与目标色之间有3DE，而灰色与它的目标色之间只能有才可接受。 8.当含色量为100％时的油墨，三原色有各自不同网目，网印最高色密度具体部分为：黄（Y）200～240目网、品红（M）200～240目网、青色（C）180～200目网，因为三原色照理是不能采用同一目数的丝网的，会使色强度损失，为此解决的方法有两个： （1）采用各自目数的丝网； （2）采用同一目数丝网时，必须注意增减色墨，从而达到复制原稿的颜色。 9．调配专色油墨数量准确。如果油墨调配过多，剩余墨就造成浪费，如果太少不够用，就需要再度调配，如遇到复杂色彩，第二次和第一次调配的油墨很难完全一样，这样对产品质量就有影响，一般调配时应略微多于实际用量，而实际印刷用量主要从印刷图之面积的多少、印刷数量的多少、油墨的厚薄等几个方面来考虑。 由以上讨论的内容可知，配色不是简单地把几个颜色混合在一起，而是一个复杂的技术工程，只有掌握丝网印刷工艺和配色原理，才能配好油墨颜色