论文答辩浮世绘

浅谈浮世绘艺术

江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。以下是我为大家整理的论文范文，希望能帮到大家，更多内容请浏览()。

摘要：浮世绘为日本的风俗画、版画。是江户时代日本市民文化兴起后，形成的一种具有民族特色的艺术风格画。日本浮世绘在亚洲和世界艺术宝库中呈现出特异的色调与风姿。本文将以描述浮世绘各个时期几位重要大师的创作风格、艺术表达方式甚至创作“偏好”及艺术成就为脉络，分析浮世绘的创作特色。

关键词：浮世绘;中国画;中国风俗版画

一、浮世绘小介

浮世绘为日本风俗画、版画。为日本江户时代(1603-1867)，即德川幕府时代兴起的一种民族特色艺术风格。是典型的世俗风格艺术。主要描绘人们的日常生活：风景、演剧、艺伎等。浮世绘常被认为专指彩色印刷的木版画(日语称为锦绘)，即浮世绘;此名称的由来是因为其内容最初主要描绘“浮世”的歌舞伎和花街柳巷。除版画外，浮世绘也有手绘作品，浮世绘的早期就是“肉笔浮世绘时期”即画者用手描绘画作的时期。浮世绘历经300多年，影响深及欧亚各地;19世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师也无不受此画风启发。

二、浮世绘的发展

江户时代为日本封建社会的晚期，它与我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市中先产生“町人文化”(市民文化)。浮世绘的初期称作“肉笔浮世绘”，是画家用笔墨色彩所做的表达人们日常生活的风俗画，因此这个画派的开始就有“装饰性”。浮世绘最初盛行于京都和大阪，由于市民文化迅速发展，需求量扩大，需要大量印制，降低陈本，易于购买，以供需求，于是浮世绘开始由“肉笔浮世绘”阶段进入“版画浮世绘”阶段。这一时期作者云起，“版画浮世绘”的印刷技巧初为单纯的墨摺本，后发展为丹绘和漆绘;真正的套色版画在1643-1765前后出现。这一时期浮世绘的印刷技术达到高潮，代表日本民族在艺术上的高度成就。1)1670年，菱川师宣将单一墨色印刷的木版画售出，被称为浮世绘的“创始人”。起初，市场上仅有单一墨色印的画(墨摺绘)，但不久出现了“赤版”，以红色为主，再加印黄和绿。2)1750年左右，由于歌舞伎的繁盛，木板技术的进步，以及浮世画深受人们欢迎;以画美人画而闻名的大师铃木春信、鸟居清长、喜多川歌麿出现。其中铃木春信创造出了彩色印刷的浮世绘——“锦绘”。但这些人的作品没有个性，缺乏活力;往往暗示着那个颓废的社会。3)与喜多川歌麿同一时期出现的东洲斋写乐是描绘男性主体的高手。如果说喜多川歌麿是美人画的顶峰，那么役者绘的巨擘则非东洲斋写乐莫属。写乐第一次出版的浮世绘是1974年5月在江户的三个剧院为演员绘制的特写像。演员的头部及上半身突出于深银灰色的背景，他们的个性及所扮演角色的面貌与姿态都使人难以忘却，写乐以高超的敏感度捕捉到艺人的个性特征。他手下的作品，都是同样的强烈手法，同样的无情夸张而处理的。与浮世绘典雅精致或浮华艳丽的美完全相反。写乐的创作方式使人物从背景中剥离出来，这是前所未有的题材——肖像画。4)在人物和风俗的主体已近枯竭时，葛饰北斋和歌川广重(原名“安藤广重”)带来了新的主体内容——风景。葛饰北斋受到西洋铜版画的影响，立志风景画的创作，他在《富岳三十六景》中采用大胆的构图和色彩，受到观者的喜爱。此后，他在自己的浮世绘创作中描绘了各地的风景名胜。歌川广重在《北海道五十三次》系列画中以抒情的笔调描绘了日本的旅行者。他的名望甚至超过了北斋。歌川广重后期又创作了《木曾路六十九》等以日本各地为题材的系列画。

三、浮世绘最主要的创作题材

1)美人画：是以年轻美丽的女子为主要题材，是早期浮世绘最重要的创作主体。这些女子的.身份以艺伎、游女、和茶屋的招牌女郎为主。代表画家喜多川歌麿。2)役者绘：役者指著名的歌舞伎演员，与他们相关的浮世绘有肖像画和广告招贴画。代表画家东洲斋写乐。3)名所画：对名山大川和屋宇楼寰的描绘。用来满足当时无法迁徙和旅行的民众对花花世界的好奇心和渴望;偶尔也起到旅行指南的作用。代表画家歌川广重。

四、浮世绘的创作特色

1)由于浮世绘的创作方式以版画为主，因此其线条中的浓淡、粗细、宽窄变化甚微，均以色彩区分物体间的关系及作者情绪的变化。由于西方绘画的冲击，浮世绘的线条在人物外部造型时可以准确、果毅的将人体结构表现出来。在此基础上，浮世绘人物画尤以夸张丰满的姿态出现，此间可以看到中国唐代人物画在日本人物画史上具有深远的影响。2)浮世绘普遍用色大胆，尤其与同时期的中国画相比;但浮世绘色彩间的关系控制和谐，因此画面效果极趋统一。其装饰图案中以简明概括的图形为主，浮华中不失淡雅。3)浮世绘由于受中西方绘画的共同影响，风景画中“焦点”、“散点”透视均有所体现;但其特色是以某处“小情境”为主要刻画对象，与同时期的中国山水画“大场景”相较有些许区别。且浮世绘山水画更加写实，也更有生活气息，民俗风味也更加饱满。

五、结语

浮世绘艺术是日本绘画中的瑰宝，在世界美术史上的作用也功不可没。在浮世绘艺术中既能够看到对中国绘画的传承，也能看到它吸收中国画美的精髓后与本民族文化、审美、风俗以及世界美术的有机结合。19世纪末，随着茶叶包装流传到欧洲的浮世绘艺术被当时许多画家所吸收;如莫奈、德加、梵高、高更、马蒂斯等，在他们的绘画中往往都能看到浮世绘的身影。可以说浮世绘对西方印象主义和后印象主义起到了重要的推动作用。此外，浮世绘中的色彩搭配及构图设计也奠定了现代日本平面设计的基础。

作者:牟逸萌 单位:西南大学

参考文献:

[1]姜文清.东方古典美--中日传统审美意识比较[M].中国社会科学院出版社.1997

[2]刘晓路.日本美术史话[M].人民美术出版社.1985

[3]潘力.浮世绘[M].河北教育出版社.2012

[4]宫竹正.艺伎的故事[M].陕西师范大学出版社.2006

[5]潘力.浮世绘的故事[M].科学出版社.2015

评圭多•雷尼的《黎明》圭多•雷尼（1575-1642年）是博洛尼亚画家，他最初生活在博洛尼亚的佛兰德斯画家卡尔外特的学园，跟一位培养了一批优秀的博洛尼亚画家的老师学艺。接着，他又是在当地另一所学园，也就是17世纪意大利最著名的卡拉齐学园，跟卡拉齐兄弟学到了一手精湛的素描和构图本领，这对他的画风产生了明显的影响。另外，到古代美术和文艺复兴美术的中心罗马参观，也对他有很大影响，特别是盛期文艺复兴大师拉斐尔的艺术，更是令他神往。17世纪的意大利画坛，有好几股潮流，其中之一就是古典的潮流，雷尼可以说是这股潮流的中坚力量。雷尼的风格，以甜美优雅著称，从《黎明》不难感受到他的这种特点。《黎明》是雷尼在罗马画的一幅天顶壁画。熟悉意大利绘画的人都知道，意大利是壁画之乡，罗马更是壁画的陈列馆，处处有大师的精品；而雷尼崇拜的拉斐尔最美的壁画也在这里，或许他画《黎明》时，心目中始终闪动着这位古典大师的形象。像拉斐尔的《巴尔纳斯山》一样，《黎明》是从希腊罗马神话获得启示的，这类题材是当时极为盛行的画题，古典倾向的画家更加离不开它。这幅作品是在红衣主教贝佳斯的委托下创作的，这幅作品《黎明》描绘的是曙光女神阿斯塔特、月神塞莱内和太阳神阿波罗，通过古典艺术对这些神的兄弟姐妹进行了描画，这幅作品是圭多•雷尼来到罗马两次脆古典艺术的研究的成果，很明确的表明了圭多•雷尼对古典艺术的追求，对纯粹的爱和美的追求。 横长的画面，由一条从左向右移动飘升的动态曲线确定着构图。飞在最前方的女性形象，是罗马神话中的黎明女神奥罗拉（这幅画的原名就是《奥罗拉》），她是由希腊神话中的黎明女神厄俄斯转化来的。她的前方，仍是昏暗的世界，她的后方，则是一派壮丽的曙光。从她回顾的眼神和脚的指向，自然地跟中央的一组奔马联系起来，而顺着马缰绳，立即会发现驾车的太阳神阿波罗。于是一切都清清楚楚了，原来画家要表现的是黎明时分，太阳升起，黑暗正在消退，光明将降临大地。 在表现这个景象时，雷尼选用了富于视觉感染力的节奏和色调。黎明女神、马匹、太阳神及牵手前行的少女，共同构成了向前迅速推进的动势，而这些形象又全都笼罩在橘红的暖色调中，几乎完全挤掉了右边那一点点暗色。象征和寓意的处理，美妙地实现了画的主题。 画面上，那组飘然行进的少女，称得上是雷尼笔下最优美的形象。理想的造型、流畅的线条、精心的组合，一切都显得那么自然、那么和谐、那么均衡，确是纯粹的古典风范。难怪在推崇古典美术的时代，很多艺评家认为他是仅次于拉斐尔的大师，温克尔曼把他与希腊完美的雕刻家普拉克西特利斯相提并论，雷诺兹认为他的美的观念优于任何一位画家，“神圣的圭多”成了他的称号。当然，这些早已过去，没人再顶礼膜拜他，可他的优秀作品仍然值得观者驻足。同时也可以知道，圭多雷尼在很大程度上是受到了拉斐尔的影响，在这个波伦亚派的巨匠的杰作的基础上，人们把圭多雷尼的古典主义作品与拉斐尔的古典主义作品一同称赞了，认为两人在画面上展示出了演剧性，都表现的恰到好处，绘画中圭多雷尼加入了丰富的色彩，展现了他独特的审美观，很大的程度上触动了之后的波伦亚派的画家古鲁西诺，后来画家古鲁西诺也描绘了与圭多雷尼这幅作品《黎明》相同的主题。

世界名画欣赏论文 --------梵高作品《星夜》赏析《星夜》赏析 摘要：1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。正是在这里，他以歪曲的长线，破碎的短线，饱满的色彩。为全人类创造了一幅奇幻的星空景象。一、作品叙述 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。 《星夜》为梵高圣雷米时期的代表作品。1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。梵高在这样的情形下并没有颓废，而是寻找到了自己艺术的突破，一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。出现在我们的眼前。作品中那些旋转的线条，粗犷有力，让人 感受到梵高内心的情感倾诉。二、作品形式分析 "他还做了另一个梦，把它告诉他的兄弟，看哪，我有更多的梦想，看哪，太阳，月亮和十一颗星再向我们敬礼。"圣经起源中的一段话给予了这位为天才创作的灵感。星夜是梵高的幻想，是梵高心中的宇宙。梵高以心中的星夜作为题材，充分表现出处于人世之外的自己对于星空的理解及感受。 整个画面，作者充分运用的夸张的艺术语言为我们展现了一个变形的，常人难以想象的，充满强烈震撼力的星空景象。作者运用弯曲的线条，以及线条旋转变化描绘出了那巨大的、卷曲旋转的星云，我们几乎无法从他的这幅作品中找到一条直线，作者的世界观仿佛在旋转。同时作者在色彩的运用上也独具匠心，全部运用大块的色域展现出一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月。同时，画中的图像都充满着象征的涵义。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到凡高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。 油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣赏日本浮世绘《冨岳三十六景》中的《神奈川冲浪里》，而《星夜》中天空的涡状星云画风被认为参考并融入了《神奈川冲浪里》的元素。三、作品解释 有云的夜空充满了旋转，恒星发光闪烁着自己，明亮的新月。虽然功能被夸大了,这是一个场景，我们都可以涉及到，也是一个最适合个人感觉舒适，安心。这天保持观众的眼睛画走动，下面的曲线和制造出一种视觉圆点星点使用。这一运动一直扎根在旁观者所涉及的绘画，而其他因素： 下面的地平线上连绵起伏的丘陵有一个小城镇。有一个和平的本质结构的流动从。也许阴凉窗口颜色和火热的火花回忆我们自己的天空繁星温暖黑暗的童年和年满夜间想象中存在的东西。镇中心的点是高大的教堂尖顶的，执政的建筑物基本结束较小。这种尖顶蒙上了一个小镇上的稳定感，并创建一个规模和意义上的隐居。为了画左侧有一个巨大的黑色结构，开发了一个更大的规模和孤立感。这种结构是宏伟的绘画相比，规模在其他物体。镜子弯曲的线条，创造的天空画的感觉深度。这种结构也允许观众解释它是什么。从布什山的一叶菜，形成分析，这是广泛和丰富多彩的。在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。 凡高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图象中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。四、作品评价 《星光灿烂的夜空》也许是文森特·梵高最有名的画作。独特的风格让人一眼就可以认出是凡·高的作品, 这幅作品是虚构的。Don Mclean曾献给文森特一首著名的同名歌曲"Vincent"又名"Starry Night"。即使梵高尝试了装饰性作品的创作, 也只有极少数评论家认可他这些作品并愿意支持他在这方面的尝试。其中的部分原因无疑是梵高没能举办他所希望的个人画展, 只有这样的画展才可能摆出自己的大批作品。古斯塔夫·卡恩倒是对梵高在1888年独立沙龙上参展的三幅作品做过评论, 他说"凡·高先生的画笔挥洒得很有力", 这样的评价实际上成了批评。有些评论的作者差不多把这种笔法干脆称为装饰性笔法。1889年, 费利克斯·费内翁曾经提到, 在这幅作品里,这种"无立体感的笔触构成了粗糙的草席似的图案", 同时那漩涡关的色彩像是直接从颜料管里挤出来的。乔治·勒孔特在文章中赞扬道："热烈的厚涂……各种颜色很自然地营造出了令人感到震撼的效果。"古斯塔夫·热弗鲁瓦将梵高描绘为一个"画风景画时简直就像在雕塑风景画"的画家。这些评论或许促使人们注意到了梵高作品的表现图案和装饰性, 而其笔法则可能被认为是一种将前景和背景统一在一视觉区里的手段。可是这些评论都只有三言两语, 而几乎没有对梵高的作品做更广泛或者更深入讨论。假如从一幅幅单张作品的角度上看, 刚劲有力、别具一格的笔触便意味着传统意义上气质或者独特的个风格, 而不是装饰性图案。而凡·高的身体健康状况一旦广为人知, 他们就会毫不犹豫地认为他的笔触证明了他的病态气质和性情的不稳定。"视域转化成浓厚的、有力的颜料浆, 沿着他的画笔的猛戳动作画出的线路展开了它的脉络。天空中央的星星的卷曲浪潮也许是无意中受了葛饰北斋的《大浪》的影响——但它的奔腾的压力, 在东方美术中却没有相等的例子。月亮从月蚀中走出来, 星星闪耀、汹涌, 柏树随着它们摇动, 把天空的韵律转化成自己的火焰状侧影的黑色扭曲。它们把天的激流传给了他, 完成了贯穿整个自然的活力的圈子。" (休斯)参考文献：《西方绘画史图录》邵大箴著 河北美术出版社《米勒传》 罗曼·罗兰著 山东画报出版社