文艺复兴时期色彩论文研究

五代及北宋初期的敦煌艺术宋代美术中，宗教美术仍占一定的数量。文献记载依照帝王的要求几次大规模的修建道观，如：上清太平宫、玉清昭应宫、景灵宫、五岳观、宝箓宫等，这些宫观中皆有当时名手从事绘画、雕塑的工作。现存的宋、辽、金、元的建筑实例较前代丰富，其中有些尚保存得相当完整，可以具体说明中国古代建筑在技术和艺术上的成就。这些建筑物中也多有壁画和塑像，其中一部分还是未经重修的原状。辽、金地区及元代寺庙中的雕塑（泥塑或木雕）遗存对于了解古代雕塑有重大的价值。宋代美术，由于继续了唐五代的风气，世俗的美术脱离了宗教的羁绊，而得到独立的发展。绘画的卷轴形式在宋代大大盛行起来。这些卷轴画中有一部分是由屏风及纨扇的装饰演变而来。宋代绘画活动的中心是皇家的画院，由于绘画已经成为一种手工业行业，市场的需要也刺激了绘画艺术的繁荣。文艺复兴是多是教堂画，用色比较传统。而文艺复兴时期艺术技法上的特点，主要体现在以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等。在风格和技法上更注重色彩的协调和自然，不拘一格。在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则。文艺复兴的分期及其主要代表人物：意大利文艺复兴的开端（13世纪末－14世纪上半叶）：这一时期是艺术家们对新的艺术精神和元素的探索阶段。这时的艺术还不成熟，尚未形成理想化的规范，却能体现出艺术家们对新的艺术技法的追求。如何更真实地反映画面上的内容？成为当时意大利艺术家所关注的核心。于是他们开始着手研究古代雕刻，研究希腊罗马的绘画风格，形成了崭新的写实风格。对这种新风格起决定性影响的人，是佛罗伦萨画家乔托(Giotto di Bondone1266—1337)；其代表作有：《逃亡埃及》、《犹大之吻》等。乔托被视为西方绘画的开创性大师，他是第一个把写实风格和明暗远近法结合起来的艺术家，迈出了绘画中关键性的一步。此外，他还把优美的叙事同忠实的观察结合起来，使绘画不再是文字的简单图解，具有了独立的意义。但无可否认，乔托作为文艺复兴初始期的探索者，其对构图的空间关系，对色彩的处理，甚至对明暗对比等等技法仍然是比较幼稚的，但作为开创历史的先河，乔托对后世的影响还是受到世人的肯定的。意大利早期文艺复兴的美术（15世纪）：意大利早期文艺复兴美术的进展构成了非常错综复杂的场景。这是一个许多地域性艺术流派诞生与繁荣的时期折射一个各种思潮积极地互相影响与展开斗争的时期。在这个百花争研的时代，注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则是他们共有的特色。其中最著名的三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、雕塑家多纳太罗和画家马萨乔。这里主要介绍画家马萨乔。马萨乔Masaccio（1401—1428）， 其代表作《出乐园》和《纳税钱》等；马萨乔的艺术成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来。是文艺复兴时代绘画中现实主义的奠基者。马萨乔以科学探索的精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。它的人物较之乔托的更加真实有力，同时他也是文艺复兴画家中第一个掌握透视法的人，第一个能在衣纹之下隐显人体结构的人和第一个广泛运用明暗对比手法的人。马萨乔还把风景放进他的构图，使风景具有壮丽的、概括的、真实的性质，他借助于风景来扩大画面范围，赋予画面以辽阔的空间感。他的贡献，其一在于以科学的态度对画面（人物）进行更真实的描写与刻画，其二在于把风景与人物互相配合，相得益彰。这为文艺复兴**的到来奠定了坚实的基础。意大利文艺复兴盛期的美术（16世纪上半叶）：盛期文艺复兴是意大利文艺复兴的全盛时期，这时由于种种的社会及政治原因，艺术家们已不再满足于个人技巧和手艺，竞争激励他们在自然科学和文化艺术各领城中广泛探索，力争获取更大的成就。他们在前辈艺术家探索的基础上进行了概括和总结，使艺术在16世纪初达到了高度成熟完美的境界。不但题材从宗教内容扩大到现实生活，而且对自然景色也开始加以观注，他们塑造的形象更完美，更具有复杂的个性和心理待点。如果说早期文艺复兴艺术家主要探索透视、解剖等科学法则，那么盛期大师在把握了这些法则后不再受其限制，而是更强调视觉效果，探索作品的戏剧性和新的艺术语言。可以说，盛期的美术是艺术与科学的完美结合。这时期出现了许多经典的大师，如达．芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、布拉曼特、提香等等。他们不但把美术技法发展到前所未有的高度，而且对于美术理论的建设，也建下了不朽的功勋。这里选取画家达·芬奇（Leonardo Da Vinci 1452-1519） 作为主要介绍的对象，其代表作有《蒙娜·丽萨》和《最后的晚餐》等等，达·芬奇的天才不限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质学等方面也有所反映。在美术方面，达·芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。他最独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。，达·芬奇曾说过：“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理，首创明暗转移法(亦称明暗渐进法)，即在形象上由明到暗的过渡是连续的，像烟雾一般，没有截然的分界，《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。而《最后的晚餐》的惊艳之处，更在于大师在画面中对人物表情的掌握，这是历史的创举，过去的美术作品，无论构图或画面的技巧如何，但对人物的表情刻画总显得僵硬呆板，大师作出这种历史性的创举，正是得益与大师对人体解剖学的深厚认识，对人体面部表情肌活动的掌握，以及对人体解剖及人体比例的深厚功底。此外，达·芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解。他认为：绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就象镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。可以说，达·芬奇不仅是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，也是世界美术史最卓越的代表人物之一。此外还有另一个伟大的艺术家：米开朗基罗 (Michelangelonaroti 1475-1564年)。 过往在诺贝尔文学奖得主罗曼罗兰的《巨人三传》中，对米开朗基罗的人生有过深刻的描写。作为一个文艺复兴鼎盛时期的大师，他除了拥有绝顶的天才，超卓的成就，其与众不同之处，正是他生命中的悲剧色彩（这在罗曼罗兰的《巨人三传》 中自有详述，此处不再多提）。他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。其雕刻方面的代表作有《大卫》、《摩西》等等，绘画的代表作有《创世纪》、《末日的审判》。在他的两幅经典壁画中，人物的繁多、磅礴的气势是一个显著的特征。但既便如此，每个人物所表达的故事仍然错落有致。充分表现了人物本身的性格特点，多而不乱

当代艺术其实就是要研究特定 文化 背景下的文化现象,而当代艺术本身就是一种需要深究的文化艺术现象。下面是我为大家整理的视觉艺术研究论文，供大家参考。

【摘要】符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。

【关键词】视觉艺术;符号;转换;再生

著名符号学家安伯托?艾柯(Umberto Eco)说:“人是符号(sign)的动物。”1人类籍由符号来表达内心世界,传递信息。将日常所思通过一定的语言形式,包括声音、视觉、肢体行为将一个整合的概念传达给对方。符号学(Semiotics)是一种关于符号和运用符号,包括观看符号的理论。符号学并不是一种历史性的学科,而是一种阐释性的学科,但它能够在历史的探索中被加以有效地整合。符号学集中关注构成和表征的问题,将“文本”看作是产生意义的符号的特定合成。这是一种不带霸权和强制要求的有限度的视角。2

艺术的起源不论从模仿说、巫术说、劳动说的角度出发我们都可以看作是人类符号化的开始。原始人用肢体捕捉动物的动作,用声音模仿动物的鸣叫,用矿物质将动物的形态描绘在崖壁上,手舞足蹈用简单的语言交流,于是就有了最初的舞蹈符号、音乐符号、美术符号、语言符号。随着社会分工的日益复杂化,人类社会不断进步与发展,符号内容也就变得越来越复杂化、微妙化,同时也在自然科学、人文科学和社会科学各个不同的领域得到了广泛深入的运用。

视觉艺术作为一门研究经由肉眼产生联想的人文科学,符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。作为一套工具,符号学提供一系列我发现可以深入细致分析艺术作品的有用思想和观念。当这些思想和观念可能由心理分析、叙述和修饰理论引发产生时,它们就产生与传统艺术史并不发生矛盾的洞察力。事实上,这些思想和观念常常能够使学生在运用主体间的可使用的 方法 上更为精确,并使阐释更具有系统性。3

一、视觉艺术符号的分类

在符号与其所指涉的对象(即其指向与涉及的事物和领域)的关联上,目前在符号理论研究领域普遍认为可以将符号区分出以下三种不同的类型,同时也是符号的三个层次:4

1、图象符号(ICON):图象符号是通过模拟图形与对象之间的相似而构成的,图象符号是一个直接感知的过程,在图象学中属于写实的范畴。如肖像画、照片等,当我们面对这样的作品的时候通常都能够得到比较直观的感受,比如说“画面上有什么内容。”

2、指示符号(INDEX):指示符号与所指涉的对象之间具有的因果或是时空上的关联。如“指示牌、路标”。从广泛的角度来说,设计艺术中的视觉流程法则也属于指示性符号的范畴,由于生理的特点,眼睛在浏览的时候会表现出一种时间性、方向性与选择性,也就是说视线会沿着画面重心,即最佳视域,向某一个方向有选择性的移动,体现出视觉的流动性特征。

3、象征符号(SYMBOL):象征符号与所指涉对象之间无必然的或是内在的联系,通常是指约定束成的结果,它所指涉的对象以及有关意义的获得,是由长时间多个人的感受所产生的联想集合而来。同时符号的象征性也是是符号学里最深层次的特性,是符号产生与对象思维过程中相关内涵的延伸以及联想。比如线条的曲折、色彩的冷暖、材质的软硬都会给人以相应的情感体验。

二、视觉艺术符号的理解

人类的意识过程,其实是一个将世界符号化的过程,思维无非是对符号的一种挑选、组合、转换、再生的操作过程。因此可以说,人是用符号来思维的,符号是思维的主体。那么我们又如何从符号学的视角和运用符号学的工具去解读图像,符号如何能够使我们从我们已经认知的事物中疏离出来,以便理解某些新的事物?在这里,我想就当代油画家张小刚的作品《男青年》按照符号学的原理进行分析。

张晓刚《男青年》布面油画

1、生成图象意识

要对视觉符号进行阐释有时候是一个非常复杂的过程,需要结合上心理学的以及历史学的概念进行理解。

当我们在欣赏一件视觉艺术作品时,我们首先会在思维中形成一个表象,即作品中有什么内容,是具象符号还是抽象的符号。如,当我们在接触到当代油画家张小刚的作品《男青年》时,首先意识到的是一个男青年,带着眼镜,脸上一块红色的疤,灰蓝色的调子,一块红色的疤痕这些图象性的符号。 2、探询图象的象征性意义

得到以上信息后我们接下来会想知道隐藏在艺术家(即符号创作者)创作意图中的“更深层次的”,或派生出的意义。如果我们说一件作品具有一种更深层的意义,我们通常指的是作品传达了一种我们在最初观察中还无法确定的潜在的观念,以即是符号的象征意义。当然需要找到艺术家的意图我们必须对艺术家本人以及他所处的时代背景有一个基本了解。

我们现在就来试着探询阐释艺术家想要传达的观念信息。我们知道张小刚出生在上个世纪50年代末期,他经历了新中国成立后最动荡的历史时期,特别是“”在他们那个年代的人身上都产生了深远的影响。

那么现在我们回到画面(符号)本身,留着小平头的男青年,干净白皙的肌肤,一幅标准文弱书生的派头。我们知道眼镜是有知识、有文化的人的象征,中山装是那个年代的通用着装。灰兰色的背景衬托阴郁、孤独与冷漠的气氛。面颊上被生生揭开的一块,形状如肩章的伤疤显得尤其冷艳。结合上面的分析,我们也可以将它理解为那个热情火红时代的鲜红烙印。目光被吸引到左下角,略显呆滞,嘴唇微启似在观看一个什么令人震惊的场面,又面无表情,一种孤寂、压抑的情感得到充分的表现。所有的一切符号都在追忆一个时代的伤痕主题,这除了是一种回忆,同时也折射了现实社会人与人之间的冷漠。

视觉艺术符号的创作者在产生一个理念之后,综合自己对象征性符号的理解把握,选择合适恰当的视觉手段,将理念传达出来。然后接收对象即观众再通过自己对象征语言的掌握与理解,把接收到的视觉信息在思维中转换再生。(下转第99页)(上接第98页)当然,鉴于个体情感特质、生活 经验 、知识结构的差异,一件作品最终还原到观众思维中的形态是各有不同的,所以有了“一千个读者便有一千个哈姆雷特”之说。当一个人看见一幅绘画,表现的是关于一只果盘的荷兰静物画时,这个图像在其他的事物中)就是关于某种别的事物一个符号,或表征。观看者在她或他的脑海中形成有关该事物的一个意象,她或他就会把这个意象与该事物联系起来。心理的意象,而不是形成这个意象的个人,就是解释符。这个解释符指向一个客体。该客体对每一个观看者来说是不同的:对一个人来说它可以是真实的水果,而对另一个人来说也可以是别的静物画,对第三个人来说可以是一笔巨款,而对第四个人来说也可以是“17世纪的荷兰”,等等。而该绘画所表现的客体因此基本上是主观的和由接受者决定的。

视觉艺术本身就是关于符号的表达方式,创作者借由它向观者传达自身的思维过程与结论,达到叙述的目的;换言之,观者也正是通过创作者的作品,与自身经验加以印证,最终了解创作者所希望表达的思想感情。显而易见,作为中间媒体的视觉艺术作品,这时就充当着创作者思想感情符号,而这个符号所需表达的信息是否可以被观者准确的、快速的、有效的接受与认知,就成了创作作品成功与否的标志。这正是由创作者在创作的思维过程中对符号的挑选、组合、转换、再生把握的准确有效程度所决定的。

参考文献

[1]李幼燕著《理论符号学导论》,社会科学文献出版社,1999年6月版。

[2]米克·巴尔:《观看符号/解读绘画——运用符号学理解视觉艺术》载于《世界美术》2007年第1期。

[3]巴尔·布列逊:《符号学与艺术史》1991年。

[4]常宁生《艺术史的图象学方法及其运用》载于《世界美术》2004年第一期。

内容摘要：一部视觉艺术史的发展史也就是色彩的发展史。从上古的色彩崇拜到古典时期的色彩模仿，从浪漫主义时期对色彩的解放到印象主义对光和色的迷恋，在艺术史上，每一次对色彩的再认识和再阐释，总会引起视觉艺术的巨大变革，从而产生新的视觉艺术现象和理论话语。

关 键 词：色彩随类赋彩固有色民间色彩光印象

所谓色彩，在普遍意义上讲是人对色彩的感觉。对色彩的 爱好 和对色彩的选择，具有极大的主观性，所以不应把某种色彩标准绝对化，应承认多样的和发展着的色彩标准，从不断变动的色彩观中认识它们各自的特点，研究它们各自的异同之处，把握它们的内在联系，从而在色彩世界中达到“万物皆备于我”，而不是被束缚在一个狭隘的范围之内。偏爱是容许的，但偏执和偏见却无益于艺术的发展。

固有色——永恒美丽的理想色彩

太古之民把色彩作为一种手段，其目的在于将描画对象从背景中显现出来，即从空间背景中分离出物象，所以他们只认识红和黑，因为红色最引人注目，黑色与亮底色对比最大，因而在他们看来红是美的，黑也是美的，所以红黑搭配是美的。诉诸于艺术表现，他们将自然的一切色彩通归结为红与黑。河姆渡新石器时代的木器即以红、黑为装饰;世界各地的彩陶以红、黑为装饰;原始的洞窟壁画大都采用红黑二色……对黑红配置的喜好沿袭至今，这在一些民族的服饰中表现尤为典型，中国的藏族服装、彝族服装等都以红色为主色。

人在实践中丰富了感觉，增加了对外在事物的认识，并且在早期艺术活动中抓住物象永恒的、持久的固有色，寻求它们在空间的恰当联系。这样，人们发现了色彩的静态美，这样便有了对色彩永恒价值的追求，有了固有色的理念。

艺术离不开模仿，德谟克利特和亚里士多德都认为，艺术的力量就是模仿。达·芬奇甚至说：“……假如你在用自己的艺术模仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师，那么你就不能成为一个好画家。”固有色的色彩观正是产生于对自然的永恒和凝固的色彩美的模仿。

固有色观念曾长期主导美术创作，在西方，文艺复兴的作品最具代表性。在中国可以举出唐代人物、宋代花鸟和许多杰出的民间艺术作品。他们在固有色的表现和色块空间安排上都达到了极高的成就。运用固有色的经验可概括为以下几个方面：

一、色彩配伍。例如文艺复兴大师常采用的玫瑰红、天蓝、银灰，中国民间艺术常采用的朱红、群青、大红、石绿、金黄，这些色彩配伍具有对立统一的美。

二、色彩衔接。中国民间口诀有“工间绿，花簇簇;青问紫，不如死”等等。固有色的不同衔接方式会形成千变万化的色彩观感。

三、纯度对比。这种对比是调整色彩间相对关系的重要手段，其强弱得体，宾主分明，达到色彩在空间中的力度平衡。

四、明度对比。在二维平面上制造三维效果，所用手段就是明暗对比，精到独特的明暗对比不仅使图像具有立体感，还使画面具有了厚重感。

五、面积对比。面积对比更使色彩在体量上有轻重之变，在空间上有互补之美，从而产生鲜明的色彩节奏。

从远古起，艺术的移情说就伴随着模仿说，固有色为模仿自然来服务的同时，也还有浪漫主义的表现一路，他们不以模仿为补色目的，却以“画画无正经好看就中”为旨归。他们抽出固有色的单纯性、凝固性，以固有色的空间平衡为手段，驱便于工作色彩率意为之，以求理想的色彩效果，如苗族 刺绣 、民间剪纸、蔚县剪纸、绵竹门神就是以固有色观念而作浪漫派处理的色彩典范。

光印象——瞬息即逝的自然色彩

光学发现了色的物理本性，揭露了色与光的内在联系及色光的分解与混合现象;生理学发现了人类的色觉的本质，从而得以了解色衰与补色的关系，全色要求的基础。这些发现给艺术色彩学以伟大启发，由此而产生了印象派色彩观。于是画家用色追寻光，追寻光的颤动、光的流逝、光的迷离恍惚，从固有色的永恒和凝固中走出来，走向空间和时间的流动，得到的是瞬息即逝的光印象。

可以说，印象主义的色彩观和色彩技法，既是光学成就的产物，也是西方艺术传统的产物。只是这些传统到了印象派画家那里更系统化、理论化了，并且以此确立了它在艺术史中的地位。印象主义认为色即是光，因此：

一、凡视觉可感受的物象都是光照射的结果，凡有光必有色，物的色决定于光源色、环境色(反射色)和色彩间的对比。即色彩随光源和环境而变，并且在画面上是相对而存在的。

二、以日光光谱色代替古典的调色板。

三、追求光谱的金色效果，并往往引用光谱的色彩组合。

四、补色关系对于印象主义画家是不可或缺的手段。例如在大自然中日光与天穹光便是一对天然补色。

五、以光的混合代替颜料混合，因而采取色彩细碎分割和并置的手法，使色彩更加“响亮”。

六、在色彩并置时常施以明度相近的，非准确的冷暖并置。这就是同时对比的手法。此时相同的色各自将对方推向自己的补色，以增强双方的色价，同时各自失去稳定性，而获得光的颤动性，呈现一种有生气的活力，于是达到色的非物质化，成为颤动的光。歌德曾经说过：“同时对比决定了色彩美学的实用价值。”

印象主义使色从其所联结的物体中解放出来，排除物的固有色，由此绘画进入一个新的境界。印象派是光的崇拜者，光的虔诚宣教者，他们开启了一个灿烂的世界，但是他们追随光的同时却失去了艺术曾经具有的精神力量和阐明世界的象征内容而停留于事物的物质表层。

表现色——回到主观的现代色彩

实践表明，获得光的华丽外衣，是以牺牲质的内在精神为代价的，这个矛盾在技巧上直接表现为 素描 与色彩的矛盾，当表现特别需要素描的时候，色光的变幻不能不退居次要地位。古典主义，新古典主义，拉斐尔前派便是这样;当表现特别注重色光的时候，素描不得不退居次要地位，印象派便是如此。毕萨罗教导青 年画 家勒贝尔说：“多注意形体的色彩，而不要太看重于素描刻划，太准确的素描索然无味，而且不能给人以整体印象……”这正是印象主义者在素描和色彩之间的取舍。

雷诺阿在他的印象主义实验取得非凡成功的同时感到印象主义的危机，于是游意大利向前辈大师学习，他拜倒于拉斐尔画前，并高度赞赏安格尔油画的单纯宏伟。他研究了拉斐尔之后终于感到自己忽略了素描，从意大利归来后，他致力于牺牲色彩以使形体单纯化，加强素描，回到古典的作画方法，取消画面偶然的光，于是他开始了自己的“古典时期”。他的作品“伞”和他在那不勒斯所画的裸女就是开始回归古典和固有色观的记录。

印象派之后诸家正是看到了印象主义色彩观局限于表面的光色变化而忽略其不变的内部结构，所以他们走上了与印象主义相反的道路。首先是塞尚，这位现代艺术的开山者力排事物的闪动模糊的外表，致力于表达所谓不变的真实和内在的结构。就色彩而论，塞尚不同于印象主义的是使之色彩秩序化，经过组织，使色彩变得更规则，更简练，但更强烈，因此更具有安定感、明晰感，从而达成视觉形象的非同寻常的强度。他的艺术观和他的艺术实践深刻地影响了其后的画家，如马蒂斯由塞尚得到启发，抛弃印象派画家的“魅力、光亮和明快”，追求绘画的“稳固性”，认为在一切构成画面的色彩中必须建立一个平衡，因此表面的感觉必须加以提炼，正是提炼了的感觉构成画面。康定斯基说：“内在因素，即感情必须存在，否则艺术作品便是赝品。内在因素决定画面的形式。”毕加索概括说：“我不是模仿自然，而是面临自然——并且利用自然。”塞尚之后诸家竞相与印象主义的客观主义反其道而行之，强调主观意志的作用，因此着意于形式美、抽象美的追求，走向表现主观。在色彩上自然同时从客观色彩走向主观色彩了。

但是现代主义是接过印象主义的手中武器而走向其对立面的，印象主义发现了自然的色彩，现代主义将这些发现秩序化、凝固化、强力化。或者说印象主义捕捉感性的色彩，现代主义挖掘理性的色彩，现代艺术将色彩的主观性及其精神价值提到了前所未有的地位，并且完善于主观的个人感情与客观的色彩规律之结合。

参考文献：

[1]《意大利艺苑名人传》 ，(意大利)乔尔乔·瓦萨里著，刘耀春译 ， 湖北美术出版社 ，2003年版

[2]《现代美学体系》，叶朗 主编，北京大学出版社，1988年版

[3]《楚艺术史》，皮道坚 著 ， 湖北 教育 出版社，1995年版

[4]《境外谈美》，陈望衡 著， 花山文艺出版社， 2003年版

[5]《楚史》，张正明 著， 湖北教育出版社，1995年版

[6]《诗学》，亚里士多德 著，人民文学出版社，1982年版

[7]《古画品录》，谢赫 著，迪志文化出版有限公司，2001年版

[8]《意大利文艺复兴美术》， 徐庆平 著， 中国人民大学出版社，2004年版

[9]《印象主义》，马凤林 著，湖北美术出版社，2005年版

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意大利文艺复兴时期工艺美术 文艺复兴不是古希腊罗马文化的简单重复，而是标志了资产阶级文化的萌芽，反映了新兴市 民阶级的要求。在人文主义的旗帜下，文艺复兴时期的工艺美术也与绘画、雕刻和建筑艺术 一样开创了一个崭新的局面，它的支持者就是城市市民、商人和各行会的工匠。较之中世纪 ，文艺复兴时期的工艺美术出现了几个重要的转变：一是工艺美术的活动中心已逐渐摆脱了 教会的控制，而出现了封建君主的宫廷作坊，即由所谓宗教性质的工艺美术变成了宫廷性质 的工艺美术，当然这只是就其主要方面而言；二是工艺品的生产与人们的生活需求发生了更 为紧密的联系，从而导致了工艺美术的空前繁荣；三是尽管工艺美术由于受到材料和实用等 因素的制约，一般来讲艺术家创作个性的流露并不明显，但此期的工艺品已能更多地反映出 艺术家的创作热情，可以看出艺术家的才能和智慧得到了充分的发挥；四是中世纪传统的工 艺美术种类，如圣书装帧和贵金属工艺等已呈衰落倾向，而符合广大市民阶级需要和材料自 身价值较低的木质家具、玻璃器皿和陶器等则获得了广阔的发展。另外，文艺复兴时期的工 艺美术似乎更注重造型或色彩等各方面比例与协调的感觉，如室内装饰和家具设计就注意与 建筑各部分比例的协调和色调的和谐，一般器物的造型也更加考虑到适用和便利的因素。 欧洲文艺复兴时期美术 14世纪下半期至16世纪末，是欧洲从封建社会向资本主义社会的过渡时期，黑暗的中世纪在 日趋崩溃，新生的资本主义生产关系在逐渐形成。 新的资本主义经济在封建体制内部的萌芽，必将产生与之相适应的意识形态，引起思想和文 化体系的变革。当新兴资产阶级还没有能力建立自己的政权时，为了在物质和精神两方面摆 脱封建专制的枷锁，他们首先在思想文化领域进行变革，制造舆论，动摇旧的精神体系，这 就形成了一个气势磅礴的文化革新运动，史称“文艺复兴”。 文艺复兴的指导思想是人文主义，提倡世俗的“人”为中心，肯定“人”是现实生活的创造 者和享受者。他们提倡“人性”来反对教会的“神性”，提倡“人权”来反对中世纪的“神 权”，用“人道”来反对替封建制度辩护的“神道”。他们反对宗教禁欲主义和来世观念， 歌颂世俗生活，蔑视天堂；主张个性解放，宣扬个人现世幸福高于一切。同时人文主义者睥 睨贵族的世家出身，嘲笑僧侣的愚昧无知，痛斥经院哲学和神秘主义，提倡理性、探索自然 ，追求科学知识。并要求文学艺术表现人的思想感情，科学要为人生谋幸福，教育应发展人 的个性。另外人文主义者还拥护国家集权以利发展经济，反对分裂和外来干涉，要求民族独 立统一。 在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。美术已不再 是宗教神学的奴仆，在题材上开始描绘世俗 的人和人的现实生活，即使是宗教神话题材， 也注入了人性和人的思想感情，把神变成世俗的人；在表现手法上提倡面向自然，以造化为 师，对自然以理性的解释，引进科学的成就塑造艺术形象，透视学和解剖学成了文艺复兴美 术造型的两大支柱，在这一时期的美术家往往是集工匠、科学家、建筑家、画家、雕刻家于 一身，这是一个产生巨人的时代，至使无数优秀的美术家宛如灿烂群星出现在欧洲的上空， 照亮了历经千年的“黑暗世界”。 文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家，在不同地区、不同国家表现的 形式也不尽相同，在意大利表现为绘画和雕刻、建筑的成就，而在德国则表现为农民战争和 宗教改革运动。意大利文艺复兴时期美术 欧洲文艺复兴运动首先发源于14世纪的意大利，如恩格斯所说：中世纪的终结和现今资本主 义时代的开端是由意大利诗人但丁为表征(1265-1321年)他是中世纪最后一位诗人，同时又 是新时代最初一位诗人。 意大利位于地中海区域中央、中古时期世界上最大贸易地区的心脏位置。佛罗伦萨、米兰和 威尼斯都是当时水陆交通枢纽和贸易的集散地，在那里最早出现工商业、萌芽资本主义，所 以也是出现文艺复兴运动的发祥地。 所谓文艺复兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的古代希腊罗马以人为本的科学 文化走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革命。从拜占庭灭亡时被抢救出来的手抄本，罗 马废墟中发掘出来的古代雕像，再现了那个时代的光辉形象。人们打着“回到希腊去”的旗 号。实际上新兴资产阶级召唤古希腊的亡灵并非是要重建奴隶制文化，而是借用其中有利于 资产阶级需要的科学、哲学以及人文主义的艺术；是借用他们的名字、战斗口号和外套，以 便穿着这种久受崇敬的服装，用这种借来的语言，演出现代世界历史的新场面。意大利作为 古罗马的后代，是对古希腊罗马文化的直接继承者，得天独厚而无与伦比。 意大利文艺复兴运动首先在佛罗伦萨发生发展，尔后扩展到其他地区，形成一些既有佛罗伦 萨艺术成就又有地方特色的画派。除强大的佛罗伦萨画派以外，达芬奇到米兰为米兰大公服 务，形成米兰画派；勃拉曼特，米开朗基罗和拉斐尔到罗马为教皇服务，形成具有纪念碑气 势，象征宏大、庄重、坚强有力为其特点的罗马画派。到16世纪，禁固森严的威尼斯在佛罗 伦萨辉煌之后，捷足而登上文艺复兴艺术的巅峰的最后一位大师，公认是古托•雷托。 意大利文艺复兴可分为初期、盛期和晚期。初期以佛罗伦萨为中心，自乔托始到波提切利止 ；盛期主要以达芬奇，米开朗基罗和拉斐尔的艺术成就为标志；晚期则是以提香为代表的威 尼斯画派。 佛罗伦萨之所以成为意大利文艺复兴的发祥地首先在于它的地理自然条件，它位于阿诺河畔 ，是水陆交通要道，手工业和商业贸易发达；有深厚的古罗马、中世纪文明基础；社会各阶 段对艺术的需求，尤其是以美第奇家族为代表的统治者提倡和保护艺术创造，这些因素促进 了艺术的繁荣和发展。佛罗伦萨作为文艺复兴初期的代表，它在艺术观念、艺术题材和艺术 表现形成了自己鲜明的个性特征：艺术的内容仍以传统基督教的《圣经》故事为题材，但自 乔托开始，画家们努力探索如何将世俗现实生活注入神的形象创造中，把神从神坛上拉到人 间变成凡人，使自己所塑造的宗教人物成为有血有肉有思想感情的人。因此他们引进科学成 就，将解剖学、透视学和光学原理运用到艺术创造中，塑造真实的人物和真实的空间关系； 艺术语言重明暗素描造型，构图追求对称、均衡和谐。 达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔主宰画坛，标志着文艺复兴盛期到来，在他们的艺术创作中不 仅直接描绘现实生活中有名有姓的真实人物，而且借宗教神话故事寄托自己的社会理想、美 学理想和思想感情。他们在佛罗伦萨、米兰和罗马显示出巨人般的艺术建树，用他们的智慧 和力量树立起绘画和雕刻的纪念碑。 在佛罗伦萨画派走完自己的光辉历程之后，威尼斯画派兴旺发达起来了。 位于亚德里亚海上，背靠意大利半岛、面向东方的威尼斯，是个完全不同于佛罗伦萨和罗马 的意大利海上都市，它是商业和贸易的中心，是资产者云集的市场，它是为世俗之人顶礼膜 拜而建立的人间享乐的天堂，它像是嵌在意大利皮靴上的无价珠宝，威尼斯人宣称自己的故 乡是“世界的珍宝箱”，它是冒险家、贵族和资产者寻欢作乐的伊甸园，16世纪的威尼斯什 么都有，唯独没有上帝的管束。在这个奢华淫糜、灿烂辉煌的都市里，占有支配地位的并不 是科学和知识而是美，尤其是绘画艺术，因为它不仅能创造美，而且能使现实的美和理想的 美借画中形象得以永存人间。尽管画家们没有社会地位，但往往都能成为教皇、国王和贵族 资产者的座上贵客。在这个城市里产生了可与佛罗伦萨并驾齐驱的大画家乔尔乔内、提香以 及他们的弟子委罗内塞、丁托雷托等。 艺术是客观世界在艺术家头脑中的反映，是一切文明的形象结晶，因此艺术风格必将受到时 代思潮、自然环境的影响和制约。由于威尼斯是海上贸易和商业中心，是景色秀丽的水乡都 市，因而在这里产生的艺术无论内容或形式，都与佛罗伦萨有着天壤之别。 佛罗伦萨的美术，倾向于宗教《圣经》题材，而威尼斯则更多的是描绘古希腊神话故事。纵 情于欢乐与享受，题材以爱情、酒宴、裸体女神为多；画面形象充满激情而富有想象，洋溢 着活泼、明朗、欢乐的气氛；很少有悲哀和伤感，女神们具有丰腴的肌肤，金色的秀发，华 丽的服饰，完全是威尼斯上流社会的娇艳女子，放射出人性的光芒。画家们为迎合王公、贵 族的享乐需要，不仅描绘美丽裸女，还配以美丽的自然风光。为了充分展现这种美，画家十 分重视色彩的创造，他们极善于从自然中发现和表现无限丰富艳丽的色彩变化。如果说佛罗 伦萨的画家们重素描和尊从构图的对称、均衡与和谐，那么威尼斯的画家们则竭立追求色彩 和激情传达，它奠定了欧洲近代油画发展的基础。 画面空间透视夸张，人物变形，如拉长人体和劲部，画中人往往被拥挤在狭窄的空间里，有 冲出画面之感；色彩不着意再现客观自然的外貌而着力于传达画家主观的情感。在雕塑方面 ，能适应全方位观赏，给观众以舒服愉悦感。 代表画家有罗索•菲奥伦蒂诺，雅各布•达•蓬托尔莫，帕尔米贾尼诺，阿尼奥洛•布龙齐 诺等。雕刻家有詹博罗格那和切利尼。样式主义 样式主义亦称矫饰主义或风格主义，它是指意大利文艺复兴盛期艺术向巴洛克艺术转变的一 个过度时期的特殊艺术现象，它既不同于文艺复兴时期那种崇高和谐，也区别于后来的巴洛 克艺术，史家们称这个时期的艺术风格为“矫饰主义”或“样式主义”。艺术家有意识地追 求某种较为极端的形式，热衷于用复杂的形象和动作来表达内心的骚动不安和压抑的情感。 样式主义美术的主要特征是：在表现题材中有相当部分是裸体人物，具有古怪和扭曲的体态 和发达而夸张的肌肉，作品的思想内容比较隐晦朦胧，人们难以认识；画中情节往往不在视 觉中心显现，被隐约在次要地位。 凡是文艺复兴新艺术，其性质都是相同的，都是以人为主体的人文主义世界观与以神为主体 的世界观之间的斗争。但是不同民族在不同的文化传统背景下，有着自己独特的艺术创造个 性。意大利文艺复兴借助于丰厚的古希腊罗马文明遗产来突破中世纪宗教艺术的束缚，而尼 德兰只有中世纪哥特艺术的传统，又没有意大利先进的科学与哲学的支持与配合，所以艺术 家的观念更新缓慢，文艺复兴艺术发展曲折。 意大利地处海洋性气候，教堂建筑壁面大，宜作壁画，而尼德兰地势潮湿，哥特式教室窗多 ，不宜画壁画。因空间小尼德兰流行架上画(画于木板等平面材料上，可移动)。画面小制作 精密，形成细密精致的画风，类似工笔画，精细到能在钮扣大小的面积上绘制人物的肖像。 这种细密画最初采用胶粉画法，后来画家们在追求精细的色彩表现中，又在胶粉底上罩以油 彩，称之为胶粉油彩画。后来画家凡•艾克兄弟改革了油画彩画材料，运用恰当的调色油调 和颜色作画，从此油画问世。所以后人称凡艾克兄弟是发明油画的始祖。德国文艺复兴美术 15世纪的德国还处于封建割据的分裂局面，但在有些生产部门已经出现资本主义生产关系， 工商业有显著的发展。德国尤以印刷出版行业发达而著名于世。当资本主义生产关系逐渐形 成，并开始冲击和破坏封建制度的基础时，就产生了尖锐的阶级斗争，终于爆发了伟大的农 民战争和宗教改革运动。在文化领域中引发和促进了人文主义美术的形成和发展，达到高度 繁荣。 德国的文艺复兴美术发端于15世纪，在上半期以建筑为主，雕刻和绘画占次要地位，到了中 期以后，绘画作为更敏锐、更方便的宣传手段，得到了迅速的发展，超越了建筑。在这个时 期，建筑仍严守哥特式传统。绘画与哥特式传统还保持着联系，仍然沿用金色背景和平面装 饰手法。由于哥特式建筑限制了壁画的发展，因而导致了祭坛画极为发达。当时在祭坛画中 发生了引人注目的变化，就是对世俗生活的现象和自然环境的描绘出现了，画家的构图和形 象塑造开始超越平面和装饰性，着力于空间感与物象体积感的探索与表现。 上帝主宰世界的时代，艺术中的形象只是某种教条观念的符号。自乔托开创了近代艺术以来 ，艺术家都竭力追求人物的个性表现，达芬奇首先在《最后的晚餐》中创造了13位与众不同 的个性鲜明的艺术形象。个性的多样性被艺术家们意识到了，个别的、单一的事物被承认并 在艺术作品中被表现出来了。如果说是意大利人开创了艺术中人物个性的表现，那么人物个 性表现最充分的应该是德国画家。 德国艺术最具个性化，在艺术创造中最重视情感的抒发，歌德认为德国的性格就是“情感就 是一切”，在他们看来没有情感就没有艺术。所以德国的画家们对人物的个性具有敏锐而深 刻的观察力和完美的表现力，他们观察男人和女人，追求内心的东西，着意于精神气质的描 绘，在肖像画方面，德国人是大师。 德国文艺复兴人文主义美术，是在农民战争和宗教改革运动中发生、发展和繁荣起来的。在 这个发展过程中，受到了先进的意大利文艺复兴文化科学的影响，到16世纪诞生了德国最伟 大的美术家、可与意大利文艺复兴巨匠相媲美的艺术大师丢勒和荷尔拜因。尼德兰文艺复兴美术 在文艺复兴时期的欧洲，除了意大利在文化艺术诸方面成为先道者以外，在欧洲阿尔卑斯山 以北的各个国家和地区，以城市为中心也逐渐出现了新文化、新艺术的曙光。就绘画艺术而 言，当时的尼德兰和德国已成了欧洲文艺复兴时期绘画的又一个繁盛之地。 “尼德兰”一词意为低凹之地，包括莱茵河、缪司河、些耳德河下游及北海沿岸一带，即相 当于今日的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部的部分地区。它面临大西洋与英国遥望，南 由莱茵河为纽带与整个西欧相连接。早在中世纪时，它就因地理优势而成为北方主要的国际 贸易中心之一。在13、14世纪时，这里的手工业，特别是呢绒业，就已相当发达。15世纪， 尤其是到了16世纪前期，由于尼德兰的贸易和呢绒业的进一步发展，城市建设极为迅速。其 中尤以布鲁日、伊普尔、根特、列日等城市最为繁荣。同时，市民们在和封建领主的斗争中 ，为争取城市的发展取得了一系列的特权，从而获得了相对的独立性。另外，由于通过皇家 联姻和协议，使尼德兰大部分地区都成了强大的勃艮第公国的领地，完成了初步的政治上的 统一，并促进了尼德兰各城市的长足发展。所以 ，当时的尼德兰已成了欧洲唯一可以与意 大利相提并论的先进地区。虽然当意大利文艺复兴运动以磅礴之势，突破了中世纪的樊笼而 迅猛发展之时，尼德兰的艺术大都仍处于哥特艺术的晚期阶段。但是，这并未妨碍尼德兰民 族艺术特钯的形式，尤其是为欧洲油画艺术的产生和发展作出了创造性的贡献。同时我们可 以在乌尔比诺的宫廷中看到尼德兰的艺术家在工作，在佛罗伦萨的教堂中欣赏到尼德兰大师 的作品，由他们创造的油画技法和擅长的木刻画也同样吸引着意大利的画家。 14世纪的尼德兰尚未形成自己独立的艺术体系，它的艺术活动主要是和法国有着比较密切的 联系。当时有许多尼德兰的雕刻家和画家活跃在法国地区，在法国两个主要的艺术赞助者勃 艮第公爵和伯里公爵的宫廷里，曾留下了大量的尼德兰艺术家的作品。同时，在法国南部由 于教皇一度定居在亚威农城，因此意大利的艺术，尤其是锡耶纳画派在这里十分盛行，所形 成的极大影响远及当时美术活动中心的巴黎。所以尼德兰的艺术家也曾通过法国多少受到了 意大利艺术的影响。

整个问题太笼统了。据我所知，文艺复兴时期的用色特点在别处的确都很普通，也不是很注重色彩的运用，多注重造型能力。用色是很普通很柔和的用色。而意大利北部的威尼斯画派是一个特例。威尼斯画派虽然同是宗教题材，但色彩非常漂亮，色调饱满，鲜艳明快。也很注重大气和外光的表现。威尼斯画派对欧洲17世纪和18世纪绘画有着深远影响。

用的较多的是亮调的色彩中间还插了些灰调当两种或两种以上颜色同时并放在一起，双方都会把对方推向自己的补色。如：红和绿放在一起，红的更红，绿的更绿；黑和白方在一起，黑的更黑，白的更白，这种现象属于色彩的同时对比。色相对比、纯度对比、明度对比都属于同时对比整体中的各个部分。连续对比现象与同时对比现象都是视觉生理条件的作用所造成的，它们出于一个原因，但发生在不同的时间条件。同时对比主要指的是同一时间下颜色的对比效果，连续对比指的是不同时间的条件下，或者说在时间运动的过程中，不同颜色刺激之间的对比。如：当我们长久的注视一块红颜色之后，看到周围的东西发绿；当我们在暖色光的环境适应后，突然来到正常光线下，会觉得颜色发冷。这种视觉残像属于色彩的连续对比现象。掌握色彩的连续对的规律，可以使设计师利用它加强视觉传达的印象或用于减轻紧张工作造成的视觉疲劳。 ①原色对比：红黄蓝三原色是色环上最极端的三个颜色，表现了最强烈的色相气质，它们之间的对比属于最强的色相对比。如用原色来控制色彩，会使人感到一种极强烈的色彩冲突。如各国都选用原色来作为国旗的色彩；京剧脸谱也使用强烈的三原色突出人物的特征等。 ②间色对比：橙色、绿色、紫色为原色相混所得的间色，色相对比略显柔和，自然界中的植物的色彩呈间色为多，如：果实的黄橙色、紫色的花朵、绿与橙、绿与紫这样的对比都是活泼鲜明具天然美的配色。 ③补色对比：在色环直径两端的色为补色。确定两种颜色是否为互补关系，最好的方法是将它们相混，看是否能产生中性灰色，如达不到就要对色相成分进行调整才能找到准确的补色。一对补色并置在一起，可以使对方的色彩更鲜明。最典型的补色对是红和绿、黄和紫、蓝与橙。黄紫色对由于明暗对比强烈，色彩个性悬殊，是补色中最突出的一对，蓝橙色对明暗对比居中，冷暖对比最强活跃而生动，红绿色对，明度接近，冷暖对比居中，因而相互强调的作用非常明显。补色对比的对立性促使对立双方的色相更加鲜明。 ④邻近色相对比： 在色环上顺序相邻的基础色相，如红与橙、黄与绿、橙与黄这样的色并置的关系称邻近色相对比。属于色相弱对比范畴。它最大的特征是其明显的统一调性，在统一中不失对比的变化。 ⑤色相对比称为类似色相对比，是最弱的色相对比效果。常用于突出某一色相的色调，注重色相的微妙变化。 ⑥冷暖体系与对比：我们对一部分色彩产生暖和的感觉，一部分产生寒冷的感觉。从色环上看，有寒冷印象的有蓝绿至蓝紫的色，其中蓝色是最冷的颜色； 有暖和印象的是红紫到黄的色，其中红橙是最暖的色。从视觉上，冷暖对比产生美妙、生动、活泼的色彩感觉。冷色和暖色能产生空间效果，暖色有前进感和扩张感，冷色有后退感和收缩感，在艺术表现中，冷暖色都又丰富的精神内涵