黄宾虹山水画毕业论文

关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。推荐内容关于中国山水画的论文。 毕业论文。 可提供一些题目，这样有点头绪，好写一点。谢谢。最佳答案浅谈对中国画的认识首先我想说对于我们建筑学来说，对国画的认识是更有裨益的。各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼在着我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。

在中国画坛上，有很多的国画大师，他们的书法水平也具有相当的艺术造诣，并形成了自己独特的风格和气象。小艺现搜集整理一些国画大师的书法作品，大家一起学习和欣赏吧！齐白石 齐白石（1864－1957），湖南湘潭人，二十世纪中国画艺术大师，二十世纪十大书法家之一，世界文化名人。宗族派名纯芝，小名阿芝，名璜，字渭清，号兰亭、濒生，别号白石山人，遂以齐白石名行世；并有齐大、木人、木居士、红豆生、星塘老屋后人、借山翁、借山吟馆主者、寄园、萍翁、寄萍堂主人、龙山社长、三百石印富翁、百树梨花主人等大量笔名与自号。 齐白石主张艺术“ 妙在似与不似之间 ”；衰年变法，绘画师法徐渭、朱耷、石涛、吴昌硕等，形成独特的大写意国画风格，开红花墨叶一派，与吴昌硕共享“南吴北齐”之誉；其书法广临碑帖，历宗何绍基、李北海、金冬心、郑板桥诸家，尤以篆、行书见长。诗不求工，无意唐宋，师法自然，书写性灵，别具一格。其画印书诗人称四绝。一生勤奋，砚耕不辍，自食其力，品行高洁，尤具民族气节。 齐白石是一位木匠出身而又诗、书、画、印无不卓绝的大艺术家，在艺术上的经历很有传奇色彩。对这四绝，他自认为篆刻第一，诗词第二，书法第三，绘画第四。 张大千 张大千（1899～1983），原名张正权，又名爰，字季爰，号大千，别号大千居士，四川省内江市人。其二哥张正兰，即是著名的画虎大师张善子。他们的画室名“大风堂”。张大千的一生，才华横溢，极富传奇，建树甚伟，贡献极巨，声名遐迩。 张大千曾广泛学习唐宋元明清中国传统绘画，尤得石涛等大师神髓，被国内外艺坛称为“当代石涛”。其画路宽广，山水、人物、花鸟、虫鱼、走兽等，无所不工。其工笔写意，俱臻妙境。特善写荷花，独树一帜。20年代，他与其兄张善子，被称为中国画坛的“蜀中二雄”。30年代，他与北方大画家溥儒(心畲)齐名，被称为中国画苑的“南张北溥”，被国立中央大学聘为艺术教授。徐悲鸿曾盛赞张大千为“五百年来第一人”。 40年代，张大千自费赴敦煌，耗时三年大量临摹了石窟壁画，并将之宣传介绍，使敦煌艺术宝库从此为国人和世界广为瞩目。从此，张大千的画风也为之一变，善用复笔重色，高雅华丽，潇洒磅礴，被誉为“画中李白”、“今日中国之画仙”。 被世界舆论称之为“当今世界最负盛誉的中国画大师”。 他的书法在年少时便受到家兄张文修的启蒙，作为李瑞清的入室弟子，张大千的书艺在继承传统的基础上，融合了山水画的意境，达到了艺术上的精深境地。仔细鉴赏张大千的墨迹，看上去笔笔有力，但这种力并不是一味求其表面上的张扬外露和剑拔弩张，而是使力与感情相融合的，藏于笔墨之中的锥沙印泥之妙，可以说是达到了“骨力”与“内美”的和谐统一。 潘天寿 潘天寿：（1898-1971）现代著名画家，美术教育家。早年名天授、字大颐、阿寿、雷婆头峰寿者等。浙江宁海县人。平生积极从事艺术创作和艺术教育工作，曾任中国文联委员，中国美术家协会副主席，中国美协浙江分会主席，浙江美术学院院长。 潘天寿绘画题材包括鹰、荷、松、四君子、山水、人物等，每作必有奇局，结构险中求平衡，落笔大胆，点染细心。形能精简而意远；勾石方长起菱角；墨韵浓、重、焦、淡相渗叠，线条中显出用笔凝炼和沉健。墨彩纵横交错，构图清新苍秀，气势磅礴，趣韵无穷。画面灵动，引人入胜。 先生的书法功力很深，得力于卜文、猎碣、二爨及钟太博、颜鲁公、黄石斋、倪鸿宝诸家，真草隶篆，无施不可，豪迈朴茂，独树一帜。自刻印章，亦刚劲苍古，与画格完全一致。诗则从二李入手，转力韩杜，亦受吴昌硕影响，诗格棱峭横肆，颇多古拗老辣之味。先生的画作，熔诗、书、画、印于一炉，凝铸着他多方面的学识修养和创造才能。 黄宾虹 黄宾虹(1865～1955)， 中国近现代中国画家。初名懋质，应试改名质，字朴存，以所居潭渡村有滨虹亭，因号滨虹，后改写宾虹，中年后以字行。别号有予向、虹若、虹庐、虹叟、黄山山中人等。原籍安徽省歙县，1865年1月27日生于浙江省金华城，早年为贡生，任小官吏，后弃官参加反清活动。 擅长山水画，兼作花鸟画，并进行绘画史论和篆刻的研究、教学，以及中国美术遗产的发掘、整理、编纂、出版工作。黄宾虹是二十世纪中国画坛上承前启后的大家。 70岁以后，画风自立面目，渐趋成熟，风格浑厚华滋，意境郁勃澹宕，是黄宾虹山水画的基本特点。在技法理论方面，他总结中国画用笔用墨的规律，提出 5种笔法：平、圆、留、重、变，7种墨法：浓、淡、泼、破、渍、焦、宿。渊博的学识，丰富的书画实践，使黄宾虹的画论画史研究，有着深刻的独到见解。 书法师承钟鼎文和晋魏。行草取法王献之、颜真卿，楷书取法《郑文公碑》、《石门铭》、褚遂良等。博采众长，出以己意，浑朴沉雄之中隐含着清刚秀逸。 徐悲鸿 徐悲鸿 ：（1895-1953）现代绘画艺术大师，江苏宜兴人。四岁入塾，从父习画。10岁随父亲乘舟赴溧阳时，便有"春水绿弥漫，春山秀色含，一帆风信好，舟过万重峦"的诗句，以即景成诗的艺术才华闻名乡里。 他9岁读完《四书》、《左传》后，便开始随父亲学画，每日临摹一幅吴友如的界画、人物。在绘画创作上，反对形式主义，坚持写实作风，主张“ 古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，末足者增之，西方绘画可采入者融之。 ”继承我国绘画优秀传统，吸取西画之长，创造自己独特风格。长于国画、油画、尤擅素描。造诣极深，善于传神。 徐悲鸿画马为世所称，笔力雄健，气魄恢宏，布避设色，均有新意。曾将自己一生创作和全部珍藏，捐献国家。平生积极从事美术教育事业，为中国美术事业发展，鞠躬尽瘁，培育不了少优秀人才。李苦禅 李苦禅（1898-1983）原名英，号励公，山东高唐人。出身贫寒，曾拉过人力车，借住庙宇过活。1920年他拜齐白石为师，不久， 齐白石看出22岁的他乃天纵英才，视他为知已，赞赏他道：“英也奇吾心，苦也过吾，英也无敌，将来英若不享大名，世间是无鬼神也！ ” 他的同学林一尽眼见他的困苦，赠他“苦禅”二字。“苦”取自佛门四谛之第一字，“禅”乃他擅常之大写意画，他欣然接受，以苦禅为号，更孜孜习画。 李苦禅求学艺专，未及毕业，即崭露才华，29岁便成为杭州艺专教授。解放后一直任中央美术学院教授。生前任中国美术家协会理事，中国画研究院院务委员，政协第五、六届委员会委员。 艺术上，他吸取石涛、八大山人、扬州画派、吴昌硕、齐白石等前辈技法，在花鸟大写意画方面发展出独到的特色。他的画笔墨雄阔，气势磅礴，自成风貌。李苦禅常言：“ 字画如其人，艺术及人品之体现，人无品格，行之不远，画无品格，下笔无方。 ” 陆俨少 陆俨少（1909—1993），原名冈祖，字宛若，生于上海嘉定县南翔镇。1927年拜冯超然为师，并与吴湖帆相识，在两位先生处，看到不少历代名家真迹。途径三峡的经历，引发了先生的创新意识，开始将以前局部改造传统转换为有意识地建立个人风格，先生的个人风格得以发展，最终在晚年形成了自己独特的风格。 陆先生在山水画中独创了两种新技法，一是“留白”，二是“墨块” 。所谓“留白”就是以水墨留出白痕，这种白痕在陆先生的作品种多数用来表现云雾，也可以被看成泉水、山径和浪花。陆先生还擅长用长线条描水勾云，他的水纹描绘写尽了江波万态。他的勾云是以较细的拖笔中锋画云的阳面，以较淡而毛的环曲线条勾云的阴面。另外，先生画石每每空勾无皴，只用一根起伏变化的线条表现山石的结构，往往起笔墨迹厚重，直到墨色淡干飞白，才蘸第二次。 陆先生之所以能与张大千、傅抱石、李可染风格迥异的山水画大家，同时兼擅梅花、竹石，是与他在诗文、书法、画论等多方面的深厚学术修养分不开的。他出版有《陆俨少自叙》、《山水画争议》、《陆俨少画集》多种专著和有关中国山水画的多篇论文，被誉为“当代中国画坛卓然翘首的文人画家。” 娄师白 娄师白，原名娄绍怀，斋号老安馆， 1918年6月生,湖南浏阳县人。现为中国美术家协会会员，北京中国画研究会副会长，北京市书法家协会理事。1932年随齐白石习书、画、治印及诗词，为齐白石弟子，长期致力于齐白石艺术的研究及技法传授。全面继承白石艺术技法特色，并有所创新。其作品色彩鲜而不艳、雅而不俗，给人以丰富多采、生机勃勃之感。 娄师白长于写意花鸟画。作品有《蓖麻丰收》、《鸭场》、《八哥百合》等。《南国花木》等藏于中国美术馆。出版有《娄师白画辑》、《画鸭》、《怎样治印》、《齐白石绘画艺术》、《齐白石绘画技法》等专集、专著。刘海粟 刘海粟(1896-1994)原名槃，字季芳，号海翁。祖籍安徽凤阳，1896年3月生于江苏常州。擅长油画、中国画、美术教育。1912年11月创办现代中国第一所美术学校“上海国画美术院”（上海美术专科学校前身）任校长。首创男女同校，采用人体模特儿和旅行写生。1918年到北京大学讲学，并举办第一次个人画展。1919年到日本考察美术教育，回国后创办天马会。 刘海粟对中国画、油画、书法、诗词和艺术理论都有精深造诣，学贯中西、艺通古今，勇于探索，不断创新。国画创作博取传统精英而不泥古，注重写生，师造化而又欺造化，擅山水、花鸟、走兽，喜作泼墨泼彩法。画风豪放奇肆，苍莽劲拔，醇厚朴茂，多彩多姿，卓然自成一家，在国内外享有盛誉。 何海霞 何海霞（1908-1999），中国画家。满族。初名何福海，字瀛，又字登瀛。1908年9月生于北京。他自幼喜爱书画，后随韩公典学画。 1934年拜张大千为师，随其学画10余年，并一同游历名山大川，临摹了张氏收藏的大量宋、元、明、清绘画真迹，打下了深厚的传统功底。1956年任中国美术家协会陕西分会专业画家，1983年任陕西国画院副院长，后调北京，任中国画研究院研究员。何海霞长于山水，功底扎实，技法全面，举凡界画、青绿、水墨、没骨皆能。 50年代末～ 60年代初与石鲁、赵望云一同进行山水画创新，从西北山水获得创作契机。为长安画派的重要画家。他的作品骨体坚凝，意象雄奇，具有独特风貌。出版《何海霞画集》、《何海霞书画集》。 *图片均来源于网络

梅兰竹菊水墨画梅雪争春未肯降，骚人搁笔费评章。梅须逊雪三分白，雪却输梅一段香。评价梅兰竹菊四君子，我偏爱竹子的气节和品格！ 以下是我找的春华秋实当下时 怎奈心中翰墨情——初识刘百素写意花鸟画◆文／中国书画收藏鉴定章协会秘书长 马芳亭 我与刘百素先生相识并不长，此前，对他的绘画和为人不甚了解。去年年底他因故来京，在我处小聚，匆忙中谈了诸多与绘画相关的事情。初次见面，他留给我的印象是坦诚、直率、属典型的山东汉子。后来我便开始留心他的作品，时常被他那种大气质朴的画面风韵所感动。真是画如其人也！ 对传统的中国绘画，刘百素先生有着几十年的苦心孤诣和深厚沉淀。但他却不唯传统之命而是从，时常将在写生过程中发现的现代绘画元素融入其中。如果说刘百素视绘画如生命，那么，绘画写生和艺术创新便是他笔墨的灵魂。用他自己的话讲，一个不从事绘画写生的画家，是走不出前人樊篱的，是不可能与时俱进的。“不让古人是谓有志，不让今人是谓无量。” ，这是刘百素的心声。可要做到这些凭的不仅仅是句大话，它需要实施具体步骤和努力，绝非一般胆略和才情。为获取艺术的真谛经过多年努力刘百素于2002年考入中央美院进修班毕业后又以优异的成绩考人中央美院高研班。在这座艺术的殿堂里他如饥似谒，奋发进取，取得了骄人的成就。 刘百素是个完美主义者，他对自己非常苛刻，时常将不尽人意的作品随垃圾一同处理，即便是已经送给友人的，一经发现，也会用幅好的作品换取回来。有人惊问其故他说早年的作品尚不过关与其留存社会不如及时废弃。刘百素的这种人生态度，不仅是对艺术对社会高度负责的具体写照，也是他在写生过程中对艺术真实和客观真实的醒悟。也许正是这一缘故他对创作和写生才有了自己的执着。 刘百素生于山东临朐，属著名的沂蒙山区。通观他的美术作品，大多为芭蕉、竹、梅、松、鹰和石榴尽管这些物象近于平凡，但他却从长期的写生中为它们找到了灵性使之升华出生命的炽热。 从他人那里获知，刘百素先生为了画好芭蕉，每年他都要用几个月的时间到西双版纳写生，他说那里的景色非常丽，奇花异草覆盖着重叠的山峦和每片土地随处可见的芭蕉园，葱葱郁郁，生机昂然，无时无刻不在彰显着南国独有的风情。然而，当地的环境也有不尽人意的地方，空气潮湿，雨水不断，往往是一张写生稿刚刚落笔，就会有急雨袭来。在这种情况下，他只好收起画稿，雨过之后再重操画笔。与此同时写生时还要提防飞虫叮咬和毒蛇袭击。但为了缔造艺术的真实，他从来没将这些困难视为写生的障碍。《春雨蒙蒙》等以芭蕉为物象的作品，就是在写生的基础上创作出来的。 人生酷短，艺术无暇，倾其才情，偶有一得，艺术与人生，二者不可怠慢。刘百素认为作为一名画家，必须深入生活，从事大量写生。因为，由写生而来的作品不仅不易重复和雷同还能让人产生诸多联想。以芭蕉为例如何用写意的手法予以表现，画家只有在写生中才能悟得。中国的传统画技法是墨分五色，浓淡干湿。有的人画芭蕉层次不分一片墨黑。而他在写生中却真正的感悟到现实中的芭蕉和艺术中的芭蕉是有很大段距离的。现实中芭蕉的叶子很密，创作中必须加以科学地删节，对一些干枯或不全的叶子可以从另外一棵芭蕉树上借过几片。这样创作出的作品既有艺术的完美，又有客观的真实。 从事国画创作的人甚知，作为写意花鸟画画家，创作时需要营造一个写“意”状态。所谓的“写意状态”实际是画家作画过程中的一种意念幻觉，是高度自由的艺术上忘我的精神境界。 “写意”一词，曾出现在先秦典籍《战国策.赵二》里面。书中说“忠可以写意”。这里把“写意”和“人品”连在一起，它指的是人的一种品格和气质。后来人们对“写意”予以更多的内涵但都与心态、情感、情趣的表达有关。在国画创作中，这种写意是以笔墨为媒介来完成的。古人论画，把超然物的画称为“逸品”。其实逸品就是那种完全“写意状态”下画出来的画。如刘百素先生创作的《大寿》、《志在云天》、《松鹤延年》、《潇潇秋风雨》等作品就很好地体现出了“写意的状态可谓逸品。正如清李佐贤《书画鉴影》所评“墨笔写意，......驱墨如云，运笔如风，......” 石涛在《苦瓜和尚画语录》里说：“ 人为物蔽则与尘交。人为物役，则心受劳。”“我则物随物蔽，尘随尘交，则心不劳，心不劳则有画矣。”这是一切听其自然的“写意状态”，让艺术的想象力始终处于高度自由的创作境地。而刘百素先生的这种自由则来自于他大量的写生积累和对民族艺术的不倦追求。 刘百素画松有别于中国历代画家。如何用中国水墨表现出松的苍劲、老辣，是当今画家仍在探讨的课题。潘天寿画松树用指头画，给人以声势感，当代人延用这条路肯定不行。松树的传统画法枝干为鱼鳞状，吴昌硕、李苦禅等大家在这一领域都做到了极至。历代绘画大家都是从继承和创新中走出来的智者，应该说，前辈们为当代画家树立了良好的榜样。在前人精神的鼓舞下，刘百素先生的创新意识日渐强烈。他对中国画和相关的传统文化作了大量研析后，深切感悟到，绘画作品最终追求的是画面效果，而不是创作过程中的工具。所以他用自制的毛笔，自己的墨法，创作出一幅又一幅以松为物象的绘画作品。这些作品一经问世便引起了社会的强烈反响。人们喜欢他画面上营造的那种“声势”，更喜欢他作品所呈现出的那种水墨效果。经过十几年的努力，他似乎找到了表现松树这一物象的真谛，从而也逾越了前人设在这一领域的那层无形而高大的“篱笆”。刘百素先生时常说艺术创新不是一句空话要靠画家长期的文化探究和艺术实践才能获得。为了表现松树这一物象，他多次去黄山写生，在那里一呆就是几十天，吃的是方便面，喝的是矿泉水。通过对松树的长期观察和临摹，他终于找到了用自己的技法去表现松树那种历经沧桑而昂然挺拔的精神感觉。他带着这种激情，将松树的形象用大幅水墨画表现出来，其精神和情感均得以淋漓尽致的表现。从他的《黄山松韵》、《旭日》、《黄山松风》、《会当凌绝顶一览众山小》中不难看出，他的作品的确是将写生过程中所孕育的全部思想情感，借松树这一媒介尽情的挥洒了出来。细观他的作品幅幅都彰显出宏伟、凝重、老辣的艺术效果，放眼望去，其画面豪放纵逸，气象万千。纵观其艺术手法，看似随意涂抹，行笔性情，但激越中藏有章法，浪漫中不失雄浑，这不能不令观者大为感叹。 中国写意花鸟画的艺术特点，是中国传统文化支配下的绘画语言和审美需求的综合体现，它是历代画家在表述人与自然关系中的一个情点。刘百素先生在创作中紧紧把握这一要旨，从而使他的作品在笔墨语言的表述中，在传统文化和现代意识的表现上很好地体现了中国“写意状态”的审美要素。他善于借助自然物象的本身特点，以艺术的手法去表现人与自然之间密不可分的情怀。在刘百素的绘画作品中很多是以梅为物象的作品。从中国古代到今天这类作品并不少见各朝各代均有其代表人物。明代文学家徐渭在他的一首《题画梅》中曾作过精辟的诠释：“从来不见梅花谱，信手拈来自有神；不信试看千万树，东风吹来便成春。”由此可以看出，千百年来梅花这一物象在人们心中的位置是何等的重要，因此，这类作品的庞繁也就不足为奇了。刘百素先生甚知，深厚的学养是观察事物的基础，它能使人在寻常的事物中获取不寻常的感受。同样的一山一水，一草一木，不同学养的画家就会有不同的感悟，表现在绘画作品上就会有天壤之别。纯粹的绘画理论很难打造出真正意义的画家，要使自己的艺术获得成功，就必须从其它相关学科中寻找绘画灵感。刘百素先生的许多作品是自己借助物象，达到诗的意境，使诗意得到完美的传达，最终他把中国的传统文化及自己对生活的感受通过画面很好的表现了出来，使作品倍显厚重，寓意也随之深远起来。 传统的中国绘画，是承载传统文化的媒介。但是没有深厚的绘画功力，画家是无法承担这一责任的。为了艺术的真实，他在学习传统文化和研读前人绘画理论的同时，每年他总是拿出大量的时间外出写生，通过写生观察，了解物象在不同季节中所表现出的不同形态。春天他去写异彩纷呈、千变万化的花朵，夏秋，他去写劲硕挺拔、婀娜多彩的丛林和花枝。冬天他则去写迎风傲雪、盘曲错落的雪梅。《铁骨报春》、《铁骨傲雪》等以梅为题材的系列作品就是他通过多年写生揣摩而创作的。 作品以古梅实物为蓝本，以特写手法和丰富多变的中锋焦墨线条描绘古梅的千姿百态。气势雄强，意境深邃，苍劲中含蕴藉，繁密中见空灵，树干道劲有力，枝与花繁而不乱。梅的形象真实而生动，其坚贞而高洁的形象给人以诸多遐想。刘百素先生喜欢画大幅雪梅和红梅，喜欢营造那种白茫茫、红点点的阵势，凸显人的精神。 绘画之至者是风格。风格是画家人品和气质的体现。刘百素先生热情拥抱生活，以全副的身心扑向大自然，领略花木禽乌各种生灵的千姿百态和它们在风雨雪霜中的无限生机从而直接获得视觉、嗅觉上的丰富感受，在深情的眷恋中唤起自己对自然界的感情和意绪，通过心智的营造，转换成强烈的艺术语言，以真切动人的画面丰富多彩的情感明朗清新的格调和纵横有度的笔墨淋漓尽数地表现出了他的所见所闻和所感，创作出拨动观者心弦的艺术作品。“百丛媚萼，一干枯枝。墨则雨润，彩则露鲜。飞鸣栖息，动静如生。悦性弄情，工而入逸，斯为妙品。”以明代画家徐渭的这段高论来观赏刘百素先生的画可以使我们得到许多启示。他的画无论是鸿幅巨制，还是盈尺小品都可以让人真切地感受到其扎实的传统功力和恣意挥洒的艺术之光，感受到笔墨的丰富性和画面构成上的独具匠心。他的许多作品均为巨制，画面开阔，气度恢弘，用笔讲究，应物象形，随墨赋彩。在体现自然秉性的同时．也充分张扬出画家的个性。不难看出刘百素先生既有深厚的传统功力更有对现代意识的追求。在他的笔下，作品的时代感已经成为他深厚的艺术修养和高尚精神追求的自然流露。他多次说，只有突破守旧的传统模式和思想束缚，注重作品对自然表象原始功力的潜心刻画，才能以强烈的抒情写意性，使写意花鸟画创作保持蓬勃向上的生命力，使人们回归自然的愿望在挥毫泼墨间得以实现。 所以，他笔下的一草一木、一花一鸟，都显得生机昂然，意境深远。他的画风既有写意画斟酌物象、形神兼备的特点，又有花鸟竹石方面兼注重书写、运笔疏朗的大写意的特色；既在视觉上产生了强烈的冲击力，又在精神的内涵中透露出妩媚的韵致，他笔下的一幅幅作品，无不在阳光下闪烁着欣欣向荣的娇艳，在风霜间流溢出高洁醉人的清香，在春晖里演示着风姿绰约的曼舞，在雨露中坚守着恣肆忘情的绽放。他通过以表写神、借物达内的手法，用笔墨淋漓尽致地表达出内心世界的灵感及情趣从而在画面上营造一种赏心悦目、荡气回肠的神韵和意境。这是画家对客观事物的演示，同时也体现了画家的高尚情操。 从刘百素先生的写意画中可以看出他是一位逐步走向成功的艺术家。在中国传统花鸟画的基础上他在不断地丰富着“写意状态”的时代含义。刘百素先生明白“写” 和“意”是中国花鸟画的两个重要特征。天地合一的中国哲学观念是中国写意画几千年来所贯穿的一条主线，已形成了中国花鸟画特有的文化元素。所谓“意”就是通过花鸟题材的选取，立画家精神之操守；所谓“写”就是通过个性化的笔墨去阐释程式化的传统题材，让那些重复的文化符号转换为含有画家文化个性的艺术形象。 20世纪的写意花鸟画肇始于海派的赵之谦、吴昌硕、王一亭等，海派花鸟画以碑学入画，为传统写意花鸟画带来浑厚、古朴、雄健的画风，一改晚清花鸟画柔媚纤丽之姿。陈师曾、齐白石、潘天寿等，皆从吴昌硕变出由此形成20世纪海派与京派写意花鸟画在全国的统治地位。上个世纪50年代受现实生活的影响，传统花鸟画在新时代的感召下开始注重对乡土题材的表现，郭味蕖、王雪涛等兼工带写的画风增添了花鸟画的现实感与生活气息。这是写意花乌画从“承传”酝酿“新变”的 —个转折期。70年代后写意花鸟画转向对自然与生命状态环境的表现，缤纷多彩、争奇斗艳的热带雨林成为人类观照自然生命生存环境的对象。刘百素先生对这些绘画大师的作品推崇倍至，但他并不想使自己的画风成为历代大家的影子。他认为每个画家在中国大文化背景之下也应拥有自己所处地域的独特文化。大的文化是共有的，而地域文化是特有的，反应到艺术创作中，就容易形成画家的艺术个性。齐鲁大地到处弥漫着“孔孟”文化，从某种程度上讲，“孔孟”文化已变成了山东的一种民风。所以从刘百素先生的写意花鸟作品中不难看出，他承载的文化具有道家和儒家所共有的气息，这些已成为他绘画艺术特有的鲜明印记。 刘百素先生认为从事写意花鸟画创作传统文化底蕴非常重要很大程度上讲没有传统文化就没法拥有真正的写意状态。黄宾虹90岁时在“目生内障，字近涂鸦”的情况下，艺术和思想奇迹般地臻于化境。他此时的画已不再是用手画，而是用心在画。在目力不济的昏暗中以他80年的笔墨功底，挥写着自己的心境。看似无法，却法自心动，可谓乱而不乱，不齐而齐，不似而似，使艺术选到了出神入化的境地，所以黄宾虹后期的创作完全是自己心灵的写照与升华而非取悦他人，是画家完全处于了“写意状态”。 一幅作品的成功是由许多因素造成的这中间既有艺术的必然也有艺术的偶然。但是作为写意画成功的重要因素那就是画家是否驾驭了自己的“写意状态”。就作品而言画家对物象的表现并不仅是对客观对象的再现而是画面所呈现的那种艺术气息的文化归属以及画面所承载的作者对自然、对人生的精神态度。至于作者的精神气度、情感因素、文化沉淀和绘画功力等诸多方面也不同程度地在画面中得以体现。因此，画家的“写意状态”是与本人的人格和精神状态密不可分的。从这个意义上讲刘百素先生在创作实践中已深刻的领悟到其中的奥妙。他对自然万物的探究、对传统文化的研习，都是为了增加自己从事艺术创作的内力，企图以此获得艺术的突破。表现在对传统物象竹子的创作上就不难看出他在这个方面的进取。如《潇湘风雨》、《春雨》等作品，从作品立意到具体墨法，都与传统技法拉开了较大的距离。应该说当代以竹为绘画对象的画家大多受郑板桥技法的影响，而郑板桥的竹子大多为风中之“竹”整个作品似乎都在承载着他那句名言，即：千磨万击还坚劲，因尔东南西北风。而雨中的竹子该如何表现？郑板桥的作品中尚无诠释，经过长期观察和实践刘百素先生感觉到郑板桥的竹子固然好，但与写生时的竹子相差甚远，再说，郑板桥的竹子已被世人所熟知，在这个基础上很难创作出富有自己特点的作品。历史上以竹子为题材的作品很多，大多是文人士大夫式的作品，他们只是通过竹子这一载体，体现自己的志趣，与当代人的写生创作没有太多联系，所以，他相信自己的写生。南国竹林、北方竹林都留下了他的足迹。长期的写生创作使他从中悟出了很多道理，因此，他在这类物象中充分张扬了自己的艺术个性。他创作的《潇湘风雨》在2006年全国水墨画大展中获得了金奖。刘百素先生的绘画，总是用最自然的心态选取天地间最为朴实的形象，然后再强化自己赋予画面的性情趣尚和内心世界的情感，所以，他的画面能达到尽善尽美的境界。 —————首师大美术学院艺术系主任 韩振刚在技法的表现方面，刘百素先生的“墨骨”与前人有所不同，在墨线勾勒上，简洁而变化多端，有浓淡，虚实，干湿，黑白对比，用笔来自实体，有质感，画面结构转折起伏略做峻染，笔触很少。通观刘百素先生的作品，其显画家的精神面貌，更加突出独到的艺术风格。 —————北京中国书画收藏协会副主席 吴明光〈吴昌硕之孙〉写意花鸟画发展到近代，和其他艺术一样，发生了深刻变化，获得了重大成就。作为一个画家“行万里路”，饱游阅览，固然是重要的，但更可贵的是怀有对生活诚挚深厚的爱和深入独到的观察认识。刘百素在这个方面作了很多努力，成绩可佳可贺。

每个人心态不一样我画画的时候，头脑会勾勒出总体的线条，在画纸中表现出来，接着就是层次和光暗感，呼，一张漫画做完根本就没时间想什么自己把线条勾勒出来就很费脑筋了还有，高手不会低调，也低调不起来半吊子才低调

林逸鹏     江苏省张家港市人。1987年毕业于南京师范大学美术系，获硕士学位。作品多次参加国内外画展并获奖。在《文艺研究》、《美术观察》、《美苑》、《美术报》等发表多篇论文。 现为南京师范大学美术学院副教授（硕士生导师）的林逸鹏，数年前曾以其“废纸论”，在中国书画界、收藏界，“振耳欲聋”，其所引起的争议，至今不歇。这一极具心理冲击力的观点，已成为书画界、收藏界及诸媒体中一大流行词。此外，林逸鹏近年对美术高考、美术教学中所存在的制度性弊端，也持续地进行过多种有力批评与思考，媒体每称之为“炮轰”。最近，面对一些人的乏诚信和非学术性非议，林逸鹏索性又轰一炮：说真话才算人！

陆越子(1954—)江苏泰兴人，擅长中国画。1979年毕业于南京师范大学美术系，留校任教。南京师范大学美术学院副教授、中国画研究生导师、中国人才研究会书画人才专业委员会常务理事兼秘书长，中国美协会员，大型中国画集《当代中华墨粹》主编，《当代中国画掇英》副主编。。作品《瑞鹤图》入选第七届全国美展；《玉宇清洽图》入选第八届全国美展；并获首届中国花鸟画展优秀奖。出版有《中国写意花鸟画技法》、《越子画集》、《美术爱好者之友·怎样画》系列等。

毕宝祥1960年生。现为江苏南京师范大学美术学院副教授，硕士生导师，江苏省徐悲鸿研究会秘书长，江苏省社科联理事。个人作品其作品经常参展、发表、获奖。如在《美术》、《美术观察》、《国画家》、《江苏画刊》等专业报刊上均有作品发表和专题报道。曾在新加坡和江苏美术馆举办过画展。其作品被中南海、江苏省政府、江苏省美术馆等国内外机构和私人广泛收藏。出版有《毕宝祥画集》、《毕宝祥山水小品集》、《黄宾虹山水画技法解析》、《山水画的传统与现代》等论著。《江苏画刊》、香港《大公报》、《新华日报》、《江苏工人报》、《扬子晚报》、《每日桥报》等均有专门介绍。编辑本段个展及贡献1998年6月在江苏美术馆举办个人画展。1986年版画《静夜》发表于《江苏画刊》；版画《佤山情之一》参加“江苏版画展”。1987年油画《绿梦》、版画《佤山情之一》参加省青年美展，其中《佤山情之一》获优秀奖；油画《南疆的梦》参加“江苏省美展”；版画《佤山情组画之二》发表于《中国高等艺术院校作品集－南师大学集》。1988年国画《明瓦廊》参加省级青年美展，获优秀奖；国画《明瓦廊》发表于《江苏工人报》美术版；国画《赶场》赴南斯拉夫展出；国画人物2幅，发表于《江苏画刊》；获徐悲鸿奖学金。1990年国画《佤山情之一》发表于《江苏工人报》并有专题介绍；国画《忆陕北》参加江苏省美展。1992年国画《山水》获“加拿大国际水墨大赛”佳作奖。1994年《山水》发表于《新华日报》大文化栏目，并有专题介绍；《山水》1幅及个人简历载入《中国现代艺术家作品润格》；《青青人家》参加“全国教师优秀作品汇展”获优秀奖；作品5幅发表于《江苏画刊》并有专题介绍。1995年作品1幅发表于香港《大公报》并有专题介绍；文章《写实、写趣、写心》发表于《江苏工人报》；文章《浅谈中学山水教学》发表于《中国美术教育》第二期。

陈传席    博士，现任中国人民大学责任教授、博士生导师，南京师范大学教授、博士生导师，特殊贡献专家。中国美术家协会理论委员会委员。曾任美国堪萨斯大学研究员，上海大学教授、博士生导师。1982年组织中国美术界第一次国际学术研讨会；同时组织全国第一次36家博物馆（院）明清绘画联展。已指导十六个国家的留学生和高级进修生，同时教授本科生、硕士生和博士生。姓名列入国内外各类艺术辞典以及各类名人录之中。

话说 好酷是部分吧- -别看大部分艺术家都长发飘飘的- - 其实也有秃子- -画的时候会想些什么那真说不准，每个人都有自己的大脑，自己的思维。所以任何人都说不好另外一个人脑袋里面转的啥。不过可以肯定的是，他们在画画的时候大部分都会抱着某种目的去画比如表现画面某个自己想表现的部分，比如抱着练习的态度需要解决什么自身问题。至于高手喜欢说自己是低手， 不是低调就是装*B 这个不解释- -纯个人看法 给点感情分吧