波普风格街区毕业论文

又称流行风格，这个词（pop)来自英语的“大众化”，最早起源于英国。二战以后出生的新生一代对于风格单调、冷漠缺乏人情味的现代主义、国际主义设计十分反感，认为是陈旧的、过时的观念的体现，他们希望有新的设计风格来体现新的消费观念、新的文化认同立场、新的自我表现中心，于是在英国青年设计家中出现了波普射击运动。波普运动产生的思想动机来源自美国的大众文化，包括好莱坞电影、摇滚乐、消费文化等。英国的“波普”运动由于受艺术创作上的“波普”运动很快发展起来。波普风格主要体现在于年青人有关的生活用品等方面，如古怪家具、迷你裙、流行音乐会等，追求大众化、通俗化的趣味，设计中强调新奇与独特，采用强烈的色彩处理。这些设计都具有游戏色彩，有一种玩世不恭的青少年心理特点，好似流行歌曲一样，以其灵活性与可消费性走出英国国门，进而形成为一场世界性的设计运动。“波普”设计运动时一个形式主义的设计风潮，由于违背了工业生产的经济法则、人体工学原理等，很快就衰退了，但是它在形式上的探索还是有积极意义的。波谱风格代表20世纪60年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向“波普”是一场广泛的艺术运动，反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力图表现自我，追求标新立异的心理。从设计上说波普风格并不是一种单纯的、一致性的风格，而是各种风格的混合，他追求大众化下的、通俗的趣味，反对现代主义自命不凡的清高，在设计中强调新奇与独特，并大胆采用艳俗的色彩。宗旨:追求新颖、追求古怪、追求希奇，“波谱”设计风格的特征变化无常难于确定统一的风格，可以说是形形色色、各种各样的折中主义的特点，它被认为是一个形式主义的设计风格。

波普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。普普艺术试图推翻抽象表现艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。普普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟（LaurenceAlloway）所提出的。普普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的沿伸。简单来说，普普艺术是当今较底层艺术市场的前身。普普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，普普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的普普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。法国情色波普艺术法国情色波普艺术“POP”是“Popular”的缩写，意为“通俗性的、流行性的”。至于“POPArt”所指的正是一种“大众化的”、“便宜的”、“大量生产的”、“年轻的”、“趣味性的”、“品化的”、“即时性的”、“片刻性的”形态与精神的艺术风格。

背景：20世纪50年代初萌发于英国，英国是这次文化的中心，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写,意即流行艺术通俗艺术波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，50年代中期以后的十年中，在美国和英国发展出一个新的艺术流派，称为"波普艺术"。被冠以"波普艺术家"的这些人在这段时期的创作中都有一个共同的特征，他们以流行的商业文化形象和都市生活中的日常之物为题材，采用的创作手法也往往反映出工业化和商业化的时代特征。造成波普艺术的元素并非到处都有，战后英美的城市文化是其生长的特殊土壤。只有与这种城市文化接触密切的艺术家才能抓住波普艺术特有的格调和表现手法。1952年末，一群年轻的画家、雕塑家、建筑师和评论家在伦敦当代艺术学院召开会议。这个自称为"独立派"的团体，着重围绕大众文化和它的含义加以讨论，如西方电影、空间小说、广告牌、机器之美等等，这些现象都是当时被认为是反美学的种种状况。这个团体迷恋新型的城市通俗文化，特别为美国的表现形式所吸引。一方面，当时的美国在英国人眼里，是一个从尼龙制品到新的摩托车什么都好的理想国。另一方面，40年代的英国艺术界笼罩着严肃的浪漫主义努力奋斗的气氛，而英国波普艺术就是对它的反动。1956年，"独立派"举办了题为"这就是明天"的展览。展览上最有感染力、对艺术史最有影响的作品是汉密尔顿（Richard Hamilton）在入口部分放置的一幅招贴画，名为‖到底是什么使今日的家庭如此非凡迷人？‖（图1）。画中是一间现代公寓，里面有从画报上剪下的一个肌肉丰满的男子和一个傲慢的裸体女人。公寓里有大量的文化产品：电视、带式录音机、放大的连环画书封面、一个福特徽章和一个真空吸尘器的广告。透过画里的窗户可以看到一个电影屏幕，正在放映电影《爵士歌手》中艾尔·乔尔森的特写镜头。男子手上还拿着一支其大无比的棒糖，糖上有三个很大的字母POP。波普艺术（Pop Art）一词就由此而来，POP既是英文棒糖lollipop一词的词尾，又可以看作是"流行的、时髦的"一词（popular）的缩写。在美国，波普艺术又是对50年代占统治地位的抽象表现主义的反动。一方面，抽象表现主义的作品被看作是艺术家个人独特个性的展现，它是完全个人的、主观的和精神上的，它强调艺术的纯洁性，成为一种精神贵族的艺术。另一方面，由于这种精神性是寓于即兴的挥洒之中，而且是完全个人的，许多后来者们纷纷模仿，于是这"高雅"的艺术又似乎人人都做得来。可惜大多数这类的作品都只有令人眼花缭乱的画面，而难显现精神。可说是"眼看多，实在少"。波普艺术则针对抽象表现主义的问题，大胆地尝试新的材料、新的主题、新的形式。60年代，波普艺术轰轰烈烈地把"生活"、把现代的都市生活带进了博物馆和画廊。使"波普"这一称号得以流行世界的第一次集体展览是1962年在悉尼·贾尼斯画廊举办的"新现实主义艺术家"展，它将这一潮流的艺术家汇集在一起（也包括了欧洲艺术家）。紧接着是1963年举办的两个展览："六画家展览"和"流行形象展"。我认为另一个不可忽视的背景是战后的新一代与上一代的隔阂，那些追求自我，追求古怪稀奇的年轻一代是密不可分的，也是现在波普能再次高涨的原因理念比较精炼，你可以自己加加追求新颖、追求古怪、追求希奇 采用强烈的色彩处理，大胆采用艳俗的色彩这些设计都具有游戏色彩灵活性与可消费性 因此走出英国国门，进而形成为一场世界性的设计运动“波普”设计风格的特征变化无常难于确定统一的风格（生命力顽强的原因）各种风格的混合通俗化的趣味，追求大众化形形色色、各种各样的折中主义的特点它被认为是一个形式主义的设计风格，反对现代主义自命不凡的清高，在设计中强调新奇与独特

这种以当时最流行的形象为题材的艺术在20世纪中期由罗伊·里奇特斯坦等艺术家首次创造出来，这些人被称做“波普艺术家"。罗伊．里奇特斯坦是第一位选择20世纪50年代流行于美国的漫画里的形象为创作主题的画家．这个作品的名字是《杰作》．创作于1962年。人民的艺术这种取材于流行文化的艺术形式被称做“波普艺术”。1: “波普艺术”在20世纪50年代中期到60年代末期已开始在美国和英国盛行。波普艺术家们通常选择人人都熟悉的事物作为他们作品的主题。2: 他们的画作或雕塑作品都是取材于当时人们每天都会见到的东西。如汤罐头、爆米花这些家庭中常见的产品或是纸币、加油站、路标、旗帜等等。3: 他们选择经常在报纸、杂志、电视和电影上出现的东西作为自己的题材，比如演员、歌手、歹徒、牛仔、甚至还有卡通人物。波普艺术风格波普艺术的风格不是统一的。1：如里奇特斯坦这样的波普艺术家喜欢用平滑的笔触和很多单色块来模仿那些在广告和漫画中常见的艺术风格。2：而像安迪·沃霍尔则喜欢把电影明星和食品包装上的形象印在画布上。3:还有一些艺术家。如罗伯特·劳森伯格，则喜欢把粗线条拼凑在一起。所有波普艺术家都坚信，他们要呈现的是人们生活着的当今社会，而不是过去的社会．．艺术发展史上的很多时期，都会有一些艺术家以相似的主题、风格或灵感进行创作，被称之为“艺术运动”。波普艺术和印象派就是艺术运动的实例。如果我们回顾历史会发现，把艺术家用这种“运动”来加以区分是很容易的。在那个时期。艺术家们都是独立工作。他们在不同的地方进行艺术创作，不会互相抄袭作品。他们可能并不把自己看做是运动中的一分子。事后我们区分不同的运动是为了了解艺术的发展过程。新运动为什么波普艺术在20世纪50年代 得到了发展呢?那时世界上发生了什么事情?我们知道，欧洲的许多国家都在1945年第二次世界大战后期开始着手恢复国家的生产，但是美国和英国却从20世纪50年代开始就进入了一个新的繁荣期。这种繁荣推动了社会各领域的变革，艺术界的波普运动也由此产生。20世纪60年代纽约的百老汇，许多波普艺术家都从这里明亮的，诱人的广告以及其他流行的形象中获得过灵感。后战争时代的变革(方便快捷新颖渐成主流）到了20世纪50年代中期，美国和英国已经转型为消费社会。工业发展十分迅猛，人口激增，人们也变得越来越富有。与以往相比，他们为自己家人和家庭买的东西更多了。对许多人来说，他们的目标也变得现代和时髦，比如，在20世纪50年代，人们购买更大的汽车、电视、新款式的家具和电动剃须刀。像圆珠笔这种只用几次就被丢掉的一次性产品也第一次被摆上了商店的柜台。人们也开始购买在战争时期买不到的食品。这种新型食物在食用之前几乎不需要特别加工，比如汉堡包和袋装冷冻食品(电视快餐)。这些产品都可以在变得越来越大的超级市场中买到，而在私人开的商店里却很难买到。商用艺术的兴起因为人们的购买力越来越大，商家开始为卖出更多的产品而彼此竞争。他们需要有绘画技巧的人创造出商业艺术。这种艺术包括对产品的设计和能诱惑顾客购买商品的广告。广告业并不是新兴事物，但是在战后，商家都试图获取更高的营业额，商标名称和容易识别的广告形象变得比以往任何时候都重要。许多商品都在超市里被码放在一起；广告不仅出现在广告牌和招贴板上，而且出现在五颜六色的杂志中和电视屏幕上。在20世纪50年代之前，广告业和设计业的艺术工作者通常要从在艺术学校学习传统艺术课程开始，这些课程包括在过去的艺术大师的画作中学习油画的绘画技巧。在20世纪50年代，一种不用学习传统艺术课程的新型艺术学校成立了，这种学校是专为培养平面设计师而开设的。学生们在这里为日后能从事与商业艺术相关的职业作准备。便捷成主流在20世纪50年代的新型消费社会中，人们想拥有一种便捷的生活方式。从超级市场里堆放的各种各样的商品．到直接从冰柜里拿出的冷冻速食晚餐，都暗示出人们对“便捷”的渴望。商业艺术家需要为这些产品设计广告和包装。在20世纪50年代，广告商都急于想出精炼、响亮的广告语，这些广告语与产品图像结合起来可以使消费者更容易记住他们的产品。这段时期的著名广告语有：她用了?她没用?(伊卡璐发胶．1957年)滴滴香浓。意犹未尽。(麦斯威尔咖啡，1959年)只溶在口，不溶在手。(M&Ms巧克力，1954年)下面这幅墙上的画作看上去就像是一张被放大了很多倍的漫画的一部分。画中人物的面孔是由很多小圆点组成的，就像你通过放大镜来观察报纸上登载的漫画一样。但实际上这并不是一部漫画中的一幅图，而是美国艺术家罗伊·里奇特斯坦1962年创作的一幅画作。这幅漫画风格的作品模仿了人们生活中常见的漫画书中或是报纸上流行的图像。这种以当时最流行的形象为题材的艺术在20世纪中期由罗伊·里奇特斯坦等艺术家首次创造出来，这些人被称做“波普艺术家"。罗伊．里奇特斯坦是第一位选择20世纪50年代流行于美国的漫画里的形象为创作主题的画家．这个作品的名字是《杰作》．创作于1962年。人民的艺术这种取材于流行文化的艺术形式被称做“波普艺术”。1: “波普艺术”在20世纪50年代中期到60年代末期已开始在美国和英国盛行。波普艺术家们通常选择人人都熟悉的事物作为他们作品的主题。2: 他们的画作或雕塑作品都是取材于当时人们每天都会见到的东西。如汤罐头、爆米花这些家庭中常见的产品或是纸币、加油站、路标、旗帜等等。3: 他们选择经常在报纸、杂志、电视和电影上出现的东西作为自己的题材，比如演员、歌手、歹徒、牛仔、甚至还有卡通人物。波普艺术风格波普艺术的风格不是统一的。1：如里奇特斯坦这样的波普艺术家喜欢用平滑的笔触和很多单色块来模仿那些在广告和漫画中常见的艺术风格。2：而像安迪·沃霍尔则喜欢把电影明星和食品包装上的形象印在画布上。3:还有一些艺术家。如罗伯特·劳森伯格，则喜欢把粗线条拼凑在一起。所有波普艺术家都坚信，他们要呈现的是人们生活着的当今社会，而不是过去的社会．．艺术发展史上的很多时期，都会有一些艺术家以相似的主题、风格或灵感进行创作，被称之为“艺术运动”。波普艺术和印象派就是艺术运动的实例。如果我们回顾历史会发现，把艺术家用这种“运动”来加以区分是很容易的。在那个时期。艺术家们都是独立工作。他们在不同的地方进行艺术创作，不会互相抄袭作品。他们可能并不把自己看做是运动中的一分子。事后我们区分不同的运动是为了了解艺术的发展过程。新运动为什么波普艺术在20世纪50年代 得到了发展呢?那时世界上发生了什么事情?我们知道，欧洲的许多国家都在1945年第二次世界大战后期开始着手恢复国家的生产，但是美国和英国却从20世纪50年代开始就进入了一个新的繁荣期。这种繁荣推动了社会各领域的变革，艺术界的波普运动也由此产生。20世纪60年代纽约的百老汇，许多波普艺术家都从这里明亮的，诱人的广告以及其他流行的形象中获得过灵感。后战争时代的变革(方便快捷新颖渐成主流）到了20世纪50年代中期，美国和英国已经转型为消费社会。工业发展十分迅猛，人口激增，人们也变得越来越富有。与以往相比，他们为自己家人和家庭买的东西更多了。对许多人来说，他们的目标也变得现代和时髦，比如，在20世纪50年代，人们购买更大的汽车、电视、新款式的家具和电动剃须刀。像圆珠笔这种只用几次就被丢掉的一次性产品也第一次被摆上了商店的柜台。人们也开始购买在战争时期买不到的食品。这种新型食物在食用之前几乎不需要特别加工，比如汉堡包和袋装冷冻食品(电视快餐)。这些产品都可以在变得越来越大的超级市场中买到，而在私人开的商店里却很难买到。商用艺术的兴起因为人们的购买力越来越大，商家开始为卖出更多的产品而彼此竞争。他们需要有绘画技巧的人创造出商业艺术。这种艺术包括对产品的设计和能诱惑顾客购买商品的广告。广告业并不是新兴事物，但是在战后，商家都试图获取更高的营业额，商标名称和容易识别的广告形象变得比以往任何时候都重要。许多商品都在超市里被码放在一起；广告不仅出现在广告牌和招贴板上，而且出现在五颜六色的杂志中和电视屏幕上。在20世纪50年代之前，广告业和设计业的艺术工作者通常要从在艺术学校学习传统艺术课程开始，这些课程包括在过去的艺术大师的画作中学习油画的绘画技巧。在20世纪50年代，一种不用学习传统艺术课程的新型艺术学校成立了，这种学校是专为培养平面设计师而开设的。学生们在这里为日后能从事与商业艺术相关的职业作准备。便捷成主流在20世纪50年代的新型消费社会中，人们想拥有一种便捷的生活方式。从超级市场里堆放的各种各样的商品．到直接从冰柜里拿出的冷冻速食晚餐，都暗示出人们对“便捷”的渴望。商业艺术家需要为这些产品设计广告和包装。在20世纪50年代，广告商都急于想出精炼、响亮的广告语，这些广告语与产品图像结合起来可以使消费者更容易记住他们的产品。这段时期的著名广告语有：她用了?她没用?(伊卡璐发胶．1957年)滴滴香浓。意犹未尽。(麦斯威尔咖啡，1959年)只溶在口，不溶在手。(M&Ms巧克力，1954年)美国波普艺术之前的艺术从大约l942年到20世纪50年代，在波普艺术初始前后，美国主要的艺术运动是抽象表现主义。抽象表现主义1：有些抽象表现主义的艺术家，如马克·罗斯科，用几种丰富的深颜色浸满整块画布。2：而杰克逊·波洛克等其他艺术家开创了“行为艺术”，他们把颜料滴、泼或涂抹在画布上。3：这种作品是抽象的，因为它没有描绘出明显的、现实的主题。它是表现主义的，4：因为艺术家想要表达的是一种深层次的情感。1941年l2月，美国海军基地珍珠港遭到偷袭，美国军队正式参与第二次世界大战，随即抽象表现主义运动也开始发展起来。这是许多美国人第一次窥见欧洲大陆上战争的恐怖，因此一些艺术家认为现实主义的艺术形式不能很好地表达出他们迷乱的心绪。迷乱 迷 迷乱乱 迷乱抽象表现主义是20世纪40年代一种新的艺术运动。以杰克逊·波洛克为代表的艺术家。创造了一种有表现力的图像，用以表达他们对身边不断变化的世界的一种信仰。反传统艺术的诞生有些美国艺术家认为抽象表现主义太难于理解，于是开始在另外的艺术道路上寻求发展。比如艾伦·卡普洛和罗伯特．劳森伯格就认为比起一件已经完成的绘画或者雕塑作品，在艺术创作的过程中发生的事情更加令人兴奋。艺术创作的过程比结果更重要艺术创作的过程比结果更重要艺术创作的过程比结果更重要在20世纪50年代末，卡普洛组织了“偶发艺术”运动，1:在这种艺术形式里观众可以参与创作。2:在一些偶发艺术中，从椅子、食品到烟和旧袜子，艺术家可以用任何东西创作出艺术品。艺术家可以用任何东西创作出艺术品3:而在另一些偶发艺术中，艺术家只描绘常见的场景，比如在街上购物或是扫大街。反传统艺术的关键点在于观众可以在一个特定的时间和地点对偶发艺术作出反应。4:一些其他曲艺术家，比如雷德·葛鲁姆的偶发艺术就像是奇怪的戏剧。观众成员有剧本，这些剧本可以指导他们在这个作品中应该干些什么。偶发艺术被称做“新达达主义偶发艺术经常出现在画廊里，但在街道上、停车场里和其他不可思议的地方也会发生。这种反传统艺术的运动有时被称做“新达达主义”，因为这些艺术家的信仰和20世纪20年代达达主义艺术家的信仰十分相似。那么什么是达达主义呢下面是达达主义的链接 重新定义英国文化l951年5月，英国节开始了。此时第二次世界大战刚刚结束，英国的许多城市依然还是百废待兴。英国节的设立强调了英国人的自我身份及其工业的发展，它给予了民众一种国家正在复兴的信念，增强了民族的自豪感。英国各地都举办展览，科学发明的展品炫耀着英国所取得的成就。最主要的展览集中在伦敦南岸新建的艺术中心里但是这时人们需要一个真正的代表未来的东西于是 因为下面的原因 波普艺术诞生了与此同时，许多年轻人都希望重新定义英国文化，这种文化能反映出现代社会中人们的兴趣和生活方式。1：年轻的英国艺术家，如彼特.布莱克和理查德·汉密尔顿认为流行的形象，如新车的设计图、模特的照片、科幻漫画上的图片和电影场景对大多数普通人来说都比博物馆里和画廊里的传统艺术更有意义。2：汉密尔顿曾说：波普艺术是通俗的、廉价的、能大批量生产的、年轻的、聪慧的、性感的、好玩的、迷人的，同时也是一个大生意。”向西看美国对欧洲产生重大影响在第二次世界大战期间，美国对欧洲文化的影响越来越大，随着美国在战后成为一个超级大国，这种影响也不断延伸到更多的地方。与美国军队的接触和美国杂志、报纸的影响，使得越来越多的欧洲人对美国的影星和摇滚、蓝调等音乐形式产生了兴趣。在欧洲人眼中，美国被视为是一个无阶级的社会，在这里任何人都可以通过他们自己的技巧和才能取得成功。这与只有出生在富裕家庭并认识有权势的人才能成功的传统欧洲社会正好相反。英国艺术家开始对美国的文化感兴趣。汉密尔顿和爱德华多·保洛齐等艺术家组成了“独立小组”，他们从1952年开始在伦敦的新当代艺术中心定期会面。在这里这些艺术家互相展示美国杂志上色彩斑斓的图像，他们也组织展览展出用这些图像制作的拼贴画。第一件波普艺术作品是什么?许多人都认为第一件波普艺术作品是理查德·汉密尔顿1956年的一部拼贴画。它表现了一个“现代"的室内场景。这部作品的名字是《是什么使今日的家庭如此不同、如此吸引人?》。大约在20世纪50年代中期“独立小组"在伦敦的一次会议上，艺术家们开始正式采用“波普"这个词。艺术评论家劳伦斯·阿洛威在1958年的一篇文章中提出了“大众流行艺术’这个概念。虽然他指的是包括从电影到建筑学所有的艺术形式。而不是单指绘画艺术，但是“波普艺术"这个概念开始作为艺术领域的一次独特的运动被接受并保留了下来。美国波普艺术大爆炸在美国，流行商业艺术比英国更早地出现在广告牌以及杂志、漫画和报纸上。20世纪初期艺术家的作品中就出现了商业艺术的形象。比如，在20世纪20年代斯图尔特·戴维斯画了一幅漱口水瓶子的静物画。但是在20世纪50年代，美国艺术家开始对作为消费主义和工业发展的符号出现的流行图像的意义和重要性产生了兴趣。为了使这些符号更加明显，艺术家们喜欢用现实的艺术手法表现它们，而不是用艺术性很强的手法来表现。罗伯特·劳森伯格和贾斯伯·琼斯常被认为是美国最早的波普艺术家。琼斯有一件以箭术中的靶子为象征的作品。那些在商业艺术上更有经验的艺术家从新达达主义和偶发艺术中获取灵感。这些艺术家，如安迪·沃霍尔、罗伊·里奇特斯坦和克拉斯·奥顿伯格尝试在他们的作品中包含一些流行的物品。成了波普艺术运动的核心。一切皆美--所有存在的东西都可以是艺术品,只是呈现和表达的方式不同而已

让我们又回到波普的理论。波普经常引用科学解释的覆盖率模式，特别是在他的早期著作里。但是他也开始对对称论题产生疑惑，这种疑惑在不断增长。在对解释理论的检验中波普把预言看得过分重要，但这并不是说他把理论前提仅看做是生产预言的工具：“我认为理论家对解释的兴趣——即对发现解释性理论的兴趣——不能降低为对预言推理中的实际技巧的兴趣”（波普1965年第61页注；还有1972年a，第191—5页；波普和埃赛利斯，1977年，第554—5页；和上面的脚注①）。科学家们总是寻求解释，他们从中引出他们的解释中所固有的逻辑预言，以便检验他们的理论；所有“真”的理论只不过假定是真的，这种理论至今还反对证伪；换一种方式表达，所有我们掌握的、事实上真实的东西都被塞进那些尚未被证伪的理论里。 因此，一切事情都缠在我们是否事实上能对理论证伪，即使我们能，我们是否能果断地这样做。很久以前，杜海姆认为没有哪一个个别的科学假说可以对之进行结论性的证伪，因为我们总是检验全部前提，特定的假说是和辅助的论证连结在一起的，因此我们永远不能肯定我们所证实的或拒绝的是假说本身。这样，任何假说都能够不顾反对的证据存在下来，因此对这种假说的接受或反对在某种程度上是因袭的。举一个例子：如果我们想检验加俐略的自由落体定律，我们就一定需要检验关于空气阻力作用这个加俐略定律的辅助假设，因为加俐略定律是运用于绝对真空里的落体的，而在现实中绝对真空是不可能得到的；因此，由于测量仪器不能消除空气阻力的影响，就没有什么东西能够阻止我们撇开对加俐略定律的反对意见。杜海姆总结说，总之没有“严酷的实验”这样的事情（见哈丁，1976年）。据说黑尔伯特·斯宾塞的悲剧思想是非常漂亮的理论，这理论被一个与之不符的事实消灭了。实际上他不必为此担心：这种悲剧永远不会发生！ 波普不仅意识到了杜海姆的这种因袭主义者的争论，而且他所构思的全部方法论的确是用来对付杜海姆造成的困难的。由于在某些学术圈子里面还认为波普是一个朴素的证伪主义者，即他认为仅一个反驳的事例就可以推翻一个科学理论，因此很值得引用他自己对杜海姆的不可驳斥性论题的承认： 从事实的方面看，永远也不能得出对一个理论的结论性的反驳；因为人们总是有可能说实验的结果是不可靠的，或者断言在实验结果和理论之间存在的差异仅仅是表面的，这些差异将随着我们理解的进展而消失[见波普，1965年，第50页；又见第42，82—3，108页〕。 正是因为“永远也不能得出对一个理论的、结论性的反驳”，我们在战略上就需要方法论的限制，这个战略可能会被科学家们采纳来面对反驳捍卫他们的理论。这种方法论的限制不是波普的科学哲学的肤浅的附属物；它们完全是波普科学哲学的基础。人们并不总是意识到波普并不认为仅是可证伪性就能把科学和非科学区分开来；真正把科学和非科学区分开来的是可证伪性加上方法论法则，这些法则禁止他最初所称的“特别辅助假设”，后来他又称这种假设为“因袭主义战略”，最后称之为“免疫战略”（见波普，1972年a，第15—16，30页；1976年，第42，44页）。 如果我们读波普的《科学发现的逻辑》，寻找象“我提出这个法则……，”“我们将采纳这种方法论的法则……，”等等这样的用语，我们将发现不止20个这样的用语。列出这些用语的一些样本是很有启发的：① （1）……采纳这种法则，这种法则将保证科学论证的可检验性；这就是说，它们的可证伪性[1965年，第49页〕。 （2）……只有这种论证能够引用到科学中来，这种论证在主观内在上是可检验的[1965年，第56页〕。 （3）……就对我们的体系的威胁来说，我们将不用任何种类的因袭主义战略来保护我们的体系[1965年，第82页〕。 （4）……只有那样的[辅助性假说〕才是可以接受的，即当采用它们时不是降低，而是相反，能够增加对我们所讨论的体系的可证伪性或可检验性程度[1965年] （5）按照逆实验，在主观内在上检验的实验是既可接受的，又可拒绝的。对纯粹是要求讨论将来才发现的逻辑渊源可以不管[1965年，第84页〕。 （6）只有当我们发现可再生的效果拒绝一个理论时，我们才能说它[一个理论〕是被证伪了的。换句话说，只有当一个低水平的经验式的假说所描述的结果已被提出来并被证实了之后，我们才能接受证伪[1965年，第86页〕。 （7）……对于那些能被最严格地检验的理论应该给以优惠[1965年，第121页〕。 （8）……对于辅助性假设能不用就不用[1965年，第273页〕。 （9）……任何新的假说体系都应该承认或解释旧的、已证实的规律性[1965年，第253页〕。 在波普那里，正是这些方法论法则，包括可证伪性本身，构成了划分科学和非科学的标准。但是为什么有人要采纳这样一种划分标准呢？“我提出我的划分标准的唯一理由，”波普声称，“是因为它是富有成效的：在它的帮助下很多论点都能被澄清和解释”（1965年，第55页）。但是它对什么富有成效呢？对科学？只有当我们提醒自己说，只能用非科学的方式来证明对科学的追求是否正确，争论的表面循环才能消失。 我们想获得这个关于世界的知识，即使仅仅是容易出错的知识，但是为什么我们应该要这样的知识，这些知识还是那么深奥而仍然没有回答关于人的性质的形而上学的问题（见马克斯韦尔，1972年）。 “方法论的法则，”波普（1965年，第59页）告诉我们，“在这里被视为因循守旧。”注意他并没寻求借助科学史来为他的法则辩护，他的确明确地反对把方法论当做考察科学家从事科学活动行为的学科这样的观点（1965年，第52页）。他确实经常参考科学史——爱恩斯坦是灵感的一个特别源泉（波普1965年，第35—6页）——但是他并不认为他已提供了对科学家们所做的事的理论解释，不管人们是否意识到这一点。①他的目的显然是劝告科学家们怎样进行活动以便促进科学进步，他的方法论法则很显然是规范的，就象中世纪经院哲学家的著名法则一样，这种法则被称为奥卡姆的剃刀（Occam’s Razor），这种法则能被理性地进行讨论，但是不能被历史的反例所推翻。在这个意义上，波普的大作的标题《科学发现的逻辑》在两个论点上是使人误入歧途的。②科学发现的逻辑并不是纯粹的逻辑，而是一系列分析性的命题；他自己也说，“科学发现的逻辑应该是和科学方法的理论一致的”（1965年，第49页），并且正象我们所看到的，理论是由可证伪性原理加上散布在他的整部著作中的否定的方法论法则组成的。