乡村风景绘画创作研究论文

随着经济社会的飞速发展，人们对现代化幼儿教育的认识，已不仅仅是在现代化教育理念下的幼儿教育实践，高价、高消耗也未必带来高质量，如何进行教育资源的充分发挥和合理利用？它让我们更多地思考着教育的多元化、多样化，因而教育的民族特色与地域特色，应当得到充分体现，应当充分地认识到自然环境对儿童健康成长的重要性。陈鹤琴先生指出：大自然、大社会是知识的主要源泉。幼儿园课程应根据自然和社会的发展变化，科学地来组织和选择教材，引导幼儿从广阔的自然界、纷繁的社会生活中学习各种实际的、活生生的知识。 关键词 农村资源 美术教育 文化资源 我们幼儿园既是一所现代化幼儿园，又是一所有着丰富教育资源的农村县区幼儿园，处于独特的农村资源和乡土文化气息之中。近年来，随着教育理念的不断优化，《美术教育中幼儿环保意识的培养研究》课题研究的不断深入，我们把目光愈来愈多地投向农村资源的开发和利用，因地制宜地开展了丰富多彩的农村资源教育活动，充分让幼儿去感受、去领略、去体验乡土活动带来的快乐，培养他们继承和发展人类优秀文化遗产的胸怀和能力，以及环保节约的意识和品质。 一、有效利用农村文化资源进行美术教育 文化是人得以成长的核心因素，各地在自身长期的历史发展中，必然会形成一定的、有地域特征的地方文化，生长于此的人们会潜移默化受到这些文化熏染，成为文化的认同者。农村文化蕴涵着丰富而深厚的教育和文化价值。新沂特有的地理环境、钟吾文化、民间艺术、地域特色等都是丰厚的教育资源。新沂在巍巍马陵山、滔滔沭河水的滋养中，在钟吾古国、花厅文化的积淀下汲取丰富营养，形成了独特的文化内涵。这里有着许许多多的英雄人物、历史故事、民间传说、民谣、民间游戏、民间艺术、地方特产、家乡风光、特色经济、地方风俗……这些无不显现出新沂这块人杰地灵、深厚严谨、大气睿智的沃土的文化底蕴。有效利用和挖掘这些有价值的教育资源，丰富幼儿的生活，激发幼儿学习的主动性和积极性。 《纲要》指出：幼儿的发展是在与周围环境的相互作用中实现的，良好的教育环境对幼儿的身心发展具有积极的促进作用。环境育人是幼儿教育的特点。农村文化资源在幼儿美术教育中，彰显着无穷的魅力，是幼儿美术创作的源泉。 在一日活动中，我们把民间游戏和歌谣渗透进去，丰富幼儿的活动。在翻绳的游戏中，孩子可以边说歌谣边翻，这样既培养了幼儿的动手能力，增强了合作意识，又发展了幼儿的语言表达能力 ；民间工艺活动《绣花》，我让孩子们自己来试一试、做一做。首先，我和孩子们收集了绣花鞋、绣花枕头、绣花帽、绣花围兜等物品，开了一个绣花作品展示会，我便有意识地引导他们仔细地去观察作品，增加孩子的感性认识。其次，请会绣花的家长在孩子们面前进行刺绣，进一步给予孩子们足够的刺激，以激发他们自己动手制作的欲望。在孩子们自己动手做的过程中，让他们凭借自己已有的经验，通过一次次的实践操作不断提高水平。当一件件富有想象的绣花作品被装饰在活动室时，孩子们得到了成功的快乐，也感受到了民间艺术的特殊魅力，了解到了劳动人民的淳朴与智慧，体会到农村文化资源的博大精深。 二、有效利用农村自然资源进行美术教育 《纲要》 指出：“充分利用自然环境和社区的教育资源，扩展幼儿生活和学习的空间”。自然界的一切都可以作为我们良好的教育资源，大自然是孕育智慧的源泉，自然景色时时变化处处不同，是孩子们用来创作的最好的艺术表现对象，也是引发孩子们创作激情和热爱自然的好途径！带孩子来到田野，孩子会在与自然物接触的过程中，促使他们认识和了解自然物的生长规律，了解人与自然的依存关系，产生热爱自然资源的情感，培养孩子们对大自然保持着永久的好奇心和探究欲望。由此，一个个探索型美术活动应运而生，多彩的活动激发幼儿思维的火花。 随手可得的泥巴是陪伴孩子们的最好美术游戏材料。孩子们在玩玩、捏捏、做做的过程中，把泥巴变成了各种自己喜欢的物体。如用泥球做成糖葫芦、葡萄、太阳花、用泥条做成桌子、凳子，用泥球和泥条组成螃蟹、小鸟、蝴蝶、花朵，还制作了各种糕点、糖果、面条、水饺等等。孩子们在玩中做、做中玩，大胆创新，自由想象。 每当春夏秋冬田野里有不同的景色变化时，是培养孩子们审美情趣和动手能力的最佳时机。金秋十月我带孩子们去秋游，孩子们在野花飘香中，沐浴着大自然的雨露阳光。他们争先恐后地把自己观察到的，寻找到的告诉我：老师我发现小草变黄了，野菊花盛开了；我看到毛茸茸的芦苇随风飘荡，田野里的水稻金灿灿的；我还看到小树叶在跳舞呢……孩子们秋游回来把采集的各种树叶、花瓣，画一画、贴一贴，把摘回的野花野草插在牛奶瓶里，看到孩子们兴致很浓，我让他们讨论：怎样把树叶贴得生动美观？怎样把花、草、叶子插得漂亮？通过讨论，孩子们从无目的地贴画到有目的地贴，从乱插到懂得怎样配色，怎样布局才漂亮、有层次感。活动结束后，我把幼儿的作品布置在自然角、午睡室，这一幅幅作品正是孩子们所要表达的心声，他们看着自己的作品心中充满了成功的喜悦。 三、有效利用农村作物资源进行美术教育 农村的农作物种类繁多、形态各异、色彩丰富，是美术创作的绝好语言素材。给他们更广的想象空间，孩子们可以自己寻找适宜的材料进行制作，动手去表现自己所想表现的东西，体验其中的乐趣，从而更加积极地参与美术活动，发展幼儿各方面的能力，培养他们热爱家乡、热爱生活的情感。 在《有趣的种子》主题活动中，家长和孩子共同收集了各种种子：有鸡毛菜籽、毛豆、黄豆、扁豆、蚕豆、青豆、白云豆、红豆、荠菜籽、葫芦籽、玉米、花生、高粱等等。当这么多的种子聚集在一起时，孩子们可兴奋了，他们相互交流、相互介绍，嘴里还不时发出一声声赞叹：原来青菜籽这么小，豆类的种子这么多，好漂亮！丝瓜子怎么扁扁的和西瓜子有点差不多，赤豆是深红的，可以补血的，玉米种子藏在玉米棒上，棉花种子藏在花朵里等。确实从孩子的交流、介绍中，可以看出，孩子的好奇心求知欲已被激发，同时还产生了创作的欲望，我鼓励他们在晨间活动、午间、游戏时间玩一玩、贴一贴，一幅幅栩栩如生的种子贴画展现在孩子面前。 在班级活动区角的创设上，也紧随孩子发展的兴趣，在材料的提供上我注重了材料的原始性、体现内容的挑战性，让幼儿在与材料的互动中尽情的表现表达，大胆的想象创造。蔬菜是农村一年四季都有的农作物，有紫色的茄子、红色与青色的辣椒、红色的番茄、青色的蚕豆与毛豆、玫红的番薯、白色的萝卜、弯弯的黄瓜等等，都是孩子区角活动的好材料。我引导孩子们观察、想象，在他们眼中，这些五颜六色的蔬菜便是一件件生动活泼的物体。如孩子想象出青椒像青蛙、白萝卜像小老鼠、小猪、毛豆夹、扁豆夹像小船等，同时在孩子想象的基础上，我又为孩子提供了一些辅助材料，让他们与材料互动。橡皮泥、火柴、牙签、珠光片、各式蜡光纸等，幼儿自由探索如何使用工具与辅助材料将蔬菜制成各种有趣的造型。土豆，在孩子的手中稍稍添加了一些辅助材料便制成土豆刺猬、土豆长颈鹿、土豆孔雀、土豆小鸡等一系列富有童趣的土豆制品。白萝卜在孩子的操作中装上胡须、粘上眼睛、插上一个小尾巴，一只活泼可爱的小白鼠便展现在眼前。同时孩子们还做了小胖猪、小白兔、小山羊、小蜗牛等一些栩栩如生的小动物。丰富的农作物激发了孩子们的创作灵感，他们将自己的想象通过自己的创作，表现出了千姿百态的物体造型，大大的增强了孩子对区角活动的兴趣，提高了孩子的审美能力、动手操作能力和艺术创造能力。 同时孩子在与农作物的对话过程中不断拓展思路，他们把田野里的稻草、高粱秆、玉米皮等扎成不同的造型挂在教室的墙上，美化身边的环境……孩子们已深深感受到了农村资源的无穷魅力，在创造的天地间自由飞翔。 四、有效利用农村人力资源进行美术教育 《纲要》要求：“幼儿园应与家庭、社区密切合作，综合利用各种资源，共同为幼儿的发展创造良好的条件”。农村的各种能人、艺人是幼儿教育的良好合作伙伴，是宝贵的人力资源，应给予充分挖掘和利用。 首先，发挥特长家长的作用。“家长是重要的合作伙伴，应吸收家长主动参与幼儿园的教育工作”。我在美术教育中，积极争取家长的理解、支持，鼓励家长走进幼儿园，参与幼儿园的各项活动。把擅长柳编的、擅长画农民画的、擅长捏面人的、擅长制作农具的家长分别请到幼儿园，在孩子们中间现场展示。不能到幼儿园展示的我们就组织参观，参观瓜果大棚、参观养鸡场、孔雀园……这些活生生的画面，极大激发了孩子们的创作欲望，孩子们的区角游戏丰富了，编织的、制作的、剪贴的、刺绣的，各种游戏运用而生。孩子们的艺术创作生动了，创意、造型、用色、布局变得有想象、有创意、有童趣，平面的立体的艺术品千姿百态，各具特色。 其次，挖掘民间艺人的才能。新沂农村有着丰富的民间人才资源，剪纸艺人、面人艺人、门吊艺人、草编艺人、刺绣艺人应有尽有，他们个个都是身怀绝技，他们身上都散发着强烈的艺术感染力，他们的艺术品具有浓厚的乡土特色，他们是我们民俗文化的活化石，更是幼儿美术教育的珍贵资源。 我们定期邀请他们给我们做艺术顾问，给孩子们展示、指导，参与孩子们的活动，让孩子们从耳濡目染中受到熏陶。素有“文化艺术之乡”的新沂合沟镇，被联合国教科文组织授于“中国民间工艺美术家”称号的剪纸艺术家王桂英奶奶就居住于此，她的作品《小街一角》《烙煎饼》《春耕》《架电线》等，热情奔放，质朴、淳厚，富有浓郁的乡土气息，一直受到海内外人士的喜爱。热爱王奶奶和她的作品的孩子们，每次活动时都把王奶奶热情地“包围”起来，争先恐后地问这问那，孩子们不仅喜爱王奶奶随时剪出的活动场景，喜爱王奶奶聚精会神剪纸的样子，喜爱王奶奶的剪纸活动课，更被王奶奶几十年的剪纸艺术的执著所激励。这样生动的活动，对于孩子们来说，收获是太大了。在王奶奶的指导下，一件件作品如泉水一般，不断涌现，孩子们的一日生活的各个环节，午睡、游戏、吃饭等都走入了作品，教室里、午睡室里、走廊里到处都挂满了孩子们的作品，这些作品生动形象，生活气息浓厚。活动中孩子们收获的不仅仅是剪纸的艺术，还有一双发现美的眼睛、一双创造美的灵巧双手、一颗热爱生活、热爱民间艺术、热爱家乡文化的炽热的心。

绘画艺术是精神意蕴和绘画语言的结合体,是精神 文化 所依存的载体,透溢着时代的脉动。下文是我为大家搜集整理的关于绘画艺术 毕业 论文相关范例的内容，欢迎大家阅读参考! 绘画艺术毕业论文相关范例篇1 试论幻想与绘画艺术 摘要：人们都是希望有美好和理想的生活，像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是通过梦这种人的无意识的表现形式去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 关键词：白日梦;生活;艺术;美;绘画 一、幻想与生活、科技发明、艺术创造的意义 我们从长期被认为的最为黑暗和压抑的中世纪开始说起。无论是中世纪的精神生活还是世俗生活都是离不开希伯来―__文化这一核心。虽然我们认为中世纪整个时代是肮脏、混乱和丑陋的，但希伯来―基督__也孕育着生活的理想。这个社会理想就是骑士精神。 而在古希腊文化中将人放在自然法则中的至高无上的地位，因为希腊人认为他们和神的关系最为密切。(几乎每个希腊人都这样认为)他们把人的位置摆得很高，却痛苦的意识到了人类的伟大和人类潜在价值都是有局限的。将现实中对伟大的夸张和人类的种种局限结合起来(最大的局限就是生命是有限的)。帕特农神庙上刻着“Knowyourself”“nothinginexcess”。这两句话的言外之意是你不是神。这两者的结合就构成了希腊对人类悲剧性前景的认识。在人类的局限面前，梦的意义就凸显出来了。它是人类在理想中克服局限，促进达成愿望的一种手段。 梦既是我们在生活中活动的延续，而且其目的是使我们超脱日常生活，达成愿望。在生活中我们心事重重、悲痛欲绝时，或是我们竭尽全力在解决问题时，或是沉浸在快乐和甜蜜之中时，梦所展示的不但是现实的情调和象征，而且会产生对生活现实有所补充的内容，使我们对生活的憧憬和感受更加强烈。 二、幻想对绘画艺术的意义 白日梦对生活来说，它满足了生活的欲望，使生活充满憧憬和激情。让一切生活理想的创造力尽情喷发，让一切生活激情的幻想尽相涌流。像柏拉图和亚里士多德那样的许多哲学家和思想家在探讨理想时总是相信存在一个理想的完美国度，但是现实总是不是完美的，甚至是肮脏、混乱和丑陋的。艺术家的工作就是去修补这个不完美的生活和现实，使它重获完美，并通过图画把生活的这种理想的状态保存下来。 文艺复兴时期，特别是从阿尔伯蒂开始，艺术家谈艺逐渐成为时尚，艺术从中世纪以前单纯的“技艺”中脱离出来。艺术家的匠人身份逐渐下降，而知识分子身份逐渐上升。特别是瓦萨里的《艺术家传》出版后，进一步确立了艺术家的历史地位。这一时期主要是一些技法指南，随着文艺复兴的深入，艺术理论一方面继承了古希腊古罗马像柏拉图和亚里士多德的文艺理论，另一方面，又结合了艺术在技术和实践上得新的发展成果，使人们对艺术和绘画的理解进一步加深。 切尼尼《艺术指南》是第一个将“幻想”和“手工”放到同样的重要地位，因为艺术从古希腊到中世纪一贯的传统的作为一种工艺制作的活动，对“幻想”或者说是对 想象力 的强调，则是文艺复兴艺术浪漫主义特征的出现。库萨的尼古拉的《论戏球》表达了同样的思想：一个可见的球是先在于艺术家心中的不可见的球的形象。唯有心灵具有创造虚构事物的能力。心灵有创造观念的能力，进而发展这一能力来表现它们。 达芬奇的艺术理论主要见于他的《论绘画》。达芬奇认为“构思”(disegno)这个概念是作为艺术的灵魂，因而具有神性，它是在最高的层次上复制了上帝可见的作品。“构思”是从阿尔伯蒂开始为文艺复兴艺术家和美学家反复使用几乎成为谈艺论美的口头禅的一个中心概念。阿尔伯第即已将“构思”界定为源于精神，用线与角予以表现一种鲜明的规划，《艺术家传》中瓦萨里首先认为艺术家的创作首先体现为处心积虑的构思，当他将内在于心的构思外化，使作品既反映自然，又反映艺术家心中的完美形式即构思。构思即是在心得一种形式，也是用手予以实现的一种形式，实际上是兼顾了构思和 素描 或者说草稿来两个概念。 在弗洛伊德的理论中，特别是表现在《达芬奇和他对童年的一个记忆》，他进一步提升了艺术在精神方面的价值，他认为无意识性本能才是艺术家构思和创作的真正来源。无意识是弗洛伊德提出的意识、前意识和无意识三个人类心理结构部分之一，无意识就是大量的本能直接需要的东西被意识所压抑的产物，其主要内容是性本能。他认为达芬奇在艺术上有如此崇高的成就就是在于他小时候的恋母情结和自己的性本能转移，这样无意识性本能就成了决定艺术创作的根本动力和最深层的原因。 弗洛伊德认为，梦是人的无意识的表现形式，只有人在梦境之中，才能完全放松，人的无意识本能才不会被意识所压抑而尽情释放。艺术家就是一些被过分的性本能无意识需要所驱使的人，艺术家的创作和做梦一样，一次幻想就是一次愿望的体现，，也是一次无意识欲望的一次满足，幻想能使不能感到满足的现实生活和欲望在创作中得以释放。 艺术家就像孩子一样，怀有很大热情来创造一个幻想的世界，正是因为艺术家有很多的无意识本能实现不了，要用幻想性创作来代替满足。 参考文献： [1]《西方美学通史》第一卷古希腊罗马美学.范明生.上海人民出版社. [2]《西方美学通史》第二卷中世纪文艺复兴.陆扬.上海人民出版社. [3]《中世纪的衰落》.赫伊津哈.中国美术学院出版社. [4]《释梦》.弗洛伊德.商务印书馆. [5]《艺术指南》.切尼尼. [6]《论绘画》.达芬奇. [7]《诗人与白日梦》.弗洛伊德.BasicBook公司. [8]《艺术史的历史》.温尼?海德?米奈.上海人民出版社 绘画艺术毕业论文相关范例篇2 浅谈数字绘画艺术 摘要：传统绘画是一种古老的艺术门类，艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 关键词：艺术创作绘画数字化数字绘画 1946年第一台数字化计算机“电子数字集成和计算机”ENIAC(ElectronicNumericalIntegratorandCalculator)在美国宾夕法尼亚大学问世。在这60年里，随着科技技术的进步，个人电脑进入家庭，人工智能计算机辅助设计领域不断开发，电脑硬件的更新换代，计算机数字化也在迅猛发展，艺术家把数字技术应用到艺术创作中，从而改变了传统艺术绘画创作方式，也使艺术审美趣味发生了变化。 一、传统绘画艺术创作 1.艺术创作是以满足人们对娱乐游戏的需求为主要目的而创造虚拟人类生活事件的文化活动过程。创作出的文化产品称为艺术品，要想创作出公众喜爱的艺术品，创作者要不断提高艺术创作的语言技艺水平和创造新的语言风格。高水平的语言技艺和独特的语言风格，能够使创作出的虚拟事件在描绘上准确生动和别具特色，从而使艺术的表现力和感染力更强，才能够有效地创造出一定内容和特色的艺术作品。 2.绘画艺术是一种古老的艺术门类，是美术中最主要的一种艺术形式。它借助于可被利用的物质材料和相应的制作 方法 以创造艺术形象，运用笔、刷、刀、手指等各种绘画工具以挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种绘制手段，将颜料、墨汁、油墨及其他有色物质描绘和移置到纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面或图像，创造出可以直接看到的，并具有—定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。绘画艺术从材料、工具来分,其种类主要有：水墨画、油画、版画、壁画、 水彩画 、水粉画、素描、速写等。 二、沿革 所谓数字化，是指利用计算机信息处理技术把声、光、电、磁等信号转换成数字信号，或把语音、文字、图像等信息转变为数字编码，用于传输和处理，或以数字形式存放在计算机中,便于今后操作和处理。是以电脑作为绘画艺术创作工具，通过运用一定的电脑程序，进行计算机信息处理，把每个像素用若干个二进制数码进行编码而形成虚拟的视觉图像，并进行输入和输出。 1951年首台供商业应用的电子计算机获得专利，除了大量深入的技术研究，也偶尔涉及音乐和视觉艺术。由于大多数研发人员是科学家，他们没有受过专门的艺术训练，所以早期的电子艺术的美学价值并没有得到认可。美国年轻研究员诺尔可以算作第一批“数字艺术家”，他受到立体主义的影响，1963年用电脑绘出抽象图案《高斯二次方程》，尝试着在二维的画面中表达三维的空间。此时电脑对大量的艺术家来说是一个技术上比较难掌握的机器，数字计算机绘画作为一种新型媒介，还只是模仿传统媒介，并没有用来进行主流艺术创作、创造出新的美学体验和新的价值观体系。 随着电脑功能被进一步开发，艺术家逐渐利用电脑作为程序控制工具，将天幕当成画布将镭射光束作为画笔进行艺术创作，如德国艺术家皮尼的《奥林匹克彩虹》，美国艺术家巴拉德的《视觉化时间》。严格来讲，他们在本质上仍然以传统媒介为主，并非是在进行艺术与科技的探索，而是琢磨如何通过运用电脑这种时髦机械来迎合当时大众的口味。 1990年以来，个人电脑越来越普及并且越来越容易使用，新一代艺术家对电脑操作不再陌生，逐渐将其变成创作工具或者媒介。艺术创作过程从单纯地模仿传统媒介走向利用电脑程序在电脑中创作或自动生成，达到一定的艺术效果。新的技术促成了新的媒介，绘画和雕塑的历史让我们知道，每次革命均来自于概念和材料的不断发掘和更新，数字艺术这种新兴媒介的迅猛发展，改变了艺术创作方式，也改变了艺术欣赏的方式。 杜桑以来，艺术和生活的界限模糊了;数字艺术以来，真现实和虚现实之间的界限模糊了。数字艺术是以电脑为技术支撑的电子时代的新媒介，是艺术摆脱以视觉为中心的束缚过程中的一大飞跃。技术的发展促进了媒介的发展。传统的图的概念、内容和形式不再突出。艺术品的价值存在于通过媒介所传递的信息的交换之中，艺术家将把因特网当作最大的美术馆来展示他们的作品，当作直接向公众传播作品的工具。 三、绘画的工具选择 绘画艺术的数字化基本包含两个方面，一是设计手段的更新，它直接跟数字技术的发展相关;二是创造理念的更新，它主要是指创作者审美趣味的变化。技术是电脑硬件和绘画软件，绘画软件的构成分为矢量图和位图两大类，Adobe公司的Illustrator软件、Corel公司的CorelDRAW和Painter是众多矢量图形设计和绘图软件中的佼佼者;Photoshop是制作和处理位图图像的最好软件。矢量图形最大的优点是无论放大、缩小或旋转等不会失真;最大的缺点是难以表现色彩层次丰富的逼真图像效果。而位图图像能表现层次丰富、具有逼真色彩的照片品质图像，缺点是放大若干倍后会产生“马赛克”现象。图像质量决定于设置的分辨率(一个单位面积内所包含像素的个数)的高低，分辨率越高，图像就越清晰，信息量越大，文件也就越大。提高分辨率虽然可以使图像更清晰，但是，尺寸却会随着分辨率的增大而变小;反之，降低分辨率会使图像变大，画质会变得比较粗糙。像素数目、分辨率和图像尺寸可通过以下公式来理解。像素数目÷分辨率=图像尺寸。根据图像输出的要求，低的可设置72dpi的视频显示模式，高的可设置300dpi的打印机模式，还可设置高达2570dpi的照排设备模式。所以，多数艺术家采用Photoshop软件来进行创作。 结语 目前，人和电脑处于一种既矛盾又合作的关系中，电脑仍然在人的指挥下与人合作，艺术家利用电脑这种媒介进行创作。与传统媒介相比，虽然数字绘画有着自己独特的艺术语言，但基本原理(透视学原理、明暗关系、色彩关系等等)和其他艺术形式都是相同的。在绘画发展的历史中，出现了千姿百态的表现手段、形式技巧和风格特色，无论哪种形式，它最重要的应是依赖视觉来感受和欣赏造型艺术，要求艺术家的艺术创作的思想性与艺术形式要完美结合，既是现实生活的反映，也包含着作者对现实生活的感受，反映了画家的思想感情和世界观，同时还具有美感。在数字化绘画艺术创作中，电脑硬件和绘画软件是会不断更新和贬值的，我们更应该关注数字化对创作观念产生的影响，只有通过研究技术进而深入研究创作理念方面的变化，才是具有价值的，使人从中受到 教育 并得到美的艺术享受。 参考文献： [1]费箐著：《超媒介》中国建筑工业出版社 [2]意动影像编著：《Photoshop场景绘制》北京希望电子出版社绘画艺术毕业论文相关范例相关 文章 ： 1. 艺术类毕业论文参考范文 2. 美术系毕业论文范文 3. 美术毕业论文范文 4. 浅谈绘画艺术赏析论文 5. 优秀艺术毕业论文范文 6. 美术本科毕业论文范文

这种论文还是自己写比较好，请别人写体现不出自己的特色！

下面的是给你的成品论文，满意加分论文选择关键字：1.乡土油画题材在中国的地位、发展现状。2.油画语言的表达特点及独特规律。3.美术创作中怎样体现人文精神、民族。4.浅析中国经济与艺术发展关系。摘要：创作设计指导方向 1、版画 2、油画 3、平面设计论文指导方向：1、美术创作中的人性化运用。 2、油画创作的色彩运用3、书籍封面的构成。4、文学作品插图的艺术性。5、美术创作中的人性化运用中国版画研究：1.试析设计中绘画元素的运用。2.试论黑白木刻中点、线、面的运用。3.试析绘画中的形式与精神的关系。4.浅析黑白木刻中灰色的组织及表现。5.我看当代艺术理想的演变。6.绘画创作中的个性表现——谈谈我的毕业创作。7.中国山水画和西方风景画的比较。8.浅析中国画人物的形神论。9.传承、创新、流行——浅谈中国画艺术的现状。10当代西方绘画对中国绘画的影响。11当代室内设计的观点与发展。12装饰设计表现形态的多样性。13浅谈现代重色彩画中色彩的运用。14浅论谢赫的“六法论”对中国画的影响。古代园林与现代环艺设计。15传统因素在现代设计中的运用（比如中国画的造型、色彩、构图等因素在设计中的运用）。 16浅论《清明上河图》的历史地位以及影响。17现代流行文化对绘画的影响。18绘画（或设计）中的个人风格。19设计中的人性化问题。20论新具像绘画的兴起与其体现的时代特征。21论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。22论线条在绘画语言中的表现力。23装饰设计表现形态的多样性。24色彩在室内设计中的运用。25绘画创作的技法与形式语言的研究。26少数民族服饰、用具图案的研究。27艺术作品中的情感、形式及表现因素。28室内装饰的精神的个性化。29广告发展中国际化与本土化。30论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。31造型基础训练与创作及设计的关系。32艺术中的民族精神体现。33造型艺术中的个性化特征及寓于形式的“趣、奇、情、理”。34论绘画的再现与表现及写真与变实。35民间美术的发掘、传承与保护。36大美术”教学的社会调研。37少数民族服饰、用具图案的研究。38艺术作品中的情感、形式及表现因素。39寻找生命中的个性特征——关于绘画创作的思考40谈基础素描中的创造性思维。 41浅析艺术设计专业素描教学的意义。创作之我见—关于油画艺术的思考内容 提要： 美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。 艺术 美是真善美的高度统一，它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西，只是艺术借以表现自身的真正形式，而通常认为只是形式的东西，恰恰构成了一件艺术品的真正内容。美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。 关键词：艺术创作 艺术美 现实美 现实丑 内容 形式 美术作品的创作，是一种复杂的精神活动和生产制作活动。它包括两个相互衣存、互为表里的方面：一是对 社会 生活的观察、体验和审美认识；二是运用物质媒介材料和技艺手段将这种审美认识表现出来，使其物化。这样，一幅油画作品在成为艺术品之前，则要经历两个大的阶段，前者是创作的构思活动阶段，后者是美术创作的传达活动阶段。这种创作活动是一种追求艺术美的过程。那么，怎样的作品才是真正的艺术作品呢？或者说什么样的作品才具有艺术价值？苏珊-朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造，一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式，这种创造出来的形式是供我们的感官去知觉或供我们想象的，而它所表现的东西就是人类情感。” 在希腊语中，艺术一词兼有两种涵义：一是指美的作品；二是指创造、技巧、技艺。艺术品就是具有审美价值的人工技术制品。由此，我们又可得出一点启示，当我们称赞一部艺术品优美时，往往是蕴涵着两层意义：一是指这件作品的表现形态非常优美，二是指这件作品的制作技艺非常优美。这两种不同的评价，前者对物、对作品。后者对人、对艺术家。一件真正的艺术作品，必须满足两个基本条件：一是它必须是人类劳动和智慧的创造物，二是它必须能给人以精神上的愉快感受，即具有审美价值。这两点，可以说是艺术品与伪艺术品相区别的根本特征。首先我们应当排除一种错觉。有人认为，凡是优美的事物，就都属于艺术。这种看法没有区分优美中的 自然 美与艺术美。而自然美尽管可以是艺术的对象，却绝不是真正的艺术本身。油画创作表现的是自然美，是对现实美的再创造。 但艺术美不等于自然美，它高于自然美。油画作品反映的是现实美，现实中美的事物或事物的美，是油画创作的有力根据或根源。比如，这样一幅生活情景：在暮色苍茫的天空下，有一对衣着朴素，身体健康的农民夫妇，在田野斜斜相对而言地站着，都低了头，把手放在胸前，身边倒着一辆手推车和一个盛满马铃薯的篮子。他们在辛勤劳动了一天正要回家的时候，远处传来了教堂的钟声，于是他们脸上现出虔诚肃穆的神色，双双心情平和地做起了晚祷。这不是法国19世纪 农村 典型的生活景象吗？在这幅生活景象中，我们看到的不正是劳动人民那种纯朴善良的性格美和人与人之间和谐诚挚的关系美吗？是的。但是，这种现实生活中的景色和美，是法国农民画家米勒在他的名作《晚钟》里为我们描绘出来的。现实的生活是丰富多彩的，美术正是以这种在一定 历史 条件下多彩的现实生活为源泉而创造的。现实中无论人、自然事物或社会事物，只要与人类的社会生活相关，都可以成为美术创作的源泉。假若没有丰富多彩的现实生活，也就不会有所谓的美术。当然，现实中有些不美或丑的事物，也可以成为美术创作的根据，反映到美术中来，经画家审美意识的加工改造而成为美术作品的艺术美。实际上，人们对艺术与美有许多误解。人们总是以为艺术就是美的；凡是不美的就不是艺术，丑是对艺术的否定。事实上，艺术并不一定都是美的。即是说美术既能根据美的现实而创造现实美，也能根据丑的现实反映现实丑，并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美。为什么美的艺术可以表现丑恶？对于艺术家来说， 问题 并不在于表现对象的丑恶，而在于必须对丑恶作出卓越的表现。例如，在罗丹的雕刻名作《美丽的欧米哀尔》（又名《老妓》）中，现实的丑神奇地转化成了 艺术 的美。罗丹自己解释说：“平实的人总以凡是在现实中认为丑的，就不是艺术的材料——他们想禁止我们表现 自然 中使他们感到不愉快的和触犯他们的东西。这是他们的错误。在自然中一般人所谓“丑”，在艺术中能变成非常美、、、、、、委拉斯贵支画菲力浦四世的侏儒赛巴斯提恩时，他给他如此感人的眼光，使我们看了，立刻明白这个残废者内心的苦难——为了生存，不得不出卖他作为一个人的尊严，而变成一个玩物，一个活傀儡、、、、、、这个畸形的人，内心的苦越是强烈，艺术家的作品就越显得美，米勒表现一个可怜的农夫，一个被疲劳所摧残的、被太阳所炙晒的穷人，像一头遍体鳞伤的牲口似的呆钝，扶在锹柄上喘息时，只要在这受奴役者的脸上，刻画出他任凭“命运”的安排，便能使这个噩梦中的人物，变成全人类最好的象征。在作品中，现实丑的本质范畴转化了，其现实性削弱了，艺术性加强了。作品中的形象已经不是原来的现实中的丑的事物或人物，已经渗透了创作主体的认识、情感和评价等主观精神因素，从而成为一个典型形象。它从反面揭示出 社会 生活的本质真理，是形象的真理，亦即艺术的美。对丑的深刻剖析和否定，就是对美的肯定。罗丹的《老妓》是这样，委拉斯贵支的《赛巴斯提恩—莫拉》和米勒的《扶锄人》，朱耷的“白眼向人”的《荷花水鸟图》等都是这样。在国内外美术史上，有许多这样把现实丑转化为艺术美的成功之作。事实上，丑恶只是题材的丑恶，它只构成艺术作品的表现形式；而优美却来自艺术家的智慧和表现力的超绝，它形成了艺术作品的深层结构。由此可见，美的价值具有超越性。在自然美中，它超越自然，而达到仿佛拟人化的理性结构。而在人类的艺术中，它又超越了人类，仿佛回到了本色的自然，返噗归真。在油画作品中，通常被看作 内容 的东西，其实只是艺术借以表现自身的真正形式。而通常认为只是形式的东西，即艺术家对美的表现能力和技巧，恰恰构成了一件艺术作品的真正内容。人们对一件作品的估价，正是根据这种内容来确定的。拉斐尔的《圣母》像就是这样。在一个早以被表现过千百遍的旧题材中，他以自己的精湛造诣为之赋予了崭新的艺术内容。从而使这个已死的形式获得了新的灵魂和生命。他的这种艺术表现是如此深刻，正如黑格尔赞叹：“我们确实可以说，凡是妇女都可以有这样的情感，但却绝不是每一个妇女的面貌都可以完全表现出这样深刻的灵魂。”一个事物，只有当它以其现象的真实充分地体现出其本质的真理，以其具体的形式充分地表现出其内容的必然性，以其形象的个别性充分地显现出其种类的普遍性，而且这现象，这形式，这形象又必须是非常的突出，鲜明生动，那它才是美的。这就是美的 规律 。凡是美术作品都离不开形象，离不开生动的视觉形式；凡是优秀的美术作品都离不开创造高度真实、高度概括的视觉形象，离不开创造艺术典型；而创造了艺术典型的美术作品，都必定以其鲜明生动的视觉形式充分的表现出社会生活的真理，同时又都突出地体现出创作主体真挚的思想情感和个性的善。而这感情和善，作为审美价值，却体现了艺术在文化中内在的价值品格和价值理想。这就是艺术的美。在这个意义上，美术作品的艺术美，是真、善、美三位一体，高度统一的，在艺术审美经验中得到了融合。在油画创作中，艺术美是必然的。因为美，是一切艺术创作必须设定的自觉目的。每个艺术家，都应该在作品中显现他对于美的独特感受和理解。艺术理想的本质在于这样使外在的事物还原到具有心灵性的事物，因而使外在的现象符合心灵，成为心灵的表现。（黑格尔）而在 现代 社会，有些想借艺术平步青云的人，总是在思考着画什么，什么样的画才可以出名的 问题 。这种画缺少对艺术的真诚，缺乏那种能打动人的真实情感。这种人实际是在究研成功之路，而非 研究 艺术本身。画油画重要的不在于你画什么样的内容，内容只是作为一种载体来表达你对生活的种种感悟，对生活的态度。社会在不断 发展 ，我们的认识也在不断变化。绘画就是在记录这种变化，就像写日记一样，记录着对生活的理解，自己的感受，画自己感兴趣的，最激动人心的。其实可画的内容很多，关键在于能真实的反映生活，反映自己的真情实感。画画，最痛苦的莫过于心中有了灵感的火花，却无法把这种感动表现出来。黑格尔有名话很形象：“艺术家常遇到这种情形，他感到苦闷，但是由于把苦闷表现为形象，他的情绪的强度就缓和了，减弱了。甚至在眼泪里也藏着一种安慰。”绘画有时是一种情感的宣泄。绘画是一种视觉艺术，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。这种反映不是机械被动地照搬生活，而是一种高于生活的再创造。绘画创作是具有强烈个性和情感色彩的精神劳动，是生活与心灵碰撞之后激发出来的情感流露，，绘画作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。吴冠中说过：艺术家是最憧憬美的一群人。艺术家的天职就是要将自己血液中携带的，对人类的命运，前途那一缕淡淡的哀愁表现出来，感染他人引发思考。而我描绘生活在城市边缘人的印象，通过自己的视角观察体验 时代 的发展变化，用形象揭示人性中最善良，最质朴，最美好的一面。我深刻地感到他们有一种贴近我的心灵，伴随着我的呼吸的东西。具体说不清是什么，也许是一种感动吧！但他永远吸引着我，打动着我内心深处。 参考 文献 ：[1]《艺术的真谛》〔英〕赫伯特.里德著 王柯平译， 中国 人民大学出版社。[2]《美术社会观――当代美术与公共文化》 邹文著，人民大学出版社[3]《历代名画记》研究 袁有根著，北京图书馆出版社[4]《艺术 分析 与美学思辩》 何新著，时事出版社。[5]《美术概论》 高等 教育 出版社[6]《吴冠中速写意境》广东人民出版社[7]《李玉昌言谈录》 《中国油画》1997年第3期[8]《情感的寄托》 《中国油画》2003年第1期