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巴赫是一位多产的作曲家。他的作品包括有将近300首的大合唱曲；组成《平均律钢琴曲集》的一套48首赋格曲和前奏曲；至少还有140首其它前奏曲；100多首其它大键琴乐曲；23首小协奏曲；4首序曲；33首奏鸣曲；5首弥撒曲；3首圣乐曲及许多其它乐曲。总计起来，巴赫谱写出800多首严肃乐曲。 巴赫笃信宗教，是个路德教徒。他希望他的乐曲为教会服务，他的大多数作品都是宗教音乐。在音乐形式上他无意创新，而是把现有的形式推上顶峰。 在约翰·塞巴斯蒂安·巴赫去世后的半个世纪里，他的音乐大体上无人问津（但是值得注意的是那个时代的最伟大的音乐家——海顿·莫扎特和贝多芬极为欣赏巴赫的天赋）。新的音乐风格在发展，巴赫的“旧式”乐曲一时声消音灭。但是1800年以后，人们对巴赫乐曲重新发生了浓厚的兴趣，从那时起，他的声誉和名望与日俱增。在今天这个非宗教的时代里，巴赫远比他在世期间的名望更高。一位两百年前在风格和主题方面都被认为是旧式的作曲家，今天却受到了广泛的颂扬，这确是一件怪事，其原因何在呢？ 第一，一般认为巴赫是所有著名作曲家中水平最高的艺术家。他谙熟他的时代的所有音乐形式，并对其中任何一种都能运用自如，达到了炉火纯青的地步。例如他对旋律组合法（同时演奏两种或两种以上不同曲调的方法）在艺术上的精通程度堪称前无古人，后无来者。此外，他的管弦乐作品逻辑性强，变幻多样，主题贴切感人，旋律丰富多姿，因此他愈加倍受赞颂。 大多数严肃的音乐学生感到，巴赫作品结构的深刻性和复杂性比大多数其他作曲家那些更易理解的作品具有更加无穷的魅力。许多偶尔对音乐感兴趣的人认为他是阳春白雪，但是应该指出他的追随者并非少数几个音乐名流，他的唱片可能比除贝多芬以外的任何其他古典作曲家的都要畅销。从长远观点来看，巴赫或贝多芬的作品远比一位风靡一时的“流行”作曲家的作品拥有更多的听众，因为“流行”只不过是昙花一现，倏忽即逝。 巴赫在本册应排在何处呢？显然他应排在贝多芬之下：贝多芬的作品不仅倍受欢迎，而且他还是一位大胆的革新者，对音乐史的进程比巴赫影响要大。同样看来也应该把巴赫排在直觉艺术的主要人物米开朗基罗之后，远排在最伟大的文学巨匠莎士比亚之后。但是从巴赫音乐流传的持久性及其对后来作曲家的巨大影响来看，似乎应该把他排在任何其他艺术或文学人物之前。
浅谈西方音乐发展历程 ——以中世纪到巴洛克音乐的发展为例 摘要： 音乐来源于生活，同时通过生活中形形色色的事件进行艺术升华。最后成为了形形色色、万别千差的音乐将人类的情感共鸣熔铸于生活。而这就是音乐的魅力。 关键词：西方音乐 不同时期 宗教 正文： 在人类发展的历史进程中，音乐作为一门艺术根植于人类的生活之间。根据书籍史料的记载深入其发展研究，我们意识到音乐来源于生活，同时通过生活中形形色色的事件进行艺术升，最后成为了形形色色、万别千差的音乐。音乐能将人类的情感共鸣熔铸于生活。所以我始终认为音乐承载了历史，承载了人类的文明。 在当前的学习中，我意识到西方的音乐发展要比东方的体系更加成熟。在音乐史上，西方音乐更加占据了主导地位。作为典型形式突显的音乐艺术，它从古至今的每一次起承转合，都有其共通之处。而其在不断顺应历史发展的过程中也在去迎合当时社会发展的需求。所以音乐与社会发展的精神面貌、大众的信仰、宗教和哲学有着很强的关系。 一、中世纪时期的音乐启蒙。 受到艺术复兴的影响，在中世纪时期音乐的发展主要与宗教相关联。因为中世纪时期早期宗教内部的神学观念受到了一些哲学家的批判，由此产生了伟大的思想解放运动。在这样的背景下，中世纪的音乐主要是复调的宗教音乐和单声元素的普通作品，其宗旨就是为宗教而服务，为教皇而工作。 在此期间里，我们最为熟知的就是亨德尔的《弥赛亚》。这首歌曲也是与宗教相关，但是值得深思的是这部作品令咏叹调被大家所熟知和运用。咏叹调的出现丰富了声乐系统原有的功能，对于美声演唱有着很高的借鉴价值。而此后这部音乐作品的出现使得全世界认识了清唱剧。这也使得著名的《哈利路亚大合唱》也被搬上了历史舞台。其实总的来说，这样的作品都是为宗教而服务的，其受众也是宗教的信徒。但是优势在于传播的力度更广，价值也更高。 在这种作品传播开来后，一些音乐家根据这两种著名的音乐作品意识形态，将普通的音乐乐器进行组合进而创造出新的音乐作品。这也可以表明在中世纪时期这种音乐形式为流行起来，有了一定的规模。而在后期这种世俗的音乐也开始融入进宗教音乐的因素，使得这两种音乐互相影响彼此渗透，同时也引导百姓们的思想更为开化。 二、巴洛克时期的音乐曙光 在中世纪之后，音乐再一次迎来了巴洛克时期，这时期更具有时代特点。由于这一时期宗教改革，使得人文主义得到了解放，所以在思想上也摆脱了传统教会的桎梏音乐也开始得到了“新生”。 在巴洛克时期的音乐作品中，我最为关注的是蒙特威尔第的《冷酷的牧羊女》，在这部音乐作品中。蒙特威尔第提出的两种关于音乐的常规思想，第一种是古代风格，第二种是来自于古代哲学家柏拉图的哲学风格。在这部作品中，蒙特威尔第大胆地使用了很多不和谐音，在这期间“歌词应该成为和声的主人”这一观点也受到了大众的关注。引起了音乐届的热烈讨论。由此可见，巴洛特世纪的音乐更具有创新性。同时这期间的音乐成就，也是十分巨大的。 此外，在巴洛克时期歌剧的艺术创作已经走向了成熟。期间《奥菲欧》这部作品在歌剧历史上也有着非常高的地位。同样是蒙特威尔第的优秀作品，《奥菲欧》更显的是一部真正的歌剧。其戏剧背景来源于古希腊神话中阿波罗之子奥菲欧与尤丽狄茜的爱情悲剧。在歌剧中，小提琴的运用使得整部歌剧更加舒缓，而在此后，演唱者通过重唱与合唱的表演手法将戏剧推向了高潮，此后悲剧的出现场景则运用了大量的管弦乐器，这些乐器的合奏值得歌剧更具有“呼吸感”。 通过巴洛克时期两部作品的分析我们能清楚的发现：由于时间节点的特殊性，巴洛克时期没有传承与古代的音乐技法，也没有受到宗教太多的制约，同时在音乐上开辟创新出新的发展领域，这种情况将巴洛克音乐是发展潜力提升至最大。而其后期也出现了巴赫、亨德尔这样的大师，使得巴洛克时期的音乐歌剧形式得到了大众们的喜爱，进而受到了极为长足的发展。正因为各种各样的音乐形式都被开发出来，乐器的功能也极大的被丰富，这都为后期更多音乐家参与多种乐器的演奏提供了良有力的支持。 通过对这两个音乐时期的研究和比较，音乐的发展其实是尊崇着多元素的发展状态。音乐的风格和特色与时代背景有着密不可分的联系。作为青年学子，在日常学习中我们更需要丰富自身的精神素质。在平时的管弦乐器音乐类型作品上我们需要有度的把握我们开展音乐作品的模式，尽量去开展一系列的活动丰富自己的舞台经验，进而不断的去学习。当下我们现在的学习环境是一个跳板，是一个很好的舞台，在未来的学习中，我会不断的去突破自我，不断的超越，迎来自己成功的曙光。从而会在音乐表演中取得更加优异的成绩。 参考文献： （1）王一凡.圣桑《g 小调第二钢琴协奏曲》研究[D].山东师范大学2012 （2）朱蓉.钢琴演奏中的琶音[J].电影评介.2019(18) （3）余晓青.浅论声乐钢琴伴奏的艺术魅力[D].东北师范大学2009 （4）姜洋拉赫玛尼诺夫《d小调第三钢琴协奏曲》的演奏技巧初探[D].沈阳音乐学院2013 （5）刘洋试论钢琴伴奏能力培养的几个重要环节[D].山西大学2010
情绪的整合性： 巴洛克式音乐通常只表达一种情感。比如起始阶段是欢快的那全篇应该都是以欢快为情感基调。起始是悲伤的那全篇都是以悲伤为主基调。节奏: 因为要追求节奏上的连贯性，巴洛克风格的音乐在节奏上都保持一样，并且是不停的重复的。旋律： 巴洛克式音乐要求连贯性，通常最先出现的旋律也是贯穿整首乐曲的。力度： 通常巴洛克音乐的力度都是保持再同一水平线上，如果发生变化，变化会很突然。就好像突然的上了一个台阶一样。结构： 有韵律变化，复调。通常有2个或者2个以上的旋律线交替出现来吸引听众。和旋和低音连奏：和旋和低音连奏在巴洛克时期非常重要。乐器主要是用风琴和大键琴和一些低旋律的乐器像大提琴和低音管。最著名的人物是 巴赫时期 1600-1750（巴赫的死作为时代的终结）形式以歌剧最为突出，在当时的欧洲，皇室贵族们一般都有专门为自己服务的乐队，巴洛克式音乐在当时的上层社会非常的流行。我随便选了点我认为比较重要的还有很多我就懒得翻译了。我都是从我这学期的书上直接翻译的。因为我不是音乐专业的所以可能有些错误楼主见谅。
巴洛克(Baroque)，本义是指结构复杂、形式怪样的。其起源有如下两种。一是意大利B.克罗齐等人认为源出于Baroco，原本是逻辑学中三段论式的一个专门术语；另一说认为源出于葡萄牙语baroco或西班牙语barrueco，意为各种外形不规则的珍珠，引申为“不合常规”。巴洛克运用于艺术评论，最早出现在16世纪下半期。泛指各种不合常规、稀奇古怪，也就是离经叛道的事物。18世纪用作贬义，指违背自然规律和古典艺术标准。一直到19世纪中叶都是用于贬义而非艺术风格的名称。1888年H.韦尔夫林发表《文艺复兴运动与巴洛克》一书，对巴洛克风格作了系统论述，从此确定了巴洛克作为一种艺术风格的概念。 音乐的巴洛克时期通常认为是从1600年至1750年，从蒙特威尔地到巴赫和亨德尔。典型的巴洛克表现手法是声乐风格与器乐风格的交替进行。16世纪在反宗教改革的意大利，巴洛克音乐凭借着教会强有力的支持，逐渐兴起。这种色彩强烈始于宗教之外，最终被宗教所利用而为其服务的音乐风格，随着巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750）的出现而推向顶峰。巴洛克艺术也因意大利的强盛而不断向外传播，对整个欧洲音乐的发展产生了深远的影响。一直到1750巴赫的与世长辞，标志着巴洛克时代的终结。期间典型的代表作有巴赫的《马太受难乐》、亨德尔德《弥赛亚神曲》、维瓦尔蒂的《四季》等。据现代学者研究巴洛克音乐每分钟60～70拍的节奏与α脑电波一致，因此在阅读的时候配上巴洛克音乐会让你大脑活跃，灵感不断，也能增强记忆力。 巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。这种风格在反对僵化的古典形式，追求自由奔放的格调和表达世俗情趣等方面起了重要作用，对城市广场、园林艺术以至文学艺术部门都发生影响。巴洛克风格打破了对古罗马建筑理论家维特鲁威的盲目崇拜，也冲破了文艺复兴晚期古典主义者制定的种种清规戒律，反映了向往自由的世俗思想。另一方面，巴洛克风格的教堂富丽堂皇，而且能造成相当强烈的神秘气氛，也符合天主教会炫耀财富和追求神秘感的要求。18世纪20年代产生于法国的洛可可风格，就是在巴洛克建筑风格的基础上发展起来的。（ZHAI） 不管是音乐还是建筑，巴洛克风格有如下的一些特点：一、豪华，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二、一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力三、极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四、关注作品的空间感和立体感；五、综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六、浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七、大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。
中国唐装文化“唐装”说法的由来，有些“出口转内销”的味道，外国人称“华人街”为“唐人街”，自然把中式服装叫做“唐装”了。“唐装”的称谓，其实源于海外。唐代盛期，声誉远及海外，以后海外各国因称中国人为“唐人”。《明史·外国真腊传》言：“唐人者，诸番（外国人）呼华人之称也。凡海外诸国尽然。”在美国、东南亚乃至欧洲的华人居住区，亦因而被称为“唐人街”，而华侨自称唐人，正由于自古以来唐朝是让中国人为之骄傲的朝代。把住唐人街的唐人穿的中国传统风格的服装称为“唐装”，不仅顺理成章，而且早就在海外成为惯称，成为国际公认的中国人的称号。在20世纪初，在当时“中西服装并行不悖”的社会大背景下，粤、港、澳一带同胞就是以“唐装”、“西装”来区别中西打扮的。在2001年的上海APEC会议上，中国作为东道主请前来参会的亚洲及太平洋经济体的领导人穿“唐装”，并由之而掀起祥和喜庆的“唐装”新潮，这不仅是清代以降的传统与现代的融合，而且是流行规律的必然，更是中国在国际大家庭中地位与风度的体现。现在大陆所称的“唐装”，基本上是清末的中式着装，据APEC会议各国元首所穿“唐装”的主要设计者余莺女士说，“唐装”应当是中式服装的通称。当初他们设计好服装后,大家一起讨论给这套服装起名，最后决定把这种服装命名为“唐装”。这主要是因为国外都称华人居住的地方为“唐人街”,那“唐人”穿的衣服自然就应该叫“唐装”了。这种所谓的“唐装”是由清代的马褂演变而来的，其款式结构有四大特点:一是立领，上衣前中心开口，立式领型:二是连袖，即袖子和衣服整体没有接缝，以平面裁剪为主;三是对襟，也可以是斜襟;四是直角扣，即盘扣，扣子由纽结和纽袢两部份组成。另外从面料来说，则主要使用织锦缎面料。“唐装”并不是唐代的服装。"幞头纱帽"和圆领袍衫"是唐代男子最主要的服饰。"幞头"是一种包头用的黑色布帛。唐代是 "撰头"盛行的时代，"幞头"的样式也富于变化，尤其是在唐武德初年至开元年间这一百多年的时间里，"幞头"的形制经历过几次较大的变化。唐代的男子服装主要是圆领袍衫。传统的冠冕衣裳，只是在隆重的场合，如祭祖天地、宗庙等时偶尔用之，其他则以"幞头袍衫"为尚。袍服的用途非常广泛，上至帝王，下至百官，礼见宴会均可穿着，甚至将其用作朝服。袍服的款式，各个时期不尽相同，早期的袍服的袖子多用大袖，但大袖对域外的民族来说，则不太适宜。因北地寒冷，不便采用大袖,而采取紧裹双臂的窄袖。随着南北风俗习惯的相互渗透，这种紧身、窄袖的袍服样式，也被汉族人民所接受，而且成为唐代袍服款式的代表。唐代妇女服装可归纳为三种类型:1、窄袖衫襦、长裙;2、胡服;3、女着男装。这三种不同特点的服装，构成了盛唐女装的主流。妇女衣胡服、着男装,更是盛唐的一大特点。现在的“唐装”是源自清代的传统和现代的结合品。它既吸取了清代以降传统服装富有文化韵味的款式和面料，同时又吸取了西式服装立体剪裁的优势，使源自清代的马褂又重新登上了时尚舞台。现在穿着的“唐装”已经进行了很多改良。比如现在的中式服装很少用连袖，因为连袖就等于服装没有肩部，也不能用垫后，那样肩部就不够美观:传统中式服装是不收腰的，女士穿着缺乏曲线美，现在的中式服装都改成收腰的了:过去的裙子下摆非常窄，走路只能迈碎步，现在把裙摆做大了，便于活动;还有像旗袍，传统的开襟特别高，现代人尽管比过去开放得多，但穿起来还是有点别扭，所以开襟就低多了。如今，“唐装”的面料已不再局限于织锦缎面料，真皮“唐装”已面市并开始在白领阶层慢慢流行开来。真皮与“唐装”的结合不仅保留了“唐装”原有的雍容华贵、富态休闲的韵味，同时皮质面料和制作工艺使“唐装”显得挺括。中式的“唐装”被赋予了一些西式特征，使“唐装”得以走出礼仪服装、节日服装的小空间,日常生活以及工作中都能穿，拓宽了“唐装”的穿着场合。一些事业有成，生活条件比较优越的港澳台人士、归国人士，以及外籍人士是这类“唐装”的主要消费者。在中国经济处于上升时期的当前，“唐装”的兴盛似乎可以看做中华文明复兴的一种征兆。然而撇开它背后宏大的象征意义，“唐装”本身其实是一个颇模糊的概念，关于这个名词的内涵，时装界有多种表述，如“华服”、“中装”等。很多人对“唐装”的提法大惑不解：以中华之大，唐代以降，岂无装可穿？而“唐装”在文化领域则更是饱受置疑：中国人的衣服，为何要由外国习俗来命名，本非唐朝的服装，却因外国人称之为唐装，而中国人自己便人云亦云的也称唐装，岂不滑稽？其实，真正唐代人穿的长袍大袖，甚至离我们更近的明代袍服（两者其实是同一事物），并非不太可能重回流行。“长袍大袖”只是现代的人们对“古装” 的模糊认识（从夏商周时期一直到明末的传统中国人的穿着主体款式是“交领右衽，隐扣系带，褒襟广袖，峨冠博带”，其中，“褒襟广袖，峨冠博带”仅为礼服特征，而“交领右衽，隐扣系带”的特征则为礼服、常服所共有），也就是说，真正的唐装除了作为主体款式的礼服外，还有作为补充的“窄衣窄袖”的常服。这些服装自唐以来就有“汉服”或“汉装”的正式称谓（意为“汉民族的传统服装”或“汉族的民族服装”），经历将近四千年，一直自成体系，一脉相承，并深远影响了日本、朝鲜（韩国）、越南等周边国家，其中，日本的“和服”（汉服中的深衣款式），朝鲜（韩国）的“韩服”（汉服中的襦裙款式）便是汉服在这些国家的正常延续。真正的唐装的宽衣大袖的礼服更适合于祭祀、成人礼等庄重场合，而其“窄衣窄袖”的常服则更适合于劳动耕作及日常场合。随着自互联网发起，以都市青年白领阶层为骨干的“汉服复兴”运动的兴起，真正的唐装（汉服）在现代人们的视野中也并非“遥不可及”，源于外国人眼中的“唐人”而定义的“唐装”一词，正越来越多的受到人们的置疑。特点：其实“唐装”，基本上是清末的中式着装，“唐装”说法的由来，也有些“出口转内销”的味道，外国人称“华人街”为“唐人街”，自然把中式服装叫做 “唐装”了。 “唐装”的称谓，其实源于海外。唐代盛期，声誉远及海外，以后海外各国因称中国人为“唐人”。《明史?外国真腊传》言：“唐人者，诸番（外国人）呼华人之称也。凡海外诸国尽然。”在美国、东南亚乃至欧洲的华人居住区，亦因而被称为“唐人街”，而华侨自称唐人，正由于自古以来唐朝是让中国人为之骄傲的朝代。把住唐人街的唐人穿的中国传统风格的服装称为“唐装”，不仅顺理成章，而且早就在海外成为惯称，成为国际公认的中国人的称号。在20世纪初，在当时“中西服装并行不悖”的社会大背景下，粤、港、澳一带同胞就是以“唐装”、“西装”来区别中西打扮的。在2001年的上海APEC会议上，中国作为东道主请前来参会的亚洲及太平洋经济体的领导人穿“唐装”，并由之而掀起祥和喜庆的“唐装”新潮，这不仅是传统与现代的融合，而且是流行规律的必然，更是中国在国际大家庭中地位与风度的体现。唐装的源起时间离我们很近，因此比较容易重新融入我们的生活。比如说穿着唐装上衣，还可配以西裤、皮鞋，外面能罩风衣，里面衬高领衫……这种特质是唐装风云再起的文化层面以外的实用因素，但这个因素在流行中同样不可或缺。也就是因为这一点，真正唐代人穿的长袍大袖，甚或离我们更近的明代袍服，才基本上不太可能重回流行。它们的回归可能通过另一种形式，就是元素。据APEC会议各国元首所穿唐装的主要设计者余莺女士说，唐装应当是中式服装的通称，当初他们设计好服装后,大家一起讨论给这套服装起名，最后决定把这种服装命名为'唐装。这主要是因为国外都称华人居住的地方为'唐人街',那'唐人'穿的衣服自然就应该叫'唐装'了。另外，国外的一些华人也有称中式服装为 '唐装'的说法，所以唐装的取名也颇有国际化的味道。在如今唐装遍地都是的情况下，到底哪种服装才能称得上是唐装呢?其实，唐装是由清代的马褂演变而来的，其款式结构有四大特点:一是立领，上衣前中心开口，立式领型:二是连袖，即袖子和衣服整体没有接缝，以平面裁剪为主;三是对襟，也可以是斜襟;四是直角扣，即盘扣，扣子由纽结和纽袢两部份组成。另外从面料来说，则主要使用织锦缎面料。今天的唐装并不是唐代的服装。'幞头纱帽'和圆领袍衫'是唐代男子最主要的服饰。'幞头'是一种包头用的黑色布帛。唐代是 '撰头'盛行的时代，'幞头'的样式也富于变化，尤其是在唐武德初年至开元年间这一百多年的时间里，'幞头'的形制经历过几次较大的变化。唐代的男子服装主要是圆领袍衫。传统的冠冕衣裳，只是在隆重的场合，如祭祖天地、宗庙等时偶尔用之，其他则以'幞头袍衫'为尚。袍服的用途非常广泛，上至帝王，下至百官，礼见宴会均可穿着，甚至将其用作朝服。袍服的款式，各个时期不尽相同，早期的袍服的袖子多用大袖，但大袖对域外的民族来说，则不太适宜。因北地寒冷，不便采用大袖,而采取紧裹双臂的窄袖。随着南北风俗习惯的相互渗透，这种紧身、窄袖的袍服样式，也被汉族人民所接受，而且成为唐代袍服款式的代表。唐代女服变化万千，妇女服装可归纳为三种类型: 1、窄袖衫襦、长裙; 2、胡服; 3、女着男装。 这三种不同特点的服装，构成了盛唐女装的主流。妇女衣胡服、着男装,更是盛唐的一大特点。现在的唐装是传统和现代的结合品。它既吸取了传统服装富有文化韵味的款式和面料，同时又吸取了西式服装立体剪裁的优势，使古老的唐装重新登上了时尚舞台。现在穿着的唐装已经进行了很多改良。比如现在的中式服装很少用连袖，因为连袖就等于服装没有肩部，也不能用垫后，那样肩部就不够美观:传统中式服装是不收腰的，女士穿着缺乏曲线美，现在的中式服装都改成收腰的了:过去的裙子下摆非常窄，走路只能迈碎步，现在把裙摆做大了，便于活动;还有像旗袍，传统的开襟特别高，现代人尽管比过去开放得多，但穿起来还是有点别扭，所以开襟就低多了。如今，唐装的面料已不再局限于织锦缎面料，真皮唐装已面市并开始在白领阶层慢慢流行开来。真皮与唐装的结合不仅保留了唐装原有的雍容华贵、富态休闲的韵味，同时皮质面料和制作工艺使唐装显得挺括。中式的唐装被赋予了一些西式特征，使唐装得以走出礼仪服装、节日服装的小空间,日常生活以及工作中都能穿，拓宽了唐装的穿着场合。一些事业有成，生活条件比较优越的港澳台人士、归国人士，以及外籍人士是这类唐装的主要消费者如今，“唐装”已成为中外人士不得不提的关键词。正如面对“可口可乐”兵临城下，“娃哈哈”打出“非常可乐，中国人自己的可乐”的大旗，激发起国人蓄积已久的民族情感，自从2001年APEC领导人身穿“唐装”亮相后，国人就掀起了“穿中国人自己的服装” 的万丈豪情。岂止中国人自己穿，它还成为大洋彼岸的西方人的时尚标签，据说上海长乐路的中装一条街上，经常能看到一些美国人东摸摸、西看看，心情急迫地到处问“有和布什总统穿的那件一样的吗？”北京的一些“唐装”经营者更是自豪地称：“‘唐装’不仅是中华民族服饰，它还要乘APEC的东风带动世界潮流了。” 在中国经济处于上升时期的当前，“唐装”的兴盛似乎可以看做中华文明复兴的一种征兆。然而撇开它背后宏大的象征意义，“唐装”本身其实是一个颇模糊的概念，关于这个名词的内涵�时装界有多种表述，如“华服”、“中装”等。很多人对“唐装”的提法大惑不解：以中华之大，唐代以降，岂无装可穿？其实“唐装”，基本上是清末的中式着装，“唐装”说法的由来，也有些“出口转内销”的味道，外国人称“华人街”为“唐人街”，自然把中式服装叫做“唐装” 了。这样算来，唐装的源起时间离我们很近，因此比较容易重新融入我们的生活。比如说穿着唐装上衣，还可配以西裤、皮鞋，外面能罩风衣，里面衬高领衫……这种特质是唐装风云再起的文化层面以外的实用因素，但这个因素在流行中同样不可或缺。也就是因为这一点，真正唐代人穿的长袍大袖，甚或离我们更近的明代袍服，才基本上不太可能重回流行。在巴洛克时期，法国成为欧洲的中心。路易十四的太阳王朝时期，巴洛克艺术达到了巅峰。其艺术特征可以形容为过分夸张的激情、过度渲染的富丽堂皇、高昂的气度和感人的情调、形式的对比性和特殊灵活性、强烈的装饰感和动势。巴洛克时期服装风格可分为两个时期—荷兰式服装和法国式服装 。荷兰式服装的特色为3L （蕾丝、皮革、长发）荷兰时期特征主要是领子。因为那是荷兰盛行的大的披在肩上带花边的方形领子。这种领子叫做拉巴领外衣特征是繁多装饰性强的排扣，同时裤子延长到膝盖，裤腿紧绷着大腿。下面是长袜。女人从这个时候开始不用裙撑，只有西班牙还延续老的传统。裙子常常要有三层套着穿，显起来，一层层的装饰花边。袖子也很有特点，一节节的箍得臃肿。上衣要么齐脖子的花边大领，要么完全坦露到胸口。到了1650年以后，法国风格开始兴起。也就是现在最常说的那种巴洛克风格。主要一点就是缎带的使用，大量的缎带，大量的花边。巴洛克服饰的特点：花边、缎带、长发和皮革的时代。历史上没有一个时期的男人像这个时候一般妩媚化。男装最大的特点就是大袖子花边了，带马刺的靴子也成了时髦，还有羽毛大帽子和佩剑。这个时候时兴马甲，很短很小，有点像西装背心 ，突出的就是内衣。被大量丝带重重捆扎的内衣。一个男人一件内衣需要100多米长的缎带装饰。这个时候出现长外套，开始没有领子，后来出现大领。从上到下密密麻麻的排扣，装饰极为华丽。外套的口子只扣上边几个，下面全是摆设用。后来下摆还加了衬垫使衣服下摆向外翘起来。巴洛克后期开始时兴领饰，把一块细布打摺围在脖子上，用花边缎带扣住。这就是领带的前身。巴洛克女装的特点是大量褶皱和花边。无数的花饰。上衣流行紧身胸衣，外面套无袖的短外衣，在腰部是成“V”字形收紧的。法国时期开始把领口挖深加宽，几乎露出胸部以上全部空间。领口边缘用花边镶嵌，或是系一小段丝绸打上花结。 衬衫肥大，袖子有长有短，都镶着大量花边，有时候袖子打成很多段，每段都镶嵌花边，非常华丽。外出时穿外套，披着暗色的斗篷，或是男人样式的长大衣。女装的基本款式：上身紧身，夸张后臀部。女装在自然上稍有夸张，利用繁多而褶裥、凌乱的花边饰带和炫目的大小花饰去塑造雍容华贵。拉夫领型或敞领，紧身胸衣，多层而庞大的裙子，外层的裙前中开及腰高衩并将裙角拉到后臀，形成内外裙的对比。这种装束展现出女子特有的性别魅力。这个时期女人的帽子和男人差不多，而且也流行带假发。后期最为流行的是芳丹发型。头上用纱制成多重褶皱，高高耸起。头巾也是普遍要戴的。二十世纪世纪九十年代的简约主义在现在已经成为历史，时下古典主义风潮渗透到时尚舞台的每个角落，饰品设计更是着重于极富装饰性的巴洛克风格。巴洛克服装风格复古情怀的浪漫婚纱也呈现出一派奢华风格。仿巴洛克的提胸和束腰，层层叠叠的裙摆，在细节上将繁复且精细的做工体现得淋漓尽致，再融合现代流行剪裁与时尚元素，像蝴蝶结、褶皱等，创造出亦古亦今的别样风格。大朵的花形头饰是婚纱中最显眼的配件，它可以遮盖整个头顶，也可以绽放于任一侧，令人叹为观止。论文现在查的很严吧，楼主自己好好写吧。。。。
西方绘画对色彩的运用很强调，典型的有拉斐尔的“雅典学院”。这也是西方绘画与中国绘画最本质的区别。在致力于追求纯艺术的现代派画家看来，传统绘画搀杂太多的“非艺术的杂质”。实际上，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。传统绘画在艺术上的这种不纯粹性，主要表现在功利性和描述性等方面 。
巴洛克（Baroque）此字源于西班牙语及葡萄牙语的“变形的珍珠”(—barroco)。作为形容词，此字有“俗丽凌乱”意。欧洲人最初用这个词指“缺乏古典主义均衡特性的作品”，是一种带贬义的称呼，现今指17世纪风行于欧洲的一种艺术风格，以重视设计和效果的整体统一性，强调“运动”与“转变”为其特点。 起源于十七世纪的意大利罗马的巴洛克建筑是欧洲17-18世纪巴洛克艺术风格中的一个层面。是指在文艺复兴时期建筑的基础上，添上新的华丽、夸张及雕刻风气，彰现出国家与教会的专制主义的丰功伟业。随后传至德、奥、法、英、西葡，直至拉丁美洲的殖民地。从语源学上讲，巴洛克是一切杂乱、奇异、不规则、流于装饰的代名词。而这一时期的建筑也确实体现了这一点。它能用直观的感召力给予教堂、府邸的使用者以震撼，而这正是天主教教会的用意，即让更多的异教徒皈依。 巴洛克时期的建筑物，一方面有着更强烈的情绪感染力与震撼力，另一方面引人注目、炫耀教会的财富与权势。而且新的建筑风格尤其体现出新宗教教派的时代背景.十七世纪中叶，巴洛克风格转而表现于豪华宫殿上，首先在法国－－如巴黎附近由弗朗索瓦·芒萨尔设计的拉斐特城堡（Château de Maisons，1642），随后遍及欧洲。 意大利文艺复兴晚期著名建筑师和建筑理论家维尼奥拉设计的罗马耶稣会教堂是由手法主义向巴洛克风格过渡的代表作之一，也被称之为“第一座巴洛克建筑”。 教堂平面为长方形，端部突出一个圣龛，是由哥特式教堂惯用的拉丁十字形演变而来.中厅宽阔，拱顶满布雕像和装饰。两侧用两排小祈祷室代替原来的侧廊。十字正中升起一座穹窿顶。教堂的圣坛装饰富丽而自由，突破了古典法式风格。教堂立面则借鉴佛罗伦萨圣玛丽亚小教堂的处理手法。正门上面分层檐部和山花做成重叠的弧形和其三角形，大门两侧采用了倚柱和扁壁柱。立面上部两侧作了两对大涡卷。这些处理手法因别开生面，后来被广泛仿效。 17世纪中叶以后，巴洛克式教堂在意大利风靡一时，其中不乏新颖独创的作品，但也有手法拙劣、堆砌过分的建筑。而后，巴洛克建筑风格也在中欧一些国家流行起来，尤其是德国和奥地利。所以,当地的城市和建筑常有一种庄重感，且刚劲有力，又充满欢乐和兴致勃勃的气氛。 总之，巴洛克风格打破了对古罗马建筑理论家维特鲁威的盲目崇拜，也冲破了文艺复兴晚期古典主义者制定的种种清规戒律，反映了向往自由的世俗思想。另一方面，有些巴洛克建筑却过分追求华贵气魄，甚至到了繁琐堆砌的地步。然而，正是因为巴洛克风格不仅能使教堂显得富丽堂皇，还能造成相当强烈的神秘气氛，恰恰符合天主教会炫耀财富和追求神秘感的要求。因此，巴洛克建筑从罗马发端后，不久即传遍欧洲，甚至远达美洲，最终扩散至全世界。
室内装饰风格流派的色彩体现本文主要是通过各种室内装饰风格的流派来体现色彩的应用和搭配，采用案例分析和理论相结合的方式来阐述，案例将采用成都市内一现代风格家装为主要分析平台，再结合其他普通案例进行深入的分析和阐述。同时也要把色彩的属性和他在各个风格内的作用进行更加细腻的立体解析。研究色彩首先要立体的系统的了解色彩的作用和属性。只有了解了他的属性和作用才能更加好的利用他的特点来达到更好的装饰效果。在各种装饰风格中，比较典型的风格种类有古典欧式风格，日本风格，个性风格，现在风格，后现代风格，混合形式风格和简约风格以及中式风格等。风格 流派 色彩 体现引言：经过科学家的分析宇宙里存在的大约有1900万种颜色，一个正常人可以辨别大约680种的色彩，能感受到的主要是环境色彩和固有色。英国物理学家牛顿是第一个发现太阳的七色光谱，从而是人类科学的认识地认识了色彩。在室内装饰中每一个地方和物体都是有他的色彩的，主要包括吊顶，墙地面，家具，织物色彩等。随着时间，文化，区域，制度，科技等等的发展和变化使人们对建筑的功能和要求也有不同的追求，从而出现了很多的流派和风格。在我看来色彩对我们每一个人来说都是离不开的，色彩是对我们今天的社会非常重要的。对于建筑室内装饰也是一样，从人类认识色彩的那一刻起人类就对每一种色彩的认识有了一个基本的概念，随时间的发展和各个区域对人类对每种色彩的不同爱好，在加上每个民族区域的风俗习惯和地理环境的不同是每一个区域的建筑也有很大的区别，从而使每一个不同的建筑风格有他相对统一的色彩。室内的色彩包括吊顶，墙地面，家具织物色彩的设计和选择。科学的用色有利于人的身心健康，除了视觉产生影响外，还直接影响人的情趣和心理，要充分利用色彩的多种变化，既符合功能要求又要能获得更美的效果，室内空间不论的吊顶的处理还是家具的款式，大小，形状和色彩等，都不能脱离它所处的实体空间环境，色彩和形态具有同样重要的作用，有时候甚至色彩比形态更重要。室内装饰风格流派的色彩体现1.色彩的搭配的价值和重要性（1）论述色彩的属性谈到色彩我们都知道它有三大属性：明度、色相、饱和度所谓明度就是表示色所具有的亮度和暗度被称为明度。色彩可以分为有彩色和无彩色，但后者仍然存在着明度。作为色相，指的是这些不同波长的色的情况。在色相环上排列的色是纯度高的色，被称为纯色。在色相环上，与环中心对称，并在180度的位置两端的色被称为互补色。用数值表示色的鲜艳或鲜明的程度称之为彩度。有彩色的各种色都具有彩度值，无彩色的色的彩度值为0，对于有彩色的色的彩度（纯度）的高低，区别方法是根据这种色中含灰色的程度来计算的。彩度由于色相的不同而不同，而且即使是相同的色相，因为明度的不同，彩度也会随之变化的。（2）论述如何更好的搭配色彩在室内的装修中色彩的搭配是有很重要的讲究的，如何能利用色彩的合理搭配创造出更好的居住空间，要从自己对色彩的喜爱程度，色彩对个人的心理属性以及自己对空间的心理需求来确定的。不同的颜色进入人的视野，刺激了大脑，使人产生冷，热，深，浅，明，暗的感觉，也产生了安静，兴奋，紧张，轻松的情绪效应。一般小型化结构的住宅以单色为宜，采用较明亮的色彩，如浅黄、奶黄，以增加住宅的开阔感，利用住宅色彩衬托您的家具使住宅或显朴素大方或显庄重高雅。一般来说每种风格居住空间的色彩搭配都有他自己的原则。具有‘阳光味’的黄色调会给人的心灵带来暖意；如果不想要统一的色调在整体中带点新的变化，采用活泼的色彩组成，粉红色配玫瑰白，搭配同样色系组成的沙发，窗帘，靠垫委婉而多情；冷灰色常给人粗糙，生硬的印象。但在宽敞的明亮的空间，大胆选用淡灰色，反而使你的白色床具和窗棱更为肃静高雅。不过也要穿插一些讨自己喜欢的鲜艳色彩；蓝色有镇定情绪的作用，非常适合有理智感的选择。2.各种装饰风格的色彩搭配体现和分析（1）古典欧式风格欧式风格的底色大多采用白色、淡色为主，家具则是白色或深色都可以，但是要成系列，风格统一为上。在古典欧式风格只能中主要分为巴洛克式，洛可可式等类型。起主要构成手法有三种，第一类的室内构件要素，如柱式和楼梯等；第二类是家具要素，如床，桌椅和几柜等，常以兽腿，花及螺钿雕刻来装饰；第三类是装饰要素，如墙纸，窗帘，地毯，灯具和壁画等巴洛克式，产生于公元17世纪，它的主要特点是在造型上以椭圆形，曲线和曲面为主要形式，强调变化和动感；将建筑空间设计与绘画和雕塑结合营造出富丽堂皇的室内效果；室内色彩以红，黄等纯色为主，并大量饰以金箔，宝石和青铜等材料进行装饰，表现奢华的效果。室内和家具的豪华，富丽的特点，充满了强烈的动感效果。洛可可式产生与公元17-18世纪，他在设计上追求华丽，精致和繁复的艺术效果，主要特点是室内装饰呈平面化，注重曲线的使用，室内色彩以鲜艳的颜色为主，比较明快，如靛蓝，嫩绿和玫瑰红等；线脚多用金色，还采用大量中国式装饰和陈设，喜欢闪烁的光泽，大量镶嵌镜子，悬挂晶体玻璃的吊灯，墙面多用磨光大大理石，喜欢在镜前安装烛台，造成摇摆的迷离的效果。(2) 现代风格现代风格它是比较流行的风格，追求时尚和潮流，以造型简洁新颖，实用为目的，注重室内空间的布局合理与使用功能的完美结合。没有过多的复杂造型和装饰，也不追求豪华，高档和绝对的个性，重视家居的选用及色彩的搭配，追求‘少就是多’的观点。现代设计派大师赖特提倡室内设计与建筑设计协调一致，不仅满足现代生活需求，而且强调艺术性，具有当今时代感的建筑形象和室内环境。如一间现代风格的居室，利用不规则墙面形成壁面家具，同时这一墙面也起到美化居室的作用。地面、天花板均朴素、淡雅，无一多余饰物，显得简洁、舒适、大方，令人赏心悦目。（3）后现代风格它是由对现代主义纯理性的逆反而出现的一种设计风格，反对现代主义‘少就是多’的观点，强调建筑的复杂性和矛盾性，使得室内设计繁多复杂。① 强调室内设计应具有历史的延续性，崇尚隐喻与象征手法，提倡多样化与多元化。它通过传统建筑原件以新的手法加以组合来实现。② 多用夸张，变形，断裂，折叠，二元并列等装饰主义的设计手法，在表现上具有刺激性，使人有舞台美术的视觉感受，达到了雅俗共赏的目的。（4） 混合形式风格混合形式风格是指把不同时代，不同风格，统一时代不同风格和不同民族，各不相同的东西糅合在一起，把同一民族和新旧各不相同的东西结合在一起，也就是说把不同国家，不同风格元素结合在一个室内空间里，呈现多元化的风格特征。用非传统的元素结合传统构件，给人以现代传统室内装饰的种种联想。但并不是将各种形式任意拼凑，互不协调，缺乏整体感，而是把传统文化脉络与现代设计观念和方法相结合，是多样丰富的设计语言。例如贝聿铭先生在北京香山饭店的设计中，以中国的影壁，牌楼，粉墙，灰砖，天井，方圆母题，民间磨砖对缝的工艺，以及云南的石头，东北和山东的卵石作为传统的设计元素。兼容并蓄，推陈出新，反映时代性，民族性与地方性。在室内设计中，采用传统，民族，地域或自然等元素并加以简化，提炼，在用新的手法组织这些简练了形式，构成具有新意义的形式。既趋于现代实用，又吸收传统的象征，融古今中西与一体。（5） 简约风格简约风格 现代主义建筑和室内的主流风格之一，是一种符合审美规律的艺术简化，追求的是由发杂趋于简单的视觉效果。装饰要素有金属灯罩、玻璃灯，高纯度色彩，线条简洁的家具。它主张设计中突出功能，强调自然，形式简洁，在设计时奉行删繁就简的原则，减少不必要的装饰，色彩的凝练和造型的力度也是“少就是多”更高层的体现。简洁要克服现代主义的单调乏味，缺少人情味的缺点，追求丰富，多层次和多方位的表现，但丰富的表现并不是无意义的堆砌，而是经过提炼后符合时代精神的简洁形象。简洁与丰富是并存的，简洁的设计形式是现代社会的特点和发展趋向，具有丰富的包含性，丰富的词汇融合在简洁之中。在简约室内设计中空间简约了色彩就要跳跃出来。苹果绿、深蓝、大红、纯黄等高纯度色彩要大量运用，大胆而灵活，不单是对简约风格的遵循，也是个性的展示。（6） 中式风格中式风格 中国室内设计的传统风格比较讲究端庄气质和丰富的文化内涵，从家具的陈列到陈列品的布置，常采用对称的手法来达到稳健，庄重的效果。装饰要素有红木灯、羊皮灯＋咖啡色、适当的金色＋中式家具，在色彩方面很多人都感觉中式的室内色彩略显呆板，其实只要是搭配好都很漂亮，中式家具或配饰一般颜色较深，而适当的金色则会让中式更有味道。因为在中国传统文化中，金色是权利和地位的象征。金色的小面积点缀和运用，可以与深色家具形成鲜明对比，使色彩变化更丰富。主要用色有红，黄，紫色，金色等，装饰品及黑、红为主的装饰色彩上。室内多采用对称式的布局方式，格调高雅，造型简朴优美，色彩浓重而成熟。新中式家具偏重暖色调，表面大都作亚光处理。避免繁复的“雕梁画栋”造型，简简单单更能体现典雅大方。（7） 地中海风格地中海风格地中海周边国家众多，民风也各有不同，但独特的气候特征还是让他们出现了一些相同的特点，他们的设计元素主要是白灰泥墙，连续的拱廊与拱门，陶砖，海蓝色的屋瓦和门窗。这种风格的灵魂目前比较一致的看法就是''蔚蓝色的浪漫情怀，海天一色，艳阳高照的纯美自然’。他的主要色彩搭配有蓝与白，这是比较典型的地中海颜色搭配，希腊的白色村庄与沙滩和碧海，蓝天连成一片，甚至门框，窗户，椅面都是蓝与白的配色，加上混着贝壳，细沙的墙面，小鹅卵石石地，拼贴马赛克，将蓝与白不同程度的对比与组合发挥到机制。黄，蓝紫和绿，南意大利的向日葵，南法的薰衣草花田，金黄与蓝紫的花卉与绿叶相映，形成一种别有情调的色彩组合，十分具有自然的美感。土黄及红褐，这是北非特有的沙漠，岩石，泥，沙等天然景观颜色，再辅以北非土生植物的深红，靛蓝，在加上黄铜，带来一种大地般的浩瀚感觉。3．案例分析案例来自成都一个普通白领阶层的装修方案，由于是年轻人，不喜欢太过复杂的装饰，采用了现代的装饰风格。住宅是一个100平方左右的住房，主人暂时没有孩子，把原有的老人房改为书房。主人在色彩方面喜欢大面积的暖色，特别是乳黄色所以在设计的时候客厅和餐厅的背景墙上实用了大面积的淡淡乳黄色，看上去比白色稍黄一点，即达到了主人的意思，也更好的使空间不完全被同一种色所包括。电视墙是用黄色的硅藻泥材料做成，使主人刚刚进门的感觉给人一种温馨家庭的感觉，同时在家居方面特别是沙发点缀了一点是冷颜色，因为如果在大面积的黄色背景下没有一点冷色，会使人的心情变的急躁，长时间会有抑郁的趋向，所以在家居的选用上我们选用的了冷一点色彩。在地面的色彩选用上，地砖还是采用了淡黄色的地砖，但是在客厅的中沙发的地毯我们选用了黑色的地毯，一方面是考虑在整个空间里没有重颜色的沉稳，还有就是搭配一点黑色能使空间看着更加的舒服。再在空间配置一点绿色的植物，使主人进门的感觉即温暖又清新。总结我对室内装饰风格色彩体现的主要认识是，由于时代的进步，精神，物质等诸方面都有了很大的提高，在室内装修色彩的方面也同样如此，很多的现代人把原来固定风格的装饰色彩给打破，注入新的血液。在我看来不管是原来某种风格内的主要传统用色还是现在的新色彩都能接受，因为色彩搭配的一个重要的基础或者是底线就是色彩没有绝对的对和错，只有合理的和不合理的区别。所以在室内装饰色彩的搭配上，利用每种风格的传统用色和客户自己的喜爱色彩，最后在根据设计师的统一调和处理。总之不管怎么搭配都是为了室内色彩的效果更好的体现出来。参考文献:1. 《建筑与室内设计的风格与流派》文健 北京-清华大学出版社 20072. 《风格的特征》（法）罗伯特杜歇著 北京三联书店 20033. 《风格与流派》庄裕光 天津-百花文艺出版社 20054. 《室内设计与应用》黄凯 杨林著 合肥-合肥工业大学出版社 20045. 《国内当代建筑与设计 张汽 矫苏平著 北京-中国建材工业出版社 20056. 《色彩构成》 李鹏程 王炜著上海人民美术出版社 20067.《外国美术史》 中国美术学院 高等教育出版社 2005
随着国内服装设计 教育 的发展,学院专业教育已经成为连接服装产业和设计人才之间的重要纽带,服装设计人才的培养为我国服装产业可持续发展不断注入新鲜血液。下面是我为大家整理的浅谈服装设计论文 范文 ，供大家参考。
《 谈谈舞台服装设计 》
摘要：本文主要从舞台服装的历史背景开始谈起，舞台服与消费者日常着装不同，舞台服要表现剧本内容，考虑剧情渲染。它不同于生活装也不同于流行时装。舞台服有它独有的特征和舞台审美需要。舞台服装特征是多角度，深层次的。
关键词：舞台 服装 造型 材料 表现
中图分类号：G712 文献标识码：A DOI：
1 引言
在古希腊戏剧演出时，演员戴着色彩绚丽的 脸谱 ，穿厚底的靴子，采用标志性图案的衣服和裤子起到夸张人体的效果。观众距舞台很远，也能看清角色。现代戏剧及舞台美术的设计思想不断变革，为写实、非写实的舞台服装设计者开创了各自的广阔天地。
2 舞台服装的内容
舞台服装一般分人物服装、演员服装两大类。舞台服装不同于时装或生活服装。舞台服装有着自身剧情需要。首先就是它的美化效果，其次是时代效果，再次是服务效果。 由此可见，舞台服装是多元化的，需要从事舞台服装设计师深刻领悟，才能设计出广大戏剧 爱好 者喜欢，又符合剧情需要的经典作品。
3 设计舞台服装的的四个要素
我们知道，时装设计师多是依靠个人思维和主观性进行服装造型、色彩变化、面料改造。而舞台服装设计师却要受到很多客观因素的制约，影响舞台服装设计四个要素：剧本、导演、演员、舞台。
舞台服装设计之前，设计师必须反复阅读剧本，通过揣摩和分析渐渐转化为人物形象，并通过服装语言表现出来。人物信息研究，让人印象深刻过目不忘的舞台服装，具有标志性和代表性。准确、深刻表达是对剧本，角色的诠释。好的舞台服装直接关系到一个剧目是否成功。
不同的导演执导下，应有不同的构思。由于导演人生经历不同，受到东西方 文化 影响，审美自然各有千秋，各有喜好。舞台服装设计师应随机应变，适应不同风格的导演。沟通、磨合、聆听，阐述自己的设计理念与表现手法。利用一切技术处理手法，结合导演对剧本的要求，可以造型夸张变形，色彩多样丰富甚至怪诞。新版《红楼梦》的服装设计就是一个很好的例子。结合导演理念，加入中国戏剧的元素，创造出全新的舞台服装。
演员是舞台表现的灵魂，形象、性格、气质与学识构成了他的个人魅力。舞台服装符合剧情，导演也欣赏，但是未必合适演员的形象特质。服装与演员良好的结合，是舞台服装设计必须思考的问题。杨丽萍《孔雀》舞剧，结合她的纤细形体，加入夸张的色彩，以及舞蹈特有的动物元素，设计出来的舞台服装产生了强烈视觉冲击力，是设计作品的典范。
以“舞台”为标的物的设计，舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具。它们影响着角色的外部形象，没有光的配合，整个演出将会黯然失色，平淡而无味。舞台布景需要灯光来渲染气氛。在2013年cctv 春节 晚会的舞台表现中，加入大量的灯光设计，同时配合情景服装，给了全国人民一个全新的视觉享受。
4 舞台服装设计中材料的运用
服装材料，可以各种全新的面貌出现。柔软型面料可任意塑形，产生的线条柔顺，优美。硬挺爽型面料制作的服装立体丰满，外形膨胀，视觉面积大。光泽型面料在灯光的照射下发出七彩的光芒，炫目灵动。透明型面料质地轻薄而通透，具有优雅而神秘的艺术效果。
打破常规的服装选材，运用人工合成材料。如建筑材料的使用;有石头、木材、金属条、各色玻璃等。包装材料的使用;卡纸、塑料、喷画等。植物材料的使用;新鲜的花朵，风干的花束，植物的根茎，树叶等都是很好的舞台服装选材。对面料进行改造，运用材料的多次缝制粘贴及 刺绣 色彩的搭配，化学腐蚀抽纱烂花改变面料的质感。使面料形成不规则，不对称，不完整的破烂质感，会给观赏者产生意想不到的视觉冲击，具有超现实主义的意味。
5 舞台服装设计中解构主义的表现
从结构到解构，是时代发展审美的新趋势。因为它充满个性，富有生机，聚集表现力受到推崇。解构主义是建立在对传统空间结构的怀疑基础上，设计重新分解，完全背离服装人为的穿着理念，变构重建从独立的艺术品的角度去考虑舞台服装设计的理念。毫不犹豫的摧毁传统，以现实感、随意感，以自由的心态，采用扭曲变形，折皱拼接进行混搭。使舞台更具活力，表现更有张力。同时加入建筑、雕塑的空间元素，脱离服装原有的人体工程结构，看似凌乱无形，却充满强烈的生命力。服装体积巨大，外形怪诞的解构主义设计更能在舞台上独树一帜，受到观众的喜爱。
6 舞台服装发展现状及趋势
舞台服装设计的现状，舞台美术设计从简单幕布式搭台布景，到立体化实物化并运用各色幻灯和电子激光，逐渐形成舞台设计的潮流。以往舞台服装单调的款式、过时的色彩、保守的造型，都不能满足现在舞台美术设计的需要。多样性、时尚感的创新意识，融合社会 热点 话题，将娱乐大事件、影视大片等观众关注的内容融入服装设计理念中，对创作意图至关重要。观众能直观的欣赏到更为前沿的流行元素，使舞台服装融入舞台剧中。
目前国外已经有很多著名品牌的企业生产舞台服装。而在中国单独设计生产舞台服装的公司却寥寥无几，大多数为小型工作室制作完成，缺乏系统完善的品牌竞争。我国舞台服装无论是在艺术表现力还是美感上远远不及欧、美、日、韩等国。发展我国的舞台服装设计要结合中国元素。我国由多民族组成，设计素材源源不断，坚持特色文化并可借鉴国际化的理念。总之，舞台服装设计要有超前的设计理念，同时对发展实用类服装起到了导航推动作用。这种推动作用将是众多服装设计的风向标。
参考文献：
[1]希弗瑞特.时装设计元素：调研与设计[M].中国纺织出版社，2009.
[2]潘健华.舞台服装设计与技术[M].文化艺术出版社，2000.
[3]吕志昌.影视服装设计[M].中国传媒大学出版社，2009.
[4]马蓉.服装创意与构造 方法 [M].重庆大学出版社，2007.
《 如何进行服装设计 》
穿什么衣服才美?服装设计师有一句 名言 “能烘托你的自然美,又能适当掩盖你的不足的衣服,就是适合你穿的美的款式。”这就告诉我们服装美的一个重要的因素,即要根据每个人的“个性”来设计,选择“得体”的衣服。
一、服装的造型美
服装的整体造型,即服装的轮廓,来源于人体,是外部造型同内部结构有机的结合,它是服装的总体风格。根据现代服装的流行趋势,设计师们在表现人体自然美突出个性追求的基础上,通过夸张修饰,调节服装的肩宽、胸围、腰围、臀围、衣长等,从而形成风格各异的造型效果,通常有以下几种造型风格。
X型,是以人体肩宽,腰细,臀围大的特征,而设计的贴合人体曲线的服装,充分体现女性姿态的自然,这种造型被人们广泛地接受,也是连衣裙的主型,适合理想体型的人穿着。
A型 ,通过分割、修饰肩宽、夸张下摆,整体造型上窄下宽,如由四片、六片或八片上下大裁片衣缝合的喇叭裙。这种造型稳重、端庄、走路时,线条自然变化无穷,给人以飘逸之感,受到青年女士的青睐,适合于臀部较窄的人穿着。
H型,通过放宽腰围,从肩端处直线垂下,具有整洁、利落、轻松随和、自由的感觉。穿着这种造型的连衣裙,走路时,裙身与腰部,臀部若离若现,产生一种朦胧美,韵味顿生,腰围大的人穿着,能掩盖其缺陷。
T型,采取夸张肩部及袖山,然后向臀部方向收拢,装饰上身,简洁下身,增强了挺拔感,使优柔的女性,增添了男子的洒脱,阳刚之俊。
二、服装的形式美
人体有美的,也有不美的,上帝没有给每个人都造成一个理想的身姿,服装美通过形式美的规律来表现人体的自然美,运用比例,均衡,分割,视错等到来弥补体型不匀称的缺陷,使穿着趋近于比例美。
统一与变化,统一与变化是构成形式美的主要规律之一。
统一在服装上主要指型、色、面料相互协调和谐。
变化造成一显著对比的感觉,其特点是生动、活泼、有动感。变化手法很多,常见的有省道的转换与分割,不同原料的搭配利用等。
统一必须适度,否则就会千篇一律,缺乏生气,在变化中求统一,统一中求变化,平中求奇,使两者有机地结合起来,服装才有生气。
对称与均衡,有服装设计的过程中,最常用的手法是将对称与均衡综合运用,即能取得稳重、活泼的艺术效果,在对称中变化而产生动感。
视错是指在某种情况下,使人的视觉造成与外界事实不一致的感觉。通过点、线、面的装饰及分割,把人们的视线引向一方,突出其长处,遮掩短处,达到趋近于比例美的效果。
旋律,主要指服装各种工艺线和色彩,有规律,有组织节奏变化,引诱目光可以产生旋律感,目光从一方移动到另一方,使造型上有运动效果。
三、款式,色彩与体型的和谐美
面孔,在设计上起着焦点的作用,领子是最易于吸引人们视线的部位,它的造型,直接影响着面孔。
例如,圆脸型的人,不宜穿一字领,圆领或领上有花边的上衣,因为,水平线把注意力吸引致横向,产生宽大的感觉,瘦脸型的人不宜穿领口长而尖的“V”型领,或长驳头西服领。因为这种领型引起的视错,会使人感觉到脸型越加瘦长。又如,身材高瘦的人,要减少直线分割或常有直条的图案,套裙会增加你的宽感,使你体态匀称,倘若上下略有色差,效果更佳。瘦人不宜穿过紧或过松衣服,穿连衣裙最好有腰带,袖子采用泡泡袖,胸部用花边做些修饰,臀围小的人宜穿百褶裙,在圆摆裙,有丰满之感。
胖人的款式要简洁,繁杂多样会显得臃肿,对于横向线条,图案及灯笼袖,蝴蝶领结,领花边,过量的衣褶,都应避免使用,上下身不能使用强烈的对比色,否则,上下身分成两段,显得越加短胖。
为了表现体型,突出个性,选择颜色很有讲究。红黄橙几种有代表性的暖色,有兴奋、热烈、温暖的感觉,它能给人的精神振奋之感,因此,适合于冬季服装。黄色调的服装,皮肤细白的穿着,能产生极好的效果,如果肤色比较粗黑,色感应选择较深沉的土黄色,或黄灰色。深绿、青、紫等到冷色,有沉静,高雅的感觉,适合于夏季服装,绿色调服装,肤色较黄或较黑的人穿着,会产生单调感,而孔雀绿,橄榄绿,暗灰绿则可以广泛用于服装中,青色是希望,智慧的象征,适合我国人民的肤色。
暖色,明快热烈,有扩张之感,冷色,沉着,稳重,有收缩之感,有服装的配色中,要很好了解色彩,在什么时候和什么条件下能发生的作用。一般说,深色有收缩感,浅色有膨胀感,体瘦的不宜穿深色和冷色的衣服。反之,体胖的人不宜穿浅色和暖色的衣服。任何肤色穿白色和浅色衣服,效果都比较好,因为它反光,使你的脸更富有色彩,具有生气。
黑、白、灰三处无彩色,在服装中被广泛运用。白色,象征着纯洁,朴素。白色与个性强烈的颜色拼在一起,会显得活泼,年轻与泼辣;黑色,坚实,庄重,黑色服装更有精神,表现出摩登与高雅;灰色,象征着中庸、温和。在服装上与艳丽的色彩配合,既能起到稳定色彩跳耀的效果,又能衬托其色彩,更加漂亮,如灰色常有色彩倾向,显得格外高雅。
四、服装的装饰美
服装造型本身就是一种装饰,它来源于人体,又能改造人体。
省道在造型中具有重要地位,如肩省、腋下省、腰省等,它的作用表现为适应人体曲线变化的需要,同时又可以利用省道的变化,获得造型上的分割效果,起到装饰的作用,这里介绍几种常用的装饰方法:
扎明线,是利用线的粗细和变化,起到装饰效果,它有一种流畅、明快、典雅的感觉。
打褶裥,采用不同褶裥打法,能产生动与静的感觉。如对褶,有一种静止,稳定的感觉,而百褶和飞边,便产生一种动感。褶裥在服装上,不但便于人们活动,而且直接产生富有无穷变化的线,形成不同的扇面,时合时张,富有情趣。
补绣、刺绣,补绣,也叫“贴布绣”,是利用零碎布料拼成各种图案。这种效果,概括简洁、装饰性很强,刺绣的手法很多,不同技巧者有独到之处,采用的面料不同,其效果也不一样。
手绘,在服装上,用不同的涂料,染料手工绘制,多彩用中 国画 的一些技法,如:工笔、写意等,其特点是色泽质朴清淡,浓郁雅丽,浓淡变化无穷,其效果是手工印花和机印无法达到的。
此外还有镶色、镶花边、镶条等到多种手法。现在人们更加注意腰带的装饰性。一套新颖的裙装,系上合适的彩带,使人体外形富有曲线,充满活力,会显得更加窈窕多姿,并能使人体的比例得到调节,倍添美感。
纽扣,它不但有着实用性,还起到画龙点睛的作用,有人称它是服装的眼睛,你千万不能忽视其作用。
五、服装的朦胧美和流行美
服装的魅力,表现在似露非露之间,给人以联想,产生一种美感。
在款式的表现上,如直身裙和一些宽松裙装,造型上,从肩端处直线垂下,似乎没有表现出人体的形体美,但随着人体的活动,柔软宽松的衣裙,与肉体若离若现,使形体间接地显露出来,便会产生一种朦胧感,又如旗袍是以人体结构为基础的紧身式,穿着之后,随着人体的起伏形成清晰流畅的曲线,随着活动,使旗袍一张一合。把腿部处理在露与不露之间,显露出的腿部线条,把人的视线移向整个腿部,产生一种特殊的韵味。
服装的流行美,符合了时代的潮流。服装随着科学文化的进步,制衣工业的发展,与人们求新的心理需求而变化,流行着。它也受到世界重大事件的直接影响。
服装变化总有一个起主导作用的基调。如裙装,这几年流行长裙。过几年又流行短裙,不是紧身,就是宽松。这是因为人们都穿式样近似的衣服,就会产生厌倦心理,为了脱俗,人们就开始寻求另一种式样,一旦这种式样普遍被人们效仿,就会继而流行。
随着社会的变革,妇女要求同男性一样,在社会上奋斗,拼博,追求,表现出男性的某些气质和风度。同样,服装也受到这种影响,女性服装开始追求男性化。
人们使自己爱美的心理得到满足,推动着服装设计周而复始地变化着,流行着,流行美就在这个潮流的和谐之中。
为使你穿的仪表堂堂,更好地体现出女性富有的魅力,让我们怀着美好的心灵,来进行美的探索,美的追求吧!
参考文献
[1]王蕴强,马玖成.色彩・服装与美.北京:中国轻工业出版社,
《 浅谈服装设计风格 》
摘要：本文对服装设计风格先作源头阐述，再结合大师作品对该类设计风格进行分析，试图从文化、艺术角度挖掘服装设计的风格与内涵，并赋予其实用价值。
关键词：设计;风格;服饰
作者简介：黄鼎奇()，男，辽宁沈阳人，沈阳师范大学工程技术学院副教授，硕士研究生导师。
[中图分类号]：J523[文献标识码]：A
[ 文章 编号]：1002-2139(2011)-21-0126-01
服装设计风格是指服装设计作品从总体上看，在内容和形式等方面都达到了统一的效果，其外观造型独特、新颖，具有很强的艺术感染力和鲜明的时代特征。纵观世界流行服饰史，服装设计风格可以说多种多样。如：东方风格、古典风格等等。风格经过历史及审美的积淀，具有一定的成熟性，它不会随着时间的流逝而消失，而经典的服装风格将永存。当今服装发展最显著特点就是风格多元化，因此作为现代服装艺术的诠释者，要充分了解各种服装的风格与内涵，这样才能创作出风格独特的作品。
一、东方风格
主体印象：给人以自然、朴素、含蓄的服饰印象。
东方风格主要是指以中国为代表的东方服饰文化为背景的时装主题。东方文化艺术历史悠久、源远流长，如：中国的书法、绘画，日本的书道、浮世绘等艺术形式都具有深远的影响。就服饰造型形态而言也是非常丰富的，典型的式样有中国的唐装、旗袍，日本的和服，印度的沙丽等。如：日本时装设计师三宅一生是一位具有东方情愫的服装艺术大师，他的设计充满东方的禅意，张扬着鲜明的日本民族精神，融合了东西方文化之精髓，尽情抒发玄奥的东方文化的神奇魅力。
二、古希腊风格
主体印象：给人以简朴、单纯及优雅之感。
古希腊是西方文明的发祥地，也是欧洲古典服饰风格的源头。早在公元前四世纪，希腊不仅在建筑、雕塑、哲学等方面取得了很高的成就,同时也创造出了无与伦比的服装式样，其造型优雅轻松、和谐自然，没有丝毫的奢华和矫饰，被世人称为是古典造型完美的典范。进入21世纪，人类开始对生态环保投入了更多的关注,古希腊服装自然的造型、披挂的方式、流动的线条、单纯的色彩正吻合了人们渴望返朴归真的心理需求。如：法国时装设计师玛德琳•维奥内特被称为是“设计师中的设计师”。她的设计具有古希腊风格特点，注重雕塑感，反对紧身衣等填充，体现女性自然身体曲线，松弛、浪漫和优雅。
三、巴洛克风格
主体印象：给人以夸张、浪漫、高雅、奢华之感。
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，盛期是17世纪。巴洛克彻底打破了文艺复兴时期的艺术特点，在艺术形式上追求享乐主义思想，突出浓重的宗教色彩，强调新奇特和极具运动变化的戏剧感。在服装方面主要是指17世纪以法国为代表的欧洲宫廷服饰，造型宏伟华丽、色彩绚丽夸张。如：黎巴嫩时装设计师祖海•慕拉是黎巴嫩时装设计军团的领军人物，典雅奢华的巴洛克宫廷风格形式是他的标志之一。他的设计风格特点是剪裁简洁、线条柔美，面料和辅料集尽奢华，造型上追求极致的完美。
四、罗可可风格
主体印象：给人以纤巧、精美、浮华、繁琐之感。
罗可可(Rococo)反映了十八世纪法国路易十五时代宫廷贵族的恣情享乐生活方式。它是巴洛克时期式样的延续，两者之间的主要区别是巴洛克服装雄健、奔放，罗可可服装艳丽、优雅。在造型上两者都强调女性的优美曲线，追求装饰及光影的变化，在表现题材上除了有花草、果实、波浪等外还加入了罗马和东方装饰形式。如：法国时装设计师克里斯汀•拉克鲁瓦被时装界称为是“调色大师”。他的时装秀向来都是一场华丽的视觉盛宴，精美的刺绣、丰富的色彩、闪亮的配饰及华丽的蕾丝极具罗可可古感风貌。
五、未来派风格
主体印象：前卫、时髦，体现了浩瀚宇宙神秘之感。
50年代以来人类就从来没有停止过对宇宙太空的探索，人类从最初的能把人造卫星送入太空，到阿姆斯特朗等人登月成功，直至今日人类能够乘坐航天飞机前往太空旅游，实现了人类遨游太空的梦想。因此未来太空服饰热潮多年来持续不断，许多表现未来主题的艺术流派也应运而生。在服装造型上，这类主题的作品具有构筑式硬质材料拼接和几何学直线运用的设计特征，彻底否定了传统造型的构成方式，强调简练的设计语言，材料运用比较丰富。
如：英国时装设计师亚历山大•麦克奎恩的设计理念匠心独具，在面料的选择上常用许多新奇的高科技面料。他的未来派时装设计给人以独特的视觉享受，仿佛置身于宇宙星际之间，令人惊异难忘。
六、朋克风格
主体印象：给人以一种强烈的、刺激的、恶俗的前卫服饰倾向。
朋克(Punk)最初是指一种摇滚乐，诞生于七十年代中期，并且很快在英美两国得到了蔓延。当时由于二战后上世纪工业危机，社会下层年轻人对生活现状不满，对未来失去了信心，他们用自己特立独行的装束风格彰显自己，提倡“性和颠覆”表明与主流文化的不同，最终形成了朋克风格。朋克服装风格在设计上，多以异国、异教服饰为设计元素，强调奇特和个性。在装束上不拘一格，如：有废旧的垃圾、金属、骨质品等，在图案的选择上更是令人毛骨悚然，如：人骨头、蟒蛇、毒蝎等，在发型上也很怪异，如：常见形式有光头、染发、纹身等。
如：英国时装设计师维维安.维斯特伍德被时装界称为“朋克之母”。她设计的服装具有强烈的后现代反叛精神和独特的创新意识。她颇能掌握时代精神，将叛逆的元素融入作品之中。她极强敏锐的洞察力和敢于突破传统陈规的胆识，彻底改变了人们的审美方式和着装方式。
七、解构主义风格
主体印象：给人一种反对称、反完整以及打破原有成规的服饰印象。
解构主义(Deconstruction)可理解为有分解与构成结构的含义。它产生于20世纪60年代，是由法国哲学家•德里达为代表所提出的一种哲学理论，波及人类文化的方方面面，对哲学、文学、建筑学等方面产生了深远的影响，推动了后现代主义的产生与发展，也是整个后现代思潮最重要的理论源泉之一。在服装设计领域解构主义风格从20世纪70年代兴起，80年代开始传播。特点是把原有服饰结构进行破坏和重组。在造型上避免出现常规完整的对称形式，结构后的结果体现了服饰疏松零散、支离破碎、变化层出、耳目一新的效果。
如：比利时时装设计师马丁•马吉拉被时装界称为解构怪才，“解构主义大师”。他一向以解构及重组衣服的技术而闻名，他锐利的目光能看透衣服的构造及布料的特性。他的每件作品背后都隐藏着无穷无尽的 想象力 。
参考文献：
[1]21世纪国际时尚品牌礼服，主编：华梅，中国时代经济出版社，北京，。
[2]时装设计艺术，主编：刘小刚，中国纺织大学，上海，。
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巴洛克音乐指欧洲在文艺复兴之後开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，延续期间大约从1600年到1750年之间的150年。巴洛克（Baroque）一词来源於葡萄牙语「Barocco」，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，後逐渐用於艺术和音乐领域。在艺术领域方面，巴洛克风格的特徵是精致细腻的装饰以及华丽的风格，造成这种现象的主因，是因为巴洛克时期是贵族掌权的时代，富丽堂皇的宫廷里奢华的排场正是新的文化以及艺术的发展中心，而这个大环境的改变也直接的影响到了音乐家的创作。十七、八世纪宫廷乐师所写的音乐作品，绝大部分是为上流社会的社交所需而做，为了炫燿贵族的权势以及财富，当时的宫廷音乐必定得呈现出炫燿的音乐以及不凡的气度，以营造愉悦气氛。[1]巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量装饰性的音符。节奏强烈、短促而律动，旋律精致。复调音乐（复音音乐）仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬勃发展。於是复调的和声性越来越明显。复调在 .巴赫时代发展到极至。
数字低音及即兴创作是巴洛克重要的部分，并且管弦乐团编制尚未标准化。
目录 [隐藏]
1 主要作曲家
2 音乐创作
乐器作品类型
创作技法
3 参考书目
4 附注
5 参见
[编辑] 主要作曲家
义大利：
科莱里（Arcangelo Corelli, 1653-1713）
A.史卡拉第（Alessandro Scarlatti, 1660-1725）
韦瓦第（Antonio Vivaldi, 1678-1741）
D.史卡拉第（Domenico Scarlatti, 1685-1757）
德国：
巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750）
韩德尔（George Frideric Handel, 1685-1759）
泰勒曼（Georg Philipp Telemann, 1681-1767）
法国：
吕利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687）
F.库普兰（Francois Couperin, 1668-1733）
拉摩（Jean-Philippe Rameau, 1683-1764）
英国：
珀赛尔（Henry Purcell, 1659-1695）
[编辑] 音乐创作
巴洛克音乐创作的发展中心以贵族的宫廷、私人组织的学会以及天主教教会为主，其中又以宫廷最具影响力。此时期的音乐创作除了适合在宫廷里演奏的大协奏曲（concerto grosso）以外，还有贵族沙龙里带有私密气氛的小规模乐器奏鸣曲（Sonata）；弥撒、神剧、受难曲以及丰富的管风琴曲目，令教堂充满了圣神的光彩；另外，歌剧在威尼斯快速兴起，藉著音乐和戏剧的结合将情感抒发到最高点。音乐创作从此步入了一个蓬勃发展的阶段。[2][编辑] 乐器作品类型当时富有的贵族大多都拥有专属的乐团，以便在宫廷中娱乐宾客，而变化多样又音乐宽广的乐器曲就广受青睐。乐器曲崛起後，音乐的创意更有了发挥空间，音乐家开始发展出不同的乐曲类型：[3]组曲（Suite）奏鸣曲（Sonata）协奏曲（Concerto）赋格曲（Fugue）罗曼尼斯卡（Romanesca）[编辑] 创作技法数字低音（basso continuo）顽固低音（basso ostinato）赋格（fugual polyphony）竞奏（concertato medium）即兴演奏（improvisation）浪漫主义音乐、文学浪漫主义在艺术上的兴起，最早见于十八世纪的文学作品中，这些作品将一切个人的感情、趣味和才能表现得淋漓尽致。在音乐方面，浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，这与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐象线条一样鲜明；而浪漫主义音乐则偏重于色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。然而，这只是原则上的区别，要想在不同的创作风格之间，譬如古典主义和浪漫主义之间，按照那些讲究条理的音乐史家的愿望划一道泾渭分明的界线，从来不是那么容易的。简单地下定义行不通，这些定义总是因为忽视了很多非常重要的因素而过于简单化。例如，假使断言古典主义音乐是客观的，浪漫主义音乐是主观的，那么岂不是说海顿、莫扎特和贝多芬在某种程度上像电脑一样，从不创作反映自己个人感情的作品了？这显然是非常荒谬的。同样地，如果说浪漫主义作曲家“摆脱”了传统形式的原则，那么这实际上就是否定了他们在继续使用这些形式，甚至在未必可能的场合下使用古典形式。例如威尔第就用赋格曲式结束他的喜歌剧《法尔斯塔夫》。另外还需明确古典主义和浪漫主义这两种风格曾经共存了一段时期，重要的浪漫主义歌剧作曲家、德国理想主义者韦伯就先贝多芬一年逝世，舒伯特的死也仅比贝多芬晚一年。可是，在这两种乐派之间实际上又存在着我们很容易把握的区别，这些区别大多是源于非音乐的原因。到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有根本的改变，他们已不再是一个城市、宫廷或教堂的雇员。贝多芬也只是赢得了某种程度上的真正独立，因为不管那些贵人们多么慷慨地让他自行其是，他的大部分生计仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上说作曲家完全是他自己的主人，实际上也就是大众的仆人。为了满足大众的需要，各种各样的音乐会社团和音乐节网络迅速地发展起来。如果一个作曲家，比如门德尔松，能为这个众多的占统治地位的中等阶层提供他们所喜闻乐听的音乐，他就是成功的；反之，如果他忽视时代的审美观，只为自己或他理想中的后代创作，那么他在公众的心目中就必然是个“怪里怪气”的孤僻艺术家。这一类作曲家常以为他们是出类拔萃的杰出人物，是未来艺术的预言者。“艺术家”一词的使用不是没有意义的，因为整个十九世纪的作曲家都这样看待自己。他们这样称谓自己很有理由，因为一旦摆脱了私人的庇护，投身到社会中去，他们便开始和文学作家等富于创造精神的同行有了接触。事实上，韦伯、舒曼、柏辽兹除了作曲还写过一些有关音乐的书，而瓦格纳不仅自己写剧本，还写出了许多关于音乐、戏剧和哲学的著作和论文，真难以想象他何以还有时间创作出那么多的乐曲来。这新的一代作曲家对弥漫在社会上的各种新思想有着浓厚的兴趣，不管是科学的、民族的、还是艺术的。最重要的是，他们对文学的陶醉到了如痴如狂的程度。他们的前辈仅满足于用器乐表达纯粹的音乐思想，浪漫主义音乐家则致力于让音乐在表达的广度上与语言并驾齐驱。当然，给歌词谱曲一直是作曲家们的实践之一，可是当时流行的是用器乐表达或描绘一种特定的场面，甚至讲述一个故事。这起始于贝多芬的同代人韦伯，后来又被李斯特、理查德·施特劳斯发展为描述性的交响诗。十九世纪上半叶，自然的、乡村的浪漫主义文学转变为幻想的、比生活更加广阔的浪漫主义文学，分别以简·奥斯汀的《傲慢与偏见》（1813年）和艾米莉·勃朗特的《呼啸山庄》（1847年）为代表。这两部英国小说有天壤之别，这种区别在沃尔特·佩特（W·Pater）给浪漫主义下的定义中可以得到概括，他认为浪漫主义是“给美添上了怪诞的色彩”。因此，毫不奇怪，浪漫主义音乐在很大程度上同样表现了一种奇异的超自然的东西，如柏辽兹在他1830年所作的《幻想交响曲》中所表现的那样。作曲家们很快就对周围的大自然发生了新的兴趣，这种自然已经不是贝多芬《田园》中的那种简单的自然，而是大写的“自然”，一种因为他们超脱于芸芸众生才与他们有着特殊联系的力量。不管是文学还是音乐，浪漫主义的另一个特点就是十分强调单个的人，而不是那种作为社会的一分子、被仔细地划入某个阶层而根本无法摆脱其束缚的人。因此，对独立个性的重视使作曲家们有意识地追求个人的特点，有时成了自我主义。这样，他们离那些因为循规蹈矩而压抑了自己部分创造才能的古典主义作曲家就越来越远了。想用寥寥数语概括浪漫主义音乐的特点，其结果非常容易使读者误以为浪漫主义作曲家都是放浪形骸之徒。虽然他们中间有人确有行为出轨的时候，但是总地来说，他们有足够的自控能力使自由不致逾越界限。他们当中大多数人仍继续运用传统的交响曲、奏鸣曲、四重奏等形式，虽然在这些形式里出现了与莫扎特不同、会使他的审美观受到侵害的新东西需要记住的是，审美的好恶总是处于不断的变化之中，因此这一代认为“过分”的行为在下一代眼里却是规范，昨天的“顽皮的孩子”，逐渐长成为今日受尊重的“老伯伯”。[注：法国诗人戈蒂耶早年参加浪漫主义运动时被称为“顽皮的孩子”、“老伯伯”则是英国人对曾经担任首相的政治家格莱斯的尊称]。浪漫主义运动内部也一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，另一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。研究早期浪漫主义可以说明分裂是怎样产生的，也可以把那些重要性在管弦乐曲的作曲家（门德尔松、柏辽兹）和那些重要性在其他方面的作曲家（如歌曲方面的舒伯特、歌曲与钢琴曲方面的舒曼、歌剧方面的韦伯）区别开来。
看是否圆润。根据查询相关公开信息显示，珠圆玉润，是形容珍珠越圆就越值钱，也越有收藏价值。巴洛克珍珠此字源于西班牙语及葡萄牙语的变形的珍珠，欧洲人最初用这个词指缺乏古典主义均衡特性的作品，它原先是崇尚古典艺术的人们，对不同于文艺复兴风格的一个带贬义的称呼，不过渐渐的巴洛克被指认为是17世纪风行于欧洲的一种艺术风格。
在西洋绘画中，巴罗克风格一直强调构图上的宏阔壮伟，在寓意式内容上突出优美的神话式主题，当然也离不开那种宗教体验的精神特质。 谈巴罗克与其西洋本原西洋艺术创作之风格多呈现在二个方面：一是景物对象本身的个性与气质表达；再是艺术家本人的个性与气质传递。前者多见于形似，后者显现于神似。而形似是没有底的，一个人物在不同的时间、不同的阶段、有着不同的侧面和风吹日照不同的表情、坐卧立行不同的心情……有待创作中截取相对理想化的瞬间。而神似的过程，即是创作者凭籍自我独到的感悟力和表现力所成就的艺术性观察结果。在我们眼里，几根老木多不过是风烛残年、垂危之相，而在云林笔下就成了君子。大卫本是《圣经》里的英雄，在米开朗杰罗手中便成了人的偶像。古罗马的神话题材，在佛兰德斯油画大师鲁本斯和凡代克笔下演绎出了大理石般的理想境界，那就是巴罗克艺术风格！ 正如同许多流派的称呼一样，巴罗克本是贬义的（Pejorative）。“巴罗克（Baroque）”一词是源自于barroco的派生词，原意是指不规整和不够饱满的珍珠，主要用来形容中世纪建筑上流行的厚重与繁复样式。但几经演变和数个世纪的盛行，最后成为了西方近代中早期艺术创作的主流风格，事实上也涵盖并发展了所有的西洋古典传统审美_庄重而不失优雅；抒情而不失寓意；浪漫而不失妍静……乃至成了今天西方文化的主要特征之一。追求场景的经典生动、闳深壮阔，悍马与人物的彪壮喻义充满激情又不无黠睿的人性。神女、岩泉、水泽、花木……多是真善美的象征。还有被赋予了宗教感和心灵寓意的色彩，使得动静有致的画面构成，如大调和弦般的音乐组合，又象交响乐、交响诗。从唯美的抒情（Aesthetical Lyric）、史诗式的叙事（Epic）、到神圣的寓意（Divine Allegory）和经典的样式（Classical Manner），有希腊式的古风、咏叹调式的激情、文艺复兴后的人文理想，如此富于神性的想象与情愫，就象空气里充满着水分、雪地上洒满了阳光，往往让观看者为之倾倒、无不陶醉。如果说巴罗克风格乃西洋艺术之精华所在，那我们也应该知道，人文主义恰恰是西方文化之古典精神的本源。从建筑、音乐到雕塑和绘画，包括亨德尔、巴赫、维瓦尔第、门德尔松、莫札特、悲多芬、肖邦等人的器乐曲、钢琴协奏曲……和霍尔拜因、鲁凡、普桑、普吕东的素描……都是渗透人文主义精神的巴罗克艺术之典型代表。他们的创作主题从来都离不开《圣经》、古典神话、造物主和基督。他们的创作都是艺术之神话，基督圣像就是最伟大的肖像。正如我们今天的天安门城楼和毛泽东像一样……它们都不仅包含了人的世俗性与理性，更包含了居其第一位的神性。在西洋绘画中，巴罗克风格一直强调构图上的宏阔壮伟，在寓意式内容上突出优美的神话式主题，当然也离不开那种宗教体验的精神特质。所以恰当地说，这种风格实际上是一种源自于上古时代的宗教精神，它其实是在追溯古希腊人的建筑雕刻所透露的那份神性资赋与美妙的想象力，但丁的《神曲》和文艺复兴式的建筑雕刻都是这种精神特质的绝佳注本。画面总有妍静的美女和幽泉、空远的风景、黠睿的彪汉或强壮的骏马…… 心灵透视般的肖像、繁缛或厚重的细节表现，有大调和弦般的色彩和谐，这些都是巴罗克风格共通的组合。巴罗克风格并不是“万花筒”，它也有千篇一律的时候，但它恰恰有着西洋人最典型的东西和共性。说到巴罗克绘画，首先会令我们想到卡拉瓦乔。他是Roman baroque那个时代的杰出大师，并以明暗法见长，开启了用光影突出形体、塑造体积感之山门，使人物绘画比起《蒙娜丽莎》的微笑来更具真实感与现场感，而不像威尼斯画派那样仅以色彩的和谐典雅和堂皇富丽取胜。在巴罗克风格之早期，一切都秉持了古希腊艺术的源头，简约、优雅、和谐、厚重。如米朗杰罗的雕塑、鲁本斯的绘画，追求大尺度的空间比例、竭尽卓越伟大而拒绝平庸的形式表达、乃至静物般的细节变化……都是其典型的特征。普桑的《阿卡迪亚牧羊人》等作品中，从优雅的人物与色彩到如诗如梦般的场景，更秉承了明显的希腊古风。神圣的乌托邦式背景也是其风格之一部分，而这一特征到了后期又有了浓重的田园化(Pastoralism)倾向，并多为洛可可风格所继承。西班牙画家委拉斯贵兹则在其作品《纺织女》中，以厚实(Massiveness)而灵动的笔致表现了一个简约而优雅（Grace）的古希腊式女子背影，在其神圣与非凡的气度上则是更胜一筹。佛兰德斯画家凡代克在其著名的《1622-23年自画像》（现藏于圣彼得堡艾尔米塔什博物馆）和1638年的《安妮•卡尔夫人》肖像中，极尽才华地演绎了巴罗克风格的绘画元素。其1620年的《Cornelis van der Geest》（现藏于伦敦国家画廊）和1632年画的《Jan van den Wouwer》（普希金美术博物馆藏）二幅重要作品，描绘两位精神矍铄的睿智长者，更是为后人立下了肖像画的传世范本。只是囿于西洋民族外倾心理的作祟，致使在语言技巧上难免带有过份的炫耀，从而显露出明显的贵族气息。照专业的提法，对巴罗克（Roman-baroque）或“巴洛克”（Baroque）的划界一般为1590 – 1790年，期间跨度仅二百年。而其中的审美元素，如对形式的极致推崇、样式主义（The Elegance & Grace of Mannerism）的典雅与优美、过份的矫饰、夸赞上帝、对神之创造力的崇拜以及财富的寓意和宏大的叙事，同时又张扬人性之尊严……等等，这些早在米开朗杰罗、达芬奇、拉斐尔之辈的作品里和所有文艺复兴艺术的创作中其实都能见到，在古希腊的建筑雕刻中就更不用说了，因为它们是一脉相承的，彼此应谐、互为融合而不可割裂的。其审美渊源上大古希腊罗马（Greco-Roman），近接意大利文艺复兴（Italian Rebirth or Rennaissance），并不是从某个人骤然肇始，到某个人又嘎然而止的，它实际上是一种西洋传统品质的代表风格及其绵延授习，也说明于此之前在 精神上早已渗透着西方文化的方方面面，包括建筑、美术、诗歌、文学、舞蹈、音乐、宗教等等。在早期年代，从事雕刻绘画艺术，虽不都是贵族，但也得到商贾豪门的鼎力相济。16、17世纪，巴洛克艺术更趋附于上流阶层，其服务对象多为教堂、宫廷、私人别墅，往往都是一种身份的象征，如完成巨型壁画、天庭画、或大量的宗教版画插图制作。有鉴于工作之繁重劳累，每完成一项创作大都要付出极大的心血和努力，故被视为创造性任务，诚与科技同论、与工程并为一体。在鼎盛时期，艺术家们伟大而非凡的成就，好像是要证明市井劳作的无为和渺小。画家们的多产及博物馆里大量收藏自不待言，只要看看那些炫耀于深宅大院壁面上的名画，你就不敢小觑。提及具代表性的巴洛克画家，这里可以带出长串的名字。除了卡拉瓦乔、鲁本斯、普桑、委拉斯贵兹…… 还有象凡代克（Van Dyck1599 – 1641, Flanders）、帕尔米江尼诺（Parmigianino1503 – 40, Italian）、伏埃特（Simon Vouet1590 – 1649, French）、布隆涅（Louis de Boullogne1654 – 1733, French）、比亚捷塔（Giovanni battista Piazzetta1683 – 1754, Italian）、etc.。他们在为皇帝与英雄们歌功颂德之余，也无意间昭示了权贵们养尊处优、傲岸自负而不可一世的肖像面孔。提及女性题材，除了神话，自然少不了脂粉逸乐，同时也就培养了美术史上的一个“小语种”– 洛可可。西洋审美始终强调外化作用（Outwards expressing）但又从不乏其内在的精神及本有的睿智，只是多多少少缺了点儿内敛的一面，固而也致使其艺术模式走向了物质化、商品化、品位化、样式化、时尚化……即从其原型到生活理念本应有之还原_stemming from zee original prototype to the Living in our RENNOVATION time!! 这包括那些西洋建筑、博物馆、画廊机构、时尚与装饰、宗教与创造、私藏与拍卖、等等。它们与东方艺术之固有的渐入玄理成为了一种对照，后者多的是怡志逸兴；前者更注重原型思维及生活原创(The Originality & prototypical thinking)不少外行人，包括本人在早年，都颇有如此的错觉，以为鲁本斯是个专开“肉铺”的。其实不然，从菲狄亚斯雕在山墙上的《命运三女神》、文艺复兴进入古典主义绘画的巨匠霍尔拜因、鲁本斯和凡代克、亨德尔的皇家器乐曲和莫札特贝多芬的钢琴曲等、一直到19世纪初欧洲“浪漫型”绘画艺术之代表普吕东…… 他们所承载的，实乃充满着理想主义情感的一路文脉、是一种主题神化了的浪漫型风格，即巴罗克品质。 达芬奇的画多似造物之笔，米开朗杰罗的天庭画及雕塑更有铺天盖地之势，欲与上帝争巧。而审美的神性、人性与理性三者合一的西洋古典人文，则透射出其历久弥新的文化精神，也是西洋文脉的本质。典型的代表当然要算是巴罗克艺术，其出处最早可追溯自上古与中古时期的哲学、宗教与科技。在希腊庙宇的神柱上、中古后的圣彼得教堂尖顶内部、在西洋古堡的私人藏画中，都无不体现了这层内含。因而在我眼里，这种巴罗克式的精神乃是西洋文明最优秀的本质…… 正因为她包含了西洋文明对其神人理性三者合一的思考与诠释，那么如果缺失了这种精神，严格意义上讲，也就不再是西洋的东西了! 有些东西，亦如孔孟之道，古淡而云深；因林立而远圣。遗憾的是，西洋文化中的巴罗克气质，在当今的西方绘画中多已丢失殆尽，如今的西方艺术仅止于泛美式的浮光掠影而已。 东方绘画自古以来就充满了人格化的世故本质，我们视之为“入世观”。东方人在面对生活难题与失败时往往被训教着要坚强硬朗一点，而不能过于柔弱凄婉。天灾人祸和环境压力面前，总得抑制自己的情感，不能太伤心难过。摒弃纯真，岂知违背了人性。久而久之，神的威严与沧桑自然已改变不了我们人格的缺陷，万籁之交响再不能打动我们的心灵。有的只是干涩与变态，再不是生如夏花死归涅槃的想象和那种情感的重生…… 对神灵万物没有了天籁般的诵咏；对如潮的生活少有诗乐般的赞叹。亢奋的心悸取代了谦恭的内心，激情高迈、刚柔并济和往日的真情，多被代之以愎怙的恶俗（Conceited emblematics for a hegemony of living）。艺术也从此沦为内心畸变式的发泄，除了京剧西皮二黄、琵琶曲《十面埋伏》，还有四僧八友的山水、扬州八怪的花草鱼虫、等等，都是典型范例。宋元之后，高古不再。因为无法沉淀，也就不能释然。我们少有阿卡狄亚牧人式的浪漫、帕赫贝尔弦乐曲《G大调卡侬》THE CANON IN G中的那种虔诚与宛然，也少有。有的只是眉目向下、笑颜睥佞的菩萨和弥勒佛，或是老叟妖女，他们不象主爱的阿佛洛狄忒或萨莫色雷斯胜利女神那样会冉冉飞升、旋即而至。故以某种角度上看，我们东方人的个性是有人格缺陷的、是不完整的。我们的许多国粹不无变态心理，不仅京剧的西皮二黄、二胡、板胡、马头琴，甚至象黄土高原的原声信天游调调，近似于日本传统文化中的歌妓能乐一样，都是某种畸形的宣泄…… 全然不同于西洋歌剧美声与其音乐所表露的那种辉煌激情。与之相左的，是西洋式的世俗本真。它起源于古希腊时代早期的阿卡狄亚（Acadian）民风，Acadia是指远古时田园牧歌式的、淳朴恬淡的生活。这种世俗性因纯真而优雅，它拥有人性本真的多样性呈现，也包含具体而又典型的个性特征，并赋予了其理想人格与宗教美。从希腊古风时代的游吟诗、基督徒的圣经，到音乐家亨德尔的清唱剧和法国乡村的风俗画、风景画……都延续了这一特质。不象东方绘画，神逸之性总是多于人性和理性。当然，在我的心目中，艺术应该是以神逸妙能来分等的。面对山野田园，贝多芬总是想到音乐，创作了交响曲。科罗想到了仙女神话，创作了如梦如诗般的风景画面。陶靖节则想到归隐，诗曰归去来兮辞。或有避世脱俗，或在三界之外；“安得广厦千万间，大庇天下寒士俱欢颜。”赤情或世故，各有不同的浪漫。就象靖节诗曰： “此中有真意，欲辩已忘言。”
朋克是一种音乐形式，一种文化，不如就把它看成一场对目前生存状态的革命。摇滚乐经历了存在与虚无的盛世，依靠柏拉图式的理想和药物生存的年代，人们生活得太压抑，太木纳。同时愤怒，空虚又在一天天的增长。充满了激进,充满了愤怒.音乐构成主要由吉他,贝司,和鼓!算是标准配置!也可灵活发展.可分的种类有很多:主要包括流行朋克,英伦朋克,速度朋克等.
他们的每一个人身上都带有一种强烈的革命意识，事实上，他们的目的就是要在七、八十年代平庸的欧洲大陆掀起一场深入生活的各个角落的大革命，以便在人类通向未来的旅途上添上些色彩。 朋克音乐家们的创作往往直指人类的苟且，以挑战一切既成的规则。他们用简单的和弦，表达简单的情感，用粗俗明了的语言，诉说人性的美丑。他们歌颂大麻，也歌颂上帝；他们崇尚乱交，也呼喊着要社会关注那些单亲的孩子；他们诅咒战争，却在生活中滥用暴力；他们生活靡乱，但对未来充满向往，他们在颠覆旧有的糜费文化同时也创造新的糜费。总之，同文学上的“垮掉的一代”、美术上的“ 达达主义”一样，他们代表着人类发展方向的一种可能性和多种可选择性，是人类多重矛盾集于一身的直接反映。继而，朋克文化从舞台走向生活，他们开始在表演以外的各个层面表现他们彻底革命的决心：穿上磨出窟窿、画满骷髅和美女的牛仔装；男人们梳起酷毙了的鸡冠头，女人则把头发统统剃光，露出青色的头皮；鼻子上穿洞挂环；身上涂满靛蓝的荧光粉，似乎非得让你对他们侧目而视才满意，其实他们什么也不为，只是要以此表现他们的与众不同，表现他们的叛逆，表现他们对这个现实社会的不满罢了。如果你以为他们是为了表现自己是朋克而如此装扮，那就错了，用朋克的话来说：“我朋克所以我朋克，如果是为了让人认识到我是朋克，而把自己装扮得像朋克的话，那就一定不是真的朋克。”如今这个社会似乎什么都有假的，假冒名牌商品的；假冒警察罚款的；假冒瞎子要饭的，当然也有假冒朋克的。这些假的朋克们不断的自我标榜为朋克、自诩为斗士，“我只会三个和弦！”天知道是不是第四个和弦苦练未遂才这么说的，其实，他们骨子里不过是比俗人更加虚伪的俗人。 有假装朋克的俗人就有假装俗人的朋克，前者为满足欲望和虚荣而后者却为了满足内心和精神需要。 朋克的革命性在于其绝对不会向周围的任何事物妥协，尽管在大多数时候，对立面总是显得那么强大。朋克在音乐上的不妥协性表现为与商业的势不两立。自从商业界入艺以后，庸俗、流行毒瘤，充斥了艺术界。力图用艺术为自己贴金，将艺术贴上标签放在货柜。商业的界入从来没有为朋克的发展提供一丝一毫的帮助，反而扼杀了众多才华横溢的乐人。美国Grunge火山喷发之时，Kurt Cobain依靠一张《Never MIND》登上巅峰。其实那张销量最大的专辑并非十分出色，面对歌迷对人不对音乐的疯狂，他也曾失去方向。经过一段时间的思考，终于推出了名垂朋克的《In Utero》，而这张专辑的命运是叫好不叫座。面对热爱的音乐，被糟蹋的现也不会像朋克一样拥有如此众多的地下乐队。被市场抛弃了朋克依旧在愤怒的燃烧。这时候商业与朋克实，Cobain选择离开这个咒骂了多次的世界。一个朋克天才在商业的逼迫下夭折了。商业对朋克这朵带刺的玫瑰已无所适从，另外朋克在市场中渐渐已沦为“食之无味，弃之可惜”的鸡肋，最终的结果是商业悄悄远离了朋克。任何音乐之间几乎断绝了任何的来往。独立音乐的出现预视着一条崭新的朋克道路的出现。Do it yourself，成为许多朋克乐队的出专辑模式。在地下有我们的希望，在地下有一个真实的世界，朋克在地下跨入新一个千年。 朋克从产生的那天就没有向现实妥协过，正是由于社会的压迫才使得克乐人大多出身在社会的底层，自幼对底层的黑暗、贫穷、暴力有很深的感受，并在他们的心灵留下了不可抚平的创伤。他们企图用音乐摧毁整个让其失望的现实，颠覆许多业已存在的习惯、纪律、规则，打破旧传统的禁锢，去寻找真正属于自由的天性，去寻一批人成了朋克的创造者。这个世界有太多的不公正，丑恶已经生了锈，发了霉的条条框框，常常使得我们不得不心甘情愿接受，在一次次的接受过程中，生命的光芒被世俗的阴云掩盖，良知的铠甲被伪善的污秽所锈蚀，仅存的希望被无情的现实所压垮。日复一日，月复一月，年复一年，在不计其数的机械重复以后，我们被迫离开这个世界。可是朋克却让我们要敢于与人斗，与天斗，与颠覆束缚人性的一切，抛开世俗，获得人性的自由。“真正的勇士敢于面对惨淡的人生”，可能为此付出的代价不仅是名誉、时间、甚至是前途和生命，朋克对当代文明的嘲讽，对一切既定事物的否定和破坏，这不是朋克摧枯拉朽的惊人力量。权威对于朋克而言只是一个天大的笑话。朋克从来不需要权威，不需要主流文化的肯定，更不需要由几个知名人物的赞扬而一步登天。朋找一个明洁的空间，让其能够真实的生活，真实的死去。很高兴看到，有许多乐队正籍于此，而艰苦的奋斗着。一些乐队因为众所周知的原因，我们无法听到他们的作品，有朝一日他们的作品出现在我们面前的时候，可能就是我们朋克期待以久的声音。朋克的发展似乎走入了一条死胡同，许多乐队的音乐可以说是脏、乱、差，模糊的声音，不可分辨的器乐，就像一锅不可下咽的猪食。也有几个无所事事的小混混，从时装店购入几件另类的衣物，挂满乱七八糟的金属零件，满嘴吐着脏话，瞧谁谁不顺眼，忽然拿起了吉它，煞有介事的称“我们是朋克”。事实上，我们中的许多人亦苟同了这样的区分标准，这样的“朋克复兴”给朋克带来的只能是灭亡。朋克需要反叛，但不是轻浮。如果只是为了展示自己的前卫，标榜自己的另类，朋克请这些人滚开。深入的剖析朋克，看到的是朋克灵魂最深处的本质，那是一颗干干净净淌血的良心。让朋克回归久违的真诚，回归良知吧！ 原始朋克（Proto－Punk）又叫前朋克！前朋克发生在美国六十年代末七十年代初期，当时的一些乐队在简约主义的思绪下，开始尝试创作粗糙的摇滚乐。当时以the Velvet Underground为代表的这种乐队，并非有意识地扮演“重建摇滚乐，还摇滚乐质朴本质，推翻被美化的摇滚乐”这一好斗的角色，很显然，他们所做的一切只是出于一种下意识的反应。尽管他们的音乐并未全面带出日后朋克的影子，但至少他们已开始关注朋克文化的最深层精髓，只是不够反叛罢了，朋克最终发现并延伸了前朋克含糊的朴素精神，并把彻底的造反精神融入前朋克粗糙的音乐，创造出一种挑战社会、否定美化摇滚的时代强音，并被无数的青年接受，得以开创朋克王朝。原始朋克是一群同60年代晚期和70年代初期的主流摇滚圈子格格不入的艺术家们组成的松散联盟.从地下丝绒(The Vel-vet Underground），的声音实验和假装文雅的民谣摇滚，到狂野，热衷于性内容的纽约妞（The New York Dolls），以及音乐诗人Patti smith，原始朋克涵盖了一大批不同的声音和风格，但他们都被一条共同的纽带联系到一起，那就是一种躁动，附庸风雅的力图颠覆，无视甚至改写摇滚乐现有规范的尝试.在这一过程中，这些艺术家的精神－－有时候反倒不总是音乐－－为日后70年代晚期的朋克革命拨下了种子.现在有不少人总是将原始朋克和70年代中晚期出现的英美朋克混为一谈，认为他们是一种类型的音乐，都简单地一语蔽之曰朋克,这种观点是有些欠妥的.尽管从音乐的表面看他们之间的确有不少相似之处，而且的确彼此之间也存在深厚的联系，再说这种联系只能使他们可以归入同一系统，而并不意味着他们就成了一种风格.这两者之间联系是有的，可差别也不小.且如上文所言，原始朋克和朋克之间的这种联系首先是一种精神气质上的，其次才是音乐形式上的.从精神气质上讲，对比原始朋克和后来的朋克音乐作品我们会清楚地看到在前者的身上更多的倾向于一种带有玩世不恭色彩的技术家气质，甚至是诗人气质；而后者身上更多表现出的则是一种充满碰撞性，破坏性，毁灭性和造反意识的反问化精神，有时甚至表现为嚣张的流氓气焰(尤其是The Sex Pistols).音乐上，前者带有更多实验性，先锋色彩，即兴的成分非常多；而后者则是回归早期摇滚乐本源的同时又毁灭它，音乐结构上也显得简单和直接得多.当然，朋克的重要性也正在于音乐从来没有这么简单和直接过，这也是它对传统摇滚观念带来的巨大冲击与震撼.因此这两者之间的文化价值取向和音乐审美取向是存在不小差异的. 硬核朋克(HARDC0RE Punk，又译做核心朋克）硬核朋克是朋克摇滚中最强硬个极端的一个变种.属于极端摇滚。硬核朋克诞生于七十年代末至八十年代初，它把朋克摇滚进一步引向极端－－更快、更噪、更僵硬的演奏，喊叫式的演唱、邋遢肮脏的录音效果（有时也包括专辑封套）。这种音乐极其之快速，旋律简单，录制质量水平不高，歌手简直就是在叫喊，叠句很简单，作品看起来（或者听起来）就像是在在什么人家的地下室里录制的.大多数这类乐队相互之间听起来都相似得令人难以置信，但也多少有一些带有与众不同的声音抛在身后，而仅仅保留其观念.硬核朋克最初产生于美国，主要是一种美国的现象，并且主要集中在洛杉矶和纽约地区，但在美国的全境内还有一些小规模的零星分布，先后涌现了BlackFlag、HuskerDu、Descendents、MeatPuppets、DeadKennydys、BadBrains等著名的硬核乐队。而硬核在整个领域的影响面之广，是很少有风格可以望其项背的。硬核的发展甚至影响了整个八十年代的金属圈子，启发了整个黄金时代。当时几乎每种风格的发展都渗透着HardCore的影子，尽管有的很多喜欢技术派的人不愿意承认，可激流金属本身就是硬核与传统金属的结合产物。启发了激流金属的元老VENOM的，早期激流金属乐队EXODUS，甚至荷兰死亡金属元老THANATOS，美国老派死亡金属乐队Nunslaughter等一干早期乐队，都在接受采访时承认他们曾受到过硬核的影响。甚至一些激流金属乐队干脆加强了自己编曲中的硬核成分，造就了Crossover这一激流金属中非常重要的风格。代表乐队有.、ATTITUDE、ADJUSTMENT、EXCEL、SIEGE、早期 Hammer这样的加拿大地下硬核乐队也曾经坦言，80年代早期你能在加拿大罗斯湾看到身着Slayer服装的鸡冠头，激流金属演出现场也经常聚集一些喜欢硬核的人。因为有着同样疯狂的Riff。在现场音乐界限很模糊。而金属和硬核的分家直到1986年才开始。.核心朋克继续出现在90年代，而且继续没有汇入主流圈子，可是一些受到核心朋克美学影响的乐队包括Nirvana为代表的一批新人成为90年代主要的摇滚明星，而早期的那些核心朋克乐手如Bob Mould,Henry Rollins,Mike Watt,Ian McKaye和Dinosaur Jr.乐队的J Mascis却转变成了另类音乐的偶像，核心朋克的不少观念和特点也被其他不少同时代的风格吸收和转化（如重金属和电子乐领域）.另外，核心朋克还有一个更加快速，吵闹，非旋律性，有暴力倾向和白人至上主义倾向的分支－－Oi.硬核朋克虽然对以后众多的摇滚风格产生了深远的影响，但一直没有主流化，这种情况一直持续到了今天。代表乐队：Converge,Hatebreed,Sick of It All,Black Flag,Dead Kennedys... 1977年的朋克革命之后，有一大批的新乐队组建.他们都从朋克摇滚独立自主的精神和朴实的声音中得到了灵感.为了避免复制The Sex Pistols的声音，不少这样的乐队进入了更加实验化的音乐领域，将朋克摇滚以外如Roxy Music,David Bowie和的影响吸收了进来.结果导致了一由反主流文化精神和挑战公认摇滚传统的旗帜联系在一起的乐队群体的出现.很多像Joy Division 或The Cure这类乐队创造出了一种黑暗，阴冷的音乐氛围，他们同时使用了电子合成器和吉他两件主要乐器；另一些乐队则在音乐上选取了更加轻快一些的路线，尽管他们的歌词和声音之间显得有些脱节，但颠覆了传统流行摇滚的歌曲结构.后朋克最终发展成了80年代的非主流音乐.代表乐队：Gang of Four、Siouxsie & the Banshees、Joy Division、The Cure 朋克摇滚流行的时间虽然很短（约1977-1980），有人却把它与普莱斯利、披头士并列，认为是摇滚乐历史上强调反叛精神的第三次革命。不管怎么说，朋克摇滚的表现的确太极端了。可能为了逃避别人的指责，使自己不那么被人讨厌，紧接着朋克，出现了摇滚乐的一个新名?新浪潮。新浪潮的概念是模糊的。它可以看作是从朋克派生出来的一种摇滚乐，但其目的是为了区别于那些朋克乐队，而且力求在材料和演奏方面更具专业性。于是到了70年代末，英国很多朋克乐队，包括冲撞都变成了新浪潮乐队。英国的新浪潮代表人物是埃尔维斯·科斯特洛（Elvis Costello，生于1955年），他将多种风格与摇滚乐相结合，剔除了朋克中极端的成份，使音乐听起来不显得那么喧闹。同时他也为朋克时期英国的摇滚乐走向专业化道路（使其具有音乐性）作出了很大的贡献。新浪潮的概念在美国用得更为广泛，只要不是明显的朋克或带有先锋派特点的都称作新浪潮。其中，最重要的乐队是传声头像（Talking Heads），他们带领其他乐队从朋克走向新浪潮。传声头像由领队戴维·伯恩（David Byrne，生于1952年）建立于1975年。他们避免奇装异服和舞台上的古怪行为，从现代的严肃音乐中吸取材料，产生一种更加复杂的风格，歌词经常强调个人与社会的矛盾冲突。专辑《永不熄灭》（Remain in Light，1980）采用一种来自简约派创作原则的摇滚乐风格。在器乐伴奏中，使用了非洲的复合节奏，持续不断的音型贯穿始终，听起来就像是巨大的机器稳定而连续地生产出音乐来一样。在他们的作品中，有时还可感觉到雷盖音乐（Reggae，见下文）和其他黑人音乐的影子.代表乐队：Talking Heads、Elvis Costello、Blondie、Duran Duran、B-52's、The Cure、Eurythmics、The Cars、Bauhaus 这是同第三次斯卡复兴浪潮紧密相关的一个概念，因为大多数后一类型的乐队都是建立在斯卡朋克基础之上的.顾名思义，他是源自牙买加的斯卡音乐同朋克摇滚的一个混种.Ska-Punk最明显的表现特征是，不加失真（亦或失真很浅）的吉他音色，在弱拍上进行节奏铺底，而贝司进行和声旋律的走向。加之明快的节奏，音乐感觉很跳跃。在演出中，很多观众自发的跳起自编的无名舞蹈，随意、欢快！之后，出现了Ska舞。斯卡（Ska)牙买加的一种本土流行音乐形式（属于雷鬼乐族群），50年代产生，60年代早期非常流行，是后来风行一时的雷鬼乐（Reggae）的直接祖先.它受到新奥尔良节奏布鲁斯,爵士乐，非洲古巴黑人音乐，早期摇滚乐以及其他多种音乐形式的影响.这是一种轻快的音乐，蜻蜓点水般的吉他演奏和切分节奏是它的鲜明特色.从某种程度上讲，我们可以认为它是牙买加人用自己的方式演绎出的节奏布鲁斯.朋克复兴Punk Revival（朋克复兴）： 九十年代初期，美国朋克迎来了第二个春天。Green Day和the Offspring的Punk Pop（朋克流行乐）开始使朋克进入主流摇滚，或许受到八十年代末硬核转变为速度金属的启发，朋克复兴乐队的音乐不仅保持了简洁的音乐线条和飞快的速度，而且音乐愈发沉重起来。另一方面，强力流行乐讨好的形象和更加圆滑的音效、讲究的编排使听众在感受朋克力量的同时同样可以感受到优美的音乐，这也正是朋克得以复兴的法宝。Punk Pop被视为Post-Grunge（后垃圾乐，即温和商业化的Grunge）重要组成部分。 说到它的起源，不得不说一说1983年的那点儿破事。一个叫Lach的小青年带着自己的梦想来到了传说中的Folk City，渴望能够寻找到演出的机会。然而，老板在听了他的演出后，却说，你的音乐太朋克了。第二年，Lach自己在纽约东城区开了家名为the Fort的俱乐部。由于开业恰好撞上了纽约民谣艺术节，这个天生反骨的家伙就把the Fort的开业称为纽约反民谣艺术节。一年后，警方关闭了the Fort，于是the Fort就变成了一个流动性很强的反民谣演出场所。在1993年，反民谣已经得到了国际上的认可，并成为了多个艺人的垫脚石。Beck, Regina Spektor, 以及the Moldy Peaches，都是反民谣的代表人物。《纽约时报》曾在一篇报道中写道，他们（即以上提到的艺人）都有个共同的特征，那就是用颠覆传统且毫无惧怕的态度去创作。到了2000年左右，反民谣的概念传入英国，并迅速在伦敦，曼彻斯特以及布莱顿的地下音乐圈中传播开来。直到2006年八月，在当月的Timeout杂志中，反民谣已经被认为是伦敦最热门的亚文化之一了。从音乐来源看，反民谣主要来自于民谣与朋克。它继承了民谣的和缓和木吉他的伴奏，同时也吸收了朋克的激进，节奏以及大胆。它不再只拘泥于民谣对人生对世界亦或是对政治的忧郁和哀叹，它更多的是像朋克一般集中于自我以及自我与世界的关系。反之，它抛弃了朋克的简陋，无畏和大汗淋漓，而是采取了民谣的平静，冷眼旁观整个世界。而在歌词创作方面，反民谣大约可以分为两类。一类向流行靠近，另一类则向独立靠近。前者我们看到的是Regina Spektor，后者我们看到的是Kimya Dawson。歌词大多以简单的东西来表现歌曲的基调。在留给听者更多想象空间的同时，又不至于像听Bright Eyes似的消耗自己的脑细胞。而且，最要命的是，常常在这些简单哼唱的歌词中，我们听到的是更多更纯粹干净的温暖。Lach在接受《纽约时报》的采访时曾说，刚开始的时候，我们是用民谣化朋克的方式来摇滚（When we started, we were to folk what punk was to rock.）。而当读到这句话的时候，我想到去年听Sonic Youth的新砖The Eternal时，曾读到过这样几句话，“民谣和朋克都对现状极度不满，两者以不同的方式逃避：民谣怀旧，通过退行到童年稚嫩、无辜、干净的状态，来维持起码的生存愿望；朋克破坏，通过否认仇视并破坏一切，在毁灭之后涅磐。”可以说，民谣和朋克是音乐史上最激进的两种音乐。前者把一切都闷在心里，后者却毫无保留地表现出来。音乐史上从朋克转型到民谣，从民谣转型到朋克的音乐人都大有人在，诸如，Feist， Tony Dekker等。而反民谣，作为民谣与朋克的混合产物，让我们看到了其中和作用的奇妙反应物。或许少了民谣的内敛与深刻，少了朋克的张扬与无惧，但是反民谣的存在，却的确为这个世界上所不可缺少的。 FeistFeist本名Leslie Feist，她于1976年出生在加拿大的一个宁静小城卡尔加利，自幼喜欢音乐，后来她便用自己的姓氏Feist给自己取了这样一个艺名。起初先是在高中，她和几个同样喜欢摇滚乐的朋友组建了一支朋克乐队 － Placebo，有意思的是这和现在英国十分走红的那支朋克乐队有着相同的名字。后来Feist率领她的乐队在当地一系列的摇滚比赛中取得了优胜，小有名气的他们后来成为了The Ramones在加拿大演出的开场乐队。也就是在这个时候，Feist选择了音乐作为毕生的事业，她开始艰苦而毫无希望可言的生活，在之后的五年中，Feist开始在加拿大的各个地方演出，也正是这个时候，她结交了很多著名的音乐人士。可是正当Feist准备有更进一步的发展之时，她的嗓子却音乐莫名的疾病不能发声了，面对这个打击Feist几乎放弃了她的音乐人生涯。后来她四处寻医，终于在多伦多找到了一位医生并治好了她的病，于是她决定离开家乡卡尔加利并搬来多伦多开始全新的生活。在多伦多Feist租来的小小的寝室中，她开始利用一台破旧的四轨机为自己录音，而此时她所演绎的音乐已经有了很多的改变。一把吉他，还有简单的歌声，这就是来自Feist的新尝试，做一个民谣歌手。后来Feist加入了当地的By Divine Right乐队并且开始逐渐被更多的人知道，她和乐队为加拿大老牌摇滚乐队The Tragically Hip做北美巡演嘉宾。在1999年她录制了第一张属于自己的专辑——《Monarch (Lay Down Your Jeweled Head)》，清新的民谣歌曲，仿佛重获新生。2000年，她帮助Peaches制作了专辑《Teaches of Peaches》；两年之后她又加入了By Divine Right的后身乐团——后摇滚风格的Broken Social Scene，并且凭借专辑《You Forgot It in People》一鸣惊人。2004年的《Let It Die》是Feist精心打造的一张清新民谣风格的专辑，其中包括了她翻唱本国民谣歌手Sexsmith以及Bee Gees的歌曲。《Let It Die》专辑中的Mushaboom被Lacoste的香水广告选用。 Regina Spektor蕾吉娜·史派克特(Regina Spektor)，尽管曾与前段时间排行榜上火爆一时的“敲击”乐队(The Strokes)一起做过巡演，此外，在过去的几年中，于纽约的“反传统民谣”(anti-folk)圈子中也已小有名气，但是这个名字对于很多人来说显然还是颇为陌生。史派克特已经自发行了3张专辑作品，但却很少能够进入人们的视线，不过随着互联网络对于艺人自我宣传的愈发显着的支持，蕾吉娜·史派克特也逐渐开始为一些人所知。Rgina Sektor的音乐会让你不禁然地联想到一个很有古怪灵秀气质的女孩，事实上，在她所演绎的大部分音乐中，富于冷峻而诡异变化的钢琴是唯一的伴奏乐器，这让我们想起了另一位现在已身为人母、可当年却以怪异钢琴气质而独步乐坛的女唱作人Tori Amos。但是，如果仅仅给Regina Spektor冠以“怪异风格唱作人”的头衔则无形中大大削减了她音乐中具有的多元化音乐色彩。 Adam Green“他是从天而降的怪人”，说这句话人的是The Strokes的主唱Julian Casablancas，“他”指的是另一位纽约独立音乐人Adam Green，前Moldy Peaches的主唱之一兼吉他手，目前最主要的Anti-Folk 领军人——假如这种音乐确实有一定规模的话。 忍不住八卦一下这个人做过的怪事：巡演的时候穿成罗宾汉造型，唱描述网络色情业的歌，采访的时候谈论乐队成员的小便味道如何……呃，不想影响你的胃口；所以说，这个人的音乐是自私的，跟所有单飞音乐人一样，他的歌词更加着重抒发个人看法，针砭时事（似乎是美国音乐人的特色之一）更加肆无忌惮，最近的一次是在新专辑的歌里把Jessica Simpson涮了一道。
我爱摇滚~ 重复写800次左右就有3000字了
摘要]: 文化，是当前学术界和商界共同思考的热点之一，而且日益成为一种朝阳产业。本文重点讲述的人文摇滚也与其有着历史关联和意义。牵涉到历史与现实、中国与外国、古典与现代、全球与本土、“阳春白雪”与“下里巴人”等诸多层面，因而不无道理地一再引发种种讨论或探索。这些探讨对于我国音乐文化的发展是有益的，不过，其中留下了一个有待我们去填补的空白：当前中国各种文化、艺术的层面中。在一种特定的文化内部，总会存在着若干种不同的文化、艺术层面，它们之间组合成为一个相互对立而又相互共生的整体。而作为中国音乐重要组成部分--人文摇滚（摇滚）个体，在艺术与商业接轨的今天，如何独善其身并弘扬音乐的人文摇滚精神。就当前我国音乐文化的基本构成来看，我们的音乐文化中究竟有哪些因素呢？它们之间结成何种关系？谁又是这一主题的主导或领跑者?问题就提出来了。我在这里不打算普遍地纵论音乐文化发展的历史层面，而是着重从中国内地人文摇滚音乐的音乐文化层面角度来加以分析，即透过人文摇滚的音乐文化而为推动音乐及文化产业发展提供想象性框架和可推敲性理论。因为，人文摇滚是文化产业中最富于表现力的想象性、人文性的文化形态，完全可以当仁不让地承担透视文化产业的任务，并在未来时间内引领中国文化产业迈出不可估量地一步，翻开崭新的一页。[关键词] 人文 摇滚精神 独立摇滚 人生哲学 生命意义 释放 领跑[正文]中国民众主旋律热情开始淡化，功利和实用观念日渐成为民众主导意识。与此同时，本来就受到了另眼相看的音乐歌手和音乐人的本真理想基本失去了社会基础和文化效果，摇滚音乐人原来的社会角色和艺术立场出现了转换，一部分人自觉融入生活，另一部分人则进入市场运作，人文摇滚音乐作为一种“第三地下角色”，甚至被抑为无意识。这样一种状态，不仅作为一种背景，并似乎成为一种“力量”，直接控制、作用、影响着21世纪的中国音乐文化，为这一时期中国音乐文化留下了鲜明的"时间性"印迹。作为历史见证，文化产业的得天独厚都将在这些摇滚文本中得到一份"真实"的记录，并义不容辞的承担起领跑者的任务和名份。一、人文摇滚的层面与渊源1、音乐概述音乐(music)的定义、起源历来很多，关于人类社会音乐的起源可以追溯到非常古老的洪荒时代。在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏的号子和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形；当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。原始时代的人类，他们的劳动生活，可以说是和音乐为伴而开拓发展，两者是紧密联系在一起的。从这个意义上来说，音乐是直接从人类的劳动生活中产生出来的。起源说众说纷纭也如性爱说、模仿说、劳动说等。在这里仅仅采纳中国音乐学家刘蓝的界说：音乐起源于太一说。音乐是一种表演艺术，需要通过演奏、演唱，才能为人们所感知而产生的艺术效果。音乐的分类有很多种，比如：音乐种类分为拉丁音乐、说唱音乐、古典音乐、流行音乐、MV卡拉OK 、影视音乐、儿童音乐、动漫音乐、轻音乐、摇滚音乐、民族音乐、民谣、宗教音乐、节庆音乐、革命音乐、以及近年来出现的游戏音乐等等。换句话也就是说，音乐是人类的符号表意系统，人类通过自己创造的符号系统去表达生活的意义。而音乐文化是一个历史性概念，每个民族及其特定历史时段都有其独特的表现状态。一定时段的音乐文化应是一个容纳多重层面并彼此形成复杂关系的结合体（并不一定就是统一的整体）。而就中国目前的情形来说，这种容纳多样的音乐文化结合体往往有几个层面或形态（注：我自己在过去一度审美主观性的将音乐文化分为主流文化、精英文化和大众文化三种，但后来通过在大学的学习才知道世界上有很多的事物是不能简单的去分类的。）：主导音乐文化、高雅音乐文化、大众音乐文化、精神音乐文化。从文化价值看，这几个层面之间本身是无所谓高低之分贵贱之别的，关键看具体的作品文体本身如何。每一层面都可能出优秀或低劣作品，无论它是主导文化和高雅文化，抑或物质层面的，又或是精神的。由于本文是在分析人文摇滚音乐；在此就不做详细论述。下面以流行音乐为例谈一下中国音乐的发展现状。2、摇滚渊源纵观流行音乐发展现状，存在着无处流行的悲哀。再来看看中国摇滚音乐的现状，可现在的摇滚（其实有很多的东西）都变了味了，或许存在着共同的悲哀，有或许是永远也解不开的探索之迷。20年间，除了海外的一些著名歌手还能偶尔引起轰动和追捧外，内地歌手的现场演出还有多少人去听？还有几个人有兴趣办当年那样的演唱会？音乐人许晓峰日前接受采访时说：“去年全国现场演出收入仅有1亿元左右。这说明，中国流行音乐成了一个仅靠唱片公司一条腿走路的‘瘸子’。”“我脚踏着大地我头顶着太阳，我装作这世界唯我独在，我紧闭着双眼我紧靠着墙，我装作这肩上已没有长脑袋，我不愿离开我不愿存在，我不愿活得过分实实在在，我想要离开我想要存在，我想要死去之后从头再来……”这是崔健新歌《从头再来》的歌词。但是，中国流行音乐，在没有走出原创衰竭、歌者颓丧和市场萎缩之前，该如何从头再来？摇滚在中国已是一种特殊的文化符号。摇滚的特殊就在于它自身的肿胀和虚胖，它总是以一副怒目但也慈悲的姿态现世。这种被哄抬而出的音乐文化形式远远超出它本身的内容和内涵。崔健说过一句话，含义也在于此：“摇滚主要是一种娱乐形式，它的社会功能是别人强加的。”我们在看待这一社会现象时，社会背景总是被我们优先考虑。对于摇滚在中国发展今天这一现状，无论怎样标榜自己叛逆与颠覆性，依旧逃不开大的社会背景。摇滚在中国的奇特之处就在于它被当作一种手段，一个诉求平台，一种社会异化下的宗教活动。中国摇滚大环境可以说一团糟,为究竟什么才是真正的摇滚吵得不可开交,你说我是伪摇滚,我说你是商业化.一些青头小子把头发一染,扯开嗓子大吼几声就是朋克摇滚,说话快的边说边唱两句就是说唱摇滚.我们的老崔年纪大了,可还一直为中国摇滚的发展不遗余力地奔走,究竟中国摇滚将走向何处?是升华还是灭亡?老崔说了:活着就是一种进步,那么,苟延残喘的中国摇滚进步到了哪种地步?我认为中国摇滚的现状是尴尬的。一方面是不计其数的地下乐队和地下歌手如雨后春笋般涌现，各种流派曲风争奇斗艳。让人目不暇接。另一方面，长时期缺少震撼人心的音乐作品，摇滚的思想和精神被不断的结构异化，是人们对摇滚的执着初衷发生了动摇。中国摇滚历经了十年，希望大家回头看看，到底留下了什么？一群愤怒叫骂的斗士？一群把手中的乐器作为泡妞的“新杀伤性武器”的音乐发烧友们？还是染着各色头发的“行为摇滚”新青年？中国摇滚可能真的到了最危险的时刻，强大的社会主流在无意中磨打受众的心灵。可------就在此时，人文摇滚出现了。二 摇滚新血脉----人文摇滚从八十年代初中国摇滚起步，至今，它已走过了从热浪到低谷终归于平静的过程。这些摇滚艺人的艺术态度和精神立场的独特性，贯穿于他们的生活始终。从某种意义上说，这种独特性中所包含的艺术价值与精神价值，足以上升到一种文化艺术的高度。一、人文摇滚的音乐与精神“曾经多少次跌倒在路上，曾经多少次折断过翅膀，如今我已不再感到彷徨，我想超越这平凡的生活；曾经多少次失去了方向，曾经多少次扑灭了梦想，我要我的生命得到解放！”----汪峰《怒放的生命》摇滚在中国的奇特之处就在于它被当作一种手段，一个诉求平台，一种社会异化下的宗教活动。无论在哪个国家，摇滚从未像在中国一样经历奇迹。这种奇迹，被赋予上一种信仰，注射进一种跃跃欲试的思想，成为社会中部分非主流人群的旗帜，燃烧律动在这个时代脉搏下。它倾诉着边缘群体的苦难，人性的压抑与渴求，反体制过程中的磨难与怀疑，社会的不解和探索。在中国多数乐评人的眼中，当摇滚势不可挡地成为一种精神载体时，它的社会功能已在无形中被夸大了。摇滚乐坛的风起云涌和音乐人的推波助澜，造就了在中国摇滚界思想决定艺术还是艺术决定思想的试验。而这一问题有些近似于物质文明与精神文明的建设，而这一问题的讨论又有些近似于“物质文明为先还是精神文明为先”的讨论。这一问题在政治课中，马克思辩证唯物主义的观点已将其解释详尽了。无疑，物质文明与精神文明要同步发展，以寻求社会主义物质建设与精神建设的双丰收。2．人文摇滚音乐——灵与肉“忽然间我感到如此快乐的心酸，付出所有的一切只为付出我的梦，忽然我感到如此狂喜的悲哀，拥有一切也不过就这样笑着哭。忽然间我明白泪水映出的岁月，付出所有只为找寻你的梦，忽然间我明白微笑掩藏的悲哀，拥有一切也不过就这样笑着哭。” ——汪峰《笑着哭》无疑，摇滚音乐和摇滚精神要同步寻求发展。无论是出于中国国情，或是现今摇滚人的精神状态的考虑——摇滚，这种有别于其它主流音乐的特有音乐形式，必将在某种程度上发挥其音乐作用与精神价值——而这种价值的体现，正是灵与肉的完美结合体。我们需要既饱含摇滚精神，反映社会人文思潮又唯美的摇滚风格。无论艺术与商业如何接轨，乐队的存在还是在于作品本身。三、峰高无坦途----人文摇滚的攀登一．在路上寻找灵魂——摇滚人的真理1． 独立的人生信仰“我不知道梦是什么颜色，也许它自有它的颜色，我不知道风要吹向哪里，也许它自有它的方向，我不知道孤独是什么，也许它就象小草一样，我不知道鸟儿为何飞翔，也许它为了寻找故乡，我不知道世界有多大，也许她可以把我装下，我不知道自己是什么，也许我是天空奔跑的迷鹿，” ——汪峰《花火》在那些非主流的地下人群中，有愤世疾俗的“朋克”，有沉郁晦涩的“金属迷”，有忠于另类音乐的黑暗分子——庞杂的人群，旨在维护摇滚的精神——那是所有人道不明但心中仅存的信念。但可以看到，人文摇滚乐并不是官方文化可以接受的事物，而其独立的精神时让大众感觉若即若离。这种独立，从音乐态度上来说，以一种DIY（Do It Yourself）形式存在，无论从词曲到编曲到制作到录音，一条线一气呵成全由摇滚艺人自己完成，这无疑使作品的完成度极高，也更能反映出艺人最原始的思想（比如汪峰自己就有“峰声音乐”）；从生活态度上来说，独立，这要求摇滚艺人要以其最具个性的姿态出现，把一种对生命的信仰，一种自身的人生哲学，散播向听众，以实现他人与社会灵魂的进化与自身的成长。2． 在独立中寻求发展“没有什么能够阻挡，你对自由的向往，天马行空的生涯，你的心了无牵挂，穿过幽暗的岁月，也曾感到彷徨，当你低头地瞬间，才发觉脚下的路，心中那自由地世界，如此的清澈高远，盛开着永不凋零…。” ----许巍《蓝莲花》当一个人以严肃的态度来对待音乐，他所遭遇的不仅有当代艺术的一般困境，更有他所支持的音乐的特殊困境。有幸做出真正创新的艺术家，其后路程就更加艰辛，而结果，往往只有重复自己或索性放弃自己，妥协进中庸的魅力中去。在这一点上，摇滚是最好的例子。一个优秀的人文摇滚人首先是一个有着独特生命感悟的人，正是这种内在的独特性才使他有可能在艺术上超凡脱众；与此同时，他的独特的自我在某种程度上必须是大众的代言人，他的灵魂的叹息与呐喊必须引起人内心强烈而广泛的共鸣，如此，这种音乐才能成为真正意义上的被认同音乐。诚然，在每一个有个性并且不愿放弃自己的独立个性的摇滚人面前，道路一定是曲折的，前途是否光明则完全不可知。这或许就需要摇滚的人们在个性中寻求共性，在独立中寻求支持，在非主流中寻求可主流的事物，使晦涩的摇滚乐成为真正意义上净化灵魂的利器与思想哲学的音乐。发展是必然的，不在发展中爆发，就在发展中灭亡。这是固守自己摇滚信仰的每一个人必须经历的过程——在独立中寻求发展3.追求与众不同，引领音乐起跑----人文摇滚价值人文摇滚乐，从思想内容、艺术趣味到表演技巧，一般来说，都是难与“阳春”“白雪”相比。它们的市场领域和文化定位都有些不同。“凡是有过沉浸到真正艺术作品的激烈体验的人，都不堪忍受廉价效果的应用，并会坚决主张一种艺术的优越发展…”但是，人文摇滚乐在很多的受众那里很有市场。它是一种“大众文化”，深入到千家万户和各种层次的欣赏受众。那么，人文摇滚乐又有什么独特之处，在此应该尽我所能指出，才能确凿点明它的领跑之当仁不让。1.较之其他流行音乐形式，人文摇滚乐的潜在影响最大。它不仅是音乐的主流，也改变了其他流行音乐及摇滚乐的面目。人文摇滚乐的声音在电视、电影、广播中随处可闻，它特有的独特音乐节奏渗透于各种流行音乐中。它的流行涵盖面最宽，在崔健建立的摇滚王朝之后添光加彩，升华了主体和意义。与严肃音乐、近期流行的音乐相比，人文摇滚乐的市场更显得热火朝天。人文摇滚乐的唱片、录音带、cd\vcd\不计其数。据不完全统计，到目前为止，有关人文摇滚的网站已经突破了1300多，而且还有出版社为他们写书和个人传记，有网上消息说有关汪峰的报导、文章也有120多篇。2.引起青、少年、成功人士、社会群体的狂热反应，造成对社会人文思潮巨大的冲击力。过去的摇滚基本上是一种反应青少年文化，反映了青少年的心理特征和艺术要求，反过来，又影响和塑造了青少年。但现在的人文摇滚乐关注的不仅仅是青少年，更多的是社会群体，不分年龄、时代，在网上参加有一戏言：“人文摇滚乐不仅使流行音乐起了革命性的变化，对于服装、发式、语言、生活方式，甚至政治观点等方面都有了不可忽视的影响。”作为一种文化现象或社会现象，过去的摇滚常和毒品、性、解放革新联系在一起，现在，人文摇滚不是仅仅在社会的低靡和人性的碰撞中寻找方向，更重要的是发泄社会群体的愤满。3.社会争议极大。对不同的音乐，有不同的看法，有人喜欢，有人不喜欢，这是正常的现象。但历史上还没有哪一种音乐形式要人文摇滚那样引起人们的如此广泛而激烈的争论乃至对立。在摇滚创造的舆论时代，人们仅仅是批判地接受，现在对待人文摇滚大不相同。人们开始去分析它的社会文化价值和教化功用。与早期摇滚相比，比较悠闲，反叛性少，与大众思想情趣比较接近。当然，具体问题还是要具体分析，不能看不到短处就说没有，给作品和歌手正确的评价才是我们乃至社会都想看到的结果。还要考虑它对今天我们的社会可能产生的影响。四、人文摇滚与社会思潮尽管面对实用主义和商业主义以及社会舆论的三重威胁，但人文摇滚音乐文化中仍然占有自己的位置，这一时期出现了一种被称为"新体验"的摇滚创作类型。《笑着哭》、《飞得更高》、《花火》、《蓝莲花》、《怒放的生命》等优秀作品汲取了"崔健王朝"所积累的造型感和修辞经验，精心营造着充满意味的故事空间，设计了种种隐喻式的视听具像，另一方面又用朴实的风格、平平淡淡的节奏来表现普通百姓日常的人生、日常的体验、日常的欢乐和痛苦，成为这一形态的代表性作品、歌手。在叙事上这些作品更自觉地用偶然性来冲淡情节的戏剧性和因果逻辑性，突出人生的无奈、无序和无可把握；在意识上对将人生困境化戏剧性模式更加不信任，不愿意为人生给出一个完整的结束或者答案；在视野上，它们所关注的不再仅仅是普通人所面对的社会问题，而是每个生命个体所难以躲避的人生问题。无论是对人性的理解和关怀，或是对现实的观察和体验，甚至包括对音乐艺术美学潜力的发掘，都成为了这一时期人文摇滚文化发展高度的一种标志。由于意识形态逻辑、更由于流行歌曲生产市场化的经济逻辑的的限制，新世纪的中国摇滚音乐文化正如整个社会文化一样，不可能象80年代文化那样充满异类、喧哗、叛逆，个人主义的、标新立异的、天马行空的狂躁被后现代工业所整合，因而，人文摇滚文化中的先锋性、实验性因素被降低到了最低点，甚至非常规的作品以一种边缘的姿态出现。其中最引人瞩目的是汪峰倾向：以开放性替代了封闭性的叙事，用日常性替代了戏剧性，追求……最常态的人物，最简单的生活，最朴素的语言，最基本的情感，歌词往往难以传达他们动荡不羁、迷离斑杂的生存体验，于是他们都借助于音乐的节奏和情绪来表达自我，他们用装饰性的语言影像、鲜艳的色彩、螺旋似的跳动的结构、MTV的节奏、自传化的题材、情绪化的人物，还原他们自己在都市的喧哗与骚动中所感受到的那种相当个人化的希翼、惶惑、无所归依的生存体验。处在世纪转折时期的中国人文摇滚音乐文化就以这样的多元选择形成了其艺术格局，一方面，音乐（流行音乐）观念的更新一直在艰难地发生，但另一方面，实用主义、功利主义观念也对音乐文化的发展产生了深刻的影响，前一时期人们引以自豪的那种历史使命感、社会责任感、艺术崇高感在音乐文化中受到了一定程度的削弱，无论是主流音乐作品创作对人文摇滚本体的常规完善或是前卫摇滚作品创作对音乐美学手段的非常规探索，都还缺乏足够的广度和深度。文化和美学意义上的人文摇滚文化的世纪转折远远还没有完成。代结束语：人文摇滚乐的歌词歌词在摇滚中的作用很重要，它传达出歌曲明确表达的意义和内容。早期的摇滚歌词主要在描写男女青少年之间的浪漫经历，他们在一起度过的美好的时光，等等，很少提到有关性的问题，即便提到，也很含蓄。早期的领军人物崔健的歌词里更是少，几乎NO，从歌曲里我们可以很明显地感觉到那种迷茫和追问。“吃不着铁饭碗象咱家老头子，也不想处处受人照顾象现在的孩子，我们没吃过什么苦也没享过什么福，所以有人说我们是没有教养的一代混子，真要是吃点苦我准会哭鼻子。下海挣点钱儿又tm不会装孙子，说起严肃的话来总是结巴兜圈子，可干起正经的事来却总要先考虑面子，除了眼前的事我还能干点什么，除了吃喝拉撒睡我还能想点什么，嘿若要问我下一代会是什么个样子，那我就不客气的跟你说:我管得了那么多吗？”在这样的歌词里面我们没有杂乱的思想，有的是生活的繁琐…20世纪末，中国的摇滚歌词发生了很大变化，当然，情歌音乐还是继续了男女恋情和美好时光的题材；但是民间（边缘）音乐的高涨给摇滚歌词带来新的严肃含义。精心营造着充满意味的故事空间，设计了种种隐喻式的视听具像，另一方面又用朴实的风格、平平淡淡的节奏来表现普通百姓日常的人生、日常的体验、日常的欢乐和痛苦，成为这一形态的代表性作品、歌手。我的观点还是那样，人文摇滚音乐不仅见证音乐历史的转折，还肩负着领跑的任务和名份。对于摇滚我们不能一概的否定和肯定，要区别作品的好坏。歌词是区别好坏的一个重要方面（不是全部）。摇滚音乐中有好的作品，但我决不承认所有的作品都是好的，还有不少很坏的东西。我们的创作要吸收人类文化中的一切有益的东西。在我们国家的音乐舞台和影视节目中，无论是表演外来的音乐还是自己的创作，我想，都应力求健康、高品位、有益于社会。