之前也是为为论文苦恼了半天，网上的范文和能搜到的资料，大都不全面，一般能有个正文就不错了，而且抄袭的东西肯定不行的，关键是没有数据和分析部分，我好不容易搞出来一篇，结果还过不了审。
还好后来找到文方网，直接让专业人士帮忙，效率很高，核心的部分帮我搞定了，也给了很多参考文献资料。哎，专业的事还是要找专业的人来做啊，建议有问题参考下文方网吧
下面是之前文方网王老师发给我的题目，分享给大家：
论音乐听觉在钢琴教学中的实践
高校钢琴集体课教学模式探索
吕其明《红旗颂》双钢琴版本的演奏分析
试析贝多芬《第六钢琴奏鸣曲》Op10No2第一乐章
贝多芬《c小调第三钢琴协奏曲》Op37作品分析
莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色
试论西方音乐史对钢琴演奏的影响
开创“中国风”钢琴语境
由钢琴考级引发的琴童教学思考
从智能钢琴集体课看钢琴教育的新探索
大数据网络时代的钢琴教学构想
高校钢琴教育提升学生音乐素养的路径
OBE理念下高师钢琴课程教学改革探析
学前教育钢琴即兴伴奏教学的实践探索
传统与当下：博雅教育理念与钢琴教育相融合的理论思考
钢琴伴奏在高职艺术院校声乐教学中的作用分析
《钢琴家》：那些见过战争的人，怎么会不憎恨战争
疫情期间“互联网+”在高校钢琴教学中的实践应用探讨
钢琴界“扫地”朱晓玫：只想躲在音乐背后
基于核心素养的高职钢琴教学策略探讨
基于人工智能的钢琴编曲音色识别系统设计
浅析中国古典舞基训与芭蕾舞基训钢琴伴奏的差异
巴赫康塔塔钢琴改编曲《羊儿可以安静地吃草》乐曲分析及演奏处理
浅析黄自艺术歌曲的钢琴伴奏
浅析钢琴曲《浏阳河》的音乐技巧与情感表现
浅析舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏的魅力
浅探克拉拉·舒曼的钢琴生涯
王建中改编钢琴曲的艺术手法与特征
职业学校钢琴课程教学模式及课程体系拓展研究
钢琴演奏教学中听觉培养的价值探讨
钢琴演奏教学中如何培养学生的心理素质
试论钢琴基本功练习在钢琴学习中的重要作用
浅析慢练在钢琴练习中的作用
巴洛克歌剧咏叹调钢琴伴奏教学研究
贝多芬钢琴奏鸣曲演奏风格及创作特点探析
对中职学前教育专业钢琴课教学的思考
浅谈儿童钢琴快乐教育
中国钢琴作品《皮黄》的曲式特征与艺术特性
钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用
钢琴即兴伴奏在小学音乐课堂教学中的应用策略探析
钢琴家的脚
学前教育专业核心素养下的钢琴教学策略
探析高职学前教育专业培养和提升学生儿歌钢琴伴奏能力的方法
浅析个性化教学法在高职钢琴弹唱教学中的应用
高校钢琴教学“归元”思考
浅析管弦乐钢琴伴奏艺术
现代音乐美学对钢琴演奏的启示
高校钢琴即兴伴奏教学的创新模式探析
音乐专业钢琴弹唱能力培养方法解析
胡同里的钢琴师
浅析钢琴制造工艺对触键和音色改变的重要性
高校钢琴教育中学生音乐素养的培养
音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的措施分析
中职学前教育钢琴即兴伴奏课程有效分层教学分析
关于钢琴教学中的审美教育与情感教育
中职学前钢琴教学中的课堂语言艺术探究
幸福的钢琴
对高校钢琴课程体系中学生综合能力培养的研究
过程性评价的内涵、价值及其在独立学院钢琴教学中的应用
中西方钢琴艺术的文化融合
中专音乐表演专业钢琴教学方法探究
简论丁善德钢琴音乐的成就、特色与演奏
藏羌彝民间舞蹈钢琴伴奏编创论略
钢琴艺术欣赏中的审美意识分析
元认知理念指导下的师范类院校钢琴启蒙教学研究
学前教育钢琴基础教学的实践研究
信息化环境下的高职学前教育专业开放式钢琴弹唱课堂教学策略研究
分层教学模式在高职钢琴教学中的应用研究
互联网时代下的钢琴教学形式研究
微课在高校音乐教育钢琴课程中的应用研究
在线钢琴教育的利与弊
雅俗共赏角度下钢琴曲《炎黄风情·走西口》音乐分析
钢琴组曲《圆明园漫步》创作风格及演奏特征研究
钢琴伴奏在合唱艺术中的作用
浅析肖邦《b小调第一钢琴谐谑曲》的演奏技法
高叠和弦在格里格钢琴抒情小品中的应用
贝多芬C小调奏鸣曲对西方钢琴艺术史的发展影响探究
琵琶曲与钢琴改编曲《十面埋伏》的比较研究
浅析路德维希·范·贝多芬第7钢琴奏鸣曲作品10之3中的踏板使用
内心听觉在高师钢琴基本技术训练中的应用探索
高职钢琴教学中体验式教学法的运用探讨
双钢琴教学对学生钢琴学习能力培养的作用
信息化环境下钢琴教学模式的创新
浅谈少儿钢琴学习兴趣的激发与培养
高校音乐师范生钢琴合奏能力的培养与实践
试论钢琴的调音及日常维护
浅论中国钢琴音乐作品的组织结构与演奏
钢琴演奏中的触键技巧与音色效果探索
钢琴曲《百鸟朝凤》中的民乐元素渗透
李斯特钢琴曲《夜莺》的演奏诠释
波特凯维茨与他的钢琴练习曲
“思政”视域下美育与高校钢琴教学的融合研究
简析钢琴演奏者的心理因素对表演的影响
钢琴演奏中的音乐听觉作用探讨
《安娜的笔记本》在民办高校钢琴基础教学中的运用
高校钢琴教学中比较教学法的应用
立德树人视域下的钢琴教育创新研究
高职院校钢琴审美教学的设置与教学方式探索
幼儿园钢琴教学中形象化的教学语言研究
钢琴小品《喷泉》曲式结构与演奏分析
浅谈合唱中钢琴部分的运用
钢琴演奏与教学中的触键技巧问题研究
钢琴演奏中触键与踏板对音色的影响
钢琴踏板的运用--我的毕业论文
“踏板被人称为钢琴的灵魂。”从鲁宾斯坦的这一名言我们不难看出钢琴踏板的运用在钢琴演奏中占有非常重要的地位。不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴大家，在演奏中无一不会不使用到踏板，但是关于踏板使用方面的文献却寥若晨星。在钢琴教学，尤其是初、中级程度的钢琴教学过程中，很少有教师对学生系统的教授钢琴踏板的使用技巧，只是在需要学生使用踏板时才会零碎的作出一些指导。而这样导致的诸如：只顾踩踏板而不及时放、为追求所谓的“气势”“热闹”而胡乱的使用踏板、更有甚者将踏板作为技术缺陷，力度不足的掩饰等毛病。有鉴于此，我在总结了前人的经验的基础上结合我多年来在钢琴学习上的一些心得对钢琴踏板的运用做一番探讨，有不足和疏漏之处还望予以斧正。
一．踏板的基本功能
钢琴踏板的使用是弹奏方法中一项必不可少的内容。踏板使用得好坏，直接影响到弹奏的声音、色彩和风格。因此在谈钢琴踏板的使用技巧之前，有必要先简介一下钢琴踏板的最基本的功能。
1、右踏板是延音踏板，一踩下去，钢琴里的制音器全部打开，所有弹到的音就会延长。当脚一抬起来，制音器又压在琴弦上，音的延长就中止。
2、左踏板是弱音踏板(ulna cord) 在一般家用立式钢琴上，踩下左踏板，琴槌整个往前挪一些，离琴弦的距离就缩短了，声音相应就弱了。在演奏用的三角钢琴上，一旦踩下左踏板，则是整个键盘向右稍挪动。在三角钢琴上原来每个琴槌应击中三根弦，踩了左踏板以后，整套琴锤就会稍向左侧移动，这时琴槌只能击一根弦了。这样声音不但弱多了，而且产生了不同的音色变化。所以有时乐谱上标明"一根弦"或"三根弦"就是表示用左踏板式是放开左踏板。由于左踏板在演奏琴上能作出这样的力度和音色的变化，它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。左踏板往往被比作“旋乐演奏者的弱音器”。
3、中踏板最经常地的被称做延长音踏板（sostenuto）。在立式钢琴上，它会使击弦机上方一块厚绒降下来，挡在琴槌与琴弦之间，这样弹出来的声音就小得只有自己听得见，屋外的人则听不见，这是为了不影响别人，没有演奏上的意义。而在演奏用三角钢琴中的作用与在立式琴上的作用完全不同。这个踏板的作用有点象巴罗克时期乐队里的通奏低音。用来支持旋律声部的流动，换句话说，如果钢琴的高音声部极为复杂，但是左手的跨度又很大，必须弹奏低音（控制和声节奏）需要将低音延长，如此一来，钢琴家就不能两头兼顾（因为没有第三之手），这时候，左踏板的优势就极为明显了！它的作用就是在这是发挥了出来。钢琴家踩住这个踏板，再弹低音，这个低音就会被持续（而不象右踏板那样使整架钢琴当时发出的音都延长）然后，在这个低音的支持下，就能很从容的弹奏较高声部的曲调。所以，这踏板就是解放左手，有目的的减低弹奏难度的踏板。
二．踏板运用的基本技巧
首先有必要补充一下一些踏板技术动作的基本要领
1．脚的位置
脚的位置在使用踏板的时候是非常重要的，因为在演奏当中脚的错误位置会妨碍脚和手之间的敏感的相互作用，尤其是在同一时间用同一只脚使用两个踏板的时候，如有时需要这样用中踏板和左踏板时。正确的方法是脚应放在能使最大的压力点来自脚趾和脚的交界处的位置上。不要太靠近钢琴，脚尖几乎顶着琴板，用脚心踩踏板，这样不灵便；也不要偏远，只用脚趾踩踏板，这样不塌实。
2．脚的动作
脚跟不要离开地面，以脚踝为主要动作部位，用前脚掌将踏板踩下去、放起来。放掉时，脚掌可以一直不离踏板，如果为了放得干净也可以稍离一点点。
下面我们开始探讨一下踏板使用的一些基本技巧
由于我们常用的是右踏板，而另外两个踏板的使用比较少见。因此我在这一部分内容里主要对于右踏板的使用技巧进行分析。(附表 )
1． 踏板，又称节奏踏板或重音踏板，在这个技巧中踏板与一个和声同时被踩下去，在下一个和声前一刹那被放掉，然后再和下面新的和声发声的同时踩下去。适用与强调节奏特点的乐曲中，可以产生增强音量，获得浑厚共鸣的效果。在肖邦《前奏曲》OP．28 NO．20中由于整首乐曲都是柱式和声连接，属于一种进行曲风格，如果使用音后踏板就会使得旋律变得过于连贯，而失去乐曲本身的那种类似沉重步伐的效果，因而在踏板法的选用上要使用直踏板，一个和声一换。（本身乐谱上也有标记要使用直踏板）（谱例 肖邦 《前奏曲》OP．28 NO．20）
舞曲风格的乐曲踏板的使用在于表现舞蹈风格的特点，如《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》中4个小节构成一个乐句，前3小节踏板踩在节奏重拍上，而第4小节踩在节奏弱拍上这是和蒙古舞蹈的舞步相一致的(《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》)
2． 音踏板 我们常说的“切分踏板”和“跟随踏板”，两者和“连音踏板”都是一回事，即连奏中的更换踏板。“切分”的意思是，弹奏连奏中的第2个音时，手往下时，脚往上（而后再踩下），类似切分音的节奏。跟随的意思是，脚跟着第2个音弹下后重新踩下的。——目的都是一个，连上两个音，又不使前后音相混。它是最常用的踏板技巧，它的最简单的应用是出现于当两个音或和弦要用一个无缝的，又不被模糊的连奏连接起来时。如果想要清楚的换好踏板，没有以前的和声的遗留，并在声音中没有裂缝，以下的步骤是必要的：
（1）弹奏，并用踏板抓住第一个和弦。
（2）接着当弹奏下一个和弦时，抬起踏板。
（3）听新的和弦的声音。在锤子重新打击琴旋的一刹那，制音器应该已经制止了原来和声的声音。
（4）当手指继续按住琴键时，重新踩下踏板。再仔细听，要肯定没有以前的和声被留在新换的踏板中。
（5）每个新的和弦重复以上过程。
在格里格的《致春天》OP.43 NO.6中右手的和弦是在模仿春风在吹拂的效果，如果使用直踏板那么就无法表现这种意境，但是如果使用如图示中的方式来踩踏板的话可以使的右手的和声进行更加连贯。（格里格 《致春天》OP.43 NO.6）
当然在不可能把低音的每个新变化保持足够长的时间，以保证踏板的清楚更换的时候是可以把踏板提前抬起的。如在肖邦《夜曲》OP.27 NO.1中象谱例中所标识的那样,既可以使和弦在衔接时声音不会有明显的间断,也不会由于将踏板踩到新和弦出现后所带来的声音浑浊的效果。（谱例）
3． 抖动踏板，又称颤音踏板。是利用脚在踏板上快速的，相当浅的踩动（附表）
这种踏板的使用主要是为了追求特殊的音色，或降低声音的亮度。
在肖邦《奏鸣曲》OP.35的最后乐章中，为表现一种“坟墓上的风”的效果，就必须使用抖动踏板，来表现它的轻薄的、不规则的模糊感。
4． 全踏板，半踏板这是基于踩踏板的深浅而言的。全踏板即将踏板踩到底，是音响获得持续而连贯的效果。半踏板当乐曲的和声背景上保持一个低音时，而上面的和声出现混浊，用很小的动作，把踏板放起一半，然后迅速踩下，以获得既使低音长久，又使高音纯净的效果。还有将踏板踩1/4 1/3 1/2 3/4 等用法来使钢琴产生各种各样的音色变化，从而使音乐更加完美，音色更加丰满。这对演奏者对音乐内容的正确理解及脚下的工夫深浅与灵敏的听觉要求很高了。
5． 有一种跟脚没有太大关系的“手指踏板法”： 每一个断奏的音下键到底不放并且不需脚踏板的帮助从而使击弦机不归位——弦的震动持续，和踏板的效果一样而且不会与其他音符浑浊成一团，这多在谱面的连线处且尤其是没有踏板的地方（比如赋格）使用
要注意：保持不放的下的过程和触键的位置对音色有很大的影响。
三．踏板的运用
对于如何选用踏板我们应当基于以下几点考虑
1和声的变化
乐曲中随着和声的变换而变换踏板，这是一个比较基本的常识。演奏者在演奏时要对乐曲的和声变换有所了解，以选择正确的踏板使用方法，如果对乐曲的和声没有做出恰当的分析，那么所选择的踏板使用方法就有可能不恰当，造成声音混乱，破坏演奏的效果。因此正确而恰当的和声分析是关系到踏板的使用是否正确的根源。使用时必须在和声的每一个新的变化之前的一瞬间放掉踏板，然后在弹新的和声的瞬间精确的踩下踏板。如果采用适当的速度，声音就不会有明显的间断。因为和声的音响会填满踏板更换之间的空隙，使和声清楚连贯。尤其是演奏古典乐派和浪漫派的作品中，这种更换踏板的方法增强了和弦的效果，不免了声音的浑浊。如柴科夫斯基的《四月》中每小节换一次和声，踏板也每小节换一次。
我可以帮你写的，很简单。(一)论文——题目科学论文都有题目，不能“无题”。论文题目一般20字左右。题目大小应与内容符合，尽量不设副题，不用第1报、第2报之类。论文题目都用直叙口气，不用惊叹号或问号，也不能将科学论文题目写成广告语或新闻报道用语。署名(二)论文——署名科学论文应该署真名和真实的工作单位。主要体现责任、成果归属并便于后人追踪研究。严格意义上的论文作者是指对选题、论证、查阅文献、方案设计、建立方法、实验操作、整理资料、归纳总结、撰写成文等全过程负责的人，应该是能解答论文的有关问题者。往往把参加工作的人全部列上，那就应该以贡献大小依次排列。论文署名应征得本人同意。学术指导人根据实际情况既可以列为论文作者，也可以一般致谢。行政领导人一般不署名。引言(三)论文——引言是论文引人入胜之言，很重要，要写好。一段好的论文引言常能使读者明白你这份工作的发展历程和在这一研究方向中的位置。要写出论文立题依据、基础、背景、研究目的。要复习必要的文献、写明问题的发展。文字要简练。材料方法(四)论文——材料和方法按规定如实写出实验对象、器材、动物和试剂及其规格，写出实验方法、指标、判断标准等，写出实验设计、分组、统计方法等。这些按杂志对论文投稿规定即可。实验结果(五)论文——实验结果应高度归纳，精心分析，合乎逻辑地铺述。应该去粗取精，去伪存真，但不能因不符合自己的意图而主观取舍，更不能弄虚作假。只有在技术不熟练或仪器不稳定时期所得的数据、在技术故障或操作错误时所得的数据和不符合实验条件时所得的数据才能废弃不用。而且必须在发现问题当时就在原始记录上注明原因，不能在总结处理时因不合常态而任意剔除。废弃这类数据时应将在同样条件下、同一时期的实验数据一并废弃，不能只废弃不合己意者。实验结果的整理应紧扣主题，删繁就简，有些数据不一定适合于这一篇论文，可留作它用，不要硬行拼凑到一篇论文中。论文行文应尽量采用专业术语。能用表的不要用图，可以不用图表的最好不要用图表，以免多占篇幅，增加排版困难。文、表、图互不重复。实验中的偶然现象和意外变故等特殊情况应作必要的交代，不要随意丢弃。
普通高等院校钢琴教学改革探讨论文
摘要：随着新的《全日制义务教育音乐课程标准(实验稿)》的颁布，基础音乐教育改革的浪潮不可避免地冲击着普通高等院校音乐课程的教学内容和教学理念，传统的钢琴教学模式也面临着新的挑战。因此，音乐钢琴教学强调了教师不再以单纯的知识、技能传授为教学目的，关键就是如何适应未来素质型人才在质与量方面的要求，改革钢琴课程教学目标和教学方式，调整课程设置与教师专业结构等方面的阿题迫在眉睫。
关键词：高等院校；钢琴；教学；改革
普通高职院校钢琴教学一直存在很大的误区，孙维权先生2Q03年发表了《钢琴的即兴弹奏为什么在我国发展缓慢?》的文章，他指出：“针对参加全国比赛的选手，在参赛曲日中演奏技巧很高，但在自弹自唱中却相形见拙。由此反映出传统教学的弊端，大专院校也普遍存在着不会即兴弹奏的问题”。魏廷格先生在《有关即兴伴奏问题的商榷》一文中，对孙维权先生提出了一些不同的看法。但他也认为，即兴伴奏是一门新的学科，需要认真编写一部教材，提高学生的演奏水平，这两篇文章是针对钢琴专业学生存在的问题提出的思考。受过钢琴专业教育的学生都不适应实际工作的需要，更何况普通高职院校的学生呢?
1 适应社会的需要，紧紧抓住高职院校特殊的音乐人才培养目标
国家新的《音乐课程标准》的总目标提出通过教学及各种生动的音乐实践活动，培养学生爱好音乐的情趣，发展音乐感受与鉴赏能力、表现能力和创造能力，提高音乐文化修养，丰富情感体验，陶冶高尚情操。与音乐学院、高师音乐教育专业相比，高等院校音乐教育专业对学生培养目标坚持钢琴教学“以美育人，提高学生整体素质，培养一专多能复合型人才”的教学目标。高等音乐院校要实现自己的培养目标就要通过教学和实践，以美育人，完善美的人格，净化美的心灵，掌握教育心理学和教育学等相关知识，以及音乐教学方面的基本知识，使得我们的学生将来具有成为中小学音乐工作者作好准备；在钢琴教学中要把钢琴课与其他相关课程教学结合起来，培养学生一专多能全面发展复合型钢琴教学人才，有效拓宽学生的文化视野，提高学生综合素质，使之成为适合社会需要的文艺工作者和中小学教育者。
2 提高钢琴课程教师的水平
强化对钢琴教师教学的考核和管理，具体措施应包括以下几点：一是规定教师之间互相听课，老教师要对年轻教师进行传、帮、带，钢琴教师要进行教学法的研究和学习，定期开设钢琴教学讲座及公开课；二是要有计划地派遣教师外出学习和进修，以提高钢琴教师的业务水平；三是要积极鼓励教师举办备种形式的个人钢琴演奏会；四是加强对教师教学的考核和监督，内容包括课程完成情况、指导学生情况和教学效果；五是加强老师的思想政治工作，以德治教，以德治人，加强教师的工作责任心。
3 采用钢琴教学法，加强学生基本功训练
高教钢琴专业的大部分学生水平参差不齐，几乎需要从头学起。按现行三年之内要让学生达到一定水平的要求，难度较大。因此，必须根据学生自身特点进行基本功训练，因材施教。“钢琴教学法”主要研究和阐述钢琴教学的基本内容、基本过程、基本规律、基本原则和基本方法，就高校音乐教育专业钢琴课程而言，“钢琴教学法”内容的引入将在多个层面上起到积极作用。对于那些没有钢琴基础的学生来说，“钢琴教学法”将引导他们准确地把握钢琴学习中最基本、最具共性的知识内容，并用以指导自己的钢琴初级阶段的'学习。这将使他们在学习过程中充分发挥出自己的主观能动性，从而使学习更有成效。
对钢琴教学而言，运用和掌握正确的弹奏方法、弹奏技巧，是基本功教学的中心任务，也是高职院校音乐专业钢琴教学的首要任务。但我们又不能盲目的过分强调基本功和技巧，针对成年学生理解力和毅力都比较强的特点，可以引导学生用专业知识指导弹奏实践，充分发挥学生的主观能动性和创造性，从而提高学生的音乐素质，使学生在有限的时间里获得更多的知识和技巧。
4 教材的改革
(1)我们高校钢琴教材应当定位在传授必要的实用基础知识，力求针对学生基本技能的巩固和训练不追求钢琴作品深度、难度及其系统性，着眼于应用能力，教材的选择注重趣味性、循序渐进性、实用性、普遍性并加强科学性，打好基础，强化实用能力。
(2)钢琴伴奏能力是我们高校学生的一项重要的实际操作能力，因而在教材编写时加大钢琴配奏教材的编写数量和力度显得尤为重要，它同样是我们高校(专)钢琴教学的重要内容。从某种意义上讲，这种能力远比学生的钢琴演奏能力更为重要，是绝对不能被忽视的。
(3)教材是要能够提供音像资料等多媒体配套材料的教材，使其成为提供各种真实的材料，弥补缺少视听环境的不足，培养学生自主学习的有效途径，这其实又是课内学习的有效补充。
5 使用现代化的教学工具
信息技术的发展催生了各种教学软件、互联网等现代化高科技手段和方法，已越来越广泛在被运用到教学中，这为钢琴教学提供了不可限量的广阔前景。在这里以数码钢琴教学系统为例。数码钢琴教学系统是利用其先进的电子监控系统，由一架主琴带动数十架副琴进行集体授课的先进教学系统。它可以充分利用其辅助教学软件、多媒体投影仪和先进的监视监听系统等现代化工具，可以在因特网上搜集先进的音乐前沿教育的信息与资料，利用计算机和多媒体系统，选用全国乃至世界上的优秀课件，将它们引进到课堂教学中来。“数码钢琴集体课”打破了旧的教学模式，充分展示了现代化的教学设备、形式和理念，如键盘乐理、和声、曲式、复调、配器、合奏等。它把音乐教育专业的众多课程有机地、科学合理地综合起来，创造了一个融技巧、理论、实践为一体的全新的教学体系。
6 完善学生钢琴成绩的考核
(1)注意重视鼓励性评价。不能只给演奏水平好、级别高的学生打高分，而应在学生相应的程度上只要演奏得很出色，也要给予适当的鼓励。
(2)高度重视发展性教学评价。发展性教学评价是一种以促进评价对象发展为根本目的，重过程、重评价对象主体性的教学评价，它能从整体上着眼，涵盖钢琴学习的各个层面和教学的各个领域，并用发展的眼光从不同阶段的回顾和对比中，充分发挥评价的教育、激励与改善功能，关注学习过程与方法的有效性，使评价能真正促进学生的进步和发展。
(3)建立“平时成绩与期末成绩相结合”的评价体系。如果以期末考试的成绩作为终结成绩记入成绩档案，致使一部分学生平时不认真学习，临近期末考试时再突击应付专业考试；而有些学生平时很用功但因心理素质欠佳，考试时太紧张，导致成绩不理想；采用“平时成绩与期末成绩相结合”的评价体系能充分调动学生的主观能动性。
总而言之，高校钢琴教学改革是一项系统大、时间长的工程，除了上述几个方面外，我认为改革钢琴教学方式、考试制度是迫在眉睫的大课题，这需要我们每个同行的共同努力和探索。
钢琴教学教育艺术论文
一、学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧的培养
扎实的基本功和娴熟的演奏技巧是提高音乐表现力的前提。要想使我们的钢琴演奏真正具有美感，首先就要有扎实的基本功训练，掌握正确的演奏技巧。
（一）正确的读谱
培养正确的读谱是钢琴教学和学习十分重要的课题。正确读谱是演奏一首作品的基础。演奏者通过认真细致地研究乐谱，对音乐作品的忠实理解进行二度创造和创作，在作曲家与广大听众之间架起一座沟通心灵的桥梁，使静止的乐谱转化为变化万千、令人难忘、丰富多采的音乐语言。读谱包含两层涵义：第一，必须严格遵循作曲家在乐谱上的一切标记，以及标记所约束和决定的意思。这里包括谱号、调号、拍号、节拍的律动、音高、指法、奏法、速度、力度、表情记号等等。因为作曲家在乐谱上标写每一个标记以及每一个音乐术语时都饱含深意。第二，要准确、科学的透过这些标记，进一步弄清乐谱的曲式结构、和声、乐句、乐段；旋律与伴奏的关系；特别要注重复调因素、注意乐谱上音符的符干朝向，弄清声部的层次，做好保持音和不同层次、不同音色的对比，决不能忽视休止符。另外，还要从谱面上的各种符号中领会音乐的内容和本质，推测作曲家的意图，以及作曲家字里行间更深刻的涵义，揭示音乐的内容和精神。譬如：对作品的创作时代、风格、旋律、节奏、和声布局、句子段落、声部、结构，音乐的性格特点，写作手法和织体特点，有什么对比，主题如何发展，有哪些高潮，最主要的高潮在哪里，以及音响的想像，使之在乐思的奔流中，展现它们应有的生命力。在教学中，要严格要求学生对乐谱进行深入细致的研究，不断地挖掘探索其中的内涵，悉心领会作曲家的创作精神，加入时代感，以至完全正确地把乐谱中的精髓全部诠释出来为止。
（二）正确掌握节奏和速度
节奏是音乐中最重要的构成因素之一。节奏展示了音乐的生命和存在，它是音乐的脉搏，是音乐的骨架，也是音乐的灵魂，任何音乐都离不开节奏。没有节奏的音乐就像人失去了脉搏，音乐可以不用乐音，但永远离不开节奏。一首作品往往是通过一种特定的节奏韵律来表现出它的性质和风格。弹奏者只有把握乐曲节奏的均代、不同作曲家、不同体裁的作品匀、弹性、动力、惯性、重音、各种特性节奏，才能和谐有致的抒情达意。加强节奏教学，培养和提高学生的'节奏能力是提高学生音乐表现力的重要途径。在教学中，教师除了要在概念上对之强调和固化，要特别强调它除了是稳定音乐的要素，更是把握音乐的运动趋势的能力，是决定提示音乐主题、增强音乐表现的根本保证。一首乐曲的特殊节奏抽象地概括这首乐曲，能使听众在丰富的联想中还原作品。如李斯特改编的《魔王》开篇便以其独特的节奏揭示了音乐的内涵。在全曲的气氛渲染中，出现的在同音上的三连音（表现疾奔的马蹄声）起着很大的作用，这时隐时现、时弱时强的三连音除了具有描绘的写实作用外，也是造成局促不安的心理的重要因素，低声部的间息乐句则暗示不时掠过的林间阴风。在教学中，教师应该选取诸如此类的具有很强代表性的作品，作为节奏的训练，注重学生的体验，并注意尽可能地体现作品的强弱、断句和起伏，使学生获得良好的直觉。所有的音乐作品，除了特有的节奏韵律外，还要凭借不同的速度来表现其不同的性质和风格。乐曲的性质指乐曲内容、情绪、形象意境等所决定的乐曲的局部特性和总体风格，而音乐风格则是遏制音乐分享有些样式或有某些元素共同兴趣的类别。而用什么样的速度去弹奏乐曲呢？要根据乐曲的性质来确定。一般来说，欢快的情绪不可能采用缓慢的速度去表现，而悲伤的乐曲也不宜快速弹奏。进行曲、圆舞曲等体裁也都有它们各自特有的速度。在教学中重要的是，教师要指导学生从中体会演奏家对作品风格的表现、对音乐的处理，以进一步掌握其音乐性质和风格。另外，练琴方法上，教给学生难点部分要单独抽出来反复练习，直到弹得和较容易的部分一样好才行。整首乐曲的速度要以难点部分所能达到的速度来确定。弹奏快速的乐曲要以慢速、中速练习为基础。
处理好力度力度就是音量，即声音强弱、轻重、大小的程度。音乐是表现人的心情的，而人的心情变化和活动不像机器那样呆板，必然有强、有弱、有急、有缓。因此力度处理对于音乐表现有着重大的意义。在古曲音乐中，一般从pp（很弱）到f（f很强）间就有p（弱）、mp（中弱）、mf（中强）、f（强）的六个不同层次。而浪漫乐派及后期作品从pppp（比弱还要弱）到ffff（比强还要强），幅度更宽，还有sf（个强）、sfz（突强）或crese（渐强）、dim（渐弱）等，这些具体的力度记号，同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。对于没有力度标记的作品，我们可依据音的自然倾向和音乐发展的自然趋势。如在弹奏音阶时，根据音一级一级向上推动的原则，我们可以把音乐处理成渐强，反之，则可以弹成渐弱。另外，音乐本身的特性也会告诉我们应该如何运用力度。如进行曲是坚定有力的，舞曲是活泼欢快的。强弱在音乐中不是一种外部现象，也没有无缘无故的强弱及变化，它同音乐表现的内容、形象及情感连在一起，在教学中还要指导从音乐表现的内容、形象去把握音乐的力度，从而提高学生音乐表现力。例如《雪绒花》主题音调在全曲中出现三次，赞颂祖国祝愿祖国之情贯穿全曲。A段节奏舒缓，旋律起伏较小。B段节奏变化出现休止，与前段相比，情绪更加激动，力度加强，要表现出主人公热爱祖国的感情。
（四）掌握良好的触键方法
旋律在音乐语言中是最具感染力的，好的旋律是音乐表现的一个方面。要想弹奏出好的旋律就需要掌握适当的触键方法。首先是指法的训练。音阶、琶音、和弦等都有它规律性的指法，如白键音阶，右手上行除F大调外都是1231234指，左手上行除B大调外都是543213—21。但没有绝对固定不变的指法。在一定的原则下，根据乐曲的要求、作曲家的风格，再结合每个弹奏者自身的生理特点、手的条件来灵活地选用指法。手有大、小，宽窄之分，指的距离有松紧之分，手指有长、短、粗、细、强、柔之分，不强能求一律。根据乐曲要求，对照各种不同版本，分析、考虑、确定指法，并赋予它一定的艺术处理，是钢琴教学中提高学生音乐表现力的重要环节。正确的触键犹如画家的神笔，笔下生花，反之则是拙劣的涂鸦。此外，还需要正确运用踏板。踏板的学习和运用是音乐表现的重要内容。俄罗斯钢琴家安东鲁宾斯坦曾说“钢琴的踏板是钢琴的灵魂”，他甚至夸张地提到能运用好踏板，就是演奏成功的四分之三。钢琴的踏板使用首先要以和声、色彩效果的需要、以作品的不同风格为依据。例如三个踏板，即强音踏板、柔音踏板和保留音踏板，作用各不相同，如强音踏板能产生很多泛音，使声音更优美、更和谐，根据需要按踩踏板的深浅，可分为全踏板、半踏板、四分之一踏板、三分之一踏板等。教师必须要求学生了解三个踏板的不同作用，分析乐曲和声的进行与层次，按照不同色彩、不同风格来运用踏板，使其成为音乐表现的重要手段。
二、学生把握音乐作品内涵能力的培养
分析和理解钢琴作品，启发学生把握好作品的风格和情感，是学生能够充分表现钢琴作品的重要前提之一。只有让演奏者与表现作品之间产生共鸣，情意交融，演奏者才能进入忘我的境界，完全沉浸在作品的意境之中，演奏出来的音乐才会有感染力，演奏技巧也往往能够得到充分的发挥。如果对作品的内涵没有把握好，把活泼的作品弹成了抒情的，或者是把舞曲弹成了进行曲，那就会变得一塌糊涂，更不要说去表现音乐了。作品内涵的把握离不开作品创作意图的认识。任何艺术背后都隐藏着创作者的心声。而创作者必定则生活在当时社会大环境中的人，因而对时代背景的了解也有助于更好认识作品创作意图。首先，教师帮助并要求学生理解作者及其创作意图。一首音乐作品往往是作曲家内心体验的再现，只有理解和掌握了作品所内含的感情，并用熟练的技巧来表现，这样弹奏出来的音乐才有生命力和感染力。我们在教学中，了解作者的有关情况和他的创作意图，要善于从理解入手，启发、引导学生深入理解、细心体会作品的内容。采用恰如其分的方法，把一部作品经过彻底地消化，有血有肉并富有感染力地再创造出来并展现在我们面前，使我们透过谱面上的音符，深入体会到作品的潜在含义和音乐语言特点，掌握作者所要表达的形象和感觉。使我们不至于“就事论事”地、“完成任务式”地演奏，既“站得高看得远”又“设身处地”地“进入角色”，对作品从“泛泛的了解”变成“切身感受”，并通过自身的演奏“言之有物”地表达出来。正如一个“读不懂”贝多芬的人，就无法把握他那大智大仁大勇《命运》的灵魂，也就无法把它的艺术魅力淋漓尽致地演奏来。其次，要把握作者的时代背景。音乐是以感悟的形式出现的，但是在这个形式内部都凝聚着深厚的文化内涵，每一部音乐作品都产生于特定的时代和环境，它同创作者的世界观、人生观、美学观有着密不可分的关系。例如：中世纪的音乐创作是严格遵照已定的法则来写作，古典时期的音乐创作主要是为满足一些人或机构对音乐的需要而创作，浪漫时期作曲家们从不同的角度来考虑自身在社会中所起的作用，并探索个自作品的社会作用和美学，因而这时期的音乐创作过程是与作曲家强有力的内心冲动相联系的。等等……只有演奏者对当时的生活具有深刻的感受和见解以及良好的素养，才能真正领会创作者在作品中要表达的内容。多了解熟悉而同时代的美术、舞蹈、戏剧、电影、文学、诗歌等多种艺术为我们开启了理解时代的窗口，只有学生广泛涉猎这些姊妹艺术作品，并逐渐融会贯通，才能使学生对音乐作品的内涵有着更为深刻的理解。
三、培养学生对音乐敏锐的听觉和想象力
音乐是通过声音来塑造形象、表达情感的艺术形式。无论演奏者还是听众都需要通欣赏音乐，鉴别其艺术效果的优劣。大凡优秀的演奏者都是有敏锐的听觉和内心歌唱性的这种能力。因此在教学中，我们要培养出一双有着高度审美力和鉴赏力的敏锐“耳朵”是至关重要的。钢琴演奏都必须具备敏锐的音乐听觉能力，使之能胜任钢琴音乐的演奏要求。培养学生的敏锐听觉，一方面要让学生学会“聆听”自己的琴声。启发学生善于聆听自己演奏的“音质”，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合作品的要求，是否能恰如其分地表现音乐内容，使他们逐渐对悦耳动听的声音充满追求与想象。通过让学生对钢琴音色、音质的辨听与理解，以及对旋律感、节奏感和多声部和声听觉感的把握。从而达到培养学生在钢琴演奏中音乐表现力的目的。另一方面，还应该让学生多欣赏一些经典的音乐作品。不仅要听钢琴音乐，还要涉及到优秀的声乐、器乐作品，并对歌剧、交响乐等音乐形式有所了解。从广博的音乐世界里汲取营养、开阔视野、提高修养，才能增强对音乐的感受力。我们在教学中就有这样的体会，如果教学生一首他曾经听过的乐曲，那么他对音乐的领悟就会快得多，教学也变得较为顺利。因此，应该鼓励学生抓住一切机会欣赏音乐，尤其要多听名家的演奏。听后可谈谈自己的感受，大胆地进行评论，并与教师或其他人交流。这也是加强听力训练和提高音乐表现力的有效方法。另外，提高学生音乐表现力还要注重对其音乐想象力的培养。通过教师生动的语言，把学生带入到艺术情境中，放飞学生而对音乐想象力。教师的语言越生动，学生的艺术想象就越丰富。需要指出的是，除了课堂教学外，艺术实践也是高师钢琴教学不可缺少的部分。课堂教学是系统地学习技术、作品，而实践则是进一步把课堂上学到的东西加以巩固和深化，不管是以上培养学生扎实的基本功和娴熟的演奏技巧还是灵敏的听觉感受和音乐想象力，都需要在实践中巩固、提高。作为教师我们也可以带着学生到艺术中专院校举办钢琴普及讲座，让他们上台演奏，让他们能到艺术院校教孩子们弹琴，让他们在艺术实践和教学实践中不断提高音乐表现力。
