中国画的传统,是几千年来无数画家的心血和劳动的结晶.历代画家创造了许多珍贵的作品和绘画理论,技法.我们应该珍惜.继承中华民族灿烂文化的宝贵财富.
要想在国画中有所创作,首先就应当熟练掌握基本技法,继承传统国画的优点,在其基础上积极而又大胆的探索新的技法,以辅助和补充笔墨之不足.且不可失去笔墨.丢掉了国画的特点.其次学习西方绘画之长,只能作为营养,批判的吸收,以丰富国画的表现力.
画家的创作道路是艰难而又漫长的,要想其作品有所创新,情感的投入是门不可缺少的课题.对画家来说;国画是情感的表现,生活的结晶.情感主宰着国画的创作.情感可以并发出创作欲望,如果不把情感投入到创作中去,那么在好的技法也画不出感人的作品.从某种意义上讲,只有把情感贯穿到国画艺术作品中去,才能创作出富有感染力的作品来.也就是说带着情感去创作,让情感入画.
作为画家,熟练了技法,懂得了情感的投入,还应具备良好的修养.首先,世界观的修养很重要,它是画家的灵魂,决定作品的思想倾向,影响着画家的实践活动.著名画家齐白石老人在世界观中包含着明显是进步因素.如果画家的世界观是落后的,那就绝对创作不出人民大众代言的,具有强烈的爱国主义和进步思想的不朽之作.国画虽是用笔墨所做,但它是种精神产品,光有绘画技法不行,画品亦很重要,画品既是人品,它将直接影响作品的品位.正如画论中所讲;笔墨之高下亦如人品,笔墨虽出欲手,实根于心.可见思想道德修养的重要性.对画家来说,加强学习修养可以帮助画家提高整体创作境界.同样文化素质也能直接影响艺术的表现力,文化素养更能使画家从文化视野的高度,去深层次的洞悉现实,领悟人生,创作和理解作品,用心灵去撞击生活作品,使其具有更广,更全面的表现力.其次丰富曲折的生活体验是画家创作中基本的材料和必要的前提条件.其实,技巧是一种才能,但它绝不是没有广博知识也行的.必须去体验生活,去寻找真理.从生活中体验国画艺术的真谛.俗话说;巧妇难为无米之炊.即使一个很有才华的画家,让他长期远离社会生活,或对要表现的对象并不熟悉,不深刻,其对作品的创作亦是失败的.画家应该像一颗饱满而富有生命力的种子那样,把自己的整个身心都埋在生活的土壤中,从中吸取养料,化作成自己的血肉和灵魂,才能对生活具有深刻的认识和感受,这样画家在生活中必然要多看,多听,多想,多记,以丰富画家的艺术思维能力,和生活建立亲切的关系,从生活中得修养.
国画的艺术情感是画家对客观事物所持态度的一种情绪体验,所以画家只有在技法熟练的基础上,具备深厚的艺术修养和对社会生活的深刻认识,才能在国画创作中产生真挚的情感;才会在生活对象面前自觉或不自觉的产生"浮想联翩,夜不能寐"的创作激情;直到在国画创作中表现出感人至深的艺术形象,达到情景交融的美的境界!
---- 发表于中央文史研究馆和山东文史研究馆主办的书画报羲之书画报
中国画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格，它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。中国画第一特点是意境创作的追求，推陈出新是中国画进步的宗旨，中国画主张“缘物寄情”，“以景寓意”，“以神取形”，“笔不周而意周”，“笔不工而心恭”。在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观的物象精神性格交融和转化使画家在作画前的主观感受得以充分的表达，而产生动人心魄的意境创作。
在中国画章法布局中状物立象，就是首先必须剪裁取舍分别主宾然后根据物象往来逆顺的运动之势部署画面。使之造成动人心魄的气象。而中国画在“置陈布势”中，如果要使画面章法获得灵动舒畅，富有变化，必须巧妙地处理空白，疏密，虚实之间的关系。所谓空白是无画处，是虚处，是疏处是与密实相对而言的是与疏密虚实有密切联系的，虚实对构图，笔墨有极大的概括性，所谓“虚实相生无画处皆成妙境”既是疏密有致，可以打破构图中的平均布置，“虚中有实，实中有虚”空景难图，实景清而空景现，虚与实在意境中不仅相辅相成，而且相互转化，中国画用墨有干湿，浓淡之分，构图遵循计白当黑，知白守黑的艺术原则，有藏有露，有隐有显造成一种虚虚实实，真真假假的美妙，而又带有几分迷蒙感的意境创作。
中国画在发展的早期就重视表情的描述，南朝的王微在《叙画》中提出山水并不是地图，应求“容势”，要表现大自然的生动变化，“望秋水，神飞扬，临春风，恩浩荡••••••此画之情也”。文人画家也旨在写意而不写实。欧阳修指出“古户画画意不画形”从“意”出发把追求形式看成是画工的事，真正的画家应是得意忘形。
中国画凝聚着中华民族的性格，心理，气质，以其鲜明的特色和风格在世界画苑中，独具体系，中国画被风起云涌的时代气息所驱动，推陈出新，魅力长存
1）中国儒家、道家为基干的古代思想文化2）书画文化3）茶文化4）婚嫁文化5）酒文化6）饮食文化7）姓氏文化8）园林建筑文化
.中国画概述
中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨跃不同时空，历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。
中国化的历史十分悠久。【1】 “仰韶文化”中彩色陶器上的纹样和装饰，是迄今为止我们祖先最早的绘画艺术，距今已有6000多年。春秋战国时期发展为帛画，汉代印度佛教绘画也传入中国，并发展迅速，出现大量精美壁画，如敦煌石窟艺术。隋唐时期，写意山水画发展起来，山水花鸟开始作为独立的画科。宋元时期，“界画”产生，风俗画兴盛起来，同时水墨山水画也大有发展。明清时期，出现一大批画派，如“浙派”、“吴门派”，推动中国画进一步发展。近现代时期，比较杰出的画家也很多，如吴昌顺、齐白石、丰子恺等人，推进中国画的创新与发展。
纵观中国画发展历程，我们可以看出：中国画是在 __积淀中一步步发展，并融合外族艺术文化，不断推陈出新，日臻成熟。中国画在世界绘画领域和文化领域的突出贡献是我们的前人一步步铸就的，了解中国画发展概述，是欣赏中国画一个必不可少的环节。
2.中国画的种类
2.1按创作思想及审美情趣划分，可分为文人画、宫廷画和民间画
2.1.1 文人画 系中国绘画史上的一个专称，也称“士大夫甲意画”。用书卷气作为一个评画的标准，意指诗意画或称诗卷气。其作品大都取材于山水、古木、竹石、花鸟等。表现手法以水墨或谈设色写意写为多。其代表人物有唐代王维、元倪云林、明董其昌，清八大山人、石涛、吴昌硕等。他们的画大多追求，画中有诗，诗中有画。画好画后又大多在画中题诗，或以诗作画，故以表达画意，亦以画表达诗意。被人称为诗情画意。
2.1.2 宫廷画
我国唐代已设徐诏、供奉等。五代时，西蜀、南唐设置画院。宋代设翰林图画院，选优秀画家，为皇室宫廷服务。历代画院里所画的山水、花鸟、人物等，大都是要求用笔没色，整细致、富丽堂皇，构图严谨，色彩灿烂，有的有较强的装饰性，称之为院体画。
原文地址：传统中国画的评价标准
原文作者：张中和
用什么标准来衡量传统中国画呢？评论的标准虽然很多，但是总不出乎政治标准与艺术标准这两大类。因为在历史上历代的绘画作风都有不同，都是随着统治阶级的爱好为转移的，统治阶级也随着绘画作风本身的发展和转变而有不同的评价转变。这是因为直接为统治阶级服务的画院的御用画家们，当然要竭力听从统治阶级的指挥，适应统治阶级的嗜好，不然就得不到画院的位置，甚至不称旨还有生命的危险。在绘画史上说来除南宋例外院外画家多于院内，所以为了进入画院，必须学习院内的画风，但是也有不少画家不肯进入画院，而且更有院外画家带着特殊风格进入画院而改变了画院的画风，不进画院的画风也影响和改变着院内的作风。随着时代进展，社会变化，政治的隆替，国势的盛衰以及统治阶级个人的嗜好，画院的画风改变也使统治阶级评价标准时常改变。在艺术标准方面，也是随着时代，随着政治，随着画派，随着个人的好恶以及欣赏水平而有多种多样变化的,虽变化各异，但千余年来自谢赫归纳的历代画法定为'六法'就有了评价标准。'六法'的作用，一.用于赏鉴家，二.用于画家。用于赏鉴家就成为观画的标准，用于画家就成为学习的阶梯和艺术的标准。传统中国画走到今天但凡言画法者无不折衷于'六法',即以今日申论亦能付合现代科学辨证之方法，理法条目清昕，完全可以作为标准系统科学评价理论。我们如能扩而'六法'做为传统中国画的评价标准，当下今日仍可,勿谓言之不预也。我们来看'六法';一.气韵生动，二.骨法用笔，三.应物象形，四.随类赋彩，五.经营位置，六.传移模写，[南齐.谢赫{古画品录}]以上六法为赏鉴标准,自气韵生动至传移模写,乃自上而下，自大而小，即整体而又局部，秩序井然，毫不繁紊。依六法使人观画也，气韵生动精气扑人，或惊心动魄，或神情闲意，或神闲意恬，则一望而知，不用一味的细致刻求。因气韵乃画中形象情景精神之灵魂，表现有气韵才能生动，气韵生动往往令观赏者之眼帘为之一亮，使初接触而为之深入细赏。如一幅画初观之而无生动之气韵扑入眉宇间，则此画并非佳作，弃而不观可也。若一画一展现，一悬观，即有令人欣悦鼓午或高古静穆或生机盎然则其画必为名作，即皆因领受其生动之气韵矣。观画深入，不可不察其骨法用笔，骨法即是勾勒也，用笔者笔法也。骨法用笔俱佳，是画之精神方面充实完美，不可不再深入研究其形状，则应物象形，以其实物比较， 有无谬误，形状既已稳妥，不可不进而观察其色彩，是否可以逼真，则是随类赋彩也。形色俱妙，是所画之形体无憾，于是再商酌其章法之当否。左右排列，均衡与稳定，前后之配置，大小之参差，明暗之陪衬，俱一.一深究，则观赏者对于一幅画似已毫无余义。岂不知尚未也，此幅画是为之创作，或为临摹？是真迹，还是赝本？则最未之传移模写也。赏鉴家必具此六种步骤为标准，对于所观之画始能循序渐进，循规蹈矩的作出评价，对于所观之画始能洞见肺腑。方能慰作者之境界以礼而待之也。
中国画的品评品级,唐代张怀灌堤出神，妙，能三品，到了朱景玄在三品之外加以逸品，所谓逸品是格外不拘常法的。张彦远又定为五等，他说;'失于自然而后神，失于神而`后妙，失于妙而后精，精之病也而后成细.'后来张彦远的自然，神，妙精，谨细五等，没有人再用，而通用神，妙，能三品，而黄体复的{益州名画录}则用逸，神妙能四格，每格加以定义，而且能把逸格冠于四格之首,从此评论者无异辞。他的逸格定义说;:画之逸格最难其俦,拙规矩于方圆，鄙精研于彩绘，得之自然，莫可楷模，出于意表。'以后的评论家对于逸品极力推崇，逸品成了画的最高等级。
综上所述，我们把指导我们学习中国画的理论基础'六法'做为评价传统中国画的评价标准。把逸，神，妙，能四格做为评价的等级,这是有其历史的理论体系存在的，也符合中国画传统的一致性，和发展传承的必然性。这也符合演变的根源，社会发展的根源与传统哲学的根源。
不同时期不同身份不同的人对评价标准有不同解释与修正，尤其现实中人们根据自己不同的审美需要，对中国画评价标准不断进行着各种各样的更新，就连专业画家也有的丈二合尚摸不着头脑，传统中国画跟随着现实主义者们在不断变幻的评价观中不免管窥蠡测,趑趄不前。今人对画作的评价更加复杂了很多，甚至引导和复杂了很多个人的情绪和价值观一味去求新对于传统的理论体系只知批不知接受,当然会失魂落魄，生搬硬套。有了正确的评价标准传统的中国画在画家笔下，对待传统的东西就能够去粗求精，就会达到古为今用。画家们也决不会消极悲观,荒凉寂寞，孤芳自赏。这就能够摒弃避世逃名，不食人间烟火的意境和世界观,更能使传统中国画发扬光大！
