题目：《雅俗共赏》
有一天我听到有人在我背后咬耳朵，说我真是太清高了。我心凉了半截，我哪能清高呢。我遇见什么毫无亮点的事情都会想着去调笑；真要看到了有人提着锄头去葬花，保准会来一句：“二师兄，拿错东西啦。回去回去，来个钉耙来……”我从来不觉得的事情，却被人这么说，实在郁卒。但我也开始动摇，我对自己的性格真的很了解吗？
有一天我在收音机里听说了神曲《忐忑》，就又好奇又兴奋的去听了。我倒是觉得演唱者咿咿呀呀唱的十分有趣，那身衣服也是奇特无比，无奈传说得最多的就是“神曲，真是神曲啊”的鄙夷之声。后来演唱者又推出几首神曲，我很少见到有人说好听。我不知该说她曲高和寡无人理解，还是该说她俗不可耐博取名声。
不过，当我拿到广告单或是宣传单的时候，当我第无数次对我的朋友说“攒起来，以后用来卖钱”的时候，我肯定了，我是个俗人。倒不是说搞低级趣味就是俗，而是我本来身在俗世，总要为了一些俗物而拼搏，并且还要靠这些俗物生活。钱是俗的，没有钱却也只能天桥底下拉二胡，闹区街头讨口饭。可当我在别人不知所云的目光下，尽是干一些诸如走着走着停下来看风景、捡花捡草捡树叶、提出一些奇谈怪论的事情，让别人费解，我却觉得没什么好奇怪。
不过，今天我也刚看到新闻——“龚琳娜《小河淌水》感动全场……”——这龚琳娜就是那《忐忑》的演唱者了。她的歌声清越婉转，极富感情，直教人完全被吸引住，以至于不能移目。我想，这该是不俗的了吧。果然，闻者皆是一片赞叹之声。“可演唱的是同一个人啊……”一个是曲高和寡无人能解，一个是清新脱俗众口皆宜。前者可说是雅，也可说是俗。后者固然是脱俗的，但见者都喜的难道不是俗的吗？我顿时不知道如何来区分这是俗是雅了。
唱神曲的人也可以唱出脱俗的调，风评高雅的人也要为了生活忙碌。身体和生活也许是“俗”的，但我们总有权利创造一种“雅”的生活情调。雅俗本是一家，无需区分也不必区分。
《雅与俗》 我每天都吃三顿饭，睡八小时觉，大便一次，小便六七次，从来就没有考虑过这样是雅还是俗。 我爱听柴可夫斯基、贝多芬、马勒、舒曼的交响乐，是因为我爱听。不是因为它们雅或是还不够雅。 据说，素食是雅的，而“肉食者鄙”。但是，我还鄙鄙地常常吃肉，除了吃肉要票的那些年。所以，我深为吃肉不要票而欢欣鼓舞歌功颂德，不论这有多么卑鄙。 我爱听梆子戏、相声、芭芭拉·斯特拉桑德与凤飞飞的流行歌曲，不害怕也不避讳它们的俗，因为我爱听，能够从中得到某种愉悦。 写文章，我要稿费，因为我有这个俗俗的需要，也就不怕其俗。我又不会专门盯在稿费上，不是为了雅，而是为了文章的最佳效果和我与编辑出版部门的友谊。还有我作为一个作家的自尊和自信。 只有最俗的人才没有自信。只有没有自信的人才怕人家说自己俗。只有自恋不已的人才需要表白自己不俗。 最大的庸俗是装腔作势。最大的媚俗是人云我亦云。最大的卑俗是顾影自怜。 什么是俗？世俗、通俗、庸俗、卑俗都是俗，却大不一样。 迎合旁人是可悲的。适当照顾别人却是难免的，有时候是高尚的。坚持原则而不苟同是可敬的。为了不媚俗而不媚俗却是一无可取的空洞。 考虑雅与俗或是考虑是否媚了俗，都是活得找不到感觉的标志。就像一个人，只有消化不良的时候，才会没完没了地看自己的舌苔。 媚俗不好，媚外媚洋媚上媚下媚学者媚批评家媚潮流媚青媚中媚老，都同样不好。为什么不好？因为你正在装起来，你正在亮相，你成了架子花。生怕媚俗恐怕也是一种媚，就是媚那个批评媚俗的进口流行色。 什么样就是什么样，不掩盖本色，然后才有了进行价值评价的前提。 (如果我的回答能够解决你的问题，请采纳，谢谢……！！！）
雅是相对比较高深，需要一定专业知识或基础才能理解和欣赏的；俗是比较简单，在当前社会不需要太多专业知识，能够被大多数人理解和欣赏。
要基于现实去理解：在中国，打高尔夫是雅，在美国可能就是俗；在古代，京剧是俗，在当代，京剧可能就是雅。
中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于多少何精神和理性的思考。
中国画和西洋画不一样，可能这是一个很大的特点。西洋画是表象的，非常写实的，对，更多。中国画是写意的，这个写意可不是大概其，是写的意象，写的是理想，写的是画境、意境。所以诗中有画，画中有诗。所以中国画不光要画得好，光是技术好不行，你还得有文化。涉及到诗、书、画、印各方面的修养.
中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在的。一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式，是。所以在中国从色彩、构图、黑白、线条，各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。而且中国人历来有一种运动的画面感，这就是中国人天然地有电影的思维、运动的视觉形象，所以中国画里散点透视。你一看它是运动着的，看着山水是活的。
中国画意象所体现的是人与自然的同一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发挥着远远超出客体形体本身的精神效应。中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。总之，所有这些都是中国画意象特性的丰富内涵。多少千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的。
西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的办法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作办法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和多少何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。随着夸张变形的创作办法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也肯定难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。
绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律。在绘画的创造上，中国传统一向推崇的是那些不以绘画为专门职业，但擅于绘画的文化人，被称为文人画家的画家，第一应该是一个在文化上有修养的人，同时又具有绘画技能，所以，绘画艺术的最高价值正是隐藏在艺术家无功利的动机之中。绘画本来就是一种源自心灵的感动，这种感动支配了形象的生成，使得画面上的色彩、线条、肌理、结构、空间相互共鸣，与画家的心灵共鸣，继而与观者的心灵共鸣。于是，便产生了一种被中国先哲概括为“天人合一”的绘画——纯粹的绘画。一个人开始动笔作画总有某种原因，对周围的事物表明态度、状物或者抒情，在特定的空间里写出自己目光之所见，在画面上留下物象的身影，甚至也可能就是一种无意识的摹仿，在笔墨的挥洒和折转间，反照和叠变着通向人生的玄思，通向自然万物的情怀。状态出神、联想自由，入神处都在意识的边缘进行，线与面的旋律动向不易料测，时有惊喜的跳跃，皆合心律，最终获得如有神助，不期而遇的回响，成为一个个色彩篇章生命的凝定，冲击着每一位欣赏者的心灵。
中国画往往只是寥寥数笔，但是从这幅画面上你能读到的东西，那可是太多了。所以就像刚才于教授说的，在中国绘画当中，我们指的是真正的中国绘画，有中国文化神韵的中国绘画，你真的能读出所有东方文化艺术的精要。
