《清明上河图》是一幅具有历史价值的风俗长卷。作者通过对清明节日
北宁都城汴梁（今开封）和以虹桥为中心的汴河两岸各阶层人物活动情景的描绘，集中反映了这一历史时期社会生活的一些侧面。翰林张择端（公元十二世纪），山
东诸城人，是北宋末期职业画家，曾在画院任职，擅长画人物、楼阁、舟车等。图中所绘城廓市桥屋庐之远近高下，草树马牛驴驼之大小出没，以及居者行者，舟车
之往还先后，皆曲尽其意态而莫可数记，全幅场面浩大，内容极为丰富。画家用高度概括和集中的手法，广泛而细致地描写了各种复杂的社会形象和民俗风貌。《清
明上河图》这一不朽杰作，无论从绘画艺术价值或从历史价值而言，皆堪称国之瑰宝。
《清明上河图》长525厘米，宽25.5厘米，其中计有人物684个，牲畜96头，房舍122座，轿子8顶，舟船25只，树木124棵。《清明上河
图》画卷，北宋风俗画作品。传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最著名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故
事。
作者张择端，字正道，东武(今山东诸城)人。宋徽宗时为宫廷画家。少年时到京城汴梁(今河南开封)游学，后习绘画，尤喜画舟车、市桥、郭径，自成一
家。《清明上河图》是张择端的代表作，曾经为北宋宣和内府所收藏。绢本、淡设色，高24．8厘米，长528．7厘米，原作现藏北京故宫博物院。
《清明上河图》以精致的工笔记录了北宋末叶、徽宗时代首都汴京（今开封）郊区和城内汴河两岸的建筑和民生。该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河
两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中，画中人物500多，衣着不同，神情各异，其
间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。全图分为三个段落。
首段，汴京郊野的春光：
在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。两个脚夫赶着五匹驮
炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着
骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。
中段，繁忙的汴河码头：
汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云
集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有王家纸马店，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载
货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。
船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外
都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆
交通的会合点。
后段，热闹的市区街道：
以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、
公廨等等。商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎
“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家
眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无
所不备。交通运载工具：有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。
总计在五米多长的画卷里，共绘了五百五十多个各色人物，牛、马、骡、驴等牲畜
五、六十匹，车、桥二十多辆，大小船只二十多艘。房屋、桥梁、城楼等也各有特色，体现了宋代建筑的特征。张择端的《清明上河图》是一幅描写北宋汴京城一角
的现实主义的风俗画，具有很高的历史价值和艺术水平。
绘画史上名为《清明上河图》的画幅很多，但真本毕竟只有一幅。经过众多学者、专家对这一专题的研究，大家意见基本一致，都认为现藏北京故宫博物院的这幅是北宋张择端的原作。其它的同名画作，均为后来的摹本或伪托张择端的臆造本。
它的艺术构思，充分体现了中国传统的绘画方面的重要特点，它不是像西洋画一样，把视点固定于一定的位置上，而是采取“移动透视”或者“散透视”、“不定透视”的
手法来处理构图方式，这种手法更具有灵动性。比如，虹桥上下，既画桥下，有画桥上，
室内室外面面俱到。画家的观察和表现物象的能力和技巧，实在是惊人的，它跳出焦点透视的局限，根据主题的要求和艺术的规律，虚实、节奏巧妙组织画面，并按
照图画的需要，延长或者缩短上下上下左右的距离，更好地表现了画家的创作意图。此外，它也将其广阔的生活画面活壮丽的山河景象，有头有尾地表现出来，充分
地体现着中国古代劳动人民的艺术魅力。
文学理论告诉我们，文学的意义有表层的意义和深层得意义，文学是情与理的有机结合。在文学欣赏中，欣赏者初读只能感受表层意义，而表层意义往往是共性的、情感性的。当然这不是欣赏的目的，欣赏的目的在于感悟文学所富有的个性化的深层意义，使文学的社会价值和审美价值。而“入乎其内，出乎其外”不但是达到这一目标的途径，更是实现这一目标的重要方法。一、“入乎其内”
《文艺美学》在解析接受美学的观点时指出，阅读是一场作品和读者的对话，阅读中的对话，不是传统认识论中的主体与客体关系，而是你与我的平等关系。要理解作品，获得应有的欣赏目标，走进作品是前提条件。
1、进入作品，凝视观照
中国古代文论家刘勰在《文心雕龙·知音》中说过：“夫缀文者，情动而辞发，观文者披文以入情。”文艺美学告诉我们，审美依靠的是形象与情感，在艺术欣赏中，形象的获得与情感的产生，只有读者亲自体验才能获得，“门外汉总是难以知道厅堂的精彩。”因此，在文学作品欣赏中，读者只有亲自接受作品，全身投入进去，将作品中的“此情此景”变成“我情我景”，进入“他我同一”、“无情交融”的艺术境界中，凝视观照，手持虚静，才能缩短作品与读者之间的距离，使艺术的“陌生化”变为“熟悉化”。这样，欣赏才可能进行，欣赏的目的才得以实现。
2、注重形象，体验情感
进入作品接触作品内容仅仅是缩短读者与作品间的距离，这是进行欣赏的第一步。《古诗鉴赏理论》指出：“读者鉴赏诗歌，就是对其文本的玩味、想象来领悟其生活底蕴和艺术境界。”文学是语言艺术，其文学形象具有非直观性。“玩味文本”就是要首先掌握语言义，再借助于联想和想象，才能形成相应的形象，从而感受作品形象所蕴含的思想感情。比如，欣赏鲁迅的《阿长与<</span>山海经>》，欣赏者首先接触作品，阅读文字，感知作品内容，在想象和联想中跟随鲁迅的脚步，看到睡姿如“大”字的阿长，听那要我“初一起床先说‘恭喜’的话”，听讲“长毛的故事”，看见阿长把《山海经》交给作者等等。一个鲜活的形象展示出来，欣赏者随着作者对主人公阿长的较为深入了解，作者的感情发生了变化，由“不大佩服”到“空前敬意”，再到“特别的敬意”等，感受到“别人不肯做，或不能做的事，她却能够做成功。她确有伟大的神力”。此时，读者“观文辞而动情”，逐渐被作者和作品中的主人公的情感所感动，并达到融合，产生情感的共鸣。
二、“出乎其外”
“情感不是对客观对象本质的反映，而是主体和对象间某种关系，是主体对对象的一定主观态度的反映。”因此，欣赏文学艺术，不仅要进得去，还要走出来，在审美情感基础上进行理解、思考，把握作品的意义和内涵，从而实现文学艺术的社会价值和审美价值。
1、理解艺术，提高能力
在中外文学史上由于未能“出乎其外”造成悲剧或险些造成悲剧的不乏其例。例如，在国外，一位军官观看莎士比亚的悲剧《奥赛罗》时，当演到奥赛罗听信伊阿古的阴谋，用双手掐死了他美丽善良的妻子苔丝德蒙娜时，军人拔出枪，打死了扮演伊阿古的演员威廉·巴支。军官醒悟后，当场自杀。事后，人们把他们埋在一起，立下一座墓碑，上面刻着“最好的演员与最好的观众”。这一事件说明什么？军官把艺术与现实混淆，没有走出艺术世界。艺术源于生活，而又高于生活。而文学是作家以全部的情感投入，以自己的审美经验为基础，充分调动艺术想象、联想等心理能力，与生活对象进行情感交流和思想对话的结果。由于作者调动了主观因素和审美理想，其中不乏艺术虚构，这样的文学艺术形象就更为丰富、生命力更强，反映社会生活更深刻，从而更好地实现文学艺术的载道、求仁、批判、益智、游戏和审美等价值。如果把文学艺术等同于生活，就失去应有的价值。
2、拉开距离，获得美感
“艺术欣赏贵在深入。”但“入乎其内”还是处在情感层面。因此，在欣赏中，总不能入而忘返，要必须获得相应的理性认识，必须“进得来”，更要“出得去”，要有距离。我国文学家王蒙说过：“文学既是一个热情投入的方式，又是一个拉开了距离的方式，保持某种客观的心态。”相应的有外国美学中所说的“距离产生美”的思想。“距离”包括时空和心理的距离。因为，有了“距离”，功利消失；有了距离，欣赏者才有一个“清醒”的认识，回到理性思考中。从创作来说，比如，鲁迅得知刘和珍等牺牲的消息，内心十分悲痛，感情浓烈，难以用言语表达。事隔一年，冷静思考，才写出了《纪念刘和珍君》一文。“这一年”，就是“距离”，这实际上给人一个理性的思考，是由情入理的过程。从欣赏来说，如果沉浸在情感中，难以自拔，被情所困，无法冷静思考，就无法抓住文学艺术中的思想，也就是说，只有“距离”，审美认识才能形成，作品的社会价值才得以实现。如，欣赏鲁迅的《阿长与<</span>山海经>》，关键点就在于“为什么”上。读者从理性角度引导学生进入深层理解、思考，这不但让读者逐渐认识到在阿长身上所体现出的劳动妇女的为人善良、质朴、乐于助人的品质，认识到一个在封建社会中深受封建思想影响的妇女所表现出来的落后与愚昧的思想，而且让欣赏者认识到作者在作品中所寄予的“我爱刑天”的不屈的决心等等。这样，不但读者能真正把握住作品的深层意蕴，感受到作品的情理交融之美，而且实现文学作品的社会价值和审美价值。
总之，“入乎其内，出乎其外”，这不但是一个文学欣赏的过程，也是一种欣赏的方法。欣赏者从表层到深层，从情感到理性，逐层深入，理解形象感悟作品的深层意蕴，实现文学作品的社会价值和审美价值。
【画作名称】《蓝衣少年》
【创作者】托马斯·庚斯博罗（Thomas Gainsborough，英国）
【创作年代】1770年
【类别】帆布油画
【风格】洛可可
【题材】肖像
【规格】122cm×178cm
【材质】 布 油彩
【现存藏处】洛杉矶 亨廷顿图书馆 《蓝衣少年》是针对当时英国皇家美术学院第一任院长雷诺兹（Reynolds，Joshua）的理论偏见而画成的。 庚斯博罗33岁以后， 肖像画声誉已驰名国内外，伦敦的美术爱好者纷纷前来要求他画肖像。1768年升任院长的雷诺兹也是一位杰出的肖像画家。 他看到庚斯博罗画肖像艺术的巨大成功，心生嫉妒，常常出言不逊。于是，住在伦敦的雷诺兹和坚守巴斯的庚斯博罗形成了"两雄并立"的对立的两派，他们彼此贬抑。 一次，雷诺兹在给学生讲授绘画技巧时说：“蓝色不能在画面上占主要地位”。庚斯博罗得知后，表示蔑视这种"法规"，遂用大量蓝色画了这幅举世闻名的《蓝衣少年》，借以否定并挖苦雷诺兹的那一绘画观点。《蓝衣少年》描绘了一个衣饰华丽的贵族少年形象。 其实，这一模特儿原型并非贵族，而是画家找来一个富有的工场主的儿子，庚斯博罗让他穿上蓝色华服，扮成王子模样而画成的。庚斯博罗用奔放的笔触，轻灵流畅地把少年那种倜傥风度表达得淋漓尽致，充分发挥了宝石蓝的光色作用。这新颖别致的蓝色调不但没有任何不适之感，反而使人感到出奇制胜；这活泼、跳跃的蓝色绸缎，这变幻莫测的衣纹、高光；这不落俗套的蓝色调与含蓄、变换丰富的黄灰、蓝灰、绿灰、红灰的背景形成了奇妙的和谐对比 。这里最成功地方是，画家用准确的色块再现了少年身上的蓝缎子织物的质感和薄软感。整幅画的风格清新流利，色彩富有节奏感，抑扬有度，从而使此画作成为十八世纪最杰出的肖像画之一，在世界美术史上占了重要的一页。 正如当时一位评论家所形容的，他把肖像绘成与歌剧一般富有韵致, 这是一个“经过人工处理的真实”。
庚斯博罗与地位显赫的学院派画家雷诺兹相比，只不过是个"在野名流"。 但由于他重视艺术的探索，加上他那种无拘无束、感情外露的性格，素不为"权威"的压力所服，才使他能在艺术道路上有所突破。庚斯博罗为贵族们画了40年的肖像，被贵族们公认为桂冠画家，但他有时也厌烦画肖像，经常到野外去画他一生中第二个旨趣所在的风景画。 在风景画上，庚斯博罗的艺术成就也是明显的。托马斯·庚斯博罗（Thomas Gainsborough，1727—1788)，英国肖像画家、风景画家，融合尼德兰画派现实主义和法国牧歌式浪漫情调，创造了光色清新、富有诗趣的风格。作品多以柔和的色调描绘贵族奢华的盛装和高傲悠闲的姿态．为上层社会所喜爱。庚斯博罗是18世纪继荷加斯之后在英国画坛脱颖而出的天才画家。他虽然不大喜欢读书，甚至连普通中学都没有读完，但是，他“说起话来妙语连篇”；他虽然没有著述传世，“可是，以他写给密友的信来看，他的知识又很少有人可以与其相比”。
写作思路：首先简单介绍一下蒙娜丽莎这幅画，然后对它的艺术价值进行赏析。
《蒙娜丽莎》是一幅著名的肖像画。它花费了绘画巨匠达芬奇四年之久的时间，而这幅看似普通却代表了这个时代绘画最高成就的作品，何以具有这样大的魅力呢？
先来回顾一下中世纪的艺术，漫长的中世纪，艺术成为基督教的工具，无论雕塑还是绘画，其题材内容都取自圣经教义，人物形象也都是虚构的概念化形象，既无现实生活的依托，又无科学知识的根据。因此，人物形象僵滞、表情呆板，形体如槁木般没有生气。
然而，达芬奇的肖像画《蒙娜丽莎》富有人文精神，在题材上取自现实生活中的真实人物，具有人的真情实感，因而这幅肖像画成为文艺复兴时期的代表作。
《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确的捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。达芬奇这种现实主义的创作的方法，使蒙娜丽莎富有魅力的青春被永恒而鲜活的留在画面上。我们从蒙娜丽莎的脸上可以看到，透过那微抿的嘴唇，微挑的眼角和微凝的双目，悄然的流露出一种恬静、淡雅而又神秘的微笑，自然、纯真、朴素的将一丝不易察觉的、充满着人性情感的内心活动透溢出来。
画中人物生姿优雅、笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致的发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。达芬奇力图使人物的内心世界和美丽的外表达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位。
也特别着重掌握精确与含蓄的辨证关系，达到了神韵之境，我们还可以从蒙娜丽莎那双随意的交搭着的双手上，透过柔润而丰满的肌肤，精谨而准确的结构，自然而生动的状态，感到一种富有青春生命力的血液正在指掌间流淌。这是鲜活而富有生命力的活体。在构图上，达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的肖像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更端庄。
