楼主的问题不够明确啊~~~~
附上一篇，希望能帮到你。
平凡质朴的崇高之美——米勒与《拾穗者》
米勒在43岁时完成的《拾穗者》，这是一幅描写农村夏季收割劳动场面的作品，从题材上看，应该说平凡而简单。但它在当时产生的艺术效果是所有人没有料到的。画面上，金黄色的田野一望无际，秋天麦收后的辽阔土地上，有三个农村妇女正在弯腰而细心的捡拾收割后被遗落在田间的麦穗，她们身后的不远处，有堆积如山的麦垛。这一切，都说明三位拾穗的农家妇女是勤劳而朴实的劳动者。从画面上看，尽管她们身体健壮，但始终在重复着机械而单调的动作，目光却全神贯注在地上的麦穗。尤其是她们手中拿着的几根拾起的麦穗，与远处的草垛形成极其鲜明的对比。她们那憨笨的动作，也流露出一种虔诚和忠诚，画作将农民和土地的这种情意刻画得淋漓尽致，入木三分。所以，任何人在这幅作品前，都会产生一种对丰收、对生命的庄严景仰，都会产生一种农民对土地那种类似于宗教般虔诚的情怀。当然，也对画面上的平凡而质朴之美产生崇高的敬意。
《拾穗者》这幅画刻画了三位贫穷的农家妇女在辽阔的麦田里捡拾麦穗的情景，她们弯腰捡拾的动作展示了一种古典美。重要的是对人性的讴歌与赞美。同时，美丽富饶的农村自然景色与农民的辛酸与勤劳又形成明显反差。法国文艺评论家卡德莱曾这样说道：“米勒的《拾穗者》等作品刻画出他当时那个时代一般平民的心理和思想，表达了近代思想，这是一位高贵而不朽的人性画家。”在这幅作品中，米勒安排的人物动作和形态已经成为后人研究构图的经典，人物朴素动作优美，特别是在她们的背后，那合理而有序的铺陈，使得画面散发着一股泥土的芳香，也弥漫着古老而沉重的诗意，使我们感受到大地之神的魅力和古典的庄严美。
据说，米勒在创作这幅作品的时候，自己的孩子连奶水都吃不饱，家庭生活极其窘迫，所以他对底层的劳动者有着非同一般的理解和同情，甚至他是在继续接受着并在绘画中融化他的痛苦，在生活的痛苦和创作过程的痛苦中寻找到一种庄严而崇高的宗教式的喜悦。因此，米勒笔下的劳动人民是在生活的痛苦中却饱含着道德，这是一种美，最后成为米勒的一种信仰。《拾穗者》是他思想与技术最完美的结合物，罗曼•罗兰这样赞赏道：“米勒画中的三位农妇是法国的三位女神。”
米勒一生留下的作品不多，从1840年到去世的三十多年间只有八十余件油画作品。而且很多都是较小的画幅。据说，他的每一幅作品都是经过反复思考而成的。除《拾穗者》之外，还有《播种者》、《晚钟》和《牧羊女》等，同样在美术史上占有一席之地。
无论什么时候，《拾穗者》总会给人一种心灵的震撼与冲击，这一点与画家始终关注现实、反映现实是分不开的。这幅作品在沙龙展出的时候引起了极大地反响，其中褒贬不一，甚至还有人认为画面上的三个女人丑陋不堪，还有人指责画面的内容揭露了农民生活的艰辛而有意向上层生活挑战的意味，还有人认为这是在有意煽动农民的情绪等等。面对这一切，画家米勒毫不畏惧，他说：“我将坚强的站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨害我们民族进步的东西，但我们绝不做把农民模样加以美化的蠢事。如果只能无力的表现我自己，我宁愿不表现。”我们从米勒的这番话语中感受到他那坚定的现实主义立场，通过平凡的人物表现崇高的理想和内在的精神。特别是他用真实的笔触和感受描绘着他生活在一个空间中的农民，成为后来法国许多画家共同的创作主题。因此，米勒成为法国美术史上伟大的画家，与库尔贝一样，为法国现实主义绘画的蓬勃发展做出了巨大的贡献。
“两河流域”的古代文明——美术史话
好有给你个提纲：
第一章 原始社会工艺美术
第二章 古代埃及工艺美术
第三章 古代两河流域工艺美术
第四章 古代波斯工艺美术
第五章 古代印度工艺美术
第六章 古代地中海区域工艺美术
第七章 古代希腊工艺美术
第八章 埃特鲁里亚与古代罗马工艺美术
第九章 伊斯兰工艺美术
第十章 古代日本工艺美术
第十一章 古代非洲工艺美术
第十二章 古代美洲工艺美术
第十三章 古代大洋洲工艺美术
第十四章 欧洲中世纪工艺美术
第十五章 文艺复兴时期工艺美术
第十六章 巴洛克时期工艺美术
第十七章 罗可可时期工艺美术
第十八章 新古典主义时期工艺美术
第十九章 近代工艺美术
第二十章 现代工艺美术
自第三至第六王朝，奴隶制生产关系进一步在埃及确立，
史学界将这一阶段划分为“古王国时期”（约公元前2686—前
2181年）。此时的埃及已成为强大的中央集权的奴隶制国家，
社会经济和文化艺术亦有了繁荣发展的局面。手工业进一步从
农业中分离出来，形成冶炼、制陶、采石、木作、皮革、编织
和造船等多种手工行业齐头并进的发展态势。著名的金字塔就
建造于这一时期，它显示了此时埃及国力的强盛，亦反映了当
时埃及人巨大的创造力。第六王朝末期，由于奴隶主的残酷压
迫与剥削，引起了奴隶和贫民的反抗与起义，造成了内战与分
裂的衰败局面，古王国亦随之消亡。
第七至第十王朝，埃及长期处于分裂割据状态，统一王国
瓦解。史学界称这一时期为“第一中间期”（约公元前2181—
前2005年）。
公元前21世纪晚期，底比斯（Thebes）的一个统治者门图
荷太普一世（MentuhotepI）建立了第十一王朝，恢复了埃及
的统一，开始了“中王国时期”（约公元前2133—前1786年，
包括第十一、十二王朝统治在内）的历史。这一时期“法老”
（pharaoh，即国王）为加强中央集权，同地方贵族展开了长期
斗争，并进一步把王权加以神化。从十二王朝开始，加紧了对
外的侵略和扩张，使奴隶制经济得到了发展。此时埃及已广泛
使用铜器，并已出现青铜器。同时，发明了烧制玻璃的技术，
以后传播到世界各地，为人类作出了贡献。至第十二王朝的后
期，由于统治者的腐朽，法老的权势削弱了。这时，来自西亚
的希克索斯人（Hykso）乘虚入侵了埃及。此后的第十三王朝至
十七王朝，埃及一直陷于混乱与被异族侵占的局面，史称“第
二中间期”（约公元前1786—前1567年）。
公元前16世纪初，阿赫摩斯一世（约公元前1570—前1546
年）领导埃及人击退希克索斯人之后，建立了第十八王朝（约
公元前1567—前1320年）。自此至第二十王朝的这一阶段被称
为“新王国时期”（约公元前1567—前1085年）。这是古代埃
及在军事、政治、经济和文化等各个方面最强盛的一个时期，
因而历史上也称“帝国时期”。
新王国的社会经济呈现繁荣景象。这时，埃及已普遍使用
青铜器，生产技术亦出现了不少革新。在手工业上，用脚踏风
箱代替过去的吹管冶炼，提高了熔炉的温度；在纺织业方面，
发明了一种悬式纺锭和立式的织布机，促进了麻纺工业的发
展。另外，还出现了彩色玻璃、彩纹陶等新的工艺美术制品。
古埃及的“后期王国时期”（约公元前1085一前525年）
包括第二十一王朝至二十六王朝的统治。期间前五个王朝是由
僧倡贵族利比亚人（Libyans）和努比亚人建立的，始终未能统
一。其中，亚述人（Assyrians）曾入侵统治埃及达20年之久。后
来，三角洲塞伊斯城的统治者领导埃及驱逐了亚述人，建立了
第二十六王朝，重新统一了埃及。此期，埃及的社会经济在继
续发展，其文化亦保持着自己民族过去的成就，他们已掌握了
冶铁技术，铁器被广泛使用。在第二十六王朝法老尼科（约公
元前610—前595年）统治时期，埃及人挖通了尼罗河与红海之
间的运河，促进了农业与商业的大力发展。
公元前525年，埃及被波斯帝国征服，沦为波斯的一个行
省，丧失了独立，古代埃及的历史便以此为标志宣告结束。
“两河流域”的古代文明——美术史话
20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮，又称现代派。
发展状况
现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础,所以,法国后印象主义画家P.塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。以H.马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”,由此“野兽主义”得名。1908年,另一群年轻画家以P.毕加索、G.布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。与此同时，在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的刺激下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。蒙克：《圣母》上述思潮和运动,特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。未来主义的画家和雕塑家U.博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言,并把未来主义的原则运用到自己的作品中，代表作为《在空间连续的形》(1913)。相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。抽象主义的美术作品最早于1910年前后产生。首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家W.康定斯基。他用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)等奠定了抽象主义的理论基础。作为实践家，他主要从事抒情抽象绘画的创造，但同时也在几何抽象方面有所探索。俄国的画家K.C.马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何抽象的范畴。至上主义在平面构成上的努力，在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试，应该说是有意义的。真正奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P.蒙德里安创建的风格派（或称新造型主义）。在整个20世纪，抽象主义基本上遵循着抒情的抽象和几何的抽象两个方面发展，只是在各个阶段有所变化而已。康定斯基：《第一抽象水彩画》第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达主义社团，影响波及欧美各国。在法国、德国都有达达美术社团。达达主义反对战争，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，作为社团它必然要走到自我否定的境地。达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面的绘画中采用拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达对现代美术的贡献。超现实主义的社团是从达达内部分化出来的。它用建设性的态度对待艺术创作，以取代达达主义的破坏和挑战。它直接从弗洛伊德的潜意识学说中汲取思想养料，并以弗洛伊德的理论作为这一艺术运动的指导思想。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感,致力于探讨人类经验的先验层面,试图突破现实观念,把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合,以达到一种绝对的和超现实的境界。超现实主义者常常采用出其不意的偶然结合、无意识的发现、现成物的拼集等手法。写实与抽象的语言在他们的作品兼而有之。从1924年以后到30年代末，是超现实主义美术的活跃期。30年代以后，作为艺术运动，超现实主义逐渐冷寂，但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于欧洲和美国画坛。波伊斯：《向兔子解释图画》第二次世界大战以后曾在美国产生的抽象表现主义（又称行动绘画或纽约画派），是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派，也是重视个性、重视风格的现代派绘画顶峰。抽象表现主义强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行为本身提高到重要的位置，已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。杜尚：《干燥的便盆》继抽象表现主义之后产生的硬边抽象、后绘画性的抽象是几何抽象主义在新形势下的变化和发展，也说明艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变。这种转变在与抽象表现主义完全相悖的波普艺术中表现得更为明显。波普艺术的兴起，说明西方的现代主义向后现代主义转变。当然，对于后现代主义这一概念，西方美术史论家们的论说很不一致。首先在建筑中使用的后现代主义，当然是一个相对的、模糊的、充满着争论的概念。严格地说，后现代主义是不能与现代主义截然分开的。后现代主义加以弘扬的许多方法与原则，在现代主义的美术中已经尝试过、试验过，只是在后工业社会里把个别的方法和原则加以极端的发展和夸张。后现代主义在某些方面也确实是现代主义的反拨。然而，现代主义的审美原则仍然强烈地影响着当代西方的美术家们。新表现主义、新超现实主义、新抽象等流派在80年代的兴起，多少说明了这个问题。在现代主义与后现代主义美术思潮的变化中，似乎可以看到，艺术中的主观与客观、理性与感性、人性与共性、风格特征的加强与消失、人性与机械性、阳春白雪与下里巴人、艺术的审美与反审美，永远是使艺术家困惑并驱使他们去不断探索的课题。在艺术发展的历史过程中，常常会产生此长彼消或彼长此消的状况，尤其在工业化社会和后工业化社会，这种状况更是常见。观念艺术及其他后现代派思潮之所以那末惊世骇俗，就是因为它们不仅和传统艺术背道而驰，而且在向现代主义挑战。但是，历史本身似乎在昭示着这样一个事实，艺术发展存在着不以人的意志为转移的客观规律。艺术的本身进程犹如社会本身的进程一样，本身具有一种自我调节的力量，它要在上述列举的种种两极之间寻求平衡。当然，平衡是短暂的、临时的，不平衡则是绝对的、永久的。唯其不平衡和充满着矛盾，艺术才不断向前发展。即使在发展过程中充满着矛盾和曲折，整个趋势则是向前的。从这个意义上说，现代主义艺术应该被认为是对现实主义的一个有力补充。或者说现代主义是一个新的艺术表现体系，它有别于现实主义，更与现代工业社会的时代节奏相吻合。至少它已经获得了与现实主义共存的力量。雷斯：《法国式的场景》特征 既然现代主义美术是西方进入垄断主义时代以后产生的，是伴随第二次工业革命的产物，它就不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化生活的重要变革，反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是，现代主义的美术在对待社会、人、自然与自我的关系上失去了平衡，关系是扭曲的。这样，现代主义的美术家似乎是超脱社会、超脱自然的人，他们不直接描写社会和人生（少数艺术家例外），但他们的作品影射着社会和人生，采用的语言是荒诞的、寓意的或抽象的。在他们的作品中，可以感觉到这些艺术家表现了现代人们（包括艺术家们自己）的精神创伤和变态心理，感觉到他们对现实生活的消极、悲观和失望的情绪，感觉到他们思想上强烈的虚无主义。正是现代主义美术作品的这些特征，使它们具有不可忽视的社会历史的和审美的价值。因为它们正是西方现代社会和现代精神生活重要方面的写照。
对现代主义美术发展起了重要作用的是现代工业和科学技术。现代主义的美术家们对待现代科学和机械文明的心理和态度是复杂的。在有些艺术家的实践（如立体主义、未来主义和构成主义）中，试图反映社会的这一深刻变革,而在大多数美术家的作品中,对工业文明采取回避和超然的态度。他们对工业社会人性的贬值、机械的升值表示不满。但这丝毫并不意味着现代主义美术的主流与工业社会的进程相反。事实上，工业、科技文明剧烈地改变着现代社会的面貌，从精神上有力地推动了现代艺术的迅速变化。
现代主义艺术最早从康德的先验唯心主义武库中汲取了养料，同时又受到现代哲学思潮，特别是尼采、弗洛伊德、柏格森、荣格、萨特等人的哲学、心理学的强烈作用。尼采的学说，不仅对德国的表现主义运动起过推动作用，也对整个现代主义的文艺运动产生很大影响。尤其是他否定权威，主张发挥以人的意志、本能为基础的创造力，蔑视中产阶级的文明和虚伪道德，对无意识和本能的推崇，对世界前途的悲观主义，在现代主义的各个流派的理论和实践中，都有所反映。弗洛伊德的潜意识学说，他的“无意识才是精神的真正实际”，是超现实主义运动的理论支柱，正是在弗洛伊德理论的引导下，超现实主义以及其他流派的美术家们用多种手法挖掘人们精神世界的深层，其后果是一方面开拓新的艺术表现领域，另一方面使艺术语言趋向荒诞和怪异。自然不少作品创造了荒诞、怪异的新境界。
现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义多流派标榜自己是反传统的，实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。在对待历史遗产方面，它们更重视对原始社会艺术、埃及和美索不达米亚的美术、希腊古风时期美术、欧洲中世纪美术的研究。自印象主义之后，西方美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画、工艺品的表现语言上，探索写意的表现手法。野兽主义、立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑。同时，中东的伊斯兰教美术和大洋洲的艺术遗产，也是现代主义艺术家们研究的对象。上述人类历史上的美术遗产均为现代主义美术家们提供了有益的养料。
总的说来,20世纪以来西方的现代主义美术,适应了现代社会人们的需要，创造了一批可以列入人类经典文化的作品，但远非所有流派和思潮的理论都是无可非议的，更不用说其中有些作品的思想倾向颇值得研究。对于现代主义美术不加分析地一味赞扬是不可取的，而视现代主义为洪水猛兽、拒之于门外，不让人们接触和了解更是愚蠢和可悲的。中国80年代以来艺术创造和理论的繁荣、活跃，除了社会、经济的推动这些主要因素之外，与包括西方现代主义在内的外国文艺提供的可用来参考、借鉴的丰富资料不无关系。
环境艺术是在科学技术进步的基础上人类对环境的艺术创造。下文是我为大家整理的关于环境艺术研究生论文的 范文 ，欢迎大家阅读参考!
环境艺术研究生论文篇1
环境艺术设计的发展浅探
摘 要：目前，西方的 文化 充斥着整个世界，现代的设计风格在不同肤色、语言、文化传统的人群中，被广泛接受，同时也在环境艺术设计各个领域中被广泛应用。在标准化的，无差别的生活中，人们失去了 传统文化 中独特的视觉 经验 ，失去了传统生活方式的延续性，失去了文化认同感，传统离我们好像越来越远了。所以很多设计师开始试图发掘传统的物质形式，而忽略了艺术思想的传承，漫天的传统符号涌进了我们的视线，传统的传承问题走到了尴尬的境地。作为 教育 工作者，如何对学生未来发展方向进行引导将是本文试图探索的。
关键词：环境艺术设计 发展 中国传统思想 西方先进的技术 1 环境艺术设计在我国的发展现状
1.1 环境艺术设计的定位
“环境艺术”一词是随着改革开放于近30年才出现的，它是指通过对环境的利用与重塑，创造出一种新的艺术空间，以此来满足人们更高的物质需要和精神需求。作为一个专业“环境艺术设计”是交叉性、系统性的学科，集成性和跨学科是其本质特征。其包括了人体工程学、建筑学、城市规划学、景观学、植物学、室内设计学、行为科学、环境心理学、经济学等多门学科。
1.2 环境艺术设计对现代生活、文化的影响
1.2.1 环境艺术物质层面的意义
环境艺术设计是一种为人类创造生存和生活的空间艺术行为。它既能够满足人们对于空间功能方面的需求以此来方便人们的生活;同时也能够使人类社会与大自然互相沟通、和谐共存与发展，并以其自身的发展对人类社会产生潜移默化的影响，从而构建人类物质空间的模式，为文化的发展创造物质基础。
1.2.2 环境艺术设计精神层面的意义
环境艺术设计不仅是带有一定审美价值的艺术载体，而且是具有物质基础与文化内涵的双重性及文化归属感的序列空间。它的意义就是实现人类的生活和思想全面协调的融合，高度完善的统一，并创造出具有较高品质的生活空间物质载体，以其本身所具有的文化内涵影响人们的思想和审美。
2 在现代艺术的背景下学习西方技术、发展传统精神
环境艺术设计在正处于一个文化断层有待复苏和中国经济社会各方面大力发展的时期。当今国内越来越追捧国外的建筑和艺术的发展模式，环境艺术学科也还没有形成完整的自身发展模式，面对这些，教育工作应如何为即将走出学院的学子们进行指导，是继承传统还是借鉴西方成熟的模式?是直接的照搬还是有所突破?这关系到学生的前途和这门学科的未来。
2.1 辩证的看待西方文化与现代艺术
2.1.1 西方文化的发展历程与现代艺术的关系
欧洲艺术经历了几千年的发展，从古罗马、古希腊所崇尚的写实时期，到灭绝人性、神学至上、低沉凝重以装饰为主的中世纪，又到以人文主义新世界观为指导的文艺复兴的庄重典雅、和谐含蓄、充满着古典意蕴的世俗情调，再到巴洛克、罗可可的宫廷装饰、繁缛精致、豪华奢丽，再到新古典主义的复古、典雅写实主义时期。由于西方人擅长线性的、个体的、机械的 思维方式 ，使得欧洲几千年的历史基本上遵循写实―装饰―写实―装饰―写实的历史怪圈之中，循环往复、裹足不前。由于蒸汽机的发明、工业时代的到来，西方艺术家们开始倡导通过集体的力量来探索现代工艺美术的语言，要用新的工艺美术形式表现出时代的特征，进而产生了包豪斯和新艺术与手工艺运动，并将实用功能作为工艺美术制品的先决条件，克服了以往只重视审美和片面的装饰性的表现，为现代设计奠定了基础。因此，现代的西方艺术是西方人几千年的智慧的结晶，是艺术史上的伟大突破和创新，他不仅是西方艺术史也使人类艺术史上一次伟大的变革，他以“人”为创作的首要对象，更注重设计的人文关怀，并且紧贴时代脉搏，利用科学技术更好地为人类服务，从这一点上说西方的现代文化是先进的，是值得借鉴的。
2.1.2 西方艺术推动全球化的背后――艺术的殖民行动
虽然西方的设计观点是西方人几千年来的突破，对现代生活有很重大的指导意义，但是我们不得不承认现在的全球化过程实际上就是艺术的西化过程，是西方在文化上对我们的侵略。我们环境艺术的领域中有很多人一味的崇尚西方的建筑、西方的设计风格，全身心地研究西方的体系，这是必要的，但不考虑我国的国情，盲目的跟随西方的发展，谁能否认这不是我们的悲哀。
2.2 正确地认识传统，对我国传统文化理性的继承与批判
2.2.1 正确理解传统的含义，对环境艺术设计发展的影响
传统是由“传”和“统”两个字构成，“传”是指时间上的延续;“统”是指空间的扩展和权威性。所以我们的今天也可能是明天的传统。我们作为中国历史长河中接力的一代有义不容辞的责任将我们的传统延续和发扬而不单单只是继承。这一点是我们作为教育工作者首先应该明白的。
2.2.2 辩证的认识中国传统的发展历程，了解精神是传统得以延续并保持完整性的关键
(1)传统的可变性和不确定性。
就像周代吸取了商代暴政灭国的教训而提出了“德”的观点，主张“皇天无亲，唯德是辅”的思想;春秋战国继承了周的礼制却摒弃了其重祭祀的宗教气氛而转向了实用，使得在工艺美术中形成了百花齐放的繁荣景象;秦朝的暴政统一了中国，也使自己早早的毁灭，汉代则引以为戒，追求长生不老羽化升仙;六朝上承两汉下启隋唐，并流行玄学，崇尚清淡，好放任不羁，超然物外;唐代脱离了以前古朴的特色，艺术风格变的博大清新，华丽丰满;到了宋代，又出现另一种完全不同的艺术特色，变得优雅严谨而含蓄，一洗“绮罗香泽之态”，摆脱了“绸缪婉约之度”形成了高雅的艺术格调;元代尚武，统治者十分重视加强思想方面的统治，利用宗教麻痹各族人民反抗的意识，因此，工艺美术作品上常反映出宗教内容的装饰题材;到了明代，又形成了宫廷工艺和民间工艺两大体系：宫廷工艺专为统治者服务，做法细巧严谨;民间工艺则生活气息浓厚，具有质朴、豪放、自然、健康的特色;清代工艺美术侧繁缛、精巧…… 由此可见，我们所崇尚的传统艺术的发展也并非一成不变，每个时期既继承各自前人的优秀之处，又有自身的特点并发扬光大成为后人的传统。为此，我们作为环境艺术发展30年的、后人的先导，应该如何继承、又如何传承是一个值得思索的问题。
(2)传统意识精神是中国传统保存其完整性的原因。
历朝历代各有特点，可他们在一起是却如此有条理、有连续性，他们所处的环境不同，社会发展的程度不同，但却又有如此天衣无缝的连成一体而不限突兀。历史已经证明，是儒家思想维护了中国传统文化的完整性。
从汉武帝开始，我国的历朝历代的君王都将儒家的思想作为自己治理国家的指导思想，除了有一定的安抚国人的用意之外，也是与儒家传统思想的博大精深分不开。在民间，各种思想争奇斗艳，老子、庄子、风水学、禅宗等也占有很重的文化份额，致使我国的文化一脉相承历经几千年而不衰。
但是，孔子在推行儒家思想，“效法先王”的同时，极力推崇“华夷之辨”，上古时中国已形成“内华夏，外狄夷”的旗号以求霸业，儒家不但拥戴“尊周攘夷”，而且使这一思想的传播者，这阻碍了各民族间的文化交流和中外间的文化交流。
为此，我们得出这样的结论，中华民族的文化博大精深，一脉相承，但不是我们这个时代都应该拿来借鉴的。孔子的儒家思想维护了中国传统文化的完整，同时也阻碍了我国许多方面的发展。我们应该辨别历史的精华与糟粕，以一种文化层面上的优秀思想和一种传统中国人的思维方式为借鉴，将这种精神层面的东西应用到环境艺术设计的方方面面中去，以此影响现代人的精神，并且将之发扬光大。
3 对中西方文化的双重吸收―― 吸取西方现代发展优势，发展中国优秀的传统思想
3.1 利用西方现代的模式与优点，发展中国优秀传统思想的可能性
作为物质层面的西方设计模式和领引我国传统古代思想并不矛盾，他们在环境艺术设计的领域中是可以相融合的。因为环境艺术设计同时具备物质性和思想性两种形态，而西方的模式与中国的传统思想又正是两种设计文化的精髓之处。将西方先进的物质基础和服务大众的理念为环境艺术物质发展的导向，将我国优秀传统思想作为环境艺术发展的最终精神指导，而不是一般意义上的折衷，并且我国的“和而不同”的思想也为这种融合提供了思想上的先决条件，西方先进的技术使这种融合成为一种可能。
3.2 合理借鉴西方文化，不做崇洋媚外和狭隘的民族主义者
现代的西方国家所取得的成绩不置可否，在环境艺术方面有很多值得我们借鉴的内容
3.2.1 以人为本，使环境艺术设计更好美化人的生存环境
人文主义，是西方的主导思想，而中国传统历来的设计对象基本都是皇宫贵族，新中国的成立使得人民当家作主，这一点与西方现代工艺美术的发展契机相一致，且西方在几千年的发展中一直有类似的思想，确实得较好，值得我们借鉴。
3.2.2 借鉴西方先进的艺术语言
西方的现代工艺美术最大限度的展示各种材质的魅力，注重作品肌理效果给人的视觉美感和强烈的刺激。巧妙的应用新形材质，创造别致的肌理效果，充分利用材质肌理，不断创造工艺作品独特的艺术语言。
3.2.3 与科技同步，更好的为国民更好的服务
西方环境艺术的发展紧随时代步伐，与科技紧密地联系，采用新技术新工艺，有很强的创造性，以此来为人们提供更好的生存空间。
3.3 设计者应对传统思想有深刻的认识和理解，心怀强烈的时代责任感
3.3.1 吸取我国传统思想的精髓，做中国的艺术设计人
孔子的儒家思想强调天人合一、大自然与造物冥冥之中的联系和和谐。天、地、人三者相互依存相互制约，人可与天地抗衡，高于万物，又受制于自然，三者和谐成于一体密不可分。环境艺术设计正是一门建立在自然与人基础上的艺术，儒家思想树立我们正确的设计出发点。
老子的道家思想玄虚缥缈，内涵丰富，有很强的抽象性和超验性，不是逻辑、理性、语气可传达的，这正应与艺术的创作方式和在设计中引入传统的方式有异曲同工之处。
孟子认为“万物皆备于我矣，反身而诫。”说通过对于自身的认识和修养，达到与“天的共识，强调个人修炼，以达到和谐”，这为对我们对传统的学习，指出了 方法 。
庄子认为，言者所以在意，得意而忘言;书不过语，语有贵也，语之所归者意也，意有所随者，不可言传也。这强调了我们设计环境时讲究的意境，也为我们的设计创造了很高雅的基调，我们应该将其很好地领会并应用到设计之中。
墨子强调的是廉爱、非攻和尚贤，要我们爱所有的人，不因不同亲属贫富而有异，我们可以从中体会到作为一个设计者应有的品格。
……
除此之外，禅宗的超脱，太极的永恒和对立都为我们的创作提供了素材和创作的出发点。
这些优秀的思想是我们炎黄子孙共同的根基与脉络，是我们独特的思维方式和处事甚至是我们的设计原则，是世界上任何一个国家和民族无法理解和模仿的，这也正是我们的骄傲。
3.3.2 作为环境艺术设计者，了解祖国文化的必要性
了解祖国的文化是一个设计者的成长过程中重要的组成部分，设计者有自己的成长经历，有自己的文化记忆，也会有自己的立场，如果我们不忠实于这些，就会丢掉自己，我们的设计就会没有根。忠于自己的生活，在孕育了自己的文化中学习传统，开拓思路，吸取养分，形成自己的风格。那么这些作品必然呈现出设计师所属群体的文化特质，即那个群体的文化的根。
在设计的学习与实践中，民族传统的继承应是自然的和自觉的，一个出色的设计者的敏感心灵应会对自己的生生不息的传统文化有一个认同与体悟，这也正是形成他个人风格的不可少的源泉。
4 结语
对中国传统的继承，不是一个人、几个人能解决的简单的问题，它需要我们千千万万的、几代华夏子孙共同的努力;对于西方的借鉴，借鉴什么、怎样借鉴、如何把握尺度而不磨灭我们作为中国人的思维方式的延续。这些都是我们所处在这个时代的教育者所应该铭记于心并且深刻思索的，因为在历史的长河中，中国人必将以博大的胸怀和过人的智慧领引世界的和平的发展!也许我们几辈子的努力都不足以名垂千史，但是每个时代的人都有自己的使命和责任，都有作为后人的先人的义务，也许我们看不到祖国未来的美好的瞬间，但是我们心存希望，中国的明天必将辉煌!
参考文献
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环境艺术研究生论文篇2
环境艺术设计中的创意思维分析
摘 要：在环境艺术的设计过程中，创意思维的应用往往可以获得比较好的效果。本文主要结合对于创意思维和环境艺术的认识，分析探讨了艺术设计中缺少创意思维的主要原因，同时指出环境艺术中创意思维的表现形式和发展方向，以期能够更好的促进环境艺术设计的健康发展。
关键词：环境艺术设计;创意思维;传统教育;文化传承;民族文化
改革开放之后，市场经济得到了快速的发展，社会经济发生了翻天覆地的变化。市场经济的快速发展影响了社会生产生活的各个领域，使得各行各业的竞争更加激烈，市场的发展要求进行创新，也只有不断的创新才能够在市场上立足脚跟。在环境艺术的设计过程中， 创新思维 的应用同样重要，恰当的应用创意思维的应用往往可以获得比较好的效果。本文主要结合对于环境艺术设计和创意思维的理解，对环境艺术设计过程中创意思维的应用进行了探讨和分析，以期能够更好的促进环境艺术设计的健康发展。
1 环境艺术设计和创意思维的概念分析
环境艺术是一个比较大的概念，有着很强的综合性，主要是指环境艺术工程的艺术构想方案和空间规划等。这其中了包含了设施计划和环境，装饰计划和空间，色彩计划和材料等等多个层面内容，有着十分丰富的内涵。环境艺术设计是功能和形式之间的有效结合，也就是说开展环境艺术作品的设计首先应当满足实用性的功能，满足使用者的使用需要，同时还要考虑设计的创造性和审美性，让使用者能够在使用过程中使用的更加舒适或者获得美感，这样才能够更好的发挥很环境艺术设计的作用。
创意思维不仅仅表现在新发明和新发现的思维过程，同时也表现为思考的技巧和方法方面，是在一些局部的见解和结论上具有独到的思维活动。创意思维的产生依附于人们的各种行为和需要，但同时有着一定的前瞻性和导向性的特点，应用创意思维促进提升设计品味的重要途径。在进行环境艺术设计的过程中应用创意思维能够在很大程度上促进设计理念的有效提升，良好的创意思维可以促进环境艺术设计的健康发展。
2 目前环境艺术设计中缺乏创意思维的主要原因分析
创意思维从建筑发展之初就表现出了强大的生命力，环境艺术设计要想获得比较好的发展就不能离开创意思维的应用。但是从总体来看目前环境艺术设计中创意思维还比较缺乏，这主要是由以下几个层面的原因所导致的：
(1)传统教育方式的影响。
目前高等学校在环境艺术人才培养的过程中，很多学校都不能做到因材施教的进行人才的培养，老师在进行教学的过程中也大多比较注重知识的传授，强调对于知识的反复练习和进行记忆的训练，对学生创新能力的培养不够重视，这在一定程度上影响了学生创新思维的培养，所以教学中老师处在教学中的主导地位，学生只能进行被动的学习。这种教学模式有利于学生打下很好的知识基础，有利于学生掌握和利用知识，使得大部分学生少走弯路，能够踏踏实实的开展知识的学习。但这不利于学生创新思维的培养，这种模式也忽略了学生自主学习能力的形成，影响了学生的综合素质的健康发展。所以传统教育方式是造成目前环境艺术设计中缺乏创意思维的主要原因，在实践中应当引起足够的重视。
(2)环境艺术设计师的设计思维受到一定的制约。
不同的社会文化会对环境艺术的设计师产生不同的影响。文化在很大层面会影响到设计师自身创意思维的内容和方式，对设计师自身的思维方式也会产生一定的影响。环境艺术设计师自身的创意思维受到多种文化价值的引导，中国传统文化对于设计思维可以产生一定的积极影响，为设计师提供了大量的设计素材，但同时一些文化对于设计思维也会产生“经验思维”，这会在一定程度上制约设计师创意思维的拓展，不利于环境艺术设计的长远发展。
另外社会经济发展的外部环境对于环境设计也会产生一定的影响，也就是大家经常所说的经济基础会决定上层建筑。在市场经济中，设计作品被看作是商品进行买卖，这对于设计师的艺术创作会产生一定的影响。在一些经济发展比较好的地方，社会生产的商品化的程度往往很高，在利益的驱使之下，很多设计师在进行设计的过程中为了迎合大众的口味进行抄袭和模仿，并贴上了创新的标签，这实际上是在很大程度上影响到了创意的发挥，不利于创意的开展。相反在一些经济发展相对比较落后的地区，设计师所进行的环境艺术设计则大多是因地制宜的进行创造的，这往往有利于创新思维的发挥，所进行的环境艺术设计也能够获得比较好的效果，获得大众的认可。
3 环境艺术设计过程中创意思维的表现形式分析
(1)对于民族文化的传承。
中华民族经过几千年的发展，积累了大量的优秀民族文化，这民族文化对现代环境艺术设计会产生一定的影响。在全球化不断发展的今天，越是民族化的东西也就是世界的，传统文化能够对现代艺术设计产生积极的影响，也能够获得大多数人的认同。环境艺术的创意和传统民族文化的结合有利于对民族文化的传承，同时利于环境艺术设计的健康发展。在进行环境艺术设计的过程中通过对传统民族文化的挖掘和整理，有利于形成独具特色的环境艺术设计效果，提升环境艺术设计的品味，促进环境艺术的健康大战。比如在设计师在开展室内设计的过程中，就可以运用传统的吉祥图案开展设计和装饰，也可以利用传统的一些民族符号营造具有民族感的居住氛围，这些创意往往能够获得比较好的设计效果，给居住者营造良好的居住环境，提升居住者对于环境艺术设计的满意度。
(2)追求自然之美。
在 网络技术 和信息技术快速发展的时代，人们每天都会机会受到大量的知识冲击，长期生活在城市里的人渴望能够和自然接触，希望能够享受自然所带来的一些快乐，这些都对于新时期的环境艺术设计提出了新的要求，在开展环境艺术设计的过程中，追求自然之美，将环保和艺术进行很好结合将是未来发展的重要趋势，设计师在开展环境艺术设计的过程中要把握住这一重要趋势进行设计，提升居住者的满意度。在进行环境艺术设计的过程中，设计师只有将环境艺术设计和环保进行有机的结合，才能够更好的表现出人们对于深层次美的强烈追求，以满足人们所追求的情感的有效统一、促进环境艺术设计的整体效果的有效提升。
(3)传统文化和现代文化之间的结合。
创意思维很多时候都和传统文化之间紧密的结合在一起，传统文化为创意思维在环境艺术设计中的应用提供了丰富的文化土壤。虽然环境艺术创意设计有着比较大的风格差异，会选取各种各样不同的素材，但大多数的环境艺术设计或多或少的都会有选择的应用传统文化开展设计。比如2010年上海世博会中国国家馆的设计就将现代环境艺术设计和传统的文化进行了紧密的衔接。
4 小结
环境艺术设计是时代发展的镜子，伴随着社会的不断发展和进步，人们的思想意识和生活状态都会给环境艺术的设计带来很大的影响。在开展环境艺术设计的过程中，要立足于现代环境已设设计创新的思路，将各种具有时代发展要求的设计理念融入到社会的发展之中，这样在设计的过程中就比较容易把握时代发展的脉搏，也就可以创造出更多有生命力的设计作品，从而更好的激发设计者的设计热情，在市场竞争中获得新的创造力。
参考文献：
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[2] 王芳.浅谈现代视觉传达设计课程的教学改革[J].青年文学家，2011(14).
关于中外美术院校之美术教育的现状分析
◎周浩然黄婵
（四川师范大学四川·成都610101）
摘要中外当代美术高等教育在专业设置、课程安排、学校与社会、社会与艺术本质的关系等方面的探索和研究具有自
己鲜明的特点。文章通过比较中外美术高等教育的现状, 尤其是俄罗斯美术教育，对我国美术高等教学进了改革的设想,
期望能给予我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
关键词中外美术高等教育改革
文章编号1671-0703(2010)10-198-03
由于我国“美术学院”作为我国现代专门的艺术教育机
构，无论是从其名称还是其制度来看，都属于西方的“舶来
品”。自上世纪50 年代以来，我国的美术教育长期受苏联契
斯恰科夫体系影响，虽然在美术改革期间，我国美术高等教
育为了适应时代和社会的需要，进行了相关的改革，但是大
部分高等美术院校的美术教学在课程设置、教学目标、教学
内容和方式等方面仍因循守旧， 学生依然在进行所谓的技
术、技巧方面训练，很少地从艺术本质上进行探索和研究。
本来服务于人民，服务于生活的艺术成了少数人的“技巧”，
这种趋势不容乐观。本文通过对中外最著名的一些美术院
校的研究，试图通过中外美术高等教育现状的比较、分析，
为我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
一、我国美术高等教育现状
我国的美术院校从八大美院到综合性大学的美术学院
或者美术系，美术课程的设置大同小异，除了必修的政治理
论以及外语等，在专业课上主要开设艺术史论、美术学、各种
设计专业，包括计算机多媒体的应用等课程。如上所述，技
法、技巧的训练以及计算机的运用依然是美术教学的主要内
容。在时间安排上，前一到两个学年主要是基础课，以素描、
色彩为主，同时开设国画、油画、设计辅修，目的是学习巩固
一些基础知识。后两个学年进入专业课程学习，一般分为美
术学、设计、史论三个专业方向，学生根据自己的爱好和专业
能力自主选择。
创作课几乎没有作系统、整体地安排，大多数学院只是
在一个相对集中的时间段里进行毕业创作，在日常教学活动
中对于创作少之甚少。当然比较可观的是创作形式现在相
对比较自由。古典、现代、抽象、具象乃至装饰画、多媒体可
以全面地运用。优点是相比以前丰富了形式，但是缺点依然
存在：对于审美规范、审美的标准莫衷一是。
对于中国传统的、民间的艺术几乎在学院难以推广，这
是中国美术教育的一大憾事，学院派排斥民间艺术，已成为
不争的事实。
虽然艺术史论等课程普遍开设， 但由于师资力量的匮
乏、开设时间过短，教学模式的僵化等原因，一般每门课程只
开一个学期，每周一到两节，学生囫囵吞枣，浅尝辄止，仅仅
记住一些艺术家和作品的名字，对艺术品的美学内涵和文化
脉络缺乏明确了解和整体把握，不能深刻领会作品所传达的
艺术精神，甚至只是简简单单地应付考试，所以面对艺术以
及艺术作品常常感到茫然，言之无物甚至不少学生感觉到自
己只能机械地做选择题。加之学生亲临美术馆、艺术博物馆
的机会非常少，学生很少有机会看到艺术品原作。同时学生
外出写生、实践的机会非常少，缺乏文化内涵、缺失艺术标准、
匮乏源于生活的元素是高等美术教育所面临的主要问题。
最后，所谓的到实践中去，也成了一种简单的形式。本
应该是艺术教育的一个重要环节，有的照本宣科，有的敷衍
了事，甚至有的直接弄虚作假，从而实习失去了实践的真正
意义。虽然有关部门意识到了这点，集中安排学生实习，但
由于实践基地匮乏，实习学生过多，部分学校老师的片面追
求完成任务，最终也没有取得好的成效，这是一个亟待解决
的问题。
二、俄罗斯美术高等教育现状
俄罗斯圣彼得堡列宾国立美术学院是俄罗斯最好的美
术学院，它们的美术系代表了俄罗斯美术的最高水平。美术
学院最主要的教学任务是：从事严格的美术专业教学活动和
培养俄罗斯一流的美术家。主要有绘画系、建筑系、雕塑系、
版画系和美术理论系。主要开设素描、色彩、装饰艺术、金属
工艺、陶艺、雕塑、造型艺术教学法、电脑绘画、俄罗斯美术史、
外国美术史、俄罗斯历史、哲学等课程。
在教学安排上，素描和色彩教学（主要指油画）是最主要
的学习任务。从大一到毕业都有。一般是早上9 点至11 点
进行素描教学，在短暂的午饭时间后，接着进行色彩方面的
教学，下午3 点至5 点又是再次素描教学。素描教学活动主
教育广角
2 0 1 0 年第10期安徽文学199
要在室内进行，因为在圣彼得堡漫长的冬季使得他们不得不
选择室内教学。解剖课的要求非常严格，经常安排在一张纸
上画同一个人头部的正面、侧面和3/4 面，或者在一张头像边
上画骨骼和肌肉。学校有一个专门的解剖教室，陈列着人体
骨骼的各个部分以及一部分动物骨骼，学生可以随时来此写
生，有专门的教师指导，素描作业一般都用索斯、歇比亚、桑
基那做底子，做成各种深度的灰调子，人像与环境融为一体，
空间感极强，这也是为了与油画课程进行很好的衔接。而在
绘画材料上也非常广泛：从炭笔、木炭条、炭精棒到俄罗斯特
有的索斯、歇比亚、桑基那，包括色粉笔、蜡笔等。美术教学
对构图课极为重视，构图要符合美的规范，反复权衡修改以
求获得最佳效果。创作课从大一开始设置，方式是课上辅导、
课下画构图、期末总评，手法要求用现实主义方法，题材范围
是现实生活、个人生存体验、普希金诗歌、卫国战争、俄罗斯
历史与宗教，绝对不允许进行现代艺术以及一些“非艺术的
艺术”尝试。
教学大纲是高等美术教学的“最高准则”，教学中出现偏
差，马上就由教学大纲来纠正，学生学习也有矩可循，老老实
实按教学大纲学就是了，可叹的是这种大纲几十年不变。这
也和俄罗斯这个民族的传统息息相关。
学校注重对学生动手能力的培养，美术系设有工业造型、
陶艺、雕塑、木工等实习车间，从图纸设计到制作完成都一丝
不苟，从中可以看出俄罗斯学生严谨、扎实的学风，这种对学
生严肃认真作风的培养不仅仅是为了制作一两件作品，更是
为了让学生形成优良的工作品质与生活品质。
其中，他们对中国这种绝大部分的室内教学也曾提过建
议，因为中国绝大部分地区都有充足的阳光照射，而不同于
俄罗斯。所以他们建议我们国家的美术院校学生，应该把素
描、色彩教学更多的集中于室外，感知大自然最纯真的艺术。
每年6 月，是毕业生的答辩时间，学生作品分成两部分:
一是自己的毕业创作;二是在教学实习中收集的中小学生完
成的作业。这是对创作能力和教学能力两方面进行评估。
列宾美院还和各地美术院校进行交流，互派学生，反馈
毕业生的工作情况，不断对自己的教学计划进行改进和调整。
三、意大利佛罗伦萨国立美术学院
佛罗伦萨国立美术学院为世界美术最高学府，始创于
1339 年，是世界第一所美术学院，开创世界美术教育先河，
1562 年正式建立。他们在学院门类较多，有艺术视觉学院、
应用美术与设计学院、交流与教育学院、裸体学校。
意大利佛罗伦萨国立美术学院上课是丰富多样的。学
院安排的课程宛如宴席，学校会统计学生的“消费”，如果达
到学校的标准，就准予考试和毕业。学校平时上课时间很多，
艺术形式已经不局限于传统，当代的各种艺术形式都有表达
和涉及。学校会安排很多活动、画展开幕、电影会、讲座，等
等。作为一个学生，必须除去上课之外还得参加各种艺术活
动。在各个场所里，这些场所里面有学校的签名单，签名表
明学生参加了，然后一块汇总到学院或老师，然后老师和学
院再评估学生吸收的养分够不够，作为依据评判、考核学生。
表达形式也是各种各样，有动画设计、行为艺术、灯光、理念。
在这里一切都是开放的，当然日常的固定上课也是必须的，
不过课程会分布在佛罗伦萨各个地点，如博物馆、当代艺术
馆、画廊等等。
在考试上，每次考试大概有3 名以上的教授在场，然后
出示作品、问答、表达观念，教授再讨论、评估、给分。主要考
察各个方面，如学生参加课程以及活动次数的多少，学生艺
术作品的层次，对艺术作品理解的观念等。另外，学院的老
师也非常严谨，对学生的要求非常严格，让学生很难“走后
门”，蒙混过关。
四、法国巴黎国立高等美术学院
国立高等美术学院是法国在美术界最知名的学校，培养
了大批优秀的艺术家。该校除了美术、油画之外，还开设有
雕塑、计算机图像与录影图像等专业，学制5 年，学生毕业时
可以获得DNSEP，国家承认大学四年级文凭（homologu
bac+4）。学校里传授传统和现代艺术的技巧与理念，目的是
培养高水平、多能力的艺术家。学校有1/3 的学生是外国学
生，这使得各国的艺术得以充分交流，并积极地影响着学生
的艺术水平。
学生在画室中工作，每个学生都有专门的教授指导。学
生在素描、油画和多媒体3 个方向中选择1 个或多个专业。
第一年学生要完成4 个学分，其中一个由教授指定，两个是
绘画技术，另一个是艺术理论。学生在5 年内要修完12 个
学分才能毕业，其中包括1 篇论文和答辩。
同时学校招生非常严格，700 名考生中只有150 人被录
取。要求上一年级的学生年龄在18~24 岁之间。首先要提
交自己的作品集，作品应在20 份左右，其中至少10 份为原
作。在通过对作品的选拔后，学生还要经过3 个考试：实物
素描、对一件作品的文字描述与评论、面试。学校接收资格
入学，如果考生不到26 岁而且已经完成了大学二年级的学
业，那么可以向招生委员会提交自己的作品集，学校根据学
生作品的水平在二年级、三年级、四年级中选择一个适合的
年级。
五、英国皇家美术学院
英国皇家美术学院，自从1768 年成立以来迄今已有237
年，与意大利佛罗伦萨美术学院，法国巴黎美术学院，俄罗斯
列宾美院并称世界最杰出的四大美术学院。
皇家美术学院表示有意申请的国内外学生必须具备绘
教育广角
2 0 1 0 年第10期安徽文学200
画、雕刻、数码印刷或摄影专业的学士学位。该校是英国提
供这些领域三年进修课程唯一的艺术学院。有数据表明目
前该校仅有一名华人学生就读。进入的难度可想而知。
这所学校所开设专业几乎涵盖了所有美术以及相关门
类。他们追求在于不同寻常地表现在它的艺术并置在一个
特定的设计环境和设计在艺术环境。艺术和设计的原则，是
对知识的进步，他们的关注到工业和商业的具体流程并认为
知识可以产生信念。他们的学生通过分析和问题回答获得
奖学金。在学校里，他们不断试验和艺术品和设计创新例子，
注重发展的基础项目的研究，鼓励跨学科学习，以促进了快
速增长的研究实效。以上是该学校的总体理念。
学校的师资要求也很高，绝大多数全职教师，在大学里
首先是专业艺术家和设计师。正是这种高要求，在他们学
校，作为艺术和设计工作的专业人士认为，只有不断拥抱和
不断发展的新思路，才能够将他们的学术工作向前推进。学
校每年提供各种讲座，研讨会，大师班，以及个别辅导。他们
包括前著名艺术家，设计师，来自在国际舞台的全国知识分
子和商界人士会来到大学，因为他们喜欢分享他们的知识和
经验。他们认为学生会从中找到灵感，并受益匪浅。
这所学校正是采用这种高强度，同时也是高度自由的学
习、教学模式。使得他们学制成为世界上最短的。
六、我国美术高等教育的教学改革设想
了解中外美术高等教育现状，旨在为我国美术高等教育
改革提供一些参考意见，推进我国美术高等教育。针对我国
当前美术高等教学存在的问题，作者认为可以进行以下几方
面的改革：
1、文学修养的培养。对于艺术史、文化史，尤其是中国
艺术史、中国文化史的学习，应该引起足够的重视。应该让
学生对人类各种视觉艺术语言有一个全面的了解，不仅仅停
留在“知晓”这个表面层次上，而是深入了解它的社会背景，
分析它的艺术时代语言、造型特点，分析画家的思想，为什么
要这样创作，懂得这些造型语言在表达现代人的精神感受上
的潜在价值。应该鼓励学生提高自己的综合知识修养，经常
阅读文学作品和哲学著作，理解并欣赏音乐、舞蹈、戏剧等各
种艺术。
2、关于绘画题材、内容，我们更应该关注画面所应达到
的精神高度，人类艺术从诞生发展到现在，风格手法层出不
穷，发生了巨大的变化，但根本的东西没变，那就是质朴、大
方、纯正的品格，这种品格在不同的时代通过不同的形式得
以体现，每一种形式都烙刻着深深的时代印迹。无论是造型
艺术还是非造型艺术，这是一个真理性的共性。
3、美术基础教育的过程应该是把视觉艺术史上的一切
经验和创造全部介绍给学生，让学生看到造型艺术的多元性。
应试教育下的考试制度，使学生过早地甚至一味地陷入单一
化、重复化的教学模式中，他们虽然具备一定的造型能力，但
通常是闭门造车，形成一种人为的封闭环境。写实造型训练
依然是今日艺术院校美术基础教育的最主要内容，这种严格
的规范性教学是必要的，通过写实的训练，培养学生把握控
制造型语言的能力也是至关重要的。我们不能厚古薄今，但
也不能反之。我们应该用更宽泛的眼光审视造型的基础教
学，把注意力从准确地再现转移到现代造型语言的认识和掌
握上去。对于诸如素描、色彩、速写等，我们除了关注其本身
的语言外，更应该注重其精神表达。这些应该不只是是在大
学低年级反复强化训练的东西。基本功训练不仅仅是能够
准确地再现物象，还应包括结构画面、结构色彩、经营材料的
能力，这是当代美术工作者必备的基本能力。比如，作为油
画专业的学生，坦培拉技法、古典油画技法、直接画法等专业
语言更是必须了解和掌握的。自由开放的造型训练，使学生
在技能训练中逐步摸索适合个人精神表达的语言手段，把学
生潜在的艺术想象力诱发出来。又如雕塑、建筑等，我们除
了掌握最基本的手法、技巧外，应该鼓励学生走出去，学习国
内外好的范本，去粗取精，而不是一味地走“样式主义”路线，
同时也不是盲目的创新。应该体现民族自身的文化底蕴和
内涵。正是所谓“越是民族的，越是世界的”。总的说来，作
为美术专业大学生应该掌握以下三种能力：(1)一般具象造型
能力，这是指有价值的具象——真正能反映生活的，有价值
的特性。(2)对造型中的抽象规律的掌握，严谨、准确地抽出
最基本的绘画语言规律。(3)认识当艺术世界的能力，通过学
习艺术史了解艺术家如何认识他所处时代的社会生活，又是
怎样表现那个时代的生活的，并把这种规律运用到认识当代
生活中去。（4）积极主动地学习文化知识，将文化和艺术高
度统一。
4、应把传统民间艺术列入必修课程并提高学生的动手
能力，增强学生的劳动生产技能和社会适应能力。
5、加强教学实习基地建设。使美术高等院校与各种艺
术单位形成良好的互动关系，及时了解中社会的艺术需求，
相应调整学习的教学思路和方向。
6、提升师资队伍自身的素质，只有老师有了深厚的文化
积淀和熟练的美术技能，才能将其所学传道授业。只是非常
重要的一点。
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