从上个世纪20年代的中期开始,随着湖北、湖南、河南、安徽等地楚墓的不断发掘,把一个神奇的艺术天地,从两千年以前的地层中展现出来,使我们有缘领略到上古时期南方楚人奇异而丰富的艺术创造。那是怎样的一个艺术世界哟,那种奔放、跃动、飘洒、流动的原始浪漫主义气质,那种镂金错彩、繁复富丽之美,那种带有原始艺术的奇诡、怪诞的造型特质和巨大的幻想性、象征性、隐寓性的艺术观念,实在令人赞叹不已。每当我们为楚美术奇幻的形制、跃动的线条和绚丽的色彩而感慨的时候,我们深深地被楚人的创造心智所震撼!我们不能不与那些古老的图式、形象、线条、色彩、韵律产生心灵上的共鸣。这就是楚美术的神奇魅力,也是上古时期人类心智和精神的永恒呈现。如果把楚美术放在世界文化大视野中去透视,楚美术所取得的这种成就,在上古时期也是具有世界意义的。诚如有的学者所言,“楚艺术不惟明显区别于中国东周时期北方地区的艺术,也是与人类在古代世界所有杰出的艺术创造,与早于它的古代埃及艺术、巴比伦艺术、以及与它大致同期的古希望艺术、稍后的罗马艺术相互辉映的”。(参见皮道坚:《楚艺术史》,第5~6页,湖北教育出版社,1995年)的确如此,楚美术之于中国艺术发展史,乃至整个世界艺术发展史的意义,在于它以奇丽无比的想象和极富个性的创造构成了一个特殊的艺术天地,折射出了楚人在上古时期的物质生活和精神世界状况,那些具有神秘感和形式美的图式,作为人类永不复返的阶段而具有无穷魅力。 一、本土艺术的南北分流 艺术南北分流,这在中国艺术史上是一个不容回避和忽视的地域现象。早在史前艺术的萌芽时期,在北方的黄河流域和南方的长江流域母土里孕育起来的艺术事象,就明显地存在着风格和气质上的南北差异。同为稚拙天真、原始狂野的史前岩画,北系岩画多以动物、狩猎和放牧为主,其作者多为巫师兼猎人,对动物有敏锐的观察力,风格写实,追求逼肖物象,画风粗犷、质朴而生动,生活气息较浓。南系岩画则密切围绕宗教祭祀,大量表现人自身的形象,但突出的是宗教的神秘感,人物有符号化、装饰化和半抽象的特点,画风简约,具有浪漫的精神倾向。艺术源头上的地域差异成为艺术南北分流的决定性基因,这基因经过几千年的传承和积淀,在中国上古时期的奴隶社会中晚期,再次显示出强劲势头。此时作为南北艺术的突出代表,它们分别是代表北方文化的中原艺术和代表南方文化的楚艺术。楚美术灵巧、清奇和俊逸,中原美术谨严、雄浑和庄穆,一南一北的两大艺术事象竞辉争妍,成为中国艺术史上交相辉映的双子星座 从上古时期本土艺术的南北对比来看,北方的中原艺术与南方的楚艺术可以互为参照。北方中原艺术的形成和成熟,并具有自己独特的个性,是来自上古时期中原本土的东西文化的融合。中原的东部地区是殷文化,西部地区是周文化,这两支文化虽然同处于北方,但却有着明显的差异。殷文化是重感情、富有宗教情绪的原始文化。殷人崇拜自己的祖先,并把祖先与天神相混合,祭祀频繁而隆重,他们创造了媚神敬祖的乐舞,这种文化以狞厉为特征,并通过青铜器上的饕餮纹饰表现出来。其艺术图式于沉静中透出巨大的威严,仿佛要创造一种超凡的力量,可以对那些想象中的事物和精灵施加魔法,用非理性的精神、情感震慑统治无理性的身心。殷艺术气质沉静、写实、繁缛、工整,但却是玄想的产物。周文化则以理性为特征,虽然沿袭了殷人的某些风貌,但却是吸收和消化了殷文化之后,根据自己的个性而进行的创造,并很快就显示出了自己的独特气质。周人的青铜器造型浑圆、饱满、舒展,纹饰和谐、亲切、大方,大块的空白显示出质朴、开朗的气息,有着安详而富有秩序的理性精神。随着世俗化的加快,周人不再像殷人那样在原始宗教的迷狂中焕发阴森而深远的想象力;他们似乎天生富有理性精神,他们也崇巫,但不如殷人那般迷狂,他们也崇拜祖先,但却把祖先置于天神之上,以孝治天下代替神道设教;他们的政治不是原始残酷的拼杀,而是等级森严的理智化、伦理化的政治。这样一个冷静、理性的民族,其艺术图式自然有着理性的沉静与质朴,并超越殷人成为中原文化的主流。 地缘上居于江汉流域的楚文化与北方中原文化明显地拉开了距离,它有着极其复杂的构成而又自成一体。它既吸收了北方殷周文化,同时也吸收了南方蛮夷文化,但在气质上更接近于殷文化,与周文化相比有着更多原始宗教色彩和天真的自然气息。这种文化气质决定了楚艺术图式不是偏向理性的、写实的,而是偏向情感的、想象的。它既不像周艺术那样凝重、庄穆,又不像殷艺术那般狰狞和威严,它是狂放而奇诡的。那些神秘怪诞的复合造型,充满了无拘无束的想象,完全是一个充满了原始野性活力的世界;那些飞扬流动的纹饰,洋溢着浪漫的激情和充沛的生命活力,完全是一个富于抽象意味的动态世界;那些繁富艳丽的色彩,浓烈鲜明,和富于装饰性的配置相结合,产生了极为热烈而又神秘的效果,使原始野性世界笼罩在一片神秘、绚丽、热烈的氛围中。这一切显现出了楚人卓越的创造才能和艺术智慧 中原艺术崇尚刚健、笃实和辉光的美学原则。楚人则崇尚刚柔相济,既肯定刚健自为、自强不息精神,又随顺自然,与“天”合一。楚人在开疆拓土的创业过程中,奉之为精神法宝,同时,楚地浓厚的文化底蕴和形形色色的宗教崇拜使其艺术更加恣肆灵动。庄子那飞扬恣肆的浪漫情怀、个体的主体意识和博大的、宇宙意识也充分地体现在楚美术中。因此,我们看到的楚器物造型,无不体现出轻巧、灵动、清奇和俊逸的美学特征。 对自然的信仰和亲近是楚艺术精神的又一体现。楚人从来没有把人和自然分离开甚至对立起来,总是把自己当成宇宙的公民,总是怀着一种泛神论的自然观,就连中原人在理性意识支配之下认为绝无生命的对象,往往也被楚人纳入到自己的宇宙生命意识之中,这是具有宗教性或准宗教性的意识。然而正是在这里面蕴含了楚人孜孜以求的诗意,包孕了真正的眷恋、激情、冲动和哲理。基于这种意识,楚人常常往来于天上、地下、人间、神界而无碍,诗意地栖居在浪漫的艺境里。他们的信仰是诚挚的,感情是充沛的,思想是深远的,想象是灵动的,对自己、对自然也是熟谙于心的。他们充分尊重自治,不仅如此,还在更大程度上超越自然,以此来表态他们对世界、对自然、对人生的看法。 中原人艺术精神的衰弱,在很大程度上源于他们理性意识的抬头。进入封建社会后,中原人社会意识日趋世俗,宗教意识也日趋淡泊。他们抛弃了鬼神意识,对于社会人事产生了浓厚的兴趣,而对于自然、哲理的追求却越来越失去热情,他们的艺术激情日渐消溶在“成教化,助人伦”礼乐文化中。比之楚人,中原人的确是越来越清醒了,但也更世故、更世俗了。自然在他们的心中已经消失了原有的生命性、精神性,自然不再有神灵,也不再有具性灵。这种疏离自然的倾向,致使中原艺术在意象上的生命感、精神感日渐减退。 而此时,楚人却直接从原始社会走来,依靠神话和宗教来弥补知识和经验上的不足,其宗教生活不能不散发出浓烈的神秘气息。同时,南方恋荒的自然生态环境又给楚人的艺术想象以无穷的滋养。大江芳泽、鸟兽野林、风雨雷电、水火星云这些充满无穷生命活力的自然意象,激活了楚人丰富的想象力,同时也熔铸了楚人乐观、奔放、好动的性格。这种想象力又点燃了楚人神话和原始宗教的野火。在这民神杂糅、人神相通、神人相近的现实和想象世界里,楚人无法不对自然怀有一种宗教性的崇拜与亲近。楚人甚至认为万事万物都有神魔般的生命和力量,这种古老的意识像遗传基因密码一样一直积淀在楚人深层心理和艺术之中
经过调查分析,作者认为有如下因素。一、学校外因素,家庭的误导:在孩子入学前,多数家长以孩子能画画而给予鼓励和夸奖,入学后则以学生的学习成绩来衡量孩子,这就使孩子错误的认为学习成绩是主要的,兴趣爱好是次要的,于是本来的天性被慢慢扼杀。家庭构成社会,于是就形成了这样的社会环境:画画是玩,学习成绩是重要的。忽略了孩子的身心发展和认知事物的关系,只要求孩子文化课成绩好,忽略了对孩子各种能力、兴趣的培养,强制其学习尚不感兴趣的文化知识,这样就扼杀了孩子们丰富的想象力、创造力。二、学校内部因素:在农村很多学校没有专业美术教师,在前几年应试教育的约束下,学校多注重学生成绩和学校的升学率,很多学校不开设美术课或者是虚设美术课。现在虽然有很大转变,但许多学校的教育意识没有转变,许多教师的教学方法还没改变,上美术课时,因缺乏资料,或图省事,只教学生临摹作品,课堂气氛低沉,讲课呆板,是使学生失去兴趣的重要原因。这些都局限了学生的思维发展和兴趣培养。 在素质教育的今天,美育是不能忽略的,那么该如何来培养农村学生的美术兴趣,提高学生创造能力?学校外部因素是大环境,我们很难改变,但是作为教师我们应该从自身做起,改变内因,转变教学观念,从课堂抓起,培养其兴趣。
一、了解学生心理,培养兴趣
我们应该多了解学生,尊重学生的思维表现特点。由于学生的身心发展和认知事物有密切的关系,美术教育是学生身体发展水平,知觉能力、情感态度和生活经验的自然产物,美术是学生认识世界过程中的一种表现。需要对事物的认识表达时就有画画描述的冲动,看到有感染力的作品就会受到鼓舞。教师就要在课堂上引导好学生,激发其热情。比如在初一人物线造型的美术课上,当有老师要求作业画女同学头像时,总会有个别学生提出要画男同学,有的还要画自己的爸爸,有的甚至要画只小熊猫。我们分析一下这些学生的想法,要求画男同学的可能觉得自己能画的更好;要求画自己爸爸的是因为他最熟悉,能画象;要求画熊猫的同学可能是因为不自信,怕自己画不好人头像而要画自己拿手的。如果这时教师大怒,以不按老师要求做作业和无理扰乱课堂批评的话,就使学生的绘画热情受到挫伤。因而应该给他们创作自由,让学生从兴趣开始,可以先画自己喜欢的,兴趣往往会产生“阶段性”的成果,我们要把握好学生所取得的成绩,及时的给予表扬和肯定,再画教师布置的作业,使学生乘胜进步。教师只有了解学生心理,正确的引导,才能培养其兴趣,提高创新能力。
二.转变教学观念,提高审美意识
因为农村教学条件的限制和教师水平的差异,使农村的美术教育参差不齐,美术教师的个人意识也有差异,我们的美术课并不是把学生培养成画家、美术家,也不是为了应付一节课或者认为是简单的哄孩子玩。学生眼中的世界,描绘的水平绝对不可能和成年人一样,因为他们所表现的视觉形象多半是直觉与想象的综合,只有随着年龄增长,知识的积累,技巧的提高,才能渐渐使其变为直觉与理解的再现,才有可能变为主动的再创作。要在学习过程中陶冶情操,培养学生各种能力,提高审美意识。因此在课堂教学当中,也不能以太高的准则来评价学生。而是看在画中是否真实反映了学生的内心感受,是否有独特性、新颖的表现。要多给予肯定的表扬,少有居高临下的指责。观念的转变是教学的指导思想,首先教师不能有副科意识,美术是不重要的课程等意识。美术联系其他各学科,渗透各学科,体现在生活的衣食住行中,教师要转变观念,也要不断提高自身的审美能力,才能培养学生的美术兴趣,提高学生的审美知识和意识,才能达到美育的目的。三、改变课堂教学模式,从兴趣入手,提高创造能力
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摘 要
本文探讨了关于巴尔蒂斯油画作品中人物心里的描绘。巴尔蒂斯的油画风格恪守古典主义,反对现代主义。曾被毕加索称为“20世纪最伟大的画家”
巴尔蒂斯对自己作品中人物心理的描写极其深刻。画面神秘,诡异的色彩给观者留下了深刻的印象。通过对他作品的欣赏与分析,探索其表现手法与创作思想。作品中对人物心里的的描绘有着重要的作用。可以通过画面的构图、色彩、等一系列因素去反映人物心里。以及此次探究对我个人创作的影响。 关键词:心里探究,巴尔蒂斯作品欣赏,创作理念
ABSTRACT
In this paper, on Balthus paintings in the hearts of the characters
portrayed. Balthus abide by the classical style of painting, and oppose
modernism. Picasso has been called "the 20th century's greatest painters,"
Balthus of their works in the psychology of the characters describes an
extremely profound. Mysterious screen, a sustained, sophisticated colors
to the guests left a profound impression. He works through the
appreciation and analysis, to explore their performance practices and
creative thinking. Works in the hearts of the characters depicted have an
important role. Through the screen composition, color, and a series of
factors to reflect the characters hearts. And the Research on the impact
of my own creation.
Key words:: hearts explore, enjoy the works of Balthus, creative ideas
对巴尔蒂斯油画作品中人物心理的探究
引言
他的一生跨越了整个二十世纪,也是二十世纪上半叶欧洲画坛最后一位幸存者。他被许多评论家和收藏家视为“梦幻世界的天才布置者”他有着古典油画的审美意识,恪守古典主义揭示人物心理。他在自己的艺术道路上始终保持独道的见解,不为时间左右的艺术大家——巴尔蒂斯,一位孤独的大师,被毕加索称为“二十世纪最伟大的艺术家”。
巴尔蒂斯波兰裔法国人,生于1918年,于2001年二月十七日在他的隐居地瑞士罗西尼尔群山中的大木屋里安详去世。巴尔蒂斯的父亲是绘画史教授,母亲是画家,他自幼就浸泡在画海之中,这种艺术的熏陶对他的成功有着很大的作用。年轻时就经常待在卢浮宫中潜心临摹乔托、安格尔、库尔贝、塞尚等大师的作品。这也是他掌握古典技法的重要途径。
巴尔蒂斯天性敏锐孤僻,爱好文学,特别是他对猫的喜爱到了无以复加的程度。这也是猫在他很多作品中出现的原因。他从青少年时代起就有着某种绘画的主张,对他来讲那是他内心世界的表达。在现时生活当中,个人的主观意见和真诚的表达可能会被否定或轻视。但巴尔蒂斯试图用他从未在学校学过的西方艺术源泉补充自己的艺术世界。虽从未受过正式的科班教育,但传统的古典主义绘画对他产生了深刻的影响。作品中无论是外表的姿态还是作品的布局,都体现了很深的古典主义烙印。因此,在漫长的岁月里,他始终是孤独的积累自己的绘画技巧,在孤独的画室里顽强钻研。同时,他也善于从普通平凡的生活场景中揭示人物的心理活动。把人物的心理活动生动的表达出来,刻意在人的心灵深处探索。
巴尔蒂斯也是一位非常严格的大师,他对每一幅作品的构图、色彩、线条都反复推敲,酝酿许久。有的作品要花费几年功夫才能完成,所以他的作品件件都是精品。这种严格也导致了他一生仅有三百五十多幅作品。这种精神对我们年轻的学画人来说,是非常值得学习的。
巴尔蒂斯擅长画人物,特别是妙龄少女,躺在长沙发椅上的、呈慵懒状的、在闺房里照镜自娱的、熟睡的…….他笔下的少女,有永恒不变的美。那些微笑熟睡的女孩,倾斜着身子,用手臂支起红通通的脸颊…….睡眠此时被升华为一种艺术的乐趣。一种永恒不变的瞬间,让人感觉一切是那么的自然。
1 巴尔蒂斯的艺术信念
一.巴尔蒂斯始终坚持写实的手法表达自己作为现代画家的真实感受,以及其严肃认真的态度进行思考和描绘自己所要表达的物象。他的画是在“创造出一种可以传递事物之神并表现我所见到的现实之美的绘画”。他的绘画善于捕捉瞬间偶发的情景,并以此来探究那些蕴藏于后的精神状态。
二.题材对巴尔蒂斯来说远不如形式重要。这从他的许多作品中都能看出。题材是精神的载体,他借助题材表达精神,“说什么不重要,重要的是怎么说”。巴尔蒂斯往往会重复绘画同一个题材,甚至长达几年的时间里都不断的重复,这些画在构图和色彩上都有不同的差异,他通过这些改变寻找对表达内容更恰当的形式。
三.创作一幅油画作品的前提是观察,巴尔蒂斯做的非常好,他观察客观事物极为冷静,经过认真的体验后做出精确的描绘,在表达出一种主观的经验。从心灵到物,再返回心灵,赋予物更高的精神层面。用他的话讲“我总是在寻找,但总是不满意”。这种观察方法对自己感情的表达是极为重要的。因为艺术最终是通过心灵被感知的。
2.对巴尔蒂斯作品的分析
《房间》是巴尔蒂斯最为著名的作品。这似乎像来自梦魔中的一幕,肉感的女裸,猥琐的侏儒,不期而至的阳光,仿佛感受到了痛苦和快乐的重叠,而黑暗中窥视的猫又显得那么的神秘。它似乎是隐秘的化身。作品中的色彩、光感等一切都是为了表达这一神秘而又梦幻的一幕来服务的。这种安排给观者留有很大的想象空间。勾起观者内心的共鸣。这就是巴尔蒂斯艺术的高超之处,通过画面中人物的安排、场景的安排、刻画出人物的心理活动。此画感觉是如此安静,却有似乎经过了一场吵闹后的安静,安详与躁动同在。阳光是如此温和,仿佛画中的女主人翁再度享受阳光给她带来的温暖与安逸,一切是如此美好。但猥亵的侏儒与窥视的猫有给人增添了一份不安。这也正是画家为营造画面氛围、烘托人物心理所做的精心安排。猫和旁观者的出现,带有一种浓厚的情绪色彩的心理描绘,实际上是他对人类隐私揭示后的自我暗示满足感的体现。迷一样的气氛中弥漫的是不安。猫的形象正是这种暗示的最好诠释。少女的姿势溶进背景的昏暗中但留下了像侏儒、猫之类的关键设置来增加反差。巴尔蒂斯将心理情绪集中到色块上人物的线条也处理的浑厚含糊,以增加画面的空间感和份量感。
《猫照镜Ⅲ》中女孩的服装、沙发、发辫上的蝴蝶结几乎是纯色,这种情况下的背景必然是黑色的,颜色的提炼与简化使色具有了形的作用与形一起参与分割画面,巴尔蒂斯注重造型,他的人物没有细小的转折变化,只有精心设计的大小形状。并且在形与形相交造成的不规则几何形状尤其仔细。这样做,使画不但有较强的表达能力也使画面具有力度。猫面前的少女握着金黄色的小镜成为竭力表现的内心视像。
《休息中的裸体女孩》描述的是一个女孩没有顾忌的显示自己稚嫩的身体,她懒洋洋的斜靠在椅子上,她的整个身体仿佛像花蕾一般简单、自然、天真。
她的动态与这个烦杂的世界形成强烈的对比。画面上女孩微闭双眼,仿佛已经进入了梦乡。一切是那样的安静,整个身体的动态又让观者感觉到这是一位处在青春期边缘的女孩。或者这种微妙的动作似乎在告诉观者眼前的女孩正在走向青春期。像一个花蕾含苞欲放。同时也是性的象征。女孩是那么自然的进入了梦乡,动作又是如此的安逸恬静。青春永远是美好的,让我们去联想少女美满的梦境吧!在技法上他喜欢用一层又一层的堆积色彩。如同壁画一样粗糙不平。正如此作品在简洁的线条和偏白的色调中呈现出一种壁画般的厚重感,同时也产生一种迷幻的氛围。
巴尔蒂斯所画的少女多为裸体,所以巴尔蒂斯的作品在三四十年代曾被批评为“色情画”。但是他坚决拒绝关于“邪念”的批评。他说:“在我看来这些少女是天使而不是魔鬼。主宰我的作品是生命,我从来就是用孩童的眼光观看创作对象,我愿自己永远是个孩子。”
七十年代末巴尔蒂斯隐居瑞士,并把自己的工作室也搬到那里。他的艺术更加纯粹与个性化,也更加充满了感情。这时期的作品中人物总是处在似睡非睡的朦胧状态,人体有着宛如花般的娇媚姿态。同时画家又大量使用柔和舒适的颜色为作品增加云石般的光华感觉。更加烘托了人物的内心活动,反映作品的主题,给观者留下了很深刻的印象。
他的油画作品令人钦佩,不但给人以美的享受,同时也给人以充分想象的空间。他的成功是完全依靠自己的勤劳努力和始终不渝的艺术信念而获得的。
3 巴尔蒂斯的创作理念对我的创作启示
通过对巴尔蒂斯作品中人物心理的研究,对我自己的创作有着很大影响,受益非浅。艺术源于生活又高于生活,创作一幅油画作品的前提是观察。我试图在寻找一种能充分表达自己的构思和内心感受,同时又能充分表达人物心理的创作形式。作品应该让观者有更多想象空间,产生共鸣。
可能由于对巴尔蒂斯作品过多的欣赏与崇拜。我也选择房间的一幕来作为自己创作的场景。画面中微微扭头的少女抬起左脚,右手伸向鸟笼,似乎正在喂鸟,但鸟笼里并没有鸟只留下了飘在空中的一根羽毛。鸟已经飞走。在这瞬间发生了什么事情?这也是我刻意的安排,给观者留下想象的空间。这一幕似乎是房门的门铃想起,她正朝着门的方向望去,像是想去开门。是她苦苦等待的亲人回来了吗?从她的表情上似乎可以看出一丝忧郁,亲人的归来应该是喜悦的,但脸上没有丝毫笑意,带着忧伤。这是我为了更好的表达她的心理活动,对亲人归来的期盼,对在外奔波的亲人的担忧去设置的。这种情感是反应真实生活当中的一幕,这也是我创作《对话—归》的由来。
我个人比较喜欢带有忧伤与凄凉的美,这也许与我个人的性格有关。更喜欢作品中对人物心理的流入。将人物的心理通过画面中一系列的设置表达出来,使其弥漫在这种氛围中。增加画面的意境。让画者产生更多地联想。
作品采用“三角形”构图,保证画面的稳重感和份量感。地面上,地毯延伸至右边画框外与延伸至外的鸟笼形成呼应。同时画面中增添了一根飘动在空中的羽毛。给整个氛围添加了一丝动感,打破了画面的宁静。一动一静形成鲜明的对比。远去的鸟儿留在了背景墙上窗户的投影中。鸟儿的离去也为整个画面留下了一份凄凉,衬托了人物的心理。背景墙并没有按照非常写实的手法去描绘,更多的是往色彩的明暗去考虑,为了与前面人物拉开对比更好的衬托出人物。在人物衣着上,我也曾反复推敲,用什么样的色彩更能表现出画面的凝重?最后我选择黑色,黑色代表庄严,肃穆,这能充分表达出画面的分量感与张力。背景墙及墙上的光并没有像前景中人物那样写实,这一方面为了让画面中主次分明,另一方面为了让观者有更多的想象空间,增加兴趣点。我觉得一幅耐看的作品,想象空间是很重要的。就像巴尔蒂斯那样虽然题材都是现实生活中很普通的一幕。但给观者的想象空间是无穷的。这也是他成功的地方。
巴尔蒂斯始终坚持写实的手法,恪守古典主义,我也不例外。但在表现手法与技法上稍有不同,我采用了古典写实技法,希望通过这种手法把更真实的感受表现出来。在创作前,我做了具体的素描稿,解决一些素描问题,以便在创作过程中减少“修形”一系列不必要的麻烦,透完稿后用单色画出基本的素描关系,先不考虑过多的色彩关系。在素描关系逐步完善后,用色彩一遍一遍进行透明罩染,并不断增加色彩,以及加强色彩冷暖对比直至自己想要的效果。
总结
在我们回到世界各民族大家庭里的时候,面对一个变化很大的世界和一个变化更大的艺坛,也应保持十分清醒的头脑,切记因认识上的糊涂,甚至念恋眼前的利益,而放弃了自己的独立判断。要像巴尔蒂斯一样有自己独到的见解,开创独特思路。 参考文献
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“线”在美术作品中的功能与审美特征
线,或称线条,是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素,由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的,所以,造型观念中的线,往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系,然而这些能力的形成,又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用,是中学美术教学的重要环节。
一、欣赏以线造型的中外美术作品,提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。
线条是美术最基本的造型手段,是构成视觉艺术形象的一种基本因素,无论平面的还是立体的作品;不论是写实,还是装饰;不论是抽象的,还是具象的……在长期的美术发展过程中.“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言,一直处于十分重要的地位,并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画,皴染不多,主要以毛笔线条勾勒,但其中线条流畅自由,轻重虚实的变化,随意性较强,具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线,极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。
二、重点强调中国传统美术中线的作用。
中国画的线,可以追溯到仰韶时代的彩绘画,晚周帛画,楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品,鲜明、生动、挺拔的线条,描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象,体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来,随着人物画创作的兴盛,线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师,人们称吴氏的线条为“吴带当风”,他画中的人物,衣袖飘动,生动异常,体现了高度的“运动感”和“节奏感”,充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画,画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能.画家用寥寥数笔,把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动,中国画家经过长期的艺术实践,从“文人画”“院体画”到民间画,对线的运用各具风采(在表现物象的同时,还传达出入的情绪),传统技法——十八描,即是各种线的生动画法。
三、东西方绘画用线的异同。
由于受不同文化背景的影响,东西方绘画的线在形式美感上各不相同:东方绘画中的线注重表现情感,富于韵律感和装饰美;西方绘画中的线具有较强的理性特征,不能把这两者对立起来,应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的,同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛,只是由于欣赏习惯,绘画造型的传统观念的差异,形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析,东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起,如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统,又吸收了东方艺术的特点,给人一种新的美感享受。在我国,随着中西文化的不断融合,中国传统美术有厂新的发展和变化,特别是近十几年来,这一点更加突出,如:吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意,线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统,都应认真研究继承,在学好我国传统绘画课的基础上,还需了解西方美术。“西为中用用”,使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。
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对于传统色彩学的新认识
绘画中的色彩,是一件作品的生命力之所在。但色彩艺术同其它艺术种类一样,在漫长的历史时期中,经过历代艺术家的努力和探索,其观念也在不断地发生变化。如今,逼真地再现物象的色彩,表达物象的质感,已不是绘画中色彩的最终目的,色彩自身应具有充分的表现力和相对的独立性。
从早期文艺复兴至今,绘画中色彩的表现方法丰富多彩,一代代艺术大师们耕耘不止,给后人们留下了无数的艺术财富。
十五世纪上半叶,凡·爱克兄弟在再现人体和物体的固有色彩方面开始形成了艺术风格。他们的作品,在坚实的造型基础上,加以逼真细腻的色彩表现。作品中的色彩主要是表现物象的固有颜色,这些色彩,通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子,创造出了令人信服的自然形象。弗朗切斯卡在色彩绘画中则强调鲜明的轮廓线和富有表现力的大色块来进行创作,其色彩已具有一定的主观因素;达·芬奇则采用极单纯而又丰富的色调创造出了不朽的艺术形象;西班牙画家格列柯用一种奇特的、只有他才具有的色彩来进行创作,其色调已经超越了物象本身的色彩范畴,达到了一种色彩的抽象概括,其色彩运用,更多的是为适应精神上富有表现力的主题的要求,不受物象色彩的制约,他根椐画面上节奏、旋律的需要而重新组合色调,作品富有现代精神;伦勃朗利用强烈的明暗对照,单纯而强烈的色彩来突出主题,人物在幽暗模糊的环境中闪闪发光,作品充满了深度。
十九世纪,由于科学的发展,一些有关色彩理论的论述在欧洲问世,这为艺术家们进一步研究色彩的规律奠定了理论基矗由于印象派画家对大自然的充分研究和描绘,使其达到了一个全新的色彩世界。印象派画家大胆地抛弃了传统的色彩观念,采用鲜明的色彩来描绘天空、田野,画家们致力于风景画中环境与光线的研究,莫奈所作教堂系列充分体现了这一切。
艺术探索是无止境的,康定斯基则比印象派画家更大胆地反叛了传统。在印象派画家那里,色彩还是依附于形体之上,色彩所呈现出来的是具象的物体。而在康定斯基的作品中,已见不到传统绘画中的具象物体,色彩已不再依附于任何具体的物象而存在,他使色彩从绘画中独立出来并具有其价值。艺术贵在创新,而每一次创新,都需要勇气打破条条框框,用全新的视角去重新认识和感应世界,推动艺术的发展。综上所述,不难看出,色彩艺术在其发展的过程中,没有一成不变的规则,我们理应对色彩有一个广泛的、全方位的认识,而不应将目光局限在某一点上。如何在色彩教学中汲取多种营养成份,全面推进学生的色彩感应力,应成为一个重要课题。
当前在色彩教学中采用的理论依据,是在印象派前后时期的色彩理论加之俄罗斯画派的色彩理论综合而成。其核心内容是强调条件色,认为色彩的产生要依靠光源色、环境色及物体自身的颜色综合而成。在色彩的对比上也有一定有规则,亮部冷,暗部就要暖;在色彩的训练上比较强调作画过程的程序性,即通常的画大关系,然后深入,再回到大的关系上来。这样的训练方法及色彩理论固然有其有利的一面,但也存在一定的局限性,即过多地重视科学规则和相应的客观因素,忽略了做画者对于色彩的直接感应。但在做画过程中这种感应又是非常重要的,没有它,艺术作品就会缺乏生气,枯燥无味。所以,在色彩训练中,从一开始就要重视对色彩的直接感应,不要让过多的理论缚住做画者的手脚。
传统的色彩理论对于画面的色彩构成更多的是依靠色彩的空间关系去表达(物体离观者近则色彩鲜明突出,退远则变淡变冷)。但在现代的许多绘画大师的作品中,这种理论已被打破,艺术家们根椐自己对世界的认识和感应,重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系,应理解为色彩结构上的位置关系,色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。
法国艺术大师巴尔蒂斯对于东方绘画非常崇尚;凡高的作品中也充满着东方情趣;米罗的作品更是如此。为什么东方绘画有如此之大的魅力,使这些艺术家顶膜礼拜呢?关键就是在东方作品中所蕴含的精神因素。东方的作品,如中国画不受客观条件的制约,而强调艺术家的主观精神,使艺术中具有更多的抽象因素。如能较好地将东方绘画中的精华运用到色彩实践中的话,将会创造出更广大的艺术天地。
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美术课在美育中的作用
美育一般通过艺术审美的方式达到教育目的。美术课对学生进行美育的得天独厚的条件,就是直观性,包括对自然美的直观,社会美的直观,艺术美的直观。而美术教学大纲所规定的欣赏、绘画、工艺三大类课业非常直接地体现着这种直观性。
美术欣赏课的教学,主要以完美的形象,卓越的艺术技巧来拨动人的心弦,使人精神奋发,与之共鸣,从而产生强烈的教育效果。例如欣赏董希文的油画《开国大典》,可感受到作者通过构思,构图和色彩,表现了中华民族永远起来了的信心和气魄。欣赏白石老人的国画《却教蜂蝶为花忙》,透过蜜蜂在艳丽的凤仙花旁飞舞采蜜的忙碌情景喻意颂扬了勤奋劳动的精神。作者从普通的生活景致中表达出高雅的审美情趣,学生通过对作品的品味、鉴赏激起了对普通劳动者的敬慕。
美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外,还要学习临摹,写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课,不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花,还是随意堆在桌上的肥硕水果;不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿,还是刚买回来的新鲜蔬菜,那生意盎然的色彩、情趣横生的形态,都能人学生以情的感染和美的享受。
人物头像绘画课,不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”,还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美,并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念,关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》,极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上,可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生,然而他又是那样善良,淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容,引导学生通过对形象的感受、想象与思考,认识肖像画的艺术美,在思想上受到熏陶,在美的感受中受到教育。
工艺课是一种带有设计意识的艺术实践活动。在美术课上学过色彩知识和造型规律,学生掌握这些形、色的审美常识,有助于培养他们健康的审美观点,对于学生盲目追求流行时装、奇怪发式的现象,有正确引导的作用,同时也有助于他们思想品德的提高。
另外,美术在开发学生智力发展中起着突出作用。根据科学研究,人脑的左半球分管抽象思维,右半球分管形象思维,许多复杂的精神活动是由大脑两半球协同完成的。学生的文化课学习一般多用左脑思维,而美术课则有利于发展学生的形象思维能力。美术课的任务正是培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思维能力,特别是观察能力。在绘画课上,教师总是强调学生观察、观察、再观察,由表及里的观察,由近及远的观察,由整体到局部再到整体的观察。只有正确的观察,才有正确的感知,也才能形成积极的形象思维,使抽象的东西具体化,概念的东西形象化,进而是逻辑思维的发展。这样也就有利于多方面地发展学生的思维能力,充分发挥人脑的潜力。
美育被明确地列入教育大纲,标志着我国社会主义教育思想的重大发展和社会主义教育制度的进一步完善。美术课的目的不是把所有学生培养成艺术创作家,但是对于提高学生的审美文化素质、发展创造性思维,陶治其情操,起着积极的作用。