列宾油画《伏尔加河上的纤夫》赏析
众所周知，美术的鉴赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。本学期，我选择了“世界美术赏析”这门艺术学科进行了选修。原因其实很简单，我自小非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。通过选修这门课程，我逐步了解了许多关于绘画的知识。学下来收获很大，我逐渐可以感受到了文艺复兴意大利艺坛三杰之一的拉斐尔那作品散发出一种令人愉快的笃定，那种归属感；意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表米开朗基罗.博那罗蒂在他的作品中的寓意；了解了被可视为法兰德斯巴洛克风的具体象征的鲁本斯的作品；当然还有现在被我认为是世界上最美的油画之一的伦勃朗的“泰特斯”等等这些经典的西方美术艺术。通过不断的美术鉴赏活动，可以提高人的审美趣味、陶冶高尚情操，通过美术鉴赏，提高我的艺术品味，吸收前人优秀技法，在中国传统美术教育中是一种重要的方法。而且在我看来从实际情况作为起点，由于经济生活的变化，各种思潮的影响，社会活动空间的扩大，学生产生了一些需要重视和解决的问题。“高分低能 ”是一种表现。学生有较多的知识和专业文化，并不一定代表他具有其他方面的素质和修养。所以要呼吁素质教育。素质教育是一个系统，而艺术教育恰恰则是素质教育的一个有效手段和一个不可或缺的方面。艺术教育不是培养专业的艺术家，不是单纯地训练吹笛子、弹钢琴、画画、书法和跳舞的技术，它是要通过这种技能、知识和修养，提高审美境界，从而促进德、智、体、美、劳、生的全面发展，成为心中具有崇高理想和大目标的建设社会主义现代化的一代新人。所以要适当的培养自身的艺术修养。这也是我选择这一课程的原因之一。在为时一学期的课程即将结束时，我经过查阅资料将结合俄国伟大现实主义画家列宾的作品《伏尔加河上的纤夫》，按照一般鉴赏的程序对其进行简单的艺术鉴赏：
作品：《伏尔加河上的纤夫》
作者：列宾
列宾（1844---1930）是十九世纪后期俄罗斯最伟大的艺术巨匠。这幅作品描绘的是伏尔加河上纤夫拉纤的情景。这幅作品创作于1873年，花了三年的功夫才完成。现收藏在彼得堡俄罗斯美术馆内。
1、作品画面介绍：
《伏尔加河上的纤夫》是列宾的代表作也是他的成名作。在这幅画的构图上，列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折，使十一个纤夫犹如一组雕像，被塑造在一座黄色的、高起的底座上，使这幅画具有宏伟深远的张力，画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤独、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。在画面上画家又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局，以狭长的横幅展现这群纤夫的行列。伏尔加河畔阳光酷烈，沙滩荒芜、近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀。景色十分凄寂。一队穿着破烂的纤夫在拉着货船，步于是那样地沉重，似乎可以听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。
被烈日炙烤的焦黄的河岸上，一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步拉着货船，在酷日下精疲力竭的向前挣扎。他们中有老有少，个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者，眼睛深陷，坚毅的面孔透出饱经风霜的智慧，但愁苦的表情仍然显示了他对于艰苦生活的无奈。
走在最后的纤夫低着头垂着手，麻木地随着队伍向前挪动，似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象，是处在队伍中部的一位少年，可以看出他才开始这样的工作不久，皱着眉头还不太习惯，他直起腰想用手松一松肩头紧勒的纤绳，毕竟年轻，还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头，似乎已没有多余的力气再来表现点什么，在他们身上剩下的，惟有贫苦、艰难与无奈。在这幅反映纤夫苦难生活的画里，与其说是人与自然在搏斗，不如说是人在与残酷无情的黑暗命运和社会搏斗。
画中的纤夫共有11个人，约略分成三组。每一个形象都被列宾仔细推敲过，画过人物写生。他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各不相同。画家把这些性格作了高度的典型化，又都统一在主题之中。现据画家本人的记述，分别来详细介绍这里的每一个人物的情况：
最前一组共四人，领头的名叫冈宁，他的表情温顺，然而性格坚韧，具有一种内在的意志力，此人约有四五十岁。他那双深陷的眼睛使他的前额更加突出，显出了他的智慧。列宾在他的头上添画上一块包头的破布，似乎要把他塑成古希腊哲学家的样子。他原是个神父，后来被教会革职，一度充任过教堂唱诗队的指挥。他身体结实，两手下垂。胸前那一条纤索绷得很紧，而身上的麻布衫却满是补钉。这是一个俄罗斯农民长者或智者的典型，他忍受着肉体与精神的痛苦，是这些纤夫形象中的悲剧性主角。在他右边的一个是身材魁梧的憨直的农民汉子，他赤着脚，头发蓬乱，满脸浓密的胡子，似乎在低低地向冈宁絮叨着什么。这个形象起着衬托冈宁的前倾的身子的作用。在他后面是一个细长的瘦子，年近40，身子大部分被挡住了。他头戴麦秆帽，叼着一只土烟斗，头显得尖小一些。他挺直着身子，这样可使纤索松弛，好像是想省点力气。这个瘦子的左侧，则是一个躬背弯腰的纤夫，他原来是个水手，叫伊卡尔。他的两手向下握拢，神色严厉，眼神凝注，直对着前方。显然，他的脾气一定很倔强，是个农村硬汉于。汗水已把他的上衣腐蚀得百孔干疮，结实的肩膀正从破洞处显露出来。
中间一组也是四个人：穿一身粉红色破衫裤的少年名叫拉里卡。看来这个少年是初加入这支行列，他那还未晒黑的皮肤，紧蹙的眉头告诉观者，这种劳动对他来说是负荷过重了。他正用于在调节压在自己肩头那根据痛了皮肤的纤索。画家在这个新的受压迫者身上似乎要找到一种希望，那就是不甘心受剥削，要反抗。令人注目的是，在这个少年颈上还挂着一只十字架，这是父母给孩子的信物，祈求上帝能保佑他路上平安。列宾为画这个少年纤夫，曾从他熟悉的孩童形象中挑选了一个作模特儿。少年拉纤这种现象，也如资本家利用童工榨取劳力一样残酷，这是沙皇俄国的农奴制度的罪恶，也是画家所要抨击的主要目标。紧靠在拉里卡后面的，是一个受尽风霜之苦的秃顶老汉，他皮肤助黑，脸色阴沉，一边斜倚在纤索上，一边在打开自己的烟袋，想偷闲抽口烟来缓解一下自己的苦闷。他和前面的少年，在色彩上构成了强烈对比。两代人，不同的命运，却系在一根绳索上。 少年右边是个羸弱有病的纤夫，他步履艰难，全身虚弱，正在用袖口棕汗。头发露在无檐帽的外边，颧骨耸起，泪囊水肿，他未来的路程意味着更大的厄运，我们似乎可以听到他那急促的喘息。在拉里卡与老汉之间，露出了另一个纤夫的脑袋顶，此人的脸庞发黑，鼻孔朝外，嘴唇很厚，看样子是个鞑靼人。
最后一组三人，走在前面的是个退役军人，白色的衬衫外面加了一件坎肩，帽子压得很低；背后一个皮肤黝黑，巡回展览画派评论家斯塔索夫说他是个流浪的希腊人。最后一个人只见到了他的低垂的头顶，此人似乎走得更加吃力，他正在往一个小坡上移动。全画以淡绿、淡紫、暗棕等色调来描绘上半部的空白，使这条伏尔加河流显得更为惨淡了。这是为了加强人物的悲剧性，烘托干燥炎热的天气 (列宾在冈宁和伊卡尔两个人物身上曾作过一些改动，尤以伊卡尔缠着白布的头改动得最多)。
2、作品给读者的感觉?
当我第一次面对俄罗斯画家列宾的《伏尔加河上的纤夫》，首先感知的是蓝蓝的天、辽阔的伏尔加河，十几个姿态各异的纤夫和他们艰难地拉着的船舶。但仔细体验画面中所产生的劳动者的力量却在视觉上似乎受到一种猛烈的撞击，产生一种说不清的瞬间直觉的审美愉悦。一般而言，感觉都是带有一定的复杂性和微妙性，感觉的最好的接受方法是体验，语言则往往难以传达某种感觉。因此，人们即使产生了某种感觉，也往往难以用适当的语言表达出来，对智力成熟、语言丰富的成年人来说即为如此。但是，感觉不管再微妙，总还存在大的趋向性，那么，具体联系到《伏尔加河上的纤夫》，它给人的感觉应该是压抑、悲怆和深沉。
画家列宾的这幅著名油画，是他经过十多年的构思、绘制和修改才完成的。这幅油画在反映列宾的思想感情方面很有代表性。通过仔细观察画面，我看出画家的思想感情渗透在每一笔、每个人物身上，也渗透在画面的色彩和景物的布局上。所以，只要我们细致观察，从画的整体上认真地体会，就会体会出画家所要表现的思想感情，即对沙俄反动统治的不满和对劳动人民的深切同情。画的是人物群像，从画中人物的不同衣着、外貌、动作以及神态，我们可以深刻领会人物的内心情感。这幅油画是列宾到伏尔加河旅行时，仔细观察了纤夫的生活，经过反复的思索和修改才完成的。作者在描述这幅油画时，他的观察是从前到后依次进行的，描述时抓住了人物的衣着、外貌、神态的特点，并展开了适当的想象，把人物的外貌特点和他们的身份、地位、个性结合起来，使每个人物都有了鲜明的个性。11名纤夫，作者着重描写了4个，从年龄上说，有老年、中年、青年和少年，从职业上说，有破产的农民，有从事拉纤的工人，有退伍的士兵，他们代表着社会的各个方面，都承受着沙俄时代反动统治者的统治和压迫，都过着悲惨痛苦的生活。作者这样描述，有力地揭露了当时社会的黑暗和罪恶。
3、作者如何使观众产生这样的感觉?
这一过程主要探究作品产生某种气氛和感动力的原因。其途径一是社会角度，一是形式角度。从社会角度探寻，指的是将画面中的形象与我们在社会生活中已有的认识与经验联系起来，以此解释画面形象之所以给我们造成某种感觉的原因。从形式角度探寻，则是注意研究作者通过对点、线、面、体、空间、光色、材质等造形元素的处理，以及对规格、比例、均衡、对称、反复、节奏、对比、协调、虚实等组织方法的运用，如何营造出我们所感受到的气氛和情绪。
我第一次看到它，就因震动而再也忘不了它。我也曾经在不同的河流上背过纤。学会在河水不是太急，因而纤绳还不是过于沉重的时候，将纤板稍稍上移略略高出肩头，并将右胸尽量前挺以紧贴纤板，使纤绳不致于扣进肩头的肉里。但当流水很急船又满载时，就只有听任纤绳深深勒进皮肉，磨出血来也顾不上地身体前倾，几乎触及地面，靠肩胛骨拽着纤绳前进了。肩膀的骨头是否过硬，是一位纤夫合格与否的首要标准。对这一点，我深有体会。但我并不能算是真正的纤夫，因为我并不专以背纤为生，只是偶尔背背纤而已。也正是偶尔背过纤，让我深知真正的纤夫有着怎样的体魄，承受的是怎样的艰辛，从而对真正的纤夫怀有一种含有敬意的复杂感情。这也是《伏尔加河上的纤夫》一下子就打动我的一个重要原因。
但曾经以为再也忘不了那幅油画的我，在不知不觉中却已将它遗忘多年！直到今夜的雨声和我幻觉中江水上涨的轰鸣声将它送回。自责之余，又联想起当初喜爱这幅画和被那纤夫形象打动的，并不仅仅是我或少数人。今天忘却这幅画乃至忘却纤夫的，哪里又仅仅只是我？忘记一幅画当然算不了什么，然而忘却纤夫呢？似乎并不仅仅是因为时代的进步，已使纤夫退出了现实生活。事实上，退不退出现实生活是无关紧要的，一曲《纤夫的爱》不是风行全国，让两位歌手唱红了？今天人们欣赏不已的，是《纤夫的爱》在卡拉OK中的悠闲缠绵画面，是“在纤绳上荡悠悠”的“纤夫”了。问题并不在于这支歌中纤夫形象的虚假，而在于人们欣赏虚假，欣赏缺钙的“美”。因此，忘却伏尔加河上的纤夫，实质是忘却那种有着阳刚之气的，能够承受一切苦难与重负的纤夫精神。
关于中外美术院校之美术教育的现状分析
◎周浩然黄婵
（四川师范大学四川·成都610101）
摘要中外当代美术高等教育在专业设置、课程安排、学校与社会、社会与艺术本质的关系等方面的探索和研究具有自
己鲜明的特点。文章通过比较中外美术高等教育的现状, 尤其是俄罗斯美术教育，对我国美术高等教学进了改革的设想,
期望能给予我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
关键词中外美术高等教育改革
文章编号1671-0703(2010)10-198-03
由于我国“美术学院”作为我国现代专门的艺术教育机
构，无论是从其名称还是其制度来看，都属于西方的“舶来
品”。自上世纪50 年代以来，我国的美术教育长期受苏联契
斯恰科夫体系影响，虽然在美术改革期间，我国美术高等教
育为了适应时代和社会的需要，进行了相关的改革，但是大
部分高等美术院校的美术教学在课程设置、教学目标、教学
内容和方式等方面仍因循守旧， 学生依然在进行所谓的技
术、技巧方面训练，很少地从艺术本质上进行探索和研究。
本来服务于人民，服务于生活的艺术成了少数人的“技巧”，
这种趋势不容乐观。本文通过对中外最著名的一些美术院
校的研究，试图通过中外美术高等教育现状的比较、分析，
为我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
一、我国美术高等教育现状
我国的美术院校从八大美院到综合性大学的美术学院
或者美术系，美术课程的设置大同小异，除了必修的政治理
论以及外语等，在专业课上主要开设艺术史论、美术学、各种
设计专业，包括计算机多媒体的应用等课程。如上所述，技
法、技巧的训练以及计算机的运用依然是美术教学的主要内
容。在时间安排上，前一到两个学年主要是基础课，以素描、
色彩为主，同时开设国画、油画、设计辅修，目的是学习巩固
一些基础知识。后两个学年进入专业课程学习，一般分为美
术学、设计、史论三个专业方向，学生根据自己的爱好和专业
能力自主选择。
创作课几乎没有作系统、整体地安排，大多数学院只是
在一个相对集中的时间段里进行毕业创作，在日常教学活动
中对于创作少之甚少。当然比较可观的是创作形式现在相
对比较自由。古典、现代、抽象、具象乃至装饰画、多媒体可
以全面地运用。优点是相比以前丰富了形式，但是缺点依然
存在：对于审美规范、审美的标准莫衷一是。
对于中国传统的、民间的艺术几乎在学院难以推广，这
是中国美术教育的一大憾事，学院派排斥民间艺术，已成为
不争的事实。
虽然艺术史论等课程普遍开设， 但由于师资力量的匮
乏、开设时间过短，教学模式的僵化等原因，一般每门课程只
开一个学期，每周一到两节，学生囫囵吞枣，浅尝辄止，仅仅
记住一些艺术家和作品的名字，对艺术品的美学内涵和文化
脉络缺乏明确了解和整体把握，不能深刻领会作品所传达的
艺术精神，甚至只是简简单单地应付考试，所以面对艺术以
及艺术作品常常感到茫然，言之无物甚至不少学生感觉到自
己只能机械地做选择题。加之学生亲临美术馆、艺术博物馆
的机会非常少，学生很少有机会看到艺术品原作。同时学生
外出写生、实践的机会非常少，缺乏文化内涵、缺失艺术标准、
匮乏源于生活的元素是高等美术教育所面临的主要问题。
最后，所谓的到实践中去，也成了一种简单的形式。本
应该是艺术教育的一个重要环节，有的照本宣科，有的敷衍
了事，甚至有的直接弄虚作假，从而实习失去了实践的真正
意义。虽然有关部门意识到了这点，集中安排学生实习，但
由于实践基地匮乏，实习学生过多，部分学校老师的片面追
求完成任务，最终也没有取得好的成效，这是一个亟待解决
的问题。
二、俄罗斯美术高等教育现状
俄罗斯圣彼得堡列宾国立美术学院是俄罗斯最好的美
术学院，它们的美术系代表了俄罗斯美术的最高水平。美术
学院最主要的教学任务是：从事严格的美术专业教学活动和
培养俄罗斯一流的美术家。主要有绘画系、建筑系、雕塑系、
版画系和美术理论系。主要开设素描、色彩、装饰艺术、金属
工艺、陶艺、雕塑、造型艺术教学法、电脑绘画、俄罗斯美术史、
外国美术史、俄罗斯历史、哲学等课程。
在教学安排上，素描和色彩教学（主要指油画）是最主要
的学习任务。从大一到毕业都有。一般是早上9 点至11 点
进行素描教学，在短暂的午饭时间后，接着进行色彩方面的
教学，下午3 点至5 点又是再次素描教学。素描教学活动主
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要在室内进行，因为在圣彼得堡漫长的冬季使得他们不得不
选择室内教学。解剖课的要求非常严格，经常安排在一张纸
上画同一个人头部的正面、侧面和3/4 面，或者在一张头像边
上画骨骼和肌肉。学校有一个专门的解剖教室，陈列着人体
骨骼的各个部分以及一部分动物骨骼，学生可以随时来此写
生，有专门的教师指导，素描作业一般都用索斯、歇比亚、桑
基那做底子，做成各种深度的灰调子，人像与环境融为一体，
空间感极强，这也是为了与油画课程进行很好的衔接。而在
绘画材料上也非常广泛：从炭笔、木炭条、炭精棒到俄罗斯特
有的索斯、歇比亚、桑基那，包括色粉笔、蜡笔等。美术教学
对构图课极为重视，构图要符合美的规范，反复权衡修改以
求获得最佳效果。创作课从大一开始设置，方式是课上辅导、
课下画构图、期末总评，手法要求用现实主义方法，题材范围
是现实生活、个人生存体验、普希金诗歌、卫国战争、俄罗斯
历史与宗教，绝对不允许进行现代艺术以及一些“非艺术的
艺术”尝试。
教学大纲是高等美术教学的“最高准则”，教学中出现偏
差，马上就由教学大纲来纠正，学生学习也有矩可循，老老实
实按教学大纲学就是了，可叹的是这种大纲几十年不变。这
也和俄罗斯这个民族的传统息息相关。
学校注重对学生动手能力的培养，美术系设有工业造型、
陶艺、雕塑、木工等实习车间，从图纸设计到制作完成都一丝
不苟，从中可以看出俄罗斯学生严谨、扎实的学风，这种对学
生严肃认真作风的培养不仅仅是为了制作一两件作品，更是
为了让学生形成优良的工作品质与生活品质。
其中，他们对中国这种绝大部分的室内教学也曾提过建
议，因为中国绝大部分地区都有充足的阳光照射，而不同于
俄罗斯。所以他们建议我们国家的美术院校学生，应该把素
描、色彩教学更多的集中于室外，感知大自然最纯真的艺术。
每年6 月，是毕业生的答辩时间，学生作品分成两部分:
一是自己的毕业创作;二是在教学实习中收集的中小学生完
成的作业。这是对创作能力和教学能力两方面进行评估。
列宾美院还和各地美术院校进行交流，互派学生，反馈
毕业生的工作情况，不断对自己的教学计划进行改进和调整。
三、意大利佛罗伦萨国立美术学院
佛罗伦萨国立美术学院为世界美术最高学府，始创于
1339 年，是世界第一所美术学院，开创世界美术教育先河，
1562 年正式建立。他们在学院门类较多，有艺术视觉学院、
应用美术与设计学院、交流与教育学院、裸体学校。
意大利佛罗伦萨国立美术学院上课是丰富多样的。学
院安排的课程宛如宴席，学校会统计学生的“消费”，如果达
到学校的标准，就准予考试和毕业。学校平时上课时间很多，
艺术形式已经不局限于传统，当代的各种艺术形式都有表达
和涉及。学校会安排很多活动、画展开幕、电影会、讲座，等
等。作为一个学生，必须除去上课之外还得参加各种艺术活
动。在各个场所里，这些场所里面有学校的签名单，签名表
明学生参加了，然后一块汇总到学院或老师，然后老师和学
院再评估学生吸收的养分够不够，作为依据评判、考核学生。
表达形式也是各种各样，有动画设计、行为艺术、灯光、理念。
在这里一切都是开放的，当然日常的固定上课也是必须的，
不过课程会分布在佛罗伦萨各个地点，如博物馆、当代艺术
馆、画廊等等。
在考试上，每次考试大概有3 名以上的教授在场，然后
出示作品、问答、表达观念，教授再讨论、评估、给分。主要考
察各个方面，如学生参加课程以及活动次数的多少，学生艺
术作品的层次，对艺术作品理解的观念等。另外，学院的老
师也非常严谨，对学生的要求非常严格，让学生很难“走后
门”，蒙混过关。
四、法国巴黎国立高等美术学院
国立高等美术学院是法国在美术界最知名的学校，培养
了大批优秀的艺术家。该校除了美术、油画之外，还开设有
雕塑、计算机图像与录影图像等专业，学制5 年，学生毕业时
可以获得DNSEP，国家承认大学四年级文凭（homologu
bac+4）。学校里传授传统和现代艺术的技巧与理念，目的是
培养高水平、多能力的艺术家。学校有1/3 的学生是外国学
生，这使得各国的艺术得以充分交流，并积极地影响着学生
的艺术水平。
学生在画室中工作，每个学生都有专门的教授指导。学
生在素描、油画和多媒体3 个方向中选择1 个或多个专业。
第一年学生要完成4 个学分，其中一个由教授指定，两个是
绘画技术，另一个是艺术理论。学生在5 年内要修完12 个
学分才能毕业，其中包括1 篇论文和答辩。
同时学校招生非常严格，700 名考生中只有150 人被录
取。要求上一年级的学生年龄在18~24 岁之间。首先要提
交自己的作品集，作品应在20 份左右，其中至少10 份为原
作。在通过对作品的选拔后，学生还要经过3 个考试：实物
素描、对一件作品的文字描述与评论、面试。学校接收资格
入学，如果考生不到26 岁而且已经完成了大学二年级的学
业，那么可以向招生委员会提交自己的作品集，学校根据学
生作品的水平在二年级、三年级、四年级中选择一个适合的
年级。
五、英国皇家美术学院
英国皇家美术学院，自从1768 年成立以来迄今已有237
年，与意大利佛罗伦萨美术学院，法国巴黎美术学院，俄罗斯
列宾美院并称世界最杰出的四大美术学院。
皇家美术学院表示有意申请的国内外学生必须具备绘
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画、雕刻、数码印刷或摄影专业的学士学位。该校是英国提
供这些领域三年进修课程唯一的艺术学院。有数据表明目
前该校仅有一名华人学生就读。进入的难度可想而知。
这所学校所开设专业几乎涵盖了所有美术以及相关门
类。他们追求在于不同寻常地表现在它的艺术并置在一个
特定的设计环境和设计在艺术环境。艺术和设计的原则，是
对知识的进步，他们的关注到工业和商业的具体流程并认为
知识可以产生信念。他们的学生通过分析和问题回答获得
奖学金。在学校里，他们不断试验和艺术品和设计创新例子，
注重发展的基础项目的研究，鼓励跨学科学习，以促进了快
速增长的研究实效。以上是该学校的总体理念。
学校的师资要求也很高，绝大多数全职教师，在大学里
首先是专业艺术家和设计师。正是这种高要求，在他们学
校，作为艺术和设计工作的专业人士认为，只有不断拥抱和
不断发展的新思路，才能够将他们的学术工作向前推进。学
校每年提供各种讲座，研讨会，大师班，以及个别辅导。他们
包括前著名艺术家，设计师，来自在国际舞台的全国知识分
子和商界人士会来到大学，因为他们喜欢分享他们的知识和
经验。他们认为学生会从中找到灵感，并受益匪浅。
这所学校正是采用这种高强度，同时也是高度自由的学
习、教学模式。使得他们学制成为世界上最短的。
六、我国美术高等教育的教学改革设想
了解中外美术高等教育现状，旨在为我国美术高等教育
改革提供一些参考意见，推进我国美术高等教育。针对我国
当前美术高等教学存在的问题，作者认为可以进行以下几方
面的改革：
1、文学修养的培养。对于艺术史、文化史，尤其是中国
艺术史、中国文化史的学习，应该引起足够的重视。应该让
学生对人类各种视觉艺术语言有一个全面的了解，不仅仅停
留在“知晓”这个表面层次上，而是深入了解它的社会背景，
分析它的艺术时代语言、造型特点，分析画家的思想，为什么
要这样创作，懂得这些造型语言在表达现代人的精神感受上
的潜在价值。应该鼓励学生提高自己的综合知识修养，经常
阅读文学作品和哲学著作，理解并欣赏音乐、舞蹈、戏剧等各
种艺术。
2、关于绘画题材、内容，我们更应该关注画面所应达到
的精神高度，人类艺术从诞生发展到现在，风格手法层出不
穷，发生了巨大的变化，但根本的东西没变，那就是质朴、大
方、纯正的品格，这种品格在不同的时代通过不同的形式得
以体现，每一种形式都烙刻着深深的时代印迹。无论是造型
艺术还是非造型艺术，这是一个真理性的共性。
3、美术基础教育的过程应该是把视觉艺术史上的一切
经验和创造全部介绍给学生，让学生看到造型艺术的多元性。
应试教育下的考试制度，使学生过早地甚至一味地陷入单一
化、重复化的教学模式中，他们虽然具备一定的造型能力，但
通常是闭门造车，形成一种人为的封闭环境。写实造型训练
依然是今日艺术院校美术基础教育的最主要内容，这种严格
的规范性教学是必要的，通过写实的训练，培养学生把握控
制造型语言的能力也是至关重要的。我们不能厚古薄今，但
也不能反之。我们应该用更宽泛的眼光审视造型的基础教
学，把注意力从准确地再现转移到现代造型语言的认识和掌
握上去。对于诸如素描、色彩、速写等，我们除了关注其本身
的语言外，更应该注重其精神表达。这些应该不只是是在大
学低年级反复强化训练的东西。基本功训练不仅仅是能够
准确地再现物象，还应包括结构画面、结构色彩、经营材料的
能力，这是当代美术工作者必备的基本能力。比如，作为油
画专业的学生，坦培拉技法、古典油画技法、直接画法等专业
语言更是必须了解和掌握的。自由开放的造型训练，使学生
在技能训练中逐步摸索适合个人精神表达的语言手段，把学
生潜在的艺术想象力诱发出来。又如雕塑、建筑等，我们除
了掌握最基本的手法、技巧外，应该鼓励学生走出去，学习国
内外好的范本，去粗取精，而不是一味地走“样式主义”路线，
同时也不是盲目的创新。应该体现民族自身的文化底蕴和
内涵。正是所谓“越是民族的，越是世界的”。总的说来，作
为美术专业大学生应该掌握以下三种能力：(1)一般具象造型
能力，这是指有价值的具象——真正能反映生活的，有价值
的特性。(2)对造型中的抽象规律的掌握，严谨、准确地抽出
最基本的绘画语言规律。(3)认识当艺术世界的能力，通过学
习艺术史了解艺术家如何认识他所处时代的社会生活，又是
怎样表现那个时代的生活的，并把这种规律运用到认识当代
生活中去。（4）积极主动地学习文化知识，将文化和艺术高
度统一。
4、应把传统民间艺术列入必修课程并提高学生的动手
能力，增强学生的劳动生产技能和社会适应能力。
5、加强教学实习基地建设。使美术高等院校与各种艺
术单位形成良好的互动关系，及时了解中社会的艺术需求，
相应调整学习的教学思路和方向。
6、提升师资队伍自身的素质，只有老师有了深厚的文化
积淀和熟练的美术技能，才能将其所学传道授业。只是非常
重要的一点。
参考文献：
[1]邢莉.自觉与规范.中国人民大学出版社，2004.
[2]李平.俄罗斯学院派素描技法.江西美术出版社，2008.
[3]孙韬，叶南.涅瓦回望.人民美术出版社，2000.
[4]常锐伦，唐斌.美术学科教育学.人民美术出版社，2007.
[5]http://www.rca.ac.uk/.
<由宗教教浅析西方中世纪基督教美术>
中世纪时期，泛指自公元4-5世纪至公元14—15世纪的1000年。古希腊、古罗马
是欧洲古代文明时期，文艺复兴是近现代文明的起点，中间经历了1000年从古代文明走
向现代文明的过渡期。基督教产生于公元1世纪，形成于古罗马帝国统治下的巴勒斯坦犹
太民族中，宣扬天国终会来到，人人平等、互爱，反对家庭制、私有制、世俗政权，自称
是拯救贫苦人的教法。其教义认为：人是有来世的，现世是罪孽之海，一切罪孽的根源在
于肉体的要求和邪欲，要抑肉伸灵，抛弃欢乐和享受，修行可登天国，为了将来的幸福．
归到神的怀抱。
公元5世纪韧，著名基督教神学家奥古斯丁在北非写就了他的不朽之作——《上帝
之城》。自人类第一次背叛上帝以来，“由陶种爱造成丁两座城市：一座世上之城，是由
爱自己，甚至连上帝都轻视的爱造成；另一座是天上之城，是由爱上帝，甚至连自己都看
轻的爱造成。”随着上帝之城的发展，世上之城必将消亡，上帝之城终将胜利。现在看
来，奥古斯丁的神学历史观似乎是基督降世以后的 千年中西方文明历史发展的一个最通
俗的比喻。
古罗4的统一帝国崩溃丁，基督教在随后的年代里经历了“被镇压”、“传播”、“承
认”的过程，逐步征服了整个欧洲。基督教的教义和组织浸透了中世纪西方社会行领域，
以宗教为基础的法学、自然科学、哲学等都在符合教义的范围中成长，美术则充当着上帝
与教会的代言人的角色。
基督教来源于古代的各类神话传说，5世纪前一直没有合法的地位．处于地下秘密的
活动中。当时有一种叫做“卡塔孔堡”的地下墓室，始建于l世纪，里面是埋葬教徒的
墓地．人口处有一大厅，是教徒聚会勃L拜的场所。地下墓室有几千米长，在墓的墙上、
室顶上饰以简单的壁画和灰泥浮雕。地下墓室的壁画多取材于《圣经》，多为寓意象征手
法，最常见的一个形象便是基督耶坏。在基督教禁欲主义思想还没有形成之前，早期的基
督教还是受压迫民众美好未来幸福生活的象征和代表。如把耶酥描绘成牧羊人，人民是他
的羔羊；葡萄藤象征基督教；孔雀象征永恒；鸽子表示心灵；心象征博爱；坞鸟象征圣
灵；船代表教会，等等。
公元4世纪时基督教已有了合法地位。信教者在统治者的支持下，不惜钱财、人力和
物力，在各地兴建起大大小小的各种教堂。于是，基督教的活动场所由地下的墓室转为地
上传教的教堂。最早的教堂式样是在古老长方形神殿的基础上形成的“巴西里卡”式。
这种教堂外观简朴，内饰华丽，由彩色玻璃、各色大理石在墙壁上和窗上组成富丽堂皇的
“马赛克”镶嵌圆，外面配有古希腊建筑的“科林斯式”或“伊奥尼亚式”石柱，加上
长廊、天窗、庭院、喷泉，看似宗教祈祷之地，却满含人与k帝情感的诗意情趣。
值得一提的是：“巴西里卡”式教堂在布局上已有了一定的宣扬教义庄严、神圣的形
式构造。一条大门——祭坛的纵长中轴线，强调了一种空间的动态感受，有一种精神渐趋
兴奋的过渡过程，两旁的列柱更使这一过程有了铿锵的节奏感，它调整了人们凌乱的脚步
及焦躁的思想。室内装饰的华丽减轻、消解了物质的实体感，具有一种十分轻盈而易于步
入向卜的精神氛闹。它成为基督徒与上帝进行交流的极佳场所。而大量的马赛克半透明玻
璃的运用又制造出无数奇异的闪光，已有了足够的能量展示上帝的阳光普照人间的意味。
自罗马帝国分裂为东西罗马，西罗马由于蛮族雇佣军的政变而宣告灭亡。西欧蛮族国
家之间战争频繁，经济衰萎，文化艺术停滞；而作为东罗马的拜占庭帝国的美术发展则出
现了两个繁荣期。
第一个繁荣期是查士丁尼大帝时代，东罗马的领土一度包括意大利和北非。查士丁尼
大帝为了夸耀战绩而大兴土木．建造皇宫、剧场、教堂，圣索非亚大教堂是此时最著名
的；另一座著名教堂——圣维达尔教堂内部的镶嵌画《查士丁尼大帝及随从》、
《皇后西奥多拉及随从》是早期拜占庭艺术的名作。从这两幅画中可以看到当时
王权与教权的统一，绘画既歌颂了查士丁尼帝王，又把它作为教堂的组成部分。画面表现
皇帝和皇后来教堂朝拜的情节。直立的人物，横排的构图，有庄严向上的感觉，直线的表
现和斑澜的色彩，节奏十分鲜明，似乎包含有禁欲主义思想和对上天虔诚的不可思议的精
神力量，装饰效果强烈。宗教的发展．使《圣经》的传播十分广泛，用于装饰《圣经》
手炒本的插图画数量十分可观。它表现《圣经》的内容，有精美的花边图案和文字造型。
袖珍画是该时期持有的一种美术形式。
学校通过美术鉴赏程的设置来潜移默化的培养和提升学生的艺术素养，这门课程的设置对于提高学生的综合素质的重要性不言而喻。下文是我为大家整理的美术鉴赏论文 范文 的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈美术鉴赏《大宫女》
《大宫女》这幅油画创作于 1814 年，它的作者是法 国画 家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔。安格尔创作的这一幅《大宫女》和其所创作的其他宫女题材的油画有着明显的不同，这一点从安格尔刻意将这幅作品命名为《大宫女》这点可以看出来。《大宫女》这一幅作品充满着独特的格调，安格尔在《大宫女》当中的用色更体现出浓厚的异国风韵，以及装饰性的美学考量。这一点也促使安格尔的《大宫女》和古典主义的油画美学之间产生一定的差别，无论是颜色，还有其腰身的比例，都和传统的西方古典主义油画艺术规则有所冲突，也正是如此，《大宫女》才能够很好地将观赏者震慑住，使观赏者受到这种美学的吸引，从而构建出独特的美学空间。
安格尔创作的《大宫女》在当时就已经有很大的争议，因为安格尔创作的《大宫女》之中，宫女的体型是如同平面几何一般，并没有充分和现实当中的女性身材比例进行衔接，这一点和西方油画一向来追求精益求精的写实风格之间就产生了一定的冲突。但是，这种夸张的比例，却能够很快地造成视觉上的关注，而且蓝色的背景与宫女的身体颜色之间的冲突不和谐，也造成了非常大的视觉冲击，这种颜色的对撞、人体基本身体结构出现的错位，代表着一种属于安格尔风格的审美。
安格尔创作的《大宫女》首先是一个明亮颜色和冷暗颜色之间的撞击对比。西方古典主义的油画创作过程当中，强调油画画面之中颜色与颜色之间的自然过渡，只有进行恰到好处的过渡，才能够更好地让整个画面进行融合。不过安格尔创作的《大宫女》则不然，整个宫女的背景采用的是冷色调的蓝色，而宫女是裸着身子的，宫女的身体肌肤却是使用明亮的浅黄色，这两种颜色之间，安格尔并没有采用其他的颜色作为过渡。这样一幅《大宫女》的颜色之间就形成了激烈的冲突，这种冲突虽然和古典主义的绘画风格差异甚大，但是却能够给观赏这一幅画作的观赏者留下深刻的影响。
安格尔创作的《大宫女》第二方面的美学特征就是他与众不同的人类身体结构设置。从整幅《大宫女》看，大宫女这个人物形象身体各个基本结构之间的比例是失调的，仿佛是几何堆砌一般，安格尔创作的《大宫女》，其身体躯干的比例远远大于其他身体结构的比例，因此，安格尔的这一幅《大宫女》违背了古典主义油画创作过程里的追求写实的风格，而呈现出一种追求艺术进一步采取夸张的手法，让《大宫女》当中的大宫女形象，以这种看似畸形的几何式夸张，展现出一种独特的美学艺术上的张力。
而且安格尔所创作的《大宫女》还蕴含着一种欲望的美学。因为当时的法国军队和奥斯曼土耳其帝国展开战争，当时最终被奥斯曼土耳其帝国所击败，所以在安格尔所在的时代里，法国在相当长的一段时间创作了许多熟练的奥斯曼土耳其内宫宫女画像，这些目的在于从艺术的角度满足法国人内心的征服欲望。而安格尔创作的《大宫女》，目的就在于以一个奇特的宫女的形象隐喻着奥斯曼土耳其帝国，必然会被法国人所征服，裸体的奥斯曼土耳其帝国内宫中的宫女形象，欲盖弥彰的欲望，通过安格尔以新式的艺术手法，加以渲染和雕琢。同时裸女并没有完全露出自己全部的隐私处，这一点又体现了一种克制和理性，安格尔在这一幅《大宫女》之中，表现了冷静克制与欲望张狂两个方面的精神内涵，并且在绘画作品之中，给这二者找到了最为合适的均衡点，从而将观赏者的欲望以及视觉都进行了恰如其分的安置。
究竟是采用 素描 的方式，还是更注重色彩，这一点在安格尔的艺术创作过程当中，特别是在《大宫女》的创作里，更多注意到了结构上的素描运用。但是，这并不意味着安格尔在《大宫女》这幅作品当中完全就没有关注色彩，与此相反，安格尔在《大宫女》中的色彩搭配以及应用是非常鲜明以及大胆的。
冷色调作为这幅《大宫女》的背景色彩。在大宫女欧达丽丝克的背后是一幅半垂着的帘幕，这个帘幕实际上起到了点缀的作用。一般欧洲古典主义的绘画色彩艺术，主要是注重色彩的过渡和衔接，然而安格尔刻意使用这种冷峻的颜色作为衬底，目的在于表达出一种寂静、理性，这和狂热的女性躯体的暖色调形成了对比，从而演化成为一种对比下的艺术张力。
红色作为另一个重要的颜色，却在对于《大宫女》的色彩美学鉴赏之中，容易被忽略。实际上这种色彩美学是非常独特的，因为安格尔采用了红色作为点缀，让红颜色点缀在大宫女手中的孔雀羽毛扇子的扇柄中。而在欧达丽丝克的脚部，也有一段红色的点缀，那时旁边小桌子的椅脚。这两点都分别对检查在冷峻的背景颜色和柔和的躯干颜色之间，从而形成了一种炽热似火的美感，让人们看到欲望膨胀的顶端，从而与冷峻以及柔和形成了三种不同的色彩艺术话语。安格尔并不刻意去处理这三种颜色的冲突，而是将这三种冲突结合到一起，形成了互相撞击的状态，给观赏者带来很强烈的视觉震撼。
安格尔创作的《大宫女》虽然经历了两百年的时间，但是这幅作品至今仍然是美术界的杰作。安格尔创作的《大宫女》运用了充满冲突和撞击的颜色比对，以及超乎想象的非写实结构，从而让安格尔的《大宫女》给人们带来非常大的视觉冲击，进一步让这一幅画作所表达的欲望与理智更为突出地展现出来。而安格尔在处理《大宫女》画作过程当中所形成的艺术风格，也对后来新古典主义绘画艺术的崛起，提供了重要而宝贵的艺术实践。
试谈鉴赏富春山居图
富春山居图是元朝书画，画家为其师弟郑樗(chū)所绘，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名画”之一。明朝末年传到 收藏 家吴洪裕手中，吴洪裕极为喜爱此画，甚至在临死前下令将此画焚烧殉葬，被吴洪裕的侄子从火中抢救出，但此时画已被烧成一大一小两段。较长的后段称《无用师卷》(无用是郑樗的字)，现藏台北故宫博物院;前段称《剩山图》，现收藏于浙江省博物馆。北京故宫博物院也藏有此画的仿本。
画的作者黄公望，擅长画山水，多描写江南自然景物，以水墨，浅绛风格为主，与吴镇，王蒙，倪瓒zàn并称元四家。存世作品有《富春山居图》、《九峰雪霁图》、《丹崖玉树图》《天池石壁图》等。
据记载，黄公望三十一岁开始作画，由于际遇的坎坷，到五十岁左右，也就是出狱后才专心从事 山水画 创作。《富春山居图》是黄公望七十九岁高龄时开始创作的。这幅纵33厘米，横636.9厘米的长卷，是他生活在富阳，又以富春江为题材推出的力作。为了画好这幅画，他终日不辞辛劳'奔波于富春江两岸，观察烟云变幻之奇，领略江山钓滩之胜，并身带纸笔，遇到好景，随时写生，富春江边的许多山村都留下他的足迹。这件宏幅巨制直到他谢世前不久才告完成，前后倾注了大约七年的心血，(也有说82岁创作，历时四年的)这是画家与富春山水情景交融的结晶。被后世誉为“画中之兰亭”。故而历代都有著名画家模仿。
这卷宝图既备受赞颂，也历尽沧桑。在辗转流传过程中，曾引发出乾隆年间有趣的“富春疑案”，弄得皇帝神魂颠倒，误判真伪;也曾因收藏家的酷爱而遭焚烧毁容之灾。乾隆年间，一幅富春山居图被征入宫，乾隆皇帝爱不释手，但在隔年又一幅富春山居图进入清宫。前者称“子明卷”是后人伪造;后者是“无用师卷”，这才是黄公望的真迹。但乾隆皇帝认定“子明卷”为真，并在假画上加盖玉玺，并和大臣在留白处赋诗题词，将真迹当赝品处理。直到近代学者翻案，认为是乾隆皇帝搞错了。从而保住了一个完整的无用师卷。
对美术及美术鉴赏的认识：美术及其作品，是人造物的一种，美术是人类运用一些物质和材料工具，通过点、线、面等各种要素通过一定的造型性、构成性、空间性的表现手段，在平面或立体的空间中塑造出具体直观的可视形象。美术作品是由艺术家按照美的规律创作出来的，它创造美的形象，抒发美的情感。美术包括绘画、雕塑、工艺美术、现代设计、建筑艺术及影像艺术等主要艺术形式。另外，我也觉得美术是一种 爱好 ，直接贴近人们的生活。于美术鉴赏而言，就是对一件艺术品的欣赏，你从心底大量一件东西，觉得它漂亮与否，这就是鉴赏。读者对一件艺术品进行审美，不是消极、被动的地去看一个东西，而是积极主动的进行着审美再创造活动。一件物品被创作出来，必然会有人去评判，评判时融入自己的品味与感情，再将自己的艺术理想与理解、艺术观念经过若干个环节的变通、换位、异化，通过重 组词 汇与语法将自己要表达的内容表述出来，这就是鉴赏。
浅谈高中美术鉴赏教学
摘要：高中美术鉴赏教学，是帮助学生通过对美术作品进行分析归类，从而达到能够体味感受、欣赏美术作品。下面就我平时的教学过程中的感想 总结 出来，以供同行讨论。
关键词：鉴赏;教学;思考
一、美术鉴赏过程中学生情感因素的调动
美术新课标提出“情感态度与价值观”的概念，目的是强调通过学生的亲身经历来体验和感受美术作品，形成自己的艺术价值观念。美术鉴赏本身就是一种最直接的审美活动，需要通过自己的思维活动来感悟美术作品，这种活动强调个人的审美感受和情感体验，情感是审美活动的基础。比如站在天安门前面，人们会自觉产生一种民族自豪感;欣赏罗中立的《父亲》让我们感受到一种强烈的亲情和感伤的乡土情怀;而看到达利《内战的预感》则会让人感受到战争给人类所造成的无可估量和无法弥补的伤害。
因此，情感因素是鉴赏作品的关键，学生在鉴赏作品时体味到了某种情感，他的情绪就会激动，就会表现出浓厚的学习兴趣。在美术鉴赏教学中，如果忽视学生的心理感受和情感的参与，那就根本谈不上真正的鉴赏。然而，问题在于中学生由于知识基础和生活阅历的限制，很难体味到这一点。这就要求教师教学中要对学生进行一定的引导与启发，帮助学生分析体味美术作品的精神内涵，尤其是作品最精彩的部分。通过生动恰当的语言描述来激发学生的兴趣，比如，委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》阴险狡诈狠毒的神情等。
二、在美术鉴赏中体味 文化 情境
2.1新课程的基本理念之一就是“要在广泛的文化情境中认识美术”。任何美术作品都不是孤立存在的，是在一定的文化环境中创作出来的，不可避免地受到所在环境的影响，这就是美术作品的地域性特征。所以，在美术鉴赏教学过程中，首先要把美术作品放在一定的地域文化环境和时代背景中去学习。
如鉴赏达芬奇的《蒙娜丽莎》，就必须让学生了解文艺复兴运动的历史及其所倡导的人文主义精神;鉴赏米开朗基罗的《大卫》，要让学生了解米开朗基罗创作这件作品的时代背景及大卫的历史史料;如达维特的《马拉之死》，如果不了法国大革命时期的历史和作为资产阶级雅各宾党领导人的马拉真实资料，就无法理解这一作品所表现的内容精神及为什么要这样画。
2.2这些，一方面老师要能够烂熟于心，在教学中做到信手拈来，更要巧妙的穿插到对作品的鉴赏过程中，不能生硬的告诉学生。当然，最好是让学生课前自己进行搜集了解，带到课堂与同学们分享。其次，在鉴赏过程中要营造教学情境，以帮助学生形成丰富的鉴赏体验。
在鉴赏蒋兆和的《流民图》时，我让学生观看一些抗战时期中国民众的苦难生活的影片片段，让学生有如亲身体验日本侵略者给中华民族带来的深重灾难，才能感受到当时中国人民的苦难生活，也才能真正感受到作品本身的悲剧性给人的巨大震撼;在鉴赏蒙德里安的《百老汇的爵士乐》时，播放一段爵士乐，让学生在聆听爵士音乐的同时体味作品的内涵。艺术源于生活。在美术鉴赏教学时，我让课堂内外相结合，课堂与生活相结合，以扩大学生视野，增强他们的感性认识，创造一个更为广阔的文化情境。
2.3为此，我建议学校利用教学楼走廊、橱窗等场所展示学生或教师作品，既美化校园，营造艺术氛围，也给学生提供一个艺术环境，有助于提高学生鉴赏、评述美术作品的能力;在鉴赏现代建筑艺术时，直接让学生到校园、湖心公园中走走，要求他们自己分析、评论校园和公园建筑的布局和特色。
为了让学生对当地的人文和乡土文化有深入了解，我带学生参观了当地的美术馆、博物馆，文化遗产，如清真大寺、中山公园以及南门、玉皇阁等古建筑。美术鉴赏涵盖了人们生活的各个方面，渗透了各门学科的知识，所以一定要在广泛的文化情境中去鉴赏美术作品。
三、强调学生多元化 思维方式
在高中美术的第一节课上，我告诉学生，美术鉴赏过程其实也是一次创作过程，我们必须要用自己的方式进行鉴赏和评价作品，反对人云亦云。“有一千个读者，就有一千个《哈姆雷特》”，美术作品一旦产生就会脱离创作者而独立存在，不同的人，在不同的情境下鉴赏，会有不同的感受，这也正是美术鉴赏的魅力所在，也是现代美术 教育 的基本观念，即强调多元化、崇尚差异、主张开放、去掉本质和必然。
事实上，课本中大部分文字叙述只能代表一家之言和某一时代的观点，并不是唯一的。美术鉴赏教学应该注意培养学生的创造性思维，教师不能搞独断专行，不能像数学物理那样只有唯一的标准答案，而应该鼓励差异，容忍和接受学生的各种见解。在教学中，教师要对学生的看法、观点持有正确的态度，让学生尝到成功的体验和喜悦，才能激起学生更大的兴趣，才能引发学生继续学习，有利于学生进行积极思维，使学生学会研究问题的 方法 ，锻炼独创思维的能力，增强美术鉴赏的兴趣，提高学习效率。
总之，美术鉴赏主要通过鉴赏活动来培养学生的审美能力，而不是掌握多少美术史论和多少美术技法理论。其目的不是培养专业美术家，而是通过美术教育让学生掌握美术知识，培养美术能力，帮助学生完善自己的道德品格，形成正确的审美观、世界观、人生观。
