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关于梵高的,网上说法太多，自己找吧
凡高和丢勒、伦伯朗一样，在画史上以自画像著称。凡高一生很少拍照，目前我们只能看到三张关于他的清晰相片，而且都是21岁之前的。然而在1885到1889四年间他却以惊人的耐力画了四十多张自画像，完成这些作品并不是件容易的事，还没有哪位艺术家能象他这样在观众面前将自己暴露无遗。透过这些记录，我们深深地了解了一个人的痛苦、恐惧、自我怀疑、精神折磨以及生活中偶尔的快乐。凡高曾说希望一个世纪之后自己画的肖像在那时人的眼里会如同一个个幽灵，那么在今天看来他的愿望实现了。《戴黑边帽的自画像》完成于凡高和丢勒、伦伯朗一样，在画史上以自画像著称。凡高一生很少拍照，目前我们只能看到三张关于他的清晰相片，而且都是21岁之前的。然而在1885到1889四年间他却以惊人的耐力画了四十多张自画像，完成这些作品并不是件容易的事，还没有哪位艺术家能象他这样在观众面前将自己暴露无遗。透过这些记录，我们深深地了解了一个人的痛苦、恐惧、自我怀疑、精神折磨以及生活中偶尔的快乐。凡高曾说希望一个世纪之后自己画的肖像在那时人的眼里会如同一个个幽灵，那么在今天看来他的愿望实现了。《戴黑边帽的自画像》完成于1886年初，是他忧郁系列的一部分。这一时期， 他开始挨饿，还要接受梅毒病的治疗，并且拔了十颗牙，这最终使他蓄起了胡子以掩饰缺齿的尴尬并正好为口音中的"hissing"声找到了借口。"我仍然必须去承受很多，尤其是那些不可改变的东西，比如容貌、说话的声音以及服饰。"这张自画像作于凡高1886年2月刚到巴黎后不久，在这里他比以前要自信许多。"无论在这儿的生活将如何艰难，即使会比从前更糟，但至少法国的空气清新了我的头脑，它对我是有好处的。"这是第一张显示出凡高受到印象派影响的自画像，尽管他对之理解很慢并且始终没有全部认同其主张，但它却改变了凡高对色彩的看法。"永远记住今天艺术所需要的是非常鲜活的东西，是强化有力的色彩。""我变得越丑、越穷、越有病，我越要通过创造明亮、有序、灿烂的色彩来复仇。""我喜欢画人的眼睛胜过那些教堂，在眼睛的深处藏着一种无论多么感人，多么肃穆的教堂都没有的东西。我关心人的灵魂而不是结构，无论这灵魂属于一个贫穷的恶魔还是妓女。这幅自画像同上一张大致画于一个时期（1887年夏季，巴黎）。"你知道，我个人的冒险主要是快速成为一个满脸皱纹，胡子粗硬、牙齿松动的小老头。""我希望能画出男人和女人那些永恒不灭的东西，人们常用光晕来象征它，我则试图通过色彩的真实颤动和闪烁来传达它。"这张自画像画于文森特和提奥关系不太好的一个时期，这时提奥受着神经紧张和身体疾病的困扰。从这幅作品中可以看出文森特辐射出的接近于攻击性的自信。这张《有日本画的自画像》很可能画于巴黎著名的Tambourin咖啡馆，在这儿凡高曾说服它的女主人举办了一次日本绘画展。凡高和其他现代艺术家一样深受日本浮士绘影响，他说："我不可能不怀着喜悦与欢乐去学习日本艺术。"这是凡高1888年早期在巴黎画的最后一张自画像，他自己将它称为"死亡之脸"，并在一封信中这样写到："透过这张面对镜子画的自画像我得到了一个关于自己的概念：桃灰色的脸上长着一双绿眼，死灰的头发，额前与嘴周满是皱纹，呆僵木讷，非常红的胡子，被忽略而且充满哀伤。"后来，凡高的兄嫂说这是他所有自画像中最象的一张。这幅肖像画于凡高到阿尔后不久，在这儿他非常喜悦并充满热情，"我确信哪怕仅仅呆在这儿，我的个性都会得到自由。"1888年凡高开始认识阿尔以及它周围的乡村，"打动我并且使绘画如此有魅力的是这儿清新的空气，在故乡看到的只有灰色的地平线，而在这儿，即使再远的地方，物象的轮廓也清晰可辨，这给了人空气和空间的理念。"凡高1889年与高更大吵一架后割掉一只耳朵，他画这张画使自己和提奥相信他已经从伤痛中康复过来，"我相信这幅肖像比我的信更能清楚地告诉你我这儿发生了什么。"这是凡高的最后一张自画像，令人悲伤并具有讽刺意味的是它事实上是一个谎言。1889年初，凡高的母亲度过了她70岁生日，尽管不常联系，凡高对她仍怀有温暖的记忆，这年年底，他决定将这张自画像送给她，主要是为了使母亲对他的健康放心，所以在这儿他比以往显得健康、年轻、整洁许多，然而这些并无法掩饰其眼底的绝望。最后凡高给了母亲一张画着阿尔卧室的画而把这张挂在自己的墙上。
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论文和写作文的格式是一样的，没有什么区别。梵高是荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，是年他才37岁。凡高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人，但所表现出的气质与精神却是永恒不变的。
世界名画欣赏论文 --------梵高作品《星夜》赏析《星夜》赏析 摘要：1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。正是在这里，他以歪曲的长线，破碎的短线，饱满的色彩。为全人类创造了一幅奇幻的星空景象。一、作品叙述 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。 《星夜》为梵高圣雷米时期的代表作品。1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。梵高在这样的情形下并没有颓废，而是寻找到了自己艺术的突破，一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。出现在我们的眼前。作品中那些旋转的线条，粗犷有力，让人 感受到梵高内心的情感倾诉。二、作品形式分析 "他还做了另一个梦，把它告诉他的兄弟，看哪，我有更多的梦想，看哪，太阳，月亮和十一颗星再向我们敬礼。"圣经起源中的一段话给予了这位为天才创作的灵感。星夜是梵高的幻想，是梵高心中的宇宙。梵高以心中的星夜作为题材，充分表现出处于人世之外的自己对于星空的理解及感受。 整个画面，作者充分运用的夸张的艺术语言为我们展现了一个变形的，常人难以想象的，充满强烈震撼力的星空景象。作者运用弯曲的线条，以及线条旋转变化描绘出了那巨大的、卷曲旋转的星云，我们几乎无法从他的这幅作品中找到一条直线，作者的世界观仿佛在旋转。同时作者在色彩的运用上也独具匠心，全部运用大块的色域展现出一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月。同时，画中的图像都充满着象征的涵义。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到凡高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。 油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣赏日本浮世绘《冨岳三十六景》中的《神奈川冲浪里》，而《星夜》中天空的涡状星云画风被认为参考并融入了《神奈川冲浪里》的元素。三、作品解释 有云的夜空充满了旋转，恒星发光闪烁着自己，明亮的新月。虽然功能被夸大了,这是一个场景，我们都可以涉及到，也是一个最适合个人感觉舒适，安心。这天保持观众的眼睛画走动，下面的曲线和制造出一种视觉圆点星点使用。这一运动一直扎根在旁观者所涉及的绘画，而其他因素： 下面的地平线上连绵起伏的丘陵有一个小城镇。有一个和平的本质结构的流动从。也许阴凉窗口颜色和火热的火花回忆我们自己的天空繁星温暖黑暗的童年和年满夜间想象中存在的东西。镇中心的点是高大的教堂尖顶的，执政的建筑物基本结束较小。这种尖顶蒙上了一个小镇上的稳定感，并创建一个规模和意义上的隐居。为了画左侧有一个巨大的黑色结构，开发了一个更大的规模和孤立感。这种结构是宏伟的绘画相比，规模在其他物体。镜子弯曲的线条，创造的天空画的感觉深度。这种结构也允许观众解释它是什么。从布什山的一叶菜，形成分析，这是广泛和丰富多彩的。在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。 凡高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图象中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。四、作品评价 《星光灿烂的夜空》也许是文森特·梵高最有名的画作。独特的风格让人一眼就可以认出是凡·高的作品, 这幅作品是虚构的。Don Mclean曾献给文森特一首著名的同名歌曲"Vincent"又名"Starry Night"。即使梵高尝试了装饰性作品的创作, 也只有极少数评论家认可他这些作品并愿意支持他在这方面的尝试。其中的部分原因无疑是梵高没能举办他所希望的个人画展, 只有这样的画展才可能摆出自己的大批作品。古斯塔夫·卡恩倒是对梵高在1888年独立沙龙上参展的三幅作品做过评论, 他说"凡·高先生的画笔挥洒得很有力", 这样的评价实际上成了批评。有些评论的作者差不多把这种笔法干脆称为装饰性笔法。1889年, 费利克斯·费内翁曾经提到, 在这幅作品里,这种"无立体感的笔触构成了粗糙的草席似的图案", 同时那漩涡关的色彩像是直接从颜料管里挤出来的。乔治·勒孔特在文章中赞扬道："热烈的厚涂……各种颜色很自然地营造出了令人感到震撼的效果。"古斯塔夫·热弗鲁瓦将梵高描绘为一个"画风景画时简直就像在雕塑风景画"的画家。这些评论或许促使人们注意到了梵高作品的表现图案和装饰性, 而其笔法则可能被认为是一种将前景和背景统一在一视觉区里的手段。可是这些评论都只有三言两语, 而几乎没有对梵高的作品做更广泛或者更深入讨论。假如从一幅幅单张作品的角度上看, 刚劲有力、别具一格的笔触便意味着传统意义上气质或者独特的个风格, 而不是装饰性图案。而凡·高的身体健康状况一旦广为人知, 他们就会毫不犹豫地认为他的笔触证明了他的病态气质和性情的不稳定。"视域转化成浓厚的、有力的颜料浆, 沿着他的画笔的猛戳动作画出的线路展开了它的脉络。天空中央的星星的卷曲浪潮也许是无意中受了葛饰北斋的《大浪》的影响——但它的奔腾的压力, 在东方美术中却没有相等的例子。月亮从月蚀中走出来, 星星闪耀、汹涌, 柏树随着它们摇动, 把天空的韵律转化成自己的火焰状侧影的黑色扭曲。它们把天的激流传给了他, 完成了贯穿整个自然的活力的圈子。" (休斯)参考文献：《西方绘画史图录》邵大箴著 河北美术出版社《米勒传》 罗曼·罗兰著 山东画报出版社
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艺术鉴赏论文以论文中心为基础，展开论述，主要阐明它的艺术价值重要性
美术鉴赏是一种视觉艺术，在发展学生的视知觉，获得以视觉为主的审美体验，陶冶审美情操，提高生活品质等方面，具有其他学科难以替代的作用。下文是我为大家整理的关于美术鉴赏3000字论文的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈中国绘画艺术
博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术 文化 、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在!
从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室 彩绘 砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方!
在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡(今江苏无锡)人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。
顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得” “以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的 故事 ， 《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。
恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰;笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。
而在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，也不乏优秀的作品出现。比如在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺，但同时，从来使的衣着与恭敬地神情以及唐太宗面庞的丰润、目光深邃、神态威仪而不失和蔼也能充分展露出盛唐一代明君的风范、一种神圣不可侵犯的威严所在。可谓是既表现了对吐蕃的蔑视，又在表现唐太宗风貌的同时表达了自己对唐朝不敢与吐蕃对抗的看法和讽刺。
古代绘画给我留下无穷的回味，而当代大师的作品亦能展现出中华民族的灵魂所在。
“痴于绘画，能书。偶为辞章，颇抒己怀。好读书由，略通古今之变。”一代书画名家范曾用这二十四个字评价自己。
范曾，字十翼，别署抱冲斋主，江苏南通人，当代中国著名的 国画 大师，开 人物画 一代风气之先。作品熔山水花鸟人物于一炉，集诗、书、画三绝于一身，在绘画语言上有创新，功力不凡。他的古代人物画，识者谓其气韵生动，神彩飞扬，精湛娴熟，笔力遒劲，线条简括，形象生动。
《鬼才范曾》封底上的那幅《钟馗雅趣图》，正是范老“鬼才”的一个集中表现。范老擅作写意人物泼墨人物，力追古代梁楷、法常诸人，笔墨浑厚，造型生动。他继承了南宋梁楷以来简笔泼墨的手法，形成了自己独特的风格。其人物作品之传神，固出于其才气之敏悟与博学好思之修养，至于其笔墨之能得其神，则应出于其锲而不舍的勤奋和努力。这幅《钟馗雅趣图》
1.笔法洗练、形象生动豪放。简单几笔构型有状，神采豪放，线条有样，生动鲜活。钟馗的坦胸开衫的简洁笔法将健硕洒脱的形象描绘得入木三分。卧蚕双眉，红脸多髯，使钟馗的戾气渐隐，英气伶伶俐俐的流露出一点点，不可谓不惟妙惟肖。颈肩与手部的洗练线条使人物更具质感，跃然纸上。
2.用墨有方，浓淡变化得体，则墨色活泼精神，有光彩，妙趣横生。前人论画谓“气韵生动”，常以用墨佳劣为主要衡量标准不是没有道理的。当然，一幅画是否达到“气韵生动”，还包括画体的内在精神刻画，作者情感的传递，以及用笔能否恰如其分地再现主客体的谐调一致。所有这些最终还是要靠墨色的变幻来体现的。
这幅《钟馗雅趣图》用墨也是十分精巧。墨色丰富,“墨分五色”既有变化又有统一。钟馗的衣衫以浅淡与中度墨色为主，将白衫的褶皱与光影差别以不同于西方 素描 的写意手法行云流水般的表现出来。而浓密的髯发更是展现出范老用墨的不俗功底，纠结浓密却不凌乱，恣意张扬却不繁杂，渐变与层次感以一种特有的手法显露，下笔犹如闲庭信步一气呵成。最可赏的便是范老整个人物的笔触与构图，人物有骨有肉，多利丰筋，形象饱满。
3构思精巧，构图简洁爽利，人物神态传神，别有妙趣。范老多画钟馗，这幅却备受瞩目，这和此幅钟馗的“与众不同”大有干系，是范老的“鬼气”赋予了此画别样的感受。范老打破传统，一改钟馗凶神恶煞的民间形象，以雅趣为旨，将钟馗塑造成一位气质介于文人与武将之间的另类，使人顿感新意。而右肩上的小鬼不再抱头鼠窜而是站在肩头搔弄。旧往打鬼擒妖的鬼判官钟馗，在画中以这些情态出现，诧异者有之，不解者有之，无奈者有之，最终却化作一笑，独品出另一味道。这种超脱出传统拘泥的作品，不愧为鬼才的画作。
其实，个人认为，我觉得中国绘画是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括着我国五千年来的文化积淀。
面对文化，我们要有一种使命感，维护我国文化积淀、传承我国文化瑰宝;面对艺术，我们要有一个积极的心态，发现生活之美、感受来自于艺术的强大力量;面对美术，我们要有一个欣赏的思想，发现生活的不同、感受来自美术的无限魅力。
浅谈大学美术鉴赏
摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、 经验 对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。
关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏
一、对绘画的鉴赏
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。
就像梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。 他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。 画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。 观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
总之梵高笔下的向日葵不仅仅是植物;而是带有原始冲动和热情的生命体。我更爱看窗外那一片向日葵，爱看她们在阳光下开出灿烂的笑容。我不敢展示真正的我，我也不知道真实的我是什么样。在向日葵面前，我有一种自信的感觉，展示着那个成功、全新的我;我在看见向日葵时，心里总有种暖洋洋的感觉。 我看见梵高背着画夹，在向日葵丛中专心致志地画着那幅热情奔放的向日葵。我看着向日葵明朗的脸，眼睛一亮。我对梵高喊道：“你必须面对自我，绝不能逃避。不管这有多么困难，需要多大勇气!”其实这句话不仅是对梵高说的，也是对我说的。虽然梵高已经成为过去，而我却可以改变。我要感谢的不仅是那扇窗，更要感谢窗外精彩世界为我带来的美好遐想。
二、对中国建筑的鉴赏
中国建筑，具有悠久的历史传统和光辉的成就，是世界上最古老的建筑体系之一，有7000年以上有实物可考的历史。3000年前已形成以木构架为主要结构、以封闭的院落为基本的群体布置方式的独特风格。它的发展从未中断，并对朝鲜、日本和东南亚各地的建筑有重要影响。它从陕西半坡遗址发掘的方形或圆形浅穴式房屋发展到现在，已有六、七千年的历史。修建在崇山峻岭之上、蜿蜒万里的长城，是人类建筑史上的奇迹;建于隋代的河北赵县的安济桥，在科学技术同艺术的完美结合上，早已走在世界桥梁科学的前列;现存的高达67.1米的山西应县佛宫寺木塔，是世界现存最高的木结构建筑;北京明、清两代的故宫，则是世界上现存规模最大、建筑精美、保存完整的大规模建筑群。至于我国的古典园林，它的独特的艺术风格，使它成为中国文化遗产中的一颗明珠。这一系列现存的技术高超、艺术精湛、风格独特的建筑，在世界建筑史上自成系统，独树一帜，是我国古代灿烂文化的重要组成部分。它们像一部部石刻的史书，让我们重温着祖国的历史文化，激发起我们的爱国热情和民族自信心，同时它也是一种可供人观赏的艺术，给人以美的享受，所以，我国古代的建筑艺术也是美术鉴赏的重要对象。
中国建筑体系是以木结构为特色的独立的建筑艺术，在城市规划、建筑组群、单体建筑以及材料、结构等方面的艺术处理均取得辉煌的成就。传统建筑中的各种屋顶造型、飞檐翼角、斗拱彩画、朱柱金顶、内外装修门及园林景物等，充分体现出中国建筑艺术的纯熟和感染力。七千年前河姆渡文化中即有榫卯和企口做法。
半坡村已有前堂后室之分。商殷时已出现高大宫室。西周时已使用砖瓦并有四合院布局。春秋战国时期更有建筑图传世。京邑台榭宫室内外梁柱、斗供上均作装饰，墙壁上饰以壁画。秦汉时期木构建筑日趋成熟，建筑宏伟壮观，装饰丰富，舒展优美，出现了阿房宫、未央宫等庞大的建筑组群。魏晋、南北朝时期佛寺、佛塔迅速发展，形式多样，屋脊出现了鸱吻饰件。隋唐时期建筑采用琉璃瓦，更是富丽堂皇，当时所建的南禅寺大殿、佛光寺大殿迄今犹存，举世瞩目。五代、两宋都市建筑兴盛，商业繁荣，豪华的酒楼、商店各有飞阁栏槛，风格秀丽，明清时代的宫殿苑囿和私家园林保存至今者尚多，建筑亦较宋代华丽繁琐、威严自在。近现代中国建筑艺术则在继承优秀传统相吸收当今世上建筑艺术长处的实践中，不断发展，有所创新。
中国古代建筑的艺术成就令世界各国人民叹为观止，取决与它那独特的结构。在我们来看一看古代建筑的特点。下面是我们从网上和图书馆查阅收集来的关于古代建筑的信息。
中国古代建筑艺术的特点是多方面的。从美术鉴赏的角度来说，以下一些特点是应当了解的：
1、巧妙而科学的框架式结构
这是中国古代建筑在建筑结构上最重要的一个特征。因为中国古代建筑主要是木构架结构。“墙倒屋不塌”这句古老的 谚语 ，概括地指出了中国建筑这种框架结构最重要的特点。这种结构，可以使房屋在不同气候条件下，满足生活和生产所提出的千变万化的功能要求。。这种构件既有支承荷载梁架的作用，又有装饰作用。只是到了明清以后，由于结构简化，将梁直接放在柱上，致使斗拱的结构作用几乎完全消失，变成了几乎是纯粹的装饰品。
2、庭院式的组群布局
从古代文献记载，绘画中的古建筑形象一直到现存的古建筑来看，中国古代建筑在平面布局方面有一种简明的组织规律，这就是每一处住宅、宫殿、官衙、寺庙等建筑，都是由若干单座建筑和一些围廊、围墙之类环绕成一个个庭院而组成的。一般地说，多数庭院都是前后串连起来，通过前院到达后院，这是中国封建社会“长幼有序，内外有别”的思想意识的产物。家中主要人物，或者应和外界隔绝的人物(如贵族家庭的少女)，就往往生活在离外门很远的庭院里，这就形成一院又一院层层深入的空间组织。宋朝欧阳修《蝶恋花》词中有“庭院深深深几许?”的字句，古人曾以“侯门深似海”形容大官僚的居处，就都形象地说明了中国建筑在布局上的重要特征。
中国的这种庭院式的组群布局所造成的艺术效果，与欧洲建筑相比，有它独特的艺术魅力。一般地说，一座欧洲建筑，是比较一目了然的。而中国的古建筑，却像一幅中国画长卷，必须一段段地逐渐展看，不可能同时全部看到。走进一所中国古建筑也只能从一个庭院走进另一个庭院，必须全部走完才能看完。北京的故宫就是最杰出的一个范例，人们从天安门进去，每通过一道门，进入另一庭院;由庭院的这一头走到那一头，一院院、一步步景色都在变换，给人以深切的感受。故宫的艺术形象也就深深地留在人们的脑海中了。
三、丰富多采的艺术形象
如前所述，建筑不仅仅是技术科学，而且是一种艺术。中国古代建筑经过长时期的努力，同时吸收了中国其他传统艺术，特别是绘画、 雕刻 、工艺美术等造型艺术的特点，创造了丰富多采的艺术形象，并在这方面形成了不少特点。其中比较突出的，有以下三个方面：
1、富有装饰性的屋顶
2、衬托性建筑的应用
3、色彩的运用
伟大的中华民族，文明传承了几千。中国建筑，一个代表着中华民族的辉煌成就的标志，在历史的长河中留下了光辉灿烂的一页。伴随着对劳动人民的深深敬佩。我们的研究接近尾声了，古代建筑的艺术成就，是我们每一个中国人的骄傲。让我们期待中国的明天更美好。
结束语
美术鉴赏课更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。 美术鉴赏有益于我们灵魂的雕铸和人格的完善 艺术 教育 注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。
人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。
满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高我们的鉴赏水平问题而是如何发展我们的价值取向问题。提高我们对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。陶冶我们的思想情操、提高了我们的精神境界。
致谢：
通过学习本课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。
参考文献：
书名 作者 出版社 出版日期
1、《中外美术鉴赏》 徐改，刘晨 清华大学出版社 2009-08-01
2、《美术鉴赏》 李新平，成文光 哈尔滨工程大学出版社 2009-07-01
3、《中国建筑史》 梁思成 中国建筑工业出版社 2005年版
4、《西方美术史》 李春 陕西人民美术出版社 2002年版
浅谈新课改下美术鉴赏课中的情感教学
摘要：新课程标准的实施越来越注重学生个人能力和个人素质的发展和提高。美术教学也是如此。在美术教学中，教师应充分发挥学生的主人公意识，让学生积极主动地参与到教学中来，离不开情感的运用。利用情感开展美术教学可以有效地拉近师生之间的心理距离，能够让学生更热爱美术学习，更积极地参与美术教学。本文是我在实际教学中 总结 的一些运用情感开展美术教学的经验，希望能够起到抛砖引玉的作用。
关键词：爱 用心 赞赏 学生 真心
“想要别人怎样对你，你就要怎样去对待别人，同样，想要别人爱你，尊敬你，你也要同样先去爱别人，尊敬别人。”以前，总是听到这句话，但真正地体会到这句话的含义是在我这两年的教学生涯中。我真正体会到：“爱是教师最美丽的语言，只要你真心地去爱学生，发现学生的闪光点，用心去和学生交流、沟通，用爱鼓励学生。”这是开展情感教育，运用情感教育促进美术教学的前提。我们必须与学生加强沟通和了解，与学生建立良好的师生关系，以起到“亲其师信其道”的教学效果。那么，我们在实际教学中应该如何落实好情感教育呢?笔者认为主要应做到以下几点。
一、用你的真心去和学生沟通，建立信任感
“谁爱孩子，孩子就爱他;只有爱孩子的人，他才可以教育好孩子。”我非常欣赏这句 名言 。教师在教育工作中不仅关心学生的学习，而且还关心他们的生活，做他们的知心朋友。“没有爱就没有教育”，教学的成功不仅和教师有很大关系，也同样和学生有很大的关系。对于学生而言，但凡是自己喜爱的教师给予的教育，他们很快便能接受、掌握。即便是批评，也能愉快的接受，这便是学生所说的喜欢的教师的课就爱上，不喜欢的教师学生往往有抵触情绪，从而不爱上这一门课程。所以，我们要用爱建立情感的磁场，使教学产生良好的效果。
在一次高一美术鉴赏课上，我正在讲课，一位学生踢门而入，并且用挑衅的眼光看了看我，然后走到座位上趴着，好像在说：“看你能把我怎么样?”面对这位“刺头”学生，我没有发火，继续讲课。讲完课后，我走到他的座位旁边对他说：“怎么了，你不舒服吗?要不要去医务室?”那个学生坐直了说了句：“没事。”我继续说：“既然身体上没有原因，那么就是不喜欢我的课喽?那么你 说说 为什么不喜欢我的课?”这位学生这时有些不好意思了，说道：“没有，老师，是我错了。”从此以后，我每次上他们班的课，他总是很认真听讲，再也没有出现过类似的事。我认为，这就是情感的收获，也是爱的收获。对于学生而言，只有“亲其师”，才能“信其道”。学生只有真正的信任你，才会接受和相信你的道理。如果教师和学生建立了真正的情感，达到了信任的程度，就会成为一种巨大的教育力量。
二、用心鼓励，用爱让学生建立自信
如果一个学生生活在表扬之中，他就学会了感激;如果一个学生生活在鼓励之中，他就学会了自信。自信心是一种精神能源，是人行为活动的内驱力。一个人有信心，心里活动就积极、稳定，就会以持久的毅力去实现自己已定的目标。因此，培养学生的自信心是非常重要的，但这也是一项艰巨而神圣的使命。在教学过程中，学生不管是完成作品还是回答问题，总是希望教师予以肯定。这就是一个心理学家曾经说过的：“人性最深切的需求就是渴望别人的欣赏。”赏识是树立学生自信心最重要和有效的 方法 ，适时对学生进行激励性的评价，是使学生产生情感增长的关键性 措施 。
学生在学习过程中不可避免地出现失败，教师首先要对学生积极参与的态度表示赞赏，再对学生出现的问题作具体的点评分析，帮助学生在失败中挖掘闪光点，及时进行激励性评价，使学生体验到温暖，既保护到学生的学习热情，也帮助学生认识自己的不足，鼓励学生增强信心，争取获得成功。而在学生获得成功时，也对学生及时进行激励性评价，使学生体验到成功的喜悦，转化为学习的动力。鼓励学生是一个教师爱的具体体现。那么，怎样才能让学生感受到你的鼓励和关爱呢?其实做法很简单：一个简单的动作、一个肯定的眼神、一句简单的话语……都会在不经意间发挥着奇妙的作用。
三、经常赞美学生，让学生充分感受爱的魅力
现实生活中许多事例也告诉我们，在对学生的教育中，责难和赏识，方法不同，结果也大不一样。经常赞赏学生，用赏识和赞许的目光关注学生，往往会收到更好的教育效果。当一个教师真正爱学生时，他的注意力将不再放在学生错误的行为上，而是放在自己所喜欢和欣赏的行为上，赏识就在这个过程中自然发生了。在我们真诚地赞扬学生时，学生也会自然而然地显示出友好合作的态度，激发学习热情。
一次，一个美术班的学生找到了我，他说：“老师，我有事情请教您，但是您得答应我，不许和别人说。”我说：“好。”他说：“我喜欢我们班里一个女生，我不知道要不要和她表白，我很苦恼。”我一听，这是早恋啊，脑子里第一反应就是要劝他放下早恋，把精力投入到学习当中去，但是又不能直接说。于是，我说：“是哪个女生能不能告诉我?”他说了女生的名字，我一听，原来是最漂亮的那个女生。于是我就说：“我得表扬你!你看，你喜欢的女生是班里最漂亮的，这说明你的审美能力很高嘛!你说说，你除了喜欢她漂亮还喜欢她什么?”他说了这个女生的几个优点。
我表示同意，我接着说：“你看到的都是她的优点，是一个人，她就会有优点也有缺点。你再去观察观察她的缺点，我再告诉你你该不该表白。”过了一个月，他又来找我，这回他说：“老师，我不想表白了!”我说：“为什么?”“我按照您说的去观察她的缺点，我发现了不止有十条，而且有些是我不能容忍的!”我说：“你看，现在你的烦恼自己就解决了，根本就不用我帮忙了!不过，人都是有优点和缺点的，恋人之间也要能包容所有的缺点才能称之为恋人。你包容不了，这说明她不适合你。那么，这一篇就掀过去，你以后要把她还当朋友一样对待。”“谢谢您，老师!我开始跟您说的时候，您没有批评我，反而表扬了我，我很感谢您!”后来，这个学生考上了很好的大学。
赞赏学生时，心灵的感受非常重要，这就是为什么人和人在吵架的时候要很大声，因为他们的心离得远了，他们越大声心离得越远，而爱人之间在甜言蜜语的时候都是轻声细语的，因为他们的心离得非常近。所以，我只要用我一颗炽热的心去接近学生，用心灵与学生交流，建立和谐的师生关系，让每一位学生热爱美术学习，获得属于自己的成功。
美术教学应该充分体现新课程标准要求的以学生为主体的教学思想，从学生的角度入手开展教学。情感教育的运用正是体现了这一点。情感的沟通也是一种教学方式，他不仅是对人的尊重更是对我们美术教学的促进和补充。作为美术教师，我们在钻研美术基础知识完成好美术教学设计的同时，还要注重情感教育的研究和实践，多运用情感教育丰富、充实自己的教学课堂。只有这样，我们才能在完成美术教学任务的同时促进学生个人素质和能力的全面提高。
同学你是山西大学商务学员的把
写作思路：可以从该画作的主题以及构图、色彩这几个角度进行鉴赏，中心要明确，语言要通顺等等。
正文：
《星空》是荷兰后印象派画家文森特·梵·高于1889年在法国圣雷米的一家精神病院里创作的一幅油画，是梵高的代表作之一，现藏纽约现代艺术博物馆。
梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士最后他投身于绘画。
他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变。
1888年，来到法国南部小镇阿尔，创作《阿尔的吊桥》；同年与画家保罗·高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。
此后，梵高的疯病（有人记载是“癫痫病”）时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1889年创作《星空》。1890年7月，梵高在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
在这幅画中，梵高用夸张的手法，生动地描绘了充满运动和变化的星空。整个画面被一股汹涌、动荡的蓝绿色激流所吞噬，旋转、躁动、卷曲的星云使夜空变得异常活跃，脱离现实的景象反映出梵·高躁动不安的情感和疯狂的幻觉世界。
《星空》是后印象派画家梵·高的代表作之一。在这幅画中，夜晚的天空高又远，大星、小星回旋于夜空，金黄的满月形成巨大的漩涡，星云的短线条纠结、盘旋，仿佛让人们看见时光的流逝。暗绿褐色的柏树像巨大的火焰，是星夜狂欢的响应者。天空下，安睡的村庄那么宁静、安详。淡蓝的色调，动感的线条，给人自由的时空感。
梵·高通过这幅画作不是想用浩瀚的宇宙来反衬出人类的渺小，令人类生出畏惧之心，而是传达出一种不向命运低头的精神。天空中飞卷的星云，好像在旋转着跳舞，好像鲜花一样怒放，那柔韧的枝条虽然力量微薄，却无畏地抽向天空。而直上云端的巨大柏树，形如一团黑色的火舌，不屈地奋力伸展着枝叶。传达出作者内心的苦闷和忧郁。也表现出人类的挣扎与奋斗。
从构图上来说，该画面构图极为准确，画中以树木衬托天空，下部的房舍托起了无边的宇宙，以获得构图上微妙的平衡。特别是那些柏树的线条画得流畅而别具一格，正如梵·高自己曾描写的那样：“那些柏树总是占据着我的思绪——从来没有人把它们画得像我看到它们的样子，这使我惊讶。柏树的线条和比例正如埃及金字塔及尖碑那么美丽——在晴朗的风景中的黑色飞溅。”
在绘画技法上，梵·高接受了前期印象派的某些特点，不是用简单的线和面来表达物体。而是用点来表现物体的光影，达到了传统画作无法达到的效果。同时，他又注重采用夸张和对比的方法，给光影添加动感。
前景中以短促清晰的水平线笔触描绘出来的小镇，与画面上部呈主导趋势的曲线笔触，形成了强烈的对比。教堂的细长尖顶与地平线的交叉，柏树的顶端恰好拦腰穿过旋转横飞的星云，这一切都使画面产生出一种流动的感觉
基调，给人以沉重的感觉，加强了夜色的黑暗，前景中的柏树用了深绿和棕色，意味着黑夜的笼罩。明亮的白色和黄色来画星星及周围的光晕，又给人一种温暖光明的感觉。梵·高运用浓厚并且短促的笔触，交织成弯曲的旋转线条，海浪般的图形使画面呈现出炫目的奇幻景象，画中漩涡状的天空与平静的村落形成对比。
在大面积冷色调的流动星云中，一轮橙色的月亮散发出亮光，仿佛明灯般点亮了沉寂的夜宅，奇幻的色彩给人留下深刻印象。整个画面着色搭配协调。浓淡相宜，深浅适中，很好地配合了画中的氛围。
从艺术特色看，这幅画从某种意义上说，是他看到的幻象。这种幻象，超出了中世纪艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做过的任何尝试，它来自画家某种直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。
梵·高以火焰般的笔触，标新立异的无畏，把自己超自然的，或者至少是超感觉的幻想体验大胆地用笔触来加以证明，作品预示了画家用幻想作为手段而对自己的主观世界加以表达的探索。
美术呀 最近长江汇有大优惠活动一样 值得走一着
纪梵希经典“高定香榭唇膏”在纪梵希全球彩妆创意总监尼古拉斯‧迪恩的重新诠释下，2019年推出全面进化的崭新版本，以纪梵希高级订制服的多变与耀眼为灵感来源，创造三种不同光泽、质地、管身设计的精品唇膏，仿佛为双唇穿戴高级订制服般，分别绽放时尚耀眼的饱和皮革雾光、摩登前卫的丝绒雾面，以及闪耀神秘的低调星光！
谁他m的回答的 他题目写的1000 而实际才标注贰佰 你们大家二 是吗 真搞不懂 楼主你很有脑子哦 我很想给你点评 可是你很会开玩笑哦 并无恶意 咱俩私聊吧
1、LV
路易威登于1854年结婚，同年作出建立自己的公司的重要决定。
夫妻俩在尊贵地段Rue Neuve Des Capucines四号（即今天的Rue des Capucines）开设店铺，选址跟梵登广场（Place Vendome）及后来兴建的歌剧院仅咫尺之遥。
路易威登成立公司后立即作了一个影响深远的重要决定，就是以耐用又防水的帆布物料将其中一个旅行箱覆盖。四年后（即1858年），他推出一款全新产品—方便运输的平盖白杨木行李箱。
此行李箱表面覆以优质灰色防水Trianon帆布，角位以金属包边，装上手挽及托架，表面的榉木条以铆钉钉牢；内部设计同样富有心思，一列隔底匣及间隔方便摆放各式衣物及优雅衬饰。
这新设计不但能保护衣物及易于携带，更标志流芳百世的路易威登行李箱及现代旅游文化正式诞生。
2、Dior
克里斯汀·迪奥（英语：Christian Dior），简称迪奥（Dior），是法国著名时尚消费品牌。
亦为全球高级时尚品牌控股公司：LVMH 酩悦轩尼诗路易威登集团的母公司（Moët Hennessy - Louis Vuitton, LVMH Group）路威酩轩集团，是一法国酒业与高价奢侈品制造集团。
迪奥公司由法国时装设计师克里斯汀·迪奥（Christian Dior，1905年1月21日－1957年10月24日）创立，总部设在巴黎。
主要经营女装、男装、首饰、香水、化妆品、童装等高档消费品。其男装品牌现已独立为迪奥男装。
3、Chanel
香奈儿（Chanel）是一个法国奢侈品品牌，创始人是Coco Chanel（原名是Gabrielle Bonheur Chanel ，中文名是加布里埃·可可·香奈儿），该品牌于1910年在法国巴黎创立。
该品牌产品种类繁多，有服装、珠宝饰品及其配件、化妆品、护肤品、香水等。该品牌的时装设计有高雅、简洁、精美的风格，在20世纪40年代就成功地将“五花大绑”的女装推向简单、舒适的设计。
4、YSL
创始人yves saint laurent伊夫圣洛朗1936年生于阿尔及利亚，21岁时任全球最有名望的迪奥时装公司的首席设计师，但是好景不长，由于迪奥的老顾客们认为伊夫-圣洛朗过于激进，1960年他被炒了鱿鱼。
1962年在巴黎建立自己的公司。圣·洛朗的设计既前卫又古典，模特不戴胸罩展示薄透时装正是他开的先声。
圣·洛朗擅于调整人体体型的缺陷，常将艺术、文化等多元因素融于服装设计中，汲取敏锐而丰富的灵感，自始至终力求高级女装如艺术品般地完美。圣·洛朗的旗舰产品是高级时装，服务是全球仅几千名的富豪们，用料奢华，加工讲究，价格昂贵，是常人所难以接受的。
5、Givenchy
纪梵希(Givenchy)是来自法国的时装品牌，优美、简洁、典雅是纪梵希最大特点，纪梵希最初以香水为其主要产品，后开始涉足护肤及彩妆事业。在世界品牌实验室编制的2006年度《世界品牌500强》排行榜中名列第411位。
参考资料来源：百度百科-纪梵希
参考资料来源：百度百科-香奈儿
参考资料来源：百度百科-迪奥
参考资料来源：百度百科-路易威登
参考资料来源：百度百科-YSL
学习和巩固服装设计的基本知识学习和丰富服装设计的边缘知识学习的过程中积极参加相关活动，积累经验、接触和研究流行元素，为自己的设计积累素材把握服装及设计行业的脉动，能够踏流行之浪尖牢牢树立为消费者服务的意识。扎实地掌握服装设计的基本理论，练就服装结构设计与制作的基本功初级阶段的模仿到高级阶段的借鉴。积累之初往往表现为对成功设计的模仿，主要是通过对成功设计的细心品味与模仿来逐渐培养的设计思维。但模仿绝不是简单的照搬。积累的高级阶段便是高水平的广泛的艺术借鉴——从其它艺术和他人设计中吸取精华、融于自我，在传统的基础上创新发展；获得灵感、潜入匠心，在艺术的触类旁通中立意突破。当这种积累达到一定程度之后，便会产生一种飞跃，即初步形成了具有一些自己特点的东西。服装设计是一个需要时间积累和机遇的，扎实的基本功是你走向成功的基础，好好培养自己，祝你成功！~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~给你篇资料希望能对你有所帮助金融危机改变服装设计理念 将更加贴近生活金融危机是一场价值危机，而寻找服装设计的方向，就是寻找价值的方向。未来设计将影响时装走向何处？笔者认为，务实、人性化、贴近生活的服装设计理念将更加流行。灵感来源于青花瓷的服装这个世界根本不缺乏能设计出时尚、优雅、性感、漂亮时装的设计师，却非常缺乏服装设计师。时装和服装两个词的含义有天壤之别。事实上，变化莫测的时装把人们的生活装扮得绚丽多彩，充分满足了人们各种各样的欲望，但是阳春白雪的时装离普通人太遥远，遥不可及。作为一种独特的创作语言，服装具备观念传播、精神交流的无限可能性，甚至能够引发深思继而改变行为。服装不仅仅是出于视觉上的赏心悦目，而是应该带给人们精神上的愉悦。在21世纪，设计师不应该再是一味只为展示自我个性、创造短时间流行的消费促进者；设计师不能再关上设计室的门，自我陶醉于奢华之梦里。设计师应该融入生活，用服装装扮现实生活中的人，而不仅仅是为每年一次的时装发布会创作，为一掷千金的明星、大款创作。中国服装设计师所追求的应该是一种价值——人类的价值。服装设计师的责任就是将人们打扮的更美，金融危机让服装设计变的更加务实了。能展现中国女性气质的旗袍服装是综合艺术的体现。服装设计来源于生活、艺术和文化。作为一名设计师，如果脱离生活和大众，就不是好的设计师。换一个角度，设计师还要有自己的个性、文化、追求、梦想，有了这些，才能把艺术行为通过服装专业行为表现出来，引导时尚。过去那种抄袭、跟风、模仿等风气，将会在这次金融危机中受到清理和淘汰，未来能够生存的服装，一定是有特点、能抓住生活形态、为特定顾客认同的，产品差异化会在这轮危机中体现出来。过去的10年里，中国服装设计汲取了文化、艺术、功能、责任、文化、风格、技术、材料等多种文化元素，打破了传统文化所固有的界限。这是一次将时装工业的发展与各行特色及精神状态的展示融合在一起的努力。将来，服装实设计师要更加务实，要真正站在消费者和创造价值的角度想问题。如果中国服装设计还走CHANEL和GUCCI所走过的道路，就永远只能成为一个跟在别人后面的模仿者。即使外国大牌的设计水平比中国品牌高，但它们对东方情怀、中国元素的理解不可能比中国品牌更高。我们要相信，随着中国的崛起、中国文化意识的复苏，中国服装将能够更好地用现代化的技术手段去解读中国传统文化的精神内涵，传播有传统文化内涵的现代生活方式。~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~金融危机下服装新趋势到市场最根本的起点：消费者因素。在衣着领域，消费者对于穿着方式的观点决定着服饰采购的方式。当我们追究一个行业在大部分消费者心目中最本质的事实时，符合消费者快速变化的时尚消费特征，反应他们生活方式的衣着方式才是服装行业的核心。所以了解消费者快速变动的观点、价值、认同成为了首要的目标，这是了解的过程。然后，通过设计和组织生产，快速满足消费者变动的需求，这是满足的过程。最后，衍生出基本这种满足模式上的制度和操作惯例，成为一个模式，引领市场，这是引导的过程。中国的服装消费，一直以来就呈现着“两极化”的发展趋势，一极是奢侈品消费方兴未艾，另一极则是平价产品的流行。但是，消费奢侈品的人那毕竟是少数，成为不了主流；只有那些平价的消费，才适合中国13亿的普通人群，才可能成为市场的主流趋势。君不见，“超级女声”的火遍大江南北，预示着中国平民英雄的力量；“网络红人”、“博客”的流行，展现着中国普通人的表达自我的欲望；“百家讲坛”学者走向民间，更是标志着中国普通消费者的力量的强大……这是一个“草根文化”流行的时代，这是一个“平民英雄”的时代，这就意味着中国服装的“平民时尚”的时代才是社会的主流。近20年来，随着中国社会的经济进步，服装已经从耐用消费品转变为时尚的快速消费品，服装的销售周期很短，流行周期越来越短，一般只有3-4个月。服装流行周期的缩短，必然导致价格平民化的产品更容易销售，价格高昂的服装则容易库存，由此可见，服装平民化已是行业的大势所趋。趋势一：中国服装将与国际巨头直接竞争2月24日，西班牙时装巨头Inditex公司在上海南京西路的Zara时装品牌专卖店开张，ZARA在上海专卖店一天的销售额高达80万元，相当于80个中国服装品牌日销售额的总和；4月12日，另一家瑞典时装零售巨头H&M品牌专卖店正式在上海淮海路开业，据H&M宣称，其单店营业额单日最高已经达到200万元，相当于200个中国服装品牌日销售额的总和；据了解，H&M的沪上第二店将出现在正大广场，同时，ZARA也在正大广场店开出其在中国的第三家零售店，C&A将在今年上半年在上海开出4家专卖店。这一系列的国际服装巨头落户中国，标志着中国服装业，即将进入与国际巨头的直接较量中。2004年12月，中国零售分销业门户大开，外资进入不再受地域、股权、数量的限制。2006年3月，商务部又将部分外商投资企业分销权的审核下放到地方省级商务主管部门。审批流程的进一步简化，导致申请数量出现井喷现象。随着国际平价时装的竞相入沪圈地，笔者认为，过去几年，中国主要引进的是外资大卖场，但今后将有越来越多的中高端专卖店出现在上海，为此，上海以至中国的外资分销企业将面临新一轮的“井喷”。趋势二：掀起“平民化时尚”的盖头来当中国的服装企业还迷茫于“如何做时尚、如何用时尚做高价”这些问题的时候，国外的时装零售巨头们已经率先在中国掀开了“时尚平民化”的盖头。在中国服装企业的逻辑里，时尚就代表着高附加值、高价格、高利润，但是，国外的H&M等品牌，彻底地颠覆了这一逻辑。我们来看看他们的发展轨迹。1972年，StefanPersson接替其父亲成为了H&M董事长，在坚持平价化原则时，加大了对于服饰本身流行和品质的要求，“以最好的价格，提供流行与品质”，这样的口号重新诠释了H&M对于生活流行的理解。其实，稍微知道一点服装全球史的人都应该很清楚，H&M从创立之始，就已经深深地同那个时代背景下的时尚趋势紧密关联了。H&M成立的时候，正是欧洲开始了战后漫长的修复期，被战争严重压抑了的生活方式剧烈地释放着人们对于“时尚”的需求。呆板和沉重的衣着方式，在释放中迅速退去。这时候，DIOR颠覆传统的NEWLOOK的出台和流行，印证着时尚流行的必然。同时，从这个层面看，由一批设计师主导和推动的风格流行，其面对的市场是高端且局限的，在人群普遍寻找“改变”的时候，以平价策略推出的H&M，无疑满足大部分人们在高端时尚面前所无法获得的需求。到了70年代，时尚风格潮起浪涌，消费者对于价格的感觉不再唯一和绝对的敏感，时尚和流行成为更多人关注的重点。H&M所推行的“快速平价的流行”又正好了满足了中间层人群对于流行时尚的需要，同时，70年代末，奢侈品消费增长的逐渐衰减，这也促使了H&M商业机会的提升，毕竟人们对于时尚的需求不会因为价格而降低的。时代在变，消费者群体在变，消费者群体背后的消费模式和观点也发生了剧烈的变动，因势而动是必须要有的姿态，至于变的如何，那是另外一回事情了。趋势三：中国服装进入品牌循环期，面临大规模洗牌首先，我们要说明的是，前文所述的H&M等品牌的低价时尚路线，并不是中国大部分服装企业的那种纯粹以价格来竞争的低价路线。H&M等品牌迎合的是消费群“优质低价”的消费心理，迎合的是“花少钱买品牌货”的心理，它是建立在品牌和时尚的附加值之上的低价。这是中国绝大部分消费人群的消费心理。中国还有一部分人的消费心理则是消费的升级换代。据对代表高档、中高档服装消费的大型零售商业统计显示，近两年的服装销售单价一直呈上升趋势。城市消费都在向高一层次消费模式挺进，以产品现货交易为核心的批发市场已现颓势。这种上升趋势是中国部分已经步入小康或富裕阶段的消费人群的消费趋势。目前各级服装市场均呈现品牌更迭加速、新品牌层出不穷、营销模式分化、注重渠道建设终端管理等态势。由此可以判断，新一轮“洗牌”已开始，服装市场已进入新的品牌循环期。中国服装市场另一个突出特点是，外贸增长方式正在转变。目前世界各服装出口竞争国的外贸加工价格都已经相当透明，加上中国服装生产受到人力、土地、能源等因素影响，加工成本一再升高，继续走单纯贴牌加工路线的利润空间越来越小。种种迹象表明，未来的中国服装市场新一轮“洗牌”时代已经到来，市场细分也将随行而至。通过以上分析，我们可以断定，不管是追求“花少钱买时尚品牌货”，还是“花多一点钱消费升级”，甚至“外贸的转型”，等等，它们都是朝着做品牌的方向前进的，可见，服装行业的品牌塑造和洗牌，已是大势所趋、刻不容缓。趋势四：“高速度、小批量、多款式”通过改变时尚速度，加快时尚消费与淘汰的速度，打破时尚流行定律，创造流行没有淡旺季，突破传统品牌的区域优势与运作规律，始终保持旺盛的销售态势，这是现代时装行业的发展趋势所在。1、高速度——紧随“时尚”的脉动时尚最大的特点就是多变，一部电影、一张专辑都可能改变人们对时尚的看法，而时装最动人处正是紧随时尚。从流行趋势的识别到将迎合流行趋势的新款时装摆到店内，服装企业要与顾客追求时尚的心态保持同步，能够更快地抓住每一个跃动的时尚讯号，以此来打动顾客。2、小批量——“饥饿”疗法的实施与其他服装零售商相比，时装企业每一款服装的生产数量都要非常小，这就人为地创造了一种稀缺。越是不容易得到的，就越能激发人的购买欲望。小批量供应和预示供货紧张的做法，也能够刺激和提高顾客访问店铺的频率。3、多款式——让审美不再“疲劳”不讲求每种款式生产更多的数量，而是注重款式的多样性，这是时装品牌取胜的法宝之一。每年需生产的服装款式要多,能在流行时装上提供更多的选择。紧跟时尚趋势、频繁的更新和更多的选择，就能造就品牌对顾客的独特吸引力,从而大大增加了顾客对品牌的偏好与忠诚度。趋势五：模仿也是创新服装新的趋势认为，经营服装根本没有必要寻求创新设计，因为几乎所有的时装公司每年每季都会公布不计其数的新款服装。我们只要抄袭、抄袭、再抄袭，但要动脑筋地抄袭。设计师的任务不是创造，而是在艺术指导决策层的指导下组合现成的成品。那么在每季公布的众多款型中，如何选择、选择什么呢？ZARA的艺术总监和他领导的设计师团队的主要工作，就是每时每刻，把信息从销售点和目标顾客群常去的活动场所传向总部，这些信息指导产品定位于顾客所需。他们经常到纽约、伦敦、巴黎、米兰、东京等时尚都市的第一线去了解女性服饰及配件的最新流行与消费趋势，从中汲取顶级设计师的智慧和理念，然后加以模仿制造。。设计师与门店经理在同一间办公室工作，并随时掌握商品销售状况、顾客反应等第一手信息来自第一线的信息可迅速反馈到设计者和生产者那里，从而在最短时间内调整产品细节和生产流程。时尚是一种需要注入灵魂的创造，可同时它不应是大众可望而不可及的东西。但不管怎样，对于时尚管理界来说，Zara的确领导了一场大众时尚革命。趋势六：打造快速反应供应链著名经济学家郎咸平曾指出：“2000年后成功的企业，成功不是靠创新，而是靠快速反应。”其中不难看出，对市场的“快速反应能力”将成为衡量现代化企业核心竞争力的关键。而对于以“时效性”著称的服装业界，“流行性”和“季节性”构成了服装商品的显著特征，服装企业要做到“信息反馈高效、市场反应灵敏”，才能在日趋激烈的市场竞争中立稳脚跟。因此，如何突破传统经营模式的壁垒，将原辅料供应、生产制造、产品销售等环节有机协调，建立起高效而完整的供应链体系、共享信息网络的有效资源，实现“以销定产、以产定购”的快速反应机制将是我国服装企业在发展过程中需要面对的严峻课题。目前国内大多数服装企业仍处于信息化程度较低的阶段，“快速反应能力”根本无从谈起。由于缺乏适时的信息化管理手段，企业不能快速、准确地了解各分公司、专卖店、代销商场的销售情况和库存状态，很难对各专卖店、代销商场做到准确配货，也很难进行销售预测与分析。传统的分销体系基本上都采用手工作业，需要几天时间才能做出一张基础表格，更不用说总报表，企业领导根本做不到及时准确地对经营管理做出决策。ZARA的出现，打破了传统服饰品牌运营之道，其核心价值在于“速度”!在2003年的时候，ZARA公司是全球唯一的一家可以在15天内将生产好的服装配送到全球40个国家的736家连锁店的时装公司。它之所以能做到这一点的主要原因就在于，该公司采取的是不同于常规的管理、设计思路，有一个独特的生产设计、订单管理、生产、配送和销售的系统。ZARA在品牌创建之初也曾面临过无法提升速度的难题，只能依照传统方式“按部就班”的发展，虽有野心，但无用武之地。在找到“现行方式不能打破就不能产生更高效益”的瓶颈后，ZARA投巨资设立了自己的纺织厂及服装加工厂，并在欧洲一些主要地区建立独立的物流运输企业。14个工厂连结一个超大型自动化配销仓库，完全自制自销，虽然生产成本比外包生产提高15%至20%，但高效率的作业管理使得生产速度得到提升、减少存货带来的滞压成本，因此可以维持稳定的10%利润。当ZARA的专卖店离开欧洲到达美洲及亚洲之时，为了解决同样的问题，并减少固定资产的投入，他们采取了参股的方式，与一些生产能力强、并在管理及产品质量上有一定保证的生产企业建立了合作关系，而物流系统则由销售区域内专业的运输公司解决。因此才形成了今天一件产品从设计开始到选料、染整、剪裁、针缝、整烫、运送乃至成品上架最长只需3周的快速供应体系。当然，我们不能够像ZARA一样投入巨资建立起一个自有的生产供应链，但中国拥有众多的纺织服装生产企业，完全可以通过多种方式得到相同的结果。同时，以参股的方式同上下游企业及商家建立合作经营模式，不仅可以将双方的关系更加紧密联系在一起，形成“合力”效应；另一方面，也使品牌企业可以参与到生产的管理上，更加有利于全流程的统筹规划，打破“效率堵塞”的瓶颈。
楼上说的对，还有阿波利奈尔埃里希·赫克尔罗朗·乌多米勒布格罗还有很多，不过我觉得十九世纪的作品给人的感觉过于追求革新与进步，尤其是起主力军，受印象主义强烈影响的画家掀起的技法革新...虽然后印象主义从19世纪80年代起开创了20世纪的绘画语言,但是后印象主义的主要画家生前几乎都默默无闻。呵呵 还文艺复兴的作品更具人文价值和艺术价值啊。ps:楼下那回答七宗罪的明显不是在跟你讲话
梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。记得一句关于梵高的话：“灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毁灭了自己
上个世纪初，在西欧流行一部卷幅浩瀚的长篇小说《芳托马斯》。32卷由两个作家合作完成，每月创作一卷。合作延续到1914年第一次世界大战爆发，后来，路易•菲伊雷德把小说改编成电影，放映后在欧洲引起轰动。 《芳托马斯》的主角是一个十恶不赦的坏蛋，叫芳托马斯。他入室盗窃，诱奸妇女，抢劫银行，无恶不作。警察全力追捕，街上贴满缉拿文告。但是芳托马斯狡诈异常。警察根本不是他的对手。他有高超的易容术，从不露出真容；他身手敏捷，能飞檐走壁；他精通缩骨术，能从极小的缝隙中飞身而过。他经常与警察玩猫捉老鼠的游戏。他化装成绅士出入于酒店、旅馆与赌场，时而与政要侃侃而谈，时而与贵妇逢场作戏。总之，这是一个半魔幻半真实的风流大盗。他有智取法律的力量，敢于向愚蠢的官僚机构挑战，具有超现实的魔力。 《受威胁的凶手》就是芳托马斯的崇拜者之一，超现实主义画家马格利特的作品。关于马格利特的介绍网上可查，不在此赘述。接着返回原画上，整张画面，二名手持简单工具的侦探，一具赤裸女尸，一名穿着讲究不明身份的人，三名围观者。最初看到这幅画时，脑中便充满各种诡异的问号:谁杀了那名女子？留声机旁边的男子到底是谁？那两名侦探为何手持如此简单的抓捕工具？三名围观者到底看到了什么？ 找到了上面的背景，心中稍微宽松，若马格利特真的是在画芳托马斯的话，留声机旁边的男子就应该是那位风流大盗了。刚刚做完案的他正在准备易容逃跑，地上的旅行箱，凳子上的大衣和帽子是他的作案工具。门口的两名侦探正在等待时机，或许是在等候支援的同伴，面对名声大作的芳托马斯不敢轻举妄动，面部表情极其凝重。三名围观者目睹一切后，惊愕、忧郁尽显脸上，一切一触即发。而画家更是将看画人的视角至于这一切发生的最近处，整个场面令人紧张不已。 可是画家在这里开了个小小的玩笑，在已经发明了留声机的年代，两名侦探还手持木棒、绳网，意图逮捕芳托马斯如此这般的江洋大盗，画家拿我们顽固。愚蠢的官僚机构开了一把涮。 老师也讲到过，整幅画人物的面孔全是马格利特，听到时很是迷惑。为何要将自己画成所有人？是技术，用以构成魔幻感么？以哲学绘画著名的画家应该不止有这点想法吧？我这样猜度着。受害者是我，施暴者是我，围观者是我，执法者也是我。画家这么画到底是为什么？ 画家画这幅画的时候，立体主义，野兽主义已经在欧洲普遍流行，达达主义，未来主义，超现实主义正在蓬勃发展。随着照相机的发明，画家的绘画对象，表现手法都发生了重大改变，艺术观念经受着暴风骤雨般的洗礼，画家本人也从一只烟斗开始，去探索相似和近似的概念，，把观念和形象分离开来，挑战了大众的常识，发人深省。用绘画把“是”与“不是”这个哲学问题表达出来。而以上各种主义发展到达达主义反传统，反艺术之后，不论是艺术，还是道德都需要一种颠覆，杜尚用他的作画颠覆了艺术形式，那马格利特这幅画就是对道德的一种颠覆。画家崇拜芳托马斯，崇拜他能玩弄政府机构于股掌，完全自由；在作画职业上，画家却扮演着那两名侦探式的人物，理性，专业；在现实生活中，画家扮演着别人生活的围观者，或许自己也是受害者。一个人身上有多种身份，不同以往，受害者是值得同情的，施暴者是必须谴责的，围观者是完全无辜的。道德不如以前一样代表着绝对的善恶，而是随着人性的胶合越来越暧昧不清。我们的自私，冷漠不再是无事者的无关紧要。因为一切都与自己有关。这也正是体现了现代艺术的本质，对观念的改变和诠释。改变和诠释建立在艺术家大量的思考上。马格利特受不了巴黎的艺术氛围回到了比利时，自己一个人思考，用画笔去诠释，虽然在美术史上不如其他一些大家那般早年得志，却也画出了自己的一副天地。他的画总以哲思出名，比例的夸大，主题的诡异，思想的深奥，挡住了大部分人的脚步，被印在钞票上的《天降》，我倒觉得远不如他《窗》系列那组画来的动人，画布遮挡住窗户，画上户外的景象，真实是什么？画家用这组画来拷问我们。与其说马格利特是魔幻现实主义画家，我到是偏向于把他归为现实派的思想，魔幻的表达手法。他和达利不同，达利执迷于如何表达潜意识，但是马格利特却表达着现实，用魔幻拷问着现实。对于常规，大多数人选择默认，而马格利特却用自己的画笔拷问着这些大家默认的东西。以哲人的身份画画，这就是我想说的马格利特。【参考书目】：1. 《马格利特：图像的哲学》 刘云卿 广西大学出版社2. 《现代主义绘画解读》 孙家祥 上海教育出版社3. 《剑桥艺术史-20世纪艺术》 罗斯玛丽•兰伯特（英） 译林出版社4. 《世界著名图像的秘密》 张延风 百花文艺出版社5. 《奢华的冒险-现代艺术的消解与重建》 张彬 北京大学出版社6. 《二十世纪视觉艺术》 爱德华•路希•史密斯（英）
中国美术学院的7宗罪！ 1 盲目扩大招生人数，4个校区，号称世界最大，可是美术是一门精英学科，所以学校规模绝对不允许盲目的扩大！ 2 国画系盲目复古和割裂国画各个学科的关系，你去国画系看看吧，基本上除了临摹就是临摹，还有花鸟专业的居然说山水不用写生因为和他们无关 3 油画系盲目的陷入了具象表现的泥潭！常此以往……不知道油画系会走向何方！看看2001级油画系毕业的毕业展览！ 这是学了4年的学生画的吗？？？ 4 过于自大，动辄就拿自己和中央美术学院的比 动辄就吹嘘自己是世界最大的美术学院，最大有什么用？美国排名第三的大学不是哥伦比亚 不是普林斯顿，是一所一研究文科见常的规模比较小的大学！ 5 沉迷于以前的成就，把潘，林等大师放在最边 在看看现在？？有能够说画的人人都信服的画家吗？ 6 缺乏与其他院校的交流，杭州是个中小城市，大学数量不能和北京上海武汉南京等等大城市比，但是浙江大学实力雄厚，中国美术学院也没有什么与综合大学交流的机会，学生仅仅是限在了美术这个小专业，我担心以后中国美术学院培养的大更多的画匠！ 7 学科建设一拥而上，称呼司了一些如书法，综合绘画的系，这些系的发展前途~~~补台看好 首页 > 教学与管理 > 教学与管理 美术史论系举行2006届本科毕业论文开题报告会 (2005-11-29 16:36:46) 染服系聘请退休教师为系客座教授 (2005-11-16 9:03:23) 国际交流教学2005夏季学院 (2005-11-7 16:18:55) 环境艺术系国际交流教学 (2005-11-2 16:56:07) 俄罗斯当代著名油画家塔切扬娜教授在我院讲学 (2005-11-1 15:52:39) 油画系“潘东丽扶贫助学资金”顺利发放 (2005-10-28 10:33:59) 视院美教系举办《美国当代美术教育》学术讲座 (2005-10-13 14:36:43) 视觉艺术学院美教系举办毕业创作专家座谈会 (2005-10-11 16:38:25) 美术史论系召开2006届本科毕业论文工作动员会 (2005-9-30 16:55:50) 品质教学——记染织与服装系率先实行教学二级督导制 (2005-9-28 14:43:24) 加强精品课程建设 提升教学质量 (2005-9-23 14:22:29) 新的学年 迎接新生力量——记设计基础教学部2005级新生迎新大会 (2005-9-12 14:45:51) 版画系召开新学年学生大会 (2005-9-8 10:36:52) 学生手册 工作指南 (2005-9-5 9:51:39) 勤恳敬业，更上台阶——记设计基础教学部新学期第一次全体教师会议 (2005-9-2 10:01:32) 油画系进行期末教学检查工作 (2005-7-8 16:36:31) 版画系召开期末学生会议 (2005-7-6 15:03:15) 设计基础教学部举行期末教学自查 (2005-7-5 17:26:13) 象山校区基础教学中心汇报展在象山展览馆举行 (2005-7-5 17:23:18) 总结尽在丰收后——记设计基础教学部最后一次全体学生大会 (2005-7-4 16:53:08) 首页 > 教学与管理 > 教学与管理 造型基础教学部召开期末教学总结会议 (2005-7-4 16:35:22) 成教学院举行2005班级互动交流会报告 (2005-7-1 9:59:37) 04-05第二学期考试日程安排 (2005-6-24 14:48:34) 油画系研究生系列学术讲座继续进行 (2005-6-17 16:55:07) 美国罗德岛艺术学院教授来我院环艺系授课（连续报道） (2005-6-16 16:58:32) 他山之石——《概念设计教学》讲座展示实验性教学研究成果 (2005-6-14 10:32:19) 跨年级联合教学互动——建筑系《建筑艺术概论》课程教学新体系 (2005-6-14 8:28:53) 油画系参加院“四月乡风——下乡作品展” (2005-6-7 11:10:09) 找寻大自然的灵音——雕塑系第四工作室关于“生长”课程的成果展示 (2005-6-2 15:59:57) 设计基础教学部举办下乡作品联展 (2005-5-30 16:26:51) 民族之根——记设计基础教学部系列讲座之三《书法之美》 (2005-5-27 17:01:12) 设计学院举办研究生导师培训班 (2005-5-27 10:54:45) 版画系举行学生下乡作品展览 (2005-5-24 17:07:41) 促进学术研究的深层探讨——油画系研究生系列讲座之三 (2005-5-18 16:09:23) 造型基础教学部举行下乡汇报展 (2005-5-17 16:24:32) 中国画系举办下乡习作展 (2005-5-16 17:06:54) 体验生活 感受乡情——油画系下乡写生图片展 (2005-5-16 15:59:18) 关于转发《浙江省教育厅关于选拔优秀本科生转入我省部分高校重点专业学习工作的通知》的通知 (2005-5-9 16:33:35) 上海设计学院开设关于“澳大利亚当代美术设计教育”的讲座 (2005-4-22 16:33:41) 荷兰鹿特丹威廉·德·库宁美术学院与我院版画系创作交流 (2005-4-13 16:17:06) 首页 > 教学与管理 > 教学与管理 2004年10月补考日程 (2004-9-1 18:36:22) 关于非专业选修课网上选课的通知 (2004-8-30 16:02:31) 我院造型、设计基础教学部分流工作圆满完成 (2004-7-1 17:04:00) 2004－2005学年度专业选修课程一览表 (2004-6-28 9:37:13) 设计基础教学部专业分流 (2004-6-28 8:43:45) 他山之石——英国奥斯特大学大卫教授和罗杰教授来我院基础部讲学 (2004-6-17 17:49:49) 英国教授安田猛先生来我陶艺系教学 (2004-6-11 14:30:37) 著名艺术家克里斯第安教授来我院教学 (2004-5-24 8:33:01) 期末考试日程安排 (2004-5-9 9:46:02) 关于专业选修课网上选课的通知 (2004-5-9 9:32:29) 2004届毕业班补考通知 (2004-4-23 13:22:41) 香港陶艺家黄美莉女士在我院陶艺系讲学 (2004-4-19 10:04:31) 造型基础部本科分流工作全面启动 (2004-4-16 9:10:00) 我院聘请吴寅华教授担任教学评估工作顾问 (2004-4-9 14:55:55) 交流与提高——记设计基础部“设计基础教学”的讲座 (2004-4-9 10:59:29) 国画系邀请老教授回系讲学 (2004-3-26 17:15:15) 设计基础教学部展开专业宣讲 (2004-3-19 10:34:09) 设计中的无意识和有意识——德国专家米歇尔和乌塔讲座 (2004-3-15 15:42:41) 教务公告 (2004-2-18 22:13:49) 南湖精神代代传——记造型基础部新年组织生活与期末总结 (2004-1-12 11:49:08) 兄弟 我是中国美术学院的 看了上面的东西有点伤心 虽然这都是负面的 但是中国美术学院作为全球最大的美术学院 具有其他艺术学院的利与弊 后面的是学院的学术管理与交流 可以看出在这里要是认真学习的话是能学到很多东西的 知识面很广 现在找工作的话要看专业了 传统的专业不占优势 而新兴的动画 传媒 还有设计的都看好 出来的话工资都很高 加油