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叶佑天《传统工艺美术中吉祥图案的文化意蕴》【M】湖北美术学院，2006张道一《中国传统纹样与现代艺术教育》[M] 2005赵农 《中国艺术设计史》陕西人民美术出版社【M】2004 望采纳 码字不容易 最近也在写毕业论文 希望大家都能顺利通过。
我不是学历史的，但对秦国时期兵器标准化曾经读过一篇文章，粘过来你参考一下：两千多年前，在消灭了中原六国之后，北方的游牧民族匈奴人就成了秦军主要的对手。在秦军进行统一战争的时候，匈奴骑兵乘机南下，侵占了黄河以南大面积的土地。在帝国地都城咸阳，如何对付剽悍的匈奴骑兵就摆到了秦始皇面前。当匈奴骑手高速冲锋的时候，传统的步兵很难抵挡。从历史记录来看，一种叫弩的远射兵器很可能在秦军击溃匈奴的战斗中发挥了主导作用。在兵马俑坑，由于时间太过久远，弩的木制部分已经朽烂，但完整的遗迹仍然可以复原当初的秦弩。据此复原的秦弩，有着惊人的力量。与弓不同，秦弩必须用脚蹬、借助全身的力量才能上弦。专家估计，这种秦弩的射程应该能够达到300米，有效杀伤距离在150米之内，秦弩的杀伤力远远高于当时任何一种弓。在弩腐烂后留下的痕迹中，考古人员发现了青铜制作的小机械。这些小小的青铜构件就是弩用来发射的扳机。它的设计得非常精巧。令人不解的是，秦人为什么不把它做得更简单一些呢？假设一种最简单的方案，制造成本可以大大降低。但是，射手完全靠手指的力量把勒得很紧的弓弦推出勾牙， 就要用很大的力气，在击发瞬间，弩肯定会抖动。今天的射击训练，击发瞬间连呼吸调整不好都有可能影响射击的准确性。秦军的弩机通过一套灵巧的机械传递，让勾牙在放箭瞬间突然下沉，扣动扳机变得异常轻巧。这恰恰是弩对弓的优势之一，拉弓要用很大的力气，时间越长，越难控制瞄准的稳定。可以推想，在与匈奴骑兵厮杀的战场上，秦军弩兵射击的情形。当瞄准远处的目标时，射手参照望山估算弩抬高的角度，弩箭沿抛物线轨迹就可以准确命中敌人。望山，很可能是步兵武器最原始的瞄准系统。在兵马俑坑，出土最多的青铜兵器是箭头，由于在坑中没有发现弓，考古人员认为，这些青铜箭头都是为弩配备的。战国时代，箭头的种类繁多，这些箭头上的倒刺和血槽让人感到阵阵杀气。而在兵马俑坑中发现的箭头，几乎都是三棱形的。秦军为什么单单选择了这种三棱箭头呢？三棱箭头拥有三个锋利的棱角，在击中目标的瞬间，棱的锋刃处就会形成切割力，箭头就能够穿透铠甲、直达人体。带翼箭头有凶狠的倒刺，但翼面容易受风的影响，使箭头偏离目标。秦军的这种三棱箭头取消了翼面，应该使射击更加精准。专家对这些箭头进行了仔细地分析。当检测数据最终摆到桌面上的时候，研究人员确实感到难以置信。检测结果发现：箭头的三个弧面几乎完全相同，这是一种接近完美的流线型箭头。这种箭头的轮廓线跟子弹的外形几乎一样。子弹的外形是为了减低飞行过程中的空气阻力。我们有理由推测，秦人设计这种三棱形箭头也是出于同样的目的。秦人凭经验接近了现代空气动力学的规律。这种古老的箭头是早期飞行器当中的范本，它和今天的子弹一脉相承。秦弩，连同它配备的弩箭，在那个时代很可能是技术含量最高的武器，它使秦军的攻击力大为加强。公元前214年，秦军发动了针对匈奴骑兵的全面战争。仅仅一年的时间，30万匈奴骑兵就被彻底击溃，黄河以南的大片土地重新回归秦国。秦军之所以能够取胜，弩的作用至关重要。可以设想，在匈奴骑兵还没冲到眼前时，强劲的秦弩就密集准确地击中战马和骑手。持弩的秦骑兵射击的准确程度是匈奴人的弓无法相比的，匈奴人的皮甲也抵挡不住弩箭强大的穿透力。对马背上的匈奴骑手而言，弩是最致命的武器。中国兵书经典《武经讲义》中说：弩是对付古代游牧部落袭击最为有效的武器。青铜弩机的设计是一个惊人的成就，对于匈奴人而言，这种机械装置太复杂了，他们很难装配或仿制。当专家们对秦军兵器的研究逐步深入时，他们又有了新的发现。铍是一种起源于短剑的长柄兵器，它的形式曾经五花八门。但是，在俑坑中发现的铍，尽管生产日期相隔十几年， 造型和尺寸却完全一致。湖北鄂洲是楚国的旧地，考古人员在这里发现了一把秦剑。细长的秦剑和当年楚国的青铜剑完全不同。但是，它的造型跟陕西兵马俑坑中的秦剑却完全相同。在兵马俑坑中发现的三棱箭头有4万多支，但它们都制作得极其规整，箭头底边宽度的平均误差只有正负毫米。北京理工大学的冶金专家对秦军箭头做了金相分析，结果发现它们的金属配比基本相同，数以万计的箭头竟然是按照相同的技术标准铸造出来的。这就是说，不论是在北方草原，还是在南方丛林的各个战场，秦军射向对手的所有箭头，都具有同样的作战质量。难道，地处秦国各地的兵器作坊都在有意识地，甚至是强制性地按照某个固定的技术标准生产兵器吗？如果真是这样的话，秦人就远远地超越了自己的时代。标准化，是现代工业的基础。标准化生产使不同的供应商生产的零部件可以组装在一起，也使大规模的生产成为可能。在两千年前农业文明刚刚开始成熟的时代，假如秦人真的有过标准化的兵器生产，他们的目的又是什么呢？秦军使用的弩机，由于制作的十分标准，它的部件应该是可以互换的。在战场上，秦军士兵可以把损坏的弩机中仍旧完好的部件重新拼装使用。秦军的其他兵器虽然也可以互换，但对于大多数古代兵器来说，互换性要求的精确度并不很高。专家推测：秦人的标准化应该还有更重要的目的。兵马俑坑中发现的各种兵器，在战场上应该有优异的表现。很可能是秦军从几百年的战争实践中优选出来的。专家推测，秦人很可能将优选兵器的技术标准固定，国家再通过法令将这些技术标准发放到所有的兵工厂。尽管按今天的工业标准看，这些兵器的标准化仍旧是比较粗糙和初步的，但是，在两千多年前，秦人执著于统一标准，肯定是为了保证所有秦军战士使用的都是当时最优秀的兵器。秦军的兵器制作得相当精致。在青铜剑上有三条90多厘米长的棱线，将细长的剑身分成八个面，手工要完成这样的表面加工有很大的难度。戈的圆弧部分加工得十分规整，箭头上三个流线型的表面也完全对称。让专家迷惑的是，某些天才的工匠制造出几件这样的兵器是可能的，但实际情况是，兵马俑坑中几万件兵器几乎都是同样的质量。根据司马迁的记载，秦军的数量超过了100万。不仅如此，这支军队高度专业化，装备极其复杂的武器系统。在差不多同一时期的欧洲，亚历山大的军队是5万人左右，最为强盛时的罗马军团也不过几十万人。为一支100万的军队提供兵器，是一个可怕的任务，在十年统一战争的岁月里，秦国的兵器作坊肯定是全世界最繁忙的地方，他们必须开足马力，日以继夜。问题在于，怎样才能既保证标准，又大批量生产呢？仔细观察这只戈的圆弧处，打磨的痕迹还清晰可见，手工打磨，会有交错的磨痕，那是锉刀往返摩擦造成的。奇怪的是，这些磨痕没有交错的痕迹。专家推测，秦军青铜兵器的表面加工很可能是用砂轮实现的。两千多年前是否有砂轮还有待考古证据，即便是用砂轮，靠手的感觉来完成这些弧形表面的加工，要让成千上万件兵器达到同一个标准也是不可能的。在兵马俑坑中的兵器上面，刻着一些文字。这些文字和今天的汉字很相像。研究人员发现，它们大多是人名，其中出现次数最多的一个人是“相邦吕不韦”。吕氏春秋是秦国最重要的一本历史文献，它的编撰者就是吕不韦。吕不韦是当时秦国的丞相，相当于今天的国家总理。吕氏春秋上说：物勒工名，意思是，器物的制造者要把自己的名字刻在上面。对于历史学家来说，这些看似普通的文字透露的是秦国军事工业的管理机密。吕不韦作为内阁总理，是兵器生产的最高监管人。他的下面是工师，就是各兵工厂的厂长，监制这只戈的厂长叫“蕺”。在厂长的下边是丞，类似车间主任，这位主任的名字叫“义”。而亲手制作这只戈的工匠，叫“成”。专家由此推断：秦国的军工管理制度分为四级。从相帮、工师、丞到一个个工匠，层层负责，任何一个质量问题都可以通过兵器上刻的名字查到责任人。我们已经无法知道管理的细节，但秦国的法律对失职者的惩罚是非常严酷的，这就是物勒工名的用意。透过这些冰冷的青铜铭文，我们或许还能看到那个遥远年代中一些普通人的命运。这个叫Zhe的人做了好多年兵工厂的厂长，ZHE每天都要检查兵器生产，他得向丞相吕不韦负责。如果兵器质量有问题，按照秦国的法律，厂长首先遭受处罚。为了自己和一家老小，他必须尽职尽责。处在这个金字塔式的管理体系最底层的，是数量庞大的工匠。专家在铭文中一共发现了16个工匠的名字。在秦国的手工工场，工人一般都是终身制。无论如何，这个叫DIAO的工匠一生都得在工场度过了。16年的劳作，“窵”不知道经历过多少次的坎坷。就是这些像“窵”一样的普通人，制造出了留到今天的这些精良兵器，从一丝不苟的加工痕迹上，我们至今还能感受到他们粗糙的双手和专注的目光。秦国众多的兵工厂能够按照统一的标准大批量地制作高质量的兵器，金字塔式的四级管理制度是根本保证。当世界上大部分地方仍然被荒蛮和蒙昧包围的时候，而秦人就以他们独特的思维方式和智慧，创造出了那个时代最强大的兵器制造业。
唐代工艺美术的特点如下：
(1)人的意识的解放。
(2)装饰生活的情趣化。唐代的装饰，一变以前以动物纹占主导地位的传统特点，开始面向自然生活，富有浓厚的生活情趣，摆脱了拘谨、冷静、神秘、威严的气氛，使人感到自由、舒展、活泼、亲切。
(3)唐代是我国封建社会的高度发展时期，人们充满自信，采取开放的策略，人的思想意识得以解放，这是唐代工艺美术在装饰意匠上追求清新、自由的一个重要的社会原因。
(4)装饰技法的应用。陶瓷工艺出现了多种釉色，运用洒釉、流釉等色釉技法;染织工艺有蜡缬、拓印等印染法;从造型看多运用较大弧度的外向曲线。从色彩看，多运用色彩退晕的方法表现深浅层次色阶，有富丽华美的艺术效果。
从装饰纹样看，植物纹中多以牡丹为主题，早期清秀、工整，受传统图案影响，中期(盛唐)富丽、丰满，表现手法有色称和对比，有撇丝晚期则比较洗练、简朴。卷草是唐代装饰纹样中应用最广的一种。
唐三彩是一种盛行于唐代的陶器，以黄、白、绿为基本釉色，后来人们习惯地把这类陶器称为"唐三彩"。唐三彩作为传统的文化产品和工艺美术品，它吸取了中国国画、雕塑等工艺美术的特点，采用堆贴、刻画等形式的装饰图案，线条粗犷有力,不仅在中国的陶瓷史上和美术史上有一定的地位，而且它在中外的文化交流上也起到了相当重要的作用。
浅议工艺美术的鉴赏与审美 邹惠 工艺美术属造型艺术,是以美术技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品,既有物质产品,又具有不同程度精神方面的审美性。作为物质产品,它反映着一定时代、一定社会的物质的和文化的生产水平;作为精神产品,它视觉形象又体现了一定时代的审美观。本文就工艺美术的特点及审美问题做了一些分析。 中国工艺的品种繁多,内容丰富。中国工艺美术的原始发生可追溯到远古先民的第一件劳动工具的创造。新石器时代的石玉、牙骨、编织、缝纫,特别是制陶工艺,已鲜明地显示了中国工艺美术重视实用和审美相统一的造物思想和设计意匠,鲜明地显示了工匠把握材料性能和制作工艺的能力以这是地址你自己看看，太多了，发不上来，还需要下载啊！
环境艺术是在科学技术进步的基础上人类对环境的艺术创造。下文是我为大家整理的关于环境艺术研究生论文的 范文 ，欢迎大家阅读参考! 环境艺术研究生论文篇1 环境艺术设计的发展浅探 摘 要：目前，西方的 文化 充斥着整个世界，现代的设计风格在不同肤色、语言、文化传统的人群中，被广泛接受，同时也在环境艺术设计各个领域中被广泛应用。在标准化的，无差别的生活中，人们失去了 传统文化 中独特的视觉 经验 ，失去了传统生活方式的延续性，失去了文化认同感，传统离我们好像越来越远了。所以很多设计师开始试图发掘传统的物质形式，而忽略了艺术思想的传承，漫天的传统符号涌进了我们的视线，传统的传承问题走到了尴尬的境地。作为 教育 工作者，如何对学生未来发展方向进行引导将是本文试图探索的。 关键词：环境艺术设计 发展 中国传统思想 西方先进的技术 1 环境艺术设计在我国的发展现状 环境艺术设计的定位 “环境艺术”一词是随着改革开放于近30年才出现的，它是指通过对环境的利用与重塑，创造出一种新的艺术空间，以此来满足人们更高的物质需要和精神需求。作为一个专业“环境艺术设计”是交叉性、系统性的学科，集成性和跨学科是其本质特征。其包括了人体工程学、建筑学、城市规划学、景观学、植物学、室内设计学、行为科学、环境心理学、经济学等多门学科。 环境艺术设计对现代生活、文化的影响 环境艺术物质层面的意义 环境艺术设计是一种为人类创造生存和生活的空间艺术行为。它既能够满足人们对于空间功能方面的需求以此来方便人们的生活;同时也能够使人类社会与大自然互相沟通、和谐共存与发展，并以其自身的发展对人类社会产生潜移默化的影响，从而构建人类物质空间的模式，为文化的发展创造物质基础。 环境艺术设计精神层面的意义 环境艺术设计不仅是带有一定审美价值的艺术载体，而且是具有物质基础与文化内涵的双重性及文化归属感的序列空间。它的意义就是实现人类的生活和思想全面协调的融合，高度完善的统一，并创造出具有较高品质的生活空间物质载体，以其本身所具有的文化内涵影响人们的思想和审美。 2 在现代艺术的背景下学习西方技术、发展传统精神 环境艺术设计在正处于一个文化断层有待复苏和中国经济社会各方面大力发展的时期。当今国内越来越追捧国外的建筑和艺术的发展模式，环境艺术学科也还没有形成完整的自身发展模式，面对这些，教育工作应如何为即将走出学院的学子们进行指导，是继承传统还是借鉴西方成熟的模式?是直接的照搬还是有所突破?这关系到学生的前途和这门学科的未来。 辩证的看待西方文化与现代艺术 西方文化的发展历程与现代艺术的关系 欧洲艺术经历了几千年的发展，从古罗马、古希腊所崇尚的写实时期，到灭绝人性、神学至上、低沉凝重以装饰为主的中世纪，又到以人文主义新世界观为指导的文艺复兴的庄重典雅、和谐含蓄、充满着古典意蕴的世俗情调，再到巴洛克、罗可可的宫廷装饰、繁缛精致、豪华奢丽，再到新古典主义的复古、典雅写实主义时期。由于西方人擅长线性的、个体的、机械的 思维方式 ，使得欧洲几千年的历史基本上遵循写实―装饰―写实―装饰―写实的历史怪圈之中，循环往复、裹足不前。由于蒸汽机的发明、工业时代的到来，西方艺术家们开始倡导通过集体的力量来探索现代工艺美术的语言，要用新的工艺美术形式表现出时代的特征，进而产生了包豪斯和新艺术与手工艺运动，并将实用功能作为工艺美术制品的先决条件，克服了以往只重视审美和片面的装饰性的表现，为现代设计奠定了基础。因此，现代的西方艺术是西方人几千年的智慧的结晶，是艺术史上的伟大突破和创新，他不仅是西方艺术史也使人类艺术史上一次伟大的变革，他以“人”为创作的首要对象，更注重设计的人文关怀，并且紧贴时代脉搏，利用科学技术更好地为人类服务，从这一点上说西方的现代文化是先进的，是值得借鉴的。 西方艺术推动全球化的背后――艺术的殖民行动 虽然西方的设计观点是西方人几千年来的突破，对现代生活有很重大的指导意义，但是我们不得不承认现在的全球化过程实际上就是艺术的西化过程，是西方在文化上对我们的侵略。我们环境艺术的领域中有很多人一味的崇尚西方的建筑、西方的设计风格，全身心地研究西方的体系，这是必要的，但不考虑我国的国情，盲目的跟随西方的发展，谁能否认这不是我们的悲哀。 正确地认识传统，对我国传统文化理性的继承与批判 正确理解传统的含义，对环境艺术设计发展的影响 传统是由“传”和“统”两个字构成，“传”是指时间上的延续;“统”是指空间的扩展和权威性。所以我们的今天也可能是明天的传统。我们作为中国历史长河中接力的一代有义不容辞的责任将我们的传统延续和发扬而不单单只是继承。这一点是我们作为教育工作者首先应该明白的。 辩证的认识中国传统的发展历程，了解精神是传统得以延续并保持完整性的关键 (1)传统的可变性和不确定性。 就像周代吸取了商代暴政灭国的教训而提出了“德”的观点，主张“皇天无亲，唯德是辅”的思想;春秋战国继承了周的礼制却摒弃了其重祭祀的宗教气氛而转向了实用，使得在工艺美术中形成了百花齐放的繁荣景象;秦朝的暴政统一了中国，也使自己早早的毁灭，汉代则引以为戒，追求长生不老羽化升仙;六朝上承两汉下启隋唐，并流行玄学，崇尚清淡，好放任不羁，超然物外;唐代脱离了以前古朴的特色，艺术风格变的博大清新，华丽丰满;到了宋代，又出现另一种完全不同的艺术特色，变得优雅严谨而含蓄，一洗“绮罗香泽之态”，摆脱了“绸缪婉约之度”形成了高雅的艺术格调;元代尚武，统治者十分重视加强思想方面的统治，利用宗教麻痹各族人民反抗的意识，因此，工艺美术作品上常反映出宗教内容的装饰题材;到了明代，又形成了宫廷工艺和民间工艺两大体系：宫廷工艺专为统治者服务，做法细巧严谨;民间工艺则生活气息浓厚，具有质朴、豪放、自然、健康的特色;清代工艺美术侧繁缛、精巧…… 由此可见，我们所崇尚的传统艺术的发展也并非一成不变，每个时期既继承各自前人的优秀之处，又有自身的特点并发扬光大成为后人的传统。为此，我们作为环境艺术发展30年的、后人的先导，应该如何继承、又如何传承是一个值得思索的问题。 (2)传统意识精神是中国传统保存其完整性的原因。 历朝历代各有特点，可他们在一起是却如此有条理、有连续性，他们所处的环境不同，社会发展的程度不同，但却又有如此天衣无缝的连成一体而不限突兀。历史已经证明，是儒家思想维护了中国传统文化的完整性。 从汉武帝开始，我国的历朝历代的君王都将儒家的思想作为自己治理国家的指导思想，除了有一定的安抚国人的用意之外，也是与儒家传统思想的博大精深分不开。在民间，各种思想争奇斗艳，老子、庄子、风水学、禅宗等也占有很重的文化份额，致使我国的文化一脉相承历经几千年而不衰。 但是，孔子在推行儒家思想，“效法先王”的同时，极力推崇“华夷之辨”，上古时中国已形成“内华夏，外狄夷”的旗号以求霸业，儒家不但拥戴“尊周攘夷”，而且使这一思想的传播者，这阻碍了各民族间的文化交流和中外间的文化交流。 为此，我们得出这样的结论，中华民族的文化博大精深，一脉相承，但不是我们这个时代都应该拿来借鉴的。孔子的儒家思想维护了中国传统文化的完整，同时也阻碍了我国许多方面的发展。我们应该辨别历史的精华与糟粕，以一种文化层面上的优秀思想和一种传统中国人的思维方式为借鉴，将这种精神层面的东西应用到环境艺术设计的方方面面中去，以此影响现代人的精神，并且将之发扬光大。 3 对中西方文化的双重吸收―― 吸取西方现代发展优势，发展中国优秀的传统思想 利用西方现代的模式与优点，发展中国优秀传统思想的可能性 作为物质层面的西方设计模式和领引我国传统古代思想并不矛盾，他们在环境艺术设计的领域中是可以相融合的。因为环境艺术设计同时具备物质性和思想性两种形态，而西方的模式与中国的传统思想又正是两种设计文化的精髓之处。将西方先进的物质基础和服务大众的理念为环境艺术物质发展的导向，将我国优秀传统思想作为环境艺术发展的最终精神指导，而不是一般意义上的折衷，并且我国的“和而不同”的思想也为这种融合提供了思想上的先决条件，西方先进的技术使这种融合成为一种可能。 合理借鉴西方文化，不做崇洋媚外和狭隘的民族主义者 现代的西方国家所取得的成绩不置可否，在环境艺术方面有很多值得我们借鉴的内容 以人为本，使环境艺术设计更好美化人的生存环境 人文主义，是西方的主导思想，而中国传统历来的设计对象基本都是皇宫贵族，新中国的成立使得人民当家作主，这一点与西方现代工艺美术的发展契机相一致，且西方在几千年的发展中一直有类似的思想，确实得较好，值得我们借鉴。 借鉴西方先进的艺术语言 西方的现代工艺美术最大限度的展示各种材质的魅力，注重作品肌理效果给人的视觉美感和强烈的刺激。巧妙的应用新形材质，创造别致的肌理效果，充分利用材质肌理，不断创造工艺作品独特的艺术语言。 与科技同步，更好的为国民更好的服务 西方环境艺术的发展紧随时代步伐，与科技紧密地联系，采用新技术新工艺，有很强的创造性，以此来为人们提供更好的生存空间。 设计者应对传统思想有深刻的认识和理解，心怀强烈的时代责任感 吸取我国传统思想的精髓，做中国的艺术设计人 孔子的儒家思想强调天人合一、大自然与造物冥冥之中的联系和和谐。天、地、人三者相互依存相互制约，人可与天地抗衡，高于万物，又受制于自然，三者和谐成于一体密不可分。环境艺术设计正是一门建立在自然与人基础上的艺术，儒家思想树立我们正确的设计出发点。 老子的道家思想玄虚缥缈，内涵丰富，有很强的抽象性和超验性，不是逻辑、理性、语气可传达的，这正应与艺术的创作方式和在设计中引入传统的方式有异曲同工之处。 孟子认为“万物皆备于我矣，反身而诫。”说通过对于自身的认识和修养，达到与“天的共识，强调个人修炼，以达到和谐”，这为对我们对传统的学习，指出了 方法 。 庄子认为，言者所以在意，得意而忘言;书不过语，语有贵也，语之所归者意也，意有所随者，不可言传也。这强调了我们设计环境时讲究的意境，也为我们的设计创造了很高雅的基调，我们应该将其很好地领会并应用到设计之中。 墨子强调的是廉爱、非攻和尚贤，要我们爱所有的人，不因不同亲属贫富而有异，我们可以从中体会到作为一个设计者应有的品格。 …… 除此之外，禅宗的超脱，太极的永恒和对立都为我们的创作提供了素材和创作的出发点。 这些优秀的思想是我们炎黄子孙共同的根基与脉络，是我们独特的思维方式和处事甚至是我们的设计原则，是世界上任何一个国家和民族无法理解和模仿的，这也正是我们的骄傲。 作为环境艺术设计者，了解祖国文化的必要性 了解祖国的文化是一个设计者的成长过程中重要的组成部分，设计者有自己的成长经历，有自己的文化记忆，也会有自己的立场，如果我们不忠实于这些，就会丢掉自己，我们的设计就会没有根。忠于自己的生活，在孕育了自己的文化中学习传统，开拓思路，吸取养分，形成自己的风格。那么这些作品必然呈现出设计师所属群体的文化特质，即那个群体的文化的根。 在设计的学习与实践中，民族传统的继承应是自然的和自觉的，一个出色的设计者的敏感心灵应会对自己的生生不息的传统文化有一个认同与体悟，这也正是形成他个人风格的不可少的源泉。 4 结语 对中国传统的继承，不是一个人、几个人能解决的简单的问题，它需要我们千千万万的、几代华夏子孙共同的努力;对于西方的借鉴，借鉴什么、怎样借鉴、如何把握尺度而不磨灭我们作为中国人的思维方式的延续。这些都是我们所处在这个时代的教育者所应该铭记于心并且深刻思索的，因为在历史的长河中，中国人必将以博大的胸怀和过人的智慧领引世界的和平的发展!也许我们几辈子的努力都不足以名垂千史，但是每个时代的人都有自己的使命和责任，都有作为后人的先人的义务，也许我们看不到祖国未来的美好的瞬间，但是我们心存希望，中国的明天必将辉煌! 参考文献 [1] 齐伟民.关于环境艺术[J].装饰，2003(7)：7-8. [2] 李砚祖.环境杂谈[J].美术，1986(4). [3] 张琦.从“礼”与“道”论中国古代园林的设计思想[J].装饰，2006(8)：24-25. [4] 张夫也.外国工艺美术史[M].中央编译出版社，1999(1). [5] 吴庆洲.建筑哲理、意匠与文化[M].中国建筑工业出版社，2005(6). [6] 鲍诗度.中国环境艺术设计集论[M].中国建筑工业出版社，2007(11). [7] 田自秉.中国工艺美术史[M].东方出版中心，1985(1). 环境艺术研究生论文篇2 环境艺术设计中的创意思维分析 摘 要：在环境艺术的设计过程中，创意思维的应用往往可以获得比较好的效果。本文主要结合对于创意思维和环境艺术的认识，分析探讨了艺术设计中缺少创意思维的主要原因，同时指出环境艺术中创意思维的表现形式和发展方向，以期能够更好的促进环境艺术设计的健康发展。 关键词：环境艺术设计;创意思维;传统教育;文化传承;民族文化 改革开放之后，市场经济得到了快速的发展，社会经济发生了翻天覆地的变化。市场经济的快速发展影响了社会生产生活的各个领域，使得各行各业的竞争更加激烈，市场的发展要求进行创新，也只有不断的创新才能够在市场上立足脚跟。在环境艺术的设计过程中， 创新思维 的应用同样重要，恰当的应用创意思维的应用往往可以获得比较好的效果。本文主要结合对于环境艺术设计和创意思维的理解，对环境艺术设计过程中创意思维的应用进行了探讨和分析，以期能够更好的促进环境艺术设计的健康发展。 1 环境艺术设计和创意思维的概念分析 环境艺术是一个比较大的概念，有着很强的综合性，主要是指环境艺术工程的艺术构想方案和空间规划等。这其中了包含了设施计划和环境，装饰计划和空间，色彩计划和材料等等多个层面内容，有着十分丰富的内涵。环境艺术设计是功能和形式之间的有效结合，也就是说开展环境艺术作品的设计首先应当满足实用性的功能，满足使用者的使用需要，同时还要考虑设计的创造性和审美性，让使用者能够在使用过程中使用的更加舒适或者获得美感，这样才能够更好的发挥很环境艺术设计的作用。 创意思维不仅仅表现在新发明和新发现的思维过程，同时也表现为思考的技巧和方法方面，是在一些局部的见解和结论上具有独到的思维活动。创意思维的产生依附于人们的各种行为和需要，但同时有着一定的前瞻性和导向性的特点，应用创意思维促进提升设计品味的重要途径。在进行环境艺术设计的过程中应用创意思维能够在很大程度上促进设计理念的有效提升，良好的创意思维可以促进环境艺术设计的健康发展。 2 目前环境艺术设计中缺乏创意思维的主要原因分析 创意思维从建筑发展之初就表现出了强大的生命力，环境艺术设计要想获得比较好的发展就不能离开创意思维的应用。但是从总体来看目前环境艺术设计中创意思维还比较缺乏，这主要是由以下几个层面的原因所导致的： (1)传统教育方式的影响。 目前高等学校在环境艺术人才培养的过程中，很多学校都不能做到因材施教的进行人才的培养，老师在进行教学的过程中也大多比较注重知识的传授，强调对于知识的反复练习和进行记忆的训练，对学生创新能力的培养不够重视，这在一定程度上影响了学生创新思维的培养，所以教学中老师处在教学中的主导地位，学生只能进行被动的学习。这种教学模式有利于学生打下很好的知识基础，有利于学生掌握和利用知识，使得大部分学生少走弯路，能够踏踏实实的开展知识的学习。但这不利于学生创新思维的培养，这种模式也忽略了学生自主学习能力的形成，影响了学生的综合素质的健康发展。所以传统教育方式是造成目前环境艺术设计中缺乏创意思维的主要原因，在实践中应当引起足够的重视。 (2)环境艺术设计师的设计思维受到一定的制约。 不同的社会文化会对环境艺术的设计师产生不同的影响。文化在很大层面会影响到设计师自身创意思维的内容和方式，对设计师自身的思维方式也会产生一定的影响。环境艺术设计师自身的创意思维受到多种文化价值的引导，中国传统文化对于设计思维可以产生一定的积极影响，为设计师提供了大量的设计素材，但同时一些文化对于设计思维也会产生“经验思维”，这会在一定程度上制约设计师创意思维的拓展，不利于环境艺术设计的长远发展。 另外社会经济发展的外部环境对于环境设计也会产生一定的影响，也就是大家经常所说的经济基础会决定上层建筑。在市场经济中，设计作品被看作是商品进行买卖，这对于设计师的艺术创作会产生一定的影响。在一些经济发展比较好的地方，社会生产的商品化的程度往往很高，在利益的驱使之下，很多设计师在进行设计的过程中为了迎合大众的口味进行抄袭和模仿，并贴上了创新的标签，这实际上是在很大程度上影响到了创意的发挥，不利于创意的开展。相反在一些经济发展相对比较落后的地区，设计师所进行的环境艺术设计则大多是因地制宜的进行创造的，这往往有利于创新思维的发挥，所进行的环境艺术设计也能够获得比较好的效果，获得大众的认可。 3 环境艺术设计过程中创意思维的表现形式分析 (1)对于民族文化的传承。 中华民族经过几千年的发展，积累了大量的优秀民族文化，这民族文化对现代环境艺术设计会产生一定的影响。在全球化不断发展的今天，越是民族化的东西也就是世界的，传统文化能够对现代艺术设计产生积极的影响，也能够获得大多数人的认同。环境艺术的创意和传统民族文化的结合有利于对民族文化的传承，同时利于环境艺术设计的健康发展。在进行环境艺术设计的过程中通过对传统民族文化的挖掘和整理，有利于形成独具特色的环境艺术设计效果，提升环境艺术设计的品味，促进环境艺术的健康大战。比如在设计师在开展室内设计的过程中，就可以运用传统的吉祥图案开展设计和装饰，也可以利用传统的一些民族符号营造具有民族感的居住氛围，这些创意往往能够获得比较好的设计效果，给居住者营造良好的居住环境，提升居住者对于环境艺术设计的满意度。 (2)追求自然之美。 在 网络技术 和信息技术快速发展的时代，人们每天都会机会受到大量的知识冲击，长期生活在城市里的人渴望能够和自然接触，希望能够享受自然所带来的一些快乐，这些都对于新时期的环境艺术设计提出了新的要求，在开展环境艺术设计的过程中，追求自然之美，将环保和艺术进行很好结合将是未来发展的重要趋势，设计师在开展环境艺术设计的过程中要把握住这一重要趋势进行设计，提升居住者的满意度。在进行环境艺术设计的过程中，设计师只有将环境艺术设计和环保进行有机的结合，才能够更好的表现出人们对于深层次美的强烈追求，以满足人们所追求的情感的有效统一、促进环境艺术设计的整体效果的有效提升。 (3)传统文化和现代文化之间的结合。 创意思维很多时候都和传统文化之间紧密的结合在一起，传统文化为创意思维在环境艺术设计中的应用提供了丰富的文化土壤。虽然环境艺术创意设计有着比较大的风格差异，会选取各种各样不同的素材，但大多数的环境艺术设计或多或少的都会有选择的应用传统文化开展设计。比如2010年上海世博会中国国家馆的设计就将现代环境艺术设计和传统的文化进行了紧密的衔接。 4 小结 环境艺术设计是时代发展的镜子，伴随着社会的不断发展和进步，人们的思想意识和生活状态都会给环境艺术的设计带来很大的影响。在开展环境艺术设计的过程中，要立足于现代环境已设设计创新的思路，将各种具有时代发展要求的设计理念融入到社会的发展之中，这样在设计的过程中就比较容易把握时代发展的脉搏，也就可以创造出更多有生命力的设计作品，从而更好的激发设计者的设计热情，在市场竞争中获得新的创造力。 参考文献： [1] 缪穗穗.简论图形创意的方法[J].大众文艺，2011(12). [2] 王芳.浅谈现代视觉传达设计课程的教学改革[J].青年文学家，2011(14).
是可以给的也能搬忙写，都行
<童年〉 贝多芬的祖父与父亲都是宫廷歌手。在大部分时间里，他的父亲都喝得大醉，没有对家庭和气过一点，甚至连家人们是否有足够的吃穿都从未过问。起初，善良的祖父还能使这个家庭免受太多的苦；反过来，他最大的孙子的音乐才能也使老人感到莫大的欣慰。但是当小贝多芬只有四岁时，祖父就去世了。贝多芬的父亲常把孩子拽到钢琴键盘前，让他在那里艰苦地练上许多小时，每当弹错的时候就打他的耳光。邻居们常常听见这个小孩子由于疲倦和疼痛而抽泣着睡去。不久，一个没什么水平的旅行音乐家法伊弗尔来到这个市镇，被带到贝多芬家里。他和老贝多芬常常在外面一个小酒馆里喝酒到半夜，然后回家把小路德维希拖下床开始上课，这一课有时要上到天亮才算完。为了使他看上去象一个神童，父亲谎报了他的年龄，在他八岁时，把他带出去当做六岁的孩子开音乐会。但是天下哪有后天培养出来的神童，尽管费了很多事，老贝多芬始终没有能够把他的儿子造就成另一个年轻的莫扎特。与莫扎特相比，贝多芬的童年太不幸了。莫扎特在童年受到良好的教育，他的练功时间是愉快而安静的，有着一个慈爱的父亲和一个被钟爱的姐姐；而贝多芬则不然，虽然他的演奏赢得了家乡人的尊敬，但世界性的旅行演出却远未象莫扎特那样引起世人的惊叹。 〈我行我素〉 贝多芬不愿做一个客厅里的宠儿，他宁愿在自己的住所，能够随己意进进出出、起床、穿衣和吃东西。他喜欢按照自己的兴趣为房间里的琐事瞎忙。有一次，为了空气流通和看清窗外的景物，他竟特意把窗户砍掉一块。他总是同房东们发生纠葛，总是不断地搬家。每当他处于创作高潮时，他总是把一盆又一盆的水泼到自己头上来使它冷却，直到水浸透到楼下的房间——我们可以想象那房东和其他房客的情绪会怎样！有时他搬家搬得是这样的频繁，以致他甚至不愿操心把钢琴的腿支上，干脆就坐在地板上弹奏它。由于他每次租新房时必须签署一张租契，指明租期，他就往往同时为四个公寓付房租。这大概就是为什么他虽然挣了不少钱，可总是没有多少积蓄的原因吧！ 〈失聪〉 当他真切地感觉到自己的耳朵越来越聋时，他几乎绝望了。人生似乎不值得活下去了：对一个音乐家来说，还有比听不见他喜欢听而且靠它生活的甜美声音更不幸的事情吗！起初，只有威格勒医生和斯蒂芬.冯.勃罗伊宁等几个老朋友知道他的不幸。他放弃到各王宫去听他如此喜爱的欢快的音乐会，他怕人们注意到他的耳聋，以为一个听不见声音的音乐家是写不出好作品来的。不！他想起他想写的一切音乐，“我要扼住命运的喉咙！”也许对他来说，在耳聋的时候创作音乐并没有别的音乐家那么难。在他看来，音乐不仅是用迷人的声音安排各种主题或音型，它也是表现最深刻的思想的一种语言。 贝多芬的作品风格 贝多芬是音乐最高级的建筑师，他的天才在奏鸣曲－交响曲的思想结构形式中得到了表现。他的速记本显示出他构想的乐思是怎样一步步地最后形成的，也显示出他将这些素材注入必然的形式时付出了多么艰卒的劳动。 贝多芬继承了海顿和莫扎特的奏鸣曲式，并把它改造成庞大的结构适于自己的思想。他把第一乐章的规模扩大了，特别是扩大了尾声。他向海顿和莫扎特一样，把展开部看作是奏鸣曲式的动力中心。他的短小而深刻的主题为扩展和发展提供了无限的机会，它们以猛烈的力量和气势展开。慢乐章在贝多芬手中具有赞美诗的特点，体现了贝多芬式的悲怆。他把小步舞曲乐章变为谐谑曲乐章，成为具有节奏动力的乐章，情绪从“纵情大笑”到神秘的和惊奇的。他把终曲扩大，成为在规模和意境方面与第一乐章相仿的一个乐章，使交响曲在凯旋中结束。 在贝多芬的艺术中，钢琴曲占据了中心位置，他的32首奏鸣曲，无论是对业余的钢琴家还是对音乐会独奏家来说，都是曲目中不可缺少的一部分。它们被恰当地称为是钢琴家的“新约全书”（“旧约全书”是指巴赫的平均律钢琴曲集》）。力度的对比。爆炸性的重音、高低音区的对置、切分音以及强有力的渐强都是贝多芬钢琴风格的基本特征。他对主题变奏曲的爱好也很有特点，在这方面他是一个高明的建筑师，他运用无穷尽的思想把最简单的素材建造成高耸云天的大厦。 贝多芬认为交响乐是向人类致词的理想手段，他的9部交响曲是有普遍感染力的精神戏剧。它们以席卷一切和激动的气势肯定了生活。在《第三交响曲（英雄）》中，贝多芬的风格成熟了。这个作品最初是题献给拿破仑的，他认为拿破仑是革命精神和人类自由的体现。当拿破仑称帝的消息传来时，贝多芬对他不报幻想了。被激怒的作曲家从刚刚完成的作品上撕下题有献词的一页，改写为“英雄交响曲，为纪念一个伟大的人物而作”。 人们普遍认为《第五交响曲》是交响乐的原型，它具有一部交响曲所具有的一切。《第七交响曲》在多方面的感染力可与之匹敌。《第九合唱交响曲》奏出了贝多芬最后期的深刻音调，它的终曲中，由人声唱出了席勒那著名的《欢乐颂》，那是响彻云霄的时代预言。 97回答者：
搞~日本手工艺 武士刀不错. 纯钢 手工开刃 十道研磨。日本刀世界公认第一，早在古代行军骑马为方便砍杀故 刀身很长又名太刀。后经发展演变刀身呈弧状 恩 好啊
<童年〉 贝多芬的祖父与父亲都是宫廷歌手。在大部分时间里，他的父亲都喝得大醉，没有对家庭和气过一点，甚至连家人们是否有足够的吃穿都从未过问。起初，善良的祖父还能使这个家庭免受太多的苦；反过来，他最大的孙子的音乐才能也使老人感到莫大的欣慰。但是当小贝多芬只有四岁时，祖父就去世了。贝多芬的父亲常把孩子拽到钢琴键盘前，让他在那里艰苦地练上许多小时，每当弹错的时候就打他的耳光。邻居们常常听见这个小孩子由于疲倦和疼痛而抽泣着睡去。不久，一个没什么水平的旅行音乐家法伊弗尔来到这个市镇，被带到贝多芬家里。他和老贝多芬常常在外面一个小酒馆里喝酒到半夜，然后回家把小路德维希拖下床开始上课，这一课有时要上到天亮才算完。为了使他看上去象一个神童，父亲谎报了他的年龄，在他八岁时，把他带出去当做六岁的孩子开音乐会。但是天下哪有后天培养出来的神童，尽管费了很多事，老贝多芬始终没有能够把他的儿子造就成另一个年轻的莫扎特。与莫扎特相比，贝多芬的童年太不幸了。莫扎特在童年受到良好的教育，他的练功时间是愉快而安静的，有着一个慈爱的父亲和一个被钟爱的姐姐；而贝多芬则不然，虽然他的演奏赢得了家乡人的尊敬，但世界性的旅行演出却远未象莫扎特那样引起世人的惊叹。 〈我行我素〉 贝多芬不愿做一个客厅里的宠儿，他宁愿在自己的住所，能够随己意进进出出、起床、穿衣和吃东西。他喜欢按照自己的兴趣为房间里的琐事瞎忙。有一次，为了空气流通和看清窗外的景物，他竟特意把窗户砍掉一块。他总是同房东们发生纠葛，总是不断地搬家。每当他处于创作高潮时，他总是把一盆又一盆的水泼到自己头上来使它冷却，直到水浸透到楼下的房间——我们可以想象那房东和其他房客的情绪会怎样！有时他搬家搬得是这样的频繁，以致他甚至不愿操心把钢琴的腿支上，干脆就坐在地板上弹奏它。由于他每次租新房时必须签署一张租契，指明租期，他就往往同时为四个公寓付房租。这大概就是为什么他虽然挣了不少钱，可总是没有多少积蓄的原因吧！ 〈失聪〉 当他真切地感觉到自己的耳朵越来越聋时，他几乎绝望了。人生似乎不值得活下去了：对一个音乐家来说，还有比听不见他喜欢听而且靠它生活的甜美声音更不幸的事情吗！起初，只有威格勒医生和斯蒂芬.冯.勃罗伊宁等几个老朋友知道他的不幸。他放弃到各王宫去听他如此喜爱的欢快的音乐会，他怕人们注意到他的耳聋，以为一个听不见声音的音乐家是写不出好作品来的。不！他想起他想写的一切音乐，“我要扼住命运的喉咙！”也许对他来说，在耳聋的时候创作音乐并没有别的音乐家那么难。在他看来，音乐不仅是用迷人的声音安排各种主题或音型，它也是表现最深刻的思想的一种语言。 贝多芬的作品风格 贝多芬是音乐最高级的建筑师，他的天才在奏鸣曲－交响曲的思想结构形式中得到了表现。他的速记本显示出他构想的乐思是怎样一步步地最后形成的，也显示出他将这些素材注入必然的形式时付出了多么艰卒的劳动。 贝多芬继承了海顿和莫扎特的奏鸣曲式，并把它改造成庞大的结构适于自己的思想。他把第一乐章的规模扩大了，特别是扩大了尾声。他向海顿和莫扎特一样，把展开部看作是奏鸣曲式的动力中心。他的短小而深刻的主题为扩展和发展提供了无限的机会，它们以猛烈的力量和气势展开。慢乐章在贝多芬手中具有赞美诗的特点，体现了贝多芬式的悲怆。他把小步舞曲乐章变为谐谑曲乐章，成为具有节奏动力的乐章，情绪从“纵情大笑”到神秘的和惊奇的。他把终曲扩大，成为在规模和意境方面与第一乐章相仿的一个乐章，使交响曲在凯旋中结束。 在贝多芬的艺术中，钢琴曲占据了中心位置，他的32首奏鸣曲，无论是对业余的钢琴家还是对音乐会独奏家来说，都是曲目中不可缺少的一部分。它们被恰当地称为是钢琴家的“新约全书”（“旧约全书”是指巴赫的平均律钢琴曲集》）。力度的对比。爆炸性的重音、高低音区的对置、切分音以及强有力的渐强都是贝多芬钢琴风格的基本特征。他对主题变奏曲的爱好也很有特点，在这方面他是一个高明的建筑师，他运用无穷尽的思想把最简单的素材建造成高耸云天的大厦。 贝多芬认为交响乐是向人类致词的理想手段，他的9部交响曲是有普遍感染力的精神戏剧。它们以席卷一切和激动的气势肯定了生活。在《第三交响曲（英雄）》中，贝多芬的风格成熟了。这个作品最初是题献给拿破仑的，他认为拿破仑是革命精神和人类自由的体现。当拿破仑称帝的消息传来时，贝多芬对他不报幻想了。被激怒的作曲家从刚刚完成的作品上撕下题有献词的一页，改写为“英雄交响曲，为纪念一个伟大的人物而作”。 人们普遍认为《第五交响曲》是交响乐的原型，它具有一部交响曲所具有的一切。《第七交响曲》在多方面的感染力可与之匹敌。《第九合唱交响曲》奏出了贝多芬最后期的深刻音调，它的终曲中，由人声唱出了席勒那著名的《欢乐颂》，那是响彻云霄的时代预言。 97回答者：
日本 文化 又是历代日本人在湿润的环境中以顽强的忍耐力和精神，从事水稻栽培所形成的对植物有着特别感情的海洋文化。下文是我为大家整理的关于日本文化 毕业 论文优秀 范文 的内容，欢迎大家阅读参考!
浅谈日本语言文化
【摘要】语言是文化的载体，日本语言文化渊源深厚，本文主要介绍了日本语言文化中的禁忌和委婉表达，通过对这两种形式的简要阐述，来强调人们在跨文化交际中，理解和领悟日本语言文化，掌握日本民族习俗。
【关键词】日本语言语言禁忌委婉表达语言文化
前言：
语言是社会生活约定俗成，逐渐沉积下来的产物。不同语言衬托出不同的语言文化，语言的产生和发展变化离不开本国民族与自然地理、风土人情以及社会文化的内在联系。掌握一种语言，就需要学习使用这种语言的民族习惯和历史文化背景，才能学以致用。日本语言学家森田良行曾经指出，研究一门语言，其文化背景是不能脱离的，否则很难掌握这种语言的精髓。所以，在日本语言的教学过程中，强化语言文化 教育 是非常重要的。日本语言是高级语言，日本语言的基本特征是具有隐含性、暧昧性以及非逻辑性表达方式，另外，日本语言的发展离不开其文化因素，为研究日本语言文化，必须了解日本语言的独有风格和日本语言的文化思想源泉。
1.日常生活中日本语言禁忌表现
日本语言中的称呼禁忌
日本有句 谚语 叫做“名示体”。在古代日本人认为，一个人的灵魂附在自己的名字上，造成各自的人格有所差异，如果说出主人的名字，其灵魂就会脱离人体扩散到大气中，被恶魔带走，也就是说，一个人的名字与自身安全、身体健康以及命运有着很大的联系。因此，为了保护所敬畏的人，人们不会直接称呼别人的名字。与此同时，古代日本人为了保护自己，一生中会出现很多次改名现象，从出生、成人到死分别都有幼名、成人名以及戒名。
日本语言的称呼禁忌一般表现在下级对上级、晚辈对长辈的称谓，由于日本原始社会对神秘力量的崇拜和敬畏，下级和晚辈不能直呼上级和长辈的名讳。在日本，明仁是日本天皇的名字，天皇是至高无上的、不能毁灭的，日本民族不能直呼天皇的名称。在日本当代社会中，也听不到“明仁”两字。日本人的这种语言禁忌始终存在于人们对天皇的尊重当中，甚至还存在于日本普通人民的日常生活中。时至今日，在日本，年长的女性，也不能直呼其丈夫的名字。他们往往去掉姓氏互相称呼。
日本生活中的禁忌
在古代，人们不知道幼儿是怎么生育的，因此，人们潜移默化的认为，这是神的力量在起作用，日本人称其为“产神”，他们认为产神具有保护婴儿与伤害婴儿的两方面性质。正因为当事科学不发达，婴儿出生后死亡率高，因此，在婴儿出生的过程中，不仅在日本，在中国也存在很多禁忌。日本人在产妇面前忌讳说有关“死”的字眼，中国人也是。在日本，也有为老人祝寿的风俗，他们也不希望将老人与“风烛残年”、“体弱”、“年迈”等词语联系起来，因此，这些词语就成为祝寿的禁忌语言。在中国，年轻人人给老人祝寿时，也很忌讳说“死”、“没了”、“完了”等词语，因为“钟”与“终”是谐音，因此给老人送礼物时禁忌送钟。
2.日本语言中的委婉表达
委婉表达语言的由来
对于任何一种语言，委婉表达都存在于其中。英语中“euphemism(委婉表达)”意思是“好听的一句话”，源于希腊语言文化。在中国，“委婉表达”的意思是指“声音婉转而动听，态度真诚”的意思。日语语言中“委婉表达”的意思是“将一种语言婉转含蓄地表达出来”。在日本人之间的日常会话以及日本语言文学作品中，我们发现，委婉表达在日本语言中非常多。在日本，人们为了拒绝别人的邀请或者建议，又不想违背他人的意图或者好意，日本人不会公然与别人发生碰撞，他们往往不直接拒绝，而是用最间接的 方法 ，拐弯抹角的进行委婉而含蓄的拒绝他人。在日本，存在着各种各样的拒绝语言，在这里也就不一一列举了。
委婉表达产生的社会文化环境
日本民族重视集体协调
在日本，委婉表达一词离不开他们长期所处的社会自然环境以及文化形态。日本人重视集体协调，他们往往会站在他人的立场思考问题、解决问题。这完全是由于他们所处自然地理与生产方式决定的。日本是一个被大海环绕的国家，许多日本研究者将这种地理因素叫做“自然地理的锁国”。日本政府曾经公布锁国令，除中国和朝鲜以外，使日本在200多年的历史中没有与其他国家进行交往。17世纪到8世纪末，日本与外部世界长期隔绝，使日本内部形成一种统一的民族风格。日本是一个以农耕、渔业为主的国家。
而且，日本人吃的大米，产于占国土总面积70%的山地，为使处在地势较高的农户与处于地势较低处的农户之间不产生用水问题上的矛盾，日本政府规定，在山地 种植 大米必须拥有集体观念。这种生产理念使得日本人民养成注重集体利益和站在他们立场上思考问题解决问题的方式。由此可以看出，古代的日本民族是一个和谐的民族。
日本民族重视以和为贵的思想观念
日本人很重视“以和为贵”的传统思想观念，为寻求集体利益的内部协调，日本民族与外界始终保持着和谐友好的关系，他们更加注重委婉表达，措辞含蓄。日本政府在宪法中制定了“以和为贵”的道德祖训。“村”是日本人民生活和生产中的一个小范围群体。如果有人脱离这个组织，就要受到其他人的耻笑;严重者将要受到一种制裁。所以，在日常工作和生活中，日本人很重视周围人的意见和建议，他人的观念是非常重要的，日本人往往不以自己的思想观念来看待问题。
日本语言的具体表现就是委婉表达。这种表达方式反映了社会与语言的内在联系，在日本语言文化交际中，将委婉表达使用得当，在不违背别人意愿的基础上又满足自己的观念，已经成为日本语言的一种趋势。所以，在日本社会生活中，委婉表达的探讨以及使用有助于培养跨文化交际人才，有助于日本语言教学和研究。
结论：
日本民族的集体意识已经成为日本社会生活的共同心理，日本人的优良 传统文化 和思想渊源成就了日本独具一格的语言体系。然而，伴随着日本现代社会环境的变化又出现了新的语言文化，但是，在日本，传统的语言文化价值观以及由于注重集体意识而来的语言特色，无论是现在还是将来，都对日本语言起着指导作用，永远不会被 其它 文化影响所磨灭。
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论茶道文化对日本社会的影响
1.日本茶道的历史
日本茶道的起源和形成
茶在中国已有5000多年的历史，相传“尝百草”的神农氏偶然间发现了茶具有解毒功能，从而把茶用作解毒的药物。780年陆羽的《茶经》问世，促进了中国茶文化的形成与发展。日本遣唐僧侣最澄、空海、永忠把唐朝的茶文化带回日本，形成了以嵯峨天皇、贵族、高级僧侣为主体的“弘仁茶风”。据史料记载，日本高僧最澄把中国的茶籽带回日本，种在日吉神社，这里成为日本最古老的茶园。《日本后记》弘仁6年(815年)记载了僧侣永忠为嵯峨天皇煎茶献茶。不过此时日本的 饮茶 法还只是效仿唐代的饼茶煮饮法。
镰仓时代，曾来南宋学习临济宗的僧侣荣西仿照《茶经》撰写了日本第一部茶书——《吃茶养身记》。书中主要讲述了茶的药用功效，并把当时宋朝的末茶饮茶法——日本茶道的抹茶饮法传入日本。中国的寺院饮茶茶礼在日本寺院盛行，日本茶道的茶礼就是在此基础上演变发展而来的。
镰仓时代末期到室町时代中期，从中国宋朝传入的游戏性的“斗茶”成为日本茶文化的主流。室町时代第八代将军足利义政为中心的东山文化，是日本中世文化的代表，诞生了以鉴赏唐物为主要目的的饮茶活动——书院茶道。
被称为茶道开山祖师的村田珠光将禅的思想引入到了茶道中，开创了朴素自然的草庵茶风。珠光通过禅与茶道的结合，把饮茶由一种饮食娱乐形式升华为一种艺术、一种哲学、一种宗教。武野绍鸥将日本的歌道理论与茶道相结合，补充和完善了珠光的茶道思想，推进了茶道的民族化和规范化。日本茶道的集大成者——千利休继承了珠光、绍鸥的茶道思想，进一步完善深化了草庵茶。千利休精减了点茶的程序，不使用端庄华丽的中国茶碗，而使用厚重朴素的高丽茶碗和日本乐窑茶碗。他还特别规定了茶花、怀石料理的法则及作为茶人的资格，创造了茶道中日本特色美的完整的艺术体系。至此草庵茶道，也即日本茶道正式形成。
日本茶道的现状
1592年千利休去世后，他的子孙和弟子们继承了他的茶道，至今大约形成20多个流派。千利休的子孙分为表千家、里千家、武者小路千家三个流派，现在日本流行的茶道主要指这三个流派。其他还有二十几个流派，主要有：远州流、织部流、三斋流、薮内流、宗遍流、庸轩流等。这些流派虽然有各自的茶道风格，但都以千利休的茶思想为指导思想。茶道的多样化促进了茶道的发展，茶道迅速普及到了社会的各个阶层。自明治维新以后，女性也加入到茶道活动中来，茶道成为许多女性出嫁前的必修课之一。
如今，茶道已是日本人生活中不可缺少的部分，被视为一种修身养性、提高文化素养和进行社交的手段。茶道作为日本民族文化的象征，已完全融入到日本人的日常生活中，对其生活乃至整个日本社会都产生了重要的影响。
2.茶道对日本社会的影响
茶道倡导了日本人的精神文化理念
《南方録》中记载了利休的话：草庵茶道最重要的目的是领悟佛法，修行得道。茶道的本意在于禅，倡导人们通过茶事活动修炼身心，升华思想境界。“和敬清寂”是茶道的根本精神，成为400多年来日本茶人的行为准则。
按照久松真一的观点，“和敬清寂”的理念不应只局限于人与人之间的关系，而必须是对“事物人境”而言的。“事物人境”涵盖整个茶道内容，包括茶道中的每一个方面，每一个细节。具体说来，“事”指点茶、喝茶、清扫、茶室的布置等诸事情;“物”指茶碗、茶勺、茶罐、茶刷等茶道具;“人”指主人、客人;“境”指茶庭、茶室等环境。只有在茶道中贯彻对“事物人境”的“和敬清寂”，才是真正的茶道。理解了这点，才会体会出复杂茶礼的奥妙，体会到日本人所推崇的审美观。点茶的手法、茶道具摆放的位置、在茶室中行走的路线和步伐、饮茶的步骤等，这些环节是茶人在反复实践中 总结 出来的最稳妥、最合理的路径和程式。当人们信手而为就符合茶道礼法时，才能真正领悟茶道“和敬清寂”的精神，最终达到“茶禅一味”的境界。
茶道把待客、吃饭、喝茶等日常的生活行为提炼成极具传统和形式美的艺术高度。正如桑田忠亲在《茶道的历史》前言中所说，茶道已成为表现日本人日常文化生活的规范和理想。它完善了日本人的精神文化生活，促进了日本国民文化水平的提高。
茶道形成了日本传统建筑风格
茶道建筑由茶室和茶庭两大部分组成，茶室和茶庭是供人举行茶事的场所。茶道建筑是日本传统建筑的代表，对后世日本建筑的发展有深远的影响。
日本茶道的茶室因其外形与农家草庵相似，又被称为“草庵茶室”。茶室使用竹、木、草、石等材料建造而成，秸秆屋顶、砂土掺稻秸涂抹的墙壁、不剥树皮的原木做的柱子，尽显其古朴、自然的风格。茶室的标准面积一般为四张半榻榻米。茶室虽小，但每一个细节的设置，每一种材料的选择，茶人们都力求独具匠心。茶室的小入口、壁龛、地炉、小天窗等都是茶道大师们几百年来智慧的结晶。利休的茶室、织布的茶室、远州的茶室等各具特色，这些茶室所体现和追求的美感，对江户时代的武士阶层和上层市民阶层的房屋建筑风格有很大影响。人们把这种代表日本传统建筑风格的建筑称之为“数寄屋建筑”，在世界建筑史上占有一席之地。
茶庭，顾名思义是指与茶室相配的庭园。禅宗中把领悟的境地称为“ 白露 地”，受此影响日本茶道中称茶庭为“露地”。茶庭的面积不大，大多在100～200平方米，分为外露地和内露地，内外露地以中门分隔开来。客人先在外露地静心安神，而后经中门进入内露地，也就进入了忘俗的境界。在茶室门口首先要洗手和漱口，就是要人们洗涤心灵，除去杂念的意思。茶庭中设置等待室、厕所(雪隐)、尘穴、石制洗手钵、石灯笼等。茶庭中的小路，大多以脚踏石和碎石铺就。庭中除去一条条迂回曲折的小路，均被常绿树木所覆盖，营造出“山中草庵”的风情。
脚踏石、石制洗手钵、石灯笼已成为现代日本庭园不可缺少的组成部分。不论是日本庭园还是居家院落，都受到了茶庭的影响，历经时间锤炼的茶庭是当代日本庭园建筑的代表。
茶道促进了日本陶艺制造业的繁荣
茶碗是茶道具中品种最多、最重要的用具。在茶道兴起的初期，使用的几乎都是来自中国的茶碗，其中端庄华丽的天目茶碗最受追捧。随着草庵茶的确立，随着草庵茶道的确立，茶风趋向朴拙自然，外形粗糙、色彩朴素的高丽茶碗开始大行其道。为了更好地表现草庵茶道的风格，千利休与陶工长次郎一起设计制造了乐窑茶碗。优雅厚重的乐窑茶碗是草庵茶中规格最高的茶碗，是日本茶陶的代表。
江户时期，茶道的普及使日本陶艺技术迅速发展开来。织布窑、远州七窑、仁清窑、志野窑等，日本的民窑遍地开花，并传承至今。茶碗在品类、造型、釉色、装饰艺术等表现手法上的多元化极大地推进了日本陶艺民族化、本土化风格的发展。
日本茶道不仅是点茶、饮茶的过程，而且是包括吃饭在内的招待客人的整个过程。茶道中用到的道具多达上百种，涉及陶艺、漆艺、木艺、竹艺、纸艺等行业。这些行业里的艺术家们都以创作出符合茶道理念的独特作品为最高追求，可以说茶道的影响渗透到了日本的各个工艺制造业。
茶道丰富了日本人的饮食文化
在茶道形成初期，点茶之前吃的饭一般写作“会席”，在《南方録》中开始写作“怀石”(日语中，怀石与会席都读作“kaiseki”)。“怀石”原本指禅僧为了抵御寒冷而塞在怀里的温热石头，喻指简单的饮食。近代以来日本人把茶道中的饭称为“怀石”。
茶怀石的内容最初是由千利休规定的，一般为一汤三菜。菜品简单，但烹饪却极为讲究。选材崇尚应季的天然食材，注重搭配的协调，将茶道精神与饭菜融为一体。考究的器皿，宛如工艺品般的菜肴，每一道菜都给人味觉和视觉上的美好感受。
在江户初期大名和武士的茶道中，茶怀石不再拘泥于简素，变成菜品丰富的豪华料理，成为茶道外也可享用的料理——江户中期，在东京、大阪等地的高级餐馆就出现了“会席料理”(即现在的“怀石料理”)。新鲜的食材、上好的烹饪、精致的器皿、优雅的环境，怀石料理已成为日本传统料理的主流，成为日本高级料理的代表。
3.结语
历经400多年的日本茶道已发展为集宗教、哲学、美学、艺术和建筑设计等为一体的综合艺术，不仅影响了日本国民的精神文化、建筑风格、陶艺制造和饮食文化，还在其生活习惯、服饰、书法甚至文学等领域产生了深远的影响，可以说没有茶道，就没有日本文化史。研究茶道，对于我们了解日本文化、认识日本社会有重要意义。
千万别误人子弟.我也在大芬村画画.事实并非你狗狗讲得那样.
工艺品 gōngyìpǐn(1) [artware]∶指既实用又艺术化的物品(如零星装饰物)(2) [workmanship]∶手工劳动制成的产品这些屋顶都是辉煌的工艺品漆器漆器是古代人们日常生活中应用十分广泛的物品；由于漆有耐酸、耐碱、耐热、防腐等特性，因此很早就被人们利用。我国为是世界上用漆最早的国家，《韩非子• 十过》篇述虞舜做食器“流漆墨其上。禹做祭器，墨漆其外而朱画其内。”原始社会晚期遗址中发现了漆制实物。在古代种植漆树相当普遍，战国大哲学家庄子就曾担任过管理漆园的官职。早期漆器一般在简单木、竹胎上髹涂，既可防腐，也可用于装饰。随着漆工艺的发展，逐步出现在各种器物上彩绘、描金、戗金、填漆等，或在器胎上髹漆至一定厚度，再在上面雕刻图案的作法，还有的在漆器上镶嵌金、银、铜、螺钿、玉牙及宝石，以组成华丽的花纹，千文万华，纷然不可胜识。唐代的金银平脱，宋代的一色漆器，元代的雕漆，明代的百宝嵌，清代的脱胎漆器等，都是各代有代表性的特色名品。陶器艺术造型艺术之一。陶瓷系由粘土或以粘土、长石、石英等为主的混合物，经成型、干燥、烧制而成的制品的总称。陶瓷艺术即指陶瓷日用品、陈设品的烧制工艺及造型、釉色和装饰等所呈现的艺术特点。远在新石器时代，就已有风格粗犷、朴实的灰陶、红陶、白陶、彩陶和黑陶等。商代已出现釉陶和初具瓷品性质的硬釉陶。彩陶便是我国最古老的工艺美术品。而真正瓷器是创制于东汉时期。唐代陶瓷的制作技术和艺术创造已达到高度成熟。宋代制瓷业蓬勃发展，名窑涌现。明清时代陶瓷从制坯、装饰、施釉到烧成，技术上又都超过前代。我国陶瓷至今仍兴盛不衰，质高形美，釉色、饰纹、造型均具高度的艺术价值，宜兴的紫砂壶，石湾的陶塑，界首的三彩釉陶，淄博的绛色陶，铜官的绿釉陶，崇宁的雕镂釉陶，德化的瓷雕，景德镇的柳叶瓶、凤尾瓶等，均闻名于世。陶器指用粘土成型，经700℃—800℃的炉温焙烧而成的无釉或上釉的日用品和陈设品。具有音哑、不透明、吸水等特点。按粘土所含成分的不同，坯体呈白、青、褐、棕等色。最早出现于新石器时代，有灰陶、经陶、白陶、彩陶、黑陶等。随着制陶术的发展和提高，其后又出现了印纹硬陶、铅釉陶、三彩陶等。陶器至今仍兴烧不衰。在陶器上赋与人物形象，花鸟等，并施以不同的颜色，就形成了彩陶。在唐三彩制品中，彩陶常常和三彩结合在一起，在我国出土的古物中多见，故现今的仿古工艺中常结合使用。其实唐三彩严格来说也是陶的一种。河南洛阳的代表作品---工艺品中除三彩外，还有黑陶（兵马俑）及彩陶和红陶。著名陶器我国陶器比较重要的有：江苏宜兴的紫砂陶器，主要是茶具、酒具、文具等实用品；广东石湾的陶器，多系陶塑的人物、动物及花果等陈设品；安徽界首的三彩釉陶；山东淄博的绛色陶；湖南铜官的绿釉陶；四川崇宁的雕镂釉陶和荣昌的素烧陶器；云南建水及甘肃天水的本色陶等。瓷器指以粘土配适量长石、石英（或瓷石）为原料制坯体施釉，经1200℃—1300℃窑温在还原气氛中烧成的器皿。具有胎质致密坚硬，断面有光，薄层透光，胎色白或浅灰白，吸水率微弱或不吸水，釉层较厚达毫米以上，青釉纯正，釉面光润，敲击声音清脆等特点。创制于东汉时期，是我国古代伟大发明之一。浙江上虞“小仙坛”发现东汉瓷窑遗址，对其青瓷残件测试的结果表明，胎色灰白，胎质坚实细致，烧成温度达1300℃，吸水率低于（已达到现代细瓷吸水率标准），胎的薄层微透光，烧结良好，釉的玻化良好，胎釉结合牢固，釉层厚度为—毫米，淡青色釉，纯正美观，釉面光亮，达到瓷器标准要求。至唐已达成熟，南方越窑青瓷、北方邢窑白瓷最著名。宋代制瓷业蓬勃以展，瓷窑林立，名窑涌现，定窑、汝窑、官窑、哥窑、钧窑、景德镇窑、龙泉窑，所烧的白瓷、青瓷、青白瓷，都各具特色。元以后景德镇窑成为瓷业中心有重大发展。瓷器品种丰富，有青白黑紫黄绿红蓝等高、低温色釉瓷以及青花、釉里红、斗彩、五彩、粉彩、珐琅彩等装饰的彩瓷。瓷器品类通常分为日用瓷、陈设瓷、艺术瓷等。民间工艺劳动人民为适应生活需要和审美要求就地取材而以手工生产为主的一种工艺美术品。品种繁多，如竹编、草编、蓝印花布、蜡染、木雕、泥塑、剪纸、民间玩具等。由于各地区、各民族的社会历史、风俗习尚、地理环境、审美观点的不同，各有不同的风格特色。装饰绘画广义指凡属于器物装饰方面的绘画。狭义指装饰壁画、商业美术中的广告画等。装饰绘画偏重于表现形式的装饰性，和一般写实的绘画不同。商业美术向客商推荐商品的一种设计美术。运用不同的形式与方法，介绍商品的性能、特点、用途，包括各种商品造型、装潢、广告，橱窗陈列，及其他有关宣传品的设计制作等项目。纹样器物上的装饰花纹的总称。一般分为˙单独纹样、˙适合纹样、隅饰纹样（即角隅纹样）、˙边饰纹样、散点纹样、连续纹样（包括˙二方连续、˙四方连续”）等。印经印染工艺之一。将织物经线按照设色要求，把不要染色的区段用包裹物包扎，然后进行染色，使经线呈现出一段一段的异色色彩。用它制作的织物，形成一种直向的参差自然的斑纹，别具风格。新疆和田生产的丝绸（又称“爱德力斯”绸），即采用此法织造。蜡染古称“蜡缬”。传统民间印染工艺之一。今在布依、苗、瑶、仡佬等族中仍甚流行，衣裙、被毯、包单等多喜用蜡染作装饰。主要方法是用蜡刀蘸蜡液，在白布上描绘几何图案或花、鸟、虫、鱼等纹样，然后浸入靛缸（以蓝色为主），用水煮脱蜡即现花纹。结构严谨，线条流畅，装饰趣味很强，具有鲜明的民族风格。中国用漆的历史中国用漆的历史，可上溯至七千年前的新石器时代河姆渡文化，所出漆碗内外髹以朱色，是已知最早的漆器。其他地区也发现了喇叭形器、觚形器、嵌玉高柄杯等，反映出原始制漆的水平。图案广义指某种器物的造型结构、色彩、纹饰进行工艺处理而事先设计的施工方案，制成图样，通称“图案”。有的器物（如某些木器家具等），除了造型结构，别无装饰纹样，亦属图案范畴（或称“立体图案”）。狭义则指器物上的装饰纹样和色彩而言。工艺美术造型艺术之一。以美术技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品。故通常具有双重性质：既有物质产品，又具有不同程度精神方面的审美性。作为物质产品，它反映着一定时代、一定社会的物质的和文化的生产水平；作为精神产品，它视觉形象（造型、色彩、装饰）又体现了一定时代的审美观。一般分为两大类：一、日用工艺，即经过装饰加工的生活实用品，如一些染织工艺、陶瓷工艺、家具工艺等；二、陈设工艺，即专供欣赏的陈设品，如此象牙雕刻、玉石雕刻、装饰绘画等。我国工艺美术的制作比较早，如新石器时代已有彩陶，商代以前已有刻纹白陶，商代已有玉器等，写实的造型和图案化的手法即表现出很强的实用性和艺术性。它们的生产，常因历史时期、地理环境、经济条件、文化技术水平、民族习尚和审美观点的不同而表现出不同的风格特色。编制品柳条编一种用杞柳条制成的工艺品。杞柳亦称“红皮柳”，丛生灌木，枝条韧性强，适于编织各种生活用品，如箱、盘、篮、玩具等。主要产地为河北固安及江苏北部、山东南部一带。藤编一种传统实用工艺品。利用山藤编织的各种器皿和家具。主要产地广东。历史悠久，清代屈大均《广东新语》载：“大抵岭南藤类至多，货于天下。其织作藤器者，十家而二”。玉米皮编建国后北方新发展的一种工艺品。玉米皮质地柔韧，编织提篮、篓、筐、盒、门帘、门毯等各种生活用品，结实耐久。产品中以茶垫最为精美。玉米皮还可染色，能编出十字花、菱形花及文字等多种图案花样。主要产地山东。草编民间广泛流行的一种手工艺术。是利用各地所产的草，就地取材，编成各种生活用品，如提篮、果盒、杯套、盆垫、帽子、拖鞋和枕、席等。有的利用事先染有各种彩色的草，编织各种图案；有的则编好后加印装饰纹样。既经济实用，又美观大方。主要品种有河北、河南、山东的麦草编，上海嘉定，广东高要、东莞的黄草编，浙江的金丝草编，湖南的龙须草编及台湾省的草席等。竹编一种用竹篾编制的工艺品。制作过程是先将竹子剖削成粗细匀净的篾丝，经过切丝、刮纹、打光和劈细等工序，编结成各种精巧的生活用品，如竹篮、果盒、屏风、门帘、扇子等。主要产地有浙江东阳、嵊县，福建泉州、古田，上海嘉定，四川自贡等。四川自贡艺人龚玉璋的扇子，称为“龚扇子”，所用篾丝，细如绢纱。中国刺绣著名品种有：苏州的苏绣、湖南的湘绣、四川的蜀绣、广东的广绣，号称“四大名绣”。此外还有北京的“京绣”，温州的“瓯绣”，上海的“顾绣”，苗族的“苗绣”等，产地不同，风格各异。刺绣的技法有：错针绣、乱针绣、网绣、满地绣、锁丝、纳丝、纳锦、平金、影金、盘金、铺绒、刮绒、戳纱、洒线、挑花等，丰富多彩，各有特色。刺绣的用途包括：生活服装，歌舞或戏曲服装，枕套、台布、靠垫等生活用品及屏风、壁挂等陈设品。
可以的，我刚好有。论文侧重于以驳论为主，批驳某些错误的观点、见解、理论，就属于驳论性毕业论文。驳论文除按立论文对论点、论据、论证的要求以外，还要求针锋相对，据理力争。
1.总述：引论，提出论点，导入。300字，网上搜下工艺美术的简绍。中国工艺美术的原始发生可追溯到远古先民的第一件劳动工具的创造。凝聚在原始工具里的实用内涵和精神内涵既确立了中国工艺美术的初始形态，亦确立了工艺美术作为中华民族造型艺术先导的地位。工艺美术同时也在受到文学的极大影响。2.工艺美术与文学共同发展工艺美术品是以美术的技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品。它是因人们的实际生活要求而产生的，与人们的日常生活有极密切的关系。尤其受时代文学的发展的影响巨大。自古就受文学发展的影响。中国宋代的工艺美术在隋唐五代的基础上，又有了较大的发展。尤其是北宋的建立，结束了五代十国的纷争局面，使中原地区得到了统一。社会相对稳定，城市经济繁荣，市民阶层崛起及其生活需求和城乡商品交流扩大及发展，对工艺美术生产和发展提供了物质条件和消费市场，也给工艺美术在器物品种、造型及图案纹样、装饰手法等方面带来了一系列的变化，使其呈现出不同于前代的独特风格。另外，辽、金、西夏及其他政权辖下的工艺美术，亦以其反映了本地区社会意识和民族生活的不同风貌，而独具特色。宋代文学在我国文学发展史上有着重要的特殊地位，它处在一个承前启后的阶段，即处在中国文学从“雅”到“俗”的转变时期。随着宋代文学艺术发展进入新阶段，工艺美术也在体现着从“雅”到“俗”的转变。如在古代工艺美术师大多数都服务于宫廷，所完成的作品大都造价昂贵奢华，集“雅”之大成，普通的百姓也就很难看到。渐渐的随着民风开放，与封建社会被迫对外交往的增加，工艺美术品也逐渐走入了寻常百姓家，如各类的民窑瓷器不再为某些贵族与富人精雕细琢，转而开始大规模生产，使我国的工艺美术由“雅”转向了“俗”，及时的工艺美术品更加的大众化，生产业规模化。从历史的角度看，中国工艺美术行业与文学的传承发展都承载着深厚的中华文化，其工艺美术生产和组织形式有多种，可分为民俗性质的工艺美术、官办作坊的工艺美术、民办作坊的工艺美术和现代产业化的工艺美术。民间工艺美术作为民俗、民间信仰的有机组成部分，具有民族性、地域性特点，市场化程度较低。封建时代官办作坊的工艺美术服务于宫廷和上层贵族，用料昂贵，工艺精细，适用人群小。民办工艺美术作坊属于传统手工业或农业中的副业生产形式，一般以前店后坊的形式面向商品市场生产普通人群所需的日用品，它的适用面最广。鸦片战争以后，官办工艺美术逐渐式微。新中国成立后，私营工艺美术作坊经过公私合营等方式的改造，形成了有一定规模的国营或集体工艺美术企业。改革开放后，绝大多数国营和集体工艺美术企业重被改制，化整为零，个体和私营的手工作坊形式再度兴盛。与此同时，在商品经济的大潮中涌现出了具有现代企业性质的工艺美术企业。在文学的生产中我们不难看出与工艺美术的发展历程相近，在文学的发展中同样也是经历了从起源发展，一段时期的全盛后遭到了重挫，重挫之后也同样是顺应了生活的需求变化经历了多次改革才又重新有了较大的发展。3.工艺美术的审美特征也与文学相似中华民族在其发展的漫长岁月中，以勤劳和智慧为人类工艺文化历史创造了境界独到、风范高雅、魅力永恒的工艺造物样式。中国工艺美术浸透着中华民族的文化精神和审美意识,富有鲜明的美学个性,主要体现出： 和谐性、象征性、灵动性、天趣性与工巧性。工艺品以色彩、结构和形体造型来表现一定时代民族的宽泛而朦胧的情感气氛。它一般不是再现、摹拟客观对象，即使以现实对象造型，也是把对象当作情感的外在形式而已，所以说工艺美术品是人的本质感情对象化的产物。因此，我们只有透过工艺形象的外在形式去理解作品的内在情感，才能找到领悟象征意蕴的基本途径，品鉴作品的祟高美。相似的，文学也是在表现一种模糊朦胧的情感，若一篇文章把情感挑明，直白的描述就会使人感到食之无味，丧失阅读的兴趣。文学中注入了作者的情感，有了朦胧的感觉，就会使人感到有趣得多。4.过渡：工艺美术作为文学与艺术的有机结合，由于它们饱蘸着中国的文化精神，成为中华民族审美理想标准之一，也常常是人格风范的象征，故一直以来为人们所崇仰和追慕。文化精神规范着人们的审美创造；而绚丽多姿，蕴涵丰富的艺术形态，也反过来改造和陶冶人们的心灵。5.作为美术的一种，工艺美术受时代的影响和文学受时代的影响不同，工艺美术受到的大多数影响是来自于生活与文化的变化，而文学受到的大多数则来自于政治需求，如鲁迅就曾说过：“好的文艺作品，向来多是不受别人命令，不顾厉害，自然而然地从心中流露的东西；如果先挂起一个题目，做起文章来，那又何异于八股，在文学中毫无价值，更说不到能否感人了。”当然，这里的“命令”、“题目”应该给它下一个定义，简单地说就是：单一的意识形态。工艺美术则不同，例如影响最大的，起源于19世纪下半叶英国的一场设计改良运动的著名工艺美术运动创造了新的设计风格，两个世纪前在英伦三岛掀起的工艺美术运动塑造的理念一直延续至今，坚持着对美丽的最朴素的追求。英国著名维多利亚和阿尔伯特艺术馆（V&T）正在进行世界上第一个囊括了世界范围内工艺美术运动发展全景的展览，从1880年工艺美术在英国的初步兴盛，到传遍欧洲和北美的辉煌，再到20世纪初的引发日本“民艺”（mingei）艺术革新运动的尾声，展露无遗。法国《艺术文本》杂志特地为此做了大专题，追溯工艺美术运动的历史图卷，也借此向这一试图在机器化了的世界中保持基本美感的艺术运动致敬。工艺美术运动是起源于19世纪下半叶英国的一场设计改良运动，产生受艺术评论家约翰·拉斯金（JohnRuskin）、建筑师普金（）等人影响。时间大约从1859年至1910年，得名于1888年成立的艺术与手工艺展览协会（ArtsandCraftsExhibitionSociety）。在装饰艺术、家具、室内产品、建筑等领域，因为工业革命的批量生产所带来设计水平下降，试图通过自觉的设计改良运动来改变颓势。当时大规模生产和工业化方兴未艾，工艺美术运动意在抵抗这一趋势而重建手工艺的价值，要求塑造出“艺术家中的工匠”或者“工匠中的艺术家”。工艺美术运动是世界进入现代工业社会后第一个有广泛影响的设计运动。对其历史功绩有一些辩证的评价，有人说工艺美术艺术家们走的是一条回到中世纪手工业时代的设计老路，不能在根本上解决工业化之后摆在设计和现代工业之间的矛盾。其设计尽管十分精美，但仍复杂繁琐，给印刷和装订造成了困难，人们还需要更合乎现代技术和人们思想情感的语言表达形式。另一些人则认为，工艺美术艺术家们从审美角度反对工业化时代生活用品的机械生产及其造型样式，号召人们把生活用品的设计与其功能相结合，并身体力行。因此，实际上是在引导人们对产品（不论是手工还是机器产品）设计与其功能的关系予以特别重视，指出了正确的设计方向，极大地推动了工业产品设计这一新生事物的发展。对工业化的反对，和对机械、大批量生产的否定，注定工艺美术运动不能形成领导潮流的主流风格。强调装饰导致成本增加，没能真正为大众服务。但他代表了整整一代欧洲知识分子的感受，因此工艺美术运动的探索为此后的新艺术运动奠定了基础。6.总结下工艺美术和文学对时代所反映出的不同表现，文学与工艺美术在艺术领域的一致性（300字左右）中国的建筑工艺美术史在历史的发展中呈现一路攀升的趋势，它紧随着人类社会的进步而不断得到发展，我想，在进后的人类历程中仍然会上这样。尤其在中国，在这个正处于发展中的社归现实中，我们更应该积极的学习研究我国以及世界其他各国的建筑艺术从而使得我们国家在未来的建筑工艺领域取得更加辉煌的成就。
浅议工艺美术的鉴赏与审美 邹惠 工艺美术属造型艺术,是以美术技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的工艺品,既有物质产品,又具有不同程度精神方面的审美性。作为物质产品,它反映着一定时代、一定社会的物质的和文化的生产水平;作为精神产品,它视觉形象又体现了一定时代的审美观。本文就工艺美术的特点及审美问题做了一些分析。 中国工艺的品种繁多,内容丰富。中国工艺美术的原始发生可追溯到远古先民的第一件劳动工具的创造。新石器时代的石玉、牙骨、编织、缝纫,特别是制陶工艺,已鲜明地显示了中国工艺美术重视实用和审美相统一的造物思想和设计意匠,鲜明地显示了工匠把握材料性能和制作工艺的能力以这是地址你自己看看，太多了，发不上来，还需要下载啊！
中国工艺美术的文化特征基于物质与精神双重性王平(江苏大学艺术学院, 江苏镇江212013)[摘要] 工艺美术具有实用性和审美性双重属性,实用性是工艺美术最基本、也是最本质的特征之一。人类的一切造物活动,其初始的目的在于实现它的实用功能和价值,而在造物和使用的过程中,逐渐发展了审美价值,并在创造和使用的过程中,形成了工艺美术的物质文化与精神文化综合并存的文化特征。[关键词] 工艺美术; 物质性; 精神性; 文化特征[中图分类号] J5[文献标识码] A[文章编号]1671 - 6604 (2008) 04 - 0085 - 04[收稿日期] 2008 - 03 - 01[基金项目] 江苏大学高级专业人才科研启动基金(06JDG052)[作者简介] 王平(1957—) ,男,江苏句容人,教授,文学博士,从事设计艺术学、美术学及艺术教育研究。我国传统的工艺美术是一种传统文化的物态形式,它不仅是一种“物化”的精神产品形式,同时也是一种具有精神因素的物化存在,是人类由为生存而进行的劳动生产活动演化而来的制作活动的结果,即不仅具有物质性,同时还具有精神性,是物质与精神双重属性的统一体。工艺美术作为中华民族传统文化的一种重要的存在形态,具有明显区别于一般造型艺术品类的特质。我国新石器时期的原始彩陶器作为人类早期的创造物,即已显示了实用与审美同一体的特征,具备了兼有物质文化和精神文化不可分割的双重性的特征。那些丰富多样的装饰图案既是创作者自身情感和意念的表达,也为使用者提供了欣赏的对象。因此,工艺美术与人们的日常生活关系更为密切,也更加广泛。它不仅为人们的生活提供服务,同时还为美化人们的生活服务,即不仅具有实用价值,还以一种物态化的形式建构起一种文化环境,潜移默化地影响着人们衣食住行等广泛的生活内容,并对人们的价值观念、行为准则、审美理想以及人们的生活态度、生活情趣等产生深刻的影响。在以信息化为特征的今天,在创造和发展工艺美术产品的过程中,我们不仅应当重视工艺美术作为一般商品的使用功能,还必须充分重视它的文化功能,自觉地把握工艺美术作为物质文化形态对营造理想的生活环境、构建和谐社会所具有的现实的积极意义。一、工艺美术的缘起中国工艺美术的缘起,当以距今50 万年前“中国猿人”(即“北京人”)制造的打制石器为标志。打制石器是以石头相互打击的方法制成的,作为工具用以采集和狩猎,使用这种打制石器的阶段被称为“旧石器时代”。距今约1万年的“新石器时代”,人们通过长期的生产实践积累了经验,创造了先进的磨制石器。磨制石器与打制石器相比显然更锋利,使用起来更省力,更便于人们的生产活动,促进了原始社会生产水平的提高。更重要的是,磨制石器体现了形式美的许多因素,如造型的形体、对称、比例、曲直,表面处理的圆润、平滑等等,尤其是造型中的流线型处理,甚至令现代人称羡。与此同时,还出现了许多磨制光滑、带有钻孔和刻纹的骨制品和其他材料的“装饰品”,如穿了孔的海蚶壳和青鱼眼上骨、獾或鹿的犬齿、钻孔的石珠和小砾石以及有刻纹的骨管等等,这些“装饰品”制作相当精致。彩陶是新石器时代最辉煌的文化创造,也是原始时期艺术成就最集中、最突出的工艺美术品
工艺美术运动虽然是由设计师自发发起的，但是，由于人们的审美观念的变化、工业革命以后产品外观设计的丑陋等事实，使这场运动发展迅速，从英国蔓延到了欧洲大陆的法国、斯堪的纳维亚半岛以及美国。影响所及，涉及到建筑、家具、陶瓷、金属工艺、染织品和平面设计等领域、范畴。1、建筑与室内设计建筑与室内设计可谓是受工艺美术运动影响最早的领域。这不仅表现在工艺美术运动的倡导者基本上是一些建筑设计师，而且在建筑与室内设计领域充分体现了工艺美术的思想。除了我们前面所列的一些设计师在建筑与室内设计领域所作的工作以外，英国还有飞利浦•威柏（Philip Webb）、诺尔曼•萧（Norman Shan）；美国有弗兰克•赖特、格林兄弟（Green and Green）。其中后者在洛杉矶的帕萨蒂纳市设计的根堡住宅（The Gamble House）具有强烈的工艺美术运动特征。整个建筑采用木构件，讲究柱结构的功能性和装饰性，吸收东方建筑和家具设计中装饰性地使用功能构件的特征，强调日本建筑的模数体现和强调横向形式的特点。2、家具设计家具设计是工艺美术运动影响最大的领域。除了莫里斯的“红屋”设计以外，一批著名的设计师都设计了颇具工艺美术运动风格的家具——简洁、质朴，没有过多虚饰结构，并注意材料的选择与搭配。如英国查尔斯•沃塞（Charles Voysey,1857—1941）他习惯选用橡树木料，造型简单而结实大方，而比较少有中世纪风格的重复出现，偶尔采用黄铜或红铜作装饰，风格清新、轻巧。比较莫里斯的家具设计，沃塞的设计更加实在，也更加容易批量化生产，对于工艺美术运动为大众服务的精神来说，沃塞显然比莫里斯在实践上更加接近精神的实质内容。又如斯各特在家具设计方面喜欢采用动物和植物的纹样来做装饰，以凸出的线条来勾勒出这些自然纹样来，因而风格颇典雅。再如美国古斯塔夫•斯提格利设计的家具（图2-10），由于他对于东方风格，特别是中国的传统家具风格的优点了解得十分深刻，因此，他设计的家具，无论是其木结构方式，还是装饰细节，乃至金属构件，都有明显和强烈的东方特色，可以看到中国明代家具的影响，这是东西方设计比较早的直接影响成果之一。3、陶瓷设计从总体上说，工艺美术运动时期的陶瓷设计虽仍以实用性小，主要供陈设与玩赏的艺术瓷为主，陶瓷设计家和制作者们忙于提高温釉及窑变等品种的实验，但在克里斯托夫•德累塞、马克•马歇尔（Markv Marshall）、威廉•德•摩根（Williamde Morgan）和科尔曼（W•）等人设计已带有明显的植物有机形态的特点，特别是美国辛辛纳提市鲁克伍德，陶瓷厂（Rookwood Pottery）的产品（图2-11），具有工艺美术运动典型痕迹特征。4、金属工艺设计工艺美术运动的金属制品设计也很引人注目，它不仅是设计师们表达技术与艺术相结合的思想的一个重要方面，而且其设计更少无用的虚饰，更富于现代感，具有浓厚的哥特风格特点，造型比较粗重。在陶瓷设计方面作出了较大贡献的有前所述阿什比和德累塞同样在金属工艺设计方面作出了巨大贡献。查尔斯•罗伯特•阿什比（Charles Robert Ashbee,1863—1942）原在剑桥大学学习历史，受拉斯金影响，于1888年创办“手工艺协会”，从事银器和家具等的设计。他设计的银器造型高贵、典雅，带有修长弯曲的把手或支脚，是工艺美术运动中最精美且最具代表性的金属制品（图2-12）。而出身于植物学教授的克里斯托夫•德累塞（Dr Christopher Dresser 1834—1904），其金属制品设计造型以简结的几何形为主，外表光滑，运用铆钉衔接，已有工业化生产的痕迹，具有从手工艺向工业化生产发展的特征，甚至后来的包豪斯设计都从中获得灵感。5、染识品设计由于莫里斯对染织业兴趣最大，所以其对英国工艺美术运动中染织品设计的影响也最直接。他反对在染织上使用任何化学染料，坚持使用天然染料。他亲自设计壁挂、地毯、壁纸等，常用的纹样是缠绕的植物枝蔓与花叶，自然气息浓厚（图2-13）。在莫里斯的影响下，英国工艺美术运动期间出现了一批染织品设计家。如莫顿•阿比（Merton Abbey）于1883年设立了自己的染织工场，生产各种地毯和挂毯，称为“汉姆史密斯式”（Hammersmith），这些染织品的设计与他早期的墙纸设计风格是一致的，都采用大量的自然主义动机，特别是植物的枝条蔓叶，采用缠枝花的四方连续布局，内中杂以各种小鸟，色彩比较优雅朴实，在当时弥漫市场的繁琐的维多利亚风格中独树一帜，很受欢迎。此外，设计家戴依（Lewis ）、.马克穆多（），以及莫里斯的女儿玛利•莫里斯等，设计生产刺绣、地毯、墙纸等，具有一定“工艺美术”运动的特征。6、平面设计平面设计可谓是英国“工艺美术”运动比较有成就的一方面，莫里斯堪称是奠定这场运动平面设计基础的人物。1890年，莫里斯创办凯伦苏格特印刷厂，着手进行书籍装帧设计，1896年，曾出版过被认为书籍装帧史上最杰出的版本之一《桥沙集》，在莫里斯的影响下，工艺美术风格的平面设计在英国、美国和其它欧洲国家迅速发展开来。出现了包括了马克穆多、奥布里•文特生•比亚兹莱（Aubrey Vincent Beardsley,1872—1898），比利时的亨利•凡德•威尔德（Henrivande Veldt）、法国的阿尔丰索•穆卡（）等设计师。马克穆多设计的《玩具马》（the Hobby Horse），是比较早的具有影响的工艺美术风格的平面设计作品，它是一本季刊，其设计以流畅黑白线条装饰插图而见长由于“工艺美术”运动时期包括莫里斯在内的设计家在平面设计方面具有强烈哥特复兴特征。这一点与当时流行的拉斐尔前派兄弟会的绘画风格是一脉相承的，表现了英国社会上在平面设计方面的浪漫主义倾向。所以遭到了刘易斯•戴依（Lewis ）等人的指责，他曾住在1899年的一本期刊《东方杂志》（the Easter Journal,1899）撰文批评莫里斯，认为他的书籍设计过于沉溺于复古主义，过分古旧和沉重，他认为这样的复古倾向，完全违背了莫里斯一向主张和倡导的设计社会化、民主化、大众化的立场和原则，使书籍无法成为大众的普及读物，而全落为少数收藏家的收藏品。为了扭转莫里斯等人的平面设计风气，戴依和插图画家杰西•金（Jessie ）、格里那维（Kate Greenaway）合作，创造出一种为广大儿童的读物设计风格来。他们的设计充满了儿童的天真、浪漫色彩，无论是字体、插图风格，还是布局排版，都轻松可爱，深受儿童的喜爱。他们的这种设计风格影响了当时和稍晚的许多平面设计家和插图画家，其中最著名的当推比亚兹莱。他曾向莫里斯学习绘画，后来他巧妙地吸收了日本浮世绘版画的线条艺术，也从波斯细密画中吸收其装饰手法，形成自己单纯、优美、秀媚的风格，尤其在描绘女性形象时，往往为主人公设计一套独出心裁的服装式样，因此有他插图的作品集一旦出版，马上会成为闰阁中的必备书，其插图中描绘的时装式样马上便会在社会上流传开来。 给你点资料，自己整理。
通俗的说;工艺美术实用是物质的产物，是可见的。而审美是一种精神文化领域的产物，可以说是一个人的观念[对文化的认识观]，也可以说是一个人的艺术鉴赏能力。 工艺美术实用是社会发展到一定阶段的产物，是人们对美的一种认可的表现形式，也是大家对艺术文化认可的表现。 审美是个人滋生出的美的评赏，对美的一些认识程度。